Komponisten von Kirchenliedern. Orthodoxe Kirchenmusik und russische klassische Musik
Die Schönheit der orthodoxen Göttlichen Liturgie wird durch eine Reihe sich ergänzender Faktoren bestimmt: Kirchenarchitektur, Glockenläuten, Gewänder der Geistlichen, Einhaltung alter liturgischer Regeln und natürlich Kirchengesang. Nach Jahrzehnten des staatlichen Atheismus kehren alte Gesänge in die Tempel der Heiligen Rus zurück, neue musikalische Werke erscheinen. Heute haben wir die Regentin der Heiligen Auferstehungskirche in der Stadt Maykop, Professor Svetlana Khvatova, gebeten, über die Arbeit des Komponisten zu sprechen.
Über die Kreativität moderner Kirchenkomponisten
Der Prozess des Tempelbaus und der Tempeldekoration in der postsowjetischen Zeit ist mit der weit verbreiteten Wiederherstellung des Gesangsgeschäfts verbunden und durch eine ungleiche Herangehensweise an seine Umsetzung gekennzeichnet. Diese Jahre waren fruchtbar, um die restaurierten und neu eröffneten Kirchen zu füllen. Etwas früher, in den 60er bis 80er Jahren, wurden überall (in jeder Stadt von regionaler Bedeutung) Musikschulen und Hochschulen, Konservatorien (in großen regionalen Zentren) eröffnet. Das Programm von D. D. Kabalevsky wurde in Schulen umgesetzt, eine der Hauptideen davon war "Jede Klasse ist ein Chor". Die Spezialität des Chorleiters war äußerst gefragt. Es gab mehr als zehn Standards des Chorprofils (akademisch und volkstümlich, Berufs- und Laienorientierung, mittleres und höheres Niveau usw.). Die Chorklasse wurde mit einbezogen Bildungspläne und andere Fachrichtungen (z. B. Musiktheorie). Nach der Feier des 1000. Jahrestages der Taufe von Rus kreatives Potenzial Musikern, die sich für den Kirchendienst entschieden haben, fand eine vielfältige Anwendung und wurde in verschiedenen Formen umgesetzt: Dies ist Chorgesang, liturgisches Lesen, musikalische und pädagogische Aktivitäten in Sonntagsschulen und - falls erforderlich - Harmonisieren, Arrangieren, Transkriptionen für kirchliche Ensembles und Chöre. Es überrascht nicht, dass die neue Aktivität sehr beliebt geworden ist. Die frischgebackenen Sänger, die keine theologische Ausbildung hatten, aber die Chortechnik kannten und in theoretischen Disziplinen, den Grundlagen der Komposition und Stilisierung geschult waren, begannen begeistert, an den Kliros zu arbeiten. Nur die Faulen schrieben nicht für den Tempel.
Bei der Untersuchung dieses Problems haben wir mehr als 9.000 Schriftstücke von mehr als hundert Autoren der postsowjetischen Zeit gesammelt, die sich auf kanonische liturgische Texte bezogen. Die Informatisierung aller Tätigkeitsbereiche hat zur unkontrollierten Verbreitung des Remakes geführt. Anders ist die Qualität der Partituren, die, gelinde gesagt, wie eine Lawine in die Tempel rasten.
Eine Analyse der liturgischen Schriften, die in den letzten 25 Jahren veröffentlicht wurden, zeigt, dass dieser Zeitraum bedingt in zwei Perioden unterteilt werden kann:
Die erste sind die 90er. - die Zeit eines deutlichen Anstiegs der Zahl der Kirchenkomponisten, die Fülle der Kirchenbibliotheken mit Musikmaterial unterschiedlicher Stilrichtungen und Qualitäten, die Zeit des "Versuchs und Irrtums", eine Zunahme des Anteils moderner Autorenmusik für Ensembles und Chöre, die sich verschiedenen liturgischen Texten zuwenden - von alltäglichen bis zu den meisten selten Zweite- 2000er - die Zeit der intensiven Arbeit an der Klangqualität in Kirchenchören, Aufklärungsarbeit mit den Chorleitern, die Organisation von Internetressourcen mit didaktischem Schwerpunkt, die Wiederaufnahme des für die Aufführung empfohlenen Verfahrens einer Art „Tonschärfen“. („Durch den Segen ...“ usw.). All dies hat Früchte getragen: Kirchenchöre sind vorsichtiger geworden bei der Auswahl des Repertoires und vorsichtiger bei kreativen Experimenten; Die Zahl derer, die für die Kliros schreiben, ist stark zurückgegangen, eine Gruppe der meistgespielten Autoren ist entstanden, und Notizen zu Werken, die im Umfeld der Regentschaft Anerkennung gefunden haben, werden veröffentlicht und neu veröffentlicht. Regency-Websites und -Foren wurden aktiver, Diskussionen kristallisierten sich heraus, wenn nicht eine gemeinsame Meinung, dann doch zumindest eine Position…
Weiterentwicklungen des liturgischen Gesangsschaffens gibt es heute sowohl radikal erneuernd als auch grundlegend traditionell. Zwischen diesen Richtungen, im Schatten des erkennbaren Stils der liturgischen Musik, gibt es Dutzende von Komponisten und Hunderte von Sängern und Arrangeuren, die die Individualität ihres Autors dem Dienst unterordnen, erwärmt von dem Gedanken, dass sie zur Ehre Gottes handeln.
Dies sind Musiker, die sowohl eine besondere musikalische als auch spirituelle Ausbildung erhalten haben und im Tempel dienen - Chorsänger, Chorleiter, Geistliche. Sie arbeiten selbstlos, ernsthaft, legen manchmal klösterliche Gelübde ab, manchmal erreichen sie genug hohes Level in der Kirchenhierarchie (unter ihnen - drei Erzbischöfe). Perfekte Wahl, ist aber als recht selten bekannt. Wenn sie gleichzeitig talentiert und begabt als Komponisten sind, werden Phänomene auf dem Niveau von Chesnokov, Kastalsky geboren. Die Aktivitäten vieler von ihnen - A. Grinchenko, ig. I. Denisova, Erzbischof. Jonathan (Eletsky), Archim. Matthew (Mormyl), P. Mirolyubov, S. Ryabchenko, Diakon. Sergius (Trubacheva), S. Tolstokulakov, V. Fainer und andere - das ist eine "Widmung an den Kirchenchor": Regentschaft, liturgischer Gesang und Komposition - ein einziges Ganzes und das Hauptwerk des Lebens.
Es gibt auch Chorleiter und Chorsänger, für die das Singen im Kirchenchor eine festliche (Sonntags-)Angelegenheit ist, die übrige Zeit der weltlichen Arbeit, der Pädagogik, dem Konzert usw. gewidmet ist. Sie sind regelmäßig mit Arrangements, Harmonisierungen, Präsentationen beschäftigt.“ like“ von troparia, kontakions, die in musikalischen Quellen fehlen, stichera, und nur gelegentlich den Gesang des ursprünglichen Autors zu schaffen. Dies ist eine wöchentliche Pflicht, eine Art „Produktionsnotwendigkeit“, die die Mängel der traditionellen Gesangsausbildung ausgleicht. Das künstlerische Niveau ihrer kreativen Arbeiten ist unterschiedlich. Aus diesem Grund veröffentlichen die Autoren nur die ihrer Meinung nach erfolgreichsten und gefragtesten Gesänge.
Es gibt auch Komponisten und Interpreten, die mit dem kanonischen Wort experimentieren, die neuesten Techniken einbringen und ihre Lieblingsmusik neu texten.
Der moderne Komponist wählt mehr oder weniger bewusst, wenn er geistliche Gesänge für die Kirche kreiert künstlerischer Prototyp für "Nachahmung", "Arbeit am Modell": Alltag, "im Geiste byzantinischer Gesänge", die Nachbildung eines bereits gefundenen strukturellen Mittels, das später in den Werken anderer zum selben liturgischen Text typisch wurde.
Sie existieren in vielen Werken als Vorbilder. Dazu gehören Gesänge in den Harmonisierungen von A. F. Lvov und S. V. Smolensky, prot. P. I. Turtschaninow. „Vorlagen zur Nachahmung“ und heute werden die oben genannten Stilvorlagen, sowie spezifische Hinweise, manchmal auch als „Zitate“ verwendet. Oft sind dies die Liturgie des byzantinischen Gesangs (Liturgie der alten Melodien), wie sie von I. Sakhno präsentiert wird, das Alltagsleben in der Harmonisierung von A. F. Lvov, das Alltagsleben in der Harmonisierung von S. Smolensky, Melodien in die Stimme von Tropar, Procimne, stichera und irmoloy Kiew, Moskau und St. Petersburg (auf den südlichen Pfarreien werden besonders von Kiewer Pfarreien geliebt).
Dies geschah mit P. Chesnokovs „Angel Crying“ – in Anlehnung an das Genre „Chorromanze“ entstanden viele Gesänge für Solo und Chor mit der Melodie eines Romanzenlagers, einem intim-lyrischen Figurenplan. Das ist ein grundlegend neues Stimmenverhältnis für eine orthodoxe Kirche – kein „Kanonarchen-Chor“, kein Ausruf – eine Antwort, sondern ein Solist, der seine zutiefst persönlichen Gefühle, seine intime Haltung und die Erfahrung des Gebets nicht als Konziliar zum Ausdruck bringt Handlung, in die es „mitzumachen“ gilt, sondern als zutiefst persönliches, individuell gefärbtes Statement.
Der Stil des Autors kann zum Vorbild werden. Die Stilistik der Werke von A. Arkhangelsky, P. Chesnokov, A. Kastalsky, A. Nikolsky und heute S. Trubachev, M. Mormyl hatte einen enormen Einfluss auf die Entwicklung der Kirchenmusik (und hat sie noch immer). Der lyrisch-sentimentale Schatten einiger Kirchenkompositionen, ihre „spirituelle“ Struktur führt unweigerlich dazu, dass die Mittel anderer Genres, einschließlich moderner Liedintonationen, in die Gesänge eindringen: I. Denisova, A. Grinchenko, Y. Tomchak.
Die psychologische Wirkung der „Wiedererkennungsfreude“ bekannter Melodien wird auf zweierlei Weise bewertet: Einerseits wird sie wieder aktualisiert ewiges Problem„Säkularisierung“ der liturgischen Gesänge, andererseits sind es gerade solche mehr geistlichen als geistlichen Gesänge, die bei den Gemeindemitgliedern Anklang finden, da sie diese Sprache beherrschen. Man kann dieses Phänomen auf unterschiedliche Weise behandeln, aber dies ist eine objektive Tatsache, die die Besonderheiten der Prozesse charakterisiert, die in den Tempelkünsten stattfinden. Viele Priester brechen solche Kompositionsexperimente mit dem Argument ab, dass der Autor seine emotionale Haltung dem Text nicht aufzwingen sollte – im liturgischen Wort sollte jeder seinen eigenen Gebetsweg finden.
Heutzutage wählen Komponisten, ausgehend von persönlichen Geschmackspräferenzen, Hörerfahrungen und Gesangstraditionen eines bestimmten Tempels, meistens stilistische Richtlinien für den sogenannten "melodischen" und "harmonischen" Gesang. Die erste wird von den Autoren als Vertrauen auf die Traditionen des Meistergesangs der Heiligen Dreifaltigkeit (wie bei S. Trubatschow und M. Mormyl) definiert, jedoch manchmal deklarativ, wenn äußere Zeichen des Gesangs oder seiner einzelnen Elemente seltener verwendet werden - Zitate (wie in Yu. Mashina, A. Ryndin, D. Smirnov, Vl. Uspensky usw.).
Bei der Wahl des Stils des "harmonischen Gesangs" folgen die Autoren den Mustern verschiedener Epochen: der Musik des Klassizismus (M. Berezovsky und D. Bortnyansky, S. Degtyarev, F. Lvov A. Lvov), der Romantik (A. Arkhangelsky, A . Lirin, G. Orlov) , "neue Richtung" (A. Grechaninov, A. Kastalsky, S. Panchenko, P. Chesnokov, N. Cherepnin).
Viele Komponisten kombinieren frei Stilmittel verschiedener Epochen und Trends in einer Komposition (Zyklus oder separate Ausgabe) - „The Severe Litany“, „My Soul“ von S. Ryabchenko, „The Hourly Prayer of Iosaph Belgorodsky“ von S. Trubachev usw So wählt der Verfasser je nach liturgischer und künstlerischer Aufgabe das Stilmittel, das seiner Meinung nach am ehesten mit dem Plan vereinbar ist.
In der Wahrnehmung der Gemeindemitglieder sind Gesänge aller Stilrichtungen verwandt, im Vergleich zum Beispiel mit Massenmusik, die von überall erklingt, oder mit der sogenannten Elite, basierend auf neuesten, teilweise extremistischen Kompositionstechniken. Aus dieser Sicht sind alle Kirchengesänge ziemlich traditionell.
Der Stil weltlicher Musik konnte nicht umhin, die Wahl und Art der Verwendung stilistischer Klischees zu beeinflussen. Lassen Sie uns daher darauf achten, dass sich das Arsenal an musikalischen Ausdrucksmitteln spiritueller Gesänge der postsowjetischen Zeit ständig ändert, vorsichtiger als in den "säkularen" Genres, aber ständig erweitert wird. Trotz der ständigen und beharrlichen „stilerhaltenden“ Bemühungen der Kirchenleitungen verläuft die stilistische Entwicklung der liturgischen Hymnen fast parallel zur allgemeinen musikalischen, natürlich mit dem Tabu dessen, was für Kirchenmusik nicht charakteristisch ist.
Ohne auf die Suche nach versteckten Zeichen von Figuren zu greifen, finden wir in vielen Werken leuchtende klangbildliche und theatralische Techniken, die mit den entsprechenden Klangemblemen korreliert sind. In den Gesängen „Play, Light“ von L. Novoselova und „Angel Crying“ von A. Kiselev finden Sie beispielsweise in der Chortextur Methoden zur Nachahmung des Glockenläutens (und in der dort von M. I. Vashchenko herausgegebenen Ostersammlung). Zu Troparion ist sogar eine besondere Aufführungs-Bemerkung „Christus ist auferstanden“ – „Glocke“). A. N. Zakharov im Konzert „Der Eintritt in den Tempel der Allerheiligsten Theotokos“ im Teil des Chores zeigt die Schritte der Jungfrau und den allmählichen Aufstieg der Stufen (zu den Worten „Angels Entry ...“), dagegen die das Sopransolo in lyrisch-romantischer Ader über das Ereignis erzählt („Die Heilige Mutter der Jungfrau, Die Immer-Jungfrau ist leicht durchsichtig“).
Die Wirkung von Licht und Schatten nutzt I. Denisova im „Kontakion des Akathisten zu St. Große Märtyrerin Catherine“ (hohes Register laut zu den Worten „Feind des Sichtbaren“ und eine scharfe Änderung der Dynamik und Übergang zu einem niedrigen Register zu den Worten „und unsichtbar“). Im Konzert Yu Machine für Männerchor im zweiten Teil („My Soul“) bezeichnen die Worte „erhebe“ mit einem Oktavsprung nach oben eine Bitte um spirituelle Erhebung, die im Kontext einer traditionellen Singsang-Melodie explosionsartig wahrgenommen wird. In den meisten Cherubim verwenden die Worte „Lasst uns den König von allen erheben“ in die höheren Lagen aufsteigend, die Worte „Engelhaft unsichtbar“ schalten die tieferen Stimmen aus und die Phrase klingt so transparent wie möglich.
In den kanonischen Gesängen der russisch-orthodoxen Kirche gibt es unveränderliche liturgische Texte, die täglich wiederholt werden und daher dem Kirchgänger vertraut sind. Wenn wir das Phänomen der unveränderlichen Gesänge unter diesem Gesichtspunkt betrachten, wird deutlich, warum sie die Aufmerksamkeit der Komponisten auf sich gezogen haben – die Frage war nicht, was man sagen sollte, sondern wie man es tat. Darüber hinaus seit dem XVIII Jahrhundert. Der Gemeindemitglied war mit anderer Musik vertraut - Theater und Konzert, die ihn vielleicht emotional stärker beeinflussten.
Tradition, in der weltlichen Musik als Trivialität bewertet, wird in der liturgischen Musik dagegen notwendige Qualität. Im Zusammenhang mit dem kirchlichen Schreiben scheint die Idee, dass „die Einheit von Tradition (Kanonizität) und Variabilität ein allgemeines künstlerisches Muster ist“ (Bernstein), anwendbar auf die Musikkunst, gerecht zu sein.
Anleihen dienten immer als zusätzlicher Anreiz für die Entwicklung der Kirchenmusik: "extern" - hauptsächlich aufgrund der Gesänge anderer Bereiche des Christentums (häufiger - katholisch und protestantisch) und aufgrund der Musik weltlicher Genres (Chor und Instrumental) und "intern", traditionell verbunden mit der Einführung in den Gottesdienst der russisch-orthodoxen Kirche der Hymnen serbischer, bulgarischer und anderer Komponisten der orthodoxen Diaspora. Sie können in unterschiedlichem Maße organisch sein. In einigen Fällen wuchs der Komponist innerhalb der Mauern des Trinity-Sergius Lavra oder anderer großer spiritueller und pädagogischer Zentren Russlands auf und ist mit russischen Traditionen vertraut; in anderen Fällen wird der Gesang unter Berücksichtigung lokaler nationaler Traditionen und unter Einbeziehung relevanter komponiert Sprachwerkzeuge(A. Dianov, St. Mokranyats, R. Tvardovsky, Yu. Tolkach).
Diese Trends spiegeln (im weiteren Sinne) die Besonderheit der russischen Kultur wider - ihre Anfälligkeit für die eines anderen, die Fähigkeit, die notwendigen Ergebnisse zu sammeln, um das gewünschte Ergebnis zu erzielen. künstlerische Mittel, um sie in den traditionellen Kontext einzufügen, ohne die kanonische Gebetsordnung des entsprechenden Ranges zu verletzen. Die relative Nähe kirchlicher Kunst wird nicht zum Hindernis für interne und externe Entlehnungen.
In dieser Offenheit liegt ein gewisses Konfliktpotential, da die Versuchung zum „radikalen Renovieren“ immer groß ist, was allerdings manchmal für einen Weltmenschen nach Gehör undefinierbar ist – Innovationen fügen sich so organisch in das musikalische Spektrum der Anbetung ein.
Ende des 20. Jahrhunderts entwickelten sich Kirchenchöre zu einer Art Experimentierplattform. Es ist davon auszugehen, dass es noch mehr Autoren gab, die liturgische Hymnen komponierten - nicht alle wurden veröffentlicht, aber viele wurden während des Gottesdienstes gesungen.
Das System der künstlerisch-ästhetischen Mittel des Kirchengesangs war an einigen Wendepunkten in der Entwicklung der liturgischen Musik kurz vor dem Untergang, überlebte aber durch das Vorhandensein variabler Gesänge der Zeit, die für den Komponisten eine stilistische Richtschnur und eine stilistische Leitlinie sind appellieren an die Erfahrung des Arrangierens von Znamenny-Gesängen als notwendigen Schritt zur Beherrschung der "Technologie" der Erstellung liturgischer Gesänge. Die Musik des Autors wird von allgemeinen musikalischen Prozessen beeinflusst, aber die musikalischen Ausdrucksmittel werden sehr selektiv in das Arsenal des „Erlaubten“ aufgenommen. Die Einführung von Gesängen verschiedener Stilrichtungen in die musikalische Palette des liturgischen Tages trägt dazu bei, dass sie als eine Art „multiple Einheit“ wahrgenommen werden.
Das kanonische „Werk“ ist niemals das Produkt der eigenen Kreativität des Autors, da es zur konziliaren Sache der Kirche gehört. In den Bedingungen des Kanons ist die Freiheit der Selbstdarstellung des Autors sehr begrenzt. Die Art der Arbeit moderner Komponisten, die für die Kirche schaffen, hat ihre eigenen Besonderheiten, die sich sowohl in der Motivation und den erwarteten Ergebnissen als auch in den Kriterien für die Bewertung der geschaffenen Werke, in ihrer Einstellung zum Problem von Tradition und Innovation, in der unterscheiden Wahl der musikalischen Ausdrucksmittel, bei der Anwendung der einen oder anderen Kompositionstechnik.
Die Regeln für die singende Darbietung liturgischer Texte für den Partes-Stil wurden von N. P. Diletsky beschrieben. Später erklärten in den Handbüchern von N. M. Potulov, A. D. Kastalsky und in unserer Zeit E. S. Kustovsky, N. A. Potemkina, N. M. Kovin, T. I. Koroleva und V. Yu. Pereleshina ausführlich die strukturellen Regelmäßigkeiten der melodisch-harmonischen Formeln von Troparia, kontakia, prokimnos, stichera und irmos, nach denen man jeden liturgischen Text „singen“ kann. Und das war zu allen Zeiten vielleicht der Hauptbestandteil der beruflichen Kompetenz des Regenten.
Im 19. – frühen 20. Jahrhundert erhielten die Absolventen der Regentschaftsklasse eine sehr vielseitige Ausbildung: Das Programm umfasste die Ausbildung in theoretischen, Hilfs- und Zusatzdisziplinen: Elementare Musiktheorie, Harmonielehre, Solfeggio und Kirchengesang der Mittelstufe, Geigenspiel u Klavier spielen, einen Kirchenchor leiten, Partituren und Kirchenregeln lesen.
Durch das Dekret des Heiligen Synods von 1847, in Übereinstimmung mit der von A. F. Lvov entwickelten Verordnung über die Ränge der Regenten, „können nur Regenten mit einem Zertifikat des 1. höchsten Ranges neue Chormusik für den liturgischen Gebrauch komponieren. In Ausnahmefällen wurde das Zertifikat der höchsten Kategorie ausgestellt. In der Provinz gab es praktisch keine Regenten mit einer solchen Qualifikation. Und sogar noch mehr Spätzeit, als die Position bereits an Kraft verloren hatte (nach 1879), behinderte der Mangel an geeigneten Fähigkeiten die Entwicklung der Komponistenkreativität. Die Regenten waren größtenteils Praktiker, sodass ihre Kompositionserfahrungen nicht über Transkriptionen und Arrangements hinausgingen.
Und heute wird Komposition nicht in Regentschafts-Gesangsseminaren und -schulen gelehrt, die Disziplin „Chorbearbeitung“, die Elemente der Kreativität zulässt, zielt darauf ab, den Notentext an die eine oder andere Komposition des Chores anzupassen (was dem Wesen von entspricht). Anordnung). Diese Situation ist unserer Meinung nach darauf zurückzuführen, dass die traditionelle Kontinuität des Repertoires viel mehr geschätzt wurde als seine Erneuerung.
Bis vor kurzem war eine solche Art des Chorgehorsams wie das Umschreiben und Bearbeiten von liturgischen Notizen weit verbreitet. Im Laufe der Arbeit lernte der Musiker den Stil regelmäßiger Melodien mit musikalischen Grafiken kennen, die seine später erschienenen Arrangements nur beeinflussen konnten. Sie sind eine stilistische Anleitung für den Komponisten, damit sein Gesang keine Dissonanzen mit anderen erzeugt.
Diejenigen, die im Tempel dienen, betrachten solche Experimente und die damit verbundene kreative Arbeit oft nicht als ihre eigene Kreativität. Autoren verstehen „Verzicht auf den eigenen Willen“ unterschiedlich: Viele von ihnen weisen keine Urheberschaft aus. Unter den Chorleitern und Chorsängern wird die Urheberschaft angegeben ähnliche Werke gilt als schlechte Form, und das höchste Lob für den Komponisten ist die Behauptung, dass das Lied unter anderen liturgischen Hymnen nicht wahrnehmbar ist. So versteht der Kirchenkomponist seine Rolle zunächst als die Rolle eines „zweiten Plans“, er vertritt wohlwollend die klingende Tradition, indem er arrangierte Pflichtmelodien in der bequemsten und natürlichsten Form für die Aufführung anbietet.
In einer Situation, in der die überwiegende Mehrheit der Pfarreien in Russland teilweise mehrstimmigen Gesang praktiziert, muss fast jeder Regent die Fähigkeiten der Harmonisierung und des Arrangements beherrschen, und auch Kenntnisse auf dem Gebiet der Gestaltung geistlicher Chormusik sind relevant.
Da die wechselnden Gesänge des Tages oft in den Noten fehlen und die Musiker, die eine „weltliche“ musikalische Ausbildung im Singen „mit der Stimme“ erhalten haben, nicht wissen, wie, der Regent (oder einer der Chorsänger, denen diese „ Technologie“) muss nach bestehenden Vorbildern eines ähnlichen Genres das Fehlende nachholen . Es ist auch möglich, „genau dem Original zu folgen“, wenn der liturgische Text „wie er ist“ gesungen wird. Diese Art kreative Arbeit- ein sehr häufiges Vorkommnis in Vorbereitung auf die Nachtwache ("Ergänzung" der fehlenden Stichera, Troparia oder Kontakia). Der Prozess der Erstellung eines Gesangs ist mit einer detaillierten Analyse der syntaktischen Struktur, des Rhythmus des Verses von Analoga, dem Kopieren typischer melodisch-harmonischer Wendungen und dem „Platzieren“ des vorgeschlagenen Textes im Rahmen der melodisch-harmonischen Formel von a verbunden bestimmte Stimme. Dies kann mit der Erstellung einer Kopie des Bekannten verglichen werden wundersame Ikone oder ein anderes Werk der alten oder uns zeitlich nahestehenden kirchlichen Kunst.
Es gibt bekannte Hüter kirchlicher Angelegenheiten, die ihren „musikalischen Dienst“ der Präsentation liturgischer Texte „auf Stimme“ gemäß dem Kanon, der Musiktypisierung, Bearbeitung und Verbreitung in orthodoxen Internetressourcen widmen.
Osmosis ist eine stilistische Referenz für jeden orthodoxen Komponisten. Gerade durch wechselnde Gesänge bleibt das singende Gottesdienstsystem in der Lage, das verlorene Gleichgewicht wieder herzustellen.
Die Arbeit an liturgischen Kompositionen, die sich an Mustern verschiedener Epochen und Stile orientiert, entspricht im Allgemeinen den allgemeinen künstlerischen Strömungen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Zu dieser Zeit koexistieren in der Musikkunst verschiedene stilistische Schichten, die sich in einer Art übergeschichtlichem Zusammenhang vereinen. Für den Kirchengesang ist „viele Einheit“ traditionell und selbstverständlich; in der zweiten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts. es wurde von Komponisten gemeistert und einem theoretischen Verständnis unterzogen. Die Kirchengesangstradition zeigte eine organische Kombination von stilistisch heterogenem Material, da eine solche Praxis der Zusammenstellung einer „musikalischen Reihe“ des Gottesdienstes nicht neu ist.
Die Entwicklung des Stils der liturgischen Gesänge bildet eine Art wellenförmige Bewegung, wenn das künstlerische Prinzip entweder relativ freigegeben oder wieder vollständig dem Kanon untergeordnet wird. Am Beispiel der Arbeit von Kirchenkomponisten kann man beobachten, wie sie daran arbeiten, die Mittel der Poetik liturgischer Musik zu erweitern, indem sie periodisch zu Transkriptionen und Arrangements antiker Melodien zurückkehren, als würden sie die Ergebnisse ihrer Arbeit mit kanonischen Mustern überprüfen die Jahrhunderte.
Die Berufung auf das altrussische Kultur- und Gesangserbe dient als Ansporn für Erneuerungen, Veränderungen in der liturgischen Gesangskultur. Octoechos ist darin ein Wert, der nicht vom Zeitpunkt des Erscheinens des Gesangs und seiner Anordnung abhängt und einen Komplex wesentlicher Merkmale enthält, die die Art des Gesangs bestimmen. Die abweichende und nicht originelle kreative Brechung kanonischer Hymnen ist auf den Wunsch zurückzuführen, die traditionelle Singgebet-Dispensation der Anbetung zu bewahren. Das Vorhandensein eines Systems von Normen und Regeln ist sowohl für die kirchliche als auch für die weltliche Kunst charakteristisch. Beide sind für die Wahrnehmung von Laien konzipiert, daher ist bei der Erstellung eines Aufsatzes das Ausleihen von Sprachmitteln unvermeidlich.
Der radikale Unterschied zwischen den beiden Arten von Kreativität liegt in dem höchsten Ziel, das der Autor vor sich sieht. Für einen Kirchenkomponisten ist der Prozess, Gott zu dienen, gepaart mit Kühnheit, Hoffnung, Demut und Gehorsam, nur eine Reihe von Schritten auf dem Weg zur Erlösung. Während der Dienst an der Kunst, verbunden mit dem Wunsch, „besser als alle anderen“ zu sein, der Erste in seiner Arbeit zu werden, zielt das Streben nach Zielerreichung, dem Sturz der alten Autoritäten, der Schaffung neuer Regeln, auf den Erwerb von Ruhm, den Wunsch nach Ruhm gehört werden. Vielleicht in einigen fröhliche Anlässe„Endziele“ - unabhängig von der Zugehörigkeit zu dem einen oder anderen Zweig des Christentums - fallen zusammen, und diese Namen bleiben in der Kunstgeschichte als unzugängliche Gipfel (J. S. Bach, W. A. Mozart, S. V. Rakhmaninov, P. I. Chaikovsky).
Svetlana Khvatova, Doktor der Kunstgeschichte, Professor, Regent der Heiligen Auferstehungskirche in Maikop, Verdienter Künstler der Republik Adygeja.
Unter zeitgenössischer orthodoxer Musik verstehen wir religiöse Musik, die in den letzten Jahren von orthodoxen Komponisten geschrieben wurde. Chronologisch Startpunkt Als orthodoxe Moderne betrachten wir 1988, das Jahr des 1000. Jahrestages der Taufe der Rus.
Wladimir Fayner - Das professionelle Interesse und die kreative Inspiration des Komponisten gelten der Frage der Anwendung der kontrapunktischen Prinzipien der Entwicklung von Melodien und Melodien in Bezug auf die angewandten Aufgaben der liturgischen Aufführung.
Die Reproduktion oder, wenn man so will, die illustrierte Verkörperung der erklärten Methode ist in einer ganzen Reihe von Kapitalwerken überzeugend verkörpert worden, die zweifellos für die Aufführung interessant sind.
"Segne, meine Seele, der Herr"- ein Werk für einen Chor oder drei Solisten mit entwickelten Stimmen. Es ist notwendig, mit jeder Stimme separat zu arbeiten und dann die Parteien in einem polyphonen System zusammenzufassen.
"Trisage"- ein Werk für Chor oder drei Solisten, jede Stimme ausreichend entwickelt. Es gibt viele melodische Gesänge in den Stimmen, die intonatorisch und rhythmisch komplex sind.
Irina Denisowa- Autor von mehr als 80 Kirchenliedern, Harmonisierungen und Bearbeitungen. Die Musiksammlung ihrer Kompositionen „Singing All-Moving“, herausgegeben vom Verlag des Klosters St. Elisabeth, hat bereits eine zweite Auflage erfahren und ist bei orthodoxen Musikern in Weißrussland und Russland gefragt. Derselbe Verlag hat kürzlich eine "Autoren"-CD von I. Denisova unter demselben Titel veröffentlicht. Eine bedeutende Rolle in den Werken spielt eine einzige Intonation, die auf der Synthese von "archaischen" und "modernen" musikalischen Strukturen aufbaut. Diese Art der Intonation wird zu einem wichtigen Zeichen modernen Denkens in der Kreativität von Komponisten.
Konzert "Unter deiner Gnade"- sehr ausdrucksstarker Konzertgesang, erfordert Arbeit am harmonischen System, da Abweichungen sehr häufig sind, chromatische Bewegungen in Teilen sollten herausgearbeitet werden. Reiches dynamisches Ensemble.
Kontakion von Akathist zum Apostel Andreas- im Gesang gibt es Abweichungen in verschiedenen Tonarten, die den Interpreten gewisse Schwierigkeiten bereiten können. Auch der Größenwechsel in der Mitte des Werkes und die Tempodramaturgie sind zu beachten.
III.Schlussfolgerung
Daher möchte ich betonen, dass geistliche Musik ein fruchtbarer Boden dafür ist Gesangsausbildung Chorgruppe, da sie zunächst auf Gesangspraxis und nicht auf abstrakter Komponistenforschung basierte.
Einfachheit, Spiritualität, Flucht, Klangzartheit – das ist die Grundlage für die Aufführung von Kirchenkompositionen. Das Eintauchen in die Atmosphäre der Spiritualität, der Wunsch, die in die Gesänge eingebetteten hohen Bilder zu verkörpern, eine ehrfürchtige Haltung gegenüber dem Text, natürliche Ausdruckskraft von Herzen, erzieht die Seele des Kindes und wirkt sich positiv auf die Bildung seiner ästhetischen Ansichten aus . Und deshalb ist es notwendig, Kompositionen russischer Kirchenmusik in das Repertoire von Kinderchören aufzunehmen.
Die weltlichen Werke herausragender russischer Komponisten enthielten organisch Bilder orthodoxer Spiritualität und fanden eine lebendige Verkörperung der Intonation orthodoxer Kirchenmusik. Einführung in das Klingeln Opernszenen wurde im 19. Jahrhundert zu einer Tradition in der russischen Oper.
Zu den Wurzeln kommen
Mit hohen Wertorientierungen, moralischer Reinheit und innerer Harmonie nährte die orthodoxe Spiritualität die russische Musik, im Gegensatz dazu repräsentierte und verurteilte die orthodoxe Spiritualität die Bedeutungslosigkeit weltlichen Getues, die Niedrigkeit menschlicher Leidenschaften und Laster.
Hervorragende heroisch-tragische Oper von M. I. Glinka „Ein Leben für den Zaren“ („Ivan Susanin“), Drama „ königliche Braut“, Volksmusikdramen - M.P. Mussorgsky, epische Opern von N.A. Rimsky-Korsakov und anderen ist es möglich, nur durch das Prisma der Orthodoxen tief zu verstehen religiöse Kultur. Die Eigenschaften der Helden dieser musikalischen Werke werden aus der Sicht orthodoxer moralischer und ethischer Ideen angegeben.
Melos russischer Komponisten und Kirchenlieder
Seit dem 19. Jahrhundert dringt die orthodoxe Kirchenmusik auf intonationsthematischer Ebene reichlich in die russische klassische Musik ein. Das von den Helden gesungene Quartett-Gebet der Oper Ein Leben für den Zaren des Genies Glinka erinnert an den Partess-Stil von Kirchenliedern, die letzte Solo-Szene von Ivan Susanin ist im Wesentlichen ein betender Appell an Gott vor seinem Tod , beginnt der Epilog der Oper mit einem jubelnden Chor „Glory“, nahe dem Kirchengenre „Multiple Years“. Die Solopartien der Figuren in dem bekannten musikalischen Volksdrama um Zar Boris Mussorgsky, die das Bild des orthodoxen Mönchtums enthüllen (Elder Pimen, der Narr für Christus, Kaliki-Passanten), sind von den Intonationen von Kirchenliedern durchdrungen .
Strenge Chöre von Schismatikern, die im Stil gehalten werden, werden in Mussorgskys Oper Chowanschtschina präsentiert. Über die Intonationen des Znamenny-Gesangs sind die Hauptthemen der ersten Teile der berühmten Klavierkonzerte von S.V. Rachmaninow (zweiter und dritter).
Szene aus der Oper „Khovanshchina“ von M.P. Mussorgsky
Eine tiefe Verbindung mit der orthodoxen Kultur lässt sich im Werk des herausragenden Meisters der Vokal- und Chorgattung G.V. Sviridov. Das Original-Melos des Komponisten ist eine Synthese aus volksliedhaften, kirchenkanonischen und kantischen Prinzipien.
Znamenny-Gesang dominiert in Sviridovs Chorzyklus „Zar Fjodor Ioannovich“ – basierend auf der Tragödie von A.K. Tolstoi. „Chants and Prayers“, geschrieben in Kirchentexten, aber für weltliche Konzertaufführungen bestimmt, sind Sviridovs unübertroffene Schöpfungen, in denen alte liturgische Traditionen organisch miteinander verschmelzen musikalische Sprache 20. Jahrhundert
Die Glocken läuten
Glockenläuten gilt als fester Bestandteil des orthodoxen Lebens. Die meisten Komponisten der russischen Schule haben eine figurative Glockenwelt in ihrem musikalischen Erbe.
Erstmals führte Glinka Szenen mit Glockengeläut in die russische Oper ein: Die Glocken begleiten den Schlussteil der Oper Ein Leben für den Zaren. Die Nachbildung des Glockenläutens im Orchester verstärkt die Dramatik des Bildes von Zar Boris: die Szene der Krönung und die Szene des Todes. (Mussorgsky: Musikdrama „Boris Godunow“).
Viele von Rachmaninovs Werken sind mit Glocken gefüllt. Einer von klare Beispiele ist in diesem Sinne das Präludium in cis-Moll. Bemerkenswerte Beispiele für die Nachbildung des Glockenläutens werden in vorgestellt Musikalische Kompositionen Komponist des 20. Jahrhunderts V.A. Gavrilina ("Glockenspiel").
Und jetzt - ein musikalisches Geschenk. Eine wunderbare Chor-Osterminiatur von einem der russischen Komponisten. Schon hier manifestiert sich die Glockenähnlichkeit mehr als deutlich.
M. Vasiliev Ostern Troparion „Glocke“
