Культура японії. Японське Мистецтво - Історія - Вступ - Цікава Японія - LiveJournal Як називається японське мистецтво

Японський живопис – одна з найкрасивіших у світі.

Живопис Японії належить до найдавніших і найдивовижніших видів творчості. Як і будь-яка інша, вона має свою довгу історію, яку можна розділити на кілька періодів за техніками та особливостями. Спільним всім періодів є природа, якій відводилося чільне місце у картинах. На другому місці за популярністю в образотворчому мистецтві Японії стоять побутові сцени з життя.

Ямато

Ямато(VI-VII століття) - перший період мистецтва Японії, який заклав початок писемності. Поштовх розвитку мистецтва дали досягнення Китаю у сферах релігії та писемності. Японія прагнула піднятися до його рівня, вносячи зміни у свій пристрій і будуючи все за подобою Китаю. Для розвитку живопису в Японію було привезено безліч творів китайських майстрів, які надихнули японців, які сміливо кинулися створювати схожі картини.

Розпис у гробниці Такамацузука

Цей період складається з двох дочірніх періодів:

• Кофун- Період японського мистецтва, що займає першу половину Ямато. Назва періоду перекладається як «період курганів». У ті часи дійсно велику роль відводили курганам, повсюдно створюючи їх.
• Асука- Друга частина епохи Ямато. Період був названий на честь політичного центру країни, що діє в ті роки. Він пов'язаний з приходом до Японії буддизму, а надалі з активним розвитком усіх культурних областей.

Нара

У Японії активно поширювався Буддизм, що з Китаю, що сприяло виникненню релігійної тематики мистецтво. Японські художники, які захопилися цією темою, розписували стіни храмів, які створювалися впливовими особистостями. На сьогоднішній день у храмі Хорю-дзі зберігся настінний розпис того часу.

Адзуті-Момояма

Дані період є повною протилежністю до свого попередника. З творів йде темрява і монохромність, замінюючись яскравими кольорами та використанням у картинах золота та срібла.

Кіпаріс. Ширма. Кано Ейток.

Мейдзі

У XIX столітті почався поділ японського живопису на традиційний та європейський стилі, які бурхливо конкурували між собою. Під час цього періоду в Японії пролунали колосальні політичні зміни. Вплив Європи в ті роки торкнувся практично кожного куточку планети, вносячи до кожної держави свої риси. Європейський стиль мистецтва активно підтримувався владою, відкидаючи старі традиції. Але незабаром ажіотаж навколо західного живопису швидко вщух і інтерес до традиційного мистецтва різко повернувся.

Розвиток японського живописуоновлено: Вересень 15, 2017 автором: Валентина

З найдавніших часів для японського мистецтва було характерно активне творче начало. Незважаючи на залежність від Китаю, де постійно виникали нові художні та естетичні напрями, японські художники завжди вносили нові риси та змінювали мистецтво своїх вчителів, надаючи йому японського вигляду.

Історія Японії як такої починає набувати певних форм лише наприкінці 5 ст. Предметів, що належать до попередніх століть (архаїчному періоду), виявлено порівняно мало, хоча деякі знахідки, зроблені під час розкопок або під час будівельних робіт, говорять про чудовий художній талант.

Архаїчний період.

Найдавніші твори японського мистецтва – глиняні горщики типу дзьомон (відбиток шнура). Назва походить від прикраси поверхні спіральними відбитками шнура, обмотаного навколо паличок, які використовував майстер під час виготовлення посудини. Можливо, спочатку майстри випадково виявили відбитки плетінки, але потім їх почали застосовувати свідомо. Іноді на поверхню наліплювали шнуроподібні глиняні завитки, що створювали складніший декоративний ефект, майже рельєф. У культурі Демон виникла перша японська скульптура. Догу (букв. «глиняне зображення») людини чи тварини, мабуть, мали якесь релігійне значення. Зображення людей, переважно жінок, дуже схожі на глиняних богинь інших примітивних культур.

Радіовуглецевий аналіз показує, що деякі знахідки з культури Демон можуть належати до 6-5 тис. до н.е., проте настільки раннє датування не є загальноприйнятим. Безумовно, такий посуд виготовляли протягом тривалого часу, і хоча точні датування поки що не можуть бути встановлені, виділяють три періоди. Найдавніші зразки мають гостру основу і майже не орнаментовані, якщо не брати до уваги слідів зброї горщика. Судини середнього періоду більш багато орнаментовані, іноді наліпними елементами, що створюють враження об'ємності. Форми судин третього періоду дуже різноманітні, але декор знову сплощується і стає стриманішим.

Приблизно в 2 ст. до н.е. кераміка Демон поступилася місцем кераміці Яєй, що характеризується витонченістю форм, простотою малюнка і високою технічною якістю. Черепок судини став тоншим, орнамент менш химерним. Цей тип переважав до 3 ст. н.е.

З художньої точки зору, можливо, кращими творамираннього періоду є ханіву, глиняні циліндри, що датуються 3-5 ст. н.е. Характерні пам'ятки цієї епохи – величезні пагорби, або кургани, похоронні споруди імператорів та могутньої знаті. Часто дуже великого розміру, вони є свідченнями могутності та багатства імператорської сім'ї та придворних. Будівництво такої споруди для імператора Нінтокутенно (бл. 395-427 н.е.) зажадала 40 років. Найбільш примітною рисою цих курганів були оточуючі їх на кшталт забору глиняні циліндри, ханіва. Зазвичай ці циліндри були зовсім простими, але іноді прикрашалися людськими фігурами, рідше фігурками коней, будинків чи півнів. Їхнє призначення було подвійним: запобігати ерозії величезних мас землі і забезпечувати померлого тим необхідним, чим він користувався в земному житті. Звичайно, циліндри виготовлялися відразу у великій кількості. Різноманітність тем, виразів обличчя і жестів фігурок, що їх прикрашають, - значною мірою результат імпровізації майстра. Незважаючи на те, що це скоріше твори ремісників, а не художників і скульпторів, вони мають велике значення як японська художня форма. Побудови, закутані в попони конячки, манірні дами та воїни представляють цікаву картину військового життя ранньофеодальної Японії. Можливо, прототипи цих циліндрів з'явилися у Китаї, де різні предмети клали прямо у поховання, але виконання та спосіб застосування ханіву належать місцевій традиції.

Архаїчний період часто розглядають як час, позбавлений творів високого художнього рівня, час домінування речей, що мають переважно археологічну та етнологічну цінність. Однак слід пам'ятати, що твори цієї ранньої культурив цілому мали велику життєздатність, оскільки їх форми вижили і продовжували існувати як специфічні національні особливості японського мистецтва в пізніші періоди.

Період Асука

(552-710 н.е.). Введення буддизму в середині 6 ст. внесло істотні зміни у спосіб життя та мислення японців і стало поштовхом для розвитку мистецтва цього та наступних періодів. Прихід буддизму з Китаю через Корею традиційно датується 552 н. У перші роки буддизм зіткнувся з політичною опозицією, з протидією національної релігії синто, але через кілька десятиліть нова віра отримала офіційне схвалення і остаточно утвердилася. У перші роки проникнення в Японію буддизм був відносно простою релігією з невеликою кількістю божеств, які потребували зображення, але через якихось сто років він набрав чинності, а пантеон надзвичайно розрісся.
У цей період ґрунтувалися храми, які служили не лише цілям пропаганди віри, але були центрами мистецтва та освіти. Монастир-храм у Хорюдзі є одним із найбільш важливих для вивчення ранньобуддійського мистецтва. Крім інших скарбів, там знаходиться статуя великої тріади Сяка-Нерай (623 н.е.). Цей твір Торі Буссі, першого відомого нам великого японського скульптора, є стилізованим бронзовим зображенням, подібним до аналогічних груп у великих печерних храмах Китаю. У позі сидячого Сякі (японська транскрипція слова «шакьямуні», історичного Будди) і двох фігур, що стоять по сторонах його, дотримується строга фронтальність. Форми людської фігури приховані важкими симетричними складками схематично переданих одягів, а в гладких подовжених обличчях відчувається мрійлива самопоглибленість та споглядання. Скульптура цього першого буддійського періоду заснована на стилі та прототипах з материка п'ятдесятирічної давності; вона правильно слідує за китайською традицією, що прийшла до Японії через Корею.

Деякі з найважливіших скульптурних зображень цього часу робилися з бронзи, проте використовували і дерево. Дві найбільш відомі дерев'яні скульптури – статуї богині Каннон: Юмедоно Каннон та Кудара Каннон, обидві – у Хорюдзі. Вони є більш привабливим об'єктом для поклоніння, ніж тріада Сякі, з їх архаїчними посмішками і мрійливими виразами облич. Хоча у фігур Каннон розташування складок одягу теж схематичне і симетричне, вони легші і сповнені руху. Високі стрункі фігури підкреслюють одухотвореність осіб, їхню абстрактну доброту, віддалену від усіх мирських турбот, але чуйну до благань стражденних. Скульптор приділив певну увагу обрисам фігури Кудара Каннона, прихованої складками одягу, і на відміну від зубчастого силуету Юмедоно рух і фігури, і тканини спрямовані в глибину. У профіль Кудара Каннон має витончені S-подібні контури.

Єдиний зразок живопису, що дав уявлення про стиль початку 7 ст., - розпис Тамамусі Дзусі, «крилатого святилища». Це мініатюрне святилище отримало назву від райдужних крил жуків, вставлених у перфоровану металеву окантовку; пізніше воно було прикрашене релігійними композиціями та фігурами окремих персонажів, виконаними кольоровим лаком. Подібно до скульптури цього періоду, деякі зображення свідчать про велику свободу малюнка.

Період Нара

(710-784). У 710 столиця була перенесена до Нари, нове місто, побудований на зразок китайської столиці Чаньань. Там були широкі вулиці, великі палаци, численні буддійські храми. Не тільки буддизм у всіх його аспектах, але вся китайська культурна і політичне життясприймалася як зразок для наслідування. Ніяка інша країна, можливо, не відчувала настільки недостатності власної культури і була настільки сприйнятлива до впливів ззовні. Вчені та паломники вільно переміщалися між Японією та континентом, а управління та палацове життя будувалися за зразком, що існував у Китаї часів династії Тан. Однак треба пам'ятати, що, незважаючи на наслідування зразків танського Китаю, особливо в мистецтві, сприймаючи його вплив та стиль, японці майже завжди пристосовували чужі форми до своїх власних.

У скульптурі строга фронтальність і симетрія попереднього періоду Асука поступилися місцем більш вільним формам. Розвиток уявлень про богів, зросла технічна майстерність і свобода володіння матеріалом дозволяли художникам створювати більш близькі та доступні культові зображення. Заснування нових буддійських сект розширило пантеон, до якого були включені навіть святі та засновники буддизму. Крім бронзової скульптури відома велика кількість творів із дерева, глини та лаку. Камінь був рідкістю та майже ніколи не використовувався для скульптури. Сухий лак був особливо популярний, можливо, тому, що при всій складності процесу приготування складу твори з нього виглядали ефектніше дерев'яних і були міцнішими, ніж простіші у виготовленні глиняні вироби. Лакові фігури формувалися на дерев'яній або глиняній основі, яка потім видалялася, або на дерев'яній або дротяній арматурі; вони були легкими та міцними. Незважаючи на те, що ця техніка диктувала деяку жорсткість поз, у зображенні осіб допускалася велика свобода, яка частково сприяла розвитку того, що можна назвати власне портретною скульптурою. Зображення обличчя божества виконувалося відповідно до суворих приписів буддійських канонів, але популярність і навіть обожнювання деяких засновників і проповідників віри надавали чудові можливості передачі портретної подібності. Така подібність простежується в скульптурі з сухого лаку китайського патріарха Гендзіна, який шанувався в Японії, що знаходиться в храмі Тоседайдзі. Гендзін був сліпий, коли прибув до Японії в 753, і його невидимі очі та просвітлений стан внутрішнього споглядання чудово передані невідомим скульптором. Ця реалістична тенденція найяскравіше виявилася у дерев'яній скульптурі проповідника Куя, створеної скульптором Косьо у 13-14 ст. Проповідник одягнений як мандрівний жебрак з палицею, гонгом і калатушкою, а з його напіввідкритого рота виходять маленькі фігурки Будди. Не задовольнившись зображенням ченця, що співає, скульптор зробив спробу висловити потаємний зміст його слів.
Великим реалізмом відрізняються зображення Будди періоду Нара. Створені для постійно збільшуваного числа храмів, вони не настільки незворушно холодні і стримані, як їх попередники, мають більш витончену красу і шляхетність і звернені до людей, які поклоняються їм, з більшою прихильністю.

Збереглося дуже мало мальовничих творів цього часу. На багатобарвному малюнку на папері зображені минулі та справжні життя Будди. Це - один з небагатьох стародавніх зразків емакімоно, або живопису на сувоях. Свитки повільно розмотувалися праворуч наліво, і глядач міг насолоджуватися тільки тією ділянкою картини, яка знаходилася між руками, що розвертали сувій. Ілюстрації знаходилися прямо над текстом, на відміну від пізніших сувоїв, де ділянка тексту чергувалася з пояснювальним зображенням. У цих найдавніших зразках звиткового живопису, що збереглися, окреслені контуром фігури розташовуються на тлі ледь наміченого пейзажу, причому центральна дійова особа, в даному випадку Сяка, з'являється в різних епізодах.

Ранній Хейан

(784-897). У 784 році столиця тимчасово була перенесена в Нагаока, частково щоб уникнути переважання буддійського духовенства Нари. У 794 році вона перемістилася в Хейан (нині Кіото), вже на більш тривалий термін. Кінець 8 та 9 ст. були періодом, коли Японія успішно асимілювала, пристосовуючи до своїх особливостей багато закордонних нововведень. Буддійська релігія теж переживала час змін, поява нових сект езотеричного буддизму, з його розробленим ритуалом та етикетом. З них найбільшим впливом мали секти Тендай і Сінгон, які зародилися в Індії, досягли Китаю і вже звідти були привезені до Японії двома вченими, які повернулися на батьківщину після довгого учнівства. Секта Сінгон («Справжні слова») особливо сподобалася при дворі і швидко зайняла панівне становище. Її головні монастирі розташовувалися на горі Коя поблизу Кіото; як та інші важливі буддійські центри, вони стали сховищем величезних колекцій пам'яток мистецтва.

Скульптура 9 ст. була переважно дерев'яною. Зображення божеств відрізнялися суворістю і недоступною величчю, що підкреслювалося урочистістю їх зовнішності та масивністю. Драпірування майстерно вирізалися за стандартними зразками, хвилями лягали шарфи. Стояча фігура Сякі з храму в Муроді – приклад цього стилю. І тому подібних йому зображень 9 в. характерна жорстка різьблення з глибшими чіткими складками та іншими деталями.

Збільшення кількості богів створювало великі труднощі художників. У складних, схожих на карти мандалах (геометричний малюнок із магічним значенням) божества відповідно до ієрархії розташовувалися навколо поміщеного в центр Будди, який сам був лише одним із проявів абсолюту. У цей час з'явилася нова манера зображення оточених полум'ям фігур божеств-охоронців, жахливих на вигляд, але благодійних за природою. Ці божества розташовувалися асиметрично і зображалися в рухливих позах, з грізними рисами осіб, які шалено захищають віру від можливих небезпек.

Середній та Пізній Хейан, або період Фудзівара

(898-1185). Перенесення столиці в Хейан, який мав на меті ухилитися від трудновиконуваних вимог духовенства, викликав зміни й у політичній системі. Знати була домінуючою силою, і найхарактернішими її представниками стала родина Фудзівара. Період 10-12 ст. часто асоціюється із цим ім'ям. Починався період особливої ​​влади, коли справжнім імператорам «настійно радили» залишити осторонь справи держави заради приємніших занять поезією та живописом. До досягнення повноліття імператором керував суворий регент - зазвичай із сім'ї Фудзівара. Це був вік розкоші та чудових досягнень у літературі, каліграфії та мистецтві; у всьому відчувалася томність і емоційність, яка рідко досягала глибини, але загалом була чарівною. Елегантна витонченість та втеча від дійсності відбилися у мистецтві цього часу. Навіть прихильники буддизму шукали легших шляхів, і особливо популярним стало поклоніння небесному Будді, Аміду. Уявлення про співчуття та рятівну милість Будди Аміда глибоко відбилися у живописі та скульптурі цього періоду. Масивність та стриманість статуй 9 ст. у 10-11 ст. поступилися місцем млості та чарівності. Божества зображуються мрійливими, задумливо-спокійними, різьблення стає менш глибоким, поверхня - барвистішою, з багато розробленою фактурою. Найважливіші пам'ятки цього періоду належать скульптору Дьото.
Твори художників теж набули м'якіших рис, нагадуючи малюнки на тканині, і навіть жахливі божества - захисники віри стали менш жахливими. Сутри (буддійські тексти) писали золотом та сріблом на папері глибокого синього тону, прекрасній каліграфії тексту часто передувала невелика ілюстрація. Найбільш популярні напрямкибуддизму та пов'язані з ними божества відображають переваги аристократії та поступовий відхід від суворих ідеалів раннього буддизму.

Атмосфера цього часу та його твори частково пов'язані і з припиненням формальних відносин з Китаєм у 894 році. Наступне за цим припиненням зв'язків замкнуте острівне існування спонукало японців звернутися до своєї культури і виробити новий, чистіший японський стиль. Справді, світський живопис 10-12 ст. була майже повністю японською - і в техніці, і в композиції та сюжетах. Відмінною особливістю цих японських сувоїв, які називалися ямато-е, було переважання сюжетів енгі (походження, історія). У той час як на китайських сувоїх найчастіше зображалася неосяжна дивовижна природа, панорами гір, потоків, скель і дерев, а люди уявлялися відносно незначними, на оповідальних сувої японців у малюнку і тексті головною була людина. Ландшафт грав лише роль фону для історії, що розповідається, підпорядкованого головному дійовій особічи особам. Багато сувої являли собою мальовані літописи життя відомих буддійських проповідників або історичних діячів, їх подорожі та військові походи. Інші розповідали про романтичні епізоди з життя знаті та придворних.

Явно своєрідний стиль ранніх сувоїв походив від простих начерків тушшю на сторінках буддійських зошитів. Це майстерні малюнки, що карикатурно передають людську поведінку через образи тварин: мавпа в чернечому одязі, що поклоняється надутій жабі, змагання між зайцями, мавпами та жабами. Ці та інші сувої пізнього Хейана послужили основою складніших оповідальних сувої розвиненого стилю 13-14 ст.

Період Камакура

(1185-1392). Кінець 12 ст. приніс серйозні зміни у політичне та релігійне життя Японії і, звичайно, у її мистецтво. Елегантність та естетизм двору Кіото змінився або, у традиціях «особливого» правління, «набув доповнення» у вигляді нового, суворого та мужнього правління – сьогуната Камакура. Хоча столицею номінально залишався Кіото, сьоґун Мінамото-но Йорітомо (1147-1199) заснував свою штаб-квартиру в місті Камакура і лише за 25 років встановив жорстку систему військової диктатури та феодалізму. Буддизм, який став настільки складним і ритуалізованим, що був малозрозумілим для простих мирян, також зазнав серйозних змін, які аж ніяк не обіцяли заступництва мистецтвам. Секта Йодо («Чиста Земля»), різновид шанування Будди Аміда, під керівництвом Хонена Сєніна (1133-1212) реформувала ієрархію будд та божеств і дала надію на порятунок усім, хто просто вірив у Аміда. Ця доктрина легко досяжного раю пізніше була спрощена іншим ченцем, Сінраном (1173-1262), засновником секти Сін, яка визнавала, що поблажливість Аміди настільки велика, що немає необхідності в скоєнні релігійних актів, досить просто повторювати заклинання «Наму Аміда Бутсу» означає "підкорятися", другі два - "Будда Аміда"). Такий простий спосіб порятунку душі був украй привабливим, і зараз ним користуються мільйони. Поколінням пізніше войовничий проповідник Нітірен (1222-1282), ім'ям якого названо секту, відмовився від цієї спрощеної форми релігії. Його послідовники шанували Сутру Лотоса, яка не обіцяла миттєвого та безумовного порятунку. У проповідях він нерідко стосувався політичних тем, а його переконання та запропоновані реформи церкви та держави припали до душі новому військовому класу в Камакурі. Нарешті, філософія дзен, що виникла ще в 8 ст, почала відігравати все більшу роль у буддійській думці цього періоду. Дзен підкреслювала важливість медитації та зневагу до будь-яких зображень, які могли перешкодити людині у його прагненні поєднатися з богом.

Отже, це був час, коли релігійна думка обмежила кількість творів живопису та скульптури, насамперед необхідних для культу. Проте в період Камакура були створені одні з найпрекрасніших творів японського мистецтва. Стимулом служила властива японцям любов до мистецтва, але ключ до розгадки - щодо народу до нових віровчень, а чи не в догматах як таких. Справді, самі твори підказують причину свого створення, адже багато хто з цих повних життя та енергії скульптур та мальовничих творів – портрети. Хоча філософія дзен могла вважати звичайні предмети релігійного культу перепоною на шляху до просвітлення, традиція шанування вчителів була цілком прийнятною. Портрет сам не міг бути предметом поклоніння. Таке ставлення до портрета було властиво не лише дзен-буддизму: багато служителів секти Чистої Землі вважалися майже буддійськими божествами. Завдяки портрету навіть з'явилася нова архітектурна форма – міейдо, або портретна капела. Бурхливий розвиток реалізму був цілком у дусі часу.
Незважаючи на те, що мальовничі портрети жерців, очевидно, справді були зображеннями конкретних людей, вони часто являли собою переробки картин із зображенням китайських засновників буддизму. Їх малювали проповідуючими, роти відкриті, руки жестикулюють; іноді зображувалися злиденні ченці, які роблять важкий шлях на славу віри.

Одним із найпопулярніших сюжетів був райго (бажаний прихід), де зображався Будда Аміда зі своїми супутниками, що спускається на хмарі, щоб на смертному одрі врятувати душу віруючого та перенести її до раю. Фарби таких зображень часто були посилені накладним золотом, а хвилясті лінії, розкидані накидки, хмари, що клубилися, надавали відчуття руху зішестю Будди.

Ункей, який працював у другій половині 12 і на початку 13 ст., був автором нововведення, яке полегшило різьблення по дереву, що залишалося в період Камакура улюбленим матеріалом скульпторів. Насамперед майстер був обмежений розмірами та формою колоди чи колоди, з якої вирізувалася фігура. Руки та елементи одягу накладалися окремо, але закінчений твір часто нагадував вихідну циліндричну форму. У новій техніці десятки дрібних шматочків ретельно підганялися один до одного, утворюючи порожню піраміду, з якої потім підмайстри могли начорно вирізати фігуру. Скульптор отримував у своє розпорядження більш податливий матеріал і можливість створювати складніші форми. М'язисті храмові сторожі і божества в накидках і одязі, що розвіваються, здавались більш живими ще й тому, що в їхні очні западини стали вставляти кришталь або скло; статуї почали прикрашати позолоченою бронзою. Вони стали легшими і рідше розтріскувалися в міру висихання дерева. Згадувана дерев'яна статуя Куя Сєніна, роботи Косьо, сина Ункея, демонструє найвище досягнення реалізму епохи Камакура в портретній скульптурі. Справді, скульптура у цей час досягла апогею у своєму розвитку, і згодом вона вже не займала такого видного місця у мистецтві.

Світський живопис також відбивав дух часу. Оповідальні сувої пізньохейанського періоду в стриманій колористичній гамі і витончених лініях розповідали про романтичні ескапади принца Гендзі або про розваги придворних дам, що ведуть затворницький спосіб життя. Тепер яскравими фарбами та енергійними мазками художники епохи Камакура зображували битви ворогуючих кланів, охоплені полум'ям палаци та переляканих людей, що біжать від нападників. Навіть коли на свитку розгорталася релігійна історія, зображення було не так іконою, як історичним свідченням про подорожі святих людей і сотворені ними чудеса. В оформленні цих сюжетів можна виявити любов до природи, що зростає, і захоплення рідними пейзажами.

Муроматі, або період Асікага

(1392-1568). У 1392, після більш ніж 50 років розбратів, третій сьогун сімейства Асікага, Йосіміцу (1358-1408), знову об'єднав країну. Місцем розташування уряду знову стала номінальна столиця Кіото, де сьогуни Асікага у кварталі Муроматі збудували свої палаци. (Цей період називають то Муроматі, то Асикага.) Військовий час не пощадив багатьох храмів - сховищ японського мистецтва, які були спалені разом із скарбами, що знаходилися там. Країна була жорстоко розорена, і навіть світ не приніс великого полегшення, тому що ворогуючі клани, домагаючись успіху, роздавали милості за своєю примхою. Здавалося б, ситуація була вкрай несприятливою для розвитку мистецтва, проте насправді сьогуни Асікага сприяли йому, особливо в 15-16 ст., коли процвітав живопис.

Найбільш значним явищем мистецтва цього часу були монохромні поетичні зображення тушшю, що заохочувалися дзен-буддизмом і під впливом китайських зразків династій Сун і Юань. У період династії Мін (1368-1644) з Китаєм були відновлені контакти, і Йосіміцу, колекціонер та покровитель мистецтв, заохочував колекціонування та вивчення китайського живопису. Вона стала взірцем та відправною точкою для обдарованих художників, які легкими та швидкими мазками пензля малювали пейзажі, птахів, квіти, зображення священнослужителів та мудреців. Японський живопис цього часу характеризується ощадливістю лінії; художник ніби витягує квінтесенцію зображуваного сюжету, надаючи глядачеві погляду наповнити його деталями. Переходи сірої та блискучої чорної туші в цих картинах дуже близькі до філософії дзен, яка, безумовно, надихала їх авторів. Хоча це віровчення досягло значного впливу ще за військової влади Камакура, воно продовжувало швидко поширюватися в 15-16 вв.(століття), коли виникли численні дзенські монастирі. Проповідуючи в основному ідею «саморятування», воно не пов'язувало порятунок із Буддою, але більше покладалося на сувору самодисципліну людини для досягнення раптового інтуїтивного «просвітлення», що поєднує його з абсолютом. Економне, але сміливе використання туші та асиметрична композиція, в якій незабарвлені частини паперу відігравали значну роль у зображеннях ідеалізованих ландшафтів, мудреців та вчених, відповідали цій філософії.

Одним із найбільш знаменитих представників напряму сумі-е, стилю монохромного живопису тушшю, був Сессю (1420-1506), дзенський священик, чиє довге та плідне життя забезпечило йому тривале шанування. Наприкінці життя він став застосовувати манеру хабоку (швидкої туші), яка, на противагу зрілому стилю, що вимагав чітких, економних мазків, доводила традицію монохромного живопису майже абстракції.
На цей же період припадає діяльність родини художників Кано та розвиток їхнього стилю. На вибір сюжетів і використання туші він був близький до китайського, проте за виразними засобами залишався японським. Кано за підтримки сьоґунату став «офіційною» школою або художнім стилем живопису і процвітав ще й у 19 ст.

Наївна традиція ямато-е продовжувала жити у творах школи Тоса, другого важливого напряму японського живопису. Насправді в цей час обидві школи Кано і Тоса були тісно пов'язані, їх об'єднував інтерес до сучасного життя. Мотонобу Кано (1476-1559), один із видатних художниківцього періоду, не тільки видав свою дочку за відомого художника Тоса, а й писав у його манері.

У 15-16 ст. з'явилося лише кілька цікавих творів скульптури. Слід зазначити, що розвиток драми ноо, з її різноманітністю настроїв та емоцій, відкрило перед скульпторами нове поле діяльності - вони вирізали маски для акторів. У класичній японській драмі, яка виконувалася аристократією і для аристократії, актори (один або більше) носили маски. Вони передавали гаму почуттів від страху, тривоги та розгубленості до стриманої радості. Деякі маски були так чудово вирізані, що найменший поворот голови актора викликав тонкі зміни вираження почуттів. Чудові зразки цих масок зберігалися роками у сім'ях, членам яких вони були виготовлені.

Період Момояма

(1568-1615). У 1593 великий військовий диктатор Хідеосі побудував свій замок на Момоямі, «Персиковому Пагорбі», і цим ім'ям прийнято визначати період 47 років від падіння сьогуната Асікага до затвердження Токугава, або періоду Едо, 1615. Це був час домінування абсолютно нового воїнського чиє велике багатство сприяло процвітанню мистецтва. Вражаючі замки з великими залами для аудієнцій та довгими коридорами увійшли до моди наприкінці 16 ст. і вимагали прикрас, що відповідають їхній величі. Це був час суворих і мужніх людей, і нові покровителі, на відміну від колишньої аристократії, особливо цікавилися інтелектуальними пошуками чи тонкощами майстерності. На щастя, нове покоління художників цілком відповідало своїм покровителям. У цей період з'явилися чудові ширми та рухливі панелі яскравого малинового, смарагдового, зеленого, фіолетового та синього кольорів. Такі буйні кольори та декоративні форми, часто на золотому чи срібному тлі, були дуже популярні протягом ста років, а їх творців вельми справедливо називали «великими декораторами». Завдяки тонкому японському смаку пишний стиль не переріс у вульгарність, і навіть коли стриманість і недомовленість поступилися місцем розкоші та декоративним надмірностям, японцям вдавалося зберегти елегантність.

Ейток Кано (1543-1590), один з перших великих художників цього періоду, працював у стилі Кано і Тоса, розширивши уявлення про малюнок першого і поєднуючи їх з багатством фарб другого. Хоча збереглося лише кілька творів, автором яких можна з упевненістю назвати Ейтоку, він вважається одним із засновників стилю Момояма, і більшість художників цього періоду були його учнями або перебували під його впливом.

Едо, або період Токугава

(1615-1867). Довгий період світу, що настав для знову об'єднаної Японії, називається або часом Токугава, на прізвище правителя, або Едо (сучасний Токіо), оскільки в 1603 році це місто стало новим центром влади. Два знаменитих генерала нетривалого періоду Момояма, Ода Нобунага (1534-1582) та Тойотомі Хідеосі (1536-1598), за допомогою військових дій та дипломатії зуміли нарешті примирити могутні клани та войовниче духовенство. Зі смертю Хідеосі в 1598 влада перейшла до Іеяса Токугава (1542-1616), який завершив розпочаті спільно заходи. Рішуча битва при Секігахарі в 1600 р. зміцнила позиції Іеясу, падіння замку Оска в 1615 р. супроводжувалося остаточним крахом будинку Хідеосі і встановленням неподільного володарювання сьогуната Токугава.

Мирне правління Токугава тривало 15 поколінь і завершилося лише 19 в. Це був переважно період політики «закритих дверей». Декретом 1640 року іноземцям було заборонено доступ до Японії, а японці не могли виїжджати за кордон. Єдиний комерційний та культурний зв'язок був з голландцями та китайцями через порт Нагасакі. Як і в інші періоди ізоляції, спостерігалося піднесення національних почуттів та виникнення наприкінці 17 ст. так званої школи жанрового живопису та гравюри.
Швидко зростаюча столиця Едо стала центром як політичного і ділового життя острівної імперії, а й центром мистецтв і ремесел. Вимога, щоб дайме, провінційні феодали протягом певної частини кожного року перебували в столиці, породжувало потребу в нових, у тому числі палацових спорудах, а значить, і в художниках для їх оздоблення. Одночасно виник клас багатих, але не належать до аристократії купців надавав нове і часто непрофесійне заступництво художникам.

Мистецтво раннього періоду Едо частково продовжує та розробляє стиль Момояма, посилюючи в ньому тенденції до розкоші та пишності. Продовжує розвиватися успадковане від попереднього періоду багатство химерних образів та поліхромії. Цей декоративний стиль досяг найвищого розквіту в останній чверті 17 ст. у т.зв. епоху Генроку періоду Токугава (1688-1703). У японському декоративному мистецтві він не має паралелей з екстравагантності та багатства кольору та декоративних мотивів у живописі, тканинах, лаку, у художніх дрібницях – атрибутах розкішного способу життя.

Оскільки йдеться про відносно пізній період історії, не дивно, що збереглися імена багатьох художників та їх твори; тут можна назвати лише кілька найвидатніших. Серед представників декоративної школи, які жили і працювали в періоди Момояма та Едо, - Хоннамі Коецу (1558-1637) та Нономура Сотацу (пом. 1643). Їхні роботи демонструють чудове почуття малюнка, композиції та кольору. Коецу, талановитий кераміст та художник лакових виробів, був відомий красою своєї каліграфії. Разом із Сотацу вони створювали модні на той час поеми на сувоях. У цьому поєднанні літератури, каліграфії та живопису зображення були простими ілюстраціями: вони створювали чи припускали настрій, відповідне сприйняттю тексту. Огата Корін (1658-1716) був одним із спадкоємців декоративного стилю і разом зі своїм молодшим братом Огата Кендзан (1663-1743) довів його техніку до досконалості. Кендзан, більш відомий як кераміст, ніж художник, обпікав судини з нанесеними на них малюнками свого знаменитого старшого брата. Відродження цієї школи на початку 19 ст. поетом та художником Сакаї Хоїцу (1761-1828) було останнім сплеском декоративного стилю. Красиві сувої та ширми Хорицю поєднували почуття малюнка Коріна з інтересом до природи, властивим натуралізму школи Маруяма, що виявилося у багатстві кольору та декоративних мотивів, властивому більш ранньому періоду, яке стримувалося пишнотою та витонченістю мазка.

Разом із поліхромним декоративним стилем продовжував залишатися популярним традиційний малюнок тушшю школи Кано. У 1622 році Кано Тан'ю (1602-1674) був призначений придворним художником сьогуна і викликаний в Едо. З його призначенням на цю посаду та створенням школи живопису Кано в Едо, в Кобікіто, настав піввіковий період художнього лідерства цієї традиції, який повернув сімейству Кано видатне становище та зробив твори періоду Едо найбільш значними у живописі Кано. Незважаючи на популярність розписаних золотом і яскравими фарбами ширм, що створювалися «великими декораторами» та суперниками, Тан'ю завдяки силі свого таланту та офіційному положенню зміг зробити популярним серед знаті живопис відродженої школи Кано. До традиційних особливостей школи Кано Тан'ю додав міць і простоту, засновану на жорсткій переривчастій лінії та продуманому розташуванні елементів композиції на великій вільній поверхні.

Новий напрям, у якому головною рисою був інтерес до природи, став переважати наприкінці 18 в. Маруяма Окьо (1733-1795), голова нової школи, був селянином, потім став священнослужителем і нарешті художником. Перші два заняття не принесли йому ні щастя, ні успіху, зате як художник досяг великих висот і вважається засновником реалістичної школи Маруяма. Він навчався у майстра школи Кано Ісіда Ютеї (пом. бл. 1785); на основі привізних голландських гравюр він спіткав західну техніку перспективного зображення, а іноді просто копіював ці гравюри. Він вивчав також китайські стилі часів династій Сун та Юань, у тому числі тонкий та реалістичний стиль Чень Суаня (1235-1290) та Шен Нанпіна; останній жив у Нагасакі на початку 18 ст. Окё зробив багато робіт з натури, та її наукові спостереження послужили основою сприйняття природи, у якому грунтувалася школа Маруяма.

Крім інтересу до натуралізму у 18 ст. відновився вплив китайської мистецької традиції. Представники цього напряму тяжіли до мальовничої школи художників-науковців епохи Мін (1368-1644) та Цин (1644-1912), хоча, ймовірно, їх уявлення про сучасний стан мистецтва в Китаї були обмежені. Мистецтво цієї японської школи називалося будзинга (мистецтво освічених людей). Одним із найвпливовіших майстрів, які працювали в стилі будзингу, був Ікено Тайга (1723-1776), відомий художникта каліграф. Для зрілого стилю характерні товсті контурні лінії, заповнені легкими перистими штрихами світлих тонів і туші; він писав і широкими, вільними мазками чорної туші, зображуючи схилі під вітром і дощем бамбукові стовбури. Короткими вигнутими лініями він досягав ефекту, що нагадує гравюри, у зображенні туманних гір над оточеним лісом озером.
17 ст. породив ще один чудовий напрямок мистецтва періоду Едо. Це так зване укіє-е (картини світу, що змінюється) - жанрові сцени, що створювалися простим народом і для нього. Ранні укіє з'явилися в старій столиці Кіото і були в основному мальовничими. Але центр їх виготовлення швидко перемістився в Едо, і увага майстрів зосередилася на гравюрі дерева. Тісний зв'язок гравюри на дереві з укіє привела до невірного уявлення, що гравюра на дереві була відкриттям цього періоду; насправді вона виникла ще 11 ст. Такі ранні зображення мали вотивний характер, ними зображалися засновники буддизму і божества, а період Камакура деякі оповідальні сувої відтворювалися з різьблених блоків. Однак особливо популярним мистецтво гравюри стало в період із середини 17 і аж до 19 ст.

Предметами зображення гравюр укіє були прекрасні куртизанки веселих кварталів, улюблені актори та сцени з драм. Ранні, т.зв. примітивні гравюри були виконані в чорному кольорі, з сильними хвилястими ритмічними лініями, і відрізнялися простим малюнком. Їх іноді розфарбовували від руки в оранжево-червоний колір, що називався тан-е (яскраво-червоні картини), з відмітками жовто-гірчичного та зеленого кольорів. Деякі з «примітивних» художників використовували ручний розпис, що називався урусю-е (лаковий живопис), в якому темні ділянки посилювалися і ставали яскравішими завдяки додаванню клею. Рання багатобарвна гравюра, що з'явилася в 1741 або 1742, називалася бенидзурі-е (малинова гравюра) і зазвичай використовувала три кольори - рожево-червоний, зелений та іноді жовтий. По-справжньому багатобарвні гравюри, що використовували всю палітру і називалися нісіки-е (парчові зображення), з'явилися в 1765 році.

Крім створення окремих відбитків, багато з граверів ілюстрували книги і заробляли виготовленням еротичних ілюстрацій у книгах і на сувоях. Слід мати на увазі, що гравюра укіє складалася з трьох видів діяльності: це була праця малювальника, чиє ім'я носив відбиток, різьбяра і друкаря.

Родоначальником традиції створення гравюр укіє вважається Хісікава Моронобу (бл. 1625-1694). Інші «примітивні» художники цього напряму – Кіємасу (1694–1716) та група Кайгецудо (дивна співдружність художників, час існування якого залишається неясним), а також Окумура Масанобу (1686–1764).

Художниками перехідного періоду, які створили гравюру бенидзурі-е, були Ісікава Тоєнобу (1711-1785), Торії Кієхіро (працював бл. 1751-1760) та Торії Кіоміцу (1735-1785).

Твори Судзукі Харунобу (1725-1770) відкривають епоху поліхромної гравюри. Виконані м'якими, майже нейтральними фарбами, населені витонченими дамами та галантними коханцями, гравюри Харунобу мали великий успіх. Приблизно одночасно з ним працювали Кацукава Сюнсьо (1726-1792), Торії Кієнага (1752-1815) та Кітагава Утамаро (1753-1806). Кожен із них зробив свій внесок у розвиток цього жанру; майстри довели гравюри із зображенням витончених красунь та знаменитих акторівдо досконалості. За кілька місяців у 1794-1795 таємничий Тосусаї Сараку створив сильні і відверто жорстокі портрети акторів тих днів.

У перші десятиліття 19 в. цей жанр досяг зрілості і почав хилитися до занепаду. Кацусіка Хокусай (1760-1849) та Андо Хіросіге (1797-1858) - найбільші майстри епохи, творчість яких поєднує захід сонця мистецтва гравюри 19 ст. та його нове відродження на початку 20 ст. Обидва були насамперед пейзажистами, які фіксували у своїх гравюрах події сучасного життя. Блискуче володіння технікою різьбярів і друкарів дозволяло передавати в гравюрі примхливі лінії і найменші відтінки заходу сонця або туману, що піднімається на зорі.

Реставрація Мейдзі та сучасний період.

Часто буває так, що стародавнє мистецтво того чи іншого народу бідне іменами, датами і творами, що збереглися, тому які-небудь судження можна виносити лише з великою обережністю та умовністю. Однак судити про сучасне мистецтво не менш важко, оскільки ми позбавлені історичної перспективи, щоб вірно оцінити масштаб якогось напряму чи художника та його творчості. Вивчення японського мистецтва не є винятком, і найбільше, що можна зробити, це уявити панораму сучасного мистецтва і зробити деякі умовні попередні висновки.

У другій половині 19 ст. були знову відкриті для торгівлі японські порти, на політичній сцені відбулися серйозні зміни. У 1868 році було скасовано сьогунат і відновлено правління імператора Мейдзі. Офіційна столиця і резиденція імператора були перенесені до Едо, а саме місто стало називатися Токіо (східна столиця).

Як це траплялося й у минулому, кінець національної ізоляції викликав неабиякий інтерес до здобутків інших націй. У цей час японці здійснили величезний стрибок у сфері науки та техніки. У художньому відношенні початок епохи Мейдзі (1868-1912) демонструє прийняття всього західного, включаючи техніку. Однак це прагнення тривало недовго, і за ним був період асиміляції, виникнення нових форм, що поєднують повернення до власних традицій і нові західні віяння.

Серед художників набули популярності Кано Хогай (1828-1888), Сімомура Кандзан (1873-1916), Такеуті Сейхо (1864-1924) та Томіока Тессай (1836-1942). Перші троє дотримувалися традиційного японського стилю та сюжетів, хоча й прагнули виявити оригінальність у настрої та техніці. Сейхо, наприклад, працював у спокійній та консервативній атмосфері Кіото. Його ранні твористворені в натуралістичній манері Маруяма, але пізніше він багато подорожував Китаєм і зазнав глибокого впливу китайського живопису тушшю. Його поїздки музеями та ведучими художнім центрамЄвропи також залишили слід у його роботах. З усіх видатних художників цього часу тільки один Томіок Тессай близько підійшов до розробки нового стилю. У його енергійних і повних силах творах грубі викривлені нерівні лінії та плями чорної туші поєднуються з тонко виписаними ділянками кольору. У пізніші роки деякі молоді художники, які працювали олією, досягли успіху там, де їхні діди зазнали невдачі. Перші спроби роботи з цим незвичним матеріалом нагадували паризькі полотна і не відрізнялися особливою цінністю, ні специфічно японськими рисами. Проте нині створюються роботи виняткової привабливості, у яких через абстрактні теми просвічує характерне японське почуття кольору та врівноваженості. Інші художники, працюючи з більш природною та традиційною тушшю і іноді використовуючи каліграфію як вихідний мотив, створюють енергійні абстрактні твори у блискучих чорних тонах із відтінками сірого.

Як і період Едо, в 19-20 ст. скульптура була популярною. Але й у цій галузі представники сучасного покоління, які навчалися в Америці та Європі, експериментували досить успішно. Невеликі бронзові скульптури, абстрактні за формою та з дивними назвами, демонструють властиве японцям почуття лінії та кольору, що проявляється у використанні м'якої зеленої чи теплої коричневої патини; різьблення по дереву свідчить про кохання японців до фактури матеріалу.

Сосаку ханга, японська «творчий друк», з'явилася лише перше десятиліття 20 в., але як особливий напрям мистецтва вона затьмарила й інші області сучасного мистецтва. Ця сучасна гравюра, строго кажучи, не є наступницею більш старої гравюри на дереві укіе; вони різняться за стилем, сюжетами та способами створення. Художники, багато з яких перебували під сильним впливом західного живопису, усвідомили важливість власного художньої спадщиниі знайшли в дереві потрібний матеріал для вираження своїх творчих ідеалів. Майстри ханга не лише малюють, а й вирізають зображення на дерев'яних блоках і самі їх друкують. Хоча у цьому виді мистецтва найвищі здобутки пов'язані з роботами на дереві, застосовуються всі сучасні західні техніки гравюри. Експерименти з листям, мотузками і знайденими предметами в деяких випадках дозволяють створити унікальні ефекти фактури поверхні. Спочатку майстри цього напряму були змушені домагатися визнання: адже навіть найкращі досягнення школи укіе художники-інтелектуали пов'язували з неписьменним натовпом і вважали плебейським мистецтвом. Такі художники, як Онті Косіро, Хірацука Уньїті та Маекава Семпан, багато зробили для того, щоб повернути повагу до гравюри та затвердити цей напрямок як гідну гілку витончених мистецтв. Вони залучили багато молодих художників до своєї групи, і гравери нині обчислюються сотнями. Серед майстрів цього покоління, які досягли визнання в Японії та на Заході, - Адзеті Уметаро, Мунаката Сіко, Ямагучі Ген та Сайто Кієсі. Це майстри, чиє новаторство та безперечний талант дозволили їм зайняти гідне становище серед провідних художників Японії. Багато їх ровесників та інших, молодших художників ханга, теж створили чудові гравюри; те, що ми не згадуємо тут їхні імена, не означає низької оцінки їхньої творчості.

ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНЕ МИСТЕЦТВО, АРХІТЕКТУРА І САДИ

У попередніх розділах йшлося переважно про живопис та скульптуру, які в більшості країн вважаються головними видами образотворчого мистецтва. Можливо, несправедливо відносити до кінця статті декоративне мистецтво та народні ремесла, мистецтво садів та архітектуру - форми, які становили важливу та невід'ємну частину японського мистецтва. Однак, можливо, за винятком архітектури, вони вимагають особливого розгляду поза зв'язком загальною періодизацієюяпонського мистецтва та зі змінами стилю.

Кераміка та порцеляна.

До найважливіших видів декоративно-ужиткового мистецтва в Японії відносяться кераміка та фарфор. Керамічне мистецтво природно поділяється на дві категорії. Прекрасний поліхромний порцеляна Імарі, Набесіма і Якіемон отримав назву від місць виробництва, і його багатий розпис на кремовій або блакитно-білій поверхні призначався для знаті та придворних кіл. Процес виготовлення справжньої порцеляни став відомий у Японії наприкінці 16 або на початку 17 ст.; тарілки та чаші з гладкою глазур'ю, з асиметричним або нагадуючим парчу малюнком, цінуються як на батьківщині, так і на Заході.

На відміну від порцеляни в грубому посуді з глини або кам'яної маси невисокої якості, характерної для Сіно, Орібе та Бідзена, увага акцентується на матеріалі, здавалося б недбале, але продумане розташування декоративних елементів. Такі судини, що створювалися під впливом концепцій дзен-буддизму, були дуже популярні в інтелектуальних колах і широко використовувалися, особливо в чайних церемоніях. У багатьох чашках, чайниках та чайницях, атрибутах мистецтва чайної церемонії, втілилася сама суть дзен-буддизму: жорстка самодисципліна та сувора простота. У період розквіту японського декоративного мистецтва талановиті художники Корін та Кендзан займалися декором керамічних виробів. Слід згадати, що слава Кендзана пов'язана з його талантом кераміста, а чи не живописця. Деякі з найпростіших типів та технік виготовлення судин походять із традицій народного ремесла. Сучасні майстерні, продовжуючи старі традиції, виготовляють чудові вироби, що захоплюють своєю елегантною простотою.

Лакові вироби

Вже у 7-8 ст. лак був відомий у Японії. Від цього часу збереглися кришки скриньок, прикрашені зображеннями людей та геометричними мотивами, нанесеними тонкими золотими лініями. Ми вже говорили про важливість техніки сухого лаку для скульптури 8-9 ст.; у цей час і пізніше робилися декоративні предмети типу скриньок для листів чи коробочок для пахощів. У період Едо ці вироби виготовлялися у великій кількості та з найбільш пишним декором. Розкішно прикрашені коробочки для сніданків, для тістечок, для пахощів і ліків, які називалися інро, відбивали багатство і любов до розкоші, властиві цьому часу. Поверхня предметів прикрашалася візерунками із золотого та срібного порошку, шматочків золотої фольги, окремо або у комбінації з інкрустаціями раковинами, перламутром, сплавом олова та свинцю тощо; ці візерунки контрастували з лакованою червоною, чорною або коричневою поверхнею. Іноді малюнки для лаків робили художники, наприклад Корін та Коецу, проте навряд чи вони особисто брали участь у цих роботах.

Мечі.

Японці, як було зазначено, протягом значного періоду своєї історії були народом воїнів; зброю та зброю вважалися предметами першої необхідності для великої частини населення. Меч був гордістю чоловіка; як сам клинок, і всі інші частини меча, особливо рукоятка (цуба), прикрашалися у різних техніках. Цуба із заліза або бронзи прикрашали інкрустаціями із золота та срібла, покривали різьбленням або обробляли і тим, і іншим. Там зображали пейзажі чи постаті людей, квіти чи фамільні герби (мон). Все це доповнювало роботу мечів.

Тканини.

Багаті візерунчасті шовкові та інші тканини, улюблені двором та духовенством за часів пишноти та достатку, а також прості тканини з майже примітивним малюнком, характерним для народного мистецтва, також є виразом національного японського таланту. Досягнувши найвищого розквіту в багату епоху Генроку, мистецтво текстилю знову розквітло в Японії. У ньому ідеї та штучні волокна із Заходу вдало поєднуються з традиційними забарвленнями та декоративними мотивами.

Сади.

В останні десятиліття інтерес до японських садів та архітектури посилився завдяки ширшому знайомству західної публіки з цими формами мистецтва. Сади у Японії займають особливе місце; вони є виразом і символом високих релігійних і філософських істин, і ці незрозумілі, символічні обертони, що поєднуються з очевидною красою садів, викликають інтерес західного світу. Не можна сказати, що релігійні чи філософські ідеї були головною причиноюстворення садів, але при плануванні та створенні саду художник-планувальник обмірковував такі елементи, споглядання яких призведе глядача до роздумів про різні філософські істини. Тут споглядальний аспект дзен-буддизму втілюється в групі незвичайних каменів, хвилях вирівняного граблями піску і гравію, що поєднуються з дерном, або рослинах, розташованих так, що струмок за ними то зникає, то знову з'являється, - все це спонукає глядача самостійно завершити закладені під час спорудження саду ідеї. Перевага неясному натяку перед зрозумілим поясненням характерна для філософії дзен. Продовженням цих ідей стали популярні зараз на Заході карликові дерева бонсай та крихітні садочки у горщиках.

Архітектура.

Головні архітектурні пам'ятникиЯпонії - це храми, монастирські комплекси, феодальні замки та палаци. З давніх-давен і до цього дня дерево є головним будівельним матеріалом і великою мірою визначає конструктивні особливості. Найдавніші релігійні споруди - святилища національної японської релігії синто; судячи з текстів і малюнків, вони були відносно простими будовами із солом'яним дахом, як і стародавні житла. Храмові будівлі, що зводилися після поширення буддизму і пов'язані з ним, за стилем та плануванням ґрунтувалися на китайських прототипах. Буддійська храмова архітектура змінювалася залежно від часу, а декор та розташування будівель були різними у різних сектах. Японські споруди відрізняються великими залами з високими дахами та складною системою консолей, які декор відбивав смак свого часу. Проста і велична архітектура комплексу Хорюдзі, побудованого поблизу Нара на початку 7 ст, так само характерна для періоду Асука, як краса та елегантність пропорцій Хоодо, «Зала фенікса» в Удзі, що відображається в озері Лотоса, для епохи Хейан. Більш складні споруди періоду Едо придбали додаткові прикраси у вигляді багато розфарбованих розсувних дверей та ширм, виготовлених тими ж «великими декораторами», які прикрашали інтер'єри оточених ровами замків та палаців феодалів.

Архітектура та сади Японії пов'язані настільки тісно, ​​що можуть вважатися частинами один одного. Особливо це справедливо щодо будівель та садових будиночків для чайної церемонії. Їх відкритість, простота і ретельно продуманий зв'язок з ландшафтом і перспективою дуже впливають на сучасну архітектуруЗаходу.

ВПЛИВ ЯПОНСЬКОГО МИСТЕЦТВА НА ЗАХІД

Протягом усього століття мистецтво Японії стало відоме на Заході і справило на нього значний вплив. Були й більш ранні контакти (наприклад, голландці торгували з Японією через порт Нагасакі), проте предмети, які сягали Європи у 17 в., були переважно творами прикладного мистецтва - фарфор і лакові вироби. Їх охоче колекціонували як дива і копіювали різними способами, але ці предмети декоративного експорту не відображали суті та якості японського мистецтва і навіть породили у японців невтішне уявлення про західний смак.

Вперше західний живопис зазнав прямого впливу японського мистецтва в Європі в 1862 році під час величезної Міжнародної виставки в Лондоні. Представлені на Паризькій виставці п'ятьма роками пізніше японські гравюри на дереві знову порушили великий інтерес. Відразу виникло кілька приватних колекцій гравюр. Дега, Мане, Моне, Гоген, Ван Гог та інші сприйняли японські кольорові гравюри як одкровення; часто відзначається легкий, але завжди розпізнаваний вплив японської гравюри на імпресіоністів. Американців Вістлера та Мері Кассат залучили стриманість лінії та яскраві колористичні плями гравюр та живопису укіе-е.

Відкриття Японії для іноземців у 1868 породило захоплення всіма західними речами поспіль і змусило японців відвернутися від їхньої власної багатої культури та художньої спадщини. У цей час багато прекрасних живописних творів і скульптур були продані і опинилися в західних музеях і приватних колекціях. Виставки цих предметів познайомили Захід з Японією та стимулювали інтерес до подорожей на Далекий Схід. Безумовно, окупація Японії американськими військами наприкінці Другої світової війни відкрила ширші, ніж раніше, можливості знайомства і глибшого вивчення японських храмів та його скарбів. Цей інтерес позначився і на відвідуваності американських музеїв. Інтерес до Сходу взагалі викликав організацію виставок творів японського мистецтва, відібраних із японських державних та приватних колекцій та привезених до Америки та Європи.

Наукові дослідження останніх десятилітьзробили багато для спростування думки, що японське мистецтво є лише відображенням китайської, а численні японські публікації на англійськоюпознайомили Захід із ідеалами Сходу.

Сучасна японська мистецька сцена здається повністю глобалізованою. Художники курсують між Токіо та Нью-Йорком, майже всі здобували європейську чи американську освіту, про свої роботи говорять міжнародною арт-англійською. Однак ця картина далека від повноти.

Національні форми та тренди виявляються одним із найбільш затребуваних товарів, які Японія може запропонувати світовому ринку художніх ідей та творів.

Площинна операція. Як течія superflat поєднує американську гік-культуру та традиційний японський живопис

Такасі Муракамі. "Тан Тан Бо"

Якщо в західному світі майже для всіх (крім, можливо, найзатятіших теоретиків постмодерну) межа між високою та масовою культурою досі залишається релевантною, хоч і проблематичною, то в Японії ці світи тотально змішані.

Прикладом цього є Такасі Муракамі, який успішно поєднує виставки у найкращих галереях світу та потокове виробництво.

Запис екскурсії по виставці Муракамі «Буде лагідний дощ»

Втім, відносини Муракамі з масовою культурою – а для Японії це насамперед культура фанатів манги та аніме (отаку) – влаштовані складніше. Філософ Хірок Адзума критикує розуміння отаку як автентичного японського явища. Отак вважають себе пов'язані безпосередньо з традиціями періоду Едо XVII-XIX століть - епохою ізоляціонізму і відмови від модернізації. Адзума стверджує, що рух отаку - зав'язаний на манзі, анімації, графічних романах, комп'ютерних іграх - міг виникнути тільки в контексті повоєнної американської окупації як результат імпорту американської культури. Мистецтво Муракамі та його послідовників наново винаходить отаку методами поп-арту та розвінчує націоналістичний міф про автентичність цієї традиції. Воно є «ре-американизацією японізованої американської культури».

З мистецтвознавчої точки зору superflat найближче до раннього японського живопису укіе-е. Найвідоміший твір у цій традиції – гравюра «Велика хвиля в Канагаві» Кацусікі Хокусая (1823–1831).

Для західного модернізму відкриття японського живопису було проривом. Воно дозволило побачити картину як площину і прагне подолати цю її особливість, а працювати з нею.

Кацусики Хокусай. «Велика хвиля в Канагаві»

Піонери перформансу. Що означає японське мистецтво 1950-х сьогодні

Документація творчого процесу Акіри Канаями та Кадзуо Сірагі

Superflat оформилося лише у нульові. Але значимі світового мистецтва художні акції почалися Японії набагато раніше - і раніше, ніж Заході.

Перформативний поворот у мистецтві відбувся на рубежі 60-х та 70-х років минулого століття. У Японії ж перформанс з'явився ще в п'ятдесяті.

Гурт Gutai вперше переніс увагу зі створення самодостатніх об'єктів на процес їх виробництва. Звідси - один крок до відмови від арт-об'єкта на користь ефемерної події.

Хоча окремі художники з Gutai (а всього їх за двадцять років набралося 59) активно існували у міжнародному контексті, осмислення як їхньої колективної діяльності японського повоєнного мистецтва взагалі почалося на Заході зовсім недавно. Бум припав на 2013 рік: кілька виставок у невеликих галереях Нью-Йорка та Лос-Анджелеса, «Токіо 1955–1970: новий авангард» у МoМА та масштабна історична ретроспектива Gutai: Splendid Playground у Музеї Гуггенхайма. Московський імпорт японського мистецтва здається продовженням цієї тенденції, що майже не запізнився.

Садамас Мотонага. Work (Water) у Музеї Гуггенхайма

Вражає, наскільки сучасно виглядають ці ретроспективні виставки. Ось, наприклад, центральний об'єкт експозиції в Музеї Гуггенхайма – реконструкція Work (Water) Садамаси Мотонагі, в якій рівні музейної ротонди з'єднані поліетиленовими трубками з кольоровою водою. Вони нагадують мазки пензлем, які були відірвані від полотна, і є прикладом центрального для Gutai фокусу на «конкретності» (так перекладається з японської назва групи), матеріальності об'єктів, з якими працює художник.

Багато учасників Gutai здобули освіту, пов'язану з класичним живописом нихонгу, багато біографічно прив'язані до релігійного контексту дзен-буддизму, до характерної для нього японської каліграфії. Усі вони знаходили новий, процесуальний чи партиципаторний (пов'язаний за участю глядачів. – прим. ред.), підхід до давніх традицій. Кадзуо Сірага записував на відео, як ногами малює свої монохроми, що передбачили Раушенберга, і навіть створював картини публічно.

Мінору Йошида перетворював квіти з японських гравюр на психоделічні об'єкти - прикладом тому може бути Bisexual Flower, одна з перших кінетичних скульптур у світі.

Куратори виставки у Музеї Гуггенхайма розповідають про політичне значення цих робіт:

«Gutai продемонстрували важливість вільних індивідуальних дій, руйнування глядацьких очікувань і навіть дурниці як способів протистояти суспільній пасивності та конформізму, які за кілька десятків років дозволили мілітаристському уряду набути критичну масу впливовості, вторгнутися до Китаю і потім приєднатися до Другої світової війни.

Хороші та мудрі. Навіщо у 1960-ті художники виїжджали з Японії до Америки

Gutai був винятком із правил у післявоєнній Японії. Авангардні угруповання залишалися маргінальними, арт-світ був суворо ієрархічний. Основним шляхом до визнання була участь у конкурсах, які проводили визнані об'єднання художників-класиків. Тому багато хто вважав за краще виїхати на Захід і влаштуватися в англомовну арт-систему.

Особливо тяжко доводилося жінкам. Навіть у прогресивному Gutai частка їхньої присутності не доходила і до п'ятої частини. Що вже казати про традиційні інститути, для доступу до яких потрібно було спеціальна освіта. До шістдесятих дівчата вже набули права на нього, проте навчання мистецтву (якщо не йшлося про декоративне, яке входило до комплекту навичок) ryosai kenbo- Доброї дружини і мудрої матері) було соціально не схвалюваним заняттям.

Йоко Оно. Cut Piece

Сюжет про еміграцію п'яти потужних японських художниць із Токіо до Штатів став темою дослідження Мідорі Йошимото “Into Performance: Japanese Women Artists in New York”. Яйоі Кусама, Такако Саїто, Міеко Сіомі та Сігеко Кубота на старті кар'єри вирішили поїхати до Нью-Йорка і працювали там, у тому числі й над модернізацією традицій японського мистецтва. Тільки Йоко Оно виросла в США – але й вона свідомо відмовилася від повернення до Японії, розчарувавшись у художній ієрархії Токіо під час короткого перебування у 1962–1964 роках.

Воно стало найвідомішою з цих п'яти - не лише як дружина Джона Леннона, а й як авторка протофеміністських перформансів, присвячених об'єктивації жіночого тіла. Очевидні паралелі між Cut Piece Воно, в якому глядачі могли відрізати шматки одягу художниці, та «Ритмом 0» «бабусі перформансу» Марини Абрамович.

На коротких ногах. Як пройти авторський акторський тренінг Тадасі Судзукі

У випадку з Оно та Gutai міжнародно значущими стали методи та тематика їхньої роботи, відокремлені від авторів. Є й інші форми експорту – коли роботи художника з цікавістю сприймаються на міжнародній арені, але запозичення власне методу не відбувається через його специфічність. Найяскравіший випадок – система акторського тренінгу Тадасі Судзукі.

Театр Судзукі люблять навіть у Росії – і це не дивно. Останній развін був у нас у 2016 році зі виставою «Троянки» за текстами Євріпіда, а в нульові кілька разів приїжджав із постановками Шекспіра та Чехова. Судзукі переносив дію п'єс в актуальний японський контекст і пропонував неочевидні інтерпретації текстів: виявляв в «Іванові» антисемітизм і порівнював його з зневажливим ставленням японців до китайців, переносив дію «Короля Ліра» до японського божевільного будинку.

Судзукі вибудовував свою систему в опозиції до російської театральної школи. У наприкінці XIXстоліття, в так званий період мейдзі, імперська Японія, що модернізується, переживала підйом опозиційних рухів. Результатом стала масштабна вестернізація до того гранично закритої культури. Серед імпортованих форм була система Станіславського, яка досі залишається у Японії (та й у Росії) однією з магістральних режисерських методів.

Вправи Судзуки

У шістдесяті, коли Судзукі починав свою кар'єру, все більше поширювалася теза про те, що через свої тілесні особливості японські актори не можуть вжитися в ролі із західних текстів, якими заповнився тодішній репертуар. Молодому режисерові вдалося запропонувати переконливу альтернативу.

Система вправ Судзукі, названа граматикою ніг, включає десятки способів сидіти, ще більше - стояти і ходити.

Його актори зазвичай грають босоніж і здаються, за рахунок зниження центру тяжіння, максимально щільно прив'язаними до землі, важкими. Судзукі навчає їх і закордонних учасників вистав своєї техніки в селі Тога, в заповнених сучасним обладнанням старовинних японських будинках. Його трупа дає лише близько 70 вистав на рік, а решту часу живе, майже не виїжджаючи з села і не маючи часу на особисті справи - тільки робота.

Центр у Тозі з'явився у сімдесяті, його спроектував на прохання режисера всесвітньо відомий архітектор Арата Ісодзака. Система Судзукі могла б здатися патріархальною та консервативною, але сам він міркує про Тога у сучасних категоріях децентралізації. Ще в середині нульових Судзукі розумів значущість експорту мистецтва зі столиці до регіонів та організації точок виробництва на місцях. За словами режисера, театральна карта Японії багато в чому нагадує російську - мистецтво сконцентровано в Токіо та кількох менших центрах. Російському театру теж не завадила б компанія, яка регулярно виїжджає на гастролі невеликими містами і базується на відстані від столиці.

Центр SCOT Company у Тозі

Квітковими стежками. Який ресурс виявив сучасний театр у системах а також кабуки

Метод Судзукі зростає з двох стародавніх японських традицій – а й кабуки. Річ у тому, що це види театру часто характеризуються як мистецтво ходити, а й у очевидніших деталях. Судзукі нерідко дотримуються правила виконання всіх ролей чоловіками, використовує характерні просторові рішення, наприклад ханаміті («шлях квітів») зразка кабуки - поміст, що проходить від сцени в глибину залу для глядачів. Він експлуатує і дуже відомі символи на кшталт квітів та сувоїв.

Звичайно, в глобальному світіне йдеться про привілей японців на використанні своїх національних форм.

На запозиченнях але побудований театр одного з найзначніших режисерів сучасності, американця Роберта Вілсона.

Він не тільки використовує маски та грим, що нагадують масовому глядачеві про Японію, а й запозичує способи акторського існування, засновані на максимальному уповільненні руху та самодостатній виразності жесту. Поєднуючи традиційні і віддають ритуалом форми з ультрасучасними світловими партитурами і мінімалістичною музикою (одна з найвідоміших робіт Вілсона - постановка опери Філіпа Гласса «Ейнштейн на пляжі»), Вілсон по суті виробляє той синтез витоків і актуальності, до якого прагне.

Роберт Вілсон. "Ейнштейн на пляжі"

З але й кабуки виріс і один із стовпів сучасного танцю – буто, у буквальному перекладі – танець темряви. Придуманий у 1959 році хореографами Кадзуо Оно та Тацумі Хідзікататою, які також відштовхувалися від низького центру тяжкості та концентрації на ногах, ніби являв собою перенесення роздумів про травматичний військовий досвід у тілесний вимір.

«Вони демонстрували тіло хворе, що руйнується, навіть монструозне, жахливе.<…>Рухи то сповільнені, то навмисне різкі, вибухові. Для цього використовується особлива техніка, коли рух здійснюється ніби без залучення основної мускулатури, за рахунок кісткових важелів скелета», - історик танцю Ірина Сироткіна вписує ніби в історію звільнення тіла, пов'язує його з уникненням балетної нормативності. Вона порівнює буто з практиками танцівниць і хореографок початку XX століття – Айседори Дункан, Марти Грем, Мері Вігман, говорить про вплив на пізніший «постмодерний» танець.

Фрагмент танцю Кацури Кана, сучасного продовжувача традиції буто

Сьогодні буто у його оригінальному вигляді вже не авангардна практика, а історична реконструкція.

Однак словник рухів, розроблений Оно, Хідзікататою та їх послідовниками, залишається значним ресурсом для сучасних хореографів. На Заході використовується Димитрісом Папаіоанну, Антоном Адасинським і навіть у кліпі на “Belong To The World” The Weekend'а. У Японії продовжувачем традиції Буто, є, наприклад, Сабуро Тесігавара, який у жовтні приїде до Росії. Хоча сам він відхрещується від паралелей з танцем пітьми, критики знаходять цілком відомі ознаки: тіло, що здається безкістним, крихкість, безшумність кроку. Щоправда, вони вміщені вже в контекст постмодерної хореографії - з її високим темпом, пробіжками, роботою з постіндустріальною шумовою музикою.

Сабуро Тесігавар. Metamorphosis

Локально світові. Чим сучасне японське мистецтво таки схоже на західне

Роботи Тесігавари та безлічі його колег органічно вписуються у програми найкращих західних фестивалів сучасного танцю. Якщо швидко переглядати описи перформансів і спектаклів, які показували на Festival/Tokyo - найбільшому щорічному показі японського театру, то помітити принципові відмінності від європейських тенденцій буде важко.

Однією з центральних тем стає сайт-специфічність – японські художники досліджують простори Токіо в діапазоні від згустків капіталізму у формі хмарочосів до маргінальних районів концентрації отаку.

Інша тема - опрацювання міжпоколінського нерозуміння, театр як місце живої зустрічі та організованої комунікації людей різного віку. Посвячені їй проекти Тосікі Окади та Акіри Танаями кілька років поспіль привозили до Відня на один із ключових європейських фестивалів перформативних мистецтв. У перенесенні на сцену документальних матеріалів та особистих історій до кінця нульових років вже не було нічого нового, але кураторка Віденського фестивалю представляла публіці ці проекти як можливість живого, точкового контакту з іншою культурою.

Ще одна магістральна лінія – опрацювання травматичного досвіду. Для японців він пов'язаний не з ГУЛАГом чи Голокостом, а з бомбардуванням Хіросіми та Нагасакі. Театр звертається до нього постійно, але найпотужніший вислів про атомні вибухи як момент генези всієї сучасної японської культури все ж таки належить Такасі Муракамі.

до виставки "Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture"

"Little Boy: The Arts of Japan Exploding Subculture" - назва його кураторського проекту, показаного в Нью-Йорку в 2005 році. "Little Boy" - "малюк" російською - назва однієї з бомб, скинутих на Японію в 1945 році. Зібравши сотні манга-коміксів від провідних ілюстраторів, характерні вінтажні іграшки, сувенірну продукцію за мотивами знаменитих аніме - від Годзілли до Hello Kitty, Муракамі підняв концентрацію милого - каваї - в музейному просторі до краю. Паралельно він запустив добірку анімації, де центральними образами ставали картини вибухів, голої землі, зруйнованих міст.

Таке протиставлення стало першим масштабним твердженням про інфантилізацію японської культури як спосіб впоратися з посттравматичним синдромом.

Нині цей висновок видається вже очевидним. На ньому побудовано академічне дослідження кави Інухіко Емота.

Зустрічаються і пізніші травматичні тригери. З найважливішого – події 11 березня 2011 року, землетрус та цунамі, що призвели до великої аварії на АЕС «Фукусіма». На Festival/Tokyo-2018 ціла програма із шести перформансів була присвячена осмисленню наслідків природно-технологічної катастрофи; вони стали і темою для однієї з представлених на "Солянці" робіт. На цьому прикладі чітко видно, що арсенал критичних методів у західного та японського мистецтва принципово не відрізняється. Харуюки Ішії створює інсталяцію із трьох телевізорів, на яких у зацикленому режимі демонструються змонтовані у високому темпі та зациклені кадри з телепрограм про землетрус.

«Робота складена зі 111 відеороликів, які художник переглядав щодня в новинах до того моменту, коли все, що він бачив, не сприймалося вигадкою», - пояснюють куратори. «Нова Японія» є виразним прикладом того, як мистецтво не опирається заснованій на національних міфах інтерпретації, але в той же час критичний погляд виявляє, що така ж інтерпретація могла б бути релевантною для мистецтва будь-якого походження. Куратори міркують про споглядання як основу японської традиції, залучаючи цитати з Лао-цзи. При цьому ніби залишаючи за дужками, що майже все сучасне мистецтво зосереджено на «ефекті спостерігача» (так називається виставка) - чи то у формі створення нових контекстів сприйняття звичних явищ, чи у постановці питання можливості адекватного сприйняття як такої.

Imagined Communities - інша робота відеохудожника Харуюки Ішії

Діч

Втім, не слід думати, що Японія зразка 2010-х є концентрацією прогресивності.

Не зжиті ще звички старого доброго традиціоналізму та любов до орієнталістської екзотики. «Театр незаймана» - так називається досить захоплена стаття про японський театр «Такарадзука» у російському консервативному журналі «ПТЖ». «Такарадзука» з'явився наприкінці XIX століття як бізнес-проект із залучення туристів до віддаленого однойменного міста, яке випадково стало кінцевою станцією приватної залізниці. У театрі грають лише незаміжні дівчата, які, за задумом власника залізниці, мали приманювати до міста глядачів-чоловіків. Сьогодні «Такарадзука» функціонує як індустрія – із власним ТВ-каналом, щільною концертною програмою, навіть місцевим парком розваг. Але в трупі, як і раніше, мають право перебувати лише незаміжні дівчата - сподіватимемося, хоча б на цноту не перевіряють.

Втім, "Такарадзука" меркне порівняно з клубом Toji Deluxe у Кіото, який японці теж називають театром. Там показують зовсім дике, судячи з описуколумніста New Yorker'а Іена Буруми, стриптиз-шоу: кілька роздягнених дівчат на сцені перетворюють на публічний ритуал демонстрацію статевих органів.

Як і багато художні практики, це шоу засноване на стародавніх легендах (за допомогою свічки та збільшувального скла чоловіки із зали могли по черзі дослідити «секрети богині-матері Аматерасу»), а самому автору нагадало традицію але.

Пошук західних аналогів для «Такарадзукі» та Toji залишимо на відкуп читачеві – виявити їх неважко. Зауважимо лише, що саме на боротьбу з подібними практиками придушення спрямована значна частина сучасного мистецтва - що західного, що японського в діапазоні від superflat до танцю буто.

Японія є дуже цікавою державою, відомою масою різноманітних традицій і звичаїв. Географічне положення країни Вранішнього сонця зробило її дещо ізольованою від інших держав, завдяки чому вона розвивалася без огляду на європейські країни. Культура Японії надзвичайно багата та різноманітна. Своєрідні японські традиції формувалися під впливом історично важливих подій. Поступово Японія перетворювалася на могутню згуртовану державу, що має характерні риси та певний менталітет населення.

Основні аспекти японської культури

Культура країни проявляється у багатьох сферах життя суспільства. У Японії її аспектами є;

Процес чаювання для японців не просте задоволення фізіологічних потреб організму, а справжній культ. Чайна церемонія в Японії супроводжується спеціальними атрибутами і містить у собі безліч традицій. Таке трепетне ставлення, здавалося б, до побутового процесу взяло свій розвиток з медитації ченців буддистів. Саме вони привнесли у процес чаювання стільки значущості.

Для європейців поняття «кімоно» характеризує національний одяг Японії. Проте в самій країні сонця, що сходить, є два значення цього слова – у вузькому і широкому сенсах. Словом «кімоно» в Японії позначають не лише національний костюм, а й весь одяг загалом. Під кімоно, як правило, одягається спеціальний халат та сім поясів. Кімоно, яке носиться влітку, зветься юката. Залежно від віку жінки може відрізнятись і модель одягу.

У Японії успішно проповідуються відразу дві релігійні течії – синтоїзм і буддизм. Синтоїзм виник ще в найдавнішої Японії, в його основі лежить поклоніння різним істотам. Буддизм же, своєю чергою, ділиться кілька різновидів. У Японії є безліч шкіл, які пропагують те чи інше протягом буддизму.

Особливого значення культури Японії несуть у собі сади каміння. Вони є не тільки архітектурним творінням, що привертає увагу туристів, а й місцем духовного зростання. Тут японці знаходять просвітлення від споглядання розташованих у спеціальному порядку кам'яних споруд. Сади каменів включають конкретний задум, розгадати який може лише просвітлена людина.

Танго-но секку є святом на честь хлопчиків. Він присвячений не просто всім маленьким представникам чоловічої статі, а й мужності та силі всього японського народу. Відзначати свято прийнято навесні, коли природа прокидається та радує своєю красою. У день танго секку хлопчиків оточують турботою їхні батьки. Батько повинен розповісти своєму синові про всіх японських воїнів та їх подвиги. А мама накриває для нього стіл із смачною їжею.

Цвітіння сакури вважається найкрасивішим явищем природи. Багато туристів приїжджають сюди саме з метою насолодитися спогляданням квітучої рослини. Навесні у парках Японії можна спостерігати велике скупчення людей. Багато родин вибираються на пікніки та спостерігають за красою японської вишні.

До своєрідних традицій країни можна зарахувати поклони. Вони уособлюють правила хорошого тону. У японців не прийнято прощатися, натомість вони кланяються стільки разів, скільки це зробив співрозмовник.

Самураї є певний клас суспільства, що склався під впливом традицій та звичаїв. Він має безпосередній зв'язок із культурою країни. Самураї – це воїни, які несуть певну службу, яка може бути як військовою, так охоронною чи побутовою. У кожному з цих випадків самураї уособлюють хоробрість, мужність і шляхетність японського народу.

Процес становлення культури давньої Японії

Культура древньої Японії почала розвиватися із зародження японської мови та писемності. Основу для цього країна сонця, що сходить, запозичила у Китаю. Японська писемність також містить у собі ієрогліфи, розібратися в яких іноземному громадянину буде не під силу. Згодом у японську мову стали додаватися нові слова, звуки та фрази. Так він повністю трансформувався, проте загальні рисиз Китаєм все ж таки простежуються.

Релігійність країни також бере свій початок із найдавніших століть. Синтоїзм став наслідком розвитку різних міфологій. на Наразіце вчення пропагує культ вождів та померлих людей. Буддизм же має настільки глибоке коріння, що думки вчених та істориків щодо появи цього виду релігії сильно відрізняються.

Японське мистецтво

Практично всі види мистецтва, що практикуються в Японії, несуть одну головну ідею – спокій і розслаблення. Це саме гармонія людини самим собою і містить у собі мистецтво, незалежно від способу подачі інформації. Багато видів мистецтва, відомі по всьому світу, почали свій розвиток саме в Японії. Серед них можна виділити орігамі – вміння складати різноманітні фігури з паперу.

Інший популярною частиноюяпонського мистецтва стала ікебана. Це навичка формувати букети квітів за спеціальною технологією. Звідси вийшло не менш популярне заняття, яке зветься бонсай. Це створення різноманітних композицій із карликових дерев. В Омії, недалеко від Токіо, розташувався цілий парк Бонсай. Кожне карликове дерево, представлене тут по-своєму, унікальне і красиве.

Живопис Японії заслуговує на особливе значення, оскільки кожна картина несе в собі прихований зміст. Як оформлення, як правило, використовуються яскраві кольори, контрастні переходи та чіткість ліній. У Японії також є мистецтво каліграфії. Це вміння естетично гарного листа ієрогліфів. Широко поширене у Японії та прикладне мистецтво. У Токіо існує цілий музей, присвячений цьому ремеслу. Тут можна побачити вироби із паперу, скла або металу. І це далеко не повний перелік матеріалів, які використовуються для цієї мети.

Японський стиль оформлення інтер'єру також заслуговує на окрему увагу. Він включає функціональність і простоту, нарівні з оригінальністю виконання. Крім того, дизайн інтер'єру несе у собі релігійну філософію, як і будь-який інший вид японського мистецтва.

Архітектура Японії

Архітектурні споруди Японії, тим чи іншим чином, пов'язані з релігією. Храмові будівлі спочатку, найчастіше, були позбавлені будь-яких кольорів. Це було зумовлено використанням у будівництві незабарвленого дерева. Пізніше стали використовувати червоні та сині відтінки.

Основним матеріалом для архітектурних будівель у Японії вважається дерево. Це пов'язано з тим, що запас даного ресурсукраїни досить великий. Крім того, що дерево добре проводить тепло та поглинає вологу, воно ще й практично при землетрусах, які в Японії відбуваються досить часто. Якщо кам'яний будинок дуже важко відтворити після руйнування, дерев'яний набагато легше.

Головна риса в архітектурі Японії – наявність рівних геометричних фігур. Найчастіше, це трикутники та прямокутники. Плавність і округлість ліній зустріти в якомусь споруді практично неможливо. Головний принцип, ґрунтуючись на якому японці облаштовують свої будинки – нероздільне існування внутрішньої частини будинку та зовнішньої. Це стосується японських садів. Вони повинні бути оформлені точно в такому самому стилі, як і сам будинок. В іншому випадку, це вважається поганим тоном і повним несмаком. Своїм садам японці приділяють особливу увагу.

Японська музика

У плані музичного розвитку Японія озиралася на інші країни, використовуючи якісь або музичні інструменти. Але пізніше вона модернізувала їх під впливом місцевих смаків та традицій. Першим вплинув формування класичної музики Японії місцевий фольклор Денгаку, змішаний з іноземними віяннями і зароджував ту музику, що є звичною для Японії.

Свій внесок у музичне зародження зробила і релігійна сторона питання. Завдяки християнству стала поширюватися гра на органі. А буддизм пропагував гру на флейті.

На даний момент у Японії набула популярності класична музика. Багато представників цього осередку творчості подорожують за кордоном Японії. До них можна віднести Гото Мідорі, Одзава Сейдзі та Утіда Міцуко. Нещодавно в Японії були відкриті зали, призначені для комфортного прослуховування класичної музики. До них відносяться Кійо-хол, Осакська симфонічна зала, Орчард і т.д.

Побутові традиції Японії

Японці є вихований народ, який дотримується своїх традицій і звичаї. Поважно ставиться до себе та оточуючим у Японії вважається нормою. З дитинства дітей навчають нормам хорошого тону, пояснюють їм основи цінностей японського народу і всіляко просвічують. І все це йде на користь суспільства. Будь-який турист, який приїхав у країну сонця, що сходить з іншої країни, дивується, наскільки доброзичливі, дружні і виховані японці.

На відміну від європейських країн, у Японії давно існує заборона куріння у громадських місцях. Це поширюється і приватну територію. Курити поряд з іншими людьми дозволяється лише у тому випадку, якщо вони дали на це згоду.

Крім іншого, японці неухильно дотримуються усіляких правил гігієни, які диктує їм суспільство. Наприклад, у будь-якому приміщенні, включаючи релігійні споруди, є спеціальні солом'яні килимки. По них не можна ходити у взутті, вони вважаються не лише прикрасою інтер'єру, а й справжнім святотатством. Також японці вирішили убезпечити себе від можливих бактерій, які приносять із туалету на ногах. У будь-якому громадському місці та в квартирах є спеціальні тапочки для туалету, які не дозволяють переносити шкідливі мікроби до інших кімнат.

Їда для японців вважається не процесом життєдіяльності, а справжнім культом. Перед тим, як приймати їжу, японці обов'язково обтирають руки спеціальним рушником, змоченим водою, що зветься осиборі. Сервірування столу відбувається не довільно, а за спеціальною схемою. Навіть кожний прилад має своє місце. Японці поділяють їх на чоловічі та жіночі, і для них це дуже важливо. Ложки в Японії використовують тільки для поїдання супу про-зоні, який готують на Новий Рік, решта перших страв японці воліють винятково пити зі спеціальних піалок. Причому прицмокувати під час трапези не вважається поганим тоном. Вважається, що таким чином смак страви краще розкривається.

Актуальність гарного тону у Японії доводить наявність таких правил:

• Обговорювати місце та час зустрічі необхідно заздалегідь. Запізнення в Японії вважаються нахабством, що виходить за межі пристойності.
• Не можна перебивати співрозмовника, треба терпляче чекати, коли людина виговориться, потім починати висловлювати свою думку.
• Зателефонувавши за неправильним номером, необхідно вибачитись.
• Якщо хтось прийшов до вас на допомогу, то його обов'язково треба віддячити.
• Деякі гості у японців можуть вважатися почесними. Для них навіть виділяють спеціальне місце за столом, яке, як правило, знаходиться крайнім від входу до приміщення.
• Даруючи подарунок японцям, слід вибачитися за те, що він скромний, незважаючи на те, що він є. Такі правила їх не варто порушувати.
• Сидячи за обіднім столом, чоловіки можуть схрещувати ноги, а жінкам це робити категорично заборонено. Ноги мають бути підібгані та спрямовані в один бік.

Також до традицій у побуті Японії можна віднести шанування людей старших за віком. Не має значення, яка в людини професія, заробіток, зовнішність чи риси характеру, якщо вона старша, то до неї потрібно ставитися з повагою. Похилий вік у Японії викликає повагу та гордість. Це означає, що людина пройшла довгий шлях і тепер вона заслуговує на почесті.

Допоможи сайту: Тисні кнопки

Вітаю, дорогі читачі– шукачі знань та істини!

Сьогодні ми пропонуємо вам доторкнутися до прекрасного та поговорити про мистецтво Стародавньої Японії. У статті нижче ми коротко розглянемо етапи історії, що вплинули на становлення японського мистецтва, а потім детальніше зупинимося на кожній з його складових. Ви дізнаєтеся про особливості не тільки традиційних видів, наприклад, архітектури, живопису, а й про мистецтво боїв, мініатюр, театру, парків та багато іншого.

Отже, стаття обіцяє бути цікавою, а головне – пізнавальною!

Історичні періоди

Країна Вранішнього сонця має унікальну культуру, що втілилася в традиційних самобутніх будівлях і храмах, картинах, статуях, прикрасах, садах, літературних творах. В останні століття набирають популярності такі нетривіальні напрямки, як ксилографія, поезія, орігамі, бонсай, ікебана і навіть манга та аніме. Всі вони складалися довгий час, сягаючи корінням у давнину.

Про цей час було відомо мало до початку минулого століття, адже Японія була досить закритою для решти світу країною. Проте з того часу проводилися численні дослідження, археологічні розкопки знахідки яких вражають. Вони показують, що вже в другому тисячолітті до нашої ери існувало культурне японське суспільство, а первісні племена жили на островах ще 15-12 тисяч років тому.

Японська культура почала складатися приблизно в 4-му тисячолітті до нашої ери, але пік розвитку досягла в Середні віки – у період з VI по XVIII століття.

Давньояпонська історія починається з доісторичних часів і завершується етапом Хейан у VIII-IX столітті, хоча багато дослідників відносять сюди і пізніші періоди. У зв'язку з цим виділяється три великі етапи, які, у свою чергу, діляться на дрібніші періоди, або дзідай. Кожен із них характеризується появою нових виробів, споруд, стилів.

1. Первобытно-общинний лад

Первісне суспільство в Японії існувало в епоху неоліту, коли у людей з'явилися перші кам'яні знаряддя, а також у період Дземон та Яєй. Вважається, що Дземон продовжувався з 10-го тисячоліття до IV століття до н. Тоді почали з'являтися перші вироби з кераміки, що мали таку саму назву, як і вся епоха – дземон.

Глиняний посуд епох Демон

Ці судини були асиметричної форми і мали традиційні орнаменти як скрученої мотузки. Є думка, що вони використовувалися у різних ритуалах та обрядах. Тоді ж з'явилися різноманітні прикраси — сережки, браслети та намисто з глини, зубів тварин, черепашок, кам'яних порід, кришталю.

Сережки та браслети з глини періоду демон

У III столітті до нашої ери настала епоха Яїй, що тривала шість століть. Тоді місцеві жителінавчилися вирощувати рисові культури, зайнялися сільським господарством, продовжили освоювати майстерність кераміки, а також стали плавити метали, серед яких найголовнішим було залізо, робили зброю з міді та дзвони із бронзи.

Бронзовий дзвін дотоку, кінець епохи Яєй

• Становлення держави. Японська державність почала складатися з IV по VIII століття. Цей час відомий під назвою періодів Кофун та Ямато. Тоді в країні з'явилася ціла мережа курганів-поховань, а сама Японія почала зближуватися з Піднебесною, неминуче перейнявши релігію - , а з ним - архітектуру, скульптуру. У курганів стали встановлюватися спеціальні зображення з глини, іменовані «ханіва».

Хорю-дзі, Японія

• Встановлення законів. Цей етап посідає періоди Нара (VIII століття) і Хэйан (кінець VIII-XII століття). У той момент японці стають ще ближче своїм сусідам – китайцям та корейцям, запозичують поряд з буддистською концепцією також конфуціанську та даоську, переймають техніки обробки металу, методики будівництва та проектування будівель, нові віяння у живописі. Особливо змінюється архітектура – ​​на зміну простим синтоїстським святилищам багатоярусні буддійські ступи на зразок індійських. У будинках звичайних людей замість голої землі на підлозі з'явилися планки з дерева, а зверху – дахи з кипарису.

Зображення періоду Нара в Японії

Якщо говорити про пізніший час, то можна виділити ще кілька періодів та їх основні культурні особливості:

• Каракум (XII-XIV століття) – поява самураїв та бойових мистецтв;
• Сенгоку і Дзидай (XV-XVI ст.) – час європейської експансії у світ Сходу, під час якої навіть у Країну Вранішнього сонця проникло християнство і західні віяння у сфері культури;
• Едо (XVII-XIX ст.) – влада відомого сімейства Токугава, що характеризується ізоляцією Японії та розвитком культурної самобутності.

Все, що було пізніше – це вже Новий час і сучасність, і зараз, безсумнівно, навіть щодо закритої Японії відбувається якась культурна глобалізація– переймається досвід західних майстрів, але в Заході, своєю чергою, стають модними японські мотиви. Однак мистецтво Японії завжди мало особливий колорит, мало риси, властиві тільки їй.

Простота, пропорційність з людиною, лаконічність, натуральні матеріали, єднання з природою – ось як можна охарактеризувати японські шедеври, як давні, так і сучасні.

Живопис

Японія, як відомо, довгий час стояла окремо, її кордони були закриті для інших країн. Коли з настанням VII століття японці почали дедалі частіше спілкуватися із сусідами, налагоджувати зв'язки Польщі з континентальним світом, вони відкрили собі фарби, пергамент, туш, і з ними – образотворче мистецтво.

Спочатку воно відрізнялося надзвичайною простотою і лаконічністю: на чорному або білому папері робилися нехитрі зображення, зазвичай одного з трьох кольорів — жовтого, зеленого чи червоного. Однак поступово майстерність місцевих живописців зростала, і багато в чому завдяки поширенню вчення Будди, оскільки створювалися нові картини з життя Вчителя та його учнів.

Картинки з буддійською тематикою у стародавній Японії

До IX століття Японія вже сформувала власну галузь живопису, яка залежала від китайської. У той самий час роль буддизму стала слабшати, і зміну релігійним мотивам прийшли звані секулярні, тобто світські, які користувалися особливої ​​популярності за правління сімейства Токугава.

Сегуни династії Токугава

Кайга, як називали японці живопис, набула зовсім різних форм і стилів, і важливе місце в ній зайняла природа. З того часу живопис проявлявся все в нових формах:

• Ямато-е – головна школа художників. Вона виникла в IX-X століттях і підтримувалась академією мистецтв при імператорі. Твори являли собою згорнуті сувої, де зображалися літературні сюжетиразом із майстерною каліграфією. Існували два основні види сувоїв: емакімоно - багатометрові, складені горизонтально і часто розглядаються на столі, а також якимоно - складені вертикально і вішані на стіну. Зазвичай у стилі ямато-е яскраво розписували шовк або папір, але пізніше все частіше як полотно стали застосовувати посуд з кераміки, національний одяг, віяла, стіни, ширми. Особлива увага приділялася тому, щоби передати стан душі.
• Сумі-е – як самостійний стиль сформувався приблизно у XIV столітті. Його особливості – застосування акварелі та чорно-білих кольорів.
• Портрети стали популярними в XIII-XIV століттях.
• Пейзаж - досяг популярності в XIV-XV століттях, багато в чому завдяки дзен-буддизму, що поширився по країні, в основі якого лежить ідея споглядання і єднання з природою.
• Укіе-е – характерний яскравий розпис на дощечках. Вона з'явилася XVII столітті і містила зображення природи, знаменитих японських гейш чи артистів театр Кабуки. Повіком пізніше цей напрямок став настільки популярним, що завоювало навіть серця європейців – вони почали застосовувати цей стиль у своїх роботах.

Традиційна гравюра Укіє-е

Архітектурний напрямок

Спочатку японська архітектура зводилася до будівництва стародавніх традиційних будинків - ханіва. Вони створювалися до IV століття, і про їх зовнішній вигляд можна судити тільки за мініатюрними моделями, що збереглися, з глини і малюнками, так як до наших днів вони не збереглися.

Тут проходило життя та побут звичайних людей. Це були своєрідні землянки, накриті зверху солом'яним навісом. Його підтримували спеціальні каркаси із дерева.

Згодом з'явилися такаюка – аналог зерносховищ. Вони також складалися із спеціальних опор-балок, що дозволяло врятувати врожай від стихійних лих та шкідників.

Приблизно в той же час, в I-III столітті, стали з'являтися храми стародавньої релігії синто на честь божеств, що сприяють силам природи. Вони найчастіше зводилися з необробленого та незабарвленого кипарису, мали лаконічну прямокутну форму.

Солом'яний чи сосновий дах був двосхилим, а самі споруди будувалися на стовпах, оточених павільйонами. Ще одна характерна риса синтоїстських святилищ - П-подібні ворота перед входом.

У синто існує закон оновлення: через кожні двадцять років храм знищувався, а на тому ж місці зводився практично такий же, але новий.

Найвідоміший подібний храм називається Ісе. Вперше він був збудований ще на початку 1-го тисячоліття і, згідно з традицією, постійно перебудовувався. Ісе складається з двох схожих комплексів, розташованих трохи віддалік один від одного: перший присвячений силам сонця, другий – божеству родючості.

З VI століття в Країні Вранішнього сонця починає поширюватися буддійське вчення, що прийшло з Китаю та Кореї, а з ним – принципи будівництва буддистських храмів. Спочатку вони представляли китайські копії, але потім у храмовій архітектурі став простежуватися спеціальний, японський стиль.

Споруди будувалися несиметрично, ніби зливаючись із природою. Лаконічність і чіткість форм, дерев'яний каркас разом із кам'яним фундаментом, пагоди в кілька ярусів, не надто яскраві кольори – ось що відрізняє святині того часу.

Багато хто з них зберігся до наших днів. Пам'ятниками архітектури можна назвати Хорю-дзі початку VII століття з його знаменитим Золотим храмом та ще 40 будинками, Тодай-дзі середини VIII століття у місті Нара, яке і зараз вважається найбільшою спорудою з дерева на планеті. При цьому буддистська архітектура тісно переплітається зі скульптурою та живописом, де відображені божества та мотиви з життя Вчителя.

Храм Тодай-дзі

На рубежі XII-XIII століть у державі почався феодалізм і тому став популярним стиль сінден, який відрізняється парадністю. Йому на зміну прийшов стиль сеїн, на чолі якого стоїть простота та деяка інтимність: замість стін – майже невагомі ширми, на підлозі – циновки та татамі.

Тоді почали з'являтися палаци-храми місцевих феодалів. Шедеври цього виду споруд – відомий Кінкаку-дзі XIV століття, або Золотий павільйон, а також Гінкаку-дзі XV століття, він же – Срібний храм.

Храм Гінкаку-дзі (Золотий павільйон)

Разом із палацами-храмами у XIV-XV століттях почало зароджуватися садово-паркове мистецтво. Багато в чому його поява має проникнення Японію споглядального вчення дзен. Навколо храмів і великих жител стали з'являтися сади, де головними складовими були не тільки рослини, квіти, а й каміння, вода, а також піщані та галькові насипи, що символізують водну стихію.

У всьому світі відомий унікальний у місті Кіото.

Ще один вид садів - чайний, який називається "тягива". Він оточує чайний будиночок, де проводиться особлива, некваплива церемонія, а до будиночка через весь сад проходить спеціальна стежка. З'явившись ще в Середньовіччі, тяганина повсюдно зустрічається і зараз.

Скульптурний напрямок

Скульптура в Стародавній Японії здебільшого пов'язана з релігійними та обрядовими традиціями. Ще в III-V століттяхлюди навчилися виготовляти невеликі фігурки під назвою догу.

Догу зображали людей, тварин, і, враховуючи, що знайдено їх у курганах, можна дійти невтішного висновку, що клали у могилу разом із померлими – це були їхні слуги, які могли стати в нагоді у тому світі. Догу були глиняні, бронзові, дерев'яні, лакові фігури. Пізніше у курганів і синтоїстських святилищ створювалися також більші статуї божеств.

Фігурка догу

Прихід у країну буддизму, природно, далася взнаки і на місцевій скульптурі. У VI-VII століттях з'являлися численні пам'ятники Будді. Слідом за китайськими та корейськими майстрами розпочали свій шлях місцеві скульптори.

До IX століття скульптурний напрямок став ще більше розвиватися, але змінився зовнішній вигляд будд - вони стали володіти декількома, аж до тисячі, обличчями і руками. Найчастіше вони виготовлялися із міцних деревних порід, лаку, бронзи, глини.

До наших днів збереглося багато чудових пам'яток. Наприклад, у храмі Харю-дзі на квітці лотоса сидить велична постать Будди, а в Тодай-дзі існує цілий ансамбль божеств на чолі з 16-метровим Буддою, який створили скульптори Кайкей та Ункей.

Інші види

Японське мистецтво багатогранне, і про нього можна говорити годинами. Розкажемо ще про кілька видів мистецтва, що зародилися в давнину.

• Каліграфія

Її називають сиво, що означає дорога сповіщень. Каліграфія в Японії з'явилася завдяки гарним ієрогліфам, запозиченим у китайців. Багато сучасних школах вона вважається обов'язковим предметом.

• Хайку, чи хокку

Хайку – особлива японська лірична поезія, що у XIV столітті. Поета у своїй називають «хайдзин».

• Орігамі

Ця назва перекладається як «папір, який склали». Те, що прийшло з Піднебесної, орігамі спочатку використовувалося в обрядах і було заняттям для знаті, але останнім часом поширилося по всьому світу.

Давнє мистецтвоорігамі в Японії

• Ікебана

Слово у перекладі означає «живі квіти». Подібно до орігамі, спочатку використовувалася в ритуалах.

• Мініатюри

Два найпоширеніші види мініатюр – бонсай і нецке. Бонсай – це копії справжніх дерев у дуже зменшеному вигляді. Нецьку - невеликі фігурки на кшталт брелоків-талісманів, що з'явилися у XVIII-XIX століттях.

• Бойові мистецтва

Вони насамперед асоціюються із самураями – свого роду лицарством, ніндзя – вбивцями-найманцями, бусідо – воїнами.

• Театральне мистецтво

Найвідоміший театр, гордість усіх японців – класичний театр Кабукі. Детально про театральне мистецтво в Японії ви можете почитати.

Театр Кабукі у Японії

Висновок

Як бачимо зі статті, Японія – ціла скарбниця шедеврів мистецтва як національного, а й світового масштабу. З давніх-давен, які починаються ще задовго до нашої ери, японці почали творити і творити навколо прекрасне: картини, будівлі, статуї, вірші, парки, мініатюри - і це далеко не весь список.

Цікаво, що риси, закладені в японській культурідавнини, простежуються й у творах сучасності – це простота, лаконічність, природність, прагнення гармонії з природою.

Дуже дякую за увагу, дорогі читачі! Сподіваємося, сьогодні ви дізналися багато про таку таємничу та далеку країну, як Японія. Приєднуйтесь до нас — залишайте коментарі, поділіться посиланнями на статті з друзями – ми будемо дуже раді досліджувати таємничий світсходу разом із вами!

До зустрічі!