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Gemälde von Edward Hopper. Beleuchtung einer Ausstellung mit Werken des amerikanischen Künstlers Edward Hopper

Es gibt so ein einprägsames Gemälde, das den Betrachter sofort gefangen nimmt. Es gibt keine Verwirrung, Wachsamkeit, alles scheint sofort klar zu sein, wie in der Liebe auf den ersten Blick. Es ist nicht verwunderlich, dass sorgfältige Prüfung, Reflexion und Empathie einer solchen Liebe schaden können. Ist es möglich, hinter dem äußeren Glanz etwas Tiefes, Solides zu finden? Ist keine Tatsache.

Nehmen Sie zum Beispiel die modischsten für das zweite Jahrhundert des Impressionismus. Wahrscheinlich gibt es für das heutige Massenpublikum keinen populäreren Trend in der Geschichte der Malerei. Allerdings wie künstlerische Leitung Der Impressionismus erwies sich als überraschend vergänglich, da er in seiner reinen Form nur kurze zwanzig Jahre existierte. Die Gründerväter gaben ihre Idee schließlich auf und fühlten die Erschöpfung von Ideen und Methoden. Renoir kehrte zu den klassischen Formen von Ingres zurück, und Monet trat zum Abstraktionismus vor.

Das Gegenteil passiert auch. Die Malerei ist schlicht und unprätentiös, die Motive banal, die Techniken traditionell. Hier ist ein Haus an der Straße, hier ist ein Mädchen am Fenster, aber im Allgemeinen eine banale Tankstelle. Keine Atmosphäre, keine Lichteffekte, keine romantischen Leidenschaften. Wenn Sie mit den Schultern zucken und weitermachen, bleibt alles so. Und wenn du anhältst und schaust, wirst du einen Abgrund finden.

Das ist die Malerei von Edward Hopper, einem der berühmtesten amerikanischen Künstler des zwanzigsten Jahrhunderts.

Europa nicht wahrnehmen

Hoppers Biografie enthält fast keine hellen Ereignisse und unerwarteten Wendungen. Er hat studiert, ging nach Paris, arbeitete, heiratete, arbeitete weiter, erhielt Anerkennung ... Keine Wurf, Skandale, Scheidungen, Alkoholismus, unverschämte Eskapaden - nichts "gebratenes" für die Boulevardpresse. Darin ähnelt Hoppers Lebensgeschichte seinen Gemälden: Äußerlich ist alles einfach, sogar ruhig, aber in der Tiefe gibt es eine dramatische Spannung.

Bereits im Kindesalter entdeckte er die Fähigkeit zu zeichnen, wobei ihn seine Eltern nach Kräften unterstützten. Nach der Schule studierte er ein Jahr lang per Fernstudium Illustration und trat dann in die renommierte New York Art School ein. Amerikanische Quellen zitieren eine ganze Liste seiner berühmten Kommilitonen, aber ihre Namen sagen dem russischen Publikum fast nichts. Mit Ausnahme von Rockwell Kent blieben sie alle Künstler von nationaler Bedeutung.

1906 beendete Hopper sein Studium und begann als Illustrator in einer Werbeagentur zu arbeiten, ging aber im Herbst nach Europa.

Ich muss sagen, dass eine Reise nach Europa fast ein obligatorischer Teil war Berufsausbildung für amerikanische Künstler. Zu dieser Zeit leuchtete der Stern von Paris hell, und junge und ehrgeizige Menschen aus der ganzen Welt wurden dorthin gezogen, um sich den neuesten Errungenschaften und Trends in der Weltmalerei anzuschließen.

Es ist überraschend, wie unterschiedlich die Folgen dieses Brauens in einem internationalen Hexenkessel sind. Einige, wie der Spanier Picasso, wurden schnell von Studenten zu Führungspersönlichkeiten und selbst zu Trendsettern in der künstlerischen Mode. Andere blieben immer Nachahmer, so talentiert sie auch waren, wie Mary Cassatt und James Abbot McNeil Whistler. Wieder andere, wie zum Beispiel russische Künstler, kehrten in ihre Heimat zurück, infiziert und aufgeladen mit dem Geist neue Kunst, und schon zu Hause ebneten sie den Weg aus den Hinterhöfen der Weltkunst in ihre Avantgarde.

Hopper war der originellste von allen. Er reiste durch Europa, war in Paris, London, Amsterdam, kehrte nach New York zurück, reiste erneut nach Paris und Spanien, verbrachte Zeit in europäischen Museen und traf europäische Künstler ... Aber abgesehen von kurzfristigen Einflüssen tut seine Malerei dies nicht offenbaren alle Vertrautheit mit modernen Trends. Überhaupt nichts, sogar die Palette hat sich nur kaum aufgehellt!

Er schätzte Rembrandt und Hals, später - El Greco, von den damals schon zu Klassikern gewordenen Meistern Edouard Manet und Edgar Degas. Was Picasso betrifft, so behauptete Hopper ernsthaft, dass er seinen Namen in Paris nicht gehört habe.

Es ist schwer zu glauben, aber die Tatsache bleibt. Die Postimpressionisten waren gerade verstorben, die Fauvisten und Kubisten brachen bereits ihre Speere, der Futurismus zeichnete sich am Horizont ab, die Malerei löste sich vom Bild des Sichtbaren und konzentrierte sich auf die Probleme und Grenzen der Bildebene, Picasso und Matisse glänzten . Aber Hopper, der mitten im Geschehen war, schien es nicht zu sehen.

Und nach 1910 überquerte er nie den Atlantik, selbst als seine Bilder im amerikanischen Pavillon der renommierten Biennale von Venedig ausgestellt wurden.

Künstler bei der Arbeit

1913 ließ sich Hopper in New York am Washington Square nieder, wo er mehr als fünfzig Jahre lebte und arbeitete – bis ans Ende seiner Tage. Im selben Jahr verkaufte er sein erstes Gemälde, ausgestellt auf der berühmten Armory Show in New York. Die Karriere scheint vielversprechend zu beginnen und der Erfolg lässt nicht auf sich warten.

Es war nicht so rosig. „Armory Show“ wurde als erste Ausstellung in den Vereinigten Staaten konzipiert zeitgenössische Kunst und war damit ein durchschlagender Erfolg. Sie lenkte die Augen von Amateuren, Kritikern und Künstlern vom Realismus weg und lenkte sie auf die Avantgarde, wenn auch begleitet von Spott und Skandalen. Vor dem Hintergrund von Duchamp, Picasso, Picabia, Brancusi, Braque wirkte Hoppers Realismus provinziell und überholt. Amerika entschied, dass es notwendig sei, Europa einzuholen, wohlhabende Sammler interessierten sich für Kunst aus Übersee, und Einzelverkäufe einheimischer Werke änderten nichts.

Hopper arbeitete viele Jahre als kommerzieller Illustrator. Er gab sogar die Malerei auf und widmete sich der Radierung, einer Technik, die damals eher für die Druckreproduktion geeignet war. Er war nicht im Dienst, arbeitete Teilzeit mit Zeitschriftenbestellungen und erlebte alle Strapazen dieser Position, verfiel zeitweise sogar in Depressionen.

Im damaligen New York gab es jedoch eine Kunstmäzenin, die beschloss, gezielt die Werke amerikanischer Künstler zu sammeln – Gertrude Whitney, Tochter des Millionärs Vanderbilt; übrigens der, mit dem der Kannibale Ellochka erfolglos konkurrierte und ein Teesieb von Ostap Bender gegen einen der zwölf Stühle eintauschte.

Nachtschatten.

Anschließend versuchte Whitney, ihre Sammlung zeitgenössischer amerikanischer Künstler dem Metropolitan Museum of Art zu schenken, aber sein Management hielt das Geschenk nicht für würdig. Als Vergeltung gründete die abgewiesene Sammlerin in der Nähe ein eigenes Museum, das bis heute in Betracht gezogen wird bestes Museum Amerikanische Kunst.

Abendwind. 1921 Museum für Amerikanische Kunst, New York

Aber das liegt in der Zukunft. Während Hopper das Whitney Studio besuchte, wo er 1920 seine erste Einzelausstellung hatte - 16 Gemälde. Auch einige seiner Radierungen erregten die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit, insbesondere „Nachtschatten“ und „Abendwind“. Freischaffender Künstler konnte er aber noch nicht werden und verdiente weiterhin sein Geld mit Illustrationen.

Familie und Anerkennung

1923 lernte Hopper seine kennen zukünftige Ehefrau Josefine. Ihre Familie erwies sich als stark, aber das Familienleben war nicht einfach. Jo verbot ihrem Mann, Akte zu malen und posierte notfalls für sich selbst. Edward war eifersüchtig auf sie, sogar wegen der Katze. Alles wurde durch seine Schweigsamkeit und seinen düsteren Charakter verschlimmert. „Manchmal war es, als würde man mit Eddie reden, als würde man einen Stein in einen Brunnen werfen. Mit einer Ausnahme: Das Geräusch des Sturzes ins Wasser war nicht zu hören “, gab sie zu.

Edward und Joe Hopper. 1933

Dennoch war es Jo, der Hopper an die Möglichkeiten des Aquarellierens erinnerte und er kehrte zu dieser Technik zurück. Bald stellte er sechs Werke im Brooklyn Museum aus, und eines davon wurde vom Museum für 100 Dollar gekauft. Kritiker reagierten positiv auf die Ausstellung und bemerkten die Lebendigkeit und Ausdruckskraft von Hoppers Aquarellen selbst bei den bescheidensten Sujets. Diese Kombination aus äußerer Zurückhaltung und Ausdruckstiefe sollte für den Rest der Jahre zu Hoppers Markenzeichen werden.

1927 verkaufte Hopper das Gemälde „Two in the Auditorium“ für 1.500 Dollar, und das Paar bekam mit diesem Geld sein erstes Auto. Der Künstler bekam die Gelegenheit, Skizzen zu machen, und das ländliche Provinzamerika wurde für lange Zeit zu einem der Hauptmotive seiner Malerei.

Zwei in der Aula. 1927. Kunstmuseum, Toledo

1930 fand ein weiteres wichtiges Ereignis im Leben des Künstlers statt. Schirmherr Stephen Clark stiftete sein Gemälde „House at Eisenbahn“ an das New Yorker Museum of Modern Art und hängt dort seitdem an prominenter Stelle.

So trat Hopper kurz vor seinem fünfzigsten Geburtstag in die Zeit der Anerkennung ein. 1931 verkaufte er 30 Werke, darunter 13 Aquarelle. 1932 nahm er an der ersten regulären Ausstellung des Whitney Museums teil und ließ die nächste bis zu seinem Tod nicht aus. 1933 präsentierte das Museum of Modern Art zu Ehren des Künstlerjubiläums eine Retrospektive seines Schaffens.

Die nächsten dreißig Jahre seines Lebens arbeitete Hopper trotz gesundheitlicher Probleme, die im Alter auftraten, fruchtbar. Jo überlebte ihn um zehn Monate und vermachte die gesamte Familiensammlung dem Whitney Museum.

Mitternachtsmenschen. 1942. Institut der Künste, Chicago

In den Jahren der Reife schuf der Künstler viele anerkannte Meisterwerke, wie "Early Sunday Morning", "Night Owls", "Office in New York", "People in the Sun". In dieser Zeit erhielt er viele Auszeichnungen, reiste nach Kanada und Mexiko, wurde auf mehreren Retrospektiven und Einzelausstellungen präsentiert.

Überwachungsschutz

Man kann nicht sagen, dass sich seine Malerei in all den Jahren nicht entwickelt hat. Trotzdem hat Hopper früh seine Lieblingsthemen und -bilder gefunden, und wenn sich etwas geändert hat, dann ist es die Glaubwürdigkeit ihrer Verkörperung.

Wenn man eine Kurzformel für Hoppers Arbeit finden würde, wäre es "Entfremdung und Isolation". Wohin gehen seine Charaktere? Warum sind sie mitten am Tag eingefroren? Was hindert sie daran, einen Dialog zu beginnen, aufeinander zuzugehen, zu rufen und zu antworten? Es gibt keine Antwort, und ehrlich gesagt gibt es fast keine Fragen, zumindest für sie. So sind sie, das ist das Leben, das ist die Welt, die die Menschen durch unsichtbare Barrieren trennt.

Diese Unsichtbarkeit von Barrieren beunruhigte Hopper ernsthaft, weshalb es so viele Fenster in seinen Gemälden gibt. Glas ist eine visuelle Verbindung, aber eine physische Barriere. Seine Helden und Heldinnen wirken von der Straße aus weltoffen, sind aber verschlossen, in sich versunken – siehe Night Owls oder The Office in New York. Diese Dualität führt zu einer ergreifenden Kombination aus zerbrechlicher Verletzlichkeit und hartnäckiger Unzugänglichkeit, ja sogar Uneinnehmbarkeit.

Wenn wir dagegen zusammen mit den Charakteren durch das Glas hinausschauen, dann täuscht das Fenster wieder und neckt nur mit der Möglichkeit, etwas zu sehen. Im besten Fall Außenwelt nur durch eine Reihe von Bäumen oder Gebäuden angedeutet, und oft ist im Fenster nichts zu sehen, wie zum Beispiel bei „Abendwind“ oder im Gemälde „Automat“.

automat. 1927. Kunstzentrum, Des Moines. USA

Generell zeichnen sich Hoppers Fenster und Türen durch die gleiche Kombination aus Offenheit und Geschlossenheit aus wie bei Zeichentrickfiguren. Leicht geöffnete Flügel, schwankende Vorhänge, geschlossene Jalousien, halb geschlossene Türen wandern von Bild zu Bild.

Durchsichtig ist undurchdringlich, und was verbinden soll, trennt. Daher das ständige Gefühl von Mysterium, Understatement, gescheitertem Kontakt.

Einsamkeit unter Menschen, in einer Großstadt, vor aller Augen ist zu einem Querschnittsthema der Kunst des 20. Jahrhunderts geworden, nur dass es hier bei Hopper nicht die Einsamkeit ist, vor der sie flüchten, sondern wo sie gerettet werden. Die Nähe seiner Charaktere fühlt sich an natürliche Gestalt Selbstverteidigung, und nicht als Laune oder Eigenschaft des Charakters. Das Licht, das auf sie fällt, ist schmerzlich gnadenlos und sie werden zu offen öffentlich zur Schau gestellt, und eine Art gleichgültige Bedrohung lauert in der Welt um sie herum. Daher ist es notwendig, anstelle von externen Barrieren interne Barrieren aufzubauen.

Wenn die Wände im Büro zerstört werden, steigt natürlich die Arbeitseffizienz, denn voreinander und vor allem vor dem Chef sind die Menschen weniger abgelenkt und unterhalten sich weniger. Aber wenn alle überwacht werden, hört die Kommunikation auf und Schweigen wird zur einzigen Form der Verteidigung. Die Helden werden gezügelt, Instinkte unterdrückt, Leidenschaften tief getrieben – zivilisierte, kultivierte Menschen im Schutzpanzer äußerer Anständigkeit.

Aufmerksamkeit darüber hinaus

Sehr oft erwecken Hoppers Bilder den Eindruck eines angehaltenen Moments. Und das, obwohl im Bild selbst die Bewegung gar nicht angedeutet ist. Aber es wird als Filmbild wahrgenommen, das gerade das vorherige ersetzt hat und bereit ist, dem nächsten Platz zu machen. Es ist kein Zufall, dass Hopper von amerikanischen Filmemachern, insbesondere von Hitchcock, so geschätzt wurde und die Hollywood-Standards für die Gestaltung eines Rahmens weitgehend unter Berücksichtigung seines Einflusses gebildet wurden.

Es war für den Künstler selbstverständlich, die Aufmerksamkeit des Betrachters nicht so sehr auf den dargestellten Moment zu lenken, sondern auf die imaginären Ereignisse, die ihm vorangegangen oder gefolgt waren. Diese in der Geschichte der Malerei seltene Fähigkeit verband paradoxerweise die Errungenschaften des Impressionismus mit seiner gesteigerten Aufmerksamkeit für den Moment und des Postimpressionismus, der den Lauf der Zeit zu einem künstlerischen Momentbild verdichten wollte.

Hopper ist es wirklich gelungen, einen schwer fassbaren Moment des Seins fest auf die Leinwand zu bannen und gleichzeitig den unaufhörlichen Fluss der Zeit anzudeuten, der ihn an die Oberfläche brachte und ihn sofort in die dunklen Tiefen der Vergangenheit entführt. Wenn der Futurismus versuchte, Bewegung direkt auf der malerischen Ebene darzustellen, dann nimmt Hopper sie aus den Grenzen der Malerei heraus, belässt sie aber innerhalb der Grenzen unserer Wahrnehmung. Wir sehen es nicht, aber wir fühlen es.

Ebenso gelingt es dem Künstler, unsere Aufmerksamkeit nicht nur zeitlich, sondern auch räumlich über das Bild hinaus zu lenken. Die Figuren blicken irgendwo nach draußen, die an der Tankstelle vorbeifliegende Autobahn zieht dort den Blick des Betrachters auf sich, und auf der Eisenbahn schafft es der Blick, nur den letzten Waggon des Zuges zu erhaschen. Und öfter ist er nicht mehr da, der Zug rauscht vorbei, und wir schlüpfen unwillkürlich und erfolglos mit unseren Augen hinter ihm entlang der Schienen.

Das ist Amerika wie es ist – keine Sehnsucht nach dem Verlorenen, keine Verherrlichung des Fortschritts. Aber wenn es nur Amerika wäre, dann wäre Hopper nicht zu Weltruhm gekommen, genauso wie viele seiner Zeitgenossen von nicht schlechterem Können es nicht bekommen haben. Tatsächlich gelang es Hopper, universelle Gefühle zu berühren, indem er nationales Material verwendete. Er ebnete den Weg für internationale Anerkennung Amerikanische Malerei, obwohl sie zu den führenden Rollen in der Weltkunst gebracht wurde Künstler der Nachkriegszeit, nicht von Hopper selbst erkannt.

Sein Weg ist einzigartig. In der turbulenten Welt vibrierender künstlerischer Strömungen gelang es ihm, sich niemandem zu unterwerfen und auf dem schmalen Pfad zwischen Romantik und Gesellschaftskritik, zwischen avantgardistischer Konzeptbesessenheit und dem bewussten Naturalismus des Präzisions- und Hyperrealismus treu zu bleiben sich bis zum Ende.

Der amerikanische Künstler Edward Hopper gilt manchen als Urbanist, anderen als Vertreter der Magischer Realismus, und einige sind ein Vorläufer der Pop-Art. Fans von Hoppers Werk nennen ihn begeistert „einen Träumer ohne Illusionen“ und „einen Dichter der Leere“. Alle Meinungen werden durch Hoppers dramatische Leinwand namens "Night Owls" vereint. Es ist erkennbar als Mona Lisa von Leonardo Da Vinci, Der Schrei von Edvard Munch oder Dogs Playing Poker von Coolidge. Die unglaubliche Popularität dieser Arbeit hat ihn zu einer der Ikonen der Popkultur gemacht.

(Eduard Hopper, 1882-1967) war ein prominenter Vertreter der amerikanischen Genremalerei des 20. Jahrhunderts. Und obwohl in dieser Zeit neue Kunstrichtungen geboren wurden, blieb er den avantgardistischen Veränderungen und Experimenten seiner Kollegen gegenüber gleichgültig. Zeitgenossen, die mit der Mode Schritt hielten, liebten Kubismus, Surrealismus und abstrakte Kunst, und Hoppers Malerei galt als langweilig und konservativ. Edward litt, änderte aber nichts an seinen Idealen: „ Wie können sie nicht verstehen: Die Originalität des Künstlers ist kein Einfallsreichtum und keine Methode, insbesondere keine modische Methode, sie ist die Quintessenz der Persönlichkeit ».

Und die Persönlichkeit von Edward Hopper war sehr komplex. Und sehr verschlossen. Und zwar so sehr, dass nach seinem Tod vielleicht die einzige Informationsquelle über sein Leben und seinen Charakter das Tagebuch seiner Frau war. In einem der Interviews sagte sie:

Eines Tages versuchte ein Mitarbeiter des New Yorker Magazins, einen Aufsatz über Edwards Leben zu schreiben. Und ich konnte nicht. Es gab kein Material. Nichts zu schreiben. Sein echte Biografie Ich konnte nur schreiben. Und es wäre Dostojewski pur« .

So war er von Kindheit an, obwohl der Junge in einer guten Familie aufwuchs, der Besitzer eines Kurzwarenladens in der Stadt Nyack (New York). Kunst war der Familie nicht fremd: An den Wochenenden kamen Vater, Mutter und Kinder manchmal nach New York, um Kunstausstellungen zu besuchen oder ins Theater zu gehen. Der Junge schrieb seine Eindrücke heimlich in ein dickes Notizbuch. Dort wurden den Erwachsenen viele Dinge verborgen. Insbesondere seine Erfahrungen und Ressentiments, als er im Alter von 12 Jahren über den Sommer plötzlich 30 cm gewachsen ist und anfing, furchtbar unbeholfen und schlaksig auszusehen. Klassenkameraden an jeder Ecke verspotteten und neckten ihn deswegen. Vielleicht bewahrte Edward Hopper aufgrund dieses unglücklichen Vorfalls für immer seine schmerzhafte Schüchternheit, Isolation und Stille. Seine Frau schrieb in ihr Tagebuch: Etwas zu Ed zu sagen ist, als würde man einen Stein in einen bodenlosen Brunnen werfen. Kann das Plätschern nicht hören «.

Dies spiegelte sich natürlich auch im Stil seiner Gemälde wider. Hopper malte gerne leblose Innenräume und Wüstenlandschaften: Eisenbahn-Sackgassen, die ins Nirgendwo führen, verlassene Cafés, in denen die Einsamkeit durchdringt. Fensteröffnungen waren ein durchgängiges Leitmotiv seiner Arbeit. Der Künstler suchte gleichsam einen Ausweg aus seiner verschlossenen Welt. Oder vielleicht öffnete er sich heimlich den Eingang: Das Sonnenlicht, das durch die Fenster in die Räume fiel, erwärmte leicht die Kälte von Hoppers asketischen Gemälden. Wir können sagen, dass vor dem Hintergrund seiner düsteren Landschaften und Interieurs die Sonnenstrahlen auf seinen Leinwänden genau die Metapher verkörpern " ein Lichtstrahl in einem dunklen Reich «.

Aber vor allem hat Hopper in seinen Gemälden Einsamkeit dargestellt. Hoppers sogar Sonnenuntergänge, Straßen und Häuser sind einsam. Paare, die auf seinen Leinwänden abgebildet sind, sehen nicht weniger einsam aus, besonders Paare. Gegenseitige Unzufriedenheit und Entfremdung zwischen einem Mann und einer Frau ist ein ständiges Thema von Edward Hopper.

Das Thema hatte eine sehr vitale Grundlage: In seinem vierzigsten Lebensjahr heiratete Hopper seine Altersgenossin Josephine Nivison, die er seit der New Yorker Kunsthochschule kannte. Sie bewegten sich in denselben Kreisen, waren durch dieselben Interessen verbunden, hatten in vielen Dingen ähnliche Ansichten. Aber ihre Familienleben gefüllt mit allerlei Streitigkeiten und Skandalen, die manchmal zu Kämpfen führen. Laut Tagebuch der Frau war der unhöfliche Ehemann an allem schuld. Gleichzeitig ist nach den Erinnerungen von Bekannten klar, dass Jo selbst weit vom Ideal des Hüters des Familienherds entfernt war. Zum Beispiel, als ihre Künstlerfreunde sie einmal fragten: „ Was ist Edwards Lieblingsessen?“, sagte sie arrogant, „ Findest du nicht, dass es in unserem Kreis zu viel leckeres Essen und zu wenig gute Malerei gibt? Unser Lieblingsgericht ist eine freundliche Dose mit geschmorten Bohnen.«.

Hoppers Gemälde von Paaren zeigen deutlich die Tragödie seiner Beziehung zu seiner Frau. Sie lebten, litten und quälten sich gegenseitig, und gleichzeitig waren sie unzertrennlich. Sie verband die Liebe zu französischer Poesie, Malerei, Theater und Kino – das genügte ihnen, um zusammen zu bleiben. Josephine war nach 1923 sogar eine Muse und das Hauptmodell für Edwards Gemälde. Bei ein paar verspäteten Diner-Besuchern, dargestellt in seinem Gemälde „Nachteulen“, hat der Autor sich und seine Frau noch einmal deutlich dargestellt, so deutlich wird die Entfremdung von Mann und Frau, die nebeneinander sitzen.

"Mitternachter" (Nachtschwärmer), 1942, Edward Hopper

Zufällig ist es das Bild "Mitternachter" wurde in den Vereinigten Staaten zum Kultkunstwerk. (Im Original heißt es " Nachtschwärmer“, was auch übersetzt werden kann als „ Eulen"). Edward Hopper malte Nachteulen im Jahr 1942, kurz nach dem Angriff auf Pearl Harbor. Das Ereignis löste in ganz Amerika ein Gefühl der Unterdrückung und Angst aus. Dies erklärt die düstere, diffuse Atmosphäre von Hoppers Leinwand, wo die Besucher des Diners einsam und nachdenklich sind, die menschenleere Straße vom schwachen Licht eines Schaufensters erhellt wird und ein lebloses Haus als Hintergrund für alles dient. Der Autor bestritt jedoch, dass er eine Art Depression ausdrücken wollte. In seinen Worten, er vielleicht unbewusst dargestellte Einsamkeit in große Stadt ».

In jedem Fall ist Hoppers Mitternachtscafé eine kritische Abkehr von den Stadtcafés, die seine Kollegen dargestellt haben. Normalerweise verbreiteten diese Etablissements immer und überall ein Flair von Romantik und Liebe. Vincent van Gogh, der ein Nachtcafé in Arles darstellt, hat überhaupt keine schwarze Farbe verwendet, seine Leute sitzen auf einer offenen Terrasse, und der Himmel ist wie eine Blumenwiese mit Sternen übersät.

« Nachtterrasse Café“, Arles, 1888, Vincent van Gogh

Kann man seine kunterbunte Palette mit der Kühle und Geiz von Hoppers Farben vergleichen? Und dennoch wird beim Betrachten des Gemäldes „Night Owls“ deutlich, dass sich hinter der betonten Prägnanz von Hoppers Schreibweise ein Abgrund der Expressivität verbirgt. Seine stummen Figuren, in ihre eigenen Gedanken versunken, scheinen Teilnehmer eines Dramas auf einer von tödlichem Neonlicht durchfluteten Bühne zu sein. Der Betrachter wird hypnotisch beeinflusst von der Geometrie paralleler Linien, dem gleichmäßigen Rhythmus der leblosen Fenster des Nachbargebäudes, der von den Sitzen entlang der Bartheke widergespiegelt wird, dem Kontrast von massiven Steinwänden und transparentem zerbrechlichem Glas, hinter dem sich die Figuren befinden von vier Personen flüchteten sich auf eine Insel des Lichts ... Es scheint, dass der Autor sie absichtlich hier eingeschlossen hat, um sich vor der gleichgültigen Dunkelheit der Straße zu verstecken - wenn man genau hinschaut, kann man sehen, dass es keinen einzigen sichtbaren Ausgang aus dem Raum gibt.

Das Gemälde "Nachteulen" hatte großen Einfluss auf die amerikanische Kultur. Postmodernisten haben das Gemälde für unzählige parodistische Remakes verwendet, die auf Literatur, Film und Malerei basieren.

Anspielungen und Parodien auf dieses Werk von Edward Hopper finden sich in vielen Gemälden, Filmen, Büchern und Liedern. Tom Waits nannte eines seiner Alben „ Nachtschwärmer im Diner» — « Mitternachtssonne im Diner". Diese Leinwand ist eines der Lieblingswerke des Regisseurs David Lynch. Sie beeinflusste auch das Erscheinungsbild der Stadt im Film von Ridley Scott „Blade Runner“.

Inspiriert von Nachtschwärmern hat der österreichische Künstler Gottfried Helnwein ein berühmtes Remake mit dem Titel „ Boulevard der zerbrochenen Träume ". Anstelle von gesichtslosen Charakteren platzierte er 4 Prominente in der kosmischen Leere der Einsamkeit – Marilyn Monroe, Humphrey Bogart, Elvis Presley und James Dean. Damit wird angedeutet, wie sinnlos ihr Leben und ihre Talente vorzeitig ins Nichts versunken sind: Presley starb an den Folgen des langjährigen Konsums und Missbrauchs von Alkohol und Drogen; Marilyn starb an einer Überdosis Antidepressiva; Bogarts Tod war auch das Ergebnis von Alkoholmissbrauch, und James Dean starb bei einem tragischen Autounfall.

Andere Spoof-Remake-Autoren haben US-Kultstücke aus verschiedenen Kunstbereichen verwendet. Zuallererst das beliebteste - amerikanische Kino mit seinen berühmten Charakteren, Superhelden aus Comics und Geschichten, die der ganzen Welt bekannt sind. Der düstere Stil des Schwarz-Weiß-Film Noir passte perfekt zur Stimmung von Hoppers Malerei ( Film Noir ).

Sehen Sie sich zur Sicherheit den "Schnitt" von Einzelbildern aus den Noir-Filmen der 40er Jahre an, die durch das Lied " Boulevard der zerbrochenen Träume ". (Im Jahr 2005 Mitglieder der Punk-Gruppe grüner Tag gaben an, dass ihre zweite Single einen solchen Namen und entsprechende Poster unter dem direkten Einfluss von Hoppers Malerei erhielt).

Ironischerweise spielten die Remakes auch auf vielen anderen Hollywood-Fetischen an.

Star Wars

Die Simpsons

Familienmensch

basierend auf dem Kult-Comic Die Abenteuer von Tim und Struppi

Superman und Batman

Zombie

Remake zum Thema m / w "Dead Bride" unter der Regie von Tim Burton

Nicht dem Schicksal entgangen, Parodie zu werden, sind Remakes von Hoppers Gemälden anders beliebte Sendungen und Serien.

Parodieplakat zum Thema der Comedy-Fernsehserie "Seinfeld" (1989-1998)

Parodieplakat zum Thema der Krimiserie "C.S.I.: Crime Scene Investigation"

Natürlich wurde in den Parodien der geschlossene Raum des Cafés hochgespielt, was der Autor in seinem Bild betont.

Und die kalten Töne des Bildes und die Askese der Palette ließen viele Witzbolde mit dem Weltraum assoziieren.

Auch alle möglichen amerikanischen Klischees der Stadtlandschaft wurden verwendet.

Nun, wo es eine Nachtstraße gibt und keine Bullen in der Nähe sind, ist es ziemlich logisch, dass ein Straßengraffiti-Tyrann Banksy auftaucht, aber hier wirft er Plastikstühle in ein Caféfenster.

Sie können immer noch Hunderte von Beispielen für ironische Remakes von Edward Hoppers Gemälden nennen, die zu allen möglichen Themen gemacht wurden. Dies ist eines der häufigsten Internet-Memes. Und eine solche Fruchtbarkeit bestätigt nur, dass wahre Meisterwerke nicht der Zeit unterliegen.

Eduard Hopper

Datei: Mädchen an der Nähmaschine von Edward Hopper.jpg

Eduard Hopper. "Hinter der Nähmaschine" (1921).

Eduard Hopper(eng. Edward Hopper; 22. Juli, Nyack, New York - 15. Mai, New York) - US-amerikanischer Künstler, ein prominenter Vertreter der amerikanischen Genremalerei, einer der größten Urbanisten des 20. Jahrhunderts.

Biografie und Kreativität

Geboren in Newascu, New York, als Sohn eines Ladenbesitzers. Von Kindheit an liebte er es zu zeichnen. 1899 zog er mit der Absicht, Künstler zu werden, nach New York. 1899-1900 studierte er an der Schule für Werbegrafiker. Danach tritt er in die Schule von Robert Henry ein, die damals die Idee verteidigte, eine Moderne zu schaffen nationale Kunst USA. Das Hauptprinzip dieser Schule war: "Bilde dich selbst, lass dich nicht von mir erziehen." Ein Prinzip, das auf die Geburt der Individualität abzielt, obwohl es auf der Abwesenheit von Kollektivismus und bedeutenden nationalen künstlerischen Traditionen bestand.

1906 ging Edward Hopper nach Paris, wo er sein Studium fortsetzte. Neben Frankreich besuchte er England, Deutschland, Holland und Belgien. Es war ein Kaleidoskop von Ländern und anders kulturelle Zentren. Hopper kehrte 1907 nach New York zurück.

1908 nahm Edward Hopper an einer Ausstellung teil, die von der G8-Organisation (Robert Henry und seine Schüler) organisiert wurde, war aber nicht erfolgreich. Er arbeitet noch härter, verbessert seinen Stil. 1908-1910 studierte er erneut Kunst in Paris. Von 1915 bis 1920 - dies ist eine Zeit aktiver kreativer Suche nach dem Künstler. Zeichnungen aus dieser Zeit sind nicht erhalten, weil Hopper sie alle zerstört hat.

Das Malen brachte keinen Gewinn, also arbeitete Edward in einer Werbeagentur und fertigte Illustrationen für Zeitungen an.

Hopper machte seinen ersten Stich im Jahr 1915. Insgesamt fertigte er etwa 60 Radierungen an, von denen die besten zwischen 1915 und 1923 entstanden. Hier erschien das Hauptthema von Edward Hoppers Werk - die Einsamkeit einer Person in der amerikanischen Gesellschaft und in der Welt.

Gravuren brachten dem Künstler einige Berühmtheit. Er vertrat sie auf Ausstellungen, erhielt Auszeichnungen. Bald darauf gab es eine vom Whitney Art Studio Club organisierte Einzelausstellung.

Bis Mitte der 1920er Jahre. Hopper entwickelt seinen eigenen künstlerischen Stil, dem er bis an sein Lebensende treu bleibt. In seinen fotografisch verifizierten Szenen aus dem modernen Großstadtleben (oft in Aquarell ausgeführt) sind einsame, namenlose Gestalten eingefroren und klar geometrische Formen Objekte vermitteln ein Gefühl hoffnungsloser Entfremdung und einer im Alltag verborgenen Bedrohung.

Hoppers Hauptinspiration als Künstler ist die Stadt New York sowie Provinzstädte ("Meto", "Manhattan Bridge Constructions", "East Wind over Weehawkend", " Bergbau Stadt in Pennsylvanien). Zusammen mit der Stadt schuf Hopper ein eigenartiges Bild einer Person darin. Das Porträt einer bestimmten Person verschwand bei dem Künstler vollständig, er ersetzte es durch eine verallgemeinernde, summarische Sicht auf einen Einzelgänger, einen einzelnen Städter. Die Helden der Gemälde von Edward Hopper sind enttäuschte, einsame, am Boden zerstörte, erstarrte Menschen, die in Bars, Cafés und Hotels dargestellt werden ("Room - in a Hotel", 1931, "Western Motel", 1957).

Bereits in den 1920er Jahren hielt der Name Hopper Einzug in die amerikanische Malerei. Er hatte Studenten, Bewunderer. 1924 heiratete er die Künstlerin Josephine Verstiel. 1930 kauften sie ein Haus auf Cape Cord, wohin sie zogen. Im Allgemeinen öffnete Hopper neues Genre- Hausportrait - Talbot House, 1926, Adams House, 1928, Captain Killy House, 1931, Railroad House, 1925.

(1967-05-15 ) (84 Jahre alt) Ein Ort des Todes: Herkunft: Staatsbürgerschaft: