Bir sanat akımı olarak izlenimcilik. Hikaye

İzlenimcilik(İzlenimcilik, Fransız izlenimi - izlenim), 1860'larda Fransa'da ortaya çıkan bir resim yönüdür. ve 19. yüzyılda sanatın gelişimini büyük ölçüde belirledi. Bu akımın ana figürleri Cezanne, Degas, Manet, Monet, Pissarro, Renoir ve Sisley idi ve her birinin gelişimine katkısı benzersizdir. İzlenimciler, klasisizm, romantizm ve akademizm geleneklerine karşı çıktılar, günlük gerçekliğin güzelliğini, basit, demokratik motifleri öne sürdüler, görüntünün canlı bir özgünlüğünü elde ettiler, gözün belirli bir anda gördüğü şeyin "izlenimini" yakalamaya çalıştılar.

İzlenimciler için en tipik tema manzaradır, ancak çalışmalarında başka birçok konuya da değinmişlerdir. Örneğin Degas ırkları, balerinleri ve çamaşırcıları tasvir ederken, Renoir büyüleyici kadınları ve çocukları tasvir etti. Açık havada yaratılan empresyonist manzaralarda, basit, günlük bir motif, genellikle resme bir şenlik duygusu getiren, her yeri kaplayan hareketli bir ışıkla dönüştürülür. Kompozisyon ve mekanın izlenimci inşasının bazı yöntemlerinde, Japon gravürünün ve kısmen de fotoğrafın etkisi göze çarpar. Empresyonistler, modern bir şehrin günlük yaşamının çok yönlü bir resmini yaratan, peyzajının orijinalliğini ve içinde yaşayan insanların görünümünü, yaşam tarzlarını, çalışma ve eğlence biçimlerini yakalayan ilk kişilerdi.

İzlenimciler, çalışmalarında akut sosyal sorunlara, felsefeye veya şok edici konulara değinmeye çalışmadılar, yalnızca çevredeki günlük yaşamın izlenimini ifade etmenin çeşitli yollarına odaklandılar. "Anı görme" ve ruh halini yansıtma çabasıyla.

İsim " İzlenimcilik" Monet'nin "İzlenim" tablosunu sergileyen Paris'teki 1874 sergisinden sonra ortaya çıktı. Doğan Güneş" (1872; tablo 1985'te Paris'teki Marmottan Müzesi'nden çalındı ​​ve şimdi Interpol listesinde.)

1876 ​​ile 1886 yılları arasında yediden fazla Empresyonist sergi düzenlendi; ikincisinin sonunda, yalnızca Monet, Empresyonizm ideallerini sıkı bir şekilde takip etmeye devam etti. "İzlenimciler", Fransız İzlenimciliğinin etkisi altında resim yapan Fransa dışındaki sanatçılara da denir (örneğin, İngiliz F. W. Steer).

izlenimci sanatçılar

Ünlü Empresyonist Tablolar:

Edgar Degas

Claude Monet

XIX yüzyılın son üçte birinde. Fransız sanatı hala oynuyor başrol Batı Avrupa ülkelerinin sanat yaşamında. Şu anda, temsilcileri kendi yollarını ve yaratıcı ifade biçimlerini arayan resimde birçok yeni eğilim ortaya çıktı.

Bu dönemin Fransız sanatının en çarpıcı ve önemli olgusu izlenimcilikti.

İzlenimciler, 15 Nisan 1874'te, altında düzenlenen Paris sergisinde kendilerini ilan ettiler. açık gökyüzü Boulevard des Capucines'de. Burada Salon tarafından çalışmaları reddedilen 30 genç sanatçı resimlerini sergiledi. Sergideki merkezi yer Claude Monet'nin “İzlenim” tablosuna verildi. Gündoğumu". Bu kompozisyon ilginç çünkü resim tarihinde ilk kez sanatçı izlenimini gerçekliğin nesnesine değil tuvale aktarmaya çalıştı.

Sergi, Sharivari baskısının temsilcisi muhabir Louis Leroy tarafından ziyaret edildi. Monet ve ortaklarını ilk kez "izlenimciler" olarak adlandıran (Fransız izleniminden - izlenim), böylece resimlerine ilişkin olumsuz değerlendirmesini ifade eden oydu. Kısa süre sonra bu ironik isim orijinal olumsuz anlamını yitirdi ve sonsuza dek sanat tarihine girdi.

Boulevard des Capucines'deki sergi, resimde yeni bir akımın ortaya çıkışını ilan eden bir tür manifesto oldu. O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, C. Pissarro, P. Cezanne, B. Morisot, A. Guillaumin'in yanı sıra eski neslin ustaları - E. Boudin, C. Daubigny, I katıldı. .Jonkind.

İzlenimciler için en önemli şey, gördüklerinin izlenimini aktarmak, hayatın kısa bir anını tuvalde yakalamaktı. İzlenimciler bu yönüyle fotoğrafçılara benziyorlardı. Olay örgüsü onlar için pek önemli değildi. Sanatçılar, resimlerinin temalarını çevrelerindeki günlük yaşamdan aldılar. Sessiz sokakları, akşam kafelerini, kırsal manzaraları, şehir binalarını, iş başındaki zanaatkarları resmettiler. Resimlerinde önemli bir rol, ışık ve gölge oyunu, nesnelerin üzerinden atlayan ve onlara biraz alışılmadık ve şaşırtıcı derecede canlı bir görünüm veren güneş ışınları tarafından oynandı. Empresyonist sanatçılar, nesneleri doğal ışıkta görebilmek, günün farklı saatlerinde doğada meydana gelen değişimleri aktarabilmek için atölyelerinden çıkıp açık havaya (plein air) çıktılar.

İzlenimciler yeni bir resim tekniği kullandılar: boyaları bir şövale üzerinde karıştırmadılar, hemen ayrı vuruşlarla tuvale uyguladılar. Bu teknik, bir dinamik hissi, havadaki hafif dalgalanmaları, ağaçların üzerindeki yaprakların hareketini ve nehirdeki suyu aktarmayı mümkün kıldı.

Genellikle bu yönün temsilcilerinin resimlerinde net bir kompozisyon yoktu. Hayattan koparılmış bir anı tuvale aktaran sanatçının eseri tesadüfen çekilmiş bir fotoğraf karesi gibiydi. İzlenimciler, türün net sınırlarına bağlı kalmadılar, örneğin, portre genellikle bir ev sahnesi gibi görünüyordu.

1874'ten 1886'ya kadar İzlenimciler 8 sergi düzenledi ve ardından grup dağıldı. Halk gelince, çoğu eleştirmen gibi, yeni sanatı düşmanlıkla algıladı (örneğin, C. Monet'nin resmine “daub” deniyordu), bu akımı temsil eden pek çok sanatçı, bazen bitirmek için araçlar olmadan aşırı yoksulluk içinde yaşadı. resme başladılar. Ve sadece XIX'in sonunda - XX yüzyılın başında. durum kökten değişti.

İzlenimciler çalışmalarında seleflerinin deneyimlerini kullandılar: romantik sanatçılar (E. Delacroix, T. Gericault), realistler (C. Corot, G. Courbet). J. Constable'ın manzaralarının onlar üzerinde büyük etkisi oldu.

E. Manet, yeni bir akımın ortaya çıkmasında önemli bir rol oynadı.

Edouard Manet

1832'de Paris'te doğan Edouard Manet, izlenimciliğin temellerini atan dünya resim tarihinin en önemli isimlerinden biridir.

Sanatsal dünya görüşünün oluşumu, büyük ölçüde 1848 Fransız burjuva devriminin yenilgisinden etkilendi. Bu olay, genç Parisliyi o kadar heyecanlandırdı ki, karar verdi. umutsuz hareket ve evden kaçtı, bir deniz yelkenli gemisinde denizci olarak kaydoldu. Ancak ileride çok fazla seyahat etmemiş, tüm maneviyatını ve fiziksel kuvvetler iş.

Manet'nin kültürlü ve varlıklı ebeveynleri, oğulları için bir yönetici kariyeri hayal ettiler, ancak umutları gerçekleşmeye mahkum değildi. Resim - genç adamı ilgilendiren şey buydu ve 1850'de okula girdi. güzel Sanatlar, iyi bir mesleki eğitim aldığı Couture atölyesine. Acemi sanatçı, yalnızca gerçek bir ustanın kendi bireysel yazı stiliyle tabi olduğunu tam olarak yansıtamayan sanattaki akademik ve salon damgalarından tiksinti duydu.

Bu nedenle, bir süre Couture atölyesinde çalıştıktan ve deneyim kazandıktan sonra Manet, 1856'da oradan ayrılır ve büyük seleflerinin Louvre'da sergilenen tuvallerine döner, onları kopyalar ve dikkatlice inceler. Titian, D. Velazquez, F. Goya ve E. Delacroix gibi ustaların eserlerinin yaratıcı görüşleri üzerinde büyük etkisi oldu; genç sanatçı ikincisinin önünde eğildi. 1857'de Manet, büyük ustayı ziyaret etti ve Lyon'daki Metropolitan Sanat Müzesi'nde bugüne kadar ayakta kalan "Dante's Barque" ın birkaç kopyasını çıkarmak için izin istedi.

1860'ların ikinci yarısı. Rembrandt, Titian ve diğerlerinin resimlerini kopyaladığı İspanya, İngiltere, İtalya ve Hollanda'daki müzeleri incelemeye adamış sanatçı, 1861'de “Anne Baba Portresi” ve “Gitarist” adlı eserleri büyük beğeni topladı ve ödüller aldı. bir “Onur Mansiyonu”.

Eski ustaların (esas olarak Venedikliler, 17. yüzyıl İspanyolları ve daha sonra F. Goya) çalışmalarının incelenmesi ve yeniden düşünülmesi, 1860'larda olduğu gerçeğine götürür. Manet'nin sanatında, İspanyol Şarkıcı (1860), kısmen Köpekli Çocuk (1860), Eski Müzisyen (1862) gibi erken dönem resimlerinden bazılarına müze baskısı uygulanmasında kendini gösteren bir çelişki vardır.

Kahramanlara gelince, sanatçı, tıpkı 19. yüzyılın ortalarının realistleri gibi, onları kaynayan Parisli kalabalığın içinde, Tuileries bahçesinde yürüyenler ve düzenli kafe ziyaretçileri arasında bulur. Temel olarak, bu parlak ve renkli bir bohem dünyası - şairler, aktörler, sanatçılar, modeller, İspanyol boğa güreşine katılanlar: "Tuileries'de Müzik" (1860), "Sokak Şarkıcısı" (1862), "Valencia'dan Lola" ( 1862), "Çimenlerde Kahvaltı" (1863), "Flütçü" (1866), "E. Zsl'nin Portresi" (1868).

İlk tuvaller arasında, çok doğru bir gerçekçi eskiz olan "Ebeveynlerin Portresi" (1861) özel bir yere sahiptir. dış görünüş ve yaşlı bir çiftin mizacı. Resmin estetik önemi, yalnızca karakterlerin ruhani dünyasına ayrıntılı bir şekilde nüfuz edilmesinde değil, aynı zamanda E. Delacroix'in sanatsal geleneklerinin bilgisini gösteren, gözlem kombinasyonunun ve resimsel gelişimin zenginliğinin ne kadar doğru bir şekilde aktarıldığında da yatmaktadır.

Ressamın program çalışması olan ve söylenmesi gereken erken dönem çalışmalarının çok tipik olduğu bir başka tuval de "Kırda Kahvaltı" (1863). Bu resimde Manet, hiçbir önemi olmayan belirli bir olay örgüsü kompozisyonu aldı.

Resim, iki sanatçının doğanın koynunda, etrafı kadın modellerle (aslında sanatçının kardeşi Eugene Manet, F. Lenkof ve bir kadın model Quiz Meran'ın poz verdiği) kahvaltısının bir görüntüsü olarak düşünülebilir. Manet'nin hizmetlerine oldukça sık başvurduğu resim). Biri nehre girdi ve diğeri çıplak, sanatsal bir şekilde giyinmiş iki adamın eşliğinde oturuyor. Bildiğiniz gibi, giyinik bir erkekle çıplak bir kadını karşılaştırmanın nedeni, kadın vücudu gelenekseldir ve Giorgione'nin Louvre'da bulunan "Country Concert" tablosuna kadar gider.

Figürlerin kompozisyon düzenlemesi, Raphael'in bir tablosundan Marcantonio Raimondi'nin ünlü Rönesans gravürünü kısmen yeniden üretir. Bu tuval, adeta polemiksel olarak birbiriyle ilişkili iki konumu öne sürüyor. Biri, büyüklerle gerçek bağını yitirmiş salon sanatının klişelerini aşma ihtiyacı. sanatsal gelenek, Rönesans ve 17. yüzyılın gerçekçiliğine, yani yeni zamanın gerçekçi sanatının gerçek kökenlerine doğrudan bir çağrı. Başka bir hüküm, sanatçının çevresindeki karakterleri gündelik hayattan tasvir etme hakkını ve görevini teyit etmektedir. O zamanlar bu kombinasyon belli bir çelişki taşıyordu. Çoğu, eski kompozisyon şemalarını yeni tipler ve karakterlerle doldurarak gerçekçiliğin gelişiminde yeni bir aşamaya ulaşılamayacağına inanıyordu. Ancak Edouard Manet, yaratıcılığının erken döneminde resim ilkelerinin ikiliğini aşmayı başardı.

Bununla birlikte, olay örgüsünün ve kompozisyonun geleneksel doğasına ve salon ustalarının çıplak efsanevi güzellikleri açık sözlü baştan çıkarıcı pozlarda tasvir eden resimlerinin varlığına rağmen, Manet'nin resmi modern burjuva arasında büyük bir skandala neden oldu. Seyirci, çıplak bir kadın bedeninin gündelik, modern erkek kıyafetleriyle yan yana gelmesi karşısında şok oldu.

Resimli normlara gelince, Kırda Öğle Yemeği, 1860'ların karakteristiği olan bir uzlaşmayla yazılmıştır. koyu renklere, siyah gölgelere ve ayrıca her zaman tutarlı olmayan açık hava aydınlatmasına ve açık renge yönelik bir eğilimle karakterize edilen tarz. Suluboya ile yapılmış bir ön taslağa dönersek, o zaman üzerinde (resmin kendisinden daha fazla), ustanın yeni resimsel problemlere olan ilgisinin ne kadar büyük olduğu fark edilir.

Uzanmış çıplak bir kadının ana hatlarının verildiği "Olympia" (1863) resmi, genel kabul görmüş kompozisyon geleneklerine atıfta bulunuyor gibi görünüyor - benzer bir görüntü Giorgione, Titian, Rembrandt ve D. Velasquez'de bulunuyor. Ancak Manet, yaratılışında farklı bir yol izliyor, F. Goya'yı (“Çıplak Maha”) takip ediyor ve olay örgüsünün mitolojik motivasyonunu, Venedikliler tarafından tanıtılan ve kısmen D. Velasquez (“Venüs) tarafından korunan görüntünün yorumunu reddediyor. Ayna ile").

"Olympia" hiç de şiirsel olarak yeniden düşünülmüş bir görüntü değil kadın güzelliği, ancak Manet'nin değişmez modeli Quiz Meran'a benzerliği doğru ve hatta biraz soğuk bir şekilde aktaran, etkileyici, ustaca yapılmış bir portre. Ressam, vücudun doğal solgunluğunu güvenilir bir şekilde gösterir. modern kadın güneşten korkmak Eski ustalar çıplak vücudun şiirsel güzelliğini, ritimlerinin müzikalitesini ve uyumunu vurgularken, Manet seleflerinin doğasında var olan şiirsel idealleştirmeden tamamen uzaklaşarak yaşamın özgüllüğünün motiflerini aktarmaya odaklanır. Böylece, örneğin, Olympia'da George'un Venüs'ünün sol eliyle yaptığı hareket, kayıtsızlığıyla neredeyse kaba bir çağrışım kazanır. Son derece karakteristik, kayıtsız, ancak aynı zamanda Venüs Giorgione'nin kendini emmesine ve Titian'ın Urbino Venüs'ünün hassas hayal gücüne karşı, izleyicinin bakışlarını modele dikkatlice sabitlemesidir.

Bu resimde, ressamın yaratıcı üslubunun gelişiminde bir sonraki aşamaya geçişin işaretleri var. Sıradan gözlem ve dünyanın resimsel ve sanatsal vizyonundan oluşan olağan kompozisyon şemasının yeniden düşünülmesi var. Anında ele geçirilen keskin zıtlıkların yan yana gelmesi, eski ustaların dengeli kompozisyon uyumunun bozulmasına katkıda bulunur. Böylece poz veren bir modelin statiği ile sırtını büken siyahi bir kadın ve kara kedi görsellerindeki dinamikler çarpışır. Değişiklikler, sanatsal dilin figüratif görevlerine yeni bir anlayış kazandıran resim tekniğini de etkiler. Edouard Manet, başta Claude Monet ve Camille Pissarro olmak üzere diğer birçok izlenimci gibi, 17. yüzyılda gelişen modası geçmiş resim sistemini terk eder. (alt boyama, yazı, camlama). O andan itibaren tuvaller, eskizlere ve eskizlere yakın, daha fazla yakınlık, duygusallık ile ayırt edilen "a la prima" adı verilen bir teknikle boyanmaya başlandı.

Manet için 1860'ların ikinci yarısının neredeyse tamamını kaplayan erken yaştan olgun yaratıcılığa geçiş dönemi, Flütçü (1866), Balkon (c. 1868-1869) ve diğerleri gibi resimlerle temsil edilir.

İlk tuvalde, nötr zeytin grisi bir arka planda, dudaklarına bir flüt kaldıran bir müzisyen çocuk tasvir edilmiştir. Zar zor algılanan bir hareketin ifadesi, mavi üniforma üzerindeki yanardöner altın düğmelerin ritmik yankısı ve parmakların flüt delikleri boyunca hafif ve hızlı kayması, ustanın doğuştan gelen sanatından ve ince gözlem güçlerinden bahseder. Buradaki resim tarzının oldukça yoğun olmasına, rengin ağır olmasına ve sanatçının henüz açık havaya yönelmemiş olmasına rağmen, bu tuval diğerlerinden daha büyük ölçüde, Manet'nin çalışmalarının olgun dönemini tahmin ediyor. Balkon ise 1870'lerin eserlerinden çok Olympia'ya daha yakın.

1870-1880'de. Manet, zamanının önde gelen ressamı olur. İzlenimciler onu ideolojik liderleri ve ilham kaynağı olarak görseler de ve kendisi de sanatla ilgili temel görüşleri yorumlarken onlarla her zaman hemfikir olsa da, çalışmaları çok daha geniştir ve herhangi bir yönün çerçevesine uymaz. Manet'nin sözde izlenimciliği aslında Japon ustaların sanatına daha yakın. Dekoratif ve gerçeği dengeleyerek motifleri basitleştirir, gördüklerine dair genelleştirilmiş bir fikir yaratır: dikkat dağıtıcı ayrıntılardan yoksun saf bir izlenim, duyum sevincinin bir ifadesi (“Deniz Kıyısında”, 1873).

Ek olarak, baskın tür olarak, ana yerin bir kişinin imajına verildiği, kompozisyon açısından eksiksiz bir resmi korumaya çalışır. Manet'nin sanatı, Rönesans'ta ortaya çıkan, asırlık gerçekçi anlatı resmi geleneğinin gelişiminin son aşamasıdır.

Manet'nin sonraki çalışmalarında, canlandırılan kahramanı çevreleyen ortamın ayrıntılarını ayrıntılı bir şekilde yorumlamaktan uzaklaşma eğilimi vardır. Böylelikle Mallarme'nin gergin dinamiklerle dolu portresinde sanatçı, şairin sanki yanlışlıkla dikizlemiş gibi, rüya gibi bir puro ile elini masaya koyan jestine odaklanıyor. Tüm kabataslaklıkla, Mallarme'nin karakterindeki ve zihinsel deposundaki ana şey, şaşırtıcı derecede doğru ve büyük bir inandırıcılıkla yakalanmıştır. J. L. David ve J. O. D. Ingres'in portrelerinin karakteristiği olan, bireyin iç dünyasının derinlemesine karakterizasyonu, burada daha keskin ve daha doğrudan bir karakterizasyonla değiştirilmiştir. Berthe Morisot'nun bir yelpazeyle nazik şiirsel portresi (1872) ve George Moore'un (1879) zarif pastel görüntüsü böyledir.

Ressamın çalışmaları, tarihsel temalar ve önemli olaylarla ilgili çalışmaları içerir. kamusal yaşam. Bununla birlikte, bu tuvallerin daha az başarılı olduğu unutulmamalıdır, çünkü bu tür problemler, onun sanatsal yeteneğine, fikir çemberine ve hayata dair fikirlere yabancıydı.

Bu nedenle, örneğin, Amerika Birleşik Devletleri'nde Kuzey ve Güney arasındaki İç Savaş olaylarına yapılan bir çağrı, güneylilerin korsan gemisinin kuzeyliler tarafından batırıldığı imajıyla sonuçlandı (“Kirsezh Savaşı” ile “ Alabama”, 1864) ve bölüm daha çok askeri gemilerin personel olarak hareket ettiği manzaraya atfedilebilir. Maximilian'ın İnfazı (1867), özünde, yalnızca mücadele eden Meksikalıların çatışmasına değil, aynı zamanda olayın dramına da ilgi duymayan bir tür eskiz karakterine sahiptir.

Manet, Paris Komünü günlerinde (Komünarların İnfazı, 1871) modern tarih temasına değindi. Komünarlara karşı sempatik tutum, daha önce bu tür olaylarla hiç ilgilenmemiş olan resmin yazarına itibar ediyor. Ancak yine de sanatsal değeri diğer tuvallerden daha düşüktür, çünkü aslında "Maximilian'ın İnfazı" nın kompozisyon şeması burada tekrarlanır ve yazar, acımasız çarpışmanın anlamını hiç yansıtmayan bir eskizle sınırlıdır. iki karşıt dünyanın.

Sonraki zamanlarda Manet artık kendisine yabancı bir tarihsel türe yönelmedi, bölümlerdeki sanatsal ve anlamlı başlangıcı ortaya çıkarmayı tercih ederek onları günlük hayatın akışı içinde buldu. Aynı zamanda, özellikle karakteristik anları dikkatlice seçti, en etkileyici bakış açısını aradı ve ardından resimlerinde büyük bir ustalıkla yeniden üretti.

Bu dönemin kreasyonlarının çoğunun cazibesi, tasvir edilen olayın öneminden çok, yazarın dinamizmi ve esprili gözleminden kaynaklanmaktadır.

Açık hava grubu kompozisyonunun dikkate değer bir örneği, bir yelkenlinin kıç tarafının ana hatlarının, dümencinin hareketlerinin kısıtlanmış enerjisinin, oturan bir hanımın rüya gibi zarafetinin birleşiminin olduğu “Teknede” (1874) resmidir. , havanın şeffaflığı, esintinin tazelik hissi ve teknenin kayma hareketi, hafif neşe ve tazelik dolu tarifsiz bir tablo yaratıyor.

Manet'nin çalışmalarındaki özel bir niş, çalışmalarının farklı dönemlerine özgü natürmortlarla doludur. Bu nedenle, erken natürmort "Şakayıklar" (1864-1865), çiçek açan kırmızı ve beyaz-pembe tomurcukları ve ayrıca çoktan çiçek açmış ve solmaya başlayan çiçekleri, masayı örten bir masa örtüsünün üzerine yapraklarını bırakarak tasvir eder. Daha sonraki çalışmalar, zahmetsiz eskizlikleriyle dikkat çekiyor. Onlarda ressam, ışıkla dolu bir atmosferde örtülen çiçeklerin ışıltısını aktarmaya çalışır. "Kristal Bardakta Güller" (1882-1883) tablosu böyledir.

Görünüşe göre Manet, hayatının sonunda başardıklarından memnun değildi ve farklı bir beceri düzeyinde tamamlanmış büyük olay örgüsü kompozisyonları yazmaya geri dönmeye çalıştı. Bu sırada, sanatının gelişiminde yeni bir aşamaya yaklaştığı ve kesintiye uğradığı en önemli tuvallerden biri olan "The Bar at the Folies Bergère" (1881-1882) üzerinde çalışmaya başlar. ölüm (bilindiği gibi, Manet çalışırken ağır hastaydı). Kompozisyonun merkezinde, yüzü izleyiciye dönük genç bir kadın pazarlamacı figürü yer almaktadır. Biraz yorgun, çekici bir sarışın, koyu renk bir elbise giymiş, tüm duvarı kaplayan, titreyen ışığın parıltısını ve salonda oturan seyircilerin belirsiz, bulanık ana hatlarını yansıtan tüm duvarı kaplayan devasa bir aynanın önünde duruyor. kafe masaları. Kadın, sanki izleyicinin kendisinin bulunduğu salona dönüktür. Bu tuhaf teknik, ilk bakışta geleneksel resme biraz istikrarsızlık vererek, gerçek dünya ile yansıtılan dünyanın yan yana geldiğini düşündürür. Aynı zamanda, resmin merkezi ekseni, 1870'ler için tipik olan sağ köşeye kaydırılır. resepsiyonda, resmin çerçevesi aynaya yansıyan silindir şapkalı bir adam figürünü hafifçe engelliyor ve genç bir pazarlamacı kadınla konuşuyor.

Böylece, bu çalışmada, klasik simetri ve kararlılık ilkesi, tek bir yaşam akışından belirli bir an (fragman) kapıldığında parçalanmanın yanı sıra dinamik bir yana kayma ile birleştirilir.

The Bar at the Folies Bergère'in olay örgüsünün temel içerikten yoksun olduğunu ve önemsiz olanın bir tür anıtsallaştırılması olduğunu düşünmek yanlış olur. Genç, ama zaten içten yorgun ve çevredeki maskeli baloya kayıtsız bir kadın figürü, gezici bakışları hiçbir yere dönmedi, arkasındaki hayatın yanıltıcı parlaklığından yabancılaşma, esere önemli bir anlamsal gölge getirerek izleyiciyi hayrete düşürdü. onun beklenmedikliği.

İzleyici, kenarları ışıltılı kristal bir bardakta barın üzerinde duran iki gülün eşsiz tazeliğine hayran kalıyor; ve sonra istemeden bu lüks çiçekler, pazarlamacının elbisesinin yakasına iğnelenmiş, salonun yakınında yarı solmuş bir gülle karşılaştırılıyor. Resme baktığınızda, yarı açık göğsünün tazeliği ile kalabalığın içinde dolaşan kayıtsız bakış arasındaki eşsiz kontrastı görebilirsiniz. Bu iş sanatçının çalışmalarında bir program olarak kabul edilir, çünkü en sevdiği tüm tema ve türlerden öğeler içerir: portre, natürmort, çeşitli ışık efektleri, kalabalığın hareketi.

Genel olarak, Manet'nin bıraktığı miras, özellikle onun eserinde belirgin olan iki yönüyle temsil edilir. son iş. Birincisi, eseriyle 19. yüzyıl Fransız sanatının klasik gerçekçi geleneklerinin gelişimini tamamlar ve tüketir ve ikincisi, yeni gerçekçilik arayanlar tarafından toplanacak ve geliştirilecek eğilimlerin ilk filizlerini sanatta bırakır. 20. yüzyılda.

Ressam tam ve resmi olarak tanındı. son yıllar hayat, yani 1882'de, Legion of Honor Nişanı (Fransa'nın ana ödülü) ile ödüllendirildiğinde. Manet 1883'te Paris'te öldü.

Claude Monet

İzlenimciliğin kurucularından Fransız ressam Claude Monet, 1840 yılında Paris'te doğdu.

Paris'ten Rouen'e taşınan mütevazı bir bakkalın oğlu olan genç Monet, hayatının başında. yaratıcı yol komik karikatürler çizdi, ardından plein air gerçekçi manzaranın yaratıcılarından biri olan Rouen manzara ressamı Eugene Boudin ile çalıştı. Boudin, geleceğin ressamını yalnızca açık havada çalışma ihtiyacına ikna etmekle kalmadı, aynı zamanda ona doğa sevgisi, dikkatli gözlem ve gördüklerini doğru bir şekilde aktarmayı da başardı.

1859'da Monet, gerçek bir sanatçı olma hedefiyle Paris'e gider. Ailesi onun Güzel Sanatlar Okulu'na gireceğini hayal etti, ancak genç adam umutlarını haklı çıkarmadı ve kendini bohem yaşamına kaptırdı, sanatsal ortamda çok sayıda tanıdık edindi. Ebeveynlerinin maddi desteğinden tamamen mahrum kalan ve bu nedenle geçim kaynağı olmayan Monet, orduya katılmak zorunda kaldı. Ancak zor bir hizmeti yerine getirmek zorunda kaldığı Cezayir'den döndükten sonra bile aynı yaşam tarzını sürdürmeye devam ediyor. Kısa bir süre sonra, doğal çalışmalar üzerine yaptığı çalışmalarla onu büyüleyen I. Ionkind ile tanıştı. Daha sonra Suisse stüdyosunu ziyaret eder, bir süre o zamanlar ünlü akademik yönetmen ressamı M. Gleyre'nin stüdyosunda çalışır ve ayrıca bir grup genç sanatçıyla (J.F. Basil, C. Pissarro) yakınlaşır. Monet'nin kendisi gibi sanatta yeni gelişme yolları arayan E. Degas, P. Cezanne, O Renoir, A. Sisley ve diğerleri).

Acemi ressam üzerindeki en büyük etki, M. Gleyre'nin okulu değil, benzer düşünen insanlarla arkadaşlık, salon akademizminin ateşli eleştirmenleri oldu. Bu dostluk, karşılıklı destek, deneyim alışverişi yapma ve başarıları paylaşma fırsatı sayesinde, daha sonra "izlenimcilik" adını alacak yeni bir resim sistemi doğdu.

Reformun temeli, işin doğada, açık havada gerçekleşmesiydi. Aynı zamanda sanatçılar açık havada sadece eskizleri değil, resmin tamamını boyadılar. Doğa ile doğrudan temas halinde, nesnelerin renginin, aydınlatmadaki değişime, atmosferin durumuna, renk yansımaları oluşturan diğer nesnelerin yakınlığına ve diğer birçok faktöre bağlı olarak sürekli değiştiğine giderek daha fazla ikna oldular. Çalışmaları aracılığıyla aktarmaya çalıştıkları bu değişikliklerdi.

1865'te Monet, "Manet ruhuyla ama açık havada" büyük bir tuval boyamaya karar verdi. Çayırda Öğle Yemeği'ydi (1866) - ilk en çok önemli iş, şehirden ayrılan ve bir ağacın gölgesinde yere serilmiş bir masa örtüsünün etrafında oturan şık giyimli Parislileri tasvir ediyor. Eser, kapalı ve dengeli kompozisyonunun geleneksel karakteri ile karakterize edilir. Bununla birlikte, sanatçının dikkati, insan karakterleri gösterme veya etkileyici bir olay örgüsü kompozisyonu yaratma fırsatına değil, insan figürlerini çevredeki manzaraya sığdırmaya ve aralarında hakim olan rahatlık ve rahatlama atmosferini aktarmaya yöneliktir. Bu etkiyi yaratmak için sanatçı, merkezde oturan genç hanımın masa örtüsüne ve elbisesine oynayarak, yaprakların arasından sıyrılan güneş ışığının aktarımına büyük önem veriyor. Monet, masa örtülerindeki renk yansımalarının oyununu ve hafif bir kadın elbisesinin yarı saydamlığını doğru bir şekilde yakalar ve aktarır. Bu keşiflerle, koyu gölgeleri ve yoğun bir malzeme uygulama biçimini vurgulayan eski resim sisteminin kırılması başlar.

O zamandan beri Monet'nin dünyaya yaklaşımı manzaraya dönüştü. İnsan karakteri, insanların ilişkileri onu daha az ilgilendiriyor. Olaylar 1870-1871 Monet'i Hollanda'ya gittiği Londra'ya göç etmeye zorladı. Döndüğünde, çalışmalarında programatik hale gelen birkaç tablo çiziyor. Bunlar, "Gösterim" içerir. Gündoğumu" (1872), "Güneşteki Leylaklar" (1873), "Boulevard des Capucines" (1873), "Argenteuil'deki Gelincik Tarlası" (1873), vb.

1874'te bir kısmı Monet'nin liderliğindeki "Anonim Ressamlar, Sanatçılar ve Oymacılar Derneği" tarafından düzenlenen ünlü sergide sergilendi. Sergiden sonra Monet ve onun gibi düşünen bir grup insan İzlenimciler olarak anılmaya başlandı (Fransız izleniminden - izlenim). Bu zamana kadar, çalışmasının ilk aşamasının özelliği olan Monet'nin sanatsal ilkeleri nihayet belirli bir sistem haline geldi.

Büyük çiçekli leylak çalılarının gölgesinde oturan iki kadını betimleyen Güneşteki Leylaklar (1873) adlı açık hava manzarasında, figürleri çalıların kendileri ve üzerlerindeki çimlerle aynı şekilde ve aynı niyetle ele alınır. otururlar. İnsan figürleri genel manzaranın sadece bir parçasıdır, oysa erken yazın yumuşak sıcaklığı hissi, genç yaprakların tazeliği, güneşli bir günün pusluluğu, o zamanın özelliği olmayan olağanüstü bir canlılık ve doğrudan ikna edicilikle aktarılır.

Başka bir resim - "Boulevard des Capucines" - İzlenimci yöntemin tüm ana çelişkilerini, avantajlarını ve dezavantajlarını yansıtıyor. Burada, büyük bir şehrin yaşam akışından koparılmış bir an çok doğru bir şekilde aktarılmış: sağır, tekdüze bir trafik gürültüsü, havanın nemli şeffaflığı, ağaçların çıplak dalları boyunca kayan Şubat güneşinin ışınları, gökyüzünün mavisini kaplayan grimsi bulutlardan oluşan bir film ... Resim kısacık ama yine de daha az uyanık ve sanatçının bakışını fark ediyor ve sanatçı duyarlı, hayatın tüm fenomenlerine tepki veriyor. Bakışın gerçekten tesadüfen atıldığı gerçeği, düşünceli kompozisyon ile vurgulanır.
resepsiyon: sağdaki resmin çerçevesi, balkonda duran erkek figürlerini olduğu gibi kesiyor.

Bu dönemin tuvalleri, izleyiciye kendisinin olduğunu hissettirir. aktör güneş ışığı ve zarif bir kalabalığın aralıksız uğultusu ile dolu bu yaşam kutlaması.

Argenteuil'e yerleşen Monet, Seine nehrine, köprülere, su yüzeyinde süzülen hafif yelkenlilere büyük bir ilgiyle yazıyor ...

Manzara onu o kadar büyülüyor ki, karşı konulamaz bir çekiciliğe yenik düşerek kendine küçük bir tekne yapıyor ve içinde memleketi Rouen'e gidiyor ve orada gördüğü resim karşısında hayrete düşerek duygularını çevreyi tasvir eden eskizlere döküyor. şehrin ve nehrin ağzına giren büyük deniz sularının gemileri ("Argenteuil", 1872; "Sailboat in Argenteuil", 1873-1874).

1877, Saint-Lazare tren istasyonunu tasvir eden bir dizi tablonun yaratılmasıyla işaretlendi. Harita çıkardılar yeni aşama Monet'nin çalışmasında.

O zamandan beri, eksiksizliği ile ayırt edilen eskizler yerini, ana şeyin tasvir edilene analitik bir yaklaşım olduğu çalışmalara bıraktı (“Gare Saint-Lazare”, 1877). Resim tarzındaki değişiklik, sanatçının kişisel yaşamındaki değişikliklerle ilişkilendirilir: eşi Camilla ciddi bir şekilde hastalanır, ikinci bir çocuğun doğumunun neden olduğu aile yoksulluğa düşer.

Eşinin ölümünden sonra Alice Goshede, ailesi Vetheuil'de Monet ile aynı evi kiralayan çocukların bakımını devraldı. Bu kadın daha sonra onun ikinci eşi oldu. Bir süre sonra, Monet'nin mali durumu o kadar iyileşti ki, geri kalan zamanını çalıştığı Giverny'de kendi evini satın alabildi.

Ressam, şaşırtıcı bir içgörü ile çok şey tahmin etmesini sağlayan yeni trendleri ustaca hissediyor.
19. yüzyılın sonları - 20. yüzyılın başlarındaki sanatçıların başaracaklarından. Renge ve çizimlere karşı tutumu değiştirir
resimler. Şimdi dikkati, dekoratif etkiyi artıran, konu korelasyonundan ayrı olarak fırça darbesinin renk şemasının ifade gücüne odaklanıyor. Nihayetinde pano resimleri yaratıyor. Basit araziler 1860-1870 çeşitli çağrışımsal bağlantılarla doymuş karmaşık motiflere yol verin: destansı görüntüler kayalar, ağıt kavak sıraları (“Belle-Ile'deki Kayalar”, 1866; “Kavaklar”, 1891).

Bu dönem çok sayıda seri eserle işaretlenmiştir: “Hack” besteleri (“Karda saman yığını. Kasvetli gün”, 1891; “Hack. Günün sonu. Sonbahar”, 1891), Rouen Katedrali'nin görüntüleri (“ Rouen Katedraliöğlen”, 1894, vb.), Londra manzarası (“Londra'da Sis”, 1903, vb.). Yine izlenimci bir üslupla çalışan ve paletinin çeşitli tonlarını kullanan usta, aynı nesnelerin gün içinde farklı havalarda ışığının nasıl değişebileceğini en büyük doğruluk ve güvenilirlikle aktarmayı amaçlıyor.

Rouen Katedrali ile ilgili bir dizi tabloya daha yakından bakarsanız, buradaki katedralin somutlaşmış hali olmadığı anlaşılır. karmaşık dünya ortaçağ Fransa halkının düşünceleri, duyguları ve idealleri ve hatta bir sanat ve mimari anıtı değil, yazarın ışık ve atmosferin yaşam durumunu aktardığı bir tür arka plan. İzleyici, bu dizinin gerçek kahramanları olan sabah esintisinin tazeliğini, öğle sıcağını, yaklaşan akşamın yumuşak gölgelerini hissediyor.

Bununla birlikte, buna ek olarak, bu tür resimler, istemsiz olarak ortaya çıkan çağrışımsal bağlantılar sayesinde izleyiciye zaman ve mekan dinamikleri izlenimi veren alışılmadık dekoratif kompozisyonlardır.

Ailesiyle birlikte Giverny'ye taşınan Monet, bahçede resim organizasyonunu yaparak çok zaman geçirdi. Bu işgal, sanatçının görüşlerini o kadar etkiledi ki, insanların yaşadığı sıradan dünya yerine, tuvallerinde su ve bitkilerin gizemli dekoratif dünyasını tasvir etmeye başladı (“Giverny'de İrisler”, 1923; “Ağlayan Söğütler”, 1923 ). Bu nedenle, daha sonraki panellerinin en ünlü dizisinde (“Beyaz Nilüferler. Mavinin Uyumu”, 1918-1921) gösterilen, içinde nilüferlerin yüzdüğü göletlerin görüntüleri.

Giverny, sanatçının 1926'da öldüğü son sığınağı oldu.

İzlenimcileri yazma tarzının Akademisyenlerin tarzından çok farklı olduğunu belirtmek gerekir. İzlenimciler, özellikle Monet ve onun gibi düşünen insanlar, konu korelasyonundan ayrı olarak fırça darbesinin renk şemasının ifade gücüyle ilgilendiler. Yani, izleyicinin algısında istenen ton zaten oluşturulmuşken, yalnızca palete karıştırılmamış saf boyaları kullanarak ayrı vuruşlarla yazdılar. Bu nedenle, ağaçların ve çimenlerin yaprakları için yeşilin yanı sıra mavi ve sarı kullanıldı ve belli bir mesafede yeşilin doğru gölgesini verdi. Bu yöntem, Empresyonist ustaların eserlerine yalnızca kendilerine özgü özel bir saflık ve tazelik kazandırdı. Ayrı olarak yerleştirilmiş vuruşlar, bir kabartma ve sanki titreşen bir yüzey izlenimi yarattı.

Pierre Auguste Renoir

Empresyonist grubun liderlerinden Fransız ressam, grafik sanatçısı ve heykeltıraş Pierre Auguste Renoir, 25 Şubat 1841'de Limoges'te, 1845'te Paris'e taşınan taşralı bir terzinin fakir bir ailesinde doğdu. Genç Renoir'in yeteneği, ailesi tarafından oldukça erken fark edildi ve 1854'te onu bir porselen resim atölyesine atadılar. Atölyeyi ziyaret ederken, Renoir aynı anda çizim ve uygulamalı sanat okulunda okudu ve 1862'de para biriktirerek (armaları, perdeleri ve yelpazeleri boyayarak para kazanmak), genç sanatçı Güzel Sanatlar Okulu'na girdi. Kısa bir süre sonra A. Sisley, F. Basil ve C. Monet ile yakın arkadaş olduğu C. Gleyre'nin atölyesini ziyaret etmeye başladı. A. Watteau, F. Boucher, O. Fragonard gibi ustaların eserlerini inceleyerek sık sık Louvre'u ziyaret etti.

Bir grup izlenimci ile iletişim, Renoir'ı kendi vizyon tarzını geliştirmeye yönlendirir. Yani, örneğin, onlardan farklı olarak, tüm çalışması boyunca resimlerinin ana nedeni olarak bir insan imajına yöneldi. Ayrıca, işi aleni olmasına rağmen asla dağılmadı.
parıldayan ışık ortamında maddi dünyanın plastik ağırlığı.

Ressamın görüntüye neredeyse heykelsi bir form kazandıran ışık-gölge kullanımı, erken dönem eserlerini başta G. Courbet olmak üzere bazı realist sanatçıların işleri gibi gösteriyor. Bununla birlikte, yalnızca Renoir'a özgü daha açık ve daha açık bir renk şeması, bu ustayı öncekilerden ayırır ("Mother Anthony's Tavern", 1866). Sanatçının birçok eserinde açık havada insan figürlerinin hareketinin doğal plastisitesini aktarma girişimi göze çarpmaktadır. Renoir, "Karısıyla Alfred Sisley'nin Portresi"nde (1868), kol kola yürüyen çifti birbirine bağlayan duyguyu göstermeye çalışır: Sisley bir an duraksadı ve hafifçe karısına doğru eğildi. Fotoğraf çerçevesini andıran bir kompozisyona sahip bu resimde, hareket motifi hala tesadüfi ve neredeyse bilinçsizdir. Ancak "Taverna" ile karşılaştırıldığında "Alfred Sisley'nin karısıyla portresi"ndeki figürler daha rahat ve canlı görünüyor. Bir başka önemli nokta da önemlidir: eşler doğada (bahçede) tasvir edilmiştir, ancak Renoir'in açık havada insan figürlerini tasvir etme konusunda henüz bir deneyimi yoktur.

"Alfred Sisley'nin karısıyla portresi" - sanatçının yeni sanata giden yolda ilk adımı. Sanatçının çalışmalarının bir sonraki aşaması, kıyı boyunca yürüyen insan figürlerinin, yıkananların, teknelerin ve ağaç kümelerinin hafif hava atmosferiyle bir araya getirildiği Seine'de Yıkanma (c. 1869) adlı resimdi. güzel bir yaz günü Ressam zaten özgürce renkli gölgeler ve açık renk yansımalar kullanıyor. Yayması canlı ve enerjik hale gelir.

C. Monet gibi Renoir de insan figürünü çevrenin dünyasına dahil etme probleminden hoşlanır. Sanatçı bu sorunu "Swing" (1876) adlı tablosunda çözüyor, ancak insan figürlerinin manzara içinde çözülüyormuş gibi göründüğü C. Monet'ten biraz farklı bir şekilde. Renoir, kompozisyonuna birkaç önemli figür katıyor. Bu tuvalin resmedilişi, gölgenin yumuşattığı sıcak bir yaz gününün atmosferini çok doğal bir şekilde aktarıyor. Resim bir mutluluk ve neşe duygusuyla doludur.

1870'lerin ortalarında. Renoir, hafif canlı hareket ve parlak ışık yansımalarının yakalanması zor oyunu "Moulin de la Galette" (1876) ve "Şemsiyeler" ( 1883), "Loca" (1874) ve Kahvaltının Sonu (1879). Bu güzel tuvaller, sanatçının zor bir ortamda çalışmak zorunda olmasına rağmen yaratıldı, çünkü İzlenimcilerin skandal sergisinden (1874) sonra, Renoir'in eseri (ve benzer düşünen insanlarının çalışmaları) keskinliğe maruz kaldı. sözde sanat uzmanlarının saldırıları. Ancak bu zor dönemde Renoir, kendisine yakın iki kişinin desteğini hissetti: erkek kardeşi Edmond (La Vie Moderne dergisinin yayıncısı) ve Georges Charpentier (haftalık gazetenin sahibi). Sanatçının az miktarda para kazanmasına ve bir atölye kiralamasına yardımcı oldular.

"Çayırlardaki Yol" manzarasının kompozisyon açısından C. Monet'nin "Poppies" (1873) tablosuna çok yakın olduğu, ancak Renoir'in tuvallerinin pitoresk dokusunun daha yoğun ve malzeme olduğu belirtilmelidir. Bileşimsel çözümle ilgili bir başka fark da gökyüzüdür. Doğal dünyanın maddeselliğini önemli bulan Renoir'da gökyüzü, resmin yalnızca küçük bir bölümünü kaplarken, gökyüzünü üzerinden geçen gri-gümüş ya da bembeyaz bulutlarla betimleyen Monet'de çiçekli haşhaşlarla bezeli bir yokuşun üzerinde yükselerek, güneşli bir yaz günü hissini artırıyor.

"Moulin de la Galette" (bununla birlikte sanatçıya gerçek bir başarı geldi) kompozisyonlarında, "Şemsiyeler", "Loca" ve "Kahvaltının Sonu" (Manet ve Degas'ta olduğu gibi) görünüşte tesadüfi bir ilgiye açıkça gösteriliyor. gözetleme yaşam durumu; E. Degas ve kısmen E. Manet'nin de özelliği olan, kompozisyon alanının çerçevesini kesme yöntemine yapılan itiraz da karakteristiktir. Ancak, ikincisinin eserlerinden farklı olarak, Renoir'in resimleri büyük bir sakinlik ve tefekkür ile ayırt edilir.

Yazarın, sandalye sıralarına dürbünle bakıyormuş gibi, yanlışlıkla içinde kayıtsız bir görünüme sahip bir güzelliğin bulunduğu bir kutuyla karşılaştığı "The Lodge" tuvali. Arkadaşı ise tam tersine seyirciye büyük bir ilgiyle bakıyor. Figürünün bir kısmı resim çerçevesi tarafından kesilmiş.

"Kahvaltının Sonu" çalışması ilkel bir bölüm sunar: beyaz ve siyah giyinmiş iki bayan ve onların beyefendisi, bahçenin gölgeli bir köşesinde kahvaltıyı tamamlar. Masa, ince soluk mavi porselenden yapılmış fincanlarda servis edilen kahve için çoktan hazır. Adamın bir sigara yakmak için sözünü kestiği hikayenin devamını kadınlar beklemektedir. Bu resim dramatik veya derin bir psikoloji değil, en küçük ruh hali tonlarının ince bir aktarımıyla izleyicinin dikkatini çekiyor.

Benzer bir sakin neşe duygusu, hafif ve canlı hareketlerle dolu "Kürekçilerin Kahvaltısı" na (1881) nüfuz eder. Coşku ve çekicilik, kucağında bir köpekle oturan genç ve güzel bir bayan figüründen yayılıyor. Sanatçı onu tasvir etti müstakbel eş. "Çıplak" (1876) tuvali, sadece biraz farklı bir kırılma ile aynı neşeli ruh haliyle doludur. Genç bir kadının vücudunun tazeliği ve sıcaklığı, bir tür arka plan oluşturan çarşaf ve çarşafların mavimsi soğuk kumaşıyla tezat oluşturuyor.

Renoir'in çalışmasının karakteristik bir özelliği, bir kişinin neredeyse tüm gerçekçi sanatçıların resminin özelliği olan karmaşık psikolojik ve ahlaki dolgunluğundan mahrum olmasıdır. Bu özellik yalnızca (olay örgüsünün doğasının bu tür niteliklerin yokluğuna izin verdiği) "Çıplak" gibi eserlerde değil, aynı zamanda Renoir'ın portrelerinde de var. Ancak bu, karakterlerin neşesinde yatan tuvalini çekicilikten mahrum bırakmıyor.

Bu nitelikler büyük ölçüde Renoir'in ünlü "Hayranlı Kız" portresinde hissedilir (c. 1881). Tuval, bağlayan bağlantıdır erken iş Renoir, daha soğuk ve daha rafine bir geç ile karakterize edilir. renkler. Bu dönemde sanatçı, rengin yerelliğinin yanı sıra net çizgilere, net bir çizime eskisinden daha fazla ilgi duyuyor. Sanatçı, ritmik tekrarlara büyük bir rol verir (bir fanın yarım dairesi - kırmızı bir sandalyenin yarım daire şeklindeki sırtı - eğimli kız gibi omuzlar).

Bununla birlikte, Renoir'in resmindeki tüm bu eğilimler, 1880'lerin ikinci yarısında, çalışmalarında hayal kırıklığı ve genel olarak izlenimcilik başladığında, kendilerini en iyi şekilde gösterdi. Sanatçının "kurutulmuş" olarak gördüğü bazı eserlerini yok ettikten sonra N. Poussin'in çalışmalarını incelemeye başlar, J. O. D. Ingres'in çizimine döner. Sonuç olarak, paleti özel bir parlaklık kazanır. Sözde. "Piyanodaki Kızlar" (1892), "Uyuyan Yıkanmacı" (1897) gibi çalışmalardan ve oğulların portreleri - Pierre, Jean ve Claude - "Gabriel ve Jean" ( 1895), "Koko" (1901).

Ayrıca, 1884'ten 1887'ye kadar Renoir, bir dizi varyant üzerinde çalışıyor. büyük fotoğraf"Yıkananlar". Onlarda net bir kompozisyon bütünlüğü elde etmeyi başarır. Ancak, zamanımızın büyük sorunlarından uzakta olay örgüsüne dönerken, büyük seleflerin geleneklerini yeniden canlandırma ve yeniden düşünmeye yönelik tüm girişimler başarısızlıkla sonuçlandı. "Yıkananlar", sanatçıyı yalnızca daha önceki doğrudan ve taze yaşam algısından uzaklaştırdı. Bütün bunlar, 1890'lardan beri olduğu gerçeğini büyük ölçüde açıklıyor. Renoir'ın çalışması zayıflar: eserlerinin renginde turuncu-kırmızı tonlar hakim olmaya başlar ve havadar derinlikten yoksun arka plan dekoratif ve düz hale gelir.

1903'ten beri Renoir, kendi evi Cagnes-sur-Mer'de, çoğunlukla yukarıda bahsedilen kırmızımsı tonların hakim olduğu manzaralar, insan figürlü kompozisyonlar ve natürmortlar üzerinde çalışmaya devam ediyor. Ağır hasta olan sanatçı artık fırçaları tek başına tutamaz ve ellerine bağlanır. Ancak bir süre sonra resimden tamamen vazgeçilmek zorunda kalınır. Sonra usta heykele döner. Guino'nun asistanıyla birlikte, silüetlerin güzelliği ve uyumu, neşe ve yaşamı onaylayan güçle ayırt edilen birkaç harika heykel yaratır (Venüs, 1913; Büyük Çamaşırcı, 1917; Annelik, 1916). Renoir, 1919'da Alpes-Maritimes'teki mülkünde öldü.

Edgar Degas

Empresyonizmin en büyük temsilcisi Fransız ressam, grafik sanatçısı ve heykeltıraş Edgar Hilaire Germain Degas, 1834 yılında Paris'te zengin bir bankacının ailesinde doğdu. Varlıklı biri olarak, Büyük Louis'in (1845-1852) adını taşıyan prestijli Lyceum'da mükemmel bir eğitim aldı. Bir süre Paris Üniversitesi Hukuk Fakültesi'nde öğrenciydi (1853), ancak sanat için can atarak üniversiteden ayrıldı ve sanatçı L. Lamotte'nin (öğrenci ve takipçisi) stüdyosuna gitmeye başladı. Ingres) ve aynı zamanda (1855'ten beri) Okul
güzel Sanatlar. Ancak 1856'da herkes için beklenmedik bir şekilde Degas Paris'ten ayrıldı ve iki yıllığına İtalya'ya gitti ve burada büyük bir ilgiyle çalıştı ve birçok ressam gibi Rönesans'ın büyük ustalarının eserlerini kopyaladı. En büyük ilgisini, ilham verici ve renkli tablosu genç sanatçının büyük beğeni topladığı A. Mantegna ve P. Veronese'nin çalışmalarına veriyor.

Degas'ın ilk çalışmaları (çoğunlukla portreler), net ve kesin bir çizim ve incelikli gözlem ile zarif bir şekilde kısıtlanmış bir yazı tarzıyla (kardeşi tarafından yapılan eskizler, 1856-1857; Barones Belleli'nin başının çizimi, 1859) veya şaşırtıcı bir şekilde karakterize edilir. infazın doğruluğu (bir İtalyan dilencinin portresi, 1857).

Anavatanına dönen Degas, tarihi temaya döndü, ancak ona o zamanlar için alışılmadık bir yorum verdi. Bu nedenle, "Spartan Girls, Genç Erkekleri Bir Yarışmaya Meydan Okur" (1860) adlı kompozisyonda, usta, eski olay örgüsünün koşullu idealleştirilmesini göz ardı ederek, onu gerçekte olabileceği gibi somutlaştırmaya çalışır. Buradaki antik dönem, tarihsel bir tema üzerine diğer tuvallerinde olduğu gibi, modernliğin prizmasından geçmiş gibidir: Antik Sparta'nın köşeli formları, ince bedenleri ve keskin hareketleri olan kızlarının ve genç erkeklerinin gündelik bir arka plana karşı tasvir edilen görüntüleri. yavan manzara, klasik fikirlerden uzaktır ve idealize edilmiş Spartalılardan çok Paris banliyölerinin sıradan gençlerine benzer.

1860'larda acemi ressamın yaratıcı yönteminde kademeli bir oluşum yaşandı. Bu on yılda, daha az önemli tarihi tuvallerin yanı sıra ("Semiramide Babil'in İnşasını İzliyor", 1861), sanatçı, gözlem ve gerçekçi becerilerin geliştirildiği birkaç portre çalışması yarattı. Bu bağlamda en belirleyici olan, tarafından yaratılan “Genç Kadının Başı” resmidir.
1867'de

1861'de Degas, E. Manet ile tanıştı ve kısa süre sonra, o zamanın genç mucitlerinin bir araya geldiği Gerbois kafesinin müdavimi oldu: C. Monet, O. Renoir, A. Sisley ve diğerleri, ancak öncelikle peyzaj ve işle ilgileniyorlarsa açık havada , ardından Degas daha çok şehir temasına, Parisli tiplere odaklanır. Hareket halinde olan her şeye ilgi duyar; statik onu kayıtsız bırakır.

Degas, yaşam fenomenlerinin sonsuz değişiminde karakteristik olarak ifade edici olan her şeyi ustaca yakalayan çok dikkatli bir gözlemciydi. Böylece, büyük şehrin çılgın ritmini aktararak, kapitalist şehre adanmış günlük türün varyantlarından birinin yaratılmasına gelir.

Bu dönemin eserlerinde, dünya resminin incileri olarak sınıflandırılan pek çok kişinin bulunduğu portreler öne çıkıyor. Bunlar arasında Belleli ailesinin bir portresi (c. 1860-1862), bir kadın portresi (1867), gitarist Pagan'ı dinleyen sanatçının babasının bir portresi (c. 1872) bulunmaktadır.

1870'ler dönemine ait bazı resimler, karakterlerin tasvirinde fotografik bir kayıtsızlıkla karakterize edilir. Bir örnek, soğuk mavimsi tonlarda yapılmış "Dans Dersi" (c. 1874) adlı bir tuvaldir. Yazar, eski bir dans ustasından ders alan balerinlerin hareketlerini inanılmaz bir doğrulukla yakalıyor. Bununla birlikte, örneğin, Viscount Lepic'in kızlarıyla birlikte Place de la Concorde'da 1873'e dayanan bir portresi gibi farklı nitelikte resimler var. Lepic'in karakterinin aktarımının kompozisyonu ve olağanüstü keskinliği; tek kelimeyle, bu, yaşamın karakteristik olarak anlamlı başlangıcının sanatsal olarak keskin ve keskin ifşası nedeniyle olur.

Bu dönem eserlerinin, sanatçının anlattığı olaya bakış açısını yansıttığını belirtmek gerekir. Resimleri olağan akademik kanunları yok ediyor. Degas'ın Orkestranın Müzisyenleri (1872) adlı tablosu, müzisyenlerin başları (yakın çekimde boyanmış) ile izleyiciyi selamlayan küçük bir dansçı figürünün karşılaştırılmasıyla oluşturulan keskin kontrast üzerine kuruludur. Etkileyici harekete olan ilgi ve onun tuval üzerine tam olarak kopyalanması, hareketin özünü, mantığını olduğu kadar doğru bir şekilde yakalamak için usta tarafından yaratılan çok sayıda dansçı figürininde de gözlemleniyor (Degas'ın da bir heykeltıraş olduğunu unutmamalıyız). olabildiğince.

Sanatçı, herhangi bir şiirselleştirmeden yoksun, hareketlerin, duruşların ve jestlerin profesyonel özgüllüğüyle ilgileniyordu. Bu, özellikle at yarışına ayrılmış çalışmalarda belirgindir ("Genç Jokey", 1866-1868; "İlde At Yarışı. Yarışlarda Ekip", yaklaşık 1872; "Standların önünde jokeyler", yaklaşık 1879, vesaire.). The Ride of Racehorses'ta (1870'ler), konunun profesyonel tarafının analizi neredeyse bir muhabir doğruluğuyla verilir. Bu tuvali T. Géricault'nun "Epsom'daki Yarışlar" tablosuyla karşılaştırırsak, Degas'ın çalışmasının, bariz analitikliği nedeniyle T. Géricault'nun duygusal kompozisyonunda çok şey kaybettiği hemen anlaşılır. Aynı nitelikler, Degas'ın başyapıtlarının sayısına ait olmayan pastel "Sahnedeki Balerin" (1876-1878) doğasında var.

Bununla birlikte, bu kadar tek taraflılığa rağmen ve hatta belki de onun sayesinde, Degas'ın sanatı ikna ediciliği ve içeriği ile ayırt edilir. Programatik çalışmalarında, tasvir edilen kişinin içsel durumunun derinliğini ve karmaşıklığının yanı sıra yazarın kendisi de dahil olmak üzere çağdaş toplumun yaşadığı yabancılaşma ve yalnızlık atmosferini çok doğru ve büyük bir ustalıkla ortaya koyuyor.

İlk kez, bu ruh halleri, sanatçının kasvetli ve kasvetli bir atmosferde donmuş, önünde öğrenilmiş bir pozda donmuş yalnız bir dansçı figürü çizdiği küçük bir tuval olan “Bir fotoğrafçının önünde Dansçı” (1870'ler) üzerine kaydedildi. hantal bir fotoğraf aparatının. Gelecekte, "Absinthe" (1876), "Kafeden Şarkıcı" (1878), "Ütüciler" (1884) ve diğerleri gibi tuvallere bir acı ve yalnızlık duygusu nüfuz eder.Degas iki erkek figürü gösterdi ve yalnız ve birbirine ve tüm dünyaya kayıtsız bir kadın. Absinthe ile dolu bir bardağın loş yeşilimsi titremesi, kadının gözlerinde ve duruşunda görülen hüznü ve umutsuzluğu vurguluyor. Kabarık yüzlü soluk sakallı bir adam kasvetli ve düşüncelidir.

Yaratıcılık Degas, insanların karakterlerine, davranışlarının tuhaf özelliklerine ve geleneksel olanın yerini alan iyi inşa edilmiş dinamik bir kompozisyona olan gerçek ilginin doğasında var. Ana ilkesi, gerçekliğin kendisinde en anlamlı açıları bulmaktır. Bu, Degas'ın çalışmalarını çevrelerindeki dünyaya düşünceli yaklaşımlarıyla diğer izlenimcilerin (özellikle C. Monet, A. Sisley ve kısmen O. Renoir) sanatından ayırır. Sanatçı bu prensibi, samimiyeti ve gerçekçiliğiyle E. Goncourt'ta hayranlık uyandıran New Orleans'taki Pamuk Kabul Ofisi (1873) adlı ilk çalışmasında zaten kullanmıştı. Bunlar, aynı motif içinde çeşitli hareketlerin değişiminin ince bir analizinin verildiği "Fernando Sirki'nde Bayan Lala" (1879) ve "Antrede Dansçılar" (1879) adlı sonraki çalışmalarıdır.

Bazen bu teknik bazı araştırmacılar Degas'ın A. Watteau ile yakınlığını belirtmek için kullanıyor. Her iki sanatçı da bazı noktalarda gerçekten benzer olsa da (A. Watteau aynı hareketin çeşitli tonlarına da odaklanmaktadır), A. Watteau'nun çizimini, yukarıda bahsedilen Degas kompozisyonundan kemancının hareketlerinin görüntüsü ile karşılaştırmak yeterlidir. , sanatsal tekniklerinin tersi olduğu gibi hemen hissedilir.

A. Watteau, bir hareketin anlaşılması zor geçişlerini diğerine, tabiri caizse yarı tonlara aktarmaya çalışırsa, o zaman Degas için tam tersine, hareket motiflerinde enerjik ve zıt bir değişiklik karakteristiktir. Karşılaştırmaları ve keskin çarpışmaları için daha çok çabalıyor, genellikle figürü köşeli yapıyor. Sanatçı bu şekilde çağdaş yaşamın gelişim dinamiklerini yakalamaya çalışır.

1880'lerin sonunda - 1890'ların başında. Degas'ın çalışmasında, muhtemelen uyanıklığının biraz donukluğundan kaynaklanan dekoratif motiflerin bir ağırlığı vardır. sanatsal algı. 1880'lerin başındaki çıplaklığa adanmış tuvallerde (“Banyodan çıkan kadın”, 1883), hareketin canlı ifadesine daha fazla ilgi varsa, o zaman on yılın sonunda sanatçının ilgisi gözle görülür şekilde tasvire kaydı. kadın güzelliği. Bu, özellikle ressamın pelvisine yaslanan genç bir kadının esnek ve zarif vücudunun çekiciliğini büyük bir ustalıkla aktardığı "Banyo Yapma" (1886) resminde belirgindir.

Sanatçılar daha önce de benzer resimler yapmışlardı ama Degas biraz farklı bir yol izliyor. Diğer ustaların kadın kahramanları her zaman izleyicinin varlığını hissetmişse, o zaman burada ressam, sanki dışarıdan nasıl göründüğü konusunda tamamen kayıtsızmış gibi bir kadını tasvir ediyor. Ve bu tür durumlar güzel ve oldukça doğal görünse de, resimlerdeki görüntüler benzer işler genellikle groteske yaklaşır. Ne de olsa, herhangi bir poz ve jest, en samimi olanı bile burada oldukça uygundur, işlevsel bir gereklilikle tamamen haklı çıkarlar: yıkarken, doğru yere uzanın, arkadaki tokayı açın, kaydırın, bir şeye tutunun.

Degas, yaşamının son yıllarında resimden çok heykelle uğraştı. Bu kısmen göz hastalığı ve görme bozukluğundan kaynaklanmaktadır. Resimlerinde bulunan görüntülerin aynısını yaratıyor: balerin, dansçı, at figürinleri yapıyor. Aynı zamanda sanatçı, hareketlerin dinamiklerini olabildiğince doğru bir şekilde aktarmaya çalışır. Degas, arka planda kaybolsa da işinden tamamen kaybolmayan resimden ayrılmıyor.

Kompozisyonların biçimsel olarak ifade edici, ritmik yapısı nedeniyle, Degas'ın 1880'lerin sonlarında ve 1890'larda yapılan resimlerinin dekoratif-düzlemsel bir yorumu arzusu. gerçekçi inandırıcılıktan yoksun olduğu ortaya çıktı ve dekoratif paneller gibi oldu.

Degas, hayatının geri kalanını 1917'de öldüğü memleketi Paris'te geçirdi.

Camille Pissarro

Fransız ressam ve grafik sanatçısı Camille Pissarro, yaklaşık 1830'da doğdu. Thomas (Antiller) bir tüccar ailesinden. 1842'den 1847'ye kadar eğitim gördüğü Paris'te eğitim gördü. Eğitimini tamamladıktan sonra Pissarro, St. Thomas'a döndü ve dükkânda babasına yardım etmeye başladı. Ancak genç adamın hayalini kurduğu şey bu değildi. İlgisi tezgahın çok ötesindeydi. Resim onun için en önemli şeydi ama babası oğlunun ilgisini desteklemedi ve aile işini bırakmasına karşı çıktı. Ailenin yarı yolda buluşma konusundaki tam yanlış anlaşılması ve isteksizliği, tamamen çaresiz genç adamın Venezuela'ya (1853) kaçmasına neden oldu. Bu hareket, kararlı ebeveyni hala etkiledi ve oğlunun resim eğitimi için Paris'e gitmesine izin verdi.

Pissarro, Paris'te altı yıl (1855'ten 1861'e kadar) çalıştığı Suisse stüdyosuna girdi. 1855'teki Dünya Resim Sergisinde, geleceğin sanatçısı J. O. D. Ingres, G. Courbet'i keşfetti, ancak onun üzerinde en büyük etkiyi C. Corot'un çalışmaları yaptı. İkincisinin tavsiyesi üzerine, Suisse atölyesini ziyaret etmeye devam eden genç ressam, Güzel Sanatlar Okulu'na A. Melby'ye girdi. Bu sırada, Paris'in varoşlarının manzaralarını birlikte resmettiği C. Monet ile tanıştı.

1859'da Pissarro resimlerini ilk kez Salon'da sergiledi. İlk eserleri C. Corot ve G. Courbet'nin etkisi altında yazılmıştı, ancak yavaş yavaş Pissarro kendi tarzını geliştirmeye başladı. Acemi bir ressam, açık havada çalışmaya çok zaman ayırır. O, diğer izlenimciler gibi, hareket halindeki doğa yaşamıyla ilgileniyor. Pissarro, nesnenin yalnızca biçimini değil, aynı zamanda maddi özünü de aktarabilen renge büyük önem veriyor. Doğanın eşsiz cazibesini ve güzelliğini ortaya çıkarmak için, birbirleriyle etkileşime girerek titreşimli bir ton aralığı oluşturan saf renklerin hafif vuruşlarını kullanıyor. Çapraz şekilli, paralel ve çapraz çizgilerle çizilen bu çizgiler, tüm görüntüye inanılmaz bir derinlik ve ritmik ses duygusu verir (“The Seine at Marly”, 1871).

Resim Pissarro'yu getirmez büyük para ve geçimini zar zor sağlıyor. Sanatçı, çaresizlik anlarında sanattan sonsuza kadar kopmak için girişimlerde bulunur, ancak kısa süre sonra yeniden yaratıcılığa döner.

Yıllar içinde Franco-Prusya Savaşı Pissarro Londra'da yaşıyor. C. Monet ile birlikte doğadan Londra manzaraları çiziyor. Sanatçının o dönemde Louveciennes'teki evi Prusyalı işgalciler tarafından yağmalandı. Evde kalan tabloların çoğu yok edildi. Askerler yağmur sırasında avludaki brandaları ayaklarının altına serdiler.

Paris'e dönen Pissarro, hâlâ mali zorluklar yaşıyor. Yerine gelen Cumhuriyet
imparatorluk, Fransa'da neredeyse hiçbir şeyi değiştirmedi. Komünle bağlantılı olaylardan sonra yoksullaşan burjuvazi tablo satın alamıyor. Bu sırada Pissarro, genç sanatçı P. Cezanne'yi himayesine alır. Birlikte Pontoise'da çalışıyorlar, burada Pissarro, sanatçının 1884'e kadar yaşadığı Pontoise çevresini tasvir eden tuvaller yaratıyor ("Oise in Pontoise", 1873); sessiz köyler, uzaklara uzanan yollar (“Kar altında Gisors'tan Pontoise'a giden yol”, 1873; “Kırmızı Çatılar”, 1877; “Pontoise'da Manzara”, 1877).

Pissarro, 1874'ten 1886'ya kadar düzenlenen İzlenimcilerin sekiz sergisinin hepsinde aktif olarak yer aldı. ortak dil neredeyse tüm acemi sanatçılarla, onlara tavsiyelerde bulundu. Çağdaşlar onun hakkında "taş çizmeyi bile öğretebileceğini" söylediler. Ustanın yeteneği o kadar büyüktü ki, diğerlerinin yalnızca gri, kahverengimsi ve yeşil olarak gördüğü renklerin en ince tonlarını bile ayırt edebiliyordu.

Pissarro'nun çalışmalarında özel bir yer, ışığa ve mevsime bağlı olarak sürekli değişen, canlı bir organizma olarak gösterilen şehre adanmış tuvallerle dolu. Sanatçı, çok şey görme ve başkalarının fark etmediğini yakalama konusunda inanılmaz bir yeteneğe sahipti. Örneğin, aynı pencereden dışarı bakarak Montmartre'yi tasvir eden 30 eser yazdı ("Paris'teki Montmartre Bulvarı", 1897). Usta Paris'i tutkuyla sevdi, bu yüzden resimlerin çoğunu ona adadı. Sanatçı, Paris'i dünyanın en büyük şehirlerinden biri yapan eşsiz büyüyü eserlerine aktarmayı başardı. Ressam, çalışmak için Saint-Lazare Caddesi, Grands Boulevards vb. , bahar”, 1898; “Paris'te opera pasajı).

Kent manzaraları arasında başka kentleri betimleyen eserler de vardır. Yani, 1890'larda. usta uzun süre Dieppe'de, ardından Rouen'de yaşadı. Fransa'nın çeşitli yerlerine adanmış resimlerinde, eski meydanların güzelliğini, geçmiş dönemlerin ruhunun soluduğu şeritlerin ve eski binaların şiirini ortaya çıkardı (“Rouen'deki Büyük Köprü”, 1896; “Rouen'deki Boildieu Köprüsü Gün Batımında”, 1896; “Rouen Manzarası”, 1898; “Dieppe'deki Saint-Jacques Kilisesi”, 1901).

Pissarro'nun manzaraları parlak renkli olmasa da, resimsel dokuları çeşitli tonlar açısından alışılmadık derecede zengindir: örneğin, parke taşı döşemenin gri tonu saf pembe, mavi, mavi, altın sarısı, İngiliz kırmızısı vb. Sonuç olarak, gri sedef gibi görünür, parlar ve parlar, resimlerin mücevher gibi görünmesini sağlar.

Pissarro sadece manzara yaratmadı. yaptığı işte var tür resimleri bir kişiye olan ilginin somutlaştığı.

En önemlileri arasında "Sütlü Kahve" (1881), "Dallı Kız" (1881), "Kuyuda Çocuğu Olan Kadın" (1882), "Pazar: Et Tüccarı" (1883) dikkati çekiyor. ). Bu eserler üzerinde çalışan ressam, darbeyi düzene sokmaya ve kompozisyonlara anıtsallık unsurlarını sokmaya çalıştı.

1880'lerin ortalarında, zaten olgun bir sanatçı olan Pissarro, Seurat ve Signac'ın etkisi altında, bölümcülüğe ilgi duymaya başladı ve küçük renkli noktalarla resim yapmaya başladı. Bu şekilde “Lacroix Island, Rouen” gibi bir eseri ortaya çıktı. Sis" (1888). Ancak hobi uzun sürmedi ve kısa süre sonra (1890) usta eski tarzına döndü.

Resme ek olarak, Pissarro suluboya çalıştı, gravürler, litograflar ve çizimler yaptı.
Sanatçı 1903'te Paris'te öldü.

19. yüzyılın sonlarında Avrupa sanatı, modernist sanatın ortaya çıkışıyla zenginleşti, daha sonra etkisi müzik ve edebiyata yayıldı. Sanatçının en ince izlenimlerine, imgelerine ve ruh hallerine dayandığı için "izlenimcilik" olarak adlandırıldı.

Kökenleri ve oluşum tarihi

19. yüzyılın ikinci yarısında birkaç genç sanatçı bir grup oluşturdu. Ortak bir hedefleri ve çakışan çıkarları vardı. Bu şirket için asıl mesele, atölye duvarları ve çeşitli kısıtlayıcı faktörler olmadan doğada çalışmaktı. Resimlerinde, ışık ve gölge oyununun tüm duygusallığını, izlenimini aktarmaya çalıştılar. Manzaralar ve portreler, ruhun evrenle, çevreleyen dünyayla birliğini yansıtıyordu. Resimleri gerçek bir renk şiiridir.

1874'te bu sanatçı grubunun bir sergisi vardı. Manzara, Claude Monet “İzlenim. Sunrise”, incelemesinde ilk kez bu yaratıcıları İzlenimciler olarak adlandıran eleştirmenin dikkatini çekti (Fransız izleniminden - “izlenim”).

Resimleri yakında inanılmaz bir başarı yakalayacak olan izlenimcilik tarzının doğuşunun ön koşulları, Rönesans'ın eserleriydi. İspanyol Velazquez, El Greco, İngiliz Turner, Constable'ın çalışmaları, izlenimciliğin kurucuları olan Fransızları koşulsuz etkiledi.

Pissarro, Manet, Degas, Sisley, Cezanne, Monet, Renoir ve diğerleri Fransa'da üslubun önde gelen temsilcileri oldular.

Resimde izlenimcilik felsefesi

Bu tarzda resim yapan sanatçılar, halkın dikkatini sorunlara çekme görevini üstlenmediler. Eserlerinde günün konusuyla ilgili olay örgüsü bulunamaz, ahlak dersi alınamaz veya insani çelişkiler fark edilemez.

İzlenimcilik tarzındaki resimler, gizemli bir doğanın renk şemalarını geliştirerek anlık bir ruh halini aktarmayı amaçlamaktadır. Eserlerde sadece olumlu bir başlangıç ​​için yer var, izlenimcileri kasvet atlattı.

Aslında, İzlenimciler olay örgüsü ve ayrıntılar üzerinde düşünme zahmetine girmediler. Ana faktör ne çizeceğiniz değil, ruh halinizi nasıl tasvir edip aktaracağınızdı.

boyama tekniği

Akademik çizim tarzı ile Empresyonistlerin tekniği arasında muazzam bir fark vardır. Pek çok yöntemi basitçe terk ettiler, bazıları tanınmayacak şekilde değiştirildi. İşte yaptıkları yenilikler:

1. Terk edilmiş kontur. Darbelerle değiştirildi - küçük ve zıt.
2. Palet kullanmayı bıraktık. Belirli bir etki elde etmek için birleştirmeyi gerektirmeyen, birbirini tamamlayan renkleri seçtik. Örneğin sarı mordur.
3. Siyah boyamayı bırak.
4. Atölyelerde çalışmayı tamamen terk etti. Bir anı, bir görüntüyü, bir duyguyu yakalamak daha kolay olsun diye yalnızca doğa üzerine yazdılar.
5. Sadece iyi opaklığa sahip boyalar kullanıldı.
6. Bir sonraki katın kurumasını beklemeyin. Hemen taze smear uygulandı.
7. Işık ve gölgedeki değişiklikleri takip etmek için çalışma döngüleri oluşturdular. Örneğin, Claude Monet'nin "Saman Yığınları".

Tabii ki, tüm sanatçılar izlenimcilik tarzının özelliklerini tam olarak gerçekleştirmedi. Örneğin Edouard Manet'nin resimleri hiçbir zaman ortak sergilere katılmadı ve kendisi de kendisini ayrı bir sanatçı olarak konumlandırdı. Edgar Degas sadece atölyelerde çalıştı ancak bu, eserlerinin kalitesine zarar vermedi.

Fransız İzlenimciliğinin Temsilcileri

İzlenimci eserlerin ilk sergisi 1874 tarihlidir. 12 yıl sonra son sergileri gerçekleşti. Bu tarzdaki ilk eser, E. Manet'nin “Kırda Kahvaltı” olarak adlandırılabilir. Bu resim Reddedilenler Salonunda sunuldu. Akademik kanonlardan çok farklı olduğu için düşmanlıkla karşılandı. Bu nedenle Manet, bu üslup yönünün takipçilerinin etrafında toplandığı bir figür haline gelir.

Ne yazık ki çağdaşlar, izlenimcilik gibi bir tarzı takdir etmediler. Tablolar ve sanatçılar, resmi sanatla uyuşmazlık içinde var oldular.

Claude Monet, daha sonra liderleri ve izlenimciliğin ana ideoloğu olan ressamlar ekibinde yavaş yavaş ön plana çıkıyor.

Claude Monet'in (1840-1926)

Bu sanatçının eseri, izlenimciliğe bir ilahi olarak tanımlanabilir. Gölgelerin ve gecenin bile başka tonları olduğunu savunarak resimlerinde siyah kullanmayı ilk reddeden oydu.

Monet'nin resimlerindeki dünya, baktığınızda gece ve gündüz renklerinin, mevsimlerin, ay altı dünyasının uyumunun tüm yelpazesini hissedebileceğiniz belirsiz ana hatlar, hacimli vuruşlardır. Monet'nin anlayışında hayatın akışından koparılan tek an izlenimciliktir. Resimlerinin hiçbir önemi yok gibi görünüyor, hepsi ışık ışınlarına ve hava akımlarına doymuş.

Claude Monet harika eserler yarattı: "Station Saint-Lazare", "Rouen Katedrali", "Charing Cross Bridge" döngüsü ve diğerleri.

Auguste Renoir (1841-1919)

Renoir'ın kreasyonları olağanüstü hafiflik, ferahlık ve ruhanilik izlenimi veriyor. Olay örgüsü tesadüfen doğmuş gibi ama sanatçının işinin tüm aşamalarını dikkatlice düşündüğü ve sabahtan akşama kadar çalıştığı biliniyor.

O. Renoir'in çalışmalarının ayırt edici bir özelliği, yalnızca yazarken mümkün olan cam kullanımıdır. İzlenimcilik sanatçının eserlerinde her vuruşta kendini gösterir. Bir insanı doğanın bir parçacığı olarak algılar, bu yüzden bu kadar çok çıplak resim var.

Renoir'in en sevdiği eğlence, tüm çekici ve çekici güzelliğiyle bir kadının imajıydı. Portreler, sanatçının yaratıcı hayatında özel bir yer tutar. "Şemsiyeler", "Yarpanlı Kız", "Kürekçilerin Kahvaltısı", Auguste Renoir'ın muhteşem resim koleksiyonunun sadece küçük bir kısmı.

Georges Seurat (1859-1891)

Seurat, resim oluşturma sürecini renk teorisinin bilimsel olarak doğrulanmasıyla ilişkilendirdi. Hafif hava ortamı, ana ve ek tonların bağımlılığı temelinde çizildi.

J. Seurat, İzlenimciliğin son aşamasının bir temsilcisi olmasına ve tekniğinin birçok açıdan kurucularından farklı olmasına rağmen, aynı şekilde vuruşların yardımıyla nesnel formun yanıltıcı bir temsilini yaratır. sadece uzaktan bakılabilir ve görülebilir.

Yaratıcılığın şaheserleri "Pazar", "Cancan", "Modeller" olarak adlandırılabilir.

Rus izlenimciliğinin temsilcileri

Rus izlenimciliği, birçok fenomeni ve yöntemi karıştırarak neredeyse kendiliğinden ortaya çıktı. Bununla birlikte, temel, Fransızlar gibi, sürecin tam ölçekli bir vizyonuydu.

Rus empresyonizminde, Fransızların özellikleri korunsa da, ulusal doğa ve ruh halinin özellikleri önemli değişiklikler yaptı. Örneğin, kar veya kuzey manzaralarının görüntüsü alışılmadık bir teknik kullanılarak ifade edildi.

Rusya'da izlenimcilik tarzında çok az sanatçı çalıştı, resimleri günümüze kadar göze çarpıyor.

İzlenimci dönem, Valentin Serov'un çalışmalarında ayırt edilebilir. "Şeftali Kız" bu tarzın Rusya'daki en açık örneği ve standardıdır.

Resimler, tazeliği ve saf renklerin uyumu ile fethediyor. Bu sanatçının çalışmasının ana teması, doğadaki bir insanın imajıdır. "Kuzey İdil", "Teknede", "Fyodor Chaliapin", K. Korovin'in faaliyetinde parlak kilometre taşlarıdır.

Modern zamanlarda izlenimcilik

Şu anda, sanatta bu yön aldı yeni hayat. Bu tarzda, birkaç sanatçı resimlerini yapıyor. Modern izlenimcilik Rusya'da (André Cohn), Fransa'da (Laurent Parcelier), Amerika'da (Diana Leonard) mevcuttur.

Andre Cohn en çok önde gelen temsilci yeni izlenimcilik Yağlı boya tabloları sadeliği ile dikkat çekiyor. Sanatçı sıradan şeylerde güzellik görür. Yaratıcı birçok nesneyi hareket prizmasından yorumlar.

Laurent Parcelier'nin suluboya çalışmaları tüm dünyada biliniyor. "Garip Dünya" adlı çalışma serisi kartpostal şeklinde yayınlandı. Muhteşem, canlı ve şehvetli, nefes kesici.

19. yüzyılda olduğu gibi, şu anda sanatçılar için açık hava resmi kalıyor. Onun sayesinde izlenimcilik sonsuza kadar yaşayacak. sanatçılar ilham vermeye, etkilemeye ve ilham vermeye devam ediyor.

İzlenimcilik, 70'lerde ortaya çıkan bir sanat akımıdır. XIX yüzyılda fransız resmi ve sonra müzik, edebiyat, tiyatroda tezahür etti.

Resimde izlenimcilik, 1874'teki ünlü sergiden çok önce şekillenmeye başladı. Edouard Manet, geleneksel olarak İzlenimcilerin kurucusu olarak kabul edilir. Titian, Rembrandt, Rubens, Velazquez'in klasik eserlerinden çok ilham aldı. Manet, tamamlanmamışlık etkisi yaratan "titreşen" darbeler ekleyerek tuvallerinde imgelere ilişkin vizyonunu dile getirdi. 1863'te Manet, kültür camiasında büyük bir skandala neden olan Olympia'yı yarattı.

İlk bakışta, resim geleneksel kanonlara uygun olarak yapılmış, ancak aynı zamanda zaten yenilikçi trendler taşıyordu. Çeşitli Paris yayınlarında Olympia hakkında yaklaşık 87 inceleme yazıldı. Üzerine pek çok olumsuz eleştiri düştü - sanatçı kaba olmakla suçlandı. Ve sadece birkaç makale hayırsever olarak adlandırılabilir.

Manet, çalışmalarında leke efekti yaratan tek kat boya kaplama tekniğini kullandı. Daha sonra, bu boya kaplama yöntemi, izlenimci sanatçılar tarafından resimlerdeki görüntülerin temeli olarak benimsendi.

İzlenimciliğin ayırt edici bir özelliği, saf renklerden oluşan karmaşık bir mozaik, üstünkörü dekoratif vuruşların yardımıyla ışık ortamını yeniden üretmenin özel bir tarzında, kısacık izlenimlerin en ince tespitiydi.

Sanatçıların araştırmalarının başında gökyüzünün maviliğini belirlemek için bir araç olan bir siyanometre kullanmaları ilginçtir. Siyah renk paletten çıkarıldı, yerini diğer renk tonları aldı, bu da resimlerin güneşli havasını bozmamayı mümkün kıldı.

İzlenimciler en son gelişmelere odaklandılar. bilimsel keşifler onun zamanının Chevrel ve Helmholtz'un renk teorisi şu şekilde özetlenebilir: Bir güneş ışını kendisini oluşturan renklere ayrılır ve buna göre tuval üzerine yerleştirilen iki boya resimsel etkiyi arttırır ve boyalar karıştırıldığında yoğunluklarını kaybederler.

İzlenimcilik estetiği, kısmen, kendini sanatta klasisizm geleneklerinden ve herkesi dikkatli bir şekilde yorumlanması gereken şifreli fikirleri görmeye davet eden geç romantik resmin kalıcı sembolizminden ve düşünceliliğinden kararlı bir şekilde kurtarma girişimi olarak şekillendi. . İzlenimcilik, yalnızca günlük gerçekliğin güzelliğini değil, aynı zamanda dünyayı sürekli değişen bir optik fenomen olarak tasvir ederek, ayrıntılandırmadan veya yorumlamadan renkli bir atmosferin sabitlenmesini talep etti.

İzlenimci sanatçılar eksiksiz bir açık hava sistemi geliştirdiler. Bu üslup özelliğinin öncüleri, ana temsilcileri Camille Corot ve John Constable olan Barbizon okulundan gelen manzara ressamlarıydı.

Üzerinde çalışmak boş alan en ufak renk değişikliklerini yakalamayı mümkün kıldı. farklı zaman günler.

Claude Monet, aynı konuda birkaç resim serisi yarattı, örneğin, Rouen Katedrali (50 resimlik bir seri), Saman Yığınları (15 resimlik bir seri), Nilüferli Gölet vb. günün farklı saatlerinde yazılan aynı nesnenin görüntüsündeki ışık ve renk değişimi.

İzlenimciliğin bir başka başarısı, karmaşık tonların ayrı vuruşlarla iletilen saf renklere ayrıştırıldığı orijinal bir resim sisteminin geliştirilmesidir. Sanatçılar palet üzerinde renkleri karıştırmamış, vuruşları doğrudan tuvale uygulamayı tercih etmişlerdir. Bu teknik, resimlere özel bir korku, değişkenlik ve rahatlama kazandırdı. Sanatçıların eserleri renk ve ışıkla doluydu.

15 Nisan 1874'te Paris'teki sergi, yeni bir akımın oluşum ve halka sunulma döneminin sonucuydu. Sergi, Boulevard des Capucines'teki fotoğrafçı Felix Nadar'ın stüdyosunda konuşlandırıldı.

"İzlenimcilik" adı, Monet'nin "İzlenim" tablosunun yer aldığı sergiden sonra ortaya çıktı. Gündoğumu". Eleştirmen L. Leroy, Sharivari'deki incelemesinde, Monet'nin çalışmasını örnek olarak göstererek 1874 sergisinin şakacı bir tanımını yaptı. Başka bir eleştirmen, Maurice Denis, İzlenimcileri bireysellik, duygu ve şiirden yoksun oldukları için kınadı.

İlk sergide yaklaşık 30 sanatçı eserlerini sergiledi. Bu, 1886'ya kadar sonraki sergilerle karşılaştırıldığında en büyük sayıydı.

hakkında söylenemez olumlu geribildirim Rus toplumundan. Rus sanatçılar ve demokratik eleştirmenler, her zaman büyük bir ilgiyle sanat hayatı Fransa - I. V. Kramskoy, I. E. Repin ve V. V. Stasov - İzlenimcilerin ilk sergideki başarılarını çok takdir ettiler.

1874 sergisiyle başlayan sanat tarihindeki yeni aşama, ani bir devrimci eğilim patlaması değil, yavaş ve tutarlı bir gelişimin doruk noktasıydı.

Geçmişin tüm büyük ustalarının izlenimcilik ilkelerinin gelişimine katkıda bulunmalarına rağmen, akımın yakın kökleri en kolay şekilde tarihi sergiden önceki yirmi yılda bulunabilir.

Salon'daki sergilere paralel olarak Empresyonistlerin sergileri de ivme kazanıyordu. Çalışmaları resimdeki yeni eğilimleri gösterdi. Bu, salon kültürüne ve sergi geleneklerine yönelik bir sitemdi. Gelecekte, izlenimci sanatçılar sanattaki yeni akımların hayranlarını kendi taraflarına çekmeyi başardılar.

Empresyonizmin teorik bilgisi ve formülasyonları oldukça geç şekillenmeye başladı. Sanatçılar daha çok pratik yapmayı ve ışık ve renkle kendi deneylerini yapmayı tercih ettiler. İzlenimcilik, öncelikle resimsel, gerçekçiliğin mirasının izini sürer, o zamanın çevreleyen gerçekliğin imajının akademi karşıtı, salon karşıtı yönelimini ve kurulumunu açıkça ifade eder. Bazı araştırmacılar, izlenimciliğin gerçekçiliğin özel bir dalı haline geldiğini belirtiyor.

Kuşkusuz, eski geleneklerin dönüm noktası ve bunalım döneminde ortaya çıkan her sanat akımında olduğu gibi izlenimci sanatta da, bütün dış bütünlüğüyle, çeşitli ve hatta birbiriyle çelişen eğilimler iç içe geçmiştir.

Başlıca özellikler, sanatçıların eserlerinin temalarında, sanatsal ifade araçlarındaydı. Irina Vladimirova'nın İzlenimciler hakkındaki kitabı birkaç bölüm içeriyor: "Manzara, doğa, izlenimler", "Şehir, buluşma yerleri ve ayrılıklar", "Bir yaşam biçimi olarak hobiler", "İnsanlar ve karakterler", "Portreler ve otoportreler" , "Natürmort". Ayrıca yaratılış tarihini ve her eserin yerini de açıklar.

İzlenimciliğin altın çağında sanatçılar, nesnel gerçeklik ile algısı arasında uyumlu bir denge buldular. Sanatçılar her ışık huzmesini, esintinin hareketini, doğanın değişkenliğini yakalamaya çalıştılar. Resimlerin tazeliğini korumak için Empresyonistler, daha sonra sanatın gelecekte gelişmesi için çok önemli olduğu ortaya çıkan orijinal bir resim sistemi yarattılar. Resimdeki genel eğilimlere rağmen, her sanatçı kendi yaratıcı yolunu ve resimdeki ana türleri bulmuştur.

Klasik İzlenimcilik, Edouard Manet, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Alfred Sisley, Camille Pissarro, Jean Frederic Basil, Berthe Morisot, Edgar Degas gibi sanatçılar tarafından temsil edilmektedir.

Bazı sanatçıların izlenimciliğin oluşumuna katkısını düşünün.

Edouard Manet (1832-1883)

Manet ilk resim derslerini T. Couture'den aldı, bu sayede geleceğin sanatçısı birçok gerekli profesyonel beceri kazandı. Öğretmenin öğrencilerine yeterince ilgi göstermemesi nedeniyle Manet, ustanın atölyesinden ayrılır ve kendi kendine eğitime başlar. Müzelerdeki sergileri geziyor, yaratıcı oluşumunda eski ustalardan, özellikle İspanyol ustalardan büyük ölçüde etkilenmiş.

1860'larda Manet, sanat tarzının temel ilkelerini gösteren iki eser yazdı. Valencia'dan Lola (1862) ve Flütçü (1866), Manet'yi modelin karakterini renk sunumuyla ortaya çıkaran bir sanatçı olarak gösterir.

Fırça darbesi tekniği ve renge karşı tutumu hakkındaki fikirleri, diğer Empresyonist ressamlar tarafından benimsendi. 1870'lerde Manet, takipçileriyle yakınlaştı ve paletinde siyah olmadan en plein air çalıştı. İzlenimciliğin ortaya çıkışı, bizzat Manet'nin yaratıcı evriminin sonucuydu. Manet'nin en izlenimci resimleri Kayıkta (1874) ve Claude Monet Kayıkta'dır (1874).

Manet ayrıca çeşitli laik hanımların, aktrislerin, modellerin, güzel kadınların birçok portresini yaptı. Her portrede, modelin benzersizliği ve bireyselliği aktarıldı.

Manet, ölümünden kısa bir süre önce başyapıtlarından biri olan "Bar Folies-Bergere" (1881-1882) yazar. Bu resim aynı anda birkaç türü birleştiriyor: portre, natürmort, ev sahnesi.

N. N. Kalitina şöyle yazıyor: “Manet'nin sanatının büyüsü, kızın çevreye direnmesidir, bu sayede ruh hali çok net bir şekilde ortaya çıkar ve aynı zamanda bir parçasıdır, çünkü tüm arka plan, belirsiz bir şekilde tahmin edilmiş, belirsiz, heyecanlı, mavi-siyah, mavimsi-beyaz, sarı tonlarında da çözülmektedir.

Claude Monet'in (1840-1926)

Claude Monet, klasik empresyonizmin tartışmasız lideri ve kurucusuydu. Resminin ana türü manzaraydı.

Monet, gençliğinde karikatüre ve karikatüre düşkündü. Çalışmaları için ilk modeller, öğretmenleri, yoldaşlarıydı. Örnek olarak gazete ve dergilerdeki karikatürleri kullandı. Gustave Coubret'nin bir arkadaşı olan şair ve karikatürist E. Karzh'ın Golois'teki çizimlerini kopyaladı.

Üniversitede Monet, Jacques-Francois Hauchard tarafından öğretildi. Ancak sanatçıyı destekleyen, ona tavsiyeler veren, çalışmalarına devam etmesi için onu motive eden Boudin'in Monet üzerindeki etkisini not etmek doğru olur.

Kasım 1862'de Paris'te Monet, Paris'teki çalışmalarına Gleyre ile devam etti. Bu sayede Monet, stüdyosunda Basil, Renoir, Sisley ile tanıştı. Genç sanatçılar, derslerini çok az alan ve yumuşak öğütler veren öğretmenlerine saygı duyarak Güzel Sanatlar Mektebi'ne girmeye hazırlanıyorlardı.

Monet resimlerini bir hikaye, bir fikir ya da temanın illüstrasyonu olarak yaratmadı. Hayatı gibi resminin de net hedefleri yoktu. Ayrıntılara odaklanmadan dünyayı gördü, bazı ilkelere göre "manzara vizyonuna" (sanat tarihçisi A. A. Fedorov-Davydov'un terimi) gitti. Monet, tuval üzerinde türlerin bir birleşimi olan plansızlık için çabaladı. Yeniliklerini gerçekleştirmenin yolu, bitmiş resimler olması gereken eskizlerdi. Tüm eskizler doğadan çizildi.

Çayırları, tepeleri, çiçekleri, kayaları, bahçeleri, köy sokaklarını, denizi, kumsalları ve çok daha fazlasını boyadı, günün farklı saatlerinde doğa imgesine yöneldi. Çoğu zaman aynı yeri farklı zamanlarda boyadı, böylece çalışmalarından bütün döngüleri yarattı. Çalışmalarının prensibi, resimdeki nesnelerin görüntüsü değil, ışığın tam olarak iletilmesiydi.

İşte sanatçının çalışmalarından birkaç örnek - "Argenteuil'deki haşhaş tarlası" (1873), "Kurbağa" (1869), "Nilüferli Gölet" (1899), "Buğday yığınları" (1891).

Pierre Auguste Renoir (1841-1919)

Renoir, seküler portrenin seçkin ustalarından biridir, ayrıca manzara, ev sahnesi, natürmort türlerinde çalıştı.

Çalışmasının özelliği, bir kişinin kişiliğine, karakterinin ve ruhunun ifşasına ilgi duymasıdır. Renoir, tuvallerinde varlığın dolgunluğu hissini vurgulamaya çalışır. Sanatçı eğlence ve bayramlardan etkilenir, toplar çizer, hareketleriyle yürür ve çeşitli karakterler, danslar.

Sanatçının en ünlü eserleri “Oyuncu Jeanne Samary'nin Portresi”, “Şemsiyeler”, “Seine'de Banyo Yapmak” vb.

Renoir'in müzikalitesi ile ayırt edilmesi ve çocukken Paris'te Saint-Eustache Katedrali'nde seçkin besteci ve öğretmen Charles Gounod'un rehberliğinde kilise korosunda şarkı söylemesi ilginçtir. C. Gounod, çocuğun müzik çalışmasını şiddetle tavsiye etti. Ancak aynı zamanda Renoir, sanatsal yeteneğini keşfetti - 13 yaşından itibaren porselen tabakları nasıl boyayacağını zaten öğrendi.

Müzik dersleri, sanatçının kişiliğinin oluşumunu etkiledi. Eserlerinin bir kısmı müzikal temalarla ilgilidir. Piyano, gitar, mandolin çalmayı düşündüler. Bunlar "Gitar Dersi", "Gitarlı Genç İspanyol Kadın", "Piyanoda Genç Hanım", "Gitar Çalan Kadın", "Piyano Dersi" vb. resimlerdir.

Jean Frederic Basile (1841-1870)

Sanatçı arkadaşlarına göre Basil, en umut verici ve seçkin izlenimciydi.

Eserleri, parlak renkler ve görüntülerin maneviyatı ile ayırt edilir. Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley ve Claude Monet'nin yaratıcı yolunda büyük etkisi oldu. Jean Frederic'in acemi ressamlar için dairesi bir tür stüdyo ve konuttu.

Fesleğen çoğunlukla açık havada boyanmıştır. Çalışmalarının ana fikri, insanın doğanın zeminine karşı imajıydı. Resimlerdeki ilk kahramanları ressam arkadaşlarıydı; birçok empresyonist eserlerinde birbirini resmetmeyi çok severdi.

Frédéric Bazille, çalışmalarında gerçekçi izlenimciliğin seyrini belirledi. En ünlü tablosu Aile Birleşimi (1867), otobiyografiktir. Sanatçı, üzerinde aile bireylerini tasvir ediyor. Bu çalışma Salon'da sunuldu ve halkın onaylayan bir değerlendirmesini aldı.

Sanatçı, 1870 yılında Prusya-Fransız savaşında öldü. Sanatçının vefatından sonra sanatçı arkadaşları, tuvallerinin de sergilendiği İzlenimciler'in üçüncü sergisini düzenlediler.

Camille Pissarro (1830-1903)

Camille Pissarro, C. Monet'ten sonra manzara ressamlarının en büyük temsilcilerinden biridir. Çalışmaları, İzlenimcilerin sergilerinde sürekli olarak sergilendi. Pissarro, eserlerinde sürülmüş tarlaları, köylü yaşamını ve işini tasvir etmeyi tercih etmiştir. Resimleri, formların yapısı ve kompozisyonun netliği ile ayırt edildi.

Daha sonra sanatçı, kentsel temalar üzerine resim ve resimler yapmaya başladı. N. N. Kalitina kitabında şöyle diyor: "Kompozisyonlara sokmadan üst katların pencerelerinden veya balkonlardan şehrin sokaklarına bakıyor."

Sanatçı, Georges-Pierre Seurat'ın etkisi altında noktacılığı ele aldı. Bu teknik, sanki noktalar koyuyormuş gibi her vuruşun ayrı ayrı uygulanmasını içerir. Ancak bu alandaki yaratıcı beklentiler gerçekleşmedi ve Pissarro izlenimciliğe geri döndü.

Pissarro'nun en ünlü tabloları Boulevard Montmartre'dir. Öğleden sonra, güneşli”, “Paris'teki Opera Pasajı”, “Paris'teki Fransız tiyatrosunun yeri”, “Pontoise'deki Bahçe”, “Hasat”, “Saman yapma” vb.

Alfred Sisley (1839-1899)

Alfred Sisley'in ana resim türü manzaraydı. İlk çalışmalarında, esas olarak K. Corot'un etkisi görülebilir. Yavaş yavaş C. Monet, J. F. Basil, P. O. Renoir ile ortak çalışma sürecinde eserlerinde açık renkler görünmeye başlar.

Sanatçı, ışık oyunundan, atmosferin durumundaki değişiklikten etkileniyor. Sisley, günün farklı saatlerinde aynı manzarayı birkaç kez ele aldı. Sanatçı eserlerinde her saniye değişen su ve gökyüzü imgesine öncelik vermiştir. Renk yardımıyla mükemmelliği yakalamayı başaran sanatçı, eserlerindeki her ton bir tür sembolizm taşır.

Yapıtlarının en ünlüleri: "Kır Sokağı" (1864), "Louveciennes'de Don" (1873), "Çiçek Adasından Montmartre Manzarası" (1869), "Louveciennes'te Erken Kar" (1872), "Köprü Argenteuil'de" (1872).

Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas, yaratıcı kariyerine Güzel Sanatlar Okulu'nda okuyarak başlayan bir sanatçıdır. Genel olarak çalışmalarını etkileyen İtalyan Rönesansı sanatçılarından ilham aldı. Başlangıçta Degas tarihi resimler yaptı, örneğin, “Spartalı kızlar Spartalı gençleri bir yarışmaya davet ediyor. (1860). Resminin ana türü bir portredir. Sanatçı, eserlerinde klasik geleneklere dayanmaktadır. Zamanının keskin bir duygusuyla işaretlenmiş eserler yaratır.

Meslektaşlarının aksine Degas, hayata ve İzlenimciliğin doğasında var olan şeylere neşeli, açık bakış açısını paylaşmaz. Sanatçı, eleştirel sanat geleneğine daha yakındır: sıradan insanın kaderine şefkat, insanların ruhlarını görme yeteneği, iç dünya, tutarsızlık, trajedi.

Degas için, bir kişiyi çevreleyen nesneler ve iç mekan, bir portre yaratmada önemli bir rol oynar. İşte örnek olarak birkaç eser: "Orkestralı Desiree Dio" (1868-1869), " kadın portre"(1868)," Morbilly Çift "(1867) ve diğerleri.

Degas'ın eserlerindeki portre ilkesi, tüm kariyeri boyunca izlenebilir. 1870'lerde sanatçı, eserlerinde başta Paris olmak üzere Fransa toplumunu tüm ihtişamıyla resmeder. Sanatçının çıkarına - hareket halindeki kentsel yaşam. N.N. Kalitina.

Bu süre zarfında "Yıldız" (1878), "Fernando's Circus'ta Bayan Lola", "Epsom Yarışları" ve diğerleri gibi resimler yaratıldı.

Degas'ın yaratıcılığının yeni bir aşaması, baleye olan ilgisidir. Balerinlerin kulis hayatını gösteriyor, onların sıkı çalışmalarından ve sıkı eğitimlerinden bahsediyor. Ancak buna rağmen sanatçı, görüntülerinin aktarımında ferahlık ve hafiflik bulmayı başarıyor.

Degas'ın bale serisinde, sahne ışığından yapay ışık iletme alanındaki başarılar görülüyor, sanatçının renk yeteneğinden bahsediyorlar. En ünlü resimler "Mavi Dansçılar" (1897), "Dans Sınıfı" (1874), "Buketli Dansçı" (1877), "Pembe Dansçılar" (1885) ve diğerleridir.

Degas, ömrünün sonunda görme yetisindeki bozulma nedeniyle elini heykelde dener. Aynı balerinler, kadınlar, atlar onun nesneleri olur. Heykelde Degas hareketi aktarmaya çalışır ve heykeli takdir edebilmek için onu farklı açılardan ele almak gerekir.

Fr. izlenim - izlenim) - on dokuzuncu yüzyılın son üçte birinin sanatında bir yön - erken. temsilcilerinin doğrudan hayattan manzaralar ve tür sahneleri resmetmeye başladığı, güneşin parıltısını, rüzgarın nefesini, çimlerin hışırtısını, şehir kalabalığının hareketini çok temiz ve yoğun renklerle aktarmaya çalışan 20. yüzyılın. İzlenimciler, uçup giden izlenimlerini iletmek için gerçek dünyayı hareketliliği ve değişkenliğiyle en doğal ve tarafsız şekilde yakalamaya çalıştılar.

Harika Tanım

Eksik tanım ↓

İZLENİMCİLİK

Fransızca izlenimcilik, izlenimden - izlenim), dolandırıcılık sanatında yön. 1860 - erken. 1880'ler En açık şekilde resimde tezahür etti. Önde gelen temsilciler: C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Guillaumin, B. Morisot, M. Cassatt, A. Sisley, G. Caillebotte ve J. F. Basil. E. Manet ve E. Degas onlarla birlikte resimlerini sergilediler, ancak çalışmalarının tarzı tamamen izlenimci olarak adlandırılamaz. "İzlenimciler" adı, halkın ve eleştirmenlerin öfkeli öfkesine neden olan Paris'teki ilk ortak sergilerinden (1874; Monet, Renoir, Pizarro, Degas, Sisley vb.) Sonra bir grup genç sanatçıya verildi. C. Monet'nin (1872) sunduğu resimlerden birine “İzlenim” adı verildi. Gündoğumu ”(“ L'impression. Soleil levant ”) ve eleştirmen sanatçılara alaycı bir şekilde “izlenimciler” - “izlenimciler” adını verdi. Ressamlar üçüncü karma sergide (1877) bu isim altında sahne aldılar. Aynı zamanda, her sayısı grup üyelerinden birinin çalışmasına ayrılan Empresyonist dergisini çıkarmaya başladılar.

İzlenimciler yakalamaya çalıştı Dünya sürekli değişkenliği, akışkanlığı içinde, anlık izlenimlerini tarafsız bir şekilde ifade eder. İzlenimcilik, optik ve renk teorisindeki (güneş ışınının gökkuşağının yedi rengine spektral ayrışması) en son keşiflerine dayanıyordu; bu konuda ruhla uyumludur bilimsel analiz, con özelliği. 19. yüzyıl Bununla birlikte, İzlenimciler kendileri tanımlamaya çalışmadılar. teorik temel sanatı, sanatçının yaratıcılığının kendiliğindenliği, sezgiselliği üzerinde ısrar ediyor. İzlenimcilerin sanatsal ilkeleri tek tip değildi. Monet, yalnızca doğa ile doğrudan temas halinde, açık havada (en plein air) manzaralar çizdi ve hatta bir teknede bir atölye kurdu. Degas, atölyede anılardan veya fotoğraflardan çalıştı. Daha sonraki radikal hareketlerin temsilcilerinden farklı olarak sanatçılar, doğrudan perspektif kullanımına dayalı Rönesans hayali-mekansal sisteminin ötesine geçmediler. Doğadan çalışma yöntemine sıkı sıkıya bağlı kaldılar. ana prensip yaratıcılık. Sanatçılar "gördüğünü" ve "gördüğünü" resmetmeye çalıştılar. Bu yöntemin tutarlı bir şekilde uygulanması, mevcut resim sisteminin tüm temellerinin dönüştürülmesini gerektirdi: renk, kompozisyon, mekansal yapı. Saf renkler tuvale küçük ayrı vuruşlarla uygulandı: çok renkli "noktalar" yan yana uzanıyordu, palet üzerinde veya tuval üzerinde değil, izleyicinin gözünde renkli bir gösteriye karışıyordu. İzlenimciler, benzeri görülmemiş bir renk tonu, eşi görülmemiş bir renk tonu zenginliği elde ettiler. Leke, resmin yüzeyini renk parçacıklarının canlı, parıldayan titreşimiyle dolduran bağımsız bir ifade aracı haline geldi. Tuval, değerli renklerle parıldayan bir mozaiğe benzetildi. Eski resimde siyah, gri, kahverengi tonları hakimdi; Empresyonistlerin tuvallerinde renkler pırıl pırıl parlıyordu. İzlenimciler ciltleri aktarmak için ışık-gölge kullanmadılar, koyu gölgeleri terk ettiler, resimlerindeki gölgeler de renklendi. Sanatçılar, kontrastı rengin yoğunluğunu artıran ek tonlar (kırmızı ve yeşil, sarı ve mor) yaygın olarak kullandılar. Monet'nin resimlerinde renkler güneş ışınlarının parlaklığında parladı ve çözüldü, yerel renkler birçok ton kazandı.

İzlenimciler, çevreleyen dünyayı sürekli hareket halinde, bir durumdan diğerine geçişi tasvir ettiler. Aynı motifin günün saatine, ışığa, hava koşullarına vb. "Londra Parlamentosu", 1903-04, C. Monet). Sanatçılar, bulutların hareketini (A. Sisley. "Louan in Saint-Mamme", 1882), güneş ışığının parıltı oyununu (O. Renoir. "Swing", 1876), şiddetli rüzgarları resimlere yansıtmanın yollarını buldular. (C. Monet. "Sainte-Adresse'de Teras", 1866), yağmur jetleri (G. Caillebotte. "Jer. Effect of rain", 1875), yağan kar (C. Pissarro. "Opera geçidi. Kar etkisi", 1898), hızlı at koşusu (E. Manet "Longchamp'ta Yarışlar", 1865).

İzlenimciler, kompozisyon oluşturmak için yeni ilkeler geliştirdiler. Önceleri resmin alanı bir sahneye benzetilirken, şimdi çekilen sahneler bir anlık fotoğrafa, bir fotoğraf karesine benziyordu. 19. yüzyılda icat edildi Empresyonist resmin kompozisyonunda fotoğrafın, özellikle tutkulu bir fotoğrafçı olan ve kendi deyimiyle balerinleri gafil avlayarak "sanki" görmeye çalışan E. Degas'ın çalışmalarında önemli bir etkisi olmuştur. bir anahtar deliğinden”, pozları, vücut hatları doğal, etkileyici ve özgün olduğunda. Açık havada resimler yapmak, hızla değişen aydınlatmayı yakalama arzusu, sanatçıları ön eskizler olmadan işi hızlandırmaya, "alla prima" (tek adımda) yazmaya zorladı. Kompozisyonun parçalanması, "rasgeleliği" ve dinamik resimsel tarz, İzlenimcilerin resimlerinde özel bir tazelik hissi yarattı.

En sevilen izlenimci tür manzaraydı; portre aynı zamanda bir tür "yüz manzarası" idi (O. Renoir, "Oyuncu J. Samary'nin Portresi", 1877). Ayrıca sanatçılar, daha önce dikkate değer olmadığı düşünülen konulara yönelerek resim konularının kapsamını önemli ölçüde genişletti: halk festivalleri, at yarışları, sanatsal bohem piknikleri, tiyatroların sahne arkası hayatı vb. ayrıntılı bir olay örgüsü, ayrıntılı bir anlatım; insan yaşamı doğada ya da şehrin atmosferinde çözülmüştür. İzlenimciler olayları değil, ruh hallerini, duygu tonlarını yazdılar. Sanatçılar temelde tarihi ve edebi temalar, hayatın dramatik, karanlık taraflarını (savaşlar, felaketler vb.) tasvir etmekten kaçındı. Sanatı sosyal, politik ve ahlaki görevlerin yerine getirilmesinden, tasvir edilen olguları değerlendirme zorunluluğundan kurtarmaya çalıştılar. Sanatçılar, en gündelik motifi (bir odanın yenilenmesi, Londra'nın gri sisi, buharlı lokomotif dumanı vb.) Büyüleyici bir gösteriye (G. Caillebotte. "Parquette", 1875; C) dönüştürerek dünyanın güzelliğini söylediler. Monet "Saint-Lazare İstasyonu" , 1877).

1886'da İzlenimcilerin son sergisi düzenlendi (O. Renoir ve K. Monet buna katılmadı). Bu zamana kadar, grup üyeleri arasındaki önemli anlaşmazlıklar ortaya çıktı. İzlenimci yöntemin olanakları tükendi ve sanatçıların her biri sanatta kendi yolunu aramaya başladı.

Bütünsel bir yaratıcı yöntem olarak İzlenimcilik, ağırlıklı olarak Fransız sanatının bir fenomeniydi, ancak İzlenimcilerin çalışmaları tüm Avrupa resimlerini etkiledi. Sanatsal dili güncelleme arzusu, renkli paleti vurgulama, pozlama boyama tekniklerişimdi sıkıca sanatçıların cephaneliğine girdi. Diğer ülkelerde J. Whistler (İngiltere ve ABD), M. Lieberman, L. Corinth (Almanya), J. Sorolla (İspanya) izlenimciliğe yakındı. İzlenimciliğin etkisi birçok Rus sanatçı tarafından deneyimlendi (V. A. Serov, K. A. Korovin, I. E. Grabar ve diğerleri).

Resme ek olarak, izlenimcilik, bazı heykeltıraşların (Fransa'da E. Degas ve O. Rodin, İtalya'da M. Rosso, Rusya'da P. P. Trubetskoy) çalışmalarında, canlı ve özgür bir sıvı modellemesinde somutlaştırıldı. yumuşak şekiller, yaratan zor oyun malzemenin yüzeyinde ışık ve işin tamamlanmamışlık hissi; Pozlarda hareket anı, gelişim yakalanır. Müzikte izlenimciliğe yakınlık C. Debussy'nin ("Yelkenler", "Sisler", "Sudaki Yansımalar" vb.) Eserlerinde bulunur.

Harika Tanım

Eksik tanım ↓