Hem › Ljus och glas › Kristina Krasnyanskaya: ”Om de sagt till mig att det skulle vara SÅ skulle jag aldrig ha trott det. Är den här möbeln samlarbar?

Kristina Krasnyanskaya: ”Om de sagt till mig att det skulle vara SÅ skulle jag aldrig ha trott det. Är den här möbeln samlarbar?

Att samla konstverk är en elithobby, vilket innebär inte bara en seriös utbildning inom konsthistorien, utan också oklanderlig smak.
Kristina Krasnyanskaya, en konstkritiker, motsvarande medlem av International Academy of Culture and Art, ägare av Moskva-galleriet "Heritage", berättade för oss om det är möjligt att odla god smak på egen hand och hur man lär sig att skapa konstsamlingar .

Christina, vad är "god smak" för dig?
God smak är konsten att vara i harmoni med miljön. Styrda av smak kan vi välja vad som ska bli en del av våra liv och vad som inte kommer att göra det. Det är som att bygga en bra samling. Förmågan att välja och hitta matchningar avgör hur vårt personliga livskontext utformas. En person med god smak finns alltid och känner sig till platsen och tiden, eftersom han strävar efter harmoni mellan den yttre och inre världen.
Enligt din mening kan god smak odlas?
Naturligtvis är god smak en egenskap som ingjutits från barndomen. Om en person från själva tidig ålder bekantar sig med skönheten och de eviga skönhetens kanoner, är det mycket lättare för honom att utveckla en god smak. God smak är inte en medfödd egenskap, det är snarare ett resultat av arbete med sig själv. Att ständigt vidga dina vyer och upptäcka nya saker, vi förbättrar oss din smak. God smak förknippas ofta med en känsla för stil, även om det är två helt olika begrepp, som mode och konst.
Och vad är viktigare i bildandet av privata samlingar - smak eller mode?
Modelagar finns i alla typer av mänsklig verksamhet. Men mode är alltid villkorat. Trots att modekonst är otroligt efterfrågad vid ett visst tillfälle, gör detta den inte mer attraktiv när det gäller samlingsbildning. Det finns mycket viktigare kriterier när man väljer verk för insamling, och först och främst är detta det konstnärliga värdet av verket. Idag är det extremt på modet att samla samtida konst, men det betyder inte alls att samlare Art XIXÅldrar har dålig smak...
Smaken hos en professionell och en nybörjarsamlare stämmer ofta inte överens. Hur beter du dig i sådana situationer - ingjuta smak hos kunderna eller försök matcha deras ambitioner?
Jag försöker alltid lyssna på mina kunders önskemål och vision, dock utan att dölja min åsikt för dem. Som regel börjar alla samla från klassikerna, styrda av idéerna som tas emot i antologier och museikataloger. Men konservatism vid insamling - inte alltid ett tecken bra smak. Abstrakt konst- det här är den utveckling som konstnären går igenom först, och sedan betraktaren. Denna konst kräver särskild träning, erfarenhet och utbildning. Du måste komma till det, gradvis utöka din vision, annars kanske du aldrig kommer.
Hur modern konst påverka allmänhetens smak?
Vid alla tidpunkter har konsten utgjort både skönhetens kanoner och fashionabla typer. Samtida konst gör detta på ett mer intensivt och eklektiskt sätt, samtidigt som den talar om så många saker på samma gång. Idag finns en trend mot en syntes av konsten, när teatern kombineras med musik, måleri med design, videoinstallationer. och kinematografi. Konsten visar oss sin inställning till de processer som äger rum i samhället och hjälper till att bestämma vår egen inställning till det. Hur ljust och intressant det visar sig beror på artistens talang och skicklighet.
Dålig smak i konst är...?
Skandalös. När en konstnär saknar inspiration eller skola för att göra sig känd för världen, tar han till chockerande. Genom vissas arbete kreativa föreningar, modernt rysk konst har ofta blivit förknippat med chockerande. Lyckligtvis, förutom chockerande, finns det många intressanta i Ryssland samtida konstnärer baserad på den ryska målarskolans rika traditioner. Utan tvekan kommer deras verk en dag att bli allmänhetens egendom, men även nu är deras verk ett samlarobjekt.
Vilken konstnärs verk är ett exempel på oklanderlig smak för dig?
Detta är en mycket bred fråga. Sådana artister som Van Gogh, Marc Chagall, Konstantin Korovin hade en otroligt stark känsla för stil. För mig personligen är en oändlig källa till beundran arbetet av den ryske avantgardegreven Andrey Lansky, en rysk konstnär som lämnade sitt hemland under åren Oktoberrevolutionen och nådde brett erkännande i väst. Hans lyriska abstraktioner är raffinerat intellektuellt måleri, full av "färg-ljus" energi. Idag får Lanskys arbete äntligen ett välförtjänt erkännande i hans hemland, vilket också vittnar om utvecklingen av den offentliga smaken i Ryssland ...
(Från galleriets hemsida):
Huvudaktiviteterna för det internationella konstgalleriet "Heritage" är konsten från den ryska emigrationen under första hälften av 1900-talet och samtida rysk konst.
Medveten om det ansvar som galleriets arbete lägger på med verk konst av en sådan nivå som "ryska diasporan", strävar vi efter att vara så krävande som möjligt i vårt arbete med samtidskonst. Modern rysk och västerländsk konst är representerad i galleriet "Heritage" av konstnärer vars verk finns i samlingarna på flera världsmuseer.
Många deltagare i våra utställningsprojekt är medlemmar i Union of Artists of the USSR and Russia, studenter av sådana jättar modernt måleri, som Varvara Bubnova (medlem i Union of Youth, Jack of Diamonds, Donkey Tail, utställd med Malevich, Tatlin och Rodchenko), Vasily Sitnikov (representant för "inofficiell konst, grundare av sin egen skola), Heinrich Ludwig (representant för avantgarde Sovjetisk arkitektur 20-talet).
Varje presenteras i vårt galleri av verk bär ett obestridligt konstnärligt värde, vilket gör samtidskonst värd elitsamling och alltid ger oss glädje från kontakt med det vackra.
------------------
Kristina Krasnyanskaya (38 år): dotter till delägaren i Eurocement Group Georgy Krasnyansky (en förmögenhet på 1,5 miljarder cu).
Heritage Gallery

Från 21 februari till 30 april i galleriet i Moskva Arv utställning kommer att äga rum "Postkonstruktivism, eller födelsen av sovjetisk art déco: Paris - New York - Moskva" dra paralleller och leta efter korsningar och influenser inom konst, arkitektur och design i Ryssland, Amerika och Frankrike på 1920- och 30-talen. Med denna utställning firar galleriet sitt 10-årsjubileum, på kvällen då dess grundare Christina Krasnyanskaya berättade för ARTANDHOUSES om skillnaderna mellan samlare och investerare, om tron på "mun till mun" och fördelarna med konstkonsulter.

De senaste åren har du gjort flera museiprojekt i Ryssland, men nyheter om galleriets arbete kom främst från utlandet – om deltagande i. Varför?

Det var en period då det var mycket projekt – jag tog mig an allt, och det var viktigt för mig att det hela tiden bedrevs en aktiv utställningsverksamhet. Detta är mindre relevant nu av flera anledningar. Med tiden utvecklas trots allt kvantitet till kvalitet, och man tar inte tag i allt. Vi gör ganska komplexa projekt som kräver ganska långa förberedelser, framför allt med insamling av material. Därför, att göra många av dem och ofta bara inte fungerar, och att göra något enkelt är inte intressant för mig.

Det hände sig att galleriets verksamhet från fokus på ryska konstnärer utomlands - även om jag betonar att vi inte glömmer denna riktning och inkluderar verk i utställningar - smidigt strömmade över till ämnet sovjetisk design. Men de senaste utställningarna är ändå mycket bredare: de omfattar inte bara design, utan också måleri, grafik och arkitektur. Jag gillar att de är mättade, eklektiska, jag ser att den här utställningstrenden stöds av andra. För när man har den här typen av exponering kan man inte bara se något som tagits ur sitt sammanhang, utan hela sammanhanget på en gång.

Det var därför du, efter trenderna, började arbeta med samtida konstnärer?

Visst ska rätt galleri ha ett visst fokus, men trots att vi koncentrerar oss på första hälften av 1900-talet stödjer jag gärna samtida konstnärer. Jag hjälper till och med några av dem med marknadsföring i väst: förra året övervakade jag ett projekt av skulptören Alexei Morozov på Neapels arkeologiska museum. Och förra året var hon medkurator för utställningen av Oksana Mas i MAGA-museet nära Milano, där hennes verk ingick i utställningen av arte povera-mästare - Fontana, Castellani och andra. Förresten, det här museets beskyddare är familjen Missoni, och nu har jag en idé om att göra en utställning om deras modehus i Moskva.

William Klein
"Tatiana, Mary Rose och kameler, picknick, Marocko"
1958

Ditt galleri är 10 år gammalt. Tycker du att det är för mycket eller för lite för ett galleri i Ryssland?

Med tanke på marknaden och det politiska läget tycker jag att det här är hyfsat. I världssammanhang räcker det förstås inte, men för vår ryska räcker det. Särskilt att komma ihåg att vi under den här tiden har upplevt flera kriser.

Hur överlevde ditt galleri kriserna?

Den första är väldigt enkel. Han rörde snarare det internationella auktionshus, eftersom krisen verkligen var global och folk inte ville ge ut saker till offentlig försäljning. Den andra är svårare, eftersom den var kopplad till våra samlare, med våra politiska och ekonomiska händelser. Därför skedde en slags rotation: människor som köpt konst mycket och aktivt, av en eller annan anledning, slutar köpa, men nya köpare dyker upp. Vår verksamhet är utformad på ett sådant sätt att galleriet ska vara en flexibel organism och anpassa sig efter omständigheterna. Det har alltid varit intressant för mig att hålla en balans mellan kommersiella och kuratoriska aspekter.

Jag minns att du för några år sedan klagade över bristen på en art director på galleriet. Hittade du det eller fortsätter du att göra allt själv?

Tyvärr fortsätter jag själv att vara det, även om jag regelbundet tror att en sådan person kommer att dyka upp.

Återvänder till det förflutna ... Du har en ekonomisk och konsthistorisk utbildning. Har du målmedvetet studerat till konstkritiker för att senare öppna ett galleri?

Ja. Då arbetade jag redan i ett privat galleri stängd typ hos sina bekanta. Hon specialiserade sig på klassisk måleri, och med min ankomst började de syssla med modern konst också. Det var en fantastisk tid! Ett sådant manövreringsfält, där jag kunde studera hur galleriet och i allmänhet denna verksamhet fungerar från insidan. Vid något tillfälle utvecklades till och med omständigheter där att jag var tvungen att aktivt engagera mig i försäljning, sköta galleriets ekonomiska angelägenheter. Så det var en så bra skola.

Ib Kofod Larsen, lätt stol, 1950 / Borge Mogensen, soffa, 1962

Varför valde ni också att till en början göra ett stängt galleri?

Jag tror bara inte på att vi har samlare som går nerför gatan och tittar genom fönstren. Det förefaller mig som att i vårt land är ämnet insamling fortfarande stängt, och "word of mouth", den vunna auktoriteten bland samlare, fungerar bäst här när de kommer tillbaka till dig och rekommenderar dig. Detta är förmodligen den bästa reklam någonsin.

Det vill säga, våra gallerister själva fortsätter att upprätthålla en aura av elitism i att samla och skapa någon form av magi kring?

Jag tror att samla är magi. Och jag säger alltid att samlarklubben är en sluten klubb och faktiskt elitens lott. För det räcker inte med att ha mycket pengar och möjlighet att köpa dyra konstföremål, det räcker inte ens att bara läsa böcker, gå på utställningar och mässor eller få någon form av specialundervisning. När allt kommer omkring, förstå att inte alla människor är redo och inte alla är infekterade av denna anda av samling. Även de som köper något blir inte nödvändigtvis samlare. Riktiga samlare är mycket komplexa människor. Och, för att vara ärlig, på vissa sätt till och med besatt. De lever det och uppfattar konst på ett helt annat sätt. Eftersom konst är en villkorlig kategori. Det är inte bland det väsentliga, inte ens bland det lyxvaror, som en lyxbil, stora diamanter, en yacht eller ett hus på Cote d'Azur. Det här är vad du behöver känna med ditt hjärta, vad du behöver ha ett "öga" och smak för. Ja, du kan, gå igenom utställningar, memorera namn och populära resmål, men inte alla är intresserade av att förstå konst och samla, djupt studera dess subtiliteter. Och alla är inte kapabla till det. Därför är klubben för dessa människor infekterade med "basillen" att samla, som gillar att laga mat i den, som är avundsjuka på varandras inköp och följer saker i åratal, som gillar att ge sitt arbete till museer, så att de "lever ” något slags eget liv och få härkomst, stängd. För att komma in i det räcker det inte att bara ha pengar. Dessutom finns det välkända samlingar när folk köpte verk inte alls för fantastiska pengar, de hade bara en bra instinkt och kunskap och bra konsulter.

Du har just beskrivit figuren av vad som förmodligen är den kanoniska passionerade samlaren. Det visar sig att du inte anser att de som samlar in i investeringssyfte är samlare?

Jag säger alltid: det finns köpare och det finns samlare. Köpare är de som köper konst för hemmet, för en gåva, ibland under inflytande av känslor, vilket händer särskilt ofta på mässor. Och det finns samlare, en annan kategori, inte alls mytologisk. I vårt land finns det till exempel tio sådana.

De som köper i investeringssyfte är helt enkelt investerare. Det snurrar förstås mycket pengar i konsten och många vill investera i det för att få extra inkomster senare. Men för detta behöver du antingen känna till denna marknad mycket väl, följa den inte mindre än börsen, eller ha en erfaren konsult i närheten. Ännu bättre, det ena och det andra. Tja, generellt sett tror jag att det finns mer lönsamma och mindre riskfyllda typer av affärer än att investera i konst.

En gång med Matthew Stevenson, då chef för den ryska filialen av Christie's, höll vi en föreläsning om hur man samlar på ett sådant sätt att konst alltid var flytande. Det fanns fem grundläggande principer.

Kan du rösta dem?

Det första är namnet. Vi pratar nu inte om att investera i framväxande konst(ung konst), men vi talar om det faktum att en person skulle vilja investera sina pengar och, om inte öka dem, så åtminstone spara dem. Detta bör vara den första raden med namn.

Den andra är perioden. Eftersom varje konstnär har en period av välstånd, men det finns mindre intressanta - början, när han ännu inte har bildats, nedgången av kreativitet. Det är viktigt att förstå att du köper den bästa perioden av denna författare.

För det tredje, handlingen. Det borde finnas en igenkännbar handling som kännetecknar den här artisten, och alla hans, låt oss säga, marker ska vara med i arbetet. Om du har Picassos verk framför dig och du inte vet att det är hans hand behöver du inte köpa investeringsmässigt.

Fjärde - mycket intressant parameter. Det finns ett sådant koncept: väggkraft. Det innebär att arbetet ska vara effektivt. Även om detta till exempel är en målning av den sena Magritte, inte den bästa perioden, men om den är spektakulär, så kan den väl förverkligas i framtiden.

Och den sista punkten är tillståndet för arbetet och härkomst. Här måste du titta på säkerheten i arbetet, ingripandet eller inte hos restauratörerna. Och dess ursprung: vem det tillhörde, var det ställdes ut eller i vilket auktoritativt galleri det förvärvades.

Om du följer dessa enkla regler, så verkar det för mig, framgången för dina investeringar är garanterad.

David Dubois
Rembord
2014

Varför kommer det då att behövas konstkonsulter?

Tja, det är inte så lätt att använda dessa regler (skratt). Du måste spendera enormt mycket tid på att studera frågor, och för varje artist separat. Och för att skaffa den nödvändiga mängden information måste du förmodligen helt koppla bort din huvudverksamhet.

Hur kom namnet på ditt galleri till?

Det är väldigt enkelt: jag ville ge ett namn som å ena sidan skulle vara internationellt, och å andra sidan skulle ha betydelse. Och ordet "arv" verkade universellt, som man säger, med god karma.

Du började med ryska konstnärer utomlands, nu har du gått in i sovjetisk design - allt vårt arv, ja. Och varför började de ta hit saker från utländska designers?

Redan när jag började insåg jag att i vårt land är nischen som kallas "kollektionsdesign" inte alls fylld. Och för många år sedan gjorde jag en utställning av endast västerländska saker av det här slaget. Hon visade där de bästa läroboksföremålen, både antika och under hela 1900-talet fram till de moderna formgivarna Martin Bas och Fabio Novembre. Jag var intresserad av att se folks reaktion, men då var få som var redo för detta. Idag finns det lyckligtvis redan ett fåtal som gör sådana saker.

Vi, speciellt på den här utställningen tillägnad galleriets jubileum, är fokuserade på sovjetisk design i ett brett internationellt sammanhang - vi försöker visa hur Amerika och Frankrike påverkade Sovjetunionen, vad som kom till oss därifrån och vad som är äkta i Sovjet. design.

Du visar aktivt sovjetisk design i väst. Hur reagerar lokala samlare?

Västerländska museer är mycket intresserade, och jag är med i en serie föredrag om en föreställning. Och samlare gillar det, men de beter sig försiktigt - det finns väldigt lite litteratur om detta utomlands. Även om vi, förutom ryska köpare, har kunder från Tyskland och Schweiz, en fransman med ryska rötter, och, jag hoppas, kommer att dyka upp från Italien.

Toppmodell, programledare och skådespelerska. Efter att ha fått titeln "Bästa comers girl in Russia" enligt Fashion TV, flög hon för att erövra Paris. Och hon lyckades - Polina skrev på kontrakt med Houses of Dior, Roberto Cavalli, Jitrois, Levi's. Och som skönhetsmodell lyckades Polina arbeta med L'Oreal och Feraud och blev ansiktet utåt för framgångsrika reklamkampanjer för kända varumärken.

För ett par månader sedan var jag på ett evenemang tillägnat invigningen av en utställning av den berömda ryska konstnären utomlands Georgy Artemov i Heritage. Alla bohemiska Moskva och inflytelserika personer i huvudstaden samlades i detta galleri. Vi möttes av ägaren till galleriet, vars namn är allmänt känt i affärs- och modekretsar, vacker tjej med ett charmigt leende, - Christina Krasnyanskaya. Samma kväll fick jag idén att spela in en intervju med Kristina, prata med henne om hennes galleri, hur svårt det är att uppnå ett kall och, naturligtvis, om ryska konstnärers arbete.

: Christina, jag är glad att se dig. Alla känner till översättningen av namnet på galleriet "Heritage", som betyder "Heritage". Jag vet att galleriet är värd för utställningar av endast ryska konstnärer, vad är anledningen till ett sådant val?

Christina Krasnyanskaya: Att galleriet har ett officiellt koncept. Summan av kardemumman är att vi arbetar med ryska konstnärer utomlands, med de som invandrade under revolutionen eller före den. Naturligtvis är deras arbete vårt arv. Tyvärr var den förlorad fram till en viss period. Vårt galleris uppgift är att återställa detta och visa världen att dessa är ryska konstnärer. Till exempel fram till 1985 skrev Marc Chagall på alla gallerier som fransk konstnär. På den tiden glömdes det bort att han var från Ryssland. Nu värderas sakerna från Chagall från den ryska perioden på marknaden mycket mer än de franska. Han levde långt liv berömd konstnär, i nästan 100 år, och arbetade till slutet av sina dagar. Det är alltid värt att komma ihåg att vårt ryska "arv" är en enorm lista med både kända namn som Marc Chagall, Wassily Kandinsky, Natalia Goncharova, Mikhail Larionov, Konstantin Korovin, Boris Grigoriev och mindre kända artister: Georgy Artemov, Boris Anisfeld, Andre Lanskoy, Serge Polyakov, Georgy Pozhedaev, Leopold Survage, Serge Charchoun och många andra, som nyligen har blivit en upptäckt för samlare. I allmänhet finns begreppet etnisk marknadskonst. En grupp av dessa artister går längre än så. Det är dock allmänt känt att ryssar försöker köpa rysk konst, skandinaver - skandinavisk, amerikaner - amerikansk och så vidare.

: Vad är skälet till detta?

Christina Krasnyanskaya: Önskan att ha verk av konstnärer som personifierar nationen, konst bekant från barndomen, sett mer än en gång i nationella museer. Det är här som ett inslag av ett slags patriotism också kommer in i bilden. Varje samlare börjar oftast köpa det som tillhör hans arv hemland. Konstnärerna som galleriet sysslar med är intressanta eftersom de har en rysk skola, ryska rötter, men samtidigt finns de representerade i världsmuseernas samlingar. Dessa namn finns i samlingarna av inte bara ryska utan även västerländska samlare. Dessa är ryska konstnärer med världsberömdhet. Wassily Kandinsky, Marc Chagall, Naum Gabo, Alexei Yavlensky har länge sålts på impressionisternas auktioner, och ingenstans i världen positionerar ingen dem som ryska konstnärer. Därför var det viktigt för galleriet att först och främst återföra vårt arv till Ryssland. För det andra får vi inte glömma att dessa konstnärer också är en integrerad del av världsarvet. Därför är deras arbete också en mycket bra investering för samlare. Låt oss ta till exempel Artemovs utställning som just nu pågår i Heritage. Jag blev först bekant med hans verk på ett franskt galleri. När jag såg hans träpanel presenterad där blev jag förtjust. Efter att ha lärt mig kostnaden trodde jag att det namngivna priset beräknades för ryska köpare, men jag hade fel. Panelen köptes dessutom av fransmännen på mycket kort tid. Om du tittar på historien om Georgy Artemovs arbete kan du se att han arbetade mycket för franska kunder, som Andre Lanskoy. Det franska galleriet la Carré gjorde ett namn för Lansky tillsammans med sådana kända artister som Fernand Léger och Raoul Dufy.

: När du väljer kollektioner, litar du som proffs på din smak?

Christina Krasnyanskaya: Ja. Jag har ingen art director, så det är min roll. Min dröm är att allt ska fungera av sig självt, utan min permanent deltagande. Men tyvärr är detta praktiskt taget omöjligt. Å ena sidan är detta förstås underbart, men å andra sidan är det svårt. Du är i ett tillstånd av konstant spänning och ansvar för ditt företag och de människor som arbetar med dig. Jag brukade tänka att mitt företag är frihet. Detta är en stor missuppfattning.

: När jag besöker dig på evenemang märkte jag att dina kunder och vänner lyssnar noga på din åsikt. Det är bra eftersom du kan hjälpa till att bygga rätt samling från alla vinklar. Från den materiella sidan, som en bra investering, och från den andliga och energimässiga sidan. Känner du inte en sorts stolthet över att du blir lyssnad på?

Christina Krasnyanskaya: Under hela denna tid insåg jag att en gallerists arbete på sätt och vis också är en psykologs verk. Var annan tid, och en lång väg till vad jag har nu. När jag började sälja konst var det få som ville köpa av mig. Människor som är seriöst involverade i detta, spenderar mycket pengar, har egna konsulter och naturligtvis är frågan om att lita på erfarenhet och professionalism mycket viktig. Jag kom på två postulat för mig själv: för det första borde jag aldrig skämmas för det jag säljer, en person ska inte bli besviken och återvända, och för det andra, jag sätter aldrig press på folk, jag "knuffar" inte någonting och ger till och med råd mina kunder vid köp genom andra konsthandlare eller gallerier. Din ärlighet och professionalism ligger i att leda en person kompetent, ge honom rätt råd. Vår verksamhet är mycket känslig som att sälja en yacht eller bra bil lättare än att sälja konst, eftersom konst inte har någon utilitaristisk funktion. I Ryssland gör majoriteten av samlare ett val till denna dag till förmån för klassisk konst. Situationen är mycket mer komplicerad med abstraktion, non-figurativt måleri, och det är mycket svårt med faktisk, konceptuell samtidskonst. Detta är väldigt intressant jobb, trots allt, genom att berätta och förmedla information till en person börjar du utbilda honom, utveckla honom, ändra hans estetiska uppfattning, göra den, säg, bredare. Den "bevakade raden" är mycket viktig. När allt kommer omkring, om en person inte tittar på utställningar, inte tar emot, tillsammans med vad han ser, ny information, det utvecklas inte. I allmänhet finns det en vanlig samlarväg: från klassiska landskap till samtida konst...

: Det är sant, men de flesta behandlar tyvärr samtidskonst enligt principen "Varför kostar det så mycket, för jag kan göra det också."

Christina Krasnyanskaya S: Detta beror vanligtvis på bristande information och förberedelser. När du gradvis fördjupar dig i ett ämne börjar du förstå bättre. Allt är egentligen enkelt. Konstnären har två verktyg – form och innehåll. Och att spela med dessa två instrument och deras variationer varar i 500 år. Med form menar vi "hur det går till": måleri, grafik, skulptur, relief, motrelief, installation etc., upp till performance och videokonst. Innehållet är temat, konstnärens budskap till samhället. Konsten måste föra en dialog med betraktaren. Ta till exempel expressionismen, det verkar som om riktningen bildades som ett resultat av första världskriget, då känslor som smärta, besvikelse och förtvivlan rådde. Konstnärernas uppgift var att reflektera denna tid, att förmedla dessa känslor genom duken, och inte att visa vacker bild med en glad färg, som impressionisterna. Vid det här laget växte artister som Egon Schiele och Edvard Munch fram. Målningar som är vackra på sitt eget sätt, men som skiljer sig från den vanliga skönhetssynen.

: Det är verkligen mycket smärta i målningarna av dessa konstnärer. När jag har någon form av problem i mitt liv dyker alltid bilden av Edvard Munch ”Skriet” upp i mitt huvud.

Christina Krasnyanskaya: Idag behöver konsten en curator som blir en översättare, en förklarare för betraktaren av konstnärens idéer. Även om konsten enligt min mening borde tala direkt till betraktaren.

: Jag håller med dig. Ta till exempel Kazimir Malevichs Svarta kvadrat. Efter att ha chockat allmänheten med ett sådant verk öppnade han vägen för fantasi och tankefrihet om vad han ville förmedla till betraktaren.

Christina Krasnyanskaya: Malevich är ett helt annat ämne. Detta är det ryska avantgardet, ett av de mest eftertraktade och därför förfalskade teman i konstvärlden. Artister som kommit till icke-objektivitet har bemästrat alla stadier, alla stilar, alla riktningar. Malevich, efter att ha passerat denna väg, blev i själva verket grundaren av minimalismen. Han avbröt formuläret.

: Ditt galleri är redan sex år gammalt, känner du att du vill vara engagerad i den här riktningen hela ditt liv?

Christina Krasnyanskaya: Du vet, jag gillar verkligen det jag gör nu. Kanske kommer jag i framtiden att ändra formen på denna riktning, på något sätt utvecklas, växa, gå bortom galleriet. Jag är inte en av dem som tänker tio år framåt. Konstens värld är mångfacetterad, galleriet är ett av dem. Det här är en mycket kostsam affär, men det ger en möjlighet för många intressanta projekt, kreativitet, kuratorarbete och marknadsföring till den internationella marknaden, deltagande i internationella projekt. Vi har blivit det första och hittills enda ryska galleriet som ställer ut på Design Miami Basel. Vi presenterar ytterligare en riktning som jag engagerat mig passionerat i i flera år - kollektionsdesign. Vi har varit i Miami och Basel. Jag tar med designföremål från västerländska författare till Ryssland och sovjetisk design till Basel. När jag började sa alla till mig att ingen behövde det. Jag tog många risker och var orolig för hur vårt projekt skulle uppfattas av samlare i världsklass och västerländsk media. Men allt blev så bra. Idag är vi vänner med världsmuseer och har utmärkta gensvar i den västerländska pressen.

: I början av din resa diskuterade många dina föräldrars stöd för att skapa ett galleri. Du är fantastisk, och varje år bevisar du att du är ett proffs inom ditt område, och inte bara en dotter till dina föräldrar. Var det inte pinsamt att de sa så?

Christina Krasnyanskaya: Jag har alltid förstått att folk kommer att ha en koppling till min familj, och detta är ett visst axiom. Jag är väldigt stolt över mitt efternamn, om jag behöver använda mitt förnamn så gör jag det alltid. Men med allt det är jag ensam. Självklart hade jag startkapital. När jag hittade en plats för ett galleri och erbjöd det till min far sa han till mig att det var galet. Efter alla förhandlingar sa jag att jag inte visste hur framgångsrikt galleriet skulle bli, men sajten var flytande, vilket betyder att vi inte skulle förlora någonting. Han höll med mig. Dessförinnan jobbade jag i ett stängt galleri i 1,5 år, och det var en bra start på att skapa mitt eget företag. Jag hade också erfarenhet av återförsäljare, så jag förstod redan något i den här aktiviteten. Besvikelsen var någon annanstans. När jag började med det här trodde jag att bekanta och vänner som samlar på konst direkt skulle börja köpa av mig. Men folk kom, log och köpte ingenting, nu förstår jag varför. Människor som investerar i konst har redan förtrogna, konsulter, och jag är en tjej som precis har börjat göra det här, och vars erfarenhet inte väckte tillbörligt förtroende.

Min första stora affär gick så här. En dag gick jag genom en annan utställning i Paris, upprörd, och jag träffade min vän. Han köpte redan aktivt konst på den tiden och var väl insatt i det. Han frågade vad som var intressant i mitt galleri, och på den tiden hade jag två mycket bra seriösa verk. Han bad att få ta med dem till sitt kontor och när han såg dukarna bestämde han sig för att köpa, även utan mycket prutande. Det var min första framgång, och steg för steg började folk lita på min åsikt.

: Och hur marknadsför du galleriet?

Christina Krasnyanskaya: Angående PR så jobbar jag aldrig med byråer, bara med människor. Detta är korrekt eftersom PR är ett poängsystem. Jag minns min första glansiga fotografering, som var för Harper's Bazaar. Det var en fantastisk fotograf, fotograferingen varade i 6 timmar. Ett par dagar senare när jag såg resultatet blev jag lite chockad. Photoshoppade mitt ansikte förändrades till oigenkännlighet. Det var mitt första framträdande i glans. Det var mycket grejer efter det... Jag är väldigt stolt över intervjun i Wallpaper* Magazine. Utgåvan ägnades åt Ryssland, den innehöll de bästa proffsen inom sitt område. Arkady Novikov för hans bidrag till cateringverksamhet, Daria Zhukova för det bästa centret för samtidskonst, Olga Sviblova som en person förknippad med fotografi och mig som personifieringen av design i Ryssland. Det var väldigt trevligt och viktigt för mig.

: Tja, vad gäller kvinnors svagheter, vad gillar du?

Christina Krasnyanskaya: Jag kommer inte att vara original om jag säger att jag älskar väskor, skor och kappor. Med allt detta är jag väldigt lugn när det gäller smycken, jag gillar kläder mer. När någon ger mig något föredrar jag att det är KONST än smycken. Så jag byter Graff mot Pablo Picasso.

Återvändande av de förlorade kulturellt arv Ryssland - huvudriktningen i arbetet med galleriet "Heritage". Sedan 2011 har galleriet bildat en samling av författarens västerländska och sovjetiska design. 2012 och 2011 blev hon det första och enda ryska galleriet som bjöds in att delta i Design Miami / Basel. Februariutställning på Arkitekturmuseet "Sovjetisk design. Från konstruktivism till modernism 1920-1960-talet” är frukten av ett storslaget kuratorarbete. Utställningen för första gången i historien i sin helhet presenterar publiken inte bara sovjetisk design, utan antikviteter på museinivå.

Kristina Krasnyanskaya, konsthistoriker, samlare, ägare och art director för det internationella konstgalleriet Heritage, curator för utställningsprojektet Soviet Design. Från konstruktivism till modernism 1920 - 1960-talet.

Christina, berätta för våra läsare om kuratoridén. Vad är huvudkonceptet för projektet?

I fem enfiladsalar på museet presenteras totalt cirka tvåhundra inredningsföremål, inklusive möbler, plast, fat, tyger och så vidare. Med ett konceptuellt kuratoriskt beslut delade vi in expositionen i stilar och riktningar: fem salar - fem epoker - fem stilar. När vi till en början började arbeta med projektet ställdes jag inför det faktum att, i princip, i väst, förutom det ryska avantgardet och sovjetisk konstruktivism, ingen vet något om sovjetisk design. Samma sak, tyvärr, händer i stort sett hos oss. Tyvärr är det så här vår mentalitet är ordnad, när vi ändrade, som de säger, milstolpar, förstörde vi allt, alla materiella monument från den tidigare eran. Lite finns kvar av arvet som kallas sovjetisk design. Mer lycklig arkitektur. Under de fyra åren när jag arbetade med projektet, helt oväntat för mig själv, upptäckte jag ett helt lager av stilar, epoker, trender. Vissa existerade parallellt. Vissa har förändrats. Vår utställning har en absolut historisk och kulturell tyngdpunkt.

Var börjar exponeringen?

Utställningen börjar med en sal tillägnad konstruktivism. Här är sällsynta exempel på möbler designade av Boris Iofan för hans berömda "House on the Bankment" (1927-1931), där arkitekten helt ritade alla interiörer. Propagandamöbler (1930-tal) visas också här, till exempel en uppsättning designad av arkitekten Igor Krestovsky för Smolensk kommunhus "Bröd av kommunism". Naturligtvis är alla stilar och trender förknippade med de processer som äger rum i staten. Från låten, som de säger, kan du inte kasta ut ord. Kommande ny personlighet, en kursförändring, har alltid påverkat vardagen, arkitekturen och designen. Nu har propagandamöbler blivit en sällsynthet och flera autentiska föremål från Kommunhuset visas - stor lycka till! De föremål som presenteras i projektet kommer inte bara från vår gallerisamling, utan från privata och museisamlingar, inklusive Museum of Decorative and Applied Arts, Museum of Architecture. I MUARE genomförde vi, som de säger, spaning i kraft och hittade mycket intressanta saker, som fotografier.

Soffa från möbelsetet "Kommunismens bröd". Igor Krestovsky och Artel "Leninist" - 1937

Andra rummet?

Den andra salen är tillägnad sovjetisk art déco. Art Deco-stilen, dess sovjetiska version, har sina rötter i konstruktivismen. Det finns utmärkta exemplar här, till exempel möbler tillverkade på 1930-talet enligt Nikolai Lanseres design för Museum of V.I. Lenin in
Leningrad, inrymt i Marmorpalatset. Det som är särskilt intressant är att Lansere designade detta möbelset när han satt i Gulag, i en "sharashka", i "Special Design and Technical Bureau". Denna sal presenterar också magnifika prover av den sovjetiska propagandan Wedgwood, vilket är mycket intressant.

Tredje rummet?

Det tredje rummet har fantastisk 1930-talsdesign som ett kylskåp. Idag är det svårt att förstå att detta är ett kylskåp. Detta kylskåp har förresten till och med en inskription om att det presenterades för en viss Chekist Morozov. Ritningarna av Stalins favoritarkitekt-designer Boris Smirnov presenteras också i samma sal.

Fjärde rummet?

I det här rummet - den sovjetiska imperiets stil. Här, i all sin glans, dyker sakerna upp från Karen Alabyan, skaparen av Red Army Theatre. Möbler av den stalinistiska imperiets stil visas också i unika exemplar: en transformerande stol och ett radiogram, som gjordes på order av Leningrad Kirov Opera and Ballet Theatre (Mariinka) som en gåva till Mikhail Ivanovich Kalinin. Saker och ting är annorlunda, intressanta, allt åtföljs av grafik, fotografier.

Radiola. 1940

Och det sista, femte rummet?

Den sista salen är tillägnad den växande, nu fashionabla sovjetiska modernismen, funktionalismen på 1960-talet. Här huvudtemaär utrymme. Detta är tiden för lakoniska, funktionella möbler, som var tänkta att byggas in i Chrusjtjov. Sovjetisk modernism, representerad av verk av designers på 1950- och 1960-talen
år, fortsatte avantgardets traditioner. Ett exempel är Yuri Sluchevskys möbelritningar, med hans ursprungliga modulsystem som reglerar höjden och bredden på en struktur orienterad mot mänsklig tillväxt.
Efter att ha arbetat nära Stroganovakademin, med Yuri Sluchevsky, som i slutet av 1950-talet hade experimentell produktion i Strogonovka, såg vi tydligt hur designers under töperioden inspirerades av 10-20-talets avantgarde. Självklart fanns det kontinuitet! Det är konceptet.

Hyllor (1960-tal, ek, 125x90x24 cm, från en rad möbler gjorda speciellt för en modelllägenhet i Moskvas Cheryomushki-distrikt)

Vad mer kan sägas om utställningen, inklusive dess designbeslut?

Utställningen förenas av en enda konstnärlig lösning. På golvet lägger vi suprematistiska figurer från matta, som förbinder alla fem salarna till en gemensam komposition. I utställningen ligger tyngdpunkten naturligtvis på möbler, även om det också finns Palekh, och porslin, och glas, och propagandatextilier. Men huvudpersonen är förstås möblerna. Vi presenterar unika samlarföremål som är extremt svåra att hitta nuförtiden. Detta är originalmöbler. Detta är en sällsynthet, med härkomst, med historia. För att göra det bekvämare för tittarna att se utställningen har vi släppt en guide.

Hur användbar är utställningen för proffs?

Det är mycket användbart för designers, och för arkitekter och för dekoratörer. Det förstör den vita fläcken i inhemsk designs historia. Utställningen är en riktig inspirationskälla, förståelse för basen... Jag måste säga att våra kunder äntligen inte längre är rädda för gamla saker i inredningen. Och utställningen bidrar återigen till detta. Den levande interiören är en eklektisk inredning där stolar från olika epoker sida vid sida med modern konst och en antik byrå. Om jag sysslade med interiörer professionellt, som dekoratör, skulle jag komponera just sådana interiörer, och jag skulle lägga särskild vikt vid sovjetisk design.

Nicholas Lansere. Fåtölj. 1932

Kristina, berätta hur din galleridesignkollektion började? Det är alltid intressant.

Jag måste säga att vi redan har samlat in en samling till ett litet men högkvalitativt museum, vi har samlat på det i fyra år! Det hela började väldigt roligt, med Iofan. När vi gjorde ett projekt dedikerat till avantgardet och post-avantgardet för Basel föll Iofans stol i våra händer. En amerikansk kvinna kom till vår monter och började hoppa fruktansvärt på den. Mitt hjärta hoppade över ett slag, vi stängslade av stolen och satte upp en skylt: sätt dig inte ner! Rör inte! inte till salu! Och så började vår insamling. Allt blev väldigt konceptuellt. Stolen är arkitektur!

Fåtölj (

Utställningen äger rum i Statens museum arkitektur uppkallad efter A.V. Shchuseva,. (Enfilade av huvudbyggnaden) till 22 mars.

Heritage Gallery firar 7-årsjubileum i februari med utställningen Soviet Design. Från konstruktivism till modernism” på Arkitekturmuseet: Designmöbler Nikolai Lansere, Boris Iofan, Karo Alabyan– nu en ny profil för galleriet, som tidigare specialiserat sig på ryska konstnärer utomlands och deras utställningar, inklusive museum, – Andre Lansky, Boris Grigoriev. Ägaren till "Heritage" berättade vad mer man kunde förvänta sig av hennes galleri - och av henne personligen.

Varför slutade du hålla auktioner?

Av två anledningar. För det första är det en mycket arbetskrävande och kostsam uppgift. För det andra har vi fortfarande inte en sådan kultur – att köpa på auktioner. Jag och mina kollegor försöker ingjuta något sådant, men det går hårt. Auktioner besöks främst av återförsäljare – och auktionshus är återförsäljarorienterade. Och bland allmänheten, inte samlare, utan helt enkelt köpare, de som köper då och då, har detta ännu inte blivit en vana - besöka auktioner, loppmarknader, experimentera med den ekologiska kombinationen av gammalt och nytt ... Alla är mycket beroende av sin designer. Och designers har sina egna preferenser och principer. Som ett resultat resulterar allt i långsökta nyckelfärdiga interiörer, som snart blir moraliskt föråldrade. Några år - och en person inser att han inte längre kan leva i detta. Jag håller nu på att göra min egen lägenhet, där allt är en blandning. Eklekticism som princip - vi har försökt förklara detta för kunderna sedan den första samlingsmöbelutställningen här i Moskva (en utställning med deltagande av berömda parisiska gallerier Didier Aaron Och Yves Gastou sträckte sig över 1700- och 1900-talen Jean-Francois Eben innan Ettore Sottsassa. — TANR). Så jag kommer att ha skandinaviska möbler från 1960-talet, och sovjetisk och rysk konst, både modern och inte särskilt modern.

Men samtidskonst är en ny verksamhetslinje för dig.

Detta är ett separat projekt där jag agerar mer som konstansvarig. Det finns några ryska konstnärer som, låt oss säga, jag vill integrera i det internationella sammanhanget - detta är en intressant uppgift för mig, en anledning att använda redan testade, välkända tekniker. Vad det blir av det får vi se. Än så länge har jag två avdelningar. Alexey Morozov Jag gillar det faktum att han har en skola, men med en akademisk uniform finns det också samtida touch: trots akademiskheten verkar hans konst inte som en salong. Morozov gillar det väldigt mycket och är redo att övervaka honom Alessandro Romanini som gjorde mer än en utställning Botero, inklusive den senaste årsdagen. En rundtur håller på att förberedas: först Morozovs utställning på Neapolitan National Archaeological Museum, i december 2015, sedan, i mars 2016, i Moskva, i MMOMA på Gogolevsky. Vi förhandlar med Venedig – vi vill presentera marmorskulptur Morozov på ett av stadens torg under biennalen.

En annan artist - Oksana Mas. Oksana är en kreativ person. Hon kom till mig när hon insåg att det behövdes ett helt teams arbete för att genomföra hennes projekt. En av henne Altare vad är det värt (vi kommer att visa det i Gorky Park i mars)! Kurator och konstkritiker blev intresserad av henne Janet Zwingenberger, som såg hennes verk för några år sedan, har tittat på henne sedan dess och ska nu skriva en monografi om Oksana. Oksana har också en rundtur: en utställning Känslan av ljus kommer att hållas i Baku från 5 juli till 5 september, därefter - Astana, Berlin, och nu förhandlar vi om Istanbul.

Men det här är inget galleri, det här är jag; galleriet är fortfarande någon form av formatbegränsning. Galleriet behandlar ryska konstnärer utomlands plus samlingsdesign. Och jag, som vilken person som helst, vill utvecklas. För att göra detta behöver jag några perspektiv, där jag kommer att uppträda inte som ett galleri, utan som Christina.

Och om du väljer en sak, vilken skulle du välja?

I design såklart. Men varför? Jag bestämde mig för att jag hade råd med några orelaterade projekt. I väst är vi kända som ett designgalleri; samlingsdesign - i Ryssland är det här nischen där vi blev pionjärer; galleriet har bildat en betydande samling, som innehåller unika föremål, från konstruktivism till modernism - om några år kan denna samling mycket väl bli ett museum. I Moskva och Ryssland är vi fortfarande kända främst på grund av det faktum att vi är engagerade i det ryska utomlands: vi har gjort många värdiga projekt på museinivå, vi samarbetar med museer, vi är en del av Society of Friends of the Russian Museum , vi har våra samlare, vars samlingar vi upprätthåller - vi fyller på nya verk, vi ger råd ... Men vid 7-årsdagen av galleriet vill jag göra en utställning på Arkitekturmuseet som är särskilt tillägnad design - en retrospektiv av sovjetisk design, som täcker nästan alla områden inom detta område, en historisk utvikning som börjar med möbler Boris Iofan för regeringshuset och avslutades på 1960-talet. När jag arbetade med kataloger, speciellt för internationella mässor, insåg jag att, förutom rent teknisk och tillhörande information, alla alltid är intresserade av allmän information också. Jag tänkte att jag behövde ett utbildningsprogram. Jag fick idén att göra dokumentär, där man kan föreställa sig epoken bara genom saker – genom spektakulära saker, pompösa saker, tragiskt försvinnande och bortglömda saker... Jag vill göra filmen så seriös att man till exempel kan ta del av en dokumentärfilmfestival med den. Jag planerar att presentera filmen i Basel till sommaren – vi hinner inte göra det i februari.

Du åkte inte till Basel förra sommaren...

…Men i nästa år går igen. Om den politiska situationen tillåter. När allt kommer omkring har vi ett specifikt material - sovjetisk design. Och att åka till Europa med propagandasovjetiska möbler, förstår du, nu vore det löjligt. Därför vägrade vi. Arrangörerna var upprörda. De sa att en krets av de som är intresserade av oss redan har bildats, och för arrangörerna en sådan situation, när galleriet deltar i tre år, sedan plötsligt inte deltar, detta är inte särskilt tydligt, konst ska stå utanför politiken och bortom gränser. Visst, men hur är det med konst som är politisk till sitt innehåll? Då får Baselmässan omfattande mediebevakning. Som bara inte skrev om oss: Bakgrund, Väktare, Daily Telegraph! Nu undrar man, varför göra allt detta och ta det till Basel, med vetskapen i förväg om att du riskerar att stöta på en programmerad negativ reaktion på allt ryskt? Innan dess hade jag ett utmärkt rykte - jag skulle inte vilja förstöra det.

Men kommer du att fortsätta främja sovjetisk design på Design Miami?

Nyligen, under middagen i Italien, berättade mina samlare för mig att 1950- och 1960-talen är så coola att jag aldrig skulle ge upp om detta ämne. Rem Koolhaas han kontaktade oss när vi var i Basel, eftersom han precis arbetade på en av de framtida lokalerna för Garaget, skapad vid lämplig tidpunkt. Men vi är inte begränsade till denna period. Det är bara det att saker från 1920-, 1930-, 1940-talen är sällsynta och mer samlarbara, låt oss säga; även om 1960-talet också är få. Men dessa saker, mer än någonsin, är efterfrågade, och den eran verkar verkligen bli aktuell igen. Vårt material lockar museer. Jag blev vän med New York Museum of Arts and Crafts, som nyligen blev en avdelning av Smithsonian Institution; de visade intresse för gemensamma utställningar: de har chefen för utställningsavdelningen, biträdande direktör, som sysslar med kampanjtextil. Tack Craig Robins, grundare och delägare Designa Miami, som gav det ryska galleriet möjlighet att visa sovjetisk design på en sådan mässa - och korrekt deklarera sig själv.

Varifrån kom idén att göra sovjetiska möbler?

Idén kom i samma ögonblick som jag märkte, flitigt närvarade Designa Miami från år till år att andelen av den mest fashionabla, dyraste, mest eftertraktade art déco-stilen började minska och gradvis ge vika för möbler från 1950- och 1960-talen. Dessutom spelade minnen från sovjetisk barndom någonstans. Craig Robins tog mig en gång till montern på ett galleri som sysslar med skandinavisk design, och när jag såg denna minimalistiska, asketiska möbel blev jag förvånad över att höra av ägaren till galleriet att jag precis hade köpt hela montern av honom Roman Abramovich. Ja, det finns få samlare, men det är de. Det är bara det att få människor vet att Abramovich har ett hus inrett med historiska saker i stil med 1930-talet. Vad Abramovich köpte bacon- de vet det.

Du skulle inte bara handla med samlarmöbler, utan också producera dem.

För ett år sedan, när jag pratade om det här, trodde jag att vi vid det här laget skulle vara på en lite annan punkt än vi var. Jag värnar fortfarande om denna idé - att reproducera sovjetiska prover, men hittills har projektet inte lanserats. Varför repliker är bra: alla är inte redo att skaffa gamla, antika möbler - även om de är restaurerade och omklädda, men ändå en fåtölj av vördnadsvärd ålder - och en annan sak är en replik. Jag uppfann inte hjulet på nytt, utan bara för ett par år sedan i Paris i ett galleri Yves Gastou såg upprepning Ettore Sottsassa, begränsad utgåva. Evelina Khromtchenko sa: "Jag kommer att vara din första kund för en replik." Och hon är inte ensam. Kommer den att produceras här eller utomlands? Med tanke på den nuvarande verkligheten, troligen här.

Men utan att reproducera sovjetisk kvalitet?

Pratar du om material? Ja, kvaliteten sjönk och det mesta av dåtidens möbler slängdes då just därför. Men källmaterialet var normalt. När vi började ta itu med den här perioden, alltså Yuri Vasilievich Sluchevsky(86-årig professor vid avdelningen för möbel, hedrad konstarbetare Yuri Sluchevsky leder fortfarande huvudprofileringskursen "Möbeldesign" vid Moskvas statliga konstakademi uppkallad efter S. G. Stroganov. — TANR) pratade om utställningar på VDNKh i slutet av 1950-talet och början av 1960-talet, när prototyper tillverkades i Stroganovkas experimentverkstad - av högkvalitativa, solida material. I massproduktion användes naturligtvis redan andra material. Och prototyperna gick till stugor och lägenheter.

Populär i kategorin: