Plan der Idealstadt der Renaissance. Stadtplanung im Italien der Renaissance

In der Renaissance entwickelten die Architekten allmählich eine Haltung gegenüber der Struktur als Teil des Ganzen, die sich mit dem umgebenden Raum verbinden und eine kontrastreiche, für beide Seiten vorteilhafte Kombination verschiedener Strukturen finden muss. Die Kultur des Städtebaus der Renaissance nahm allmählich und in verschiedenen Ensembles Gestalt an - auf dem Markusplatz in Venedig, im Ensemble des Bildungshauses der Seidenraupenwerkstatt, Architekt. Brunelleschi ua Von großer Bedeutung war die Verwendung von Arkaden und Kolonnaden entlang der Straßen, die der Stadtentwicklung erkennbare Gemeinsamkeiten verliehen (Uffizien in Florenz, Architekt Vasari).

Allmählich reifte im Verständnis der Architekten die Idee der Stadt als Ganzes, in der alle Teile miteinander verbunden sind. Die neuen Schusswaffen machten die mittelalterlichen Steinbefestigungen wehrlos. Dies bestimmte das Aussehen von Mauern mit Erdwällen entlang des Stadtrandes.Bastionenund bestimmte die Sternform der Stadtbefestigungslinie. Städte dieser Art erscheinen im 2/3 des 16. Jahrhunderts. Eine Renaissance-Idee entsteht"ideale Stadt"die bequemste Stadt zum Leben.

Bei der Organisation des Stadtgebiets folgten Renaissance-Architekten 3 Hauptprinzipien:
1. Klassensiedlung (für die Adligen - die zentralen und besten Teile der Stadt);
2. Berufsgruppenumsiedlung der übrigen Bevölkerung (Handwerker verwandter Berufe sind in der Nähe);
3. Aufteilung des Stadtgebiets in Wohn-, Industrie-, Gewerbe- und öffentliche Komplexe.
Das Layout "idealer Städte" muss unbedingt regelmäßig oder radial-kreisförmig sein, aber die Wahl des Layouts sollte durch bestimmt werden natürliche Bedingungen: Relief, Gewässer, Fluss, Winde usw.

Neue Palma, 1593

Normalerweise gab es im Zentrum der Stadt einen öffentlichen Hauptplatz mit einem Schloss oder mit einem Rathaus und einer Kirche in der Mitte. Handels- oder Kultgebiete von Bezirksbedeutung in radialen Städten befanden sich an der Kreuzung von radialen Straßen mit einer der Ringautobahnen der Stadt.
Diese Projekte umfassten auch erhebliche Verbesserungen – die Begrünung der Straßen, die Schaffung von Kanälen für den Regenwasserabfluss und die Kanalisation. Die Häuser mussten ein bestimmtes Verhältnis von Höhe und Abstand zueinander haben, um die beste Sonneneinstrahlung und Belüftung zu erreichen.
Trotz ihres utopischen Charakters hatten die theoretischen Entwicklungen der „idealen Städte“ der Renaissance einen gewissen Einfluss auf die Praxis des Städtebaus, insbesondere beim Bau kleiner Befestigungsanlagen in kurzer Zeit(Valetta, Palma Nuova, Granmichele- bis 16.-17. Jahrhundert).

Das Zeitalter der Stadt hat seine glanzvolle Blütezeit erreicht, aber es gibt bereits Anzeichen dafür, dass es stirbt. Das Jahrhundert war stürmisch und grausam, aber inspirierend. Es entstand aus Stadtstaaten Antikes Griechenland(3000 Jahre vor der Renaissance), aus der das Ideal eines freien Mannes entstand, der sich selbst regiert. Denn tatsächlich bestand eine solche Stadt aus einer Gruppe von Menschen, die nach vielen Generationen von Streitigkeiten und Bürgerkriegen ein effektives System der Selbstverwaltung entwickelten. Dieses System war von Stadt zu Stadt unterschiedlich. In jedem von ihnen war die Zahl der Personen, die die volle Staatsbürgerschaft beanspruchen konnten, immer gering. Die Masse der Einwohner blieb in einer mehr oder weniger sklavischen Stellung und übte ihre Rechte nur durch gewalttätige und grausame Aufstände gegen die höheren Schichten aus. Dennoch gab es in ganz Europa, insbesondere in Italien, Deutschland und den Niederlanden, eine gewisse gesellschaftliche Übereinstimmung über die Ziele, wenn nicht die Methoden der Regierung, nämlich die Struktur der Gesellschaft, in der die Herrscher von einigen der Beherrschten gewählt wurden. Aus diesem bürgerlichen Konzept begannen endlose blutige Kriege. Der Preis, den die Bürger für ihre Freiheit zahlten, wurde an ihrer Bereitschaft gemessen, zur Verteidigung ihrer Stadt gegen ihre Rivalen zu den Waffen zu greifen.

Die wahre Stimme der Stadt war die große Glocke am Rathaus bzw Dom der Alarm schlug, als sich bewaffnete Bewohner einer feindlichen Stadt näherten. Er rief alle auf, die in der Lage waren, Waffen an die Mauern und Tore zu halten. Die Italiener verwandelten die Glocke in eine Art mobilen Tempel, eine Art weltliche Arche, die die Armeen in die Schlacht führte. In einem Kampf mit Nachbarstädten um den Besitz eines Ackerlandes, in einem Kampf gegen einen Kaiser oder König um Bürgerrechte, in einem Kampf gegen Horden umherziehender Soldaten ... Während dieser Kämpfe erstarrte das Leben in der Stadt. Alle arbeitsfähigen Männer, ausnahmslos zwischen fünfzehn und siebzig Jahren, brachen ihre normalen Aktivitäten ab, um zu kämpfen. Um des wirtschaftlichen Überlebens willen fingen sie schließlich an, Profis einzustellen, die wussten, wie man kämpft, während sich die zivile Macht in der Zwischenzeit in den Händen eines der prominenten Bürger konzentrierte. Da er Geld und Waffen kontrollierte, wurde dieser Bürger allmählich zum Herrscher einer einst freien Stadt. In den Ländern, die die Zentralmonarchie anerkannten, wurde die Stadt (einfach aus Erschöpfung) mit dem Thron versöhnt. Einige Städte wie London behielten eine größere Autonomie. Andere fanden sich vollständig in die Struktur der Monarchie vertieft. Trotzdem existierten Städte während der gesamten Renaissance weiterhin als Wohneinheiten und erfüllten die meisten dieser Funktionen moderne Gesellschaft fallen unter die Zuständigkeit der Zentralregierung. Sie waren weder Industrie-, Schlafviertel oder Vergnügungsparks, was viele von ihnen später wurden, sondern organische Strukturen, die menschliches Fleisch und Bausteine ​​zu ihrem eigenen erkennbaren Lebensrhythmus verbanden.

Städte, mit denen Europa übersät war wie formelle Kleider Edelsteine, von der Renaissance waren bereits uralt. Sie gingen von Jahrhundert zu Jahrhundert und behielten eine überraschend regelmäßige Form und konstante Größe bei. Nur in England fühlten sie sich nicht symmetrisch an, denn englische Städte wurden bis auf seltene Ausnahmen nicht nach einem vorgegebenen Plan gebaut, sondern wuchsen aus bescheidenen Siedlungen, und ihre Struktur war formlos, da das Gebäude am ungeordnetsten an das Gebäude angefügt war Weg. Auf dem Kontinent setzte sich der Trend fort, neue Städte zu gründen, anstatt alte zu unüberschaubaren Ausmaßen auszubauen. Allein in Deutschland wurden in 400 Jahren 2.400 Städte gegründet. Allerdings ist es nach heutigen Maßstäben schwer zu sagen, ob es sich um kleine Städte oder große Dörfer handelte. Orange in Frankreich hatte bis zum 19. Jahrhundert nur 6.000 Einwohner. Und eine Stadt mit einer Viertelmillion Einwohnern galt einfach als Riese, und es gab nur wenige. Die Bevölkerung von Mailand, der Hauptstadt des Herzogtums, betrug 200.000 Menschen, das heißt, doppelt so viele wie ihr Hauptkonkurrent Florenz (siehe Abb. 53, Foto 17), so dass Größe überhaupt kein Maß für Macht war.

Reis. 53. Florenz Ende des 15. Jahrhunderts Aus einem modernen Holzschnitt

Reims, Krönungsort, groß das Einkaufszentrum, hatte 100.000 Einwohner und Paris etwa 250.000. Die Bevölkerung der meisten europäischen Städte kann auf 10-50.000 Menschen geschätzt werden. Auch die Verluste durch die Pest machten der Bevölkerung lange nichts aus. Die Zahl der Opfer der Pest wurde immer übertrieben, obwohl sie vielleicht in wenigen Monaten etwa ein Viertel der Einwohner dahinraffte. Nach einer Generation kehrte die Stadt jedoch zu ihrer üblichen Bevölkerungszahl zurück. Der Überschuss an Einwohnern floss in neue Städte. Das italienische Modell, wenn mehrere Städte, verbunden durch militärische oder kommerzielle Bindungen, verbunden sind große Stadt, in unterschiedlichem Maße, kann in ganz Europa verfolgt werden. In einer solchen Föderation wurden das Regierungssystem und die lokalen Bräuche, die jeder Stadt eigen sind, eifrig eingehalten, aber die Erhebung von Steuern und Schutz wurde von der Innenstadt aus kontrolliert.

Die Stadt wuchs wie ein Baum, behielt ihre Form, wurde aber immer größer, und die Stadtmauern markierten wie geschnittene Ringe die Meilensteine ​​ihres Wachstums. Direkt außerhalb der Stadtmauern lebten die Armen, Bettler, Ausgestoßene aller Art, die ihre Hütten um die Mauern bauten und ein ekelhaftes Durcheinander von elenden Straßen schufen. Manchmal wurden sie von der energischen Gemeinde vertrieben, aber häufiger durften sie bleiben, wo sie waren, bis sich ein Plan abzeichnete. Wohlhabende Bewohner ließen sich außerhalb der Stadt in Villen inmitten großer Anwesen nieder, geschützt durch eigene Mauern. Als schließlich wirtschaftliche Notwendigkeiten oder Bürgerstolz den Ausbau der Stadt erforderten, wurde ein weiterer Mauerring um sie herum errichtet. Sie eroberten neues Land und ließen zusätzlichen Raum für Entwicklung. Und die alten Mauern standen noch mehrere Jahrhunderte, wenn sie nicht für den Bau neuer Gebäude räuberisch abgetragen wurden. Die Städte nahmen ihre Form wieder auf, verfolgten jedoch keine neuen Baumaterialien, so dass sich in tausend Jahren dasselbe Stück Ziegel oder behauener Stein in einem halben Dutzend verschiedener Gebäude befinden konnte. Sie können noch Spuren der verschwundenen alten Mauern sehen, denn später wurden sie zu Ringstraßen oder seltener zu Boulevards.

Die Festungsmauern bestimmten die Form und die Größe der Stadt. Im Mittelalter dienten sie als mächtiger Schutz für die Bewohner, die über Wasser- und Nahrungsvorräte verfügten. Ein militärischer Anführer, der dabei war, eine Stadt zu belagern, hätte sich darauf einstellen müssen, viele Monate zu warten, bis dem Feind die Vorräte ausgehen. Die Mauern wurden auf öffentliche Kosten in Ordnung gehalten, und was sonst noch baufällig wurde, wurde zuerst in Ordnung gebracht. Die eingestürzte Mauer war ein Zeichen für eine zerstörte Stadt, und die erste Aufgabe des siegreichen Eindringlings bestand darin, sie vom Erdboden zu fegen. Es sei denn, er würde dort wohnen. Allmählich verloren die Festungsmauern jedoch an Bedeutung, was sich in der Art und Weise widerspiegelte, wie Städte dargestellt wurden. Im 16. Jahrhundert war die Draufsicht weit verbreitet, der Plan, wobei den Straßen besondere Bedeutung beigemessen wurde. Sie wurden in die Umrandung von Häusern gemalt. Wichtige Gebäude wurden hervorgehoben. Aber nach und nach wurde alles formalisiert, verflacht und der Plan wurde genauer, wenn auch weniger spektakulär und malerisch. Aber bevor der Plan zur Anwendung kam, wurde die Stadt so dargestellt, als ob ein sich nähernder Reisender sie aus der Ferne sehen würde. Es war vielmehr ein Kunstwerk, auf dem die Stadt wie im Leben erschien, mit Mauern, Türmen, Kirchen, eng aneinander gepresst, wie eine riesige Burg (siehe Abb. 54).

Reis. 54. Stadtmauer als Militärbauwerk. Nürnberg 1493. Von einem modernen Stich

Solche Städte gibt es bis heute, wie zum Beispiel Verona, das auf einem Hügel liegt. In ihrem Plan ist die von den Bauherren festgelegte Zeichnung gut sichtbar. Im Süden, vor allem in Italien, dominierten große, turmartige Häuser, die der Stadtlandschaft das Aussehen eines versteinerten Waldes verliehen. Diese Häuser waren Überbleibsel aus einer gewalttätigeren Zeit, als Fehden zwischen Familien und Fraktionen die Städte auseinander rissen. Dann gewannen diejenigen, die höher, höher, noch höher bauen konnten, einen Vorteil gegenüber ihren Nachbarn. Einer geschickten Stadtverwaltung gelang es, ihre Zahl zu reduzieren, aber viele versuchten immer noch, sich auf diese Weise zu erheben, gefährdeten die innere Sicherheit der Stadt und raubten den engen Straßen gierig Luft und Licht.

Reis. 55. Stadttor, wo Zölle auf alle in der Stadt ankommenden Waren erhoben werden

Die Stadttore, die die Mauern durchschnitten (siehe Abb. 55), spielten eine doppelte Rolle. Sie erfüllten nicht nur eine Verteidigungsfunktion, sondern trugen auch zum Einkommen der Stadt bei. Um sie herum wurden Wachen aufgestellt, die für alles, was in die Stadt gebracht wurde, eine Gebühr erhoben. Manchmal waren das Produkte Landwirtschaft, eine Ernte, die von den umliegenden Feldern, Obstgärten und Obstgärten geerntet wird. Und manchmal - exotische Gewürze, die von Tausenden von Kilometern gebracht wurden - wurde alles am Tor der Zollkontrolle und Zöllen unterzogen. Zu einer Zeit, als der Florentiner Zoll gefährlich tief gesunken war, schlug einer der Beamten vor, die Anzahl der Tore zu verdoppeln und damit ihre Rentabilität zu verdoppeln. Bei einer Sitzung im Stadtrat wurde er verspottet, aber dieser gedankenlose Vorschlag beruhte auf der Überzeugung, dass die Stadt eine unabhängige Einheit sei. Die Dorfbewohner hassten diese Erpressungen und erhielten nur zweifelhafte Versprechungen von bewaffnetem Schutz für sie. Sie gingen zu allen möglichen Tricks, nur um nicht bezahlen zu müssen. Sacchetti hat eine sehr wahr klingende Geschichte über einen Bauern, der Hühnereier in seiner ausgebeulten Hose versteckte, um die Wachen zu täuschen. Aber diejenigen, die vom Feind des Bauern gewarnt wurden, zwangen ihn, sich hinzusetzen, während sie die Ladung untersuchten. Das Ergebnis ist eindeutig.

In Städten spielten Tore die Rolle von Augen und Ohren. Sie waren der einzige Kontaktpunkt zur Außenwelt. Von außen kam die Bedrohung, und die Wachen am Tor meldeten dem Herrscher akribisch die Ankunft und Abreise von Ausländern und allerlei Fremden im Allgemeinen. In freien Städten waren geschlossene Tore ein Symbol der Unabhängigkeit. Der späte Reisende, der nach Sonnenuntergang ankam, musste die Nacht außerhalb der Stadtmauern verbringen. Daher der Brauch, Hotels draußen am Haupttor zu bauen. Das Tor selbst war wie eine kleine Festung. Sie beherbergten eine Garnison, die die Stadt bewachte. Riesige Burgen, die mittelalterliche Städte überragten, waren in der Tat eine einfache Fortsetzung der Torhäuser der Hauptfestung.

Das Fehlen eines Bauplans in mittelalterlichen Städten war jedoch eher scheinbar als real. Es ist wahr: Die Straßen wanden sich ziellos, kreisten, machten Schleifen, lösten sich sogar in einige Höfe auf, aber sie sollten schließlich keinen direkten Übergang von einem Punkt der Stadt zum anderen bieten, sondern einen Rahmen, eine Kulisse dafür schaffen öffentliches Leben. Der Fremde, der durch die Stadttore gegangen war, konnte leicht den Weg ins Zentrum der Stadt finden, da die Hauptstraßen strahlenförmig vom zentralen Platz ausgingen. "Piazza", "Platz", "Platz", "Quadrat", wie auch immer es in der Landessprache hieß, war der direkte Erbe des Forum Romanum, ein Ort, an dem sich in den Tagen des Krieges ängstliche Menschen versammelten und wo sie umherwanderten, Spaß haben, ein Friedliche Zeit. Wiederum hatte nur England keinen solchen Versammlungsort. Die Briten zogen es vor, die Hauptstraße zu einem Markt auszubauen. Es diente dem gleichen Zweck, aber es fehlte an Zusammenhalt und Einheit, und mit zunehmendem Verkehr verlor es seine Bedeutung als zentraler Treffpunkt. Auf dem Kontinent existierte dieses Echo des antiken Roms jedoch weiter.

Reis. 56. Piazza (Platz) San Marco, Venedig

Es hätte ein bescheidenes, unbefestigtes Gelände sein können, im Schatten von Bäumen, vielleicht umgeben von schäbigen Häusern. Und er könnte riesig, erstaunlich sein, wie die Hauptplätze in Siena oder Venedig (siehe Abb. 56), könnte so geplant werden, dass er wie eine riesige Halle ohne Dach wirkt. Doch egal, wie sie aussah, sie blieb das Gesicht der Stadt, der Ort, an dem sich die Einwohner versammelten und die lebenswichtigen Organe der Stadt, die Zentren der Regierung und der Justiz, sich um sie säumten. Woanders könnte es ein weiteres, natürlich geformtes Zentrum geben: zum Beispiel eine Kathedrale mit Nebengebäuden, meist auf einem kleinen Platz errichtet. Vom Haupttor führte eine ziemlich breite, gerade und saubere Straße zum Platz und dann zur Kathedrale. Gleichzeitig wurden die Straßen abseits des Zentrums zu peripheren Adern, die den lokalen Bedürfnissen dienten. Sie wurden bewusst schmal gehalten – sowohl um Passanten vor Sonne und Regen zu schützen, als auch um Platz zu sparen. Manchmal waren die obersten Stockwerke von Gebäuden nur wenige Meter voneinander entfernt. Die Enge der Straßen diente auch während Kriegen als Schutz, denn die erste Aktion der Angreifer bestand darin, durch sie zu galoppieren, bevor die Einwohner Zeit hatten, Sperren zu errichten. Truppen konnten die militärische Ordnung nicht aufrechterhalten, indem sie auf sie marschierten. Unter solchen Umständen konnte ein feindlicher Mob, der mit einfachen Felsbrocken bewaffnet war, den Durchgang von Berufssoldaten erfolgreich verhindern. In Italien wurden Straßen bereits im 13. Jahrhundert gepflastert, und im 16. Jahrhundert waren alle Hauptstraßen der meisten europäischen Städte gepflastert. Es gab keine Trennung zwischen Bürgersteig und Bürgersteig, weil alle entweder fuhren oder gingen. Crews begannen nur noch in zu erscheinen XVI Jahrhundert. Allmählich nahm der Radverkehr zu, die Straßen wurden begradigt, um ihm das Passieren zu erleichtern, und dann wurde für Fußgänger gesorgt, was den Unterschied zwischen Arm und Reich weiter betonte.

Renaissance-Städte wurden durch eine vereint gemeinsames Merkmal: Sie wuchsen und entwickelten sich spontan, je nach Bedarf. Nur die Stadtmauern wurden geplant, die als Ganzes gelegt und gebaut wurden, und innerhalb der Stadt bestimmte nur die Größe eines bestimmten Gebäudes die Anordnung des angrenzenden Territoriums. Die Kathedrale bestimmte die Struktur des ganzen Viertels mit angrenzenden Straßen und Plätzen, aber an anderen Stellen entstanden Häuser nach Bedarf oder wurden aus bestehenden wieder aufgebaut. Sogar das eigentliche Konzept der Stadtplanung fehlte bis zur zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts, als die Ideen des römischen Architekten Vitruvius Polio wiederbelebt wurden. Vitruv war der Architekt von August Rome, und sein Werk On Architecture stammt aus dem Jahr 30 v. Er war keiner der berühmten Architekten, aber sein Buch war das einzige zu diesem Thema, und es erfreute die Welt, die von der Antike besessen war. Entdeckungen in der Architektur wurden auf die gleiche Weise gemacht wie in der Geographie: Der antike Autor gab Köpfen Impulse, die zu ihrer eigenen Kreativität und Forschung fähig waren. Menschen, die glauben, Vitruv zu folgen, haben tatsächlich seinen Namen verwendet, um ihre eigenen Theorien zu formulieren. Vitruv betrachtete die Stadt als eine autarke Einheit, die wie ein Haus geplant werden sollte, dessen Teile dem Ganzen untergeordnet sind. Kanalisation, Straßen, Plätze, öffentliche Gebäude, Baugrundstücke – alles hat seinen Platz in diesem Plan. Die erste Abhandlung, die auf dem Konzept von Vitruv basiert, wurde von dem Florentiner Leon Battista Alberti geschrieben. Es wurde 1485 veröffentlicht, nur dreizehn Jahre nach seinem Tod, und führte eine lange Reihe von Werken an, die sich bis ins 19. Jahrhundert erstreckten und einen großen Einfluss auf die Stadtplanung hatten. Die meisten dieser Werke waren erstaunlich, sogar zu exquisit, illustriert. Angesichts der mathematischen Grundlage dieses Kultes ist es nicht verwunderlich, dass die Anhänger alles auf die Spitze trieben. Die Stadt wurde erfunden, genau wie ein Problem in der Geometrie, ohne Rücksicht auf menschliche und geografische Faktoren. Theoretische Perfektion führte in der Praxis zu lebloser Trockenheit.

Reis. 57. Palma Nova, Italien: ein strenger Stadtplan

Nur ein Glück, dass nur wenige Städte nach den Prinzipien von Vitruv gebaut wurden. Hin und wieder gab es in einer neuen Stadt Bedarf, häufiger einen militärischen. Zeitweise konnte es nach dieser neuen Theorie gebaut werden (z. B. Palma Nova (siehe Abb. 57) im venezianischen Staat). Meistens mussten sich die Architekten jedoch mit einer Teilerschließung begnügen, da sie selten die Möglichkeit hatten, die alten Gebäude komplett abzureißen und an ihrer Stelle neu zu errichten. Der Architekt stieß auf passiven Widerstand, es genügt, sich daran zu erinnern, wie Leonardo da Vincis Vorschlag, Satellitensiedlungen um Mailand herum zu bauen, erfüllt wurde. Die schreckliche Pest von 1484 forderte 50.000 Einwohner, und Leonardo wollte zehn neue Städte mit 5.000 Häusern bauen und dort 30.000 Menschen ansiedeln, "um zu viel Menschenansammlungen zu entschärfen, die sich wie Ziegen in Herden zusammengekauert haben ... jeden Winkel füllen Raum mit Gestank und Aussaat von Infektion und Tod. Aber nichts dergleichen geschah, weil weder monetäre Gewinne noch militärische Vorteile darin vorgesehen waren. Und der Herrscher von Mailand entschied sich dafür, das Gold für die Dekoration seines eigenen Hofes auszugeben. Dies war in ganz Europa der Fall. Städte haben bereits Gestalt angenommen und für groß angelegte Planungen ist kein Platz mehr. Rom war die einzige Ausnahme von dieser Regel.

Die erste Stadt des Christentums im Mittelalter verfiel. Der Höhepunkt seines Unglücks war die Verlegung des Papsttums nach Avignon im Jahr 1305. Seit mehr als hundert Jahren gab es in der Ewigen Stadt keine Macht, die stark genug war, um die Ambitionen der großen Familien und die brutale Wildheit der Menge zu bändigen. Andere Städte Italiens wurden schöner und gediehen, während Rom mit Schimmel bedeckt war und zusammenbrach. Die Stadt Augusta war fest gebaut, sie überlebte und erlag nicht den Angriffen der Zeit und den Überfällen der Barbaren, sondern starb durch die Hand ihrer eigenen Bürger. Die Kriege waren teilweise schuld, aber hauptsächlich die Tatsache, dass massive antike Gebäude eine Quelle für fertiges Baumaterial waren. 1443 endete das große Schisma und das Papsttum wurde in Rom wieder gegründet. Zum ersten Mal machte Papst Nikolaus V. auf den beklagenswerten Zustand der Ewigen Stadt aufmerksam und verstand, dass Rom wieder aufgebaut werden muss, um es als Hauptstadt der Welt anzuerkennen (siehe Abb. 58). Eine enorme Aufgabe! Die Stadt hatte einst etwa eine Million Einwohner - die größte Einwohnerzahl bis heute 19. Jahrhundert. Vor der industriellen Revolution, die zu einer Ausweitung des Bauwesens führte, konnte sich keine europäische Stadt an Größe mit dem Rom des Augustus messen. Und 1377 hatte es nur etwa 20.000 Einwohner. Sieben seiner Hügel waren verlassen, die Bevölkerung zog es vor, an den sumpfigen Ufern des Tibers zu leben. Vieh durchstreifte die verlassenen Straßen, die von zerstörten Häusern gesäumt waren. Das Forum verlor seinen einstigen Glanz und trug den Spitznamen „Campo Vacchino“, also „Kuhfeld“. Tote Tiere wurden nie gesäubert, und sie verrotteten dort, wo sie starben, und fügten dem schmutzigen Matsch unter den Füßen den Geruch von Schwelen und Fäulnis hinzu. Es gab keine Stadt in Europa, die aus so großer Höhe so tief gesunken ist.

Reis. 58. Panorama von Rom 1493 mit Petersdom (oben). Aus einem modernen Stich in Schedels Buch "The Chronicle of the World"

Mehr als 160 Jahre sind vergangen, seit Papst Nikolaus V. seinen Wiederaufbau konzipierte, und bis Bernini die Kolonnade am Petersdom vollendete, sind mehr als 160 Jahre vergangen. Und alle Päpste, die in diesen anderthalb Jahrhunderten regierten, vom tugendhaften bis zum bösartigen, vom gelehrtesten Nikolaus bis zum verdorbenen Alexander Borgia, teilten eine Leidenschaft, die der ersten aller Städte der Renaissance neues Leben einhauchte, a Liebe zur Kunst und Architektur, der Wunsch nach Veränderung alte Stadt in die würdige Hauptstadt der Christenheit.

Die Namensliste der Architekten und Künstler, die dort wirkten, klingt wie eine Namensliste: Alberti, der erste der Vitruvianer, Bramante, Sangallo, Bernini, Raphael, Michelangelo und viele andere, die in den Schatten der Großen gerieten, aber können den Hof jedes Herrschers schmücken. Einiges von dem, was getan wurde, ist bedauerlich: Beispielsweise löste die Zerstörung des alten Petersdoms, um an seiner Stelle einen neuen Bramante-Tempel zu errichten, einen Proteststurm aus. Aber die absolute päpstliche Autorität reichte aus, um eines der größten städtischen Projekte der Geschichte abzuschließen. Das Ergebnis war nicht nur ein prächtiges Denkmal für irgendeinen Herrscher. Eine Reihe von Vorteilen kam den einfachen Bürgern zugute: Die Wasserversorgung wurde verbessert, das alte Kanalisationssystem wurde wiederhergestellt, die Gefahr von Bränden und Pest ging stark zurück.

Die Stadt war eine Bühne, auf der sich vor allen ehrlichen Menschen abspielte, was jetzt in der Stille der Ämter geschah. Auffallend in ihrer Variabilität waren Details: die Unregelmäßigkeit der Gebäude, der exzentrische Stil und die Vielfalt der Kostüme, die unzähligen Waren, die direkt auf den Straßen hergestellt wurden - all dies gab der Renaissancestadt eine Helligkeit, die in der monotonen Monotonie moderner Städte fehlt . Aber es gab auch eine gewisse Homogenität, eine Verschmelzung von Gruppen, die proklamierten innere Einheit Städte. Im 20. Jahrhundert hat sich das Auge an die durch die Zersiedelung entstandenen Trennungen gewöhnt: Fußgänger- und Autoverkehr finden in unterschiedlichen Welten statt, Industrie ist von Gewerbe getrennt, und beide sind räumlich von Wohngebieten getrennt, die es wiederum sind unterteilt nach dem Vermögen ihrer Einwohner. Ein Städter kann sein ganzes Leben lang leben, ohne zu sehen, wie das Brot gebacken wird, das er isst, oder wie die Toten begraben werden. Je größer die Stadt wurde, desto mehr entfernte sich der Mensch von seinen Mitbürgern, bis das Paradoxon der Einsamkeit inmitten einer Menschenmenge zu einem alltäglichen Phänomen wurde.

In einer ummauerten Stadt mit, sagen wir, 50.000 Einwohnern, in der die meisten Häuser kümmerliche Hütten waren, ermutigte der Platzmangel die Menschen dazu, mehr Zeit in der Öffentlichkeit zu verbringen. Der Ladenbesitzer verkaufte Waren fast vom Stand aus durch ein kleines Fenster. Die Fensterläden der ersten Stockwerke wurden an Scharnieren hergestellt, um sich schnell zurücklehnen zu können und ein Regal oder einen Tisch zu bilden, dh eine Theke (siehe Abb. 60). Er lebte mit seiner Familie in den oberen Räumen des Hauses und konnte, erst erheblich reicher geworden, ein eigenes Geschäft mit Angestellten führen und in einer Gartenvorstadt wohnen.

Reis. 60. Stadthändler, darunter: ein Bekleidungs- und Textilhändler (links), ein Barbier (Mitte) und ein Konditor (rechts)

Ein geschickter Handwerker nutzte die untere Etage des Hauses auch als Werkstatt und bot seine Produkte manchmal direkt vor Ort zum Verkauf an. Handwerker und Kaufleute neigten sehr zum Herdenverhalten: Jede Stadt hatte ihre eigene Tkatskaya-Straße, Myasnitsky Ryad und ihre eigene Rybnikov-Gasse. Und wenn in kleinen überfüllten Räumen oder auch nur bei schönem Wetter der Platz nicht ausreichte, verlagerte sich der Handel auf die Straße, die vom Markt nicht mehr zu unterscheiden war. Unehrliche wurden öffentlich bestraft, auf dem Platz, dort, wo sie ihren Lebensunterhalt verdienten, also in der Öffentlichkeit. Sie wurden an einen Pranger gebunden und wertlose Waren wurden ihnen zu Füßen verbrannt oder um ihre Hälse gehängt. Ein Winzer, der schlechten Wein verkaufte, wurde gezwungen, eine große Menge davon zu trinken, und der Rest wurde über seinen Kopf gegossen. Rybnik wurde gezwungen, an faulem Fisch zu schnüffeln oder sich sogar Gesicht und Haare damit einzuschmieren.

Nachts wurde die Stadt in völlige Stille und Dunkelheit getaucht. Auch dort, wo es keine obligatorische "Löschstunde" gab, versuchte der Weise, nicht zu spät auszugehen und saß nach Einbruch der Dunkelheit sicher hinter starken Türen mit Riegeln. Ein Passant, der nachts von den Wachen erwischt wurde, musste sich darauf vorbereiten, den Grund für seinen verdächtigen Gang überzeugend zu erklären. Es gab keine solchen Versuchungen, die locken konnten ein ehrlicher Mann Nachts von zu Hause weg, weil die öffentliche Unterhaltung bei Sonnenuntergang endete und die Stadtbewohner an der hortenden Gewohnheit festhielten, bei Sonnenuntergang zu Bett zu gehen. Talgkerzen waren erhältlich, aber immer noch ziemlich teuer. Auch übel riechende Dochte, die mit Fettfetzen getränkt waren, wurden sparsam verwendet, denn Fett kostete mehr als Fleisch. Der Arbeitstag, der von morgens bis abends dauerte, ließ wenig Kraft für eine stürmische Nacht voller Spaß. Mit der weit verbreiteten Entwicklung des Buchdrucks wurde es in vielen Haushalten zur Gewohnheit, die Bibel zu lesen. Eine weitere häusliche Unterhaltung war das Musizieren für diejenigen, die es sich leisten konnten, ein Musikinstrument zu kaufen: eine Laute oder eine Gambe oder eine Flöte, sowie das Singen für diejenigen, die kein Geld dafür hatten. Die meisten Menschen verbrachten die kurzen Mußestunden zwischen Abendessen und Schlafenszeit mit Gesprächen. Der Mangel an Abend- und Nachtunterhaltung wurde jedoch tagsüber auf Kosten der öffentlichen Hand mehr als wettgemacht. Häufige kirchliche Feiertage reduzierten die Zahl der Arbeitstage pro Jahr auf eine Zahl, die vielleicht niedriger war als heute.

Reis. 61. Religiöse Prozession

Fastentage wurden streng eingehalten und mit der Kraft des Gesetzes unterstützt, aber Feiertage wurden wörtlich verstanden. Sie schlossen nicht nur die Liturgie ein, sondern verwandelten sich in wilden Spaß. In diesen Tagen zeigte sich die Solidarität der Stadtbewohner deutlich in überfüllten religiösen Prozessionen, religiöse Prozessionen(siehe Abb. 61). Damals gab es wenige Beobachter, weil alle daran teilnehmen wollten. Albrecht Dürer erlebte einen ähnlichen Umzug in Antwerpen, und sein Künstlerauge blickte entzückt auf die endlose Prozession von Farben und Formen. Es war am Tag der Himmelfahrt der Jungfrau Maria „... und die ganze Stadt, unabhängig von Rang und Beruf, versammelte sich dort, jeder gekleidet in die beste Kleidung gemäß seinem Rang. Alle Zünfte und Stände hatten ihre eigenen Kennzeichen, an denen sie zu erkennen waren. In den Pausen trugen sie riesige teure Kerzen und drei lange alte fränkische Trompeten aus Silber. Es gab auch Trommeln und Pfeifen nach deutscher Art. Sie bliesen und schlugen laut und lärmend ... Es gab Goldschmiede und Sticker, Maler, Maurer und Bildhauer, Schreiner und Zimmerleute, Seeleute und Fischer, Weber und Schneider, Bäcker und Gerber ... wirklich Arbeiter aller Art und viele Handwerker und andere Menschen, die ihren eigenen Lebensunterhalt verdienen. Ihnen folgten Bogenschützen mit Gewehren und Armbrüsten, Reiter und Fußsoldaten. Aber vor allen standen Ordensleute ... An dieser Prozession nahm auch eine große Menge von Witwen teil. Sie ernährten sich von ihrer Arbeit und beachteten besondere Regeln. Sie waren von Kopf bis Fuß in weiße, extra für diesen Anlass genähte Kleider gekleidet, es war traurig, sie anzusehen ... Zwanzig Personen trugen das Bild der Jungfrau Maria mit unserem Herrn Jesus, luxuriös gekleidet. Im Zuge der Prozession wurden viele wunderbare Dinge gezeigt, prächtig präsentiert. Sie zogen Wagen, auf denen Schiffe und andere Bauwerke standen, voller Menschen bei Masken. Ihnen folgte eine Truppe, die der Reihe nach die Propheten und Szenen aus dem Neuen Testament darstellte ... Von Anfang bis Ende dauerte die Prozession mehr als zwei Stunden, bis sie unser Haus erreichte.

Die Wunder, die Dürer in Antwerpen so begeisterten, hätten ihn in Venedig und Florenz fasziniert, denn die Italiener behandelten religiöse Feiertage als Kunstform. Beim Fronleichnamsfest in Viterbo im Jahr 1482 wurde die gesamte Prozession in Sektionen unterteilt, von denen jede für einen Kardinal oder den höchsten Würdenträger der Kirche verantwortlich war. Und jeder strebte danach, den anderen zu übertrumpfen, indem er sein Grundstück mit kostbaren Vorhängen schmückte und ihm eine Bühne gab, auf der die Mysterien gespielt wurden, so dass es im Ganzen eine Reihe von Stücken über den Tod und die Auferstehung Christi bildete. Die Bühne, die in Italien für die Aufführung der Mysterien verwendet wurde, war die gleiche wie in ganz Europa: ein dreistöckiges Gebäude, bei dem das obere und das untere Stockwerk als Himmel bzw. Hölle dienten und die mittlere Hauptplattform die Erde darstellte (siehe Abb 62).

Reis. 62. Szene für die Präsentation von Mysterien

Am meisten Aufmerksamkeit erregte die komplexe Bühnenmechanik, die es den Schauspielern ermöglichte, in der Luft zu schweben und zu schwimmen. Es gab eine Szene in Florenz, die aus einer hängenden Kugel bestand, die von Engeln umgeben war, aus der im richtigen Moment ein Streitwagen erschien und zur Erde hinabstieg. Leonardo da Vinci baute für die Herzöge von Sforza eine noch komplexere Maschine, die das Uhrwerk zeigte Himmelskörper, und jeder trug seinen eigenen Schutzengel.

Weltliche Prozessionen in Italien stellten die großen Triumphe des klassischen Roms nach und wurden nach ihnen benannt. Manchmal wurden sie zu Ehren der Ankunft eines souveränen oder berühmten Militärführers arrangiert, manchmal nur wegen eines Feiertags. Die glorreichen Namen der großen Römer wurden in Erinnerung gerufen, sie wurden in Togen und Lorbeerkränzen dargestellt und in Streitwagen durch die Stadt transportiert. Sie stellten besonders gerne Allegorien dar: Der Glaube besiegte den Götzendienst, die Tugend vernichtete das Laster. Eine weitere beliebte Darstellung sind die drei Lebensalter des Menschen. Jedes irdische oder übernatürliche Ereignis wurde bis ins kleinste Detail durchgespielt. Die Italiener arbeiteten nicht am literarischen Inhalt dieser Szenen, sondern gaben lieber Geld für den Pomp des Spektakels aus, so dass alle allegorischen Figuren einfache und oberflächliche Wesen waren und nur ohne Überzeugung hochtönende Floskeln verkündeten und so von der Aufführung abgingen etwas leisten. Aber die Pracht der Kulissen und Kostüme entzückte das Auge, und das genügte. In keiner anderen Stadt Europas zeigte sich Bürgerstolz so hell und strahlend wie im jährlichen Ritual der Hochzeit mit dem Meer, das der Herrscher von Venedig vollzog, eine seltsame Mischung aus kommerzieller Arroganz, christlicher Dankbarkeit und östlicher Symbolik . Dieses rituelle Fest beginnt 997 nach der Geburt Christi, als der Doge von Venedig vor der Schlacht ein Trankopfer aus Wein machte und ihn ins Meer goss. Und nach dem Sieg wurde am nächsten Himmelfahrtstag gefeiert. Ein riesiger Staatskahn namens Bucentaur wurde zu derselben Stelle in der Bucht gerudert, und dort warf der Dogen einen Ring ins Meer und erklärte, dass die Stadt durch diese Aktion mit dem Meer, dh mit den Elementen, verheiratet sei machte es toll (vgl. Abb. 63).

Reis. 63. "Bucentaur" Venezianer

"Bucentaur" nahm majestätisch an allen standesamtlichen Zeremonien teil. Feierliche Prozessionen in anderen Städten bewegten sich im Staub in der Hitze, und die Venezianer glitten über die glatte Oberfläche ihrer großen Seestraße. Die Bucentaur wurde aus einer Kampfgaleere umgerüstet, die alle Feinde Venedigs von der Adria fegte. Sie behielt den mächtigen und bösartigen Rammbug eines Kriegsschiffs, aber jetzt war das Oberdeck mit scharlachrotem und goldenem Brokat verziert, und eine Girlande aus goldenen Blättern, die sich entlang der Seite erstreckte, funkelte blendend in der Sonne. Am Bug befand sich eine menschengroße Figur der Gerechtigkeit mit einem Schwert in der einen und einer Waage in der anderen Hand. Die zu Besuch kommenden Fürsten wurden auf diesem Schiff in die Inselstadt eskortiert, umgeben von unzähligen kleinen Booten, die ebenfalls mit reichen Stoffen und Girlanden geschmückt waren. Der Gast wurde bis vor die Tür der ihm zugeteilten Wohnung geführt. Kein Wunder, dass der venezianische Karneval, der mit der gleichen prachtvollen Verschwendungslosigkeit inszeniert wurde und mit der gleichen sinnlichen, fast wilden Vorliebe für leuchtende Farben erstrahlte, Besucher aus ganz Europa anzog. In diesen Tagen verdoppelte sich die Bevölkerung der Stadt. Anscheinend ging die Mode für Maskeraden von Venedig aus, die sich dann auf alle Höfe Europas ausbreitete. Andere italienische Städte führten maskierte Schauspieler in die Mysterien ein, aber es waren die Unterhaltung liebenden Venezianer mit ihrem Geschäftssinn, die die Maske als pikante Ergänzung zum Karneval schätzten.

Die militärischen Wettkämpfe des Mittelalters setzten sich fast unverändert bis in die Renaissance fort, obwohl der Stellenwert ihrer Teilnehmer etwas abnahm. So veranstalteten beispielsweise die Nürnberger Fischhändler ein eigenes Turnier. Bogenschießwettbewerbe waren sehr beliebt, obwohl der Bogen als Waffe vom Schlachtfeld verschwand. Am beliebtesten waren jedoch die Feiertage, deren Wurzeln bis ins vorchristliche Europa zurückreichen. Da sie nicht ausgerottet werden konnten, hat die Kirche einige von ihnen gewissermaßen getauft, dh angeeignet, während andere in unveränderter Form sowohl in katholischen als auch in protestantischen Ländern weiterlebten. Der größte davon war der 1. Mai, das heidnische Frühjahrstreffen (siehe Abb. 64).

Reis. 64. Feier zum 1. Mai

An diesem Tag reisten sowohl die Armen als auch die Reichen und verließen die Stadt, um Blumen zu pflücken, zu tanzen und zu feiern. May Lord zu werden, war eine große Ehre, aber auch ein teures Vergnügen, denn alle festlichen Ausgaben fielen auf ihn: Es kam vor, dass einige Männer für eine Weile aus der Stadt verschwanden, um sich dieser Ehrenrolle zu entziehen. Der Urlaub brachte ein Stück Landleben in die Stadt, das Leben in der Natur, so nah und so fern. In ganz Europa wurde der Wechsel der Jahreszeiten mit Festlichkeiten gefeiert. Sie unterschieden sich in Details und Namen voneinander, aber die Ähnlichkeiten waren stärker als die Unterschiede. An einem der Wintertage regierte noch der Herr der Unordnung – der direkte Erbe der römischen Saturnalien, die wiederum ein Relikt des prähistorischen Wintersonnenwendefestes waren. Immer wieder versuchten sie, es auszurotten, aber es wurde in lokalen Karnevalen mit Narren, Kriegern und verkleideten Tänzern wiederbelebt, die der Welt erstmals in Höhlenzeichnungen erschienen. Es ist soweit, und die Feiertage von vor tausend Jahren passen problemlos in das Leben der Städte, wo das Dröhnen der Druckerpressen und der Lärm der Rollwagen den Beginn einer neuen Welt markierten.

Die wichtigsten Städte Europas waren durch ein sehr effizientes Postsystem verbunden. Ein einfacher Laie könnte es frei verwenden ... wenn er keine Angst hätte, dass seine Briefe gelesen würden. Die Behörden, die die Post organisierten, waren an Spionage fast ebenso interessiert wie an der Herstellung einer Kommunikation zwischen Städten und Ländern. Trotz des schlechten Zustands der Straßen nahm die Zahl der Fahrzeuge zu. Die Pilgerwelle erreichte eine beispiellose Höhe, und als der Pilgerstrom nachließ, nahmen Kaufleute ihren Platz ein, weil sich der Handel aktiv entwickelte. Staatsbeamte waren allgegenwärtig, das Getrampel der Soldatenstiefel auf dem Marsch ließ keine Minute nach. Reisende, die ihren Geschäften nachgehen, sind keine Seltenheit mehr. Menschen wie der rastlose Erasmus zogen auf der Suche nach einem Ort und einer Existenzgrundlage von einem Wissenschaftszentrum zum anderen. Einige sahen das Reisen sogar als ein Mittel der Bildung, verbunden mit Vergnügen. In Italien entstanden neue Schule Heimatschreiber, die den Wissbegierigen empfahlen, interessante Orte zu besuchen. Viele reisten zu Pferd, aber es tauchten bereits Kutschen auf (siehe Abb. 65), die angeblich zuerst in Kotz oder Kosice (Ungarn) erfunden wurden.

Reis. 65. Deutsche Kutsche 1563. Fernreisen erforderten mindestens 4 Pferde

Die meisten dieser Kutschen wurden für Showzwecke hergestellt - sie waren äußerst unbequem. Der Körper wurde an Gurten aufgehängt, die theoretisch als Federn dienen sollten, aber in der Praxis die Fahrt in eine Reihe von ekelerregenden Sprüngen und Schaukeln verwandelten. Die Durchschnittsgeschwindigkeit betrug zwanzig Meilen pro Tag, abhängig von der Qualität der Straßen. Es brauchte mindestens sechs Pferde, um die Kutsche durch den dicken Winterschlamm zu ziehen. Sie reagierten sehr empfindlich auf die Unebenheiten, denen sie unterwegs oft begegneten. Einmal in Deutschland bildete sich ein solches Schlagloch, dass drei Kutschen gleichzeitig hineinfielen, und dies kostete einem unglücklichen Bauern das Leben.

Römerstraßen waren immer noch die Hauptverkehrsadern Europas, aber selbst ihre Pracht konnte den Plünderungen der Bauern nicht widerstehen. Wenn Material benötigt wurde, um eine Scheune oder Scheune oder sogar ein Haus zu bauen, wandten sich die Dorfbewohner mit gewohnter Bereitschaft an große Vorräte an bereits behauenen Steinen, die eigentlich die Straße waren. Sobald die oberen Schichten des Straßenbelags abgetragen waren, erledigten Witterung und Transport den Rest. In einigen Regionen gab es Anordnungen, Straßen außerhalb der Städte zu erhalten und zu unterhalten. In England grub ein Müller, der plötzlich Ton für Reparaturen benötigte, ein Loch mit einem Durchmesser von 10 Fuß und einer Tiefe von 2,40 m und warf es dann weg. Die Grube füllte sich mit Regenwasser, ein Reisender fiel hinein und ertrank. Zur Rechenschaft gezogen, sagte der Müller, er habe nicht die Absicht, jemanden zu töten, Ton sei einfach nirgendwo anders zu bekommen. Er wurde aus der Haft entlassen. Der alte Brauch schrieb jedoch vor, Straßen mit minimaler Breite zu bauen: An einer Stelle sollten zwei Karren aneinander vorbeifahren können, an der anderen - um einen Ritter mit einem Speer im Anschlag zu passieren. In Frankreich, wo römische Straßen durch Wälder verliefen, wurde ihre Breite von 20 Fuß auf etwa achtundsiebzig erhöht, als Vorsichtsmaßnahme gegen Räuber, die mit zunehmendem teuren Güterverkehr immer zahlreicher wurden. Ein weiser Mann reiste immer in Gesellschaft, und jeder war bewaffnet. Der einsame Reisende wurde mit Argwohn betrachtet, und er konnte durchaus in einem örtlichen Gefängnis landen, wenn er nicht würdige Gründe für seinen Aufenthalt in dieser Region nannte.

Reisen durch Europa könnten selbst unter günstigen Umständen mehrere Wochen dauern. Daher haben Straßenhotels - Gasthäuser (siehe Abb. 66) eine solche Bedeutung erlangt.

Reis. 66. Hauptgemeinschaftsraum eines Hotels am Straßenrand

Es könnte ein großes Etablissement sein, wie das berühmte Bull Hotel in Padua, wo bis zu 200 Pferde in den Ställen untergebracht waren, oder es könnte eine winzige, übel riechende Taverne für Sorglose und Naive sein. In Österreich wurde ein Wirt gefangen genommen, der nachweislich im Laufe der Jahre mehr als 185 Gäste umgebracht und dadurch beträchtlichen Reichtum angehäuft hat. Die meisten Zeitgenossen zeichnen jedoch ein recht freundliches Bild. Die nette Dame, dargestellt von William Caxton im ersten Reiseführer, sollte Reisenden nach einem anstrengenden Tag auf Reisen einen angenehmen Eindruck hinterlassen. Caxton ließ sein Buch 1483 drucken.

Unter anderem lieferte sie seinen einsprachigen Landsleuten genügend französische Phrasen, um sich zu erkundigen, wie man aus der Stadt herauskommt, ein Pferd mietet und eine Unterkunft für die Nacht bekommt. Das dort zitierte Gespräch im Hotel ist eher höflich als informativ, aber es zeigt uns, welche Situationen sich allabendlich in allen Städten Europas wiederholten.

„Gott segne Sie, Frau.

- Willkommen, Junge.

– Kann ich hier ein Bett bekommen?

- Ja, gut und sauber, [auch wenn] es ein Dutzend von Ihnen gibt.

Nein, wir sind zu dritt. Kannst du hier essen?

- Ja, in Hülle und Fülle, Gott sei Dank.

„Bring uns Essen und gib den Pferden Heu und trockne sie gut mit Stroh.“

Reisende aßen, überprüften vorsichtig die Rechnung für das Essen und baten darum, die Kosten zur morgendlichen Berechnung hinzuzufügen. Dann folgt:

„Bring uns ins Bett, wir sind müde.

„Jeanette, zünde eine Kerze an und führe sie nach oben in diesen Raum. Und bringe ihnen heißes Wasser, um ihre Füße zu waschen, und decke sie mit einem Federbett zu.“

Dem Gespräch nach zu urteilen, ist dies ein erstklassiges Hotel. Reisenden wird das Abendessen auf dem Tisch serviert, sie haben offensichtlich kein Essen mitgebracht, obwohl dies der Brauch war. Sie werden mit einer Kerze ins Bett gebracht und mit warmem Wasser versorgt. Vielleicht konnten sie, wenn sie Glück hatten, für jeden ein Bett bekommen und es nicht mit einem Fremden teilen. Doch ob luxuriöses Hotel, in dem den Gästen auch Unterhaltung geboten wurde, oder eine einfache Hütte nahe der Stadtmauer, der Reisende konnte sich darin mehrere Stunden ausruhen, geschützt nicht nur vor schlechtem Wetter und wilden Tieren, sondern auch vor seinen Mitmenschen Menschen.

Die Renaissance ist eine der wichtigsten Epochen in kulturelle Entwicklung Menschheit, denn in dieser Zeit entstehen die Grundlagen einer grundlegend neuen Kultur, entsteht ein Reichtum an Ideen, Gedanken, Symbolen, die von nachfolgenden Generationen in Zukunft aktiv genutzt werden. Im XV Jahrhundert. in Italien entsteht ein neues Stadtbild, das eher wie ein Projekt, ein Zukunftsmodell denn als eine reale architektonische Verkörperung entwickelt wird. Natürlich haben sie im Italien der Renaissance viele Städte verschönert: Sie haben Straßen begradigt, Fassaden eingeebnet, viel Geld für die Erstellung von Bürgersteigen ausgegeben usw. Architekten haben auch neue Häuser gebaut und sie in leere Räume eingebaut oder in seltenen Fällen , errichtete sie anstelle von abgerissenen alten Gebäuden. Im Großen und Ganzen italienische Stadt in Wirklichkeit blieb es in seiner architektonischen Landschaft mittelalterlich. Es war keine Zeit aktiver Stadtplanung, aber zu dieser Zeit begannen städtische Probleme als eine der anerkannt zu werden kritische Bereiche kulturelles Gebäude. Es erschienen viele interessante Abhandlungen darüber, was eine Stadt ist, und zwar nicht nur als politisches, sondern auch als soziokulturelles Phänomen. Wie sieht in den Augen der Humanisten der Renaissance eine neue Stadt aus, die sich von der mittelalterlichen unterscheidet?

In all ihren städtebaulichen Modellen, Projekten und Utopien löste sich die Stadt zunächst einmal von ihrem heiligen Vorbild – dem himmlischen Jerusalem, der Arche, die den Raum der menschlichen Erlösung symbolisierte. In der Renaissance entstand die Idee einer idealen Stadt, die nicht nach dem göttlichen Vorbild, sondern als Ergebnis der individuellen schöpferischen Tätigkeit des Architekten entstand. Der berühmte L. B. Alberti, Autor des Klassikers Ten Books on Architecture, behauptete, dass ihm originelle architektonische Ideen oft nachts kommen, wenn seine Aufmerksamkeit abgelenkt ist und er Träume hat, in denen Dinge erscheinen, die sich im Wachzustand nicht offenbaren. Diese säkularisierte Beschreibung des Schaffensprozesses unterscheidet sich deutlich von den klassischen christlichen Sehhandlungen.

Die neue Stadt erschien in den Werken italienischer Humanisten, die in ihrem sozialen, politischen, kulturellen und häuslichen Zweck nicht den himmlischen, sondern den irdischen Vorschriften entsprechen. Er wurde nicht nach dem Prinzip der sakral-räumlichen Verengung, sondern nach einer funktionalen, durchaus säkularen Raumabgrenzung errichtet und in Plätze, Straßenzüge gegliedert, die sich um wichtige Wohn- oder öffentliche Gebäude gruppierten. Eine solche Rekonstruktion, obwohl in gewissem Umfang tatsächlich durchgeführt, beispielsweise in Florenz, wurde in größerem Umfang in der bildenden Kunst, im Bau von Renaissance-Gemälden und in Architekturprojekten verwirklicht. Die Renaissancestadt symbolisierte den Sieg des Menschen über die Natur, den optimistischen Glauben an die „Zuordnung“ der menschlichen Zivilisation von der Natur in ihre neue menschengemachte Welt vernünftige, harmonische und hervorragende Grundlagen hatte.

Der Renaissance-Mensch ist ein Prototyp der Zivilisation der Eroberung des Weltraums, der mit seinen eigenen Händen vollendete, was sich vom Schöpfer als unvollendet herausstellte. Aus diesem Grund haben Architekten bei der Planung von Städten gerne schöne Projekte geschaffen, die auf der ästhetischen Bedeutung verschiedener Kombinationen geometrischer Formen basieren und in denen alle für das Leben der städtischen Gemeinschaft notwendigen Gebäude untergebracht werden müssen. Nützlichkeitserwägungen traten in den Hintergrund, und das freie ästhetische Spiel architektonischer Fantasien unterwarf sich dem Bewusstsein der damaligen Stadtplaner. Die Idee der freien Kreativität als Existenzgrundlage des Individuums ist einer der wichtigsten kulturellen Imperative der Renaissance. Architektonische Kreativität verkörperte in diesem Fall auch diese Idee, die sich in der Schaffung von Bauprojekten ausdrückte, die eher wie komplizierte ornamentale Fantasien aussahen. In der Praxis wurden diese Ideen vor allem in der Kreation umgesetzt andere Art Steinpflaster, die mit Platten regelmäßiger Form bedeckt waren. Auf sie als Hauptinnovationen waren die Bürger stolz und nannten sie "Diamant".

Die Stadt war ursprünglich als künstliches Produkt konzipiert, das sich der Natürlichkeit der Natur widersetzte, weil sie sich anders als die mittelalterliche Stadt den Lebensraum unterwarf und beherrschte und sich nicht nur in das Gelände einfügt. Daher hatten die idealen Städte der Renaissance eine strenge Geometrische Figur in Form eines Quadrats, Kreuzes oder Achtecks. Nach dem treffenden Ausdruck von I. E. Danilova wurden die damaligen Architekturprojekte als Herrschaftssiegel gleichsam von oben auf das Areal gelegt menschlicher Verstand dem alles unterworfen ist. In der Ära des Neuen Zeitalters versuchte der Mensch, die Welt vorhersehbar und vernünftig zu machen, um das unverständliche Glücks- oder Glücksspiel loszuwerden. So argumentierte L. B. Alberti in seinem Werk „Über die Familie“, dass die Vernunft in zivilen Angelegenheiten und im menschlichen Leben eine viel größere Rolle spiele als das Glück. Der berühmte Theoretiker der Architektur und Stadtplanung sprach über die Notwendigkeit, die Welt zu testen und zu erobern, indem er die Regeln der angewandten Mathematik und Geometrie auf sie ausdehnte. Aus dieser Sicht war die Renaissance-Stadt die höchste Form der Eroberung der Welt, des Raums, denn städtebauliche Projekte beinhalteten die Neuordnung der natürlichen Landschaft, indem ihr ein geometrisches Raster abgegrenzter Räume auferlegt wurde. Es war, anders als im Mittelalter, ein offenes Modell, dessen Mittelpunkt nicht der Dom war, sondern der Freiraum des Platzes, der sich von allen Seiten mit Straßen öffnete, mit Blick in die Ferne, über die Stadtmauer hinaus.

Moderne Kulturspezialisten widmen sich immer mehr den Problemen der räumlichen Organisation von Renaissancestädten, insbesondere das Thema Stadtplatz, seine Genese und Semantik werden auf verschiedenen internationalen Symposien aktiv diskutiert. R. Barth schrieb: „Die Stadt ist ein Gewebe, das nicht aus gleichwertigen Elementen besteht, in denen ihre Funktionen aufgeführt werden können, sondern aus Elementen, die signifikant und unbedeutend sind ... Außerdem muss ich feststellen, dass alles Größerer Wert sie fangen an, sinnvolle Leere statt der Leere des Sinnvollen zu geben. Mit anderen Worten, die Elemente werden nicht an sich, sondern abhängig von ihrem Standort immer bedeutender.

Die mittelalterliche Stadt, ihre Gebäude, die Kirche verkörperten das Phänomen der Nähe, die Notwendigkeit, eine physische oder spirituelle Barriere zu überwinden, sei es eine Kathedrale oder ein Palast, der einer kleinen Festung ähnelt, dies ist ein besonderer Raum, der von der Außenwelt getrennt ist. Das Eindringen dort symbolisierte immer das Kennenlernen eines verborgenen Geheimnisses. Der Platz hingegen war ein Symbol einer ganz anderen Zeit: Er verkörperte die Idee der Offenheit nicht nur nach oben, sondern auch zu den Seiten, durch Straßen, Gassen, Fenster etc. Immer betrat man den Platz von dort ein abgeschlossener Raum. Im Gegensatz dazu erzeugte jeder Platz das Gefühl eines sofort geöffneten und offenen Raums. Stadtplätze symbolisierten gleichsam den Prozess der Befreiung von mystischen Geheimnissen und verkörperten offen entsakralisierten Raum. L. B. Alberti schrieb, dass die wichtigste Dekoration von Städten durch die Position, Richtung, Korrespondenz, Platzierung von Straßen und Plätzen gegeben sei.

Diese Ideen wurden durch die reale Praxis des Kampfes um die Befreiung städtischer Räume von der Kontrolle einzelner Familienclans unterstützt, der im 14. und 15. Jahrhundert in Florenz stattfand. F. Brunelleschi entwirft in dieser Zeit drei neue Plätze in der Stadt. Grabsteine ​​verschiedener Adeliger werden von den Plätzen entfernt, Märkte entsprechend umgebaut. Die Idee des offenen Raums verkörpert L. B. Alberti in Bezug auf die Wände. Er rät, so oft wie möglich Kolonnaden zu verwenden, um die Konventionalität der Mauern als Hindernis zu betonen. Deshalb wird der Bogen von Alberti als das Gegenteil der verschlossenen Stadttore wahrgenommen. Der Bogen ist immer offen, als ob er als Rahmen für sich öffnende Ausblicke dient und so den Stadtraum verbindet.

Die Urbanisierung der Renaissance impliziert nicht die Nähe und Isolierung des städtischen Raums, sondern im Gegenteil seine Verteilung außerhalb der Stadt. Das aggressive Offensivpathos des „Bezwingers der Natur“ demonstrieren die Projekte von Francesco di Giorgio Martini. Yu M. Lotman schrieb über diesen räumlichen Impuls, der für seine Abhandlungen charakteristisch ist. Martini-Festungen haben meist die Form eines Sterns, der in allen Richtungen von Mauerecken mit stark nach außen verlängerten Bastionen freigelegt ist. Diese architektonische Lösung war größtenteils der Erfindung der Kanonenkugel zu verdanken. Die Kanonen, die auf weit in den Weltraum vorgeschobenen Bastionen montiert waren, ermöglichten es, den Feinden aktiv entgegenzuwirken, sie auf große Entfernung zu treffen und sie daran zu hindern, die Hauptmauern zu erreichen.

Leonardo Bruni präsentiert uns in seinen Laudatio-Werken zu Florenz keine wirkliche Stadt, sondern eine verkörperte soziokulturelle Doktrin, denn er versucht, den Stadtgrundriss zu „korrigieren“ und die Lage der Gebäude neu zu beschreiben. Dadurch entpuppt sich der Palazzo Signoria als Zentrum der Stadt, von dem als Symbol städtischer Macht weiter als in Wirklichkeit Mauerringe, Befestigungsanlagen etc. auseinandergehen.In dieser Beschreibung weicht Bruni ab aus dem geschlossenen Modell einer mittelalterlichen Stadt und versucht, eine neue Idee zu verkörpern, die Idee der Stadterweiterung, die eine Art Symbol einer neuen Ära ist. Florenz erobert nahe gelegene Ländereien und unterwirft riesige Gebiete.

Also die ideale Stadt im XV Jahrhundert. ist nicht in einer vertikalen sakralisierten Projektion konzipiert, sondern in einem horizontalen soziokulturellen Raum, der nicht als Heilssphäre, sondern als behaglicher Lebensraum verstanden wird. Deshalb wird die ideale Stadt von Künstlern des 15. Jahrhunderts dargestellt. nicht als fernes Ziel, sondern von innen, als schöne und harmonische Sphäre des menschlichen Lebens.

Es ist jedoch notwendig, einige Widersprüche zu beachten, die ursprünglich im Bild der Renaissancestadt vorhanden waren. Trotz der Tatsache, dass in dieser Zeit prächtige und komfortable Wohnungen eines neuen Typs entstanden, die hauptsächlich „um des Volkes willen“ geschaffen wurden, wird die Stadt selbst bereits als Steinkäfig wahrgenommen, was dies nicht zulässt die Entwicklung einer frei schöpferischen menschlichen Persönlichkeit. Die Stadtlandschaft kann als etwas wahrgenommen werden, das der Natur widerspricht, und wie Sie wissen, ist es die Natur (sowohl die menschliche als auch die nichtmenschliche), die Gegenstand ästhetischer Bewunderung für Künstler, Dichter und Denker dieser Zeit ist.

Der Beginn der Urbanisierung des soziokulturellen Raums, selbst in seinen ursprünglichen, rudimentären und begeistert wahrgenommenen Formen, weckte bereits ein Gefühl ontologischer Einsamkeit, Verlassenheit in der neuen, „horizontalen“ Welt. In Zukunft wird sich diese Dualität entwickeln, zu einem akuten Widerspruch des kulturellen Bewusstseins der Moderne werden und zur Entstehung utopischer Anti-Urban-Szenarien führen.

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Kulturologie

Theorie der Kultur. Kulturologie im System sozial-humanitären Wissens. Grundlegende Kulturtheorien und Schulen unserer Zeit. Die Dynamik der Kultur. Kulturgeschichte. Die antike Zivilisation ist die Wiege der europäischen Kultur. Kultur des europäischen Mittelalters. Tatsächliche Probleme moderne Kultur. Nationale Gesichter der Kultur in einer sich globalisierenden Welt. Sprachen und Codes der Kultur.

Dieses Material enthält Abschnitte:

Kultur als Bedingung für die Existenz und Entwicklung der Gesellschaft

Kulturwissenschaft als eigenständiges Wissensgebiet

Konzepte der Kulturwissenschaft, ihr Gegenstand, Subjekt, Aufgaben

Die Struktur des kulturellen Wissens

Methoden der Kulturforschung

Die Einheit von Historischem und Logischem im Kulturverständnis

Antike Vorstellungen von Kultur

Kulturverständnis im Mittelalter

Kulturverständnis in der europäischen Philosophie der Neuzeit

Allgemeine Merkmale der Kulturwissenschaften des 20. Jahrhunderts.

Kulturologisches Konzept von O. Spengler

Kunst der Renaissance

Renaissance- Dies ist die Blütezeit aller Künste, einschließlich des Theaters, der Literatur und der Musik, aber zweifellos war die wichtigste unter ihnen, die den Geist ihrer Zeit am besten zum Ausdruck brachte, die bildende Kunst.

Es ist kein Zufall, dass es eine Theorie gibt, dass die Renaissance damit begann, dass sich die Künstler mit dem Rahmen des vorherrschenden „byzantinischen“ Stils nicht mehr zufriedengaben und sich auf der Suche nach Vorbildern für ihre Arbeit als erste an sie wandten zur Antike. Der Begriff „Renaissance“ (Renaissance) wurde vom Denker und Künstler der Epoche selbst, Giorgio Vasari („Biographie berühmter Maler, Bildhauer und Architekten“), eingeführt. So nannte er die Zeit von 1250 bis 1550. Aus seiner Sicht war dies die Zeit der Wiederbelebung der Antike. Für Vasari erscheint die Antike in idealer Weise.

In der Zukunft hat sich der Inhalt des Begriffs weiterentwickelt. Die Wiederbelebung bedeutete die Emanzipation von Wissenschaft und Kunst von der Theologie, eine Abkühlung zur christlichen Ethik, die Geburt nationaler Literaturen, den Wunsch des Menschen nach Freiheit von den Beschränkungen der katholischen Kirche. Das heißt, die Renaissance begann im Wesentlichen zu bedeuten Humanismus.

WIEDERBELEBUNG, RENAISSANCE(Französische Renaissance - Wiedergeburt) - eine der größten Epochen, Wendepunkt in der Entwicklung der Weltkunst zwischen Mittelalter und Neuzeit. Die Renaissance umfasst die XIV-XVI Jahrhunderte. in Italien, XV-XVI Jahrhundert. in anderen europäischen Ländern. Diese Periode der Kulturentwicklung erhielt ihren Namen - Renaissance (oder Renaissance) im Zusammenhang mit der Wiederbelebung des Interesses an antiker Kunst. Die damaligen Künstler kopierten jedoch nicht nur alte Muster, sondern gaben ihnen auch einen qualitativ neuen Inhalt. Die Renaissance sollte nicht als künstlerischer Stil oder Richtung betrachtet werden, da es in dieser Zeit verschiedene künstlerische Stile, Trends und Strömungen gab. Das ästhetische Ideal der Renaissance wurde auf der Grundlage einer neuen fortschrittlichen Weltanschauung - des Humanismus - geformt. Die reale Welt und der Mensch wurden zum höchsten Wert erklärt: Der Mensch ist das Maß aller Dinge. Die Rolle der kreativen Person hat besonders zugenommen.

Das humanistische Pathos der Zeit verkörperte sich am besten in der Kunst, die wie in früheren Jahrhunderten darauf abzielte, ein Bild des Universums zu vermitteln. Neu war, dass sie versuchten, das Materielle und das Geistige zu einem Ganzen zu vereinen. Es war schwierig, eine Person zu finden, die der Kunst gleichgültig gegenüberstand, aber der bildenden Kunst und der Architektur wurde der Vorzug gegeben.

Italienische Malerei des 15. Jahrhunderts meist monumental (Fresken). Unter den bildenden Künsten nimmt die Malerei einen Spitzenplatz ein. Es entspricht am ehesten dem Renaissance-Prinzip der „Nachahmung der Natur“. Auf der Grundlage des Naturstudiums entsteht ein neues visuelles System. Er leistete einen würdigen Beitrag zur Entwicklung des Verständnisses von Volumen, seiner Übertragung mit Hilfe von Hell-Dunkel der Maler Masaccio. Die Entdeckung und wissenschaftliche Fundierung der Gesetzmäßigkeiten der Längs- und Luftperspektive beeinflusste maßgeblich das weitere Schicksal der europäischen Malerei. Eine neue plastische Sprache der Skulptur entsteht, ihr Begründer war Donatello. Er belebte die freistehende runde Statue wieder. Sein bestes Werk ist die Skulptur von David (Florenz).

In der Architektur werden die Prinzipien des antiken Ordnungssystems wiederbelebt, die Bedeutung der Proportionen erhöht, neue Gebäudetypen geformt (Stadtschloss, Landvilla usw.), die Architekturtheorie und das Konzept einer idealen Stadt entwickelt werden. Der Architekt Brunelleschi baute Gebäude, in denen er das antike Architekturverständnis mit den Traditionen der Spätgotik verband und zu einer neuen figurativen Spiritualität der Architektur gelangte, die den Alten unbekannt war. Während der Hochrenaissance wurde das neue Weltbild am besten in den Werken von Künstlern verkörpert, die zu Recht als Genies bezeichnet werden: Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione und Tizian. Die letzten zwei Drittel des 16. Jahrhunderts genannt Spätrenaissance. Zu diesem Zeitpunkt erfasst die Krise die Kunst. Es wird geregelt, höfisch, verliert seine Wärme und Natürlichkeit. Einzelne große Künstler - Tizian, Tintoretto - schaffen jedoch in dieser Zeit weiterhin Meisterwerke.

Die italienische Renaissance hatte einen großen Einfluss auf die Kunst Frankreichs, Spaniens, Deutschlands, Englands und Russlands.

Der Aufstieg in der Entwicklung der Kunst der Niederlande, Frankreichs und Deutschlands (XV-XVI Jahrhunderte) wird als Nordrenaissance bezeichnet. Das Werk der Maler Jan van Eyck, P. Brueghel d. Ä. ist der Höhepunkt dieser Periode der Kunstentwicklung. In Deutschland war A. Dürer der größte Künstler der deutschen Renaissance.

Die Entdeckungen der Renaissance auf dem Gebiet der geistigen Kultur und Kunst waren von großer historischer Bedeutung für die Entwicklung der europäischen Kunst in den folgenden Jahrhunderten. Das Interesse an ihnen hält bis heute an.

Die Renaissance in Italien durchlief mehrere Phasen: Frührenaissance, Hochrenaissance, Spätrenaissance. Florenz wurde zum Geburtsort der Renaissance. Die Grundlagen der neuen Kunst wurden von dem Maler Masaccio, dem Bildhauer Donatello und dem Architekten F. Brunelleschi entwickelt.

Der erste, der Gemälde anstelle von Ikonen schuf, war der größte Meister der Proto-Renaissance Giotto. Er war der erste, der sich bemühte, christliche ethische Ideen durch die Darstellung echter menschlicher Gefühle und Erfahrungen zu vermitteln, wobei er die Symbolik durch die Darstellung realer Räume und bestimmter Objekte ersetzte. Auf den berühmten Fresken von Giotto in Arena-Kapelle in Padua neben den Heiligen sieht man ganz ungewöhnliche Gestalten: Hirten oder einen Spinner. Jede einzelne Person in Giotto bringt ganz bestimmte Erfahrungen, einen bestimmten Charakter zum Ausdruck.

In der Ära der Frührenaissance in der Kunst findet die Entwicklung des alten künstlerischen Erbes statt, neue ethische Ideale werden gebildet, Künstler wenden sich den Errungenschaften der Wissenschaft (Mathematik, Geometrie, Optik, Anatomie) zu. Die führende Rolle bei der Bildung der ideologischen und stilistischen Prinzipien der Kunst der Frührenaissance wird von gespielt Florenz. In den Bildern von Meistern wie Donatello, Verrocchio dominiert die Reiterstatue des Condottiere Gattamelata David von Donatello die heroischen und patriotischen Prinzipien ("St. George" und "David" von Donatello und "David" von Verrocchio).

Masaccio war der Begründer der Renaissance-Malerei.(Wandmalereien in der Brancacci-Kapelle, "Dreifaltigkeit") verstand es Masaccio, die Tiefe des Raumes zu vermitteln, Figur und Landschaft mit einer einzigen kompositorischen Idee zu verbinden und den einzelnen Porträts Ausdruckskraft zu verleihen.

Aber die Entstehung und Entwicklung des bildlichen Porträts, das das Interesse der Renaissancekultur am Menschen widerspiegelte, sind mit den Namen der Künstler der Umrbi-Schule verbunden: Piero della Francesca, Pinturicchio.

Das Werk des Künstlers sticht in der Frührenaissance hervor Sandro Botticelli. Seine Bilder sind vergeistigt und poetisch. Die Forscher bemerken die Abstraktion und den raffinierten Intellektualismus in den Werken des Künstlers, seinen Wunsch, mythologische Kompositionen mit kompliziertem und verschlüsseltem Inhalt zu schaffen ("Frühling", "Die Geburt der Venus"). Einer von Botticellis Biographen sagte, dass seine Madonnen und Venus den Eindruck erwecken Verlust, der uns ein Gefühl unauslöschlicher Traurigkeit verursacht... Einige von ihnen haben den Himmel verloren, andere - die Erde.

"Frühling" "Geburt der Venus"

Der Höhepunkt in der Entwicklung der ideologischen und künstlerischen Prinzipien der italienischen Renaissance ist Hochrenaissance. Der Begründer der Kunst der Hochrenaissance ist Leonardo da Vinci - großartiger Künstler und Wissenschaftler.

Er erschuf ganze Linie Meisterwerke: „Mona Lisa“ („La Gioconda“) Genau genommen zeichnet das Gesicht der Gioconda Zurückhaltung und Ruhe aus, darin das Lächeln, das ihren Weltruhm begründete und das später aus den Werken Leonardos nicht mehr wegzudenken ist Schule kaum wahrnehmbar. Doch in dem sanft schmelzenden Schleier, der Gesicht und Figur umhüllt, gelang es Leonardo, die grenzenlose Variabilität der menschlichen Mimik fühlbar zu machen. Obwohl die Augen der Gioconda den Betrachter aufmerksam und ruhig anblicken, könnte man aufgrund der Schattierung ihrer Augenhöhlen meinen, dass sie leicht die Stirn runzeln; Ihre Lippen sind zusammengepresst, aber kaum wahrnehmbare Schatten zeichnen sich in der Nähe ihrer Ecken ab, was Sie glauben lässt, dass sie sich jede Minute öffnen, lächeln, sprechen werden. Schon der Kontrast zwischen ihrem Blick und dem halben Lächeln auf ihren Lippen lässt erahnen, wie widersprüchlich ihre Erfahrungen sind. Nicht umsonst quälte Leonardo sein Model mit langen Sessions. Wie keinem anderen gelang es ihm, in diesem Bild Schatten, Schattierungen und Halbtöne zu vermitteln, die ein Gefühl von zitterndem Leben entstehen lassen. Kein Wunder, dass Vasari dachte, dass man am Hals der Mona Lisa sehen kann, wie eine Ader schlägt.

Im Porträt von Gioconda hat Leonardo nicht nur den Körper und die ihn umgebende Luftumgebung perfekt inszeniert. Er hat auch ein Verständnis dafür eingebracht, was das Auge braucht, damit ein Bild einen harmonischen Eindruck macht, weshalb alles so aussieht, als wären die Formen natürlich aus dem anderen entstanden, wie es in der Musik geschieht, wenn eine gespannte Dissonanz aufgelöst wird durch einen harmonischen Akkord. Gioconda ist perfekt in ein streng proportionales Rechteck eingeschrieben, ihre Halbfigur bildet etwas Ganzes, gefaltete Hände geben ihrem Bild Vollständigkeit. Jetzt konnte natürlich von den bizarren Locken der frühen Verkündigung keine Rede sein. Doch wie weich alle Konturen auch sein mögen, die wellige Haarlocke der Gioconda harmoniert mit dem durchsichtigen Schleier, und der über die Schulter geworfene Stoff findet ein Echo in den glatten Windungen der fernen Straße. In all dem zeigt Leonardo seine Fähigkeit, nach den Gesetzen von Rhythmus und Harmonie zu schaffen. „In technischer Hinsicht galt Mona Lisa immer als etwas Unerklärliches. Jetzt glaube ich, kann ich dieses Rätsel lösen“, sagt Frank. Ihm zufolge verwendete Leonardo die von ihm entwickelte Technik "sfumato" (italienisch "sfumato", wörtlich - "verschwand wie Rauch"). Der Trick besteht darin, dass Objekte in den Gemälden keine klaren Grenzen haben sollten, alles sollte nahtlos ineinander übergehen, die Umrisse von Objekten werden mit Hilfe des sie umgebenden Licht-Luft-Schleiers weicher. Die Hauptschwierigkeit dieser Technik liegt in den kleinsten Strichen (etwa ein Viertel Millimeter), die weder unter dem Mikroskop noch mit Röntgenstrahlen einer Erkennung zugänglich sind. So dauerte es mehrere hundert Sitzungen, um ein da Vinci-Gemälde zu malen. Das Bild der Mona Lisa besteht aus etwa 30 Schichten flüssiger, fast durchsichtiger Ölfarbe. Für solche Schmuckarbeiten musste der Künstler offenbar eine Lupe verwenden. Vielleicht erklärt die Verwendung einer so mühsamen Technik die lange Arbeit an dem Porträt - fast 4 Jahre.

, "Das letzte Abendmahl" hinterlässt einen bleibenden Eindruck. An der Wand entfaltet sich das uralte Gospel-Drama des betrogenen Vertrauens, als würde es sie überwinden und den Betrachter in die Welt der Harmonie und der majestätischen Visionen entführen. Und dieses Drama findet seine Auflösung in einem allgemeinen Impuls, der sich an die Hauptfigur richtet - einen Ehemann mit traurigem Gesicht, der das Geschehen als unvermeidlich hinnimmt. Christus hatte gerade zu seinen Jüngern gesagt: "Einer von euch wird mich verraten." Der Verräter sitzt bei den anderen; Die alten Meister stellten Judas separat sitzend dar, aber Leonardo brachte seine düstere Isolation viel überzeugender zur Geltung, indem er seine Züge mit einem Schatten verhüllte. Christus ist seinem Schicksal unterwürfig, voller Bewusstsein des Opfers seiner Leistung. Sein geneigter Kopf mit gesenkten Augen, die Geste seiner Hände sind unendlich schön und majestätisch. Durch das Fenster hinter seiner Figur öffnet sich eine bezaubernde Landschaft. Christus ist das Zentrum der ganzen Komposition, all dieses Wirbels von Leidenschaften, die herumtoben. Seine Traurigkeit und Ruhe sind sozusagen ewig, natürlich - und das ist die tiefe Bedeutung des gezeigten Dramas.Er suchte die Quellen perfekter Kunstformen in der Natur, aber N. Berdyaev sieht ihn für den kommenden Prozess verantwortlich der Mechanisierung und Mechanisierung des menschlichen Lebens, die eine Person aus der Natur gerissen hat.

Malerei erreicht klassische Harmonie in der Kreativität Raffael. Seine Kunst entwickelt sich von den frühen, kühlen umbrischen Madonnenbildern (Madonna Conestabile) zur Welt des „glücklichen Christentums“ der florentinischen und römischen Werke. „Madonna mit Stieglitz“ und „Madonna im Sessel“ sind weich, menschlich und sogar gewöhnlich in ihrer Menschlichkeit.

Aber das Bild der "Sixtinischen Madonna" ist majestätisch und verbindet symbolisch die himmlische und die irdische Welt. Raphael ist vor allem als Schöpfer sanfter Madonnenbilder bekannt. Aber in der Malerei verkörperte er sowohl das Ideal des universellen Menschen der Renaissance (Porträt von Castiglione) als auch das Drama historischer Ereignisse. Die Sixtinische Madonna (um 1513, Dresden, Gemäldegalerie) ist eines der inspirierendsten Werke des Künstlers. Geschrieben als Altarbild für die Kirche des Klosters St. Sixtus in Piacenza unterscheidet sich dieses Gemälde in Gestaltung, Komposition und Bildinterpretation deutlich von den Madonnen der Florentiner Zeit. Anstelle eines intimen und irdischen Bildes eines schönen jungen Mädchens, das herablassend den Vergnügungen zweier Babys folgt, haben wir hier eine wundervolle Vision, die plötzlich am Himmel auftauchte, weil jemand einen Vorhang zurückgezogen hatte. Umgeben von goldenem Glanz, feierlich und majestätisch schreitet Maria durch die Wolken, das Christkind vor sich haltend. Links und rechts knien vor ihrem St. Sixtus und St. Barbara. Die symmetrische, streng ausbalancierte Komposition, die Klarheit der Silhouette und die monumentale Verallgemeinerung der Formen verleihen der Sixtinischen Madonna eine besondere Erhabenheit.

In diesem Bild gelang es Raphael vielleicht mehr als anderswo, die lebensechte Wahrhaftigkeit des Bildes mit den Merkmalen idealer Perfektion zu verbinden. Das Bild der Madonna ist komplex. Die berührende Reinheit und Naivität einer sehr jungen Frau verbindet sich in ihm mit fester Entschlossenheit und heroischer Opferbereitschaft. Dieses Heldentum lässt das Bild der Madonna mit den besten Traditionen des italienischen Humanismus in Verbindung stehen. Die Kombination von Ideal und Wirklichkeit in diesem Bild erinnert an die bekannten Worte Rafaels aus einem Brief an seinen Freund B. Castiglione. „Und ich werde Ihnen sagen“, schrieb Raphael, „dass ich, um eine Schönheit zu schreiben, viele Schönheiten sehen muss … aber aufgrund eines Mangels … an schöne Frauen, verwende ich eine Idee, die mir in den Sinn kommt. Ob es irgendeine Perfektion hat, weiß ich nicht, aber ich bemühe mich sehr, es zu erreichen. Diese Worte bringen Licht ins Dunkel kreative Methode Künstler. Ausgehend von der Realität und sich auf sie verlassend, strebt er zugleich danach, das Bild über alles Zufällige und Vergängliche zu erheben.

Michelangelo(1475-1564) - zweifellos einer der inspirierendsten Künstler der Kunstgeschichte und neben Leonardo da Vinci die mächtigste Figur der italienischen Hochrenaissance. Als Bildhauer, Architekt, Maler und Dichter hatte Michelangelo einen enormen Einfluss auf seine Zeitgenossen und auf die spätere westliche Kunst im Allgemeinen.

Er betrachtete sich als Florentiner – obwohl er am 6. März 1475 in dem kleinen Dorf Caprese nahe der Stadt Arezzo geboren wurde. Michelangelo liebte seine Stadt, ihre Kunst und Kultur sehr und trug diese Liebe bis ans Ende seiner Tage. Er verbrachte die meisten seiner reifen Jahre in Rom und arbeitete für die Päpste; er hinterließ jedoch ein Testament, wonach sein Leichnam in Florenz in einem wunderschönen Grab in der Kirche Santa Croce beerdigt wurde.

Michelangelo vollendete die Marmorskulptur Pieta(Beweinung Christi) (1498-1500), die sich noch an ihrem ursprünglichen Standort - im Petersdom - befindet. Dies ist einer der meisten Berühmte Werke in der Geschichte der Weltkunst. Die Pieta wurde wahrscheinlich von Michelangelo fertiggestellt, bevor er 25 Jahre alt war. Dies ist das einzige Werk, das er signiert hat. Die junge Maria ist mit dem toten Christus auf den Knien dargestellt, ein Bild, das der nordeuropäischen Kunst entlehnt ist. Marys Blick ist weniger traurig als ernst. Dies ist der Höhepunkt des Schaffens des jungen Michelangelo.

Nicht weniger bedeutendes Werk des jungen Michelangelo war ein riesiges (4,34 m) Marmorbild David(Akademie, Florenz), hingerichtet zwischen 1501 und 1504, nach Rückkehr nach Florenz. Held Altes Testament dargestellt von Michelangelo in Form eines gutaussehenden, muskulösen, nackten jungen Mannes, der ängstlich in die Ferne blickt, als würde er seinen Feind abschätzen - Goliath, mit dem er kämpfen muss. Der lebendige, angespannte Ausdruck von Davids Gesicht ist charakteristisch für viele Werke Michelangelos – ein Zeichen seiner individuellen skulpturalen Art. Der David, Michelangelos berühmteste Skulptur, ist zu einem Symbol von Florenz geworden und wurde ursprünglich auf der Piazza della Signoria vor dem Palazzo Vecchio, dem Florentiner Rathaus, aufgestellt. Mit dieser Statue bewies Michelangelo seinen Zeitgenossen, dass er nicht nur alle zeitgenössischen Künstler, sondern auch die Meister der Antike übertroffen hat.

Malerei auf dem Gewölbe der Sixtinischen Kapelle 1505 wurde Michelangelo von Papst Julius II. nach Rom gerufen, um zwei Aufträge zu erfüllen. Das wichtigste war die Freskenmalerei des Gewölbes der Sixtinischen Kapelle. Auf hohen Gerüsten direkt unter der Decke liegend schuf Michelangelo zwischen 1508 und 1512 die schönsten Illustrationen zu einigen biblischen Geschichten. Auf dem Gewölbe der päpstlichen Kapelle stellte er neun Szenen aus dem Buch Genesis dar, beginnend mit der Trennung des Lichts von der Dunkelheit und einschließlich der Erschaffung Adams, der Erschaffung Evas, der Versuchung und des Falls von Adam und Eva und der Sintflut . Um die Hauptgemälde herum wechseln sich Bilder von Propheten und Sibyllen auf Marmorthronen, anderen alttestamentlichen Figuren und den Vorfahren Christi ab.

Zur Vorbereitung dieses großartigen Werkes fertigte Michelangelo eine Vielzahl von Skizzen und Kartons an, auf denen er die Figuren der Dargestellten in unterschiedlichen Posen darstellte. Diese majestätischen, kraftvollen Bilder beweisen das meisterhafte Verständnis des Künstlers für die menschliche Anatomie und Bewegung, das der westeuropäischen Kunst eine neue Richtung gab.

Zwei weitere ausgezeichnete Statuen, Gebundener Gefangener und Tod eines Sklaven(beide um 1510-13) befinden sich im Louvre, Paris. Sie demonstrieren Michelangelos Herangehensweise an die Skulptur. Seiner Meinung nach sind die Figuren einfach im Marmorblock eingeschlossen, und es ist die Aufgabe des Künstlers, sie zu befreien, indem er den überschüssigen Stein entfernt. Oft ließ Michelangelo die Skulpturen unvollendet, entweder weil sie nicht mehr benötigt wurden oder weil sie einfach das Interesse für den Künstler verloren hatten.

Bibliothek von San Lorenzo Das Projekt des Grabes von Julius II erforderte ein Architekturstudium, aber Michelangelos ernsthafte Arbeit auf dem Gebiet der Architektur begann erst 1519, als er den Auftrag erhielt, die Fassade der Bibliothek von St. Lawrence in Florenz zu gestalten, wohin der Künstler wieder zurückkehrte ( dieses Projekt wurde nie umgesetzt). In den 1520er Jahren entwarf er auch die elegante Eingangshalle der Bibliothek neben der Kirche San Lorenzo. Diese Strukturen wurden nur wenige Jahrzehnte nach dem Tod des Autors fertiggestellt.

Michelangelo, ein Anhänger der republikanischen Fraktion, nahm in den Jahren 1527-29 am Krieg gegen die Medici teil. Zu seinen Aufgaben gehörten der Bau und Wiederaufbau der Befestigungsanlagen von Florenz.

Medici-Kapellen. Nachdem er längere Zeit in Florenz gelebt hatte, vollendete Michelangelo zwischen 1519 und 1534 den Auftrag der Familie Medici, zwei Gräber in der neuen Sakristei der Kirche San Lorenzo zu errichten. In einem Saal mit hohem Kuppelgewölbe errichtete der Künstler an den Wänden zwei prächtige Gräber, bestimmt für Lorenzo De Medici, Herzog von Urbino, und für Giuliano De Medici, Herzog von Nemours. Zwei komplexe Gräber wurden als Darstellungen gegensätzlicher Typen konzipiert: Lorenzo – ein in sich eingeschlossener, nachdenklicher, zurückgezogener Mensch; Giuliano hingegen ist aktiv, offen. Über dem Grab von Lorenzo platzierte der Bildhauer allegorische Skulpturen von Morgen und Abend und über dem Grab von Giuliano - Allegorien von Tag und Nacht. Die Arbeit an den Medici-Gräbern wurde fortgesetzt, nachdem Michelangelo 1534 nach Rom zurückgekehrt war. Er besuchte seine geliebte Stadt nie wieder.

Jüngstes Gericht

Von 1536 bis 1541 arbeitete Michelangelo in Rom an der Bemalung der Altarwand der Sixtinischen Kapelle im Vatikan. Das größte Fresko der Renaissance stellt den Tag des Jüngsten Gerichts dar. Christus teilt mit einem feurigen Blitz in der Hand unaufhaltsam alle Bewohner der Erde in die geretteten Gerechten, die auf der linken Seite der Komposition dargestellt sind, und die Sünder, die in sie hinabsteigen Dantes Hölle (linke Seite des Freskos). Strikt seiner eigenen Tradition folgend malte Michelangelo ursprünglich alle Figuren nackt, aber ein Jahrzehnt später „kleidete“ ein puritanischer Künstler sie an, als das kulturelle Klima konservativer wurde. Michelangelo hinterließ sein eigenes Selbstporträt auf dem Fresko – sein Gesicht ist leicht auf der abgerissenen Haut des heiligen Märtyrer-Apostels Bartholomäus zu erahnen.

Obwohl Michelangelo in dieser Zeit andere malerische Aufträge hatte, wie zum Beispiel die Kapelle des Apostels Paulus (1940), versuchte er zunächst, seine ganze Kraft der Architektur zu widmen.

Kuppel des Petersdoms. 1546 wurde Michelangelo zum Chefarchitekten des im Bau befindlichen Petersdoms im Vatikan ernannt. Das Gebäude wurde nach den Plänen von Donato Bramante gebaut, aber Michelangelo wurde letztendlich für den Bau der Altarapsis und für die Entwicklung der technischen und künstlerischen Lösung für die Kuppel der Kathedrale verantwortlich. Die Vollendung des Baus des Petersdoms war die höchste Errungenschaft des Florentiner Meisters auf dem Gebiet der Architektur. Während seines langen Lebens war Michelangelo ein enger Freund von Fürsten und Päpsten, von Lorenzo de Medici bis Leo X., Clemens VIII. und Pius III., sowie vielen Kardinälen, Malern und Dichtern. Der Charakter des Künstlers, seine Lebensstellung ist durch seine Werke schwer eindeutig zu erfassen – so vielfältig sind sie. Außer vielleicht in der Poesie wandte sich Michelangelo in seinen eigenen Gedichten häufiger und intensiver Fragen der Kreativität und seines Platzes in der Kunst zu. Einen großen Platz in seinen Gedichten nehmen die Probleme und Schwierigkeiten ein, mit denen er sich bei seiner Arbeit auseinandersetzen musste, sowie die persönlichen Beziehungen zu den prominentesten Vertretern dieser Zeit.Lodovico Ariosto, einer der berühmtesten Dichter der Renaissance, schrieb ein Epitaph für ihn Das berühmter Künstler: "Michele ist mehr als ein Sterblicher, er ist ein göttlicher Engel."

Sergej Chromow

Obwohl keine einzige ideale Stadt in Stein verkörpert war, fanden ihre Ideen Leben in echte Städte Renaissance...

Fünf Jahrhunderte trennen uns von der Zeit, als sich Architekten erstmals mit Fragen des Wiederaufbaus der Stadt befassten. Und dieselben Fragen beschäftigen uns heute: Wie entstehen neue Städte? Wie baut man die alten wieder auf - um einzelne Ensembles darin unterzubringen oder alles abzureißen und neu aufzubauen? Und vor allem - welche Idee, in einer neuen Stadt zu liegen?

Die Meister der Renaissance verkörperten jene Ideen, die bereits in der antiken Kultur und Philosophie erklangen: die Ideen des Humanismus, die Harmonie von Natur und Mensch. Man wendet sich wieder Platons Traum von einem idealen Staat und einer idealen Stadt zu. Das neue Bild der Stadt entsteht zunächst als Bild, als Formel, als Idee, die – wie viele andere Erfindungen des italienischen Quattrocento – ein mutiger Anspruch an die Zukunft ist.

Im Städtebau der Renaissance entwickeln sich Theorie und Praxis parallel. Neue Gebäude werden gebaut und alte umgebaut, architektonische Ensembles und gleichzeitig werden Abhandlungen geschrieben, der Architektur gewidmet, Planung und Befestigung von Städten. Unter ihnen sind die berühmten Werke von Alberti und Palladio, Schemata der idealen Städte von Filarete, Scamozzi und anderen. Die Idee der Autoren ist den Bedürfnissen des praktischen Bauens weit voraus: Sie beschreiben nicht abgeschlossene Projekte, nach dem man eine bestimmte Stadt planen kann, und eine grafisch dargestellte Idee, das Konzept der Stadt. Es werden Überlegungen zur Lage der Stadt unter wirtschaftlichen, hygienischen, Verteidigungs- und ästhetischen Gesichtspunkten angestellt. Gesucht wird nach optimalen Plänen für Wohngebiete und urbane Zentren, Gärten und Parks. Fragen der Komposition, Harmonie, Schönheit, Proportionen werden untersucht. In diesen Idealkonstruktionen zeichnet sich die Planung der Stadt durch Rationalismus, geometrische Klarheit, zentrische Komposition und Harmonie zwischen dem Ganzen und den Teilen aus. Was schließlich die Architektur der Renaissance von anderen Epochen unterscheidet, ist der Mensch, der im Mittelpunkt all dieser Konstruktionen steht. Die Aufmerksamkeit für die menschliche Person war sogar so groß architektonische Strukturen verglichen menschlicher Körper als Maßstab für perfekte Proportionen und Schönheit.

Theorie

In den 50er Jahren des 15. Jahrhunderts. Die Abhandlung „Zehn Bücher über Architektur“ von Leon Alberti erscheint. Es war im Wesentlichen die erste theoretische Arbeit der neuen Ära zu diesem Thema. Es befasst sich mit vielen Fragen der Stadtplanung, von der Standortwahl über die Stadtplanung bis hin zu Gebäudetypologie und Ausstattung. Von besonderem Interesse sind seine Argumente zur Schönheit. Alberti schrieb, dass "Schönheit eine streng proportionale Harmonie aller Teile ist, vereint durch das, wozu sie gehören - so dass nichts hinzugefügt, weggenommen oder verändert werden kann, ohne es zu verschlimmern." Tatsächlich war Alberti der Erste, der die Grundprinzipien des urbanen Ensembles der Renaissance verkündete und den antiken Sinn für Proportionen mit dem rationalistischen Beginn einer neuen Ära verband. Das gegebene Verhältnis der Höhe des Gebäudes zum davor befindlichen Raum (von 1:3 bis 1:6), die Konsistenz der architektonischen Maßstäbe der Haupt- und Nebengebäude, die Ausgewogenheit der Komposition und das Fehlen von dissonante Kontraste - das sind die ästhetischen Prinzipien der Städteplaner der Renaissance.

Die ideale Stadt begeisterte viele große Menschen der damaligen Zeit. Dachte an ihn und Leonardo da Vinci. Seine Idee war es, eine Stadt mit zwei Ebenen zu schaffen: Die obere Ebene war für Fußgänger- und Oberflächenstraßen vorgesehen, und die untere für Tunnel und Kanäle, die mit den Kellern von Häusern verbunden sind, durch die sich der Güterverkehr bewegt. Bekannt für seine Pläne zum Wiederaufbau von Mailand und Florenz sowie dem Projekt einer Spindelstadt.

Ein weiterer prominenter Stadttheoretiker war Andrea Palladio. In seiner Abhandlung „Four Books on Architecture“ reflektiert er die Integrität des urbanen Organismus und die Beziehung seiner räumlichen Elemente. Er sagt: "Eine Stadt ist nichts anderes als eine Art großes Haus, und umgekehrt ist ein Haus eine Art kleine Stadt." Über das städtische Ensemble schreibt er: „Schönheit ist das Ergebnis von schöne Form und die Übereinstimmung des Ganzen mit den Teilen, der Teile untereinander und auch der Teile mit dem Ganzen. Einen herausragenden Platz in der Abhandlung nimmt das Innere von Gebäuden, ihre Dimensionen und Proportionen ein. Palladio versucht, den Außenraum der Straßen mit dem Inneren von Häusern und Höfen organisch zu verbinden.

Gegen Ende des 16. Jahrhunderts. Viele Theoretiker wurden von den Themen Einzelhandelsflächen und Befestigungen angezogen. So widmet Giorgio Vasari Jr. in seiner idealen Stadt der Entwicklung von Plätzen, Einkaufspassagen, Loggien und Palästen große Aufmerksamkeit. Und in den Projekten von Vicenzo Scamozzi und Buanayuto Lorrini nehmen Fragen der Festungskunst einen bedeutenden Platz ein. Dies war eine Reaktion auf die Ordnung der Zeit - mit der Erfindung von Sprenggranaten wurden die Festungsmauern und Türme durch Erdbastionen ersetzt, aus den Stadtgrenzen entfernt, und die Stadt begann, in ihren Umrissen einem vielstrahligen Stern zu ähneln . Diese Ideen wurden in der tatsächlich gebauten Festung von Palmanova verkörpert, deren Errichtung Scamozzi zugeschrieben wird.

Üben

Obwohl mit Ausnahme kleiner Festungsstädte keine einzige ideale Stadt in Stein gemeißelt wurde, wurden viele ihrer Konstruktionsprinzipien bereits im 16. Jahrhundert in die Realität umgesetzt. Zu dieser Zeit wurden in Italien und anderen Ländern gerade breite Straßen angelegt, die wichtige Elemente des städtischen Ensembles verbanden, neue Plätze wurden geschaffen, alte umgebaut, und später entstanden Parks und Palastensembles mit regelmäßiger Struktur.

Trotz der Tatsache, dass die Kunst der Renaissance der Kunst des Mittelalters ausreichend entgegengesetzt war, fügte sie sich leicht und organisch in mittelalterliche Städte ein. In ihrer praktischen Tätigkeit wandten die Renaissance-Architekten das Prinzip an, „einen neuen zu bauen, ohne den alten zu zerstören“. Es gelang ihnen, überraschend harmonische Ensembles zu schaffen, nicht nur aus Gebäuden des gleichen Stils, wie auf den Plätzen von Annuziata in Florenz (entworfen von Filippo Brunelleschi) und dem Kapitol in Rom (entworfen von Michelangelo), sondern auch Gebäude aus zu kombinieren verschiedene Zeiten in einer Komposition. Also auf dem Platz von St. Markus in Venedig verbinden sich mittelalterliche Bauten zu einem architektonischen und räumlichen Ensemble mit Neubauten des 16. Jahrhunderts. Und in Florenz, von der Piazza della Signoria mit dem mittelalterlichen Palazzo Vecchio, schließt sich harmonisch die von Giorgio Vasari entworfene Uffizien-Straße an. Darüber hinaus kombiniert das Ensemble der Florentiner Kathedrale Santa Maria del Fiore (Brunelleschis Rekonstruktion) drei perfekt architektonischer Stil: Romanik, Gotik und Renaissance.

Die Stadt des Mittelalters und die Stadt der Renaissance

Die Idealstadt der Renaissance erschien als eine Art Protest gegen das Mittelalter, ausgedrückt in der Entwicklung antiker städtebaulicher Prinzipien. Anders als die mittelalterliche Stadt, die als freundliches, wenn auch unvollkommenes Ebenbild des „himmlischen Jerusalems“ wahrgenommen wurde, der Verkörperung nicht eines menschlichen, sondern eines göttlichen Plans, wurde die Stadt der Renaissance von einem menschlichen Schöpfer geschaffen. Der Mensch kopierte nicht einfach das, was bereits existierte, er schuf etwas Perfekteres und tat es in Übereinstimmung mit der "göttlichen Mathematik". Die Stadt der Renaissance wurde für den Menschen geschaffen und musste der irdischen Weltordnung, ihrer realen sozialen, politischen und alltäglichen Struktur entsprechen.

Die mittelalterliche Stadt ist von mächtigen Mauern umgeben, von der Welt abgeschottet, ihre Häuser gleichen eher Festungen mit ein paar Schießscharten. Die Stadt der Renaissance ist offen, sie verteidigt sich nicht gegen die Außenwelt, sie kontrolliert sie, unterwirft sie. Die Mauern von Gebäuden, die begrenzen, vereinen die Räume von Straßen und Plätzen mit Höfen und Räumen. Sie sind durchlässig - sie haben viele Öffnungen, Arkaden, Kolonnaden, Zufahrten, Fenster.

Wenn die mittelalterliche Stadt die Platzierung architektonischer Volumen ist, dann ist die Stadt der Renaissance in größerem Maße die Verteilung architektonischer Räume. Zentrum der Neustadt ist nicht der Dombau oder das Rathaus, sondern der nach oben und zu den Seiten hin offene Freiraum des Hauptplatzes. Sie betreten das Gebäude und verlassen es auf der Straße und dem Platz. Und wenn die mittelalterliche Stadt kompositorisch zu ihrem Zentrum gezogen wird – sie ist zentripetal, dann ist die Stadt der Renaissance zentrifugal – sie ist darauf ausgerichtet Außenwelt.

Die mittelalterliche Stadt folgt der natürlichen Landschaft und nutzt sie für ihre eigenen Zwecke. Die Stadt der Renaissance ist eher ein Kunstwerk, ein „Geometriespiel“. Der Architekt modifiziert das Gelände, indem er ihm ein geometrisches Raster aus gezeichneten Räumen überlagert. Eine solche Stadt hat eine klare Form: ein Kreis, ein Quadrat, ein Achteck, ein Stern; sogar die Flüsse werden darin begradigt.

Die mittelalterliche Stadt ist vertikal. Hier ist alles nach oben gerichtet, zum Himmel – fern und unzugänglich. Die Stadt der Renaissance ist horizontal, hier geht es vor allem um die Perspektive, das Streben in die Ferne, zu neuen Horizonten. Für einen mittelalterlichen Menschen ist der Weg zum Himmel ein Aufstieg, der durch Buße und Demut, Verzicht auf alles Irdische erreicht werden kann. Für die Menschen der Renaissance ist dies ein Aufstieg durch das Sammeln eigener Erfahrungen und das Verstehen der göttlichen Gesetze.

Der Traum von einer idealen Stadt beflügelte die kreative Suche vieler Architekten nicht nur der Renaissance, sondern auch späterer Zeiten, er führte und erleuchtete den Weg zu Harmonie und Schönheit. Die ideale Stadt existiert immer innerhalb der realen Stadt, so verschieden von ihr wie die Welt des Denkens von der Welt der Tatsachen, wie die Welt der Vorstellung von der Welt der Fantasie. Und wenn Sie träumen können wie die Meister der Renaissance, dann können Sie diese Stadt sehen – die Stadt der Sonne, die Stadt des Goldes.

Der Originalartikel befindet sich auf der Seite des Magazins "New Acropolis".