Çağdaş Japon Sanatı. El SanatlarıKız
Modern Japon sanat sahnesi tamamen küreselleşmiş gibi görünüyor. Sanatçılar Tokyo ve New York arasında seyahat ediyor, neredeyse tamamı Avrupa veya Amerika eğitimi almış, çalışmaları hakkında uluslararası sanat İngilizcesinde konuşuyorlar. Ancak, bu resim tam olmaktan uzak.
Ulusal şekiller ve trendler, Japonya'nın dünya pazarına sunduğu en çok aranan ürünlerden biri olduğunu kanıtlıyor. sanatsal fikirler ve çalışır.
uçak operasyonu. Superflat, Amerikan inek kültürünü ve geleneksel Japon resmini nasıl birleştiriyor?
Takashi Murakami. "Tang Tan Bo"Batı dünyasında hemen hemen herkes için (belki de en ateşli postmodern teorisyenler hariç) yüksek ve popüler kültür sorunlu olsa da hala geçerli, Japonya'da bu dünyalar tamamen karışık.
Bunun bir örneği, dünyanın en iyi galerilerindeki sergileri ve canlı yayını başarıyla birleştiren Takashi Murakami'dir.
Murakami sergisi turunun kaydı "Hafif bir yağmur olacak"
Ancak Murakami'nin popüler kültürle ilişkisi - ve Japonya için bu öncelikle manga ve anime hayranlarının (otaku) kültürüdür - daha karmaşıktır. Filozof Hiroki Azuma, otaku anlayışını otantik bir Japon fenomeni olarak eleştiriyor. Otaku, kendilerini 17-19. Yüzyılların Edo döneminin gelenekleriyle - izolasyonizm çağı ve modernleşmenin reddi - doğrudan bağlantılı olarak görüyor. Azuma, otaku hareketinin manga, animasyon, grafik romanlara dayandığını iddia ediyor. bilgisayar oyunları- Amerikan kültürünün ithal edilmesinin bir sonucu olarak ancak savaş sonrası Amerikan işgali bağlamında ortaya çıkmış olabilir. Murakami ve takipçilerinin sanatı, otaku'yu pop art teknikleriyle yeniden icat ediyor ve geleneğin özgünlüğüne dair milliyetçi mitini çürütüyor. "Japonlaşmış Amerikan kültürünün yeniden Amerikanlaşmasını" temsil ediyor.
Sanat tarihi açısından, süper düz, erken döneme en yakın olanıdır. Japon resmi ukiyo-e. En ünlü eser bu gelenekte - gravür " büyük bir dalga Katsushiki Hokusai (1823-1831) tarafından Kanagawa'da".
Batı modernizmi için Japon resminin keşfi bir dönüm noktasıydı. Resmi bir düzlem olarak görmeyi mümkün kıldı ve onun bu özelliğini aşmaya değil, onunla çalışmaya çalıştı.
Katsushiki Hokusai. "Kanagawa'daki Büyük Dalga" Performansın öncüleri. 1950'lerin Japon sanatı bugün ne anlama geliyor?
Belgeler Yaratıcı süreç Akira Kanayama ve Kazuo Shiragi
Superflat sadece 2000'li yıllarda şekillendi. Ancak dünya sanatı için önemli olan sanatsal eylemler Japonya'da çok daha önce - ve hatta Batı'dakinden daha önce başladı.
Sanatta performatif dönüş, geçen yüzyılın 60'lı ve 70'li yıllarının başında gerçekleşti. Japonya'da performans ellili yıllarda ortaya çıktı.
Gutai Group, ilk kez kendi kendine yeten nesnelerin yaratılmasından üretim sürecine odaklandı. Buradan - geçici bir olay lehine sanat nesnesinin terk edilmesine bir adım.
Gutai'den bireysel sanatçılar (ve yirmi yılda 59 tane vardı) uluslararası bağlamda aktif olarak var olmalarına rağmen, Japonları kolektif faaliyetleri olarak anlıyorlar. savaş sonrası sanat genellikle Batı'da oldukça yakın zamanda başladı. Patlama 2013'te New York ve Los Angeles, Tokyo 1955-1970: MoMA'daki Yeni Avant-Garde ve Guggenheim Müzesi'ndeki devasa tarihi retrospektif Gutai: Splendid Playground'daki küçük galerilerdeki birkaç sergiyle geldi. Japon sanatının Moskova ithalatı, bu eğilimin neredeyse gecikmiş bir devamı gibi görünüyor.
Sadamasa Motonaga. Guggenheim Müzesi'nde İş (Su) Bu retrospektif sergilerin ne kadar modern göründüğü dikkat çekicidir. Örneğin, Guggenheim Müzesi'ndeki serginin ana amacı, Sadamasa Motonaga tarafından, müze rotunda seviyelerinin renkli suyla polietilen borularla birbirine bağlandığı İşin (Su) yeniden inşasıdır. Tuvalden koparılmış fırça darbelerini andırıyorlar ve Gutai'nin "somutluk" üzerine odaklandığının bir örneğini oluşturuyorlar. Japon adı gruplar), sanatçının çalıştığı nesnelerin maddiliği.
Gutai'nin pek çok üyesi klasik nihonga resmiyle ilgili bir eğitim aldı, birçoğu biyografik olarak Zen Budizminin dini bağlamına, karakteristik Japon kaligrafisine bağlı. Hepsi eski geleneklere yeni, prosedürel veya katılımcı bir yaklaşım buldu. Kazuo Shiraga, Rauschenberg karşıtı monokromlarını ayaklarıyla nasıl çizdiğini videoya kaydetti ve hatta halka açık tablolar yaptı.
Minoru Yoshida, Japon baskılarından çiçekleri psychedelic nesnelere dönüştürdü - bunun bir örneği, dünyadaki ilk kinetik (hareket eden) heykellerden biri olan Biseksüel Çiçek'tir.
Guggenheim Müzesi'ndeki serginin küratörleri, bu eserlerin siyasi öneminden bahsediyor:
"Gutai, onlarca yıl boyunca militarist bir hükümetin kritik bir nüfuz kitlesi kazanmasına, Çin'i işgal etmesine ve sonra Dünya Savaşı'na katılın."
İyi ve bilge. Sanatçılar Neden 1960'larda Amerika'ya Gitmek İçin Japonya'dan Ayrıldı?
Gutai, savaş sonrası Japonya'daki kuralın istisnasıydı. Avangard gruplar marjinal kaldı, sanat dünyası kesinlikle hiyerarşikti. Tanınmanın ana yolu, tanınmış klasik sanatçı dernekleri tarafından düzenlenen yarışmalara katılmaktı. Bu nedenle, birçoğu Batı'ya gitmeyi ve İngilizce sanat sistemine entegre olmayı tercih etti.
Özellikle kadınlar için zordu. İlerici Gutai'de bile varlıklarının payı beşte birine bile ulaşmadı. Erişim için gerekli olan geleneksel kurumlar hakkında ne söyleyebiliriz? özel Eğitim. Altmışlı yıllara gelindiğinde, kızlar zaten sanat öğrenme hakkını elde etmişlerdi (eğer bu, beceri setinin bir parçası olan dekoratif bir şey değilse). ryosai kenbo- iyi bir eş ve bilge bir anne) sosyal olarak hoş karşılanmayan bir meslekti.
Yoko Ono. kesilmiş parça
Beş güçlü Japon kadın sanatçının Tokyo'dan Amerika Birleşik Devletleri'ne göçünün öyküsü, Midori Yoshimoto'nun "Into Performance: Japanese Women Artists in New York" adlı çalışmasına konu oldu. Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi ve Shigeko Kubota kariyerlerinin başlangıcında New York'a gitmeye karar verdiler ve orada Japon sanatının geleneklerinin modernizasyonu da dahil olmak üzere çalıştılar. ABD'de yalnızca Yoko Ono büyüdü - ancak 1962-1964'teki kısa kalışı sırasında Tokyo'nun sanatsal hiyerarşisinden hayal kırıklığına uğradığı için Japonya'ya dönmeyi de kasıtlı olarak reddetti.
Ono, yalnızca John Lennon'ın karısı olarak değil, aynı zamanda nesneleştirmeye adanmış proto-feminist performansların yazarı olarak beşi arasında en ünlüsü oldu. kadın vücudu. Seyircinin sanatçının kıyafetlerinden parçalar kesebildiği Cut Piece It ile "performansın büyükannesi" Marina Abramović'in "Rhythm 0" adlı eseri arasında bariz paralellikler var.
Kısa bacaklarda. Yazarın oyunculuk eğitiminden Tadashi Suzuki nasıl geçilir?
Ono ve Gutai örneğinde, yazarlardan ayrılan çalışmalarının yöntemleri ve temaları uluslararası düzeyde önem kazandı. Başka ihracat biçimleri de vardır - sanatçının çalışmaları uluslararası arenada ilgiyle algılandığında, ancak özgünlüğü nedeniyle asıl yöntemin ödünç alınması gerçekleşmez. En çarpıcı örnek ise Tadashi Suzuki'nin oyunculuk eğitim sistemi.
Suzuki Tiyatrosu Rusya'da bile seviliyor ve bu şaşırtıcı değil. Son kez 2016'da Euripides'in metinlerinden uyarlanan Truvalı Kadınlar performansıyla aramızdaydı ve 2000'li yıllarda Shakespeare ve Çehov'un yapımlarıyla birkaç kez geldi. Suzuki, oyunların eylemini mevcut Japon bağlamına aktardı ve metinlerin açık olmayan yorumlarını sundu: İvanov'da anti-Semitizmi keşfetti ve bunu Japonların Çinlilere karşı küçümseyici tavrıyla karşılaştırdı, Kral Lear'ın eylemini aktardı. bir japon akıl hastanesi.
Suzuki, sistemini Ruslara karşı inşa etti. tiyatro okulu. İÇİNDE geç XIX yüzyılda, sözde Meiji döneminde, modernleşen emperyal Japonya, muhalefet hareketlerinin yükselişini yaşadı. Sonuç, daha önce aşırı derecede kapalı bir kültürün geniş çaplı bir batılılaşmasıydı. İthal edilen formlar arasında, hala Japonya'da (ve Rusya'da) ana yönetmenlik yöntemlerinden biri olan Stanislavsky sistemi vardı.
suzuki egzersizleri
Altmışlarda, Suzuki kariyerine başladığında, Japon aktörlerin vücut özelliklerinden dolayı o zamanki repertuarı dolduran Batılı metinlerdeki rollere alışamadıkları tezi giderek daha fazla yayılıyordu. Genç yönetmen en inandırıcı alternatifi sunmayı başardı.
Suzuki'nin bacak grameri adı verilen egzersiz sistemi, oturmak için düzinelerce yol ve hatta ayakta durmak ve yürümek için daha fazlasını içerir.
Oyuncuları genellikle yalınayak oynarlar ve ağırlık merkezini alçaltarak, yere mümkün olduğunca sıkı bir şekilde bağlı, ağır görünürler. Suzuki onlara ve yabancı sanatçılara tekniğini Toga köyünde, modern ekipmanlarla dolu eski Japon evlerinde öğretiyor. Topluluğu yılda sadece yaklaşık 70 performans veriyor ve geri kalan zamanını neredeyse köyden ayrılmadan ve kişisel işlere hiç vakti olmadan yaşıyor - sadece çalışıyor.
Toga Center 1970'lerde ortaya çıktı ve yönetmenin isteği üzerine dünyaca ünlü mimar Arata Isozaka tarafından tasarlandı. Suzuki'nin sistemi ataerkil ve muhafazakar görünebilir, ancak kendisi Toga'dan modern ademi merkeziyetçilik terimleriyle bahsediyor. 2000'li yılların ortalarında bile Suzuki, başkentten bölgelere sanat ihraç etmenin ve yerel üretim noktaları düzenlemenin önemini anladı. Yönetmene göre, Japonya'nın tiyatro haritası birçok yönden Rus haritasını andırıyor - sanat Tokyo'da yoğunlaşıyor ve birkaç tanesi daha az büyük merkezler. Rus tiyatrosu düzenli olarak küçük kasabalarda turneye çıkan ve merkezi başkentten uzakta olan bir şirket de zarar görmez.
Toga'daki SCOT Şirket Merkezi Çiçek yolları. Modern tiyatro noh ve kabuki sistemlerinde hangi kaynağı keşfetti?
Suzuki yöntemi iki eski Japon geleneğinden - ama aynı zamanda kabuki'den - doğar. Sadece bu tür tiyatrolar genellikle yürüme sanatı olarak değil, aynı zamanda daha belirgin ayrıntılarla da karakterize edilir. Suzuki genellikle tüm rollerin erkekler tarafından yerine getirilmesiyle ilgili kuralı takip eder, karakteristik mekansal çözümler kullanır, örneğin, sahneden derinliklere uzanan bir platform olan kabuki deseninin hanamichi'si ("çiçeklerin yolu") konferans salonu. Ayrıca çiçekler ve parşömenler gibi oldukça tanınabilir sembollerden yararlanır.
Tabii ki, içinde küresel dünya Olumsuz konuşma var Japonların ulusal formlarını kullanma ayrıcalığı hakkında.
Zamanımızın en önemli yönetmenlerinden biri olan Amerikalı Robert Wilson'ın tiyatrosu, ancak'dan ödünç alınarak inşa edildi.
Yalnızca Japonya'nın kitlesel izleyicisini hatırlatan maskeler ve makyaj kullanmakla kalmıyor, aynı zamanda hareketin maksimum yavaşlamasına ve jestin kendi kendine yeterli ifadesine dayalı oyunculuk biçimlerini de ödünç alıyor. Geleneksel ve ritüel formları en yeni aydınlatma notaları ve minimalist müzikle birleştirmek (en iyilerinden biri) ünlü eserler Wilson - Philip Glass'ın "Einstein on the Beach" operasının bir prodüksiyonu), Wilson esas olarak modern sanatın çoğunun ulaşmaya çalıştığı kökenler ve alaka düzeyi sentezini üretiyor.
Robert Wilson. "Sahilde Einstein"
Hayır ve kabuki'den sütunlardan biri büyüdü Modern dans- buto, kelimenin tam anlamıyla çevrilmiş - karanlığın dansı. 1959'da koreograflar Kazuo Ono ve aynı zamanda düşük bir ağırlık merkezi ve ayaklara odaklanma üzerine çalışan Tatsumi Hijikata tarafından icat edilen butoh, travmatik savaş deneyimlerinin yansımalarını bedensel boyuta taşımakla ilgiliydi.
“Vücudu hasta, çökmekte olan, hatta canavarca, canavarca gösterdiler.<…>Hareketler ya yavaş ya da kasıtlı olarak keskin, patlayıcı. Bunun için, iskeletin kemik kaldıraçları sayesinde hareket sanki ana kasları içermiyormuş gibi yapıldığında özel bir teknik kullanılır,” dans tarihçisi Irina Sirotkina butoh'u vücudun kurtuluş tarihine yazar, bağlar bale normatifliğinden ayrılma ile. Butoh'u 20. yüzyılın başlarındaki dansçıların ve koreografların uygulamalarıyla karşılaştırır - Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman, daha sonraki "postmodern" dans üzerindeki etkiden bahseder.
Butoh geleneğinin modern halefi olan Katsura Kana'nın dansından bir parça
Bugün, orijinal haliyle butoh artık avangart bir uygulama değil, tarihsel bir yeniden yapılanmadır.
Ancak Ohno, Hijikata ve takipçileri tarafından geliştirilen hareket sözlüğü, çağdaş koreograflar. Batı'da Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky ve hatta The Weekend'in "Belong To The World" klibinde bile kullanılıyor. Japonya'da butoh geleneğinin halefi, örneğin Ekim ayında Rusya'ya gelecek olan Saburo Teshigawara'dır. Karanlığın dansıyla paralellikleri kendisi inkar etse de, eleştirmenler oldukça tanınabilir işaretler buluyor: görünüşte kemiksiz bir vücut, kırılganlık, sessiz adım. Doğru, zaten postmodernist koreografi bağlamına yerleştirildiler - yüksek temposu, koşuları, post endüstriyel gürültülü müzikle çalışmaları.
Saburo Teshigawara. metamorfoz
Yerel olarak küresel. Çağdaş Japon sanatı Batı sanatına nasıl benzer?
Teshigawara ve meslektaşlarının birçoğunun çalışmaları, Batı'nın en iyi çağdaş dans festivallerinin programlarına organik olarak uyuyor. Japon tiyatrosunun en büyük yıllık gösterisi olan Festival / Tokyo'da gösterilen performansların ve performansların açıklamalarına göz atarsanız, Avrupa trendlerinden temel farklılıkları fark etmek zor olacaktır.
Ana temalardan biri bölgeye özgüdür - Japon sanatçılar, gökdelen şeklindeki kapitalizm yığınlarından otaku yoğunluğunun marjinal alanlarına kadar Tokyo'nun alanlarını keşfederler.
Başka bir konu, nesiller arası yanlış anlama, insanların canlı buluşma ve organize iletişim yeri olarak tiyatro çalışmasıdır. farklı Çağlar. Toshika Okada ve Akira Tanayama tarafından kendisine adanan projeler, birkaç yıl üst üste Avrupa'nın en önemli performans sanatları festivallerinden biri için Viyana'ya getirildi. 2000'li yılların sonunda belgesel materyallerin ve kişisel hikayelerin sahneye aktarılmasında yeni bir şey yoktu, ancak Viyana Festivali'nin küratörü bu projeleri bir başkasıyla canlı, noktadan noktaya iletişim fırsatı olarak halka sundu. kültür.
Diğer bir ana hat, travmatik deneyim üzerinde çalışmaktır. Japonlar için Gulag veya Holokost ile değil, Hiroşima ve Nagazaki'nin bombalanmasıyla ilişkilendirilir. Tiyatro ona sürekli atıfta bulunur, ancak tüm modern patlamaların oluşum anı olarak atom patlamaları hakkındaki en güçlü ifade. Japon Kültürü hala Takashi Murakami'ye ait.
“Little Boy: The Arts of Japan’s Patlayan Alt Kültür” sergisine Adı “Little Boy: The Arts of Japan’s Patlayan Alt Kültürü”. küratöryel proje 2005 yılında New York'ta gösterildi. "Küçük Oğlan" - Rusça'da "bebek" - 1945'te Japonya'ya atılan bombalardan birinin adı. Önde gelen çizerlerden yüzlerce manga çizgi romanı, özgün eski oyuncaklar, Godzilla'dan Hello Kitty'ye kadar ünlü animelerden ilham alan ürünler toplayan Murakami, müze alanında sevimliliğin - kawaii - yoğunluğunun sınırlarını zorladı. Paralel olarak, içinde bir animasyon seçkisi başlattı. merkezi görseller patlamaların, çıplak toprağın, yıkılan şehirlerin resimleri vardı.
Bu karşıtlık, Japon kültürünün travma sonrası stres bozukluğuyla başa çıkmanın bir yolu olarak çocuksulaştırılmasına ilişkin ilk büyük ifadeydi.
Şimdi bu sonuç zaten açık görünüyor. Inuhiko Yomota'nın akademik bir kawaii çalışması bunun üzerine inşa edilmiştir.
Daha sonra travmatik tetikleyiciler de vardır. En önemlilerinden - 11 Mart 2011 olayları, Fukuşima nükleer santralinde büyük bir kazaya yol açan deprem ve tsunami. Festival/Tokyo-2018'de altı performanstan oluşan programın tamamı, doğal ve teknolojik bir felaketin sonuçlarını anlamaya ayrıldı; Solyanka'da sunulan eserlerden birinin teması oldular. Bu örnek açıkça göstermektedir ki cephanelik kritik yöntemler Batı ve Japon sanatı temelde farklı değildir. Haruyuki Ishii, depremle ilgili televizyon programlarından yüksek hızlı kurgulanmış ve döngüsel görüntüler arasında geçiş yapan üç televizyon setinden oluşan bir enstalasyon yaratıyor.
Küratörler, "Çalışma, sanatçının gördüğü her şeyin artık kurgu olarak algılanmadığı ana kadar her gün haberlerde izlediği 111 videodan oluşuyor" diye açıklıyor. "Yeni Japonya", sanatın ulusal mitlere dayalı yoruma nasıl direnmediğinin, aynı zamanda aynı zamanda nasıl direndiğinin anlamlı bir örneğidir. kritik göz aynı yorumun herhangi bir kökene sahip sanat için geçerli olabileceğini bulur. Küratörler, Lao Tzu'dan alıntılar yaparak Japon geleneğinin temeli olarak tefekkürden bahsediyorlar. Aynı zamanda hemen hemen tüm parantezleri dışarıda bırakır gibi modern Sanat"gözlemci etkisine" (serginin adı) odaklandı - ister tanıdık fenomenlerin algılanması için yeni bağlamlar yaratma biçiminde, ister bu şekilde yeterli algı olasılığı sorusunu gündeme getirme biçiminde.
Hayali Topluluklar - video sanatçısı Haruyuki Ishii'nin başka bir çalışması
oyun
Bununla birlikte, 2010'ların Japonya'sının bir ilericilik yoğunluğu olduğu düşünülmemelidir.
Eski güzel gelenekçiliğin alışkanlıkları ve oryantalist egzotizm sevgisi henüz ortadan kalkmadı. "The Theatre of Virgins", Rus muhafazakar dergisi "PTJ"de Japon tiyatrosu "Takarazuka" hakkında oldukça beğenilen bir makalenin başlığıdır. Takarazuka, 19. yüzyılın sonunda, yanlışlıkla özel bir şehrin terminali haline gelen, aynı adı taşıyan uzak bir şehre turist çekmek için bir iş projesi olarak ortaya çıktı. demiryolu. Sadece tiyatroda oynar evli olmayan kızlar demiryolunun sahibine göre erkek seyircileri şehre çekmesi gerekiyordu. Bugün Takarazuka, kendi TV kanalı, yoğun konser programı, yerel eğlence parkı bile. Ama yine de sadece evli olmayan kızların toplulukta yer alma hakkı var - en azından bekaretini kontrol etmediklerini umalım.
Ancak Takarazuka, Japonların tiyatro olarak da adlandırdığı Kyoto'daki Toji Deluxe kulübünün yanında sönük kalır. Şuna göre kesinlikle vahşi görünüyorlar: Tanım New Yorker köşe yazarı Ian Buruma, striptiz gösterisi: sahnedeki birkaç çıplak kız, üreme organlarının gösterisini halka açık bir ritüele dönüştürüyor.
birçokları gibi sanatsal uygulamalar, bu gösteri eski efsanelere dayanmaktadır (bir mum ve bir büyüteç yardımıyla, izleyicilerden erkekler sırayla "ana tanrıça Amaterasu'nun sırlarını" keşfedebilirler) ve yazarın kendisine noh geleneği hatırlatılmıştır. .
Aramak Batılı meslektaşları"Takarazuki" ve Toji için bunu okuyucuya bırakacağız - onları bulmak zor değil. Sadece modern sanatın önemli bir bölümünün, süper düz danstan butoh dansına kadar hem Batılı hem de Japon olmak üzere bu tür baskı uygulamalarıyla tam olarak mücadele etmeye yönelik olduğunu not ediyoruz.
Gönderi reklamdır, ancak izlenimler, metin ve fotoğraflar kendilerine aittir.Çağdaş sanatı yargılamak veya değerlendirmek zordur, çünkü başlangıçta bu olasılığın ötesine geçer. var olması iyi Alexey Lifanov
Japon bir uzman olmasa da sanattan benden daha iyi anlayan. Alexei değilse, ne gördüğümü anlamama kim yardım ederdi?
Evet, Japonlar garip insanlar. Gogol Bulvarı'ndaki sergiden izlenimler.
"Çifte Perspektif" sergisindeki sergiler şartlı olarak üç bölüme ayrılabilir (yazarların gündeme getirdiği konulara göre). İlki, bireye ve devlete, ideolojinin rolüne adanmıştır. mahremiyet, toplumun birey üzerindeki diktesi. İkinci tema ilgili: insan ve onun doğa üzerindeki etkisi (hatta bir sergi çerçevesinde) çeşitli sanatçılar taban tabana zıt görüşleri dile getirdi. Üçüncü konu tamamen Japoncadır ve "loli" ideolojisine ve Japon toplumunda gelişen diğer ephebofilik şeylere adanmıştır.
1. Kenji Yanobe'nin eserleri kıyamet sonrası estetikle ilişkilendirilirken, not edilmelidir ki, herhangi bir "takipçilik" yoktur. Çalışması yöntem düzeyinde çok naif. "Güneşin Çocuğu" büyük ölçekli ve dokunaklı bir heykeldir. Teknolojik dünyaya direnmek için nasıl bir insan olmalı - cesur mu, kararlı mı yoksa doğrudan ve saf mı?
3. Temanın daha da abartılı bir şekilde naif bir üslupla devam etmesi.
4. Motohiko Odani ergenlik, cinsellik ve psikolojisi hakkında konuşuyor. Bu heykelin karşısında çok daha etkileyici bir video enstalasyonu var ama onu kendi gözlerinizle görmeniz gerekiyor.
5. Makoto Aida temayı geliştirir. Kız gibi kafaları olan bir bonsai ağacı, sapkın aşkın abartılı bir simgesidir. Sembolizm şeffaftır ve açıklamaya pek ihtiyaç duymaz.
6. Bir diğer eseri "Harakiri Okulu Öğrencileri". Grafik olarak, tek kelimeyle harika.
7. Yoshimoto Naro'dan "çocuk" temasının devamı. Çocuk yüzleri ve çocukça olmayan duygular.
8. Takahiro Iwasaki, her türlü çöpten belirli bir şehrin çok koşullu bir dioramasını yarattı. Aslında bir çöplük olan şehrin estetiği yeni bir fikir olmasa da ilginç bir şekilde hayata geçirilmiş.
10. Tadanori Yokoo'nun resimleri - imalar, alıntılar ve arketiplerden oluşan bir kolaj. Aynı zamanda, renklendirme tek kelimeyle harika.
11. Yayoi Kusama, varlığın ve yokluğun varoluşsal estetiğine dönerek, uzayın kırılıp parçalandığı bir oda yarattı.
12. Yasumasa Morimura bir parodinin parodisini yaptı. Göründüğü gibi Adolf Hitler'i değil, Chaplin'in "Büyük Diktatör" filminden bir karakter olan Ginkel'in Adenoid'ini tasvir ediyor. Çalışmalarının geri kalanı zaten yakın yöneticilere ve diktatörlere adanmıştır, ancak özü açıktır - tam bir ideoloji tehdidi.
13. Seyirci sayısı az ama izleyenler çok hevesli bir şekilde gördüklerini tartışıyorlar. Genel olarak, ziyaretçilerin olanlardan gerçekten hoşlandığı görülüyor.
14. Bu, George Bush'un başı. George Bush ABD marşını söylüyor. Fikrin anlaşılması basit - bir kişinin kişisel alanında bile ideolojinin ve devletin işgali hakkında.
15. Sıçanlar-Pokemon. Benim favori bölümüm.
16. Serginin bir kısmı - fotoğraflar. Bazen ilginç, bazen de anlaşılamayacak kadar samimi.
18. Toshio Shibata'nın fotoğrafları. Burada, insanın ve doğanın uyumlu bir şekilde bir arada yaşama fikri, estetik olarak soyutlamaya gerçekçilikten çok daha yakın olan fotoğraflar biçiminde çözülür - çok iyi ayarlanmış bir geometri ve kompozisyon.
19. Lenin'e selamlardan biri.
Her halükarda sergiler, bloglarda fotoğraf raporlarını izlemek için değil, canlı olarak katılmak için yaratıldı. Pek çok eserin statik ve ekran fotoğrafı boyutunda değerlendirilmesi tamamen imkansızdır. Bu nedenle, "Çifte Perspektif" sergisine kendiniz gitmek daha iyidir.
Proje ortağı Sony bir yarışma düzenliyor ve bir dizüstü bilgisayar ve diğer ödüller için çekiliş yapıyor! Sergiye giderseniz mutlaka sergilerin fotoğraflarını çekin ve duygularınızı yazın. kısa izlenimler. Yarışmaya katılmak için paylaşın
Çağdaş Japon sanatı "Çifte Perspektif" sergisi olacak.
1. Japon çağdaş sanatında pek çok alışılmadık şey var. Örneğin, Izumi Kato'nun bu resimleri fırça kullanılmadan elle yapılmıştır.
2. İlk bakışta bunlar sıradan ampuller gibi görünebilir. Ama bu iş derin anlam Kuzey ve Güney Kore'yi ayıran 38. paralele adanmıştır.
3. Elbette her çalışmada yüzeyde yatmayan bazı derin anlamlar vardır ama bulamasanız bile, örneğin bu ustaca yapılmış gülün güzelliğine hayran olabilirsiniz.
4. Bu, Kenji Yanobe'nin bir insanın dünyanın sonunda nasıl hayatta kalabileceğine dair çalışmasıdır.
6. Bu, Fukushima nükleer santralindeki kazadan sonra yarattığı en ünlü eseri "Güneşin Çocuğu".
8. Makoto Aida "Bonsai Ai-chan"
9. Bu aynı zamanda modern Japon sanatıdır.
10. intersny projesi "Lenin Moskova dairelerinde aranıyor". Yoshinori Niva, Moskovalıların evlerinde Lenin'in kişiliğiyle ilgili korunmuş eşyalar aradı. İşin garibi, bunu bir Rus değil, bir Japon yaptı.
14. Bu arada, bu iş için doldurulmuş gerçek fareler kullanıldı.
15. Bu fotoğraflar insanların korkularını gösteriyor
Hermitage - Japonya Modern Sanatı'nda ilginç bir sergi devam ediyor "MONO-NO AWARE. The Charm of Things".
Çağdaş sanatın hayranı olduğumu söyleyemem. Bakılacak bir şey olduğunda daha çok hoşuma gidiyor (meşgul grafikler veya sanat ve zanaat, ethnos benim her şeyim). Saf bir konseptin güzelliğine hayran olmak benim için her zaman eğlenceli değil. (Malevich, üzgünüm! Kara Kare'yi sevmiyorum!)
Ama bugün bu sergiye geldim!
Değerli, St. Petersburg'daysanız, sanatla ilgileniyorsanız ve henüz orada bulunmadıysanız sergi 9 Şubat'a kadar açık kalacak! Git, çünkü ilginç!
Yukarıda yazdığım gibi kavramlar beni biraz ikna ediyor. Modern sergileri ziyaret ettiğim bir yılda, bir veya iki nesnenin bana en fazla komik geldiğini düşündüm. Ve birçok şey bana o kadar dokunmuyor ki, harcadığım zamana üzülüyorum. Ama herhangi bir türde, herhangi bir sanatta, yetenek ve sıradanlık oranının yüzdesi, onda bir ise iyi! Ama bu şovu beğendim.
Genelkurmay'ın sergi salonlarına Japon kreasyonları yerleştirildi. Ziyaretçileri karşılayan ilk enstalasyon, zemini tuzla dolu inanılmaz bir labirent. Gri zemin, beyaz tuz, inanılmaz derecede özenle işaretlenmiş alan, tek bir alana dokunmuş. Büyük sergi salonu ve harika bir çoprabalığı gibi yere yayılmış beyaz bir süs. Ve bu sanatın ne kadar geçici olduğunu anlıyorsunuz. Sergi kapanacak, labirent süpürgeyle süpürülecek. Bir keresinde "Küçük Buda" filmini izlemiştim. Ve orada, başlangıçta, bir Budist keşiş renkli kumdan karmaşık bir süs çıkardı. Ve filmin sonunda keşiş fırçasıyla keskin bir hareket yaptı ve devasa eser rüzgarda dağıldı. Öyleydi, sonra zıpla ve hayır. Ve der ki, güzelliği burada ve şimdi takdir edin, her şey gelip geçici. Yani bu tuz labirenti sizinle diyaloğa giriyor, onun sizi önüne koyduğu sorulara cevap vermeye başlıyorsunuz. Sanatçı Motoi Yamamoto'dur.
Evet evet! Bu çok büyük bir labirent, ölçeği hissettiniz mi?
Büyüleyen ikinci nesne, Yasuaki Onishi tarafından polietilen ve siyah reçineden yapılmış devasa kubbedir. Alışılmadık şekilde karar verilen alan. Siyah en ince düz olmayan reçine iplerinde hafifçe hareket eden bir kubbe .... veya karmaşık bir kabartmaya sahip bir dağ asılıdır. İçeri girdiğinizde, rengarenk bir nokta deseni görürsünüz - reçinenin yapıştığı yerler. Komik, sanki kara yağmur sessizce yağıyor ve sen gölgelik altındasın.
Bu teknik nasıl ortaya çıktı? Eğlenceli değil mi? Ama canlı daha "canlı" görünüyor, kubbe geçen ziyaretçilerin yarattığı esintiden hafifçe sallanıyor. Ve nesneyle etkileşiminize dair bir his var. "Mağaraya" girebilir, içeriden nasıl olduğunu görebilirsiniz!
Ancak her şeyin sadece siyah beyaz olduğu izlenimini edinmemek için, birbirine bağlı çemberlerden yapılmış kompozisyonun birkaç fotoğrafını burada yayınlayacağım. Böyle renkli komik plastik bukleler! Ayrıca bu odanın içinden geçebilir, çemberlerin içinden geçebilir veya her şeye dışarıdan bakabilirsiniz.
Bu öğeler benim favorim. Tabii ki, yakında kavramsal çağdaş sanat, yeni zamanla uyumlu, farklı hale gelecektir. Eskiye dönmeyecek ve şimdi olduğu gibi kalmayacak. Değişecek. Ancak ne olduğunu, akışın nereden aktığını ve neyin ve nereden geldiğini anlamak için şimdi ne olduğunu bilmeniz gerekir. Ve yooo, kavram bana göre değil, ama onu görmeye ve değerlendirmeye çalışın. Her zaman olduğu gibi çok az yetenek var ama oradalar. Ve eğer sergiler yankılanırsa, o zaman her şey kaybolmamış demektir!!!
