Meisterwerke der Weltkultur. Die Architektur

Die Bauwerke von El Gizeh haben mit ihrer Größe und scheinbaren Nutzlosigkeit bereits in der Antike die Fantasie in Erstaunen versetzt, was am besten durch Folgendes vermittelt wird Arabisches Sprichwort: „Alles auf der Welt hat Angst vor der Zeit, aber die Zeit hat Angst vor den Pyramiden.“ ÄGYPTISCHE PYRAMIDEN – Gräber ägyptischer Pharaonen. Die größten von ihnen, die Pyramiden von Cheops, Chephren und Mikerin in El Gizeh, galten in der Antike als eines der sieben Weltwunder.

DIE HÄNGENDEN GÄRTEN VON SEMIRAMIS – Gärten im Palast des babylonischen Königs Nebukadnezar II. (ca. v. Chr.), die er für seine geliebte Frau, die medische Prinzessin, anlegen ließ. Die Gärten befanden sich auf einem breiten vierstöckigen Turm. Die Terrassenplattformen bestanden aus Steinplatten, die mit einer Schilfschicht bedeckt und mit Asphalt gefüllt waren. Als nächstes kamen Dichtungen aus zwei Ziegelreihen, befestigt mit Gips und Bleiplatten, die verhinderten, dass Wasser in die unteren Stockwerke des Gartens eindrang. Dieses gesamte komplexe Bauwerk war mit einer dicken Schicht fruchtbaren Bodens bedeckt, was es ermöglichte, hier die größten Bäume zu pflanzen. Die Ränge ragten auf Simsen empor, verbunden durch breite Treppen mit rosa und weißen Platten. Jeden Tag pumpten Tausende von Sklaven Wasser aus tiefen Brunnen oben in zahlreiche Kanäle, von wo es zu den unteren Terrassen floss. Das Rauschen des Wassers, der Schatten und die Kühle zwischen den Bäumen wirkten wie ein Wunder.

ZEUS DER Olympier – eine Zeus-Statue des griechischen Bildhauers Phidias. Die Statue wurde im Kultzentrum des olympischen Heiligtums – dem Zeustempel – im heiligen Hain von Altis aufgestellt. Die freiliegenden Körperteile waren mit Elfenbeinplatten ausgekleidet, die Gewänder waren in Gold gegossen und der Sockel der Skulptur war aus Holz. Die Höhe der Statue erreichte ca. 17 m. Wenn Gott „auferstanden“ wäre, würde seine Höhe die Höhe des Tempels selbst bei weitem übertreffen. In seiner Hand hielt der Donnerer eine Nike-Statue (ein Symbol des Sieges). Auch der Thron des Zeus bestand aus Gold und Elfenbein. Die Rückenlehne, die Armlehnen und der Fuß waren mit Elfenbeinreliefs und goldenen Bildern der Götter und Göttinnen des Olymp verziert. Die unteren Wände des Throns waren mit Zeichnungen von Panen bedeckt, die Beine mit Bildern tanzender Nikas. Zeus‘ Füße ruhten in goldenen Sandalen auf einer mit goldenen Löwen geschmückten Bank. Vor dem Sockel der Statue war der Boden mit dunkelblauem eleusinischem Stein bedeckt; ein darin geschnitztes Becken für Olivenöl sollte das Elfenbein vor dem Austrocknen schützen. Das Licht, das durch die Türen des dunklen Tempels drang und von der glatten Oberfläche der Flüssigkeit im Teich reflektiert wurde, fiel auf die goldenen Kleider von Zeus und beleuchtete seinen Kopf. Für diejenigen, die es betraten, schien es, als ob der Glanz vom Gesicht der Gottheit ausginge.

MAUSOLEUM IN Halikarnassos – Grab des Königs Mausolos von Karien (gestorben 353 v. Chr.). Das Mausoleum war nicht nur für die Pracht seiner Architektur berühmt, sondern auch für die Sammlung von Skulpturen am Fuß der Pyramide, auf denen sie ruhten Griechischer Typ Der Tempel und eine weitere Pyramide wurden von den berühmtesten Bildhauern des 4. Jahrhunderts mit Reliefs mit Szenen der Amazonomachie geschmückt. Chr e. Leochares, Skopas, Briaxis und Timotheus. Das fast unberührte Mausoleum stand etwa Jahre lang mitten in der verlassenen Stadt, bis es im 15. Jahrhundert von den Kreuzfahrern abgerissen wurde, die mit ihren Grabplatten ihre Festung an der Ägäis, die Burg St. Petra (heute Bodrum in der Türkei). In den Mauern der Festung und den umliegenden Häusern entdeckte der englische Archäologe C. T. Newton 1857 Reliefplatten vom Sockel des Grabes (heute im British Museum in London und im Archäologischen Museum in Istanbul), Statuen von Mausolos und ihm Frau Artemisia (die nach dem Tod des Königs den Bau ihres gemeinsamen Grabes fortsetzte) und ein kolossaler Streitwagen, der das gesamte Bauwerk krönte.

Der Artemis-Tempel (Artemision) in Ephesus ist eines der berühmtesten und verehrtesten Pilgerzentren der Antike. Der Tempel der Göttin wurde im 6. Jahrhundert erbaut. Chr e. Architekt Khersiphron aus Knossos. Während einer der Belagerungen spannten die Einwohner von Ephesus ein Seil vom Tempel zur Stadt und verwandelten sie so in ein unantastbares Heiligtum. Der Ruhm von Artemision war so groß, dass Menschen aus der gesamten griechischen Ökumene dort ihre Ersparnisse anlegten. 21. Juli 356 v. Chr e. Der Tempel der Artemis von Ephesus, das Hauptheiligtum der kleinasiatischen Griechen, wurde von Herostratus niedergebrannt. Als sich Alexander der Große 25 Jahre später der Stadt näherte, wollte er den Tempel in seiner ganzen Pracht wiederherstellen. Die Architektin Alexandra Deinokrates, die die Arbeiten überwachte, behielt den bisherigen Plan bei, erhöhte das Gebäude lediglich auf einen höheren Stufensockel. Der Tempel nahm eine riesige Fläche von 110 x 55 m ein, die Höhe der korinthischen Säulen (es waren 127), die das Bauwerk in Doppelreihen umgaben, war ebenfalls enorm, etwa 18 m; das Dach von Artemision war mit Marmorziegeln gedeckt. Eine der Attraktionen des Bauwerks waren 36 Säulen, die an der Basis mit fast mannshohen Reliefs verziert waren.

FAROSIAN-LEUCHTTURM (Alexandria-Leuchtturm) – ein Leuchtturm am Ostufer der Insel. Pharos innerhalb der Grenzen von Alexandria, der hellenistischen Hauptstadt Ägyptens. Der Erbauer dieses Wunderwerks der Technik, des ersten und einzigen Griechische Welt Leuchtturm von kolossaler Größe war Sostratus von Knidos. Reisende, die den Leuchtturm sahen, schrieben über die raffiniert angeordneten Statuen, die den Leuchtturmturm schmückten: Eine von ihnen zeigte auf ihrem gesamten Weg immer mit der Hand auf die Sonne und senkte die Hand, wenn sie unterging, eine andere schlug jeden Tag und jede Nacht die Stunde. und beim dritten konnte man die Windrichtung herausfinden. Das erstaunliche Bauwerk stand bis ins 14. Jahrhundert, aber selbst in seiner bereits stark zerstörten Form betrug seine Höhe ca. 30 m. Derzeit ist nur der Sockel des Leuchtturms erhalten, der vollständig in die mittelalterliche Festung eingebaut ist (heute Stützpunkt der ägyptischen Flotte).

DER KOLOSS VON RHODOS ist eine riesige Helios-Statue des Bildhauers Chares auf der Insel Rhodos. Die Statue des Gottes ragte direkt am Eingang zum Hafen von Rhodos auf und war für die Segler von den Nachbarinseln aus sichtbar; die Höhe der Statue betrug ca. 35 m, also fast dreimal höher als der „Bronze Horseman“ in St. Petersburg. Der Sockel der Statue bestand aus Ton mit einem Metallrahmen und die Oberseite war mit Bronzeplatten verziert. Um das Bild des Gottes direkt am Ort seiner Aufstellung zu bearbeiten, bediente sich Hares einer raffinierten Technik: Mit der allmählichen Erhöhung der Skulptur stieg auch der Erdhügel um sie herum an; Anschließend wurde der Hügel abgerissen und die Statue in ihrer Gesamtheit den erstaunten Bewohnern der Insel präsentiert. Für die Herstellung des grandiosen Denkmals wurden 500 Talente Bronze und 300 Talente Eisen (ca. 13 bzw. ca. 8 Tonnen) benötigt. „Bronzereiter“

„Das achte Weltwunder“ Das Wichtigste an diesem Weltwunder ist natürlich die vom ersten chinesischen Kaiser Qin Shihuan festgelegte Skala. Das Wichtigste an diesem Weltwunder ist natürlich die Skala, die vom ersten chinesischen Kaiser Qin Shihuan festgelegt wurde. Das Wichtigste an diesem Weltwunder ist natürlich die Skala, die vom ersten chinesischen Kaiser Qin Shihuan festgelegt wurde. Das Wichtigste an diesem Weltwunder ist , natürlich die Skala, die vom ersten chinesischen Kaiser Qin Shihuan festgelegt wurde. Das Wichtigste an diesem Weltwunder ist natürlich die Skala, die vom ersten chinesischen Kaiser Qin Shihuan festgelegt wurde. Das Wichtigste an diesem Weltwunder Die Welt ist natürlich der Maßstab, den der erste chinesische Kaiser Qin Shihuan festgelegt hat. Das Wichtigste an diesem Weltwunder ist natürlich der Maßstab, der vom ersten chinesischen Kaiser Qin Shihuan festgelegt wurde. Das Wichtigste dabei Das Weltwunder ist natürlich die Skala, die der erste chinesische Kaiser Qin Shihuan festgelegt hat. Das Achte Weltwunder liegt im Zentrum Chinas. Die Ausstellung dieses Weltwunders befindet sich in den nördlichen Ausläufern des Berges Lishan östlich der Stadt Xi'an und besteht aus Grabstatuen von Kriegern und Pferden aus dem Grab von Qin Shihuang. Dabei handelt es sich keineswegs um eine gewöhnliche Museumsausstellung, denn das Ensemble besteht aus drei riesigen Krypten. Die gesamte Ausstellungsfläche beträgt mehr als 20.000 Quadratmeter. In drei Krypten gibt es mehr als siebentausend Figuren, mehr als zweihundert Streitwagen und eine große Anzahl bronzener Waffen. Das Museum entstand bei Ausgrabungen, also direkt am Fundort der Bestattung. Das Wichtigste an diesem Weltwunder ist natürlich der Maßstab, den der erste chinesische Kaiser Qin Shihuan vorgab, dem es vor zweitausend Jahren gelang, die verstreuten Fürstentümer Chinas in einem einzigen Staat zu vereinen. Der scharfsinnige Herrscher, der zu Lebzeiten Unsterblichkeit erlangen wollte, begann für sich in der Nähe der Stadt Chang'an im Westen Chinas ein Grab von enormer Größe zu bauen, das später zu einem Grab wurde, in dem Grabstatuen von Kriegern und Pferden gefunden wurden. Vor zwanzig Jahren wurde dieses antike Denkmal von der UNESCO in den Katalog des Weltkultur- und Naturerbes aufgenommen.

Meisterwerke der Weltkultur aus der Sicht eines Generals aus dem Gedicht „ Eisenbahn" - Ich war kürzlich innerhalb der Mauern des Vatikans, ich bin zwei Nächte lang durch das Kolosseum geschlendert, ich habe den Heiligen Stephanus in Wien gesehen, Na ja... haben die Menschen das alles erschaffen? Entschuldigen Sie dieses unverschämte Lachen, Ihre Logik ist etwas wild. Oder ist Apollo Belvedere für Sie schlimmer als ein Herd? Hier sind deine Leute, diese Thermalbäder und Bäder, Ein Wunder der Kunst - er hat alles weggenommen!.. -Eure Slawen, Angelsächsinnen und Deutschen. Erschafft nicht – zerstört den Meister, Barbaren! Ein wilder Haufen Betrunkener!... Es ist jedoch an der Zeit, sich um Vanyusha zu kümmern;...

1. Vatikan. Der Vatikan ist ein grandioser architektonischer Komplex, in dem Tempel, Paläste und Befestigungsanlagen mit Werken der Landschaftskunst kombiniert werden. Der feierliche Eingang zum Vatikan ist der von Kolonnaden eingerahmte Petersplatz. Die Kolonnaden führen zum Petersdom, der größten katholischen Kirche der Welt. Die Vatikanischen Paläste beherbergen weltberühmte Museen antike Skulptur, und in den Vatikanischen Gärten gibt es ein Casino von Pius V. und das Gebäude der Vatikanischen Pinakothek, in dem Werke der italienischen Malerei des 14.-17. Jahrhunderts gesammelt werden.

4. Apollo Belvedere. Apollo-Statue aus Marmor, römische Kopie eines Originalwerks aus Bronze antiker griechischer Bildhauer Leochara (ca. v. Chr., Pio-Clementino-Museum, Vatikan). Der Name stammt vom Belvedere-Palast des Vatikans, wo die Statue ausgestellt ist. Lange Zeit gilt als der Höhepunkt der griechischen Kunst.

Elektronische Ressourcen: Tolle Enzyklopädie Cyril und Methodius. DVD-ROM. – M.: LLC Cyril and Methodius, CD Global Deejays / SoundofSanFrancisco (Progress) mp3.

Ich musste herumstöbern und scannen, um einige der Meisterwerke zu zeigen, die hauptsächlich im British Museum aufbewahrt werden. Dabei handelt es sich um Miniaturen aus Manuskripten der Herater und Täbriser Werkstätten des späten 15. bis frühen 16. Jahrhunderts.

Es ist also Zeit für die endgültige Spaltung zwischen Sunniten und Schiiten. Die Zeit der höchsten Blüte der Kunst Persiens, Afghanistans und Zentralasiens. Im Zentrum der Welt – Herat (Afghanistan) – entsteht nach und nach eine brillante Schule von Miniaturisten, zunächst streng und geometrisch, eher trocken. Hier ist Ben Hur im Schwarzen Palast:

Aber der berühmteste Künstler der muslimischen Welt, Behzad, wurde ein wahres Genie.

Behzad, Alexander (Mazedonier) trifft sich mit einem Einsiedler:

Seine erstaunliche Helligkeit und Kühnheit der Farbkontraste werden mit bestimmten Versuchen kombiniert, die Realitäten des Lebens zu vermitteln:

Behzad, Szene in einem öffentlichen Bad:

und Experimente, die zu der Aussicht führen könnten:

Gelingt ihm dies aber nicht, treibt er den Kolorismus kraftvoll voran:

Aufgrund der Kapitalverlegung zog Behzad nach Täbris. Unter seinem Einfluss blühte die dort bereits bestehende Schule der Miniaturen auf. Künstler werden an ihren Lieblingsfarben und -techniken erkannt. Sultan Mohammed:

Diese Miniatur, die dem legendären Aqa Mirak zugeschrieben wird, hinterlässt bei mir den größten Eindruck. Ineinander verschachtelte Rechtecke mit abnehmenden Ornamenten und der letzte Baum in der Öffnung des Pavillons, der sogar den Bilderrahmen durchquert, sind faszinierend

Natürlich blühte die Miniaturmalerei auch in anderen Städten auf. Und Nachbarländer. Bewerten Sie die Farbkombination - Kazvin, Kunst. Scheich Muhammad, „Der Dichter Laghari und der dicke Edelmann“, „Tuhfat-Al-Ahrar“

Lassen Sie uns mit diesem Künstler enden ...

Es bleibt zu sagen, dass es in Russland eine der besten Sammlungen dieser Manuskripte gibt – den Staat. nach ihr benannte Bibliothek Saltykov-Shchedrin, St. Petersburg. Allerdings stammen die meisten der hier präsentierten Miniaturen aus dem British Museum, London.

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Wie unterscheidet sich Malewitschs Schwarzes Quadrat von Wasja Watnikows rotem Kreis mit grünen Punkten? Das wage ich zu sagen, nichts. Zwar wird Ihnen jeder Ästhet (obwohl Malewitsch selbst feststellte, dass sein Gemälde nichts bedeutet) über die tiefste verborgene Bedeutung des Werks erzählen. Über den roten Kreis mit grünen Tupfen von Vasya Vatnikov lässt sich jedoch genau das Gleiche sagen: Der Erbsenkreis symbolisiert den Teufelskreis der Existenz und so weiter. Warum schwankt der Preis zweier völlig uninteressanter Gemälde unter sonst gleichen Bedingungen so stark? Die Antwort auf diese Frage sollte eher im wissenschaftlichen Bereich der Ethologie als in der Kunst gesucht werden.

1. Ästhetisches Vergnügen am Gemälde.

Es ist logisch anzunehmen, dass ein Gemälde, wie jedes andere Produkt auch, kreativer Selbstausdruck soll ästhetisches Vergnügen beim Betrachten eines Meisterwerks bieten, für das Menschen angeblich Millionen bezahlen. Wenn man jedoch genauer hinschaut, wird klar, dass der ästhetische Genuss das Allerletzte ist, was den Preis der Leinwand beeinflusst. Es wird überhaupt nicht berücksichtigt. Denn wenn der Hauptwert eines Meisterwerks darin liegt, wie es aussieht und wie es auf den Menschen wirkt, warum kosten seine Kopien dann im Gegensatz zum Original einen Cent? Daher ist das Meisterwerk selbst, das Bild selbst, nichts wert, sondern nur die Exklusivität der Leinwand. Oder geht durch das Kopieren etwas verloren, was ein Meisterwerk eigentlich zu einem Meisterwerk macht? Kaum, insbesondere angesichts der heutigen Kopiertechnologien sowie des hohen Könnens der Künstler (falls vorhanden). wir reden überüber das Neuzeichnen). Daraus lässt sich nur eine Schlussfolgerung ziehen: Der Preis eines Gemäldes wird überhaupt nicht von dem beeinflusst, was gemeinhin als künstlerischer Wert bezeichnet wird. Der künstlerische Wert ist einen Cent wert. Und hier geht es eindeutig um Exklusivität.

2. Gibt es überhaupt einen ästhetischen Genuss an einem Meisterwerk und wie stark ist dieser?

Selbst das ästhetische Vergnügen aller möglichen schwarzen Quadrate war offenbar etwas, das sich die Menschen selbst ausgedacht haben. Ein Beispiel dafür ist Van Gogh, der zu Lebzeiten nur ein Gemälde verkaufte, und selbst dieses wurde ihm aus Mitleid abgekauft. Warum waren seine Bilder zu seinen Lebzeiten für niemanden von Interesse? Wahrscheinlich, weil niemand Freude, Freude und Bewunderung durch seine „Meisterschaft“ empfand. Und niemand sah darin einen Sinn, und wenn es einen Sinn in ihnen gab, dann kümmerte es niemanden.

Doch plötzlich, einige Zeit nach seinem Tod, beginnen seine Bilder plötzlich, der breiten Masse ein intensives ästhetisches Vergnügen zu bereiten und eine gewisse tiefe Bedeutung zu erlangen, die von Millionen von Ästheten bewundert wird. Das ist irgendwie seltsam! Wie kommt es, dass irgendwann niemand Ihre Bilder mag, sich aber plötzlich wie durch Zauberei die ganze Welt in Ihre Bilder verliebt? Das trifft übrigens auf die meisten Künstler zu, es gibt sogar ein Sprichwort: Anerkennung erlangt der Künstler erst nach seinem Tod. Aus irgendeinem Grund geschieht dies bei großen Dichtern wie Puschkin und Wyssozki und Schriftstellern wie Orwell und Bulgakow zu Lebzeiten, bei großen Künstlern jedoch erst nach ihrem Tod. Da stimmt etwas nicht.

Wenn Sie vor 20 Jahren ein bestimmtes Mädchen als unheimlich empfunden haben, wird sie es heute für Sie sein. Er schaut sich auch gerne Bilder an. Die Tatsache, dass die Gemälde des Künstlers das Auge einmal nicht erfreuen und dann plötzlich anfangen, das Auge zu erfreuen, bestätigt nur das, was im obigen Absatz beschrieben wurde: Der künstlerische Wert der Leinwand interessiert niemanden und spielt keine Rolle jede Rolle für den Wert des Gemäldes sowie für die Anerkennung als Meisterwerk. In den meisten Fällen wird ästhetisches Vergnügen einfach vom Publikum erfunden. Nur der professioneller Künstler, und das ist eine sehr begrenzte Bevölkerungsgruppe, und sie sind sicherlich nicht diejenigen, die solche Gemälde für so viel Geld kaufen.





Mark Rothko, „Orange, Rot, Gelb.“ Der Preis des Gemäldes beträgt 86,9 Millionen Dollar.

Hat Ihnen das Bild ästhetisch gefallen? Selbst wenn sie es erhalten hätten; Selbst wenn für die Erstellung dieses Muini einige superkomplizierte Zeichenstile verwendet würden, kann es nicht einmal Tausende von Dollar kosten, egal wie tief die vermeintliche Bedeutung darin steckt. Der Preis dieses Gemäldes entspricht dem Preis der für seine Herstellung aufgewendeten Materialien + dem Aufpreis für die Arbeit. Es stimmt, bei einer solchen Arbeit kostet es natürlich einen Cent. Der Maler an meinem Eingang hat seine Arbeit irgendwie nachlässig gemacht – es stellte sich heraus, dass es sich um eine Rekonstruktion von Rothkos Werken handelte. Lediglich der Maler erhält deutlich weniger Lohn.

Aus den ersten beiden Punkten geht hervor, dass weder der ästhetische Genuss, ein Gemälde zu betrachten, noch der künstlerische Wert eine Rolle bei der Preisbestimmung spielen. Weil Kopien von Gemälden ein paar Cent kosten. Der springende Punkt liegt also in der Exklusivität und limitierten Auflage – das ist eins und zwei – die Frage ist, zu wem das Werk gehört. Zu Van Goghs Zeiten gab es keinen einzigen würdigen Künstler? Warum sind seine Bilder Millionen wert und niemand braucht den Rest umsonst? Warum sind Nikos Safronovs Gemälde im heutigen Russland tausendmal mehr wert als gleichwertige (und oft sogar noch höhere) Werke Tausender anderer Künstler?

3. Exklusivität der Leinwand.

Wie wir wissen, ist der Mensch ein soziales Tier, und für alle Tiere, die in einer Gemeinschaft zusammenleben, spielt die Statusfrage eine äußerst wichtige Rolle, denn Der Status bestimmt, wie andere Mitglieder der Gemeinschaft diese Person behandeln. In jeder Tiergemeinschaft werden Tiere zur Statusdemonstration eingesetzt. verschiedene Instrumente- Größe von Genitalien, Schweif, Mähne, Brülllautstärke und vieles mehr. Da der Mensch in Bezug auf die Komplexität der Gemeinschaft, in der er lebt, weit von den Tieren entfernt ist, verfügt er über viel mehr Möglichkeiten, seinen Status zu demonstrieren. Der Status ist in absolut jeder sozialen Schicht der Bevölkerung und in jeder Gruppe wichtig, unabhängig von der Anzahl der Personen. Selbst Menschen, die den Konsumismus verbal völlig ablehnen (zum Beispiel Skinheads oder Punks), sind vollständig auf diesen Instinkt angewiesen. Und Status kann vor allem durch Konsum erreicht werden. So träumte beispielsweise jeder Skinhead der 90er Jahre von Reptilien mit weißen Schnürsenkeln – ein solches Outfit demonstrierte seinen hohen Stellenwert unter den Primaten um ihn herum. Und bei Punks, die sich an der Coolness ihrer Irokesen messen, wird diese Eigenschaft der Statusdemonstration meist aus der Wildnis kopiert.

Reichere Menschen nutzen es beispielsweise, um ihren Status zu demonstrieren. teure Autos, Yachten und Flugzeuge. Für einen sehr reichen Menschen reicht es nicht, sich einfach eine coole Yacht zu kaufen – es muss die größte der Welt sein. Warum braucht er die größte Privatyacht der Welt, deren Funktionen er größtenteils gar nicht nutzen wird? Die Yacht heißt steh einfach und seinen Status demonstrieren. Alle!

Aber die teuersten Dinge der Welt sind exklusive oder limitierte Auflagen. Für einen sehr reichen Menschen reicht ein Mercedes nicht mehr aus, um seinen Status zu demonstrieren, denn... Viele Leute haben Mercedes. Eine vereinfachte Version dieses Mechanismus könnte man im Verhalten menschlicher Frauen beobachten: Wie glücklich sie ist, wenn sie teure, schöne Kleidung erworben hat, aber wie verärgert sie ist, wenn plötzlich ihre Arbeitskollegin in genau derselben Bluse hereinkommt. Sie verlor ihre Exklusivität und wurde mit diesem Verlust zu einem durchschnittlichen Status, der Anlass zur Trauer gab. Um solche Vorfälle zu vermeiden, kauft ein sehr reicher Mensch für verrücktes Geld eine Uhr in limitierter Auflage, die sich im Wesentlichen nicht von anderen coolen Uhren unterscheidet, abgesehen von ihrer Exklusivität. Diese. er zahlt für Exklusivität. Diesen Zweck erfüllen beispielsweise auch Rolex-Uhren. Wenn Sie Rolex-Uhren kostenlos an alle verschenken, verlieren sie ihren Wert und niemand wird sie brauchen, so wie Montana-Uhren früher nicht mehr benötigt wurden.

Daher die Skandale mit Peskows ultrateuren Uhren. Sie verwenden diese Pillen als Mittel zur Statusdemonstration. Wären Peskows Uhren in unbegrenzter Stückzahl hergestellt worden, hätten sie tausendmal weniger gekostet. Meisterwerke der Kunst werden auf die gleiche Weise genutzt. Die Hauptsache ist nicht, was gezeichnet wird – auch wenn es völlig durcheinander ist. Die Hauptsache ist, etwas Exklusives zu haben, das sonst niemand hat! Daher der hohe Preis für Originale und der niedrige für Kopien. Peskow besucht den Patriarchen, schaut – und seine Uhr ist noch cooler. Was kann der unglückliche Peskow in seiner Trauer tun? Kaufen Sie für sich Privatsammlung Gemälde für 50 Millionen Dollar. In dieser Hinsicht ist Kunst die effektivste Methode, Status zu demonstrieren: Die Uhr ist vielleicht in einer limitierten Auflage erschienen, aber irgendjemand auf der Welt hat sie noch. Aber niemand hat das Original eines solchen Gemäldes. Was steht darauf? Scheiß drauf, Hauptsache, nur ich habe es!

Besonders interessant ist, dass all diese komplexen Regeln, die ein Produkt einhalten muss, von den Experten gemeinsam mit den Herstellern des Produkts selbst erstellt werden und vom Verbraucher nicht objektiv beurteilt werden können Die Funktionalität eines solchen Produkts ist ein zweitrangiges Kriterium – entzieht man vielen exklusiven Produkten den darin enthaltenen Wert in Form von Markenzeichen – und die meisten von ihnen verlieren sofort ihren hohen Wert.

Es bleibt nur noch zu verstehen, nach welchen Kriterien Kandidaten für zukünftige Meisterwerke ausgewählt werden? Warum genau der Klecks von Rothko, Lucio Fontano, Barnett Newmon und nicht der Maler von meinem Eingang? Warum Nikas Safronov und nicht der Künstler aus Arbat?

4. Exklusivität des Künstlers.

Schauen wir uns das Beispiel desselben Rothko an. Als Rothko mit der Malerei begann, gab es überhaupt keinen Kunstmarkt. Das waren die ersten Nachkriegsjahre, Europa lag in Trümmern, der frühe Enthusiasmus der ersten Philanthropen der Jahrhundertwende war bereits durch die Weltwirtschaftskrise zunichte gemacht worden, und Amerikanische Künstler waren ganz sich selbst überlassen - in einem Land, das aus ihren Gründen weder über eine eigene Tradition, noch über eine eigene Mythologie, noch über eine eigene Kultur verfügte. Keine Galerien, keine Kuratoren, keine Sammler, keine Kritiker. Es war unmöglich, überhaupt überzeugend zu formulieren, was jetzt geschrieben werden musste: Die alten Paradigmen waren längst überholt und der europäischen Avantgarde gewichen, aber selbst die Avantgarde hatte es nicht geschafft, sich zu rechtfertigen. Und dann erscheint Rothko mit seinem Idioten – dem Begründer der abstrakten Feldmalerei. Was unterschied Rothko von Tausenden anderen Künstlern und NORMALEN Künstlern? Er war der erste, der damit begann, dies auszustellen. Diese. exklusiv. Darüber hinaus werden die Kosten für Gemälde auch von der Tragödie im Leben des Künstlers beeinflusst. Und Rothko schnitt sich mit einem Rasiermesser die Handgelenke auf. Daher stiegen auch Jahre nach seinem Tod die Kosten für Gemälde. Es war einzigartig in seiner Spezifität. Spezifität nicht als Künstler (seine Arbeit zu Bildende Kunst keine Beziehung haben), sondern als Person.

Sie haben wahrscheinlich bemerkt, dass sich nur wenige Menschen für normale Künstler interessieren? Der größte Hype dreht sich um Menschen, die offen gegangen sind, wie Frida, Van Gogh usw.

Übrigens, Van Gogh! Für alle meine hartes Leben er hat nie ein einziges Gemälde von ihm verkauft (genauer gesagt, eines, und selbst dieses wurde aus Mitleid gekauft). Dennoch schrieb und zeichnete er weiterhin mit der Wildheit eines Fanatikers. Und wenn er vor einem Dilemma stand – verhungern oder zeichnen, dann entschied er sich für das Zeichnen... In einer der Psychosen schnitt er sich sogar ein Ohr ab. Seine Biografie hebt sich deutlich von der vieler anderer Zeitgenossen ab. Er ist ein ausgezeichneter Kandidat für Celestials aus der Kunst. Er wuchs auf und wurde aufgrund seiner Leidenschaft und Leidenschaft für die Malerei aus der Masse der Künstler herausgehoben, und alles andere sollte die Augen und Gedanken der einfachen Leute verwischen.

Diese. Grob gesagt gibt es in der Welt der Kunst seit langem einen Kreis von Menschen, die den einfachen Leuten den Status eines „Meisterwerks“ in Bezug auf fast jedes Gemälde eines beliebigen Künstlers verkaufen, und diese einfachen Leute zahlen ihnen dafür Geld. Tatsächlich sind es nicht die Gemälde selbst, die ihr Geld wert sind, sondern die Biografien der ausgewählten Künstler. Und noch eine Nuance: Der zukünftige Erfolg des Künstlers und die Kosten seiner Bilder werden auch davon beeinflusst, wer sein Gemälde als erster kauft. Wenn ein Milliardär, dann erhöht dies automatisch den Status des Autors und dementsprechend die Kosten seiner Gemälde. Ein hervorragendes Beispiel dafür ist Nikas Safronov.

5. Der Einfallsreichtum des Künstlers oder kompetentes Marketing.

Es gibt kein brillanteres Beispiel als Nikas Safronov! Am meisten teures Gemälde„Dreams of Italy“ dieses Künstlers ist 106.000 US-Dollar wert. In Safronovs Gemälden gibt es nichts Besonderes, es gibt Zehntausende davon in den Galerien, solche Träume von Italien. Aber nur einer kostet hunderttausend Dollar. Warum? Wie ich im letzten Absatz geschrieben habe, ist einer der wichtigsten Faktoren für den Status der Gemälde eines Künstlers, wem seine Gemälde gehören. In den 90er Jahren arbeitete Safronov im Theater der maßgeblichen Figur des Showbusiness Donatas Bonionis, durch den er die Möglichkeit hatte, mit den Stars in Kontakt zu treten Russische Bühne und berühmt Politiker, dem er bei dieser Gelegenheit Selbstporträts schenkte. So gelangten seine Bilder in die Häuser der Elite. Und damit sie sicher da waren, malte er Berühmtheiten als Adlige, Könige usw.

Und dann war es so: „Wow. In Pugatschowas Haus hängt ein Gemälde von Safronow. Anscheinend ist er cool. Finden Sie mir seine Nummer und ich kaufe sie auch“, bewunderte der Oligarch oder Politiker. So wurde Safronow ein „großer“ Künstler.

Das deutlichste Beispiel für ein solches Merkmal konnte man während einer Ausstellung eines Künstlers in Moskau sehen (ich weiß nicht mehr genau, wer). Vom hohen Glockenturm aus kümmerte sich niemand um sie, als plötzlich ... Putin sie besuchte. Am nächsten Tag bildete sich vor der Galerie eine gigantische Schlange derjenigen, die an dem hohen künstlerischen Wert teilhaben wollten. Es ist nur so, dass Putin mit seinem Spaziergang dem Primatenrudel gezeigt hat, dass die Ausstellung der Gemälde dieses Künstlers ein Statusereignis ist, das ist alles.

6. Bildbörse

„Meisterwerke“ für ihre privaten Besitzer sind neben der Angeberei auch Banknoten mit einem sehr großen (und, wie der Besitzer hofft, wachsenden) Nennwert. Hierbei handelt es sich um ein spezielles Finanzinstrument, in das Geld investiert wird, wenn viel zusätzliches Geld vorhanden ist. Wir können uns zum Beispiel an japanische Sammler erinnern, die begannen, Kunstwerke und einfach seltene Dinge auf der ganzen Welt zu kaufen, als der Zinssatz der russischen Zentralbank unangemessen niedrig wurde.

Nun, man kann sie wie an der Börse handeln: Man kauft ein Gemälde und wartet darauf, dass der Preis steigt. Und wie sehr es wachsen wird, hängt davon ab, wie sehr es und sein Autor gefördert werden, wie tiefgreifend die Bedeutung dafür sein wird. Der Preis steigt übrigens nicht nur aufgrund des oben erwähnten schwierigen Lebens des Autors, sondern auch aufgrund der schwierigen Geschichte des Gemäldes selbst. Von Zeit zu Zeit greifen einige Verrückte die Gemälde an und schütten Farbe darauf. Im Louvre beispielsweise ist dies generell die Norm. Das Paradoxe ist, dass nach solchen Angriffen die Farbe natürlich abgewaschen wird, aber die Preise für Gemälde steigen rapide, weil sie eine solche Geschichte haben: Das Gemälde wurde angegriffen, mit Farbe übergossen und auf wundersame Weise gerettet. Persönlich neige ich zu der Annahme, dass solche Angriffe direkt von den Eigentümern der Gemälde (natürliche oder juristische Personen) organisiert werden, so dass der Wert des Vermögenswerts weiter steigt.

Wenn plötzlich das Unglaubliche passiert und die Gemälde rapide im Preis fallen, versichere ich Ihnen, dass alle ihre Besitzer ihren unübertroffenen historischen Wert sofort vergessen und wahnsinnig beginnen werden, sie zu verkaufen, wie es bei illiquiden Wertpapieren auf dem Markt der Fall ist.

Ich sage keineswegs, dass einer dieser Künstler schlecht ist: Nein, sie sind alle auf ihre Art talentiert. Sogar Nikas Safronov, der unter Experten heftiger Kritik ausgesetzt ist. Auf jeden Fall werde ich nie in meinem Leben so zeichnen wie er. Wir reden hier von etwas anderem. Wir sprechen über die Gründe für die unzureichenden Malerkosten. Und es scheint mir, dass ich den gesamten Prozess der Preisgestaltung und vor allem die Gründe, die den Verbraucher dazu motivieren, solche Preise zu bilden, mehr als überzeugend beschrieben habe! Aber die Qualität des Gemäldes, sein künstlerischer Wert und die ästhetische Freude an der Betrachtung haben nichts mit den Kosten zu tun. Und wenn dir jemand davon erzählt, dann ist er nur ein Star.

AKROPOLIS VON ATHEN

PHIDIAS

DIE GESCHICHTE EINES MEISTERWERKS

Athener Akropolis

Name Akropolis in Athen

Entstehungsdatum: 5. Jahrhundert. Chr.

Kunstform Architektur

Architektonischer Stilantike Architektur

Zweck fungierte als religiöses Heiligtum für ganz Attika

Architektonisches ErscheinungsbildDie Akropolis thront über ganz Athen und ihre Silhouette prägt die Skyline der Stadt. In der Antike war der Parthenon, der sich über den Hügeln erhob, von jedem Teil Attikas aus und sogar von Schiffen aus zu sehen, die zur Küste fuhren. Die durchdachte Komposition des gesamten Ensembles, perfekt gefundene Proportionen, eine flexible Kombination verschiedener Ordnungen und feinste Modellierung architektonischer Details machen die Gebäude der Akropolis zur höchsten Errungenschaft der antiken griechischen Architektur und zu einem der herausragendsten Denkmäler der Weltkunst.

DesignlösungBeim Bau der Akropolis verwendete Phidias ein Ordnungssystem, das drei Ordnungen umfasste: Ionisch, Dorisch und Korinthisch. Darüber hinaus verwendete er beim Bau des Erechtheions kein Ordnungssystem, sondern verwendete Karyotide. In allen Tempeln auf der Akropolis sind mit Menschen vermischte Götterfiguren dargestellt.

Material Alle Strukturelemente der Akropolis, einschließlich der Dachziegel und Stylobate-Stufen, wurden aus lokalem pentelischem Marmor gehauen, der unmittelbar nach dem Abbau fast weiß war, im Laufe der Zeit jedoch einen warmen gelblichen Farbton annahm. Es wurde weder Mörtel noch Zement verwendet und das Mauerwerk wurde trocken ausgeführt. Die Blöcke wurden sorgfältig aneinander angepasst, die horizontale Verbindung zwischen ihnen erfolgte mit I-Träger-Eisenbefestigungen, die in speziellen Nuten platziert und mit Blei gefüllt waren, die vertikale Verbindung erfolgte mit Eisenstiften.

Maße ca. 300 m lang und 170 m breit

Phidias (ca. 490 v. Chr. Athen)

Hauptarbeiten

• Athena Promachos auf der Akropolis, ca. 460 v. Chr. e.
• Zeus Olympioniken

Die Idee der ArbeitDie Akropolis von Athen, ein 156 Meter hoher Felshügel mit flacher Spitze. Im Jahr 447 wurde die Aufsicht über die Arbeit dem berühmten Bildhauer Phidias übertragen, der offenbar der Autor war Kunstprogramm, das die Grundlage des gesamten Komplexes bildete, sein architektonisches und skulpturales Erscheinungsbild.

437-432 Propyläen und Tempel der Nike Apteros

421-406 Erechtheion

448-432 Parthenon

Das Schicksal der Arbeit

Zerstörung Die Tempel auf der Akropolis wurden aufgrund häufiger Kriege mehrmals wieder aufgebaut.

Wiederaufbau Nach der Unabhängigkeitserklärung Griechenlands wurde bei Restaurierungsarbeiten (hauptsächlich Ende des 19. Jahrhunderts) das antike Erscheinungsbild der Akropolis so weit wie möglich wiederhergestellt.

Der heutige AuftrittBleibt unter Freiluft Die Skulpturen wurden inzwischen durch Kopien ersetzt. Viele Reliefs und Skulpturen befinden sich in Museen auf der ganzen Welt.

Interessante FaktenIm 15. Jahrhundert wurde der Parthenon in eine Moschee umgewandelt, zu der Minarette hinzugefügt wurden, und das Erechtheion wurde zum Harem des türkischen Paschas.

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Kolosseum

DIE GESCHICHTE EINES MEISTERWERKS

Kolosseum

(Flavisches Amphitheater)

Kurze Informationen zur Arbeit

Name Kolosseum (Flavisches Amphitheater).

Entstehungsdatum 75 - 80 ANZEIGE

Bauort: Italien, Rom

Kunstform Architektur

Architektonischer Stilantike Architektur

Zweck In den Amphitheatern wurden verschiedene Aufführungen aufgeführt: Seeschlachten, Schlachten

Menschen mit exotischen Tieren, Gladiatorenkämpfe.

Architektonisches ErscheinungsbildDas römische Kolosseum war eine riesige Schüssel mit

abgestufte Sitzreihen, außen abgeschlossen durch einen elliptischen Ring

Wand.

DesignlösungIm Grundriss ist das Kolosseum eine Ellipse. Die Arena ist durch ein Hoch getrennt

Wand von den Zuschauerplätzen entfernt. Rund um die Arena, allmählich ansteigend, gab es

Sitzplätze für Zuschauer, getrennt durch breite Gänge. Vier gingen hinein

Sitzreihen, die außen drei Arkadenreihen entsprachen: dorisch

Ionisch und korinthisch. Die vierte Etage war leer und mit korinthischen Pilastern versehen.

Material Das Kolosseum ist aus Tuffstein gebaut, die Außenwände bestehen aus härterem

Für die Gewölbe und Wände wurden Traventin, Ziegel und Beton verwendet.

Maße Länge – 188 m, Höhe – 48,5 m, Umfang – 520 m.

Entstehungsgeschichte des Werkes

Die Idee der ArbeitIm Kolosseum wurden in Rom beliebte Spektakel aufgeführt – Gladiatorenkämpfe, Kämpfe mit Tieren und sogar Seeschlachten – Naumachie (damals war die Arena mit Wasser gefüllt). Darüber hinaus fanden dort Reitwettbewerbe statt, Sportwettkämpfe und etwas Ähnliches moderne Konzerte. Die Organisation solcher Spektakel gehörte zu den unausgesprochenen Aufgaben herrschende Klasse und war ein sicherer Weg, die Liebe der Menschen zu gewinnen. Da es sich um eine Angelegenheit von nationaler Bedeutung handelte, die auch mit großen Kosten verbunden war, wurde die Durchführung von Spielen durch zahlreiche Gesetze geregelt.

Dauer und BauabschnitteDas Kolosseum wurde für verwendet direkter Zweck viereinhalb Jahrhunderte lang erbaut und in dieser Zeit immer wieder fertiggestellt, teilweise umgebaut und repariert, ohne dass sich die Gesamtkonstruktion änderte. Im Jahr 217 brannten die oberen Ränge bei einem durch einen Blitzschlag verursachten Brand nieder, wurden aber wieder aufgebaut. Im Jahr 248 wurde im Amphitheater das tausendjährige Jubiläum Roms feierlich gefeiert. Der letzte Gladiatorenkampf fand im Jahr 404 statt, und im Jahr 405 wurden solche Spektakel verboten, da sie im Widerspruch zum Geist des Christentums standen, das zu dieser Zeit zur vorherrschenden Religion geworden war. Berichten zufolge behielt das Kolosseum in der Mitte des 5. Jahrhunderts noch sein ursprüngliches Aussehen, wurde jedoch 50 Jahre später, möglicherweise infolge eines Erdbebens, schwer zerstört. Mehr als ein Jahrhundert lang wurde im Kolosseum Tierverfolgung betrieben – die letzte erfolgte im Jahr 523, nach dem Untergang des römischen Staates. Eine Zeit lang wurde das Amphitheater gelegentlich als Arena genutzt, im 8.–9. Jahrhundert wurde es jedoch vollständig aufgegeben.

Das Schicksal der Arbeit

Zerstörung Allmählich schmolz das Amphitheater – seine Steine ​​wurden abgebaut, die untere Bogenreihe ging nach und nach unter die Erde, auf den Ruinen wuchsen Bäume und sogar wilde Tiere lebten. Erst im 18. Jahrhundert wurde die Arena als historisches und architektonisches Denkmal wahrgenommen. Der erste Papst, der vom Schicksal des Kolosseums betroffen war, war Benedikt XVI. Er verehrte es als den Ort, an dem viele christliche Märtyrer ihren Tod fanden (obwohl nicht alle modernen Gelehrten damit einverstanden sind), und zur Erinnerung an ihr Leiden errichtete er ein riesiges Kreuz in der Mitte der Arena und mehrere Altäre in der Nähe. Diese Symbole existierten bis 1874.

Wiederaufbau Und seitdem wurde das Kolosseum ständig restauriert: Zu verschiedenen Zeiten wurden die verbleibenden Mauern, die vom Einsturz bedroht waren, verstärkt, die Innentreppen repariert, einige verlorene Teile ergänzt, Ausgrabungen durchgeführt und unterirdische Räume entdeckt. Im Jahr 1997 wurde eine umfassende Vermessung des Kolosseums mit modernen Laser- und Infrarotgeräten durchgeführt. Diese Arbeiten ermöglichten es, eine genaue Karte des Amphitheaters zu erstellen und die Stellen mit der größten Verformung der Struktur zu identifizieren.

Der heutige AuftrittDas Kolosseum ist immer noch so beeindruckend und einzigartig originell, dass jeder, der es betritt, wenn er möchte, für einen Moment dieses gigantische Gebäude so sehen kann, wie es war, als Tausende von erhitzten Gesichtern der Arena zugewandt waren und dort, inmitten der Staubwirbel, Ströme von Blut flossen und es gab einen so erbitterten Kampf, dass die menschliche Sprache nicht in der Lage ist, ihn zu beschreiben. Doch schon im nächsten Moment lösen die Trostlosigkeit und die düstere Erhabenheit dieser Ruinen beim Besucher eine stille Traurigkeit aus; und vielleicht wird er nie wieder so aufgeregt und schockiert sein über ein anderes Spektakel, das nicht direkt mit seinen persönlichen Gefühlen und Erfahrungen zusammenhängt... Dies ist das beeindruckendste, feierlichste, majestätischste und düsterste Spektakel, das man sich vorstellen kann.

Interessante FaktenFür den Bau des Kolosseums war es notwendig, den See trockenzulegen. Er war

ausgelegt für 50.000 Zuschauer. Es war möglich, gleichzeitig in die Arena zu gehen

3.000 Gladiatoren. Die Unterbringung der Personen erfolgte nach sozialen Kriterien:

Sitze der unteren Ränge für den Kaiser, sein Gefolge und Senatoren; zweites Drittel -

für Reiter und römische Bürger; der vierte - für Freigelassene. System

Galerien und viele Eingänge trugen dazu bei, das Gebäude schnell zu füllen und zu leeren.

Um die Zuschauer vor der Sonne im gesamten Amphitheater auf hohen Masten zu schützen,

An der Wand der vierten Etage war eine Markise (Velarium) aufgespannt. In der Tiefe

In den Kellern des Kolosseums befanden sich Räume für Gladiatoren und Käfige für Tiere.

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PARTHENON

ICTIN UND KALLICRATE

DIE GESCHICHTE EINES MEISTERWERKS

Parthenon

Kurze Informationen zur Arbeit

Nennen Sie Parthenon

Entstehungsdatum 447-438. Chr

Bauort Griechenland, Athen

Kunstform Architektur

Architektonischer StilAntike Architektur

Zweck der Haupttempel der Akropolis, der Göttin Athene gewidmet

Architektonisches Erscheinungsbild.Der Parthenon in seiner heutigen Form ist ein Peripter dorischen Ordens, der auf drei Marmorstufen steht (Gesamthöhe ca. 1,5 m), mit 8 Säulen an den Enden und 17 an den Seiten (wenn man die Ecksäulen zweimal zählt). Die Höhe der Peristylsäulen, bestehend aus 10–12 Trommeln, beträgt 10,4 m, ihr Durchmesser an der Basis beträgt 1,9 m, die Ecksäulen sind etwas dicker (1,95 m). Die Säulen haben 20 Rillen (vertikale Rillen) und verjüngen sich nach oben. Das Innere des Tempels oder der Cella (Außengröße 21,7–59 m) ist um zwei weitere Stufen über das Stylobat hinaus erhöht (Gesamthöhe 0,7 m) und weist an den Enden sechssäulige Prostil-Portiken auf, deren Säulen etwas niedriger sind als in der äußeren Kolonnade. Die Cella ist in zwei Räume unterteilt. Das östliche, längere Schiff, Hekatompedon genannt (Innenmaß 29,9–19,2 m), war durch zwei Reihen von 9 dorischen Säulen in drei Schiffe unterteilt, die am westlichen Ende durch eine Querreihe von drei zusätzlichen Säulen abgeschlossen wurden. Es wird angenommen, dass es eine zweite Reihe dorischer Säulen gab, die sich über der ersten befand und für die erforderliche Deckenhöhe sorgte. In dem von der inneren Kolonnade umschlossenen Raum befand sich eine kolossale (12 m hohe) Chrysoelefanten-Kultstatue der Athene (aus Gold und Elfenbein) von Phidias. Die Decken des westlichen Raumes der Cella (Innenmaß 13,9–19,2 m) ruhten auf vier hohen Säulen, vermutlich ionischer Zeit.

Konstruktive Lösung.Alle Linien des Tempels wirken vollkommen gerade, denn die Architekten berücksichtigten die Besonderheiten des menschlichen Sehens: Damit gerade Linien nicht konkav wirken, wurden sie konvex gestaltet. Alle Linien des Parthenon, alle seine Ebenen sind gekrümmt, leicht gerundet, die Säulen neigen sich nach innen, die Abstände zwischen ihnen sind unterschiedlich, obwohl sie gleich erscheinen, die Ecksäulen sind massiver und näher an ihren Nachbarn, ansonsten im Hellen Sonne würden sie dünn erscheinen.

Material. Alle Elemente der Parthenon-Struktur, einschließlich der Dachziegel und Stylobate-Stufen, wurden aus lokalem pentelischem Marmor gehauen, der unmittelbar nach dem Abbau fast weiß war, im Laufe der Zeit jedoch einen warmen gelblichen Farbton annahm. Es wurde weder Mörtel noch Zement verwendet und das Mauerwerk wurde trocken ausgeführt. Die Blöcke wurden sorgfältig aneinander angepasst, die horizontale Verbindung zwischen ihnen erfolgte mit I-Träger-Eisenbefestigungen, die in speziellen Nuten platziert und mit Blei gefüllt waren, die vertikale Verbindung erfolgte mit Eisenstiften.

Maße. Die Abmessungen des Tempels im Grundriss (entlang des Stylobats) betragen 30,9–69,5 m.

Iktin (zweite Hälfte des 5. Jahrhunderts v. Chr.)

Jahrelange kreative Tätigkeit.Antiker griechischer Architekt, 2. Etage. 5. Jahrhundert Chr e. Der größte Architekt der Klassik.

Hauptarbeiten

• Odeon des Perikles in Athen
• Apollontempel in Bassae, ca. 430 v. Chr

Kallikrates (Mitte 5. Jahrhundert v. Chr.)

Jahrelange kreative Tätigkeit.Antiker griechischer Architektser. 5. Jahrhundert Chr e. Vertreter der Klassik

Hauptarbeiten

• Parthenon, Athen, 5. Jahrhundert. Chr.
• Tempel des Nike Apteros, Athen, ca. 420 v. Chr

Phidias (Ang. 5. Jahrhundert Chr e. - OK. 432-431 v. Chr e.)

Jahrelange kreative Tätigkeit.Antiker griechischer Bildhauer der Hochklassik.

Hauptarbeiten

• Athena Promachos auf der Akropolis, ca. 460 v. Chr e.
• Zeus Olympioniken
• Athena Parthenos, Athen, geweiht 438 v. Chr. e.
• Skulpturale Dekoration des Parthenon, Athen

Entstehungsgeschichte des Werkes

Die Idee der Arbeit.Der Parthenon ist das Zentrum der Athener Akropolis, einer der majestätischsten Tempel des antiken Griechenlands, der Athene gewidmet ist und eine Reihe einzigartiger Merkmale aufweist. (Der Parthenon ist in Form eines Peripterus gebaut).

Baudauer.Der Bau des Parthenon dauerte 16 Jahre und wurde 432 v. Chr. abgeschlossen. e.

Das Schicksal der Arbeit

Zerstörung. In der byzantinischen Ära, zu Beginn des 7. Jahrhunderts, wurde der Parthenon Christliche Kirche Hagia Sophia. Die innere Struktur des Tempels hat eine radikale Veränderung erfahren. Beim Bau der Apsis wurden alle zentralen Figuren des Ostgiebels zerstört. 1456 wurde Athen von den Türken erobert. Die Akropolis wurde zu einer türkischen Festung. Der Parthenon wurde in eine Moschee umgewandelt. Im Jahr 1685 begann der Krieg zwischen der Türkei und der Republik Venedig. Die Türken errichteten im Parthenon ein Schießpulverlager. Bei der Explosion wurden der gesamte zentrale Teil des Tempels mit Ausnahme der Westwand und der größte Teil der Kolonnade zerstört. Die Venezianer wollten die Skulpturen als Trophäe mitnehmen, doch sie zerbrachen, weil sie der Explosion nicht standhielten.

Wiederaufbau Die Restaurierung des Tempels begann im 19. Jahrhundert. Die nördlichen Kolonnaden- und Giebelskulpturen (Abgüsse aus Zement unter Zusatz von Zementsplittern) wurden restauriert. In den 1950er Jahren wurde der Boden des Tempels restauriert.

Der heutige Auftritt.Heutzutage ist nur noch die Westwand des zentralen Volumens übrig. Aus authentische Skulpturen Nur zwei Figuren des Westgiebels und ein Fries an der Westwand sind erhalten. Der heutige Parthenon bzw. seine majestätischen Ruinen sind weiß.

Interessante Fakten.Heute gilt der Parthenon zu Recht als eines der großartigsten Beispiele antiker Architektur, als Meisterwerk der Weltkunst und Bildhauerei.

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Pyramiden in Gizeh

DIE GESCHICHTE EINES MEISTERWERKS

Kurze Informationen zur Arbeit

Name der Pyramide von Gizeh

Entstehungsdatum V. Jahrhundert. Chr. .

Bauort Ägypten, Gizeh

Kunstform Architektur

Architektonischer Stil

Zweck Gräber der Pharaonen

Architektonisches ErscheinungsbildDas Ensemble umfasst die Sphinx und drei große Pyramiden: Cheops, Khafre und Mekerin. Letzterer verfügt über drei weitere kleine Satellitenpyramiden. Jede Pyramide umfasst einen Totentempel flussaufwärts und flussabwärts des Nils sowie einen sie verbindenden Korridor. Die Sphinx ist eine Löwenstatue mit menschlichem Kopf.

DesignlösungDie drei Monumente sind diagonal angeordnet, aber so, dass keines die Sonne vor den anderen verdeckt.

Materialien Stein

Maße Die Cheops-Pyramide ist die größte: Sie ist quadratisch, jede Seite misst 250 m. Jeder Stein ist mindestens 10 m lang. Anfangs war er 146 m hoch, heute erreicht er nur noch 137 m, und an der Stelle des Gipfels hat sich eine 10 m breite Plattform gebildet. Die Höhe der Chephren-Pyramide ist geringer als die der vorherigen, aber ihre Spitze liegt auf derselben Höhe, da sie an einer höheren Stelle steht. Die Pyramide von Mekerin erreicht kaum 66 m. Die Länge der Sphinx beträgt 73 m.

(Geburtsdatum und-ort)

Ausbildung

Jahrelange kreative Tätigkeit

Datum und Ort des Todes

Hauptarbeiten

• (Name, Ort und Datum des Baus)

Entstehungsgeschichte des Werkes

Die Idee der Arbeit

Dauer und BauabschnitteZunächst verbrachten sie 10 Jahre damit, eine Straße zu bauen, über die die Steine ​​geschleppt wurden, aber das war nichts im Vergleich zum Bau der Pyramide selbst. Sie erforderte 20 Jahre Arbeit. Die Pyramide wurde zunächst in Form einer großen Treppe gebaut, die aus etwas bestand, was manche Zinnen, andere Stufen nennen. Diese Form ermöglichte das Anheben der restlichen Steine.

Das Schicksal der Arbeit

Zerstörung Das Ensemble der Cheops-Pyramide wurde fast vollständig zerstört, während das Ensemble der Chephren-Pyramide weitgehend erhalten blieb.

Es wurde kein Umbau durchgeführt.

Der heutige Auftritthaben bis heute überlebt.

Interessante FaktenAuf der Cheops-Pyramide sind Inschriften angebracht, aus denen hervorgeht, wie viel Geld für den Kauf von Meerrettich, Zwiebeln und Knoblauch ausgegeben wurde, um die Arbeiter zu ernähren. Die Ausgaben beliefen sich auf 6.000 Talente Silber, was 40.000 kg entspricht.

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STONEHENGE

DIE GESCHICHTE EINES MEISTERWERKS

Stonehenge

Kurze Informationen zur Arbeit

Nennen Sie Stonehenge

Entstehungsdatum 3500 - 1100 Chr.

Bauort: Großbritannien, England

Kunstform Architektur

Architektonischer StilPrimitive Kunst

Zweck Vielleicht war Stonehenge, der als Sonnentempel diente, ein Ort ritueller Zeremonien und Bestattungen und diente auch als schreckliches Symbol der Macht der Priester. Eine andere Version kann nicht ausgeschlossen werden, wonach Stonehenge als astronomisches Observatorium es ermöglicht, Tage genau zu zählen, den Beginn der Jahreszeit zu markieren und den Beginn von Sonnen- und Mondfinsternissen vorherzusagen.

Architektonisches ErscheinungsbildStonehenge bestand aus zwei ringförmigen Hallen in der Mitte, in denen ein Altar in Form eines Hufeisens aufgestellt war.

Material Für den Bau der Anlage wurden Steine ​​aus einem Steinbruch angeliefert, der mehr als 300 Kilometer von der Baustelle entfernt lag.

Maße Im Allgemeinen ist Stonehenge ein Bauwerk aus 82 fünf Tonnen schweren Megalithen, 30 Steinblöcken mit einem Gewicht von 25 Tonnen und 5 riesigen sogenannten Trilithons, Steinen, deren Gewicht 50 Tonnen erreicht. Gefaltete Steinblöcke bilden Bögen, die einst als perfekte Anzeiger der Himmelsrichtungen dienten.

Entstehungsgeschichte des Werkes

Dauer und BauabschnitteStonehenge I war ein kreisförmiger Graben mit zwei Hallen. Es gibt 56 kleine „Aubrey-Grablöcher“, die kreisförmig entlang des Außenschachts angeordnet sind. Nordöstlich des Eingangs zum Ring stand ein riesiger, sieben Meter hoher Heel Stone. Während des Baus von Stonehenge II wurde zwischen dem Fersenstein und dem Eingang eine Erdgasse angelegt. Es wurden zwei Ringe aus 80 riesigen blauen Steinblöcken errichtet, die vermutlich 320 km aus Südwales transportiert wurden. In der letzten Bauphase wurden die Megalithen neu angeordnet.Die blauen Steine ​​wurden durch eine Ringkolonnade aus 30 Trilithen ersetzt, die jeweils aus zwei vertikalen Steinen und einer darauf ruhenden horizontalen Platte bestanden. Im Inneren des Rings wurde ein Hufeisen aus fünf freistehenden Trilithons installiert.

Das Schicksal der Arbeit

Der heutige AuftrittHeute gibt es keine klare Antwort auf die Frage, was diese erstaunlichen antiken architektonischen Bauwerke waren: ein Tempel, eine Nekropole, ein Observatorium, aber auf jeden Fall begann die Geschichte der Architektur mit ihnen.

Interessante FaktenDer berühmte Astronom Fred Hoyle, der alle geometrischen Merkmale von Stonehenge untersucht hatte, stellte fest, dass die Schöpfer dieser Struktur die genaue Umlaufzeit des Mondes und die Länge des Sonnenjahres kannten. Nach den Schlussfolgerungen anderer Forscher zeigen die Löcher innerhalb des aus Steinblöcken gebildeten Kreises genau die Flugbahn des Weltpols vor 12.000 bis 30.000 Jahren.Einer lokalen Legende zufolge haben riesige blaue Steine ​​Heilkräfte; sie erschienen in diesem Land dank des Zauberers Merlin, einem Zauberer am Hofe von König Artus, der sie aus Irland mitbrachte. Der Ursprung des riesigen Fersensteins ist mit einer anderen Legende verbunden. Man sagt, dass der Teufel eines Tages einen Mönch sah, der sich zwischen den Steinen versteckte. Bevor der Unglückliche entkommen konnte, warf der Teufel einen riesigen Felsbrocken nach ihm, der ihn an der Ferse zerschmetterte. Die Ruinen von Stonehenge wurden lange Zeit mit dem Priesterkult der alten Kelten-Druiden in Verbindung gebracht, obwohl Experten diesen Zusammenhang bestreiten.

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MIKHAILOVSKY PALAST (RUSSISCHES MUSEUM)

ERSTELLUNGSDATUM 1819-1825

GESCHICHTE DER SCHÖPFUNGIm Jahr 1798 befahl Paul I., jedes Jahr mehrere hunderttausend Rubel für den Bau eines Palastes für seinen jüngsten Sohn Michail beiseite zu legen. Der Kaiser hatte nie die Gelegenheit, die Umsetzung seiner Idee zu erleben, er starb infolge einer Palastrevolte. Die Entscheidung, mit dem Bau zu beginnen, wurde von Kaiser Alexander I. getroffen. Der Architekt des im Bau befindlichen Michailowski-Schloss warKarl Iwanowitsch Rossi . Er begann mit der Arbeit an dem Projekt im Jahr 1817, als geplant war, auf dem Gelände zunächst die Residenz des Großherzogs zu errichtenWoronzow-Palast , und dann - vor OrtTschernyschews Haus . Nach der Entscheidung, auf diesem Ödland einen Palast zu errichten,Russland begann mit der Erstellung eines Projekts nicht nur für den Wiederaufbau bestehender Gebäude, sondern für ein neues städtisches Architekturensemble. Der Spatenstich für das Gebäude erfolgte am 14. Juli, der Bau begann am 26. Juli. Rossi verband den Michailowski-Palast mitNewski-Prospekt neue Michailowskaja-Straße, die in übergehtMichailowskaja-Platz direkt vor dem Schloss. Die Michailowskaja-Straße bietet Ausblicke auf Hauptgebäude Gebäude, flankiert von zwei Wirtschaftsgebäuden. In einem davon befanden sich Küchen, im anderen eine Arena und Ställe. Von außenFeld des Mars Im Palast entstand ein Garten - Michailowski. Der Bau des Gebäudes wurde 1825 abgeschlossen.

ARCHITEKTONISCHER BLICKDas Russische Museum ist Teil des Ensembles des Michailowski-Palastes und des Ingenieurschlosses.Der Michailowski-Palast liegt zwischen dem Newski-Prospekt und dem Marsfeld. Bereits vom Newski-Prospekt aus konnte man aus der Perspektive der Straße über den Arkaden des ersten Stockwerks einen schön proportionierten, prächtigen Portikus mit korinthischen Säulen und einer reich verzierten Giebelskulptur erkennen. Über die gesamte Fassadenbreite erstreckt sich eine Kolonnade aus zwanzig Baumstämmen, die auf den Seitenvorsprüngen ruhen. Auf der Seite des Gartens befindet sich in der gleichen korinthischen Ordnung mit zwölf Säulen eine Loggia zwischen zwei massiven Säulen, die mit kleinen Giebeln gekrönt sind.Die breite Granittreppe am Eingang des Gebäudes ist mit zwei Löwenstatuen geschmückt.

INTERESSANTE FAKTENDas Russische Museum ist eines der berühmtesten nicht nur in St. Petersburg, sondern in ganz Russland. Hier sieht man Kunstwerke Andrey Rublev, F. Shubin, K. Bryullov, F. Bruni, O. Kiprensky, A. Ivanov, I. Repin, A. Kuindzhi, I. Shishkin, V. Serov, M. Vrubel, B. Kustodiev, K. Malevich , M. Chagall, K. Petrov-Vodkin und andere große russische Künstler.

ERSTELLUNGSDATUM 1806-1819

GESCHICHTE DER SCHÖPFUNGSeit 1704 begann auf der Admiralitätsinsel, die am linken Ufer der Newa liegt und auf der Südseite durch die Moika begrenzt wird, der Bau der Admiralitätswerft – nach den Zeichnungen von Peter I. selbst. Zusammen mit Peter-und-Paul-Festung es war die Grundlage der architektonischen Zusammensetzung der Stadt. In den 1730er Jahren verwüstete ein schrecklicher Brand den zentralen Teil von St. Petersburg und eine eigens eingesetzte Kommission begann mit der Ausarbeitung eines Plans für dessen Neuentwicklung. Der Architekt Ivan Korobov behielt den ursprünglichen allgemeinen U-förmigen Grundriss der Admiralität bei und ersetzte die Fachwerkgebäude durch Steingebäude. IN Anfang des 19. Jahrhunderts Jahrhundert begann Andreyan Zakharov mit der Errichtung eines neuen Admiralitätsgebäudes.

ARCHITEKTONISCHER BLICKDie neue Admiralität war als eine Art Denkmal für die russische Flotte konzipiert und daher wurde der zentrale Eingang in Form eines Triumphbogens gestaltet. Das Gebäude besteht aus zwei U-förmigen Gebäuden – dem äußeren, das für die Admiralitätsabteilung bestimmt war, und dem inneren, in dem sich die Werkstätten befanden. Der Architekt wiederholte das Bogenmotiv in den Fassaden symmetrisch angeordneter Pavillons mit Blick auf die Newa. Die skulpturale Dekoration der Admiralität ist durch ein Thema vereint – die Verherrlichung der Macht Russlands. Vor dem Haupteingang stehen auf beiden Seiten monumentale Nymphenfiguren, die die Himmelssphären tragen (1812, Bildhauer F.F. Shchedrin). Über dem Turmbogen befindet sich ein etwa 22 Meter langes Hochrelief „Aufstellung der Flotte in Russland“ (1812, Bildhauer I.I. Terebenev).

Nach dem Entwurf von Ivan Korobov wurde ein Turm mit Turmspitze gebaut. Später erhöhte der Architekt Andreyan Zakharov die Höhe des Turms auf 72 m und krönte ihn mit einer Wetterfahne in Form einer dreimastigen Fregatte.

ERSTELLUNGSDATUM 1819 - 1829

GESCHICHTE DER SCHÖPFUNGDer von Rossi entworfene Entwurf des Generalstabsgebäudes sah die Verbindung zweier großer, bogenförmig angeordneter Gebäude mit einem zentralen Triumphbogen vor. Es wurde beschlossen, das Hauptquartier der Bodentruppen im rechten (westlichen) Flügel und das Ministerium für auswärtige Angelegenheiten und Finanzen im linken (östlichen) Flügel unterzubringen. Am 23. Oktober 1824 gingen die Bauarbeiten zügig voran. Rossi berichtete seinen Vorgesetzten, dass die gesamte riesige Fassade bereits fertig sei. Sobald die Flügel aufgestellt waren, begannen sie, einen Bogen zwischen ihnen auszubreiten. Der Arc de Triomphe wurde von Russland als Denkmal für die Heldentaten des russischen Volkes bei der Befreiung konzipiert Vaterländischer Krieg 1812.

ARCHITEKTONISCHER BLICKDer Bogen, der wichtigste kompositorische und räumliche Kern des Gebäudes, wird durch zwei korinthische Säulen an den Seiten und einen Dachboden mit abgestuftem Abschluss verstärkt. Das Gebäude wird vom Siegeswagen gekrönt, der von sechs Pferden gezogen wird. Diese gesamte spektakuläre zentrale Komposition, die in ihren Proportionen einem Quadrat ähnelt, wird auf beiden Seiten noch durch den klaren vertikalen Rhythmus der neunsäuligen korinthischen Portiken getragen.Reich an skulpturalem Dekor, der monumentalen Lösung des Zentrums undDer schlanke Rhythmus der Säulen der Portiken der Seitenflügel wirkt vor dem Hintergrund der streng neutralen Fassade zum Platz hin besonders ausdrucksstark.Die Anordnung der Bogenpfeiler wird durch die Beschläge betont – wunderschön komponierte Hochreliefs militärischer Rüstungen und Waffen. Über ihnen, zwischen den Säulen, befinden sich Statuen von Kriegern und Beschlägen, und an den Seiten des Bogens befinden sich Hochreliefs in Form fliegender Figuren.Es ist äußerst schwierig, eine einen halben Kilometer lange Fassade eines Gebäudes so einfach und gleichzeitig so schön zu gestalten. Dieser Effekt mit einem insgesamt ruhigen Hintergrund entsteht durch ein aktiv identifiziertes Zentrum, das durch den Bogen des Gebäudes und den kraftvollen Bogen mit perfekten Proportionen entsteht.

INTERESSANTE FAKTENWie Rossis Töchter sagten, kletterten der Architekt und seine Arbeiter am Tag der Öffnung des Bogens ganz nach oben. „Wenn der Bogen einstürzt, bin ich bereit, mit ihm zu fallen“, sagte er.

ERSTELLUNGSDATUM 1858

GESCHICHTE DER SCHÖPFUNGZunächst wurde auf der Admiralteysky-Wiese eine kleine Holzkirche errichtet, die sich durch die bescheidene Architektur auszeichnete, die für die ersten Gebäude der Ära Peters des Großen charakteristisch ist. Mit dem Bau beschloss Peter I., seinen Geburtstag, den 30. Mai, zu verewigen, der mit der Gedenkfeier des Heiligen Isaak von Dalmatien zusammenfiel. Am 6. August 1717 wurde am Ufer der Newa, etwa dort, wo heute das Denkmal für Peter I. steht, unter Beteiligung des Kaisers, der höchsten Würdenträger des Staates und des Klerus die zweite Isaakskirche gegründet. Im Mai 1735 brach durch einen Blitzschlag ein Feuer aus, das die begonnene Zerstörung vollendete.

Am 15. Juli 1761 wurde S.I. Chevakinsky per Senatsbeschluss mit der Planung und dem Bau der neuen Isaakskirche betraut, doch der talentierte Architekt musste seinen Plan nicht ausführen. Bautermine wurden verschoben.

Nach ihrer Thronbesteigung im Jahr 1762 stimmte Katharina II. der Idee zu, die mit dem Namen Peters I. verbundene Kathedrale wieder aufzubauen, doch der Entwurf und der Bau wurden dem Architekten Antonio Rinaldi anvertraut. Die Kathedrale wurde mit fünf aufwendig gestalteten Kuppeln und einem hohen Glockenturm konzipiert. Marmorverkleidungen sollten die Farbgebung der Fassaden verfeinern. Der Bau verlief jedoch äußerst langsam. Rinaldi musste St. Petersburg verlassen, ohne die begonnene Arbeit abgeschlossen zu haben. Die Bauleitung wurde von O. Montferrand geleitet.

ARCHITEKTONISCHER BLICKGigantisch, mit Marmor verkleidet, gekrönt von einer riesigen Kuppel und kleinen Glockenturmkuppeln dominiert das Gebäude der Isaakskathedrale den Platz (Höhe 101,5 m), es ist von 112 monolithischen Säulen mit einem Gewicht von 64 bis 114 Tonnen umgeben. Der Tempel beherbergt etwa 14.000 Menschen.Der Tempel ist mit 350 Reliefs und Statuen geschmückt. Die gesamte skulpturale Dekoration der Kathedrale wurde nach den Vorbildern von I. Vitali, S. Pimenov, A. Lemer ausgeführt. Ein grandioses Ensemble aus Statuen, Flachreliefs, Türblättern, zwei Giebeln und skulpturalem Dekor, verbunden durch die Einheit biblischer und evangelischer Erzählungen, fügt sich organisch in die Architektur des Gebäudes ein.

INTERESSANTE FAKTENDie Decke der Kuppel (Durchmesser 21,83 m) aus Eisen und Gusseisen sowie die Verwendung eines neuen galvanoplastischen Verfahrens zur Herstellung von Flachreliefs durch den Ingenieur B.S. Jacobi zeugen von der Entwicklung von Technologie und Ingenieurwesen.

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