Ausländische Komponisten der Epoche der Romantik. Die Musikkultur der Romantik: Ästhetik, Themen, Genres und Musiksprache

Musik hat in der Ästhetik der Romantik einen besonderen Platz eingenommen. Sie wurde zum Vorbild und zur Norm für alle Bereiche der Kunst erklärt, da sie aufgrund ihrer Besonderheit die Bewegungen der Seele am vollsten zum Ausdruck bringen kann.„Musik beginnt, wenn Worte enden“ (G. Heine).

Am Anfang entwickelte sich die musikalische Romantik als RichtungXIXJahrhunderts und entwickelte sich in enger Verbindung mit verschiedenen Strömungen in Literatur, Malerei und Theater. Erste Stufe Die musikalische Romantik ist vertreten durch die Werke von F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, N. Paganini, G. Rossini; die nächste Stufe (1830-50er Jahre) - das Werk von F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, J. Verdi. Die Spätphase der Romantik reicht bis zum EndeXIXJahrhundert. Wenn also in Literatur und Malerei die romantische Richtung ihre Entwicklung im Grunde in der Mitte abschließtXIXJahrhunderts ist das Leben der musikalischen Romantik in Europa viel länger.

In der musikalischen Romantik, wie auch in anderen Formen der Kunst und Literatur, führte der Gegensatz zwischen der Welt der schönen, unerreichbaren Ideale und dem vom Spießertum und Spießertum durchdrungenen Alltag einerseits zu dramatischen Konflikten, der Dominanz von tragischen Motiven der Einsamkeit, Hoffnungslosigkeit, Irrfahrt usw. ., andererseits - die Idealisierung und Poetisierung der fernen Vergangenheit, des Volkslebens, der Natur. Wie die Gemütsverfassung eines Menschen ist auch die Natur in den Werken der Romantik meist von einem Gefühl der Disharmonie gefärbt.

Wie andere Romantiker waren auch die Musiker davon überzeugt, dass Gefühle eine tiefere Schicht der Seele sind als der Verstand:"Der Verstand irrt sich, Gefühle - niemals" (R. Schumann).

Das angeborene Interesse an romantischer Musik menschliche Persönlichkeit ausgedrückt in der Vorherrschaft vonpersönlicher ton . Die Offenlegung persönlicher Dramen erlangte unter Romantikern oft eine Konnotation.Autobiographie, die der Musik eine besondere Aufrichtigkeit verliehen. Also zum Beispiel viele Klavierwerke Schumann sind mit der Geschichte seiner Liebe zu Clara Wieck verbunden. Berlioz schrieb die autobiografische Symphonie „Fantastic“. Autobiographischer Charakter Wagner betonte seine Opern auf jede erdenkliche Weise.

Sehr oft verflochten mit dem Thema "lyrische Beichte"Thema Natur .

Die eigentliche Entdeckung romantischer Komponisten warFantasy-Thema. Erstmals lernte die Musik, mit rein musikalischen Mitteln märchenhaft-phantastische Bilder zu verkörpern. Bei OpernXVIII - XVIIIJahrhunderts „überirdische“ Gestalten (wie die Königin der Nacht aus Mozarts „ Zauberflöte“) sprach in der „allgemein akzeptierten“ musikalischen Sprache, die sich kaum vom Hintergrund echter Menschen abhob. Komponisten der Romantik haben gelernt, die Fantasiewelt als etwas ganz Bestimmtes zu vermitteln (mit Hilfe ungewöhnlicher Orchester- und Harmonikfarben). Ein markantes Beispiel ist die „Wolf Gulch Scene“ in Webers Magic Shooter.

Wenn XVIIIJahrhundert war die Ära der virtuosen Improvisatoren eines universellen Typs, die damals gleichermaßen geschickt im Singen, Komponieren und Spielen verschiedener Instrumente warenXIXdas Jahrhundert war eine Zeit beispielloser Begeisterung für die Kunst virtuoser Pianisten (K. M. Weber, F. Mendelssohn, F. Chopin, F. Liszt, I. Brahms).

Die Ära der Romantik hat sich völlig verändert " musikalische Geographie Frieden." Beeinflusst durch aktives Erwachen nationales Bewusstsein der Völker Europas avancierten junge Komponistenschulen Russlands, Polens, Ungarns, der Tschechischen Republik und Norwegens in die internationale Musikarena. Die Komponisten dieser Länder verkörpern die Bilder nationale Literatur, Geschichten, heimische Natur, stützte sich auf Intonationen und Rhythmen der einheimischen Folklore.

IN der höchste Grad Charakteristisch für die musikalische Romantik ist das Interesse anVolkskunst . Wie die romantischen Dichter, die auf Kosten der Folklore bereichert und aktualisiert haben literarische Sprache, Musiker wandten sich weithin der nationalen Folklore zu - Volkslieder, Balladen, Epos (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, I. Brahms, B. Smetana, E. Grieg, etc.). Sie verkörperten die Bilder der nationalen Literatur, der Geschichte und der einheimischen Natur, stützten sich auf die Intonationen und Rhythmen der nationalen Folklore und belebten die alten diatonischen Modi.Unter dem Einfluss der Folklore hat sich der Inhalt der europäischen Musik dramatisch verändert.

Neue Themen und Bilder erforderten die Entwicklung von Romantikernneue Mittel der musikalischen Sprache und die Prinzipien der Formgebung, Individualisierung der Melodie und Einführung von Sprachintonationen, Erweiterung der Klangfarbe und harmonischen Palette der Musik (natürliche Bünde, bunte Nebeneinanderstellungen von Dur und Moll usw.).

Denn im Mittelpunkt der Romantik steht nicht mehr die Menschheit als Ganzes, sondern besondere Person mit seinem einzigartigen Feelingund in den Ausdrucksmitteln weicht das Allgemeine immer mehr dem Individuellen, individuell Einmaligen. Der Anteil verallgemeinerter Intonationen in der Melodie, allgemein verwendeter Akkordfolgen in der Harmonie und typischer Muster in der Textur nimmt ab – all diese Mittel werden individualisiert. In der Orchestrierung wich das Prinzip der Ensemblegruppen dem Solospiel fast aller Orchesterstimmen.

Der wichtigste PunktÄsthetik musikalische Romantik wardie Idee der Kunstsynthese , die ihren deutlichsten Ausdruck findet in Oper Wagner und inProgrammmusik Berlioz, Schumann, Liszt.

Musikgenres in den Werken romantischer Komponisten

In der romantischen Musik kristallisieren sich deutlich drei Genregruppen heraus:

• Gattungen, die in der Kunst des Klassizismus einen untergeordneten Platz einnahmen (vor allem Lied und Klavierminiatur);
• Genres, die von den Romantikern der vorangegangenen Epoche wahrgenommen wurden (Oper, Oratorium, Sonaten-Symphonie-Zyklus, Ouvertüre);
• freie, poetische Gattungen (Balladen, Fantasien, Rhapsodien, symphonische Dichtungen). Das Interesse an ihnen erklärt sich aus dem Wunsch romantischer Komponisten nach freiem Selbstausdruck, der allmählichen Transformation von Bildern.

An der Spitze der Musikkultur steht die RomantikLied als ein Genre, das am besten geeignet ist, die innersten Gedanken eines Künstlers auszudrücken (während in der professionellen Arbeit von KomponistenXVIIIJahrhundert lyrisches Lied eine bescheidene Rolle zugewiesen wurde - sie diente hauptsächlich dazu, die Freizeit zu füllen). Schubert, Schumann, Liszt, Brahms, Grieg und andere arbeiteten auf dem Gebiet des Liedes.

Der typische romantische Komponist kreiert sehr direkt, spontan, auf Wunsch seines Herzens. Romantisches Weltverständnis ist kein konsequentes philosophisches Erfassen der Wirklichkeit, sondern eine augenblickliche Fixierung all dessen, was die Seele des Künstlers berührte. In dieser Hinsicht blühte das Genre in der Ära der Romantik aufMiniaturen (unabhängig oder in einem Zyklus mit anderen Miniaturen kombiniert). Dies ist nicht nur ein Lied und eine Romanze, sondern auch Instrumentalkompositionen -musikalische Momente, Impromptu, Präludien, Etüden, Nocturnes, Walzer, Mazurkas (in Verbindung mit dem Rückgriff auf Volkskunst) .

Viele romantische Gattungen verdanken ihren Ursprung der Poesie, ihren poetischen Formen. Das sind Sonette, Lieder ohne Worte, Kurzgeschichten, Balladen.

Eine der Leitideen der romantischen Ästhetik – die Idee eines Gesamtkunstwerks – stellte naturgemäß das Problem der Oper in den Mittelpunkt. Fast alle romantischen Komponisten wandten sich mit seltenen Ausnahmen (Brahms) der Operngattung zu.

Die der Romantik innewohnende persönliche, vertrauliche Ausdrucksweise verändert die klassischen Gattungen Symphonie, Sonate und Quartett vollkommen. Sie kriegenpsychologische und lyrisch-dramatische Interpretation. Viele Inhalte romantische Werke verbunden mitProgrammierung (Klavierzyklen Schumann, Liszts Wanderjahre, Berlioz’ Sinfonien, Mendelssohns Ouvertüre).

Mit seinem Vernunftkult. Sein Auftreten hatte verschiedene Gründe. Die wichtigsten von ihnen - Enttäuschung über das Ergebnis des Großen Französische Revolution das rechtfertigte die in sie gesetzten Hoffnungen nicht.

Für einen Romantiker Weltanschauung gekennzeichnet durch einen scharfen Konflikt zwischen Realität und Traum. Die Wirklichkeit ist niedrig und ungeistig, sie ist durchdrungen vom Geiste des Spießbürgertums, des Spießbürgertums und nur der Verleugnung wert. Ein Traum ist etwas Schönes, Perfektes, aber für den Verstand unerreichbares und unbegreifliches.

Die Romantik stellte der Prosa des Lebens das schöne Reich des Geistes, „das Leben des Herzens“, gegenüber. Romantiker glaubten, dass Gefühle eine tiefere Schicht der Seele bilden als der Verstand. Laut Wagner, "Der Künstler wendet sich dem Gefühl zu, nicht der Vernunft." Schumann sagte: "Der Verstand irrt, die Sinne nie." Es ist kein Zufall, dass die Musik zur idealen Kunstform erklärt wurde, die aufgrund ihrer Besonderheit die Bewegungen der Seele am vollständigsten zum Ausdruck bringt. Exakt Musik nahm in der Ära der Romantik einen führenden Platz im System der Künste ein.

Schließt in Literatur und Malerei die romantische Richtung ihre Entwicklung grundsätzlich ab Mitte des neunzehnten Jahrhunderts ist das Leben der musikalischen Romantik in Europa viel länger. Musikalische Romantik als Trend entwickelte sich in frühes XIX Jahrhunderts und entwickelte sich in enger Verbindung mit verschiedenen Strömungen in Literatur, Malerei und Theater. Die Anfangsphase der musikalischen Romantik wird durch die Arbeiten von E. T. A. Hoffmann, N. Paganini,; die nächste Stufe (1830-50er Jahre) - Kreativität,. Die Spätphase der Romantik reicht bis spätes XIX Jahrhundert.

Als Hauptproblem der romantischen Musik vorgebracht Persönlichkeitsproblem, und in einem neuen Licht - in seinem Konflikt mit der Außenwelt. romantischer Held für immer allein. Das Thema Einsamkeit ist vielleicht das beliebteste in der gesamten romantischen Kunst. Oft wird damit der Gedanke an verbunden kreative Persönlichkeit: ein Mensch ist einsam, wenn er gerade ein herausragender, begabter Mensch ist. Der Künstler, Dichter, Musiker sind die Lieblingsfiguren in den Werken der Romantik („Die Dichterliebe“ von Schumann mit dem Untertitel „Eine Episode aus dem Leben eines Künstlers“, Liszts Symphonische Dichtung „Tasso“).

Das tiefe Interesse an der menschlichen Persönlichkeit, das der romantischen Musik innewohnt, drückte sich in der Dominanz von aus persönlicher ton. Die Offenlegung des persönlichen Dramas, das oft von Romantikern übernommen wird Hinweis auf Autobiografie die der Musik eine besondere Aufrichtigkeit verliehen. So sind zum Beispiel viele mit der Geschichte seiner Liebe zu Clara Wieck verbunden. Der autobiografische Charakter seiner Opern wurde von Wagner stark betont.

Die Aufmerksamkeit für Gefühle führt zu einem Genrewechsel - der Dominante Position erwirbt Texte in denen Bilder der Liebe vorherrschen.

Sehr oft verflochten mit dem Thema "lyrische Beichte" Thema Natur. In Resonanz mit dem Geisteszustand einer Person, ist es normalerweise von einem Gefühl der Disharmonie geprägt. Die Entwicklung der Gattung und der lyrisch-epischen Symphonik ist eng mit den Naturbildern verbunden (eines der ersten Werke ist Schuberts „große“ Symphonie in C-Dur).

Die eigentliche Entdeckung romantischer Komponisten war Fantasy-Thema. Erstmals lernte die Musik, mit rein musikalischen Mitteln märchenhaft-phantastische Bilder zu verkörpern. In Opern des 17. – 18. Jahrhunderts sprachen „überirdische“ Gestalten (wie zB die Königin der Nacht) die „allgemein akzeptierte“ Musiksprache, die sich kaum von echten Menschen abhob. Komponisten der Romantik haben gelernt, die Fantasiewelt als etwas ganz Bestimmtes zu vermitteln (mit Hilfe ungewöhnlicher Orchester- und Harmonikfarben). Ein bemerkenswertes Beispiel ist die „Wolf Gulch Scene“ in The Magic Shooter.

Charakteristisch für die musikalische Romantik ist das Interesse an Volkskunst. Wie die romantischen Dichter, die die literarische Sprache auf Kosten der Folklore bereicherten und aktualisierten, wandten sich die Musiker weitgehend der nationalen Folklore zu - Volkslieder, Balladen, Epen (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin und andere). Sie verkörperten die Bilder der nationalen Literatur, der Geschichte und der einheimischen Natur, stützten sich auf die Intonationen und Rhythmen der nationalen Folklore und belebten die alten diatonischen Modi. Unter dem Einfluss der Folklore hat sich der Inhalt der europäischen Musik dramatisch verändert.

Neue Themen und Bilder erforderten die Entwicklung von Romantikern neue Mittel der musikalischen Sprache und die Prinzipien der Formgebung, Individualisierung der Melodie und Einführung von Sprachintonationen, Erweiterung der Klangfarbe und harmonischen Palette der Musik ( natürliche Bünde, bunte Nebeneinanderstellungen von Dur und Moll usw.).

Denn im Mittelpunkt der Romantik steht nicht mehr die Menschheit als Ganzes, sondern ein bestimmter Mensch mit seinem jeweils einzigartigen Empfinden und in den Ausdrucksmitteln weicht das Allgemeine immer mehr dem Individuellen, individuell Einmaligen. Der Anteil verallgemeinerter Intonationen in der Melodie, allgemein verwendeter Akkordfolgen in der Harmonie und typischer Muster in der Textur nimmt ab – all diese Mittel werden individualisiert. In der Orchestrierung wich das Prinzip der Ensemblegruppen dem Solospiel fast aller Orchesterstimmen.

Der wichtigste Punkt Ästhetik musikalische Romantik war die Idee der Kunstsynthese, die in und in ihren lebendigsten Ausdruck fand Programmmusik Berlioz, Schumann, Liszt.

Skrjabina Swetlana Anatoljewna

MBOU DOD DSHI Uvarovo, Gebiet Tambow

Lehrer

Aufsatz

„Klavierwerke romantischer Komponisten“

Einführung.

2. Romantik in der Musik.

4. Der Einfluss des romantischen Stils auf Klavier Kreativität F. Liste.

5. Schlussfolgerung.

6. Referenzliste.

Einführung.

Die Romantik als künstlerische Bewegung entstand Ende des 18. und Anfang des 19. Jahrhunderts zunächst in der Literatur (in Deutschland, Großbritannien und anderen Ländern Europas und Amerikas), dann in der Musik und anderen Kunstformen. Der romantische Stil ist originell, fantastisch und erhaben.

Die Ära der Romantik spielte eine große Rolle in der Entwicklung der Musikkultur. Die Romantik umfasste alle Bereiche der Kultur: Philosophie, Ästhetik, Theater, Literatur, Musik und andere. Humanitäre Wissenschaften. In Verbindung mit verschiedenen nationalen Traditionen und historischen Aspekten entwickelt sich die Romantik in verschiedene Länder, erworben eigenartig nationale Züge: unter den Deutschen - in der Mystik, unter den Briten - in einer Person, die sich rationalem Verhalten widersetzt, unter den Franzosen - in ungewöhnlichen Geschichten. Der romantische Stil ist geprägt von der Berufung auf die innere Welt eines Menschen, dem Wunsch nach Emotionalität, dies bestimmte den Vorrang von Literatur und Musik in der Romantik.

Relevanz Dieses Thema liegt darin begründet, dass die Romantik für viele Komponisten eine Stütze war und eine große Rolle in der Entwicklung der Musikkultur spielte und auch die Entwicklung des Klavierwerks romantischer Komponisten anregte.

Der Zweck dieser Arbeit– die Grundzüge der Romantik zu bestimmen und deren Widerspiegelung im Klavierwerk romantischer Komponisten zu studieren, indem folgende Aufgaben gelöst werden:

1. Betrachten Sie die Hauptmerkmale der Romantik;
2. Identifizieren Sie Manifestationen der Romantik in der Musik;
3. Studium der Stilmerkmale der Romantik im Klavierwerk;
4. Zur Charakterisierung des Klavierwerks von F. Liszt.

Um ihre Ideen zum Leben zu erwecken, wandten sich romantische Komponisten neuen Formen zu: Klavierminiaturen, Balladen, Nocturnes, Polonaisen, Impromptu, lyrische Lieder haben Softwareprodukte eine wichtige Rolle gespielt. Es gab einen freieren Gebrauch von Sonatensymphonie und Variationsformen, die Schaffung neuer großer einstimmiger Formen - eine Sonate, ein Konzert, ein symphonisches Gedicht, die Verwendung spezieller Entwicklungstechniken - Leitmotive, Monothematismus, Vokalrezitation, Färbung.

1. Die Ursprünge der Romantik und ihre Merkmale.

Im Zusammenhang mit der bürgerlichen Revolution in Frankreich änderten sich die Ansichten und Vorstellungen der Menschen. Historische Ereignisse haben ihre Spuren in der Seele aller hinterlassen, die Zeugen revolutionärer Umwälzungen waren. Für Künstler, Schriftsteller und Musiker wurden die Ideen von Gleichheit, Brüderlichkeit und Freiheit eng. Damit endete das Zeitalter der Aufklärung. Aber die neue Gesellschaftsordnung entsprach nicht den Erwartungen dieser Gesellschaft, und die Enttäuschung setzte ein und die Entstehung eines neuen Weltanschauungssystems, der Romantik, wurde unumkehrbar.

Romantik ist ein ideologisches und künstlerische Leitung in der europäischen und amerikanischen spirituellen Kultur des späten 18. - ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, die den Klassizismus ablöste. Im Inhalt der Kunst, in der Bewegung des ästhetischen Denkens, im Charakter künstlerische Bilder Es finden tiefgreifende Veränderungen statt.

Im Mittelpunkt der Welt der Romantik steht die Persönlichkeit eines Menschen, der nach völliger innerer Freiheit, nach Vollkommenheit und Erneuerung strebt. Er drückt seine Einstellung zum Leben, zur Welt um ihn herum durch Texte aus emotionale Erfahrungen und Gefühle. Die Lyrik künstlerischer Bilder wurde von der Wende der Kunst beeinflusst, die ihre Entwicklung, ihre Verbindungen zur Vergangenheit und ihre Bewegung in die Zukunft richtete.

Die Grundlage der Romantik war das Konzept der Dualität (die Welt der Träume und die reale Welt). Die auch für frühere Strömungen charakteristische Diskrepanz zwischen Ideal und Wirklichkeit gewinnt in der Romantik eine außerordentliche Schärfe und Spannung.

Die Hauptaufgabe der Romantik war das Bild der inneren Welt, geistiges Leben. Mit der Romantik beginnt der echte Psychologismus zu erscheinen. Zurückhaltung und Demut wurden abgelehnt, sie wurden ersetzt starke Emotionen oft bis zum Äußersten. Bei den Romantikern war die menschliche Psychologie mystisch gekleidet, sie wurde dominiert von Momenten des Irrationalen, Obskuren, Mysteriösen.

Romantiker wandten sich den mysteriösen, mysteriösen, sogar schrecklichen Volksglauben und Märchen zu. Ablehnen Alltagsleben moderne zivilisierte Gesellschaft als farblos und prosaisch, Romantiker strebten nach allem Ungewöhnlichen. Sie wurden von Fantasy, Volkslegenden und Volkskunst im Allgemeinen angezogen.

Der Held der Romantik ist vor allem ein individualistischer Übermensch. Ein Mensch ist für Romantiker ein kleines Universum, ein Mikrokosmos. Ein intensives Interesse an starken und lebendigen Gefühlen, alles verzehrenden Leidenschaften, an den geheimen Bewegungen der Seele, an ihrer "Nachtseite", ein Verlangen nach dem Intuitiven und dem Unbewussten sind die wesentlichen Merkmale romantischer Kunst.

2. Romantik in der Musik.

Im zweiten Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts erschien die musikalische Romantik, die unter dem Einfluss von entstand Literarische Kunst. Es war ein historisch neues Phänomen, obwohl tiefe Verbindungen zu musikalischen "Klassikern" gefunden wurden. Wenn man die Werke romantischer Komponisten studiert und aufführt, kann man die Erhebung der spirituellen Struktur und die Erhabenheit der Gefühle, den dramatischen Kontrast, das tiefe Pathos und die aufrichtige Lyrik spüren.

Die Begründer der Ära der Romantik sind solche Komponisten wie: Liszt, Chopin, Schumann, Grieg. In mehr Spätzeit der musikalische "Impressionismus" von Debussy, Ravel, Skrjabin war geboren.

Schuberts Klavierminiaturen, Mendelssohns „Lieder ohne Worte“, Klavierzyklen, Nocturnes, Schumanns Präludien, Chopins Balladen – all dieser Reichtum hat alte Gattungen und Formen transformiert, ist in die musikalischen Schatzkammern der Welt eingegangen und hat in der klassischen Musik Bedeutung erlangt.

Den dominierenden Platz nimmt das Thema Liebe ein, das ist was Geisteszustand vielseitigste und spiegelt alle Tiefen und Nuancen der menschlichen Psyche vollständig wider. Die Liebe eines Menschen zu seiner Heimat, zu seinem Vaterland, zu seinem Volk zieht sich wie ein roter Faden durch das Werk aller romantischen Komponisten.

Romantiker haben ein Naturbild, das eng und untrennbar mit dem Thema eines lyrischen Geständnisses verwoben ist. Wie die Bilder der Liebe verkörpert das Bild der Natur den Geisteszustand des Helden, der so oft von einem Gefühl der Disharmonie mit der Realität geprägt ist.

Das Thema Science-Fiction konkurriert oft mit den Bildern der Natur, und dies wird durch den Wunsch erzeugt, der Gefangenschaft zu entkommen. wahres Leben. Komponisten romantische Schule fabelhafte, fantastische Bilder erhalten eine national einzigartige Farbgebung. Chopins Balladen sind inspiriert von den Balladen von Mickiewicz, Schumann, Mendelssohn, schaffen Werke mit einem fantastischen grotesken Plan, symbolisieren sozusagen die falsche Seite des Glaubens und streben danach, die Ideen der Angst vor den Mächten des Bösen umzukehren.

Die Spätzeit des Lebens und Schaffens des letzten großen klassischen Komponisten Ludwig van Beethoven fiel mit der Blütezeit des Schaffens des ersten großen romantischen Komponisten Franz Schubert zusammen. Diese bedeutsame Koinzidenz zeugt von der engen Verbindung zwischen klassischer und romantischer Musikkunst. Trotz der Kontinuität zwischen diesen beiden Erbe gibt es wichtige Unterschiede, die typisch für die Beziehung zwischen den Werken klassischer und romantischer Komponisten sind. Der Hauptunterschied besteht in der besonderen Betonung der romantischen Musik auf der Verkörperung lyrisch-verträumter und erregter lyrisch-pathetischer Bilder und Stimmungen.

Komponisten der Romantik begannen, großes Interesse an der nationalen Identität der einheimischen Musik sowie an der Musik anderer Völker zu zeigen. In dieser Hinsicht begann ein sorgfältiges Studium der volksmusikalischen Kreativität - musikalische Folklore. Gleichzeitig nahm das Interesse an der nationalen historischen Vergangenheit, an alten Legenden, Erzählungen und Traditionen zu, was zur Grundlage für die Entstehung von Faszination wurde fantastische Bilder. Die Beherrschung neuer Themen und Bilder, romantische Musik erhöhte die Interaktion mit romantische Poesie und romantisches Theater. Dies bestimmte die hohe Blüte im 19. Jahrhundert romantische Oper- ein Genre, in dem es eine Synthese aller Arten von Kunst gibt. Eine der hellsten romantischen Opern - " magischer Shooter des deutschen Komponisten Carl Maria von Weber.

Die romantische Tonkunst brachte viele herausragende Komponisten hervor, die oft auch bemerkenswerte Konzertkünstler waren.

3. Stilistische Merkmale der Epoche der Romantik im Klavierwerk.

Im Musikstil der Romantik nehmen modale und harmonische Mittel eine sehr wichtige Rolle ein. Der erste dieser Prozesse – Dynamik – ist die Sättigung von Akkorden in Stücken mit Veränderungen und Dissonanzen, die ihre Instabilität verschlimmerten, die Spannung erhöhten, die Auflösung im weiteren Spiel erforderte. Solche Eigenschaften der Aufführung von Werken romantischer Komponisten drückten sich in der für diesen Stil typischen „Müdigkeit“ aus, dem Strom „unendlich“ sich entwickelnder Gefühle, der sich in besonderer Vollständigkeit in den Werken von Chopin, Schumann, Grieg verkörperte. Aus natürlichen Tonarten wurden vielfältige Farben und bunte Klänge extrahiert, mit deren Hilfe der volkstümliche oder archaische Charakter der Musik betont wurde. Bei der Darstellung fantastischer, fabelhafter oder bizarrer Bilder spielten Ganzton- und Farbskalen eine große Rolle.

In der romantischen Melodik wirkten folgende Tendenzen: der Wunsch nach Weite und die Kontinuität der Phrasierungsentwicklung. Viele Komponisten der Romantik haben „endlose Melodien“ mit riesigen Mehrtaktligen in ihren Werken. Dies zeigt sich besonders deutlich in den Werken von Chopin, Tschaikowsky, der frühen Periode der 80er - 90er Jahre von Rachmaninow ("Elegie", "Melodie", "Romanze", "Serenade" und seine anderen Werke).

Von großer Bedeutung beim Kennenlernen der Musik romantischer Komponisten ist die Klangerzeugung, das „Stilgefühl“, hier ist es sehr wichtig zu beachten, dass es bei der Arbeit an der Phrasierung in einem bestimmten Stück notwendig ist, dass die Phrasen einander aufgreifen , klammern sich aneinander und bilden Girlanden, aber zusammen damit überlappen sie sich nicht.

Sprechen über Stilmerkmale Klavieraufführungen von Musikwerken romantischer Komponisten, Professor des Leningrader Konservatoriums V.Kh.

Erforderlich in der Ausführung lyrische Werke Fühle den Atem, er kann durch Berührung gefühlt werden: voller Lufthintergrund, atmender Bass, präzises Pedal.

Zu den stilistischen Merkmalen der Musik von F. Chopin sagte Liszt: „Seine Musik ähnelt einer Windenblume, die ihre Blütenkronen auf einem ungewöhnlich dünnen Stiel schüttelt. Diese Blütenkronen von außergewöhnlicher Schönheit bestehen aus einem so duftenden und zarten Stoff, dass sie bricht bei der kleinsten Berührung."Chopin ist die "Spitze" darstellende Künste Zeitalter der Romantik.

Bei der Aufführung musikalischer Werke der Romantik muss man bedenken, dass man, um den gewünschten „Klang“ – samtig und überirdisch – zu erreichen, eine besondere Begabung und Fleiß sowie Stilgefühl braucht. Wie Neuhaus sagte: „Klang ist eine heilige Sache, pflege den Klang wie Gold, wie ein Juwel, er wird in einer Vorschallatmosphäre geboren, seine Geburt ist ein Sakrament, es ist sehr wichtig, das notwendige „Klangmaß“ zu finden.

Zum Vorschein kommen Melodien. Die Melodie wird intonatorisch und kompositorisch aktualisiert. Zwei erscheinen verschiedene Quellen Intonationserneuerung: Folklore und Sprachintonationen. Was von der klassischen Norm abweicht, fällt zunächst einmal auf. Die Klassiker hatten Rezitation (Oratorium), aber die Romantiker hatten es intimer, lyrischer, offener, emotionaler.

5. Der Einfluss des romantischen Stils auf das Klavierwerk von F. Liszt.

Liszt ist wie ein Virtuose ein Phänomen unter diesen

die einmal in mehreren Jahrhunderten erscheinen,

schrieb Serow

Im Werk von F. Liszt bilden Klavierwerke den besten Teil seines kreativen Erbes.

Liszts künstlerische Persönlichkeiten als Pianist und Komponist verbanden sich, um neue Wege in der Musikkunst zu eröffnen.

Dem Klavier vertraute er all seine Gedanken, Träume, Leiden und Freuden an. Und so fand Liszt vor allem im Bereich der Klaviermusik neue Kompositionsmethoden und Ausdrucksmittel.

F. Liszt war brillanter Pianist und seine Darbietung konnte tausende Zuhörer überzeugen und fesseln. In gleicher Weise erreichte er in der Kompositionspraxis eine erleichterte und verständliche Darstellung musikalischer Gedanken. Andererseits aktualisierte er als ein unablässig suchender Künstler, der mit einem brillanten kreativen Flair ausgestattet war, die gesamte Struktur und den Charakter des Klavierklangs und machte ihn, wie Stasov es treffend formulierte, zu „einem unbekannten und unerhörten Ding – einem ganzen Orchester ."

Der Komponist brachte die symphonische Interpretation des Klaviers in die moderne Aufführung und Kreativität. In seinen Entwicklungen erzielte er einen kraftvollen Orchesterklang des Instruments und bereicherte ihn mit koloristischen Möglichkeiten. In einem der Briefe wies Liszt darauf hin, dass sein Ziel darin bestand, „... den Geist des Pianisten-Interpreten mit Orchestereffekten zu verbinden und innerhalb der begrenzten Grenzen des Klaviers verschiedene Instrumentalstücke sensibel zu machen Soundeffekte und Schattierungen. Liszt erreichte dies, indem er die Klavierwerke mit Klangfarben und melodischem Warenhaus sättigte. In Liszts Klavierstücken finden sich oft Autorenangaben – quasi tromba (wie eine Trompete), quasi flauto (wie eine Flöte) etc., Nachahmung des Cellos (zum Beispiel in Oberman’s Valley), Hörner (die Etüde „Hunt“ ), Glocken ("Genfer Glocken"), Orgel usw. Liszt erweiterte die Ausdrucksmöglichkeiten des Pianismus in den Vordergrund und brachte die Kraft, Brillanz und Brillanz des Klangs zum Vorschein.

F. Liszt entdeckte neue Methoden der Klaviertechnik. Er versuchte, alle Register des Klaviers zu nutzen: Er verwendete Bässe, die saftig und tief klangen, er verlegte die Melodie in das mittlere, „Cello“-Register, und im oberen Register offenbarte er einen transparenten, glasklaren Klang. Beim Vergleich von Registern verwendete der Komponist Passagen, er sättigte sie mit Akkordkomplexen in einem weiten Arrangement. Liszt machte ausgiebig Gebrauch von orchestralen Tremolo-Effekten, akkordischen Trillern oder Martellato-Oktaven, um dramatische oder dynamische Momente prominenter und eingängiger zu vermitteln. Besonderes Augenmerk legte er auf die Verteilung des Klangmaterials zwischen den beiden Händen, deren Übertragung und Übertragung auf verschiedene Register des Klaviers. Unter anderen Lieblingstechniken von Liszt sind Passagen in Oktaven, Doppelnoten, meisterhaft eingesetzte Probentechnik. Diese Techniken beeinflussten die Entwicklung der vielschichtigen Textur von Liszts Werken. Ihre Entwicklung ist wie in Orchesterkompositionen in mehreren Dynamik- und Farbplänen angegeben.

Als großer Reformer des Klavierspiels lehrte Liszt die Pianisten, „sich daran zu gewöhnen, Akzente zu setzen und Motive zu gruppieren, Wichtigeres hervorzuheben und Unwichtiges unterzuordnen, mit einem Wort, sich selbst den Maßstab des Orchesters zu setzen. ”

Die Merkmale von Liszts Klavierstil wurden nicht sofort geformt, sie können in vier Stufen unterteilt werden. Die erste Stufe (20er – Mitte der 30er Jahre) ist mit dem Studium der Möglichkeiten des Klaviers verbunden, mit der Nachahmung der bravourösen Manier moderner Virtuosen, in der zweiten (Ende der 30er – 40er Jahre) entwickelt Liszt einen individuellen Stil, der seinen bereichert Technik u musikalische Sprache die neuesten Errungenschaften romantischer Komponisten (Paganini, Berlioz, Chopin). Die dritte Stufe (späte 40er – 60er Jahre) – die Krönung von Liszts Kunstfertigkeit – ist gekennzeichnet durch die Berechtigung aller technischen Methoden durch die Anforderungen an Ausdruckskraft und Gehalt, das Fehlen virtuoser „Exzesse“, die vierte Stufe (70er–80er Jahre) ist geprägt von neuen quests: die verwerfung monumentaler ideen, die suche nach kammerklang, subtiler farbgebung.

Die Tradition des "Listov"-Konzertpianismus wurde in der Kunst von A.G. Rubinstein, A. Siloti und besonders S. Rachmaninov.

Abschluss.

Romantik als Methode und Richtung in der Kunst war ein komplexes und umstrittenes Phänomen. In jedem Land hatte er einen hellen Nationalausdruck. Es ist nicht einfach, Merkmale in Literatur, Musik, Malerei und Theater zu finden, die Chateaubriand und Delacroix, Mickiewicz und Chopin, Lermontov und Kiprensky vereinen.

ZU kritische Bereiche Zu den Werken romantischer Komponisten gehören: Lyrik, Fantasie, Originalität in der Aufführung charakteristischer nationaler Motive (Beispiel E. Grieg). Beginnend mit Schubert und Weber bezogen die Komponisten in die gemeinsame europäische Musiksprache die intonatorischen Wendungen der alten, überwiegend bäuerlichen Folklore ihrer Länder ein.

Der neue Inhalt der Musik erforderte Neues Ausdrucksmittel. Dies ist vor allem ein enormer melodischer Reichtum sowie der melodische Reichtum einer entwickelten strukturellen Präsentation, die erhöhte Komplexität und Farbigkeit der harmonischen Sprache.

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Ende des 18. bis Anfang des 19. Jahrhunderts entstand eine künstlerische Bewegung wie die Romantik. In dieser Zeit träumten die Menschen davon ideale Welt und "fliehen" in der Fantasie. Seine lebendigste und figurativste Verkörperung fand dieser Stil in der Musik. Unter den Vertretern der Romantik sind Komponisten des 19. Jahrhunderts wie Carl Weber,

Robert Schumann, Franz Schubert, Franz Liszt und Richard Wagner.

Franz Liszt

Die Zukunft wurde in der Familie eines Cellisten geboren. Sein Vater brachte ihm Musik bei frühe Jahre. Als Kind sang er in einem Chor und lernte Orgel spielen. Als Franz 12 Jahre alt war, zog seine Familie nach Paris, damit der Junge Musik studieren konnte. Am Konservatorium wurde er jedoch nicht aufgenommen, seit seinem 14. Lebensjahr komponiert er Skizzen. Ein solches 19. Jahrhundert wie Berlioz, Paganini, hatte einen großen Einfluss auf ihn.

Paganini wurde Liszts wahres Idol, und er beschloss, seine eigenen Klavierkünste zu verbessern. Die Konzerttätigkeit von 1839-1847 war von einem glänzenden Triumph begleitet. In diesen Jahren schuf Ferenc die berühmte Theaterstücksammlung „Years of Wanderings“. Ein Virtuose des Klavierspiels und Publikumsliebling ist zu einer wahren Verkörperung der Epoche geworden.

Franz Liszt komponierte Musik, schrieb mehrere Bücher, unterrichtete, leitete offenen Unterricht. Komponisten des 19. Jahrhunderts aus ganz Europa kamen zu ihm. Wir können sagen, dass er sich fast sein ganzes Leben lang mit Musik beschäftigt hat, weil er 60 Jahre lang gearbeitet hat. Und das bis heute musikalisches Talent und handwerkliches Können sind ein Vorbild für zeitgenössische Pianisten.

Richard Wagner

Das Genie schuf Musik, die niemanden gleichgültig lassen konnte. Sie hatte sowohl Bewunderer als auch erbitterte Gegner. Wagner war seit seiner Kindheit vom Theater fasziniert, und im Alter von 15 Jahren beschloss er, mit Musik eine Tragödie zu schaffen. Mit 16 Jahren brachte er seine Kompositionen nach Paris.

3 Jahre lang versuchte er vergeblich, eine Oper zu inszenieren, aber niemand wollte sich mit einem unbekannten Musiker auseinandersetzen. Solch beliebte Komponisten Das 19. Jahrhundert wie Franz Liszt und Berlioz, die er in Paris kennengelernt hat, bringen ihm kein Glück. Er lebt in Armut und niemand will seine musikalischen Ideen unterstützen.

Nach dem Scheitern in Frankreich kehrt der Komponist nach Dresden zurück, wo er als Dirigent am Hoftheater zu arbeiten beginnt. 1848 emigrierte er in die Schweiz, weil er nach seiner Teilnahme am Aufstand zum Verbrecher erklärt wurde. Wagner war sich der Unvollkommenheit der bürgerlichen Gesellschaft und der abhängigen Stellung des Künstlers bewusst.

1859 sang er die Liebe in der Oper Tristan und Isolde. In Parsifal wird die universale Brüderlichkeit utopisch dargestellt. Das Böse wird besiegt, und Gerechtigkeit und Weisheit gewinnen. Alle großen Komponisten des 19. Jahrhunderts wurden von Wagners Musik beeinflusst und lernten aus seinem Werk.

Im 19. Jahrhundert wurde in Russland eine nationale Kompositions- und Aufführungsschule gegründet. In der russischen Musik gibt es zwei Perioden: Frühromantik und Klassik. Die erste umfasst solche russischen Komponisten des 19. Jahrhunderts wie A. Varlamov, A. Verstovsky, A. Gurilev.

Michail Glinka

Mikhail Glinka gegründet Komponistenschule in unserem Land. Der russische Geist ist in all seinen berühmten Opern wie „Ruslan und Ljudmila“, „Leben für den Zaren“ präsent, die von Patriotismus durchdrungen sind. Glinka fasste die charakteristischen Merkmale der Volksmusik zusammen, indem er alte Melodien und Rhythmen der Volksmusik verwendete. Der Komponist war auch ein Innovator in der musikalischen Dramaturgie. Seine Arbeit ist der Aufstieg der nationalen Kultur.

Russische Komponisten haben der Welt viele brillante Werke geschenkt, die noch heute die Herzen der Menschen erobern. Unter den brillanten Russen Komponisten des XIX Jahrhundert verewigte Namen wie M. Balakirev, A. Glazunov, M. Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, P. Tschaikowsky.

Klassische Musik wird lebendig und sinnlich reflektiert Innere Person. Der strenge Rationalismus wurde von der Romantik des 19. Jahrhunderts abgelöst.

Romantik in der Musik

Hauptartikel: Musik der Romantik

In der Musik entwickelte sich die Richtung der Romantik 1820 Jahre dauerte seine Entwicklung das Ganze XIX Jahrhundert. Romantische Komponisten versuchten mit Hilfe von musikalische Mittel drücken die Tiefe und den Reichtum der inneren Welt des Menschen aus. Musik wird geprägter, individueller. Song-Genres entwickeln sich, einschließlich Ballade.

Vertreter der Romantik in der Musik sind: in Österreich - Franz Schubert; v Deutschland - Ernst Theodor Hoffmann, Carl Maria Weber,Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Ludwig Spohr; v Italien - Niccolò Paganini, Vincenzo Bellini, früh Giuseppe Verdi; In Frankreich - G. Berlioz, D. F. Ober, J. Meyerbeer; v Polen - Frederic Chopin; v Ungarn - Franz Liszt.

In Russland arbeiteten sie im Einklang mit der Romantik A. A. Aliabiev, M. I. Glinka, Dargomyschski, Balakirew, N. A. Rimsky-Korsakov, Mussorgsky,Borodin, Cui, P. I. Tschaikowsky.

Die Idee der Kunstsynthese fand ihren Ausdruck in der Ideologie und Praxis der Romantik. Die Romantik in der Musik entstand in den 20er Jahren des 19. Jahrhunderts unter dem Einfluss der Literatur der Romantik und entwickelte sich in enger Verbindung mit ihr, mit der Literatur im Allgemeinen (Hinwendung zu synthetischen Gattungen, vor allem Oper, Lied, Instrumentalminiaturen und musikalische Programmierung). Der für die Romantik charakteristische Appell an die innere Welt des Menschen drückte sich im Kult des Subjektiven aus, der Sehnsucht nach emotional Intensivem, die den Primat von Musik und Lyrik in der Romantik bestimmte.

Musik 1 Hälfte XIX v. schnell entwickelt. Eine neue Musiksprache entstand; in der Instrumental- und Kammermusik erhielt die Miniatur einen besonderen Platz; das Orchester erklang in einem vielfältigen Farbspektrum; die Möglichkeiten des Klaviers und der Violine wurden auf eine neue Weise offenbart; Die Musik der Romantiker war sehr virtuos.

Die musikalische Romantik manifestierte sich in vielen verschiedenen Zweigen, die mit verschiedenen verbunden sind nationale Kulturen und mit verschiedenen sozialen Bewegungen. So unterscheiden sich beispielsweise der intime, lyrische Stil der deutschen Romantiker und das für die Werke französischer Komponisten charakteristische „oratorische“ bürgerliche Pathos erheblich. Vertreter neuer nationaler Schulen, die auf der Grundlage einer breiten nationalen Befreiungsbewegung entstanden (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), sowie Vertreter der italienischen Opernschule, die eng mit der Risorgimento-Bewegung verbunden sind (Verdi, Bellini) unterscheiden sich in vielerlei Hinsicht von Zeitgenossen in Deutschland, Österreich oder Frankreich, insbesondere durch die Tendenz, die klassischen Traditionen zu bewahren.

Dennoch sind sie alle von einigen allgemeinen künstlerischen Prinzipien geprägt, die es uns erlauben, von einer einzigen romantischen Denkstruktur zu sprechen.

Aufgrund der besonderen Fähigkeit der Musik, die reiche Welt menschlicher Erfahrungen tief und eindringlich zu offenbaren, wurde sie von der romantischen Ästhetik an die erste Stelle unter den anderen Künsten gestellt. Viele Romantiker betonten einen intuitiven Beginn der Musik, schrieben ihr die Eigenschaft zu, das „Unerkennbare“ auszudrücken. Die Werke herausragender romantischer Komponisten hatten eine starke realistische Grundlage. Interesse am Leben gewöhnliche Menschen, die Fülle des Lebens und die Wahrheit der Gefühle, das Vertrauen in die Musik des Alltags bestimmte den Realismus der Arbeit der besten Vertreter der musikalischen Romantik. Reaktionäre Tendenzen (Mystik, Realitätsflucht) sind nur in relativ wenigen Werken der Romantik angelegt. Sie erschienen teilweise in der Oper Euryanta von Weber (1823), in einigen Musikdramen von Wagner, im Oratorium Christ von Liszt (1862) usw.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts tauchten grundlegende Studien der Folklore, Geschichte, antiken Literatur auf, mittelalterliche Legenden, gotische Kunst und die vergessene Kultur der Renaissance wurden wiederbelebt. In dieser Zeit entwickelten sich im Werk des Komponisten in Europa viele nationale Schulen besonderer Art, die dazu bestimmt waren, die Grenzen der gemeinsamen europäischen Kultur erheblich zu erweitern. Russisch, das bald, wenn nicht den ersten, dann einen der ersten Plätze im kulturellen Schaffen der Welt einnahm (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tschaikowsky), Polnisch (Chopin, Moniuszko), Tschechisch (Sauerrahm, Dvorak), Ungarisch ( List), dann Norwegisch (Grieg), Spanisch (Pedrel), Finnisch (Sibelius), Englisch (Elgar) - alle, die sich in den allgemeinen Mainstream des Schaffens des Komponisten in Europa einfügten und sich keineswegs gegen die etablierten alten Traditionen stellten . Es entstand ein neuer Kreis von Bildern, die die einzigartigen nationalen Merkmale der nationalen Kultur zum Ausdruck brachten, der der Komponist angehörte. Die Intonationsstruktur des Werks ermöglicht es Ihnen, die Zugehörigkeit zu einer bestimmten nationalen Schule sofort nach Gehör zu erkennen.

Komponisten beziehen in die gemeinsame europäische Musiksprache die intonatorischen Wendungen der alten, meist bäuerlichen Folklore ihrer Länder ein. Sie reinigten sozusagen das russische Volkslied von der lackierten Oper, sie führten in das kosmopolitische Intonationssystem des 18. Jahrhunderts Liedwendungen volkstümlicher Alltagsgattungen ein. Das auffälligste Phänomen in der Musik der Romantik, das im Vergleich zur figurativen Sphäre der Klassik besonders lebhaft wahrgenommen wird, ist die Dominanz des lyrisch-psychologischen Prinzips. Eine Besonderheit der musikalischen Kunst im Allgemeinen ist natürlich die Brechung jeglicher Phänomene durch die Sphäre der Gefühle. Musik aller Epochen unterliegt diesem Muster. Aber die Romantiker übertrafen alle ihre Vorgänger im Wert des lyrischen Anfangs in ihrer Musik, in Kraft und Perfektion bei der Vermittlung der Tiefen der inneren Welt eines Menschen, der subtilsten Stimmungsschattierungen.

Das Thema Liebe nimmt darin einen dominierenden Platz ein, denn es ist dieser Geisteszustand, der alle Tiefen und Nuancen der menschlichen Psyche am umfassendsten und vollständigsten widerspiegelt. Aber es ist höchst charakteristisch, dass sich dieses Thema nicht auf die Motive der Liebe im wörtlichen Sinne beschränkt, sondern sich mit den unterschiedlichsten Phänomenen identifiziert. Die rein lyrischen Erfahrungen der Figuren offenbaren sich vor dem Hintergrund eines breiten historischen Panoramas. Die Liebe eines Menschen zu seiner Heimat, zu seinem Vaterland, zu seinem Volk zieht sich wie ein roter Faden durch das Werk aller romantischen Komponisten.

In musikalischen Werken kleiner und großer Formen nimmt das Naturbild einen großen Platz ein, eng und untrennbar mit dem Thema der lyrischen Beichte verwoben. Wie die Bilder der Liebe verkörpert das Bild der Natur den Geisteszustand des Helden, der so oft von einem Gefühl der Disharmonie mit der Realität geprägt ist.

Das Thema Fantasie konkurriert oft mit Naturbildern, die wahrscheinlich durch den Wunsch erzeugt werden, der Gefangenschaft des wirklichen Lebens zu entkommen. Typisch für Romantiker war die Suche nach einer wunderbaren, im Farbenreichtum funkelnden Welt, die dem grauen Alltag entgegensteht. In diesen Jahren wurde die Literatur mit Märchen und Balladen russischer Schriftsteller bereichert. Unter den Komponisten der romantischen Schule erhalten fabelhafte, fantastische Bilder eine national einzigartige Färbung. Die Balladen sind von russischen Schriftstellern inspiriert, und dank dessen entstehen Werke mit einem fantastischen grotesken Plan, die sozusagen die falsche Seite des Glaubens symbolisieren und sich bemühen, die Ideen der Angst vor den Mächten des Bösen umzukehren.

Viele romantische Komponisten traten auch als Musikschriftsteller und -kritiker auf (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt etc.). Die theoretische Arbeit von Vertretern der progressiven Romantik hat einen sehr bedeutenden Beitrag zur Entwicklung der wichtigsten Fragen der Musikkunst geleistet. Die Romantik fand auch in den darstellenden Künsten ihren Ausdruck (der Geiger Paganini, der Sänger A. Nurri und andere).

Die progressive Bedeutung der Romantik in dieser Zeit liegt hauptsächlich in der Aktivität Franz Liszt. Liszts Werk war trotz der widersprüchlichen Weltanschauung im Grunde progressiv, realistisch. Einer der Begründer und Klassiker der ungarischen Musik, ein herausragender nationaler Künstler.

Ungarische Nationalthemen spiegeln sich in vielen von Liszts Werken wider. Liszts romantische, virtuose Kompositionen erweiterten die technischen und Ausdrucksmöglichkeiten des Klavierspiels (Konzerte, Sonaten). Bedeutsam waren Liszts Verbindungen zu Vertretern der russischen Musik, deren Werke er aktiv förderte.

Gleichzeitig spielte Liszt eine große Rolle in der Entwicklung der Weltmusikkunst. Nach Liszt sei „für das Pianoforte alles möglich geworden“. Charaktereigenschaften seine Musik - Improvisation, romantisches Hochgefühl, ausdrucksstarke Melodie. Liszt wird als Komponist, Performer, Musiker geschätzt. Hauptwerke des Komponisten: Oper „ Don Sancho oder das Schloss der Liebe”(1825), 13 Symphonische Gedichte “Tasso”, ” Prometheus”, “Weiler“ und andere, Werke für Orchester, 2 Konzerte für Klavier und Orchester, 75 Romanzen, Chöre und andere ebenso bekannte Werke.

Eine der ersten Manifestationen der Romantik in der Musik war Kreativität Franz Schubert(1797-1828). Schubert ging als größter Begründer der musikalischen Romantik und Schöpfer einer Reihe neuer Gattungen in die Musikgeschichte ein: romantische Symphonie, Klavierminiatur, lyrisch-romantisches Lied (Romanze). Das Wichtigste in seiner Arbeit ist Lied, in denen er besonders viele innovative Tendenzen zeigte. In Schuberts Liedern offenbart sich die innere Welt eines Menschen am tiefsten, seine charakteristische Verbindung zur Volksmusik ist am deutlichsten, eines der wesentlichsten Merkmale seines Talents ist am deutlichsten - die erstaunliche Vielfalt, Schönheit und Anmut der Melodien. Die besten Lieder der Frühzeit sind „ Margarita am Spinnrad”(1814) , “König des Waldes". Beide Lieder sind nach Goethes Worten geschrieben. Im ersten erinnert sich das verlassene Mädchen an ihre Geliebte. Sie ist einsam und leidet tief, ihr Lied ist traurig. Eine einfache und aufrichtige Melodie wird nur vom monotonen Summen der Brise widergehallt. „Der Waldkönig“ ist ein komplexes Werk. Dies ist kein Lied, sondern eine dramatische Szene, in der drei Schauspieler: ein Vater, der auf einem Pferd durch den Wald reitet, ein krankes Kind, das er bei sich trägt, und ein furchterregender Waldkönig, der einem Jungen im Fieberwahn erscheint. Jeder von ihnen hat seine eigene melodische Sprache. Schuberts Lieder "Forelle", "Barkarole", "Morgenständchen" sind nicht weniger berühmt und beliebt. Diese in späteren Jahren geschriebenen Lieder zeichnen sich durch ihre überraschend einfache und ausdrucksstarke Melodie und ihre frischen Farben aus.

Schubert schrieb auch zwei Liederzyklen - „ schöner Müller"(1823), und" Winterweg"(1872) - zu Worten Deutscher Dichter Wilhelm Müller. In jedem von ihnen werden die Lieder durch eine Handlung vereint. Die Lieder des Zyklus „Die schöne Müllerin“ erzählen von einem kleinen Jungen. Dem Lauf des Baches folgend, begibt er sich auf die Suche nach seinem Glück. Die meisten Lieder in diesem Zyklus haben einen leichten Charakter. Ganz anders die Stimmung des Zyklus „Winterweg“. Ein armer junger Mann wird von einer reichen Braut verstoßen. Verzweifelt geht er Heimatstadt und zieht los, um die Welt zu durchstreifen. Seine Begleiter sind der Wind, ein Schneesturm, eine bedrohlich krächzende Krähe.

Die wenigen hier angeführten Beispiele erlauben es uns, auf die Besonderheiten von Schuberts Songwriting einzugehen.

Schubert liebte es zu schreiben Klaviermusik. Für dieses Instrument schrieb er eine Vielzahl von Werken. Seine Klavierwerke waren wie Lieder nah an der Alltagsmusik und ebenso einfach und verständlich. Die bevorzugten Genres seiner Kompositionen waren Tänze, Märsche und In letzten Jahren Leben - spontan.

Walzer und andere Tänze traten gewöhnlich auf Schuberts Bällen, bei Landspaziergängen auf. Dort improvisierte er sie und nahm sie zu Hause auf.

Wenn wir Schuberts Klavierstücke mit seinen Liedern vergleichen, finden wir viele Gemeinsamkeiten. Zunächst einmal ist es eine große melodische Ausdruckskraft, Anmut, farbenfrohes Nebeneinander von Dur und Moll.

Einer der größten Französisch Komponisten der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts George Bizet, der Schöpfer einer unsterblichen Kreation für das Musiktheater - Opern “Carmen„und wunderbare Musik zum Drama von Alphonse Daudet“ Arlesisch”.

Bizets Arbeit zeichnet sich durch Genauigkeit und Klarheit des Denkens, Neuheit und Frische der Ausdrucksmittel, Vollständigkeit und Eleganz der Form aus. Bizet zeichnet sich durch die Schärfe der psychologischen Analyse beim Verständnis menschlicher Gefühle und Handlungen aus, die für die Arbeit der großen Landsleute des Komponisten - der Schriftsteller Balzac, Flaubert, Maupassant - charakteristisch ist. Der zentrale Ort im genreübergreifenden Schaffen Bizets gehört der Oper. Die Opernkunst des Komponisten entstand auf nationalem Boden und wurde von den Traditionen des französischen Opernhauses genährt. Bizet sah die erste Aufgabe in seinem Werk in der Überwindung des Bestehenden Französische Oper Genrebeschränkungen behindern seine Entwicklung. Die „große“ Oper erscheint ihm als tote Gattung, die lyrische Oper irritiert mit ihrer Weinerlichkeit und kleinbürgerlichen Borniertheit, die Komik verdient mehr Aufmerksamkeit als andere. Zum ersten Mal erscheinen in Bizets Oper saftige und lebhafte häusliche und Massenszenen, die das Leben und lebendige Szenen vorwegnehmen.

Bizets Musik zu Alphonse Daudets Drama „Arlesisch“ ist vor allem für zwei Konzertsuiten bekannt, die aus ihren besten Nummern bestehen. Bizet verwendete einige authentische provenzalische Melodien : „Marsch der Heiligen Drei Könige“ Und "Tanz der munteren Pferde".

Bizets Oper Carmen“ – ein Musikdrama, das mit überzeugender Wahrhaftigkeit und mit fesselnder künstlerischer Kraft vor dem Publikum die Liebes- und Todesgeschichte seiner Helden entfaltet: des Soldaten Jose und der Zigeunerin Carmen. Opera Carmen wurde auf der Grundlage der Traditionen des französischen Musiktheaters geschaffen, brachte aber gleichzeitig auch viele neue Dinge mit. Basierend auf den besten Errungenschaften der Nationaloper und der Reformierung ihrer wichtigsten Elemente schuf Bizet ein neues Genre - ein realistisches Musikdrama.

In der Geschichte des Opernhauses des 19. Jahrhunderts nimmt die Oper Carmen einen der ersten Plätze ein. Seit 1876 beginnt ihr Siegeszug durch die Bühnen. Opernhäuser Wien, Brüssel, London.

Die Manifestation einer persönlichen Beziehung zur Umwelt wurde von Dichtern und Musikern vor allem in Unmittelbarkeit, emotionaler „Offenheit“ und Leidenschaft des Ausdrucks ausgedrückt, um den Zuhörer mit Hilfe der unaufhörlichen Intensität des Tons zu überzeugen Anerkennung oder Geständnis.

Diese neuen Strömungen in der Kunst hatten entscheidenden Einfluss auf die Entstehung Lyrische Oper. Es entstand als Antithese zu „groß“ und komische Oper, aber sie kam nicht an ihren Eroberungen und Errungenschaften auf dem Gebiet der Operndramaturgie und der musikalischen Ausdrucksmittel vorbei.

Eine Besonderheit des neuen Operngenres war die lyrische Interpretation jeder literarischen Handlung - historisch, philosophisch oder modernes Thema. Die Helden der lyrischen Oper sind mit den Merkmalen gewöhnlicher Menschen ausgestattet, ohne Exklusivität und etwas Übertreibung, die für eine romantische Oper charakteristisch sind. Der bedeutendste Künstler auf dem Gebiet der lyrischen Oper war Charles Gounod.

Unter dem ziemlich zahlreichen Opernerbe von Gounod ist die Oper „ Faust" nimmt einen besonderen und, könnte man sagen, außergewöhnlichen Platz ein. Ihr weltweiter Ruhm und Popularität werden von Gounods anderen Opern nicht erreicht. Die historische Bedeutung der Oper Faust ist besonders groß, weil sie nicht nur die beste, sondern im Wesentlichen die erste unter den Opern der neuen Richtung war, über die Tschaikowsky schrieb: „Es ist unmöglich zu leugnen, dass Faust geschrieben wurde, wenn nicht mit Genie, dann mit außergewöhnlichem Können und ohne nennenswerte Identität.“ Im Bild von Faust werden die scharfe Widersprüchlichkeit und „Verzweigung“ seines Bewusstseins, die ewige Unzufriedenheit, die durch den Wunsch, die Welt zu kennen, verursacht wird, geglättet. Gounod konnte nicht die ganze Vielseitigkeit und Komplexität des Bildes von Goethes Mephistopheles vermitteln, der den Geist der militanten Kritik dieser Zeit verkörperte.

Einer der Hauptgründe für die Popularität von "Faust" war, dass er das Beste und grundlegend Neue an der jungen Gattung der lyrischen Oper konzentrierte: eine emotional direkte und lebendig individuelle Übertragung der Innenwelt der Opernfiguren. Die tiefe philosophische Bedeutung von Goethes Faust, der die historischen und gesellschaftlichen Schicksale der gesamten Menschheit am Beispiel des Konflikts der Hauptfiguren aufzuzeigen suchte, verkörperte Gounod in Form eines humanen lyrischen Dramas von Margarete und Faust.

Französischer Komponist, Dirigent, Musikkritiker Hektor Berlioz als größter romantischer Komponist, Schöpfer der Programmsymphonie, Erneuerer auf dem Gebiet der musikalischen Form, der Harmonielehre und insbesondere der Instrumentierung in die Musikgeschichte eingegangen. In seiner Arbeit fanden sie eine lebendige Verkörperung der Merkmale des revolutionären Pathos und Heldentums. Berlioz kannte M. Glinka, dessen Musik er sehr schätzte. Er war mit den Führern der "Mighty Handful" befreundet, die seine Schriften und kreativen Prinzipien begeistert annahmen.

Er schuf 5 musikalische Bühnenwerke, darunter die Oper „ Benvenuto Cillini”(1838), “ Trojaner”,”Beatrice und Benedikt(basierend auf Shakespeares Komödie Viel Lärm um nichts, 1862); 23 Vokal- und Symphoniewerke, 31 Romanzen, Chöre, er schrieb die Bücher „Great Treatise on Modern Instrumentation and Orchestration“ (1844), „Evenings in the Orchestra“ (1853), „Through Songs“ (1862), „Musical Curiosities“ (1859), „Memoiren“ (1870), Artikel, Rezensionen.

Deutsch Komponist, Dirigent, Dramatiker, Publizist Richard Wagner ging als einer der größten musikalischen Schöpfer und bedeutenden Reformer der Opernkunst in die Geschichte der weltweiten Musikkultur ein. Ziel seiner Reformen war es, ein monumentales programmatisches vokal-sinfonisches Werk in dramatischer Form zu schaffen, das alle Arten von Opern- und Symphoniemusik ersetzen sollte. Ein solches Werk war ein musikalisches Drama, in dem die Musik in einem kontinuierlichen Strom fließt und alle dramatischen Verbindungen miteinander verschmilzt. Wagner lehnte den fertigen Gesang ab und ersetzte ihn durch eine Art emotional reiches Rezitativ. Einen großen Platz in Wagners Opern nehmen eigenständige Orchesterepisoden ein, die einen wertvollen Beitrag zur weltweiten symphonischen Musik darstellen.

Wagners Hand gehört zu 13 Opern:“ Der fliegende Holländer“ (1843), „Tannhäuser“ (1845), „Tristan und Isolde“ (1865), „Gold des Rheins“ (1869) usw.; Chöre, Klavierstücke, Romanzen.

Ein weiterer herausragender deutscher Komponist, Dirigent, Pianist, Lehrer und Musiker war Felix Mendelssohn Bartholdy. Ab seinem 9. Lebensjahr begann er als Pianist aufzutreten, mit 17 schuf er eines der Meisterwerke – eine Ouvertüre zu einer Komödie „ Ein Sommernachtstraum“ Shakespeare. 1843 gründete er in Leipzig das erste Konservatorium Deutschlands. Im Werk von Mendelssohn, „einem Klassiker unter den Romantikern“, sind vereint romantische Züge mit klassischer Denkweise. Seine Musik zeichnet sich durch helle Melodie, Demokratismus des Ausdrucks, Mäßigung der Gefühle, Ruhe des Denkens, das Vorherrschen heller Emotionen, lyrische Stimmungen, nicht ohne einen leichten Hauch von Sentimentalität, makellose Formen, brillante Handwerkskunst aus. R. Schumann nannte ihn „Mozart des 19. Jahrhunderts“, G. Heine – „ein musikalisches Wunder“.

Autor von landschaftsromantischen Symphonien („schottisch“, „italienisch“), Programmkonzertouvertüren, einem beliebten Violinkonzert, Stückzyklen für Pianoforte „Lied ohne Worte“; die Opern Camachos Hochzeit Er schrieb Musik für das dramatische Stück Antigone (1841), Ödipus in Colon (1845) von Sophokles, Atalia von Racine (1845), Shakespeares Ein Sommernachtstraum (1843) und andere; Oratorien "Paul" (1836), "Elia" (1846); 2 Konzerte für Klavier und 2 für Violine.

INItalienisch Musikkultur ein besonderer Platz gehört GiuseppeVerdi- ein hervorragender Komponist, Dirigent, Organist. Das Hauptgebiet von Verdis Schaffen ist die Oper. Er trat vor allem als Sprecher der heroisch-patriotischen Gefühle und nationalen Befreiungsideen des italienischen Volkes auf. In den Folgejahren widmete er sich in seinen Opern dramatischen Konflikten, die durch soziale Ungleichheit, Gewalt, Unterdrückung und angeprangertes Böses ausgelöst wurden. Charakteristische Merkmale von Verdis Werk: Volksmusik, dramatisches Temperament, melodische Helligkeit, Verständnis für die Gesetzmäßigkeiten der Bühne.

Er schrieb 26 Opern: „ Nabucco“, „Macbeth“, „Troubadour“, „La Traviata“, „Othello“, „Aida" usw . , 20 Romanzen, Vokalensembles .

Jung norwegisch Komponist Edvard Grieg (1843-1907) strebte nach der Entwicklung der nationalen Musik. Dies drückte sich nicht nur in seiner Arbeit aus, sondern auch in der Förderung der norwegischen Musik.

Während seiner Jahre in Kopenhagen schrieb Grieg viel Musik: „ Poetische Bilder“ Und "Humoreske", Sonate für Klavier und erste Violinsonate, Lieder. Mit jedem neuen Werk wird das Bild Griegs als norwegischer Komponist deutlicher. In den subtil lyrischen "Poetischen Bildern" (1863) brechen noch zaghaft nationale Züge durch. Die rhythmische Figur findet sich oft in der norwegischen Volksmusik; es wurde charakteristisch für viele von Griegs Melodien.

Griegs Werk ist umfangreich und facettenreich. Grieg schrieb Werke verschiedener Genres. Piano Concerto and Ballades, drei Sonaten für Violine und Klavier und eine Sonate für Cello und Klavier zeugt das Quartett von Griegs ständigem Verlangen nach Musik große Form. Gleichzeitig blieb das Interesse des Komponisten an Instrumentalminiaturen unverändert. Im gleichen Maße wie das Hammerklavier war der Komponist von der kammervokalen Miniatur angezogen - einer Romanze, einem Lied. Seien Sie bei Grieg nicht der Hauptdarsteller, das Feld des symphonischen Schaffens ist geprägt von Meisterwerken wie den Suiten „ Per Gounod”, “Aus Holbergs Zeiten". Ein von charakteristische Arten Kreativität Grieg-Verarbeitung Volkslieder und Tänze: in Form einfacher Klavierstücke, ein Suitenzyklus für Klavier zu vier Händen.

Griegs Musiksprache ist strahlend originell. Die Individualität des Komponistenstils wird vor allem durch seine tiefe Verbundenheit mit der norwegischen Volksmusik bestimmt. Grieg verwendet in großem Umfang Genremerkmale, Intonationsstrukturen, rhythmische Formeln von Volkslied- und Tanzmelodien.

Griegs bemerkenswerte Beherrschung der Variations- und Variantenentwicklung einer Melodie wurzelt in Volkstraditionen der wiederholten Wiederholung einer Melodie mit ihren Änderungen. „Ich habe die Volksmusik meines Landes aufgenommen.“ Hinter diesen Worten verbirgt sich Griegs ehrfürchtige Haltung gegenüber Volkskunst und Anerkennung seiner prägenden Rolle für seine eigene Kreativität.

Romantik und schließlich ein kraftvolles Realistisches ... folgten. II. Romantik in der russischen Malerei Romantik Anders in Russland...