Merkmale der idealen Stadt der Renaissance. Künstlerische Kultur der Renaissance

Das Auftreten des Begriffs "Renaissance" (Renaissance, Renaissance) fällt auf das 16. Jahrhundert. Geschrieben über Renaissance"Art of Italy - der erste Historiograph der italienischen Kunst, ein großer Maler, Autor der berühmten "Biographien der meisten berühmte Maler, Bildhauer und Architekten "(1550) - Giorgio Vasari.

Dieser Begriff geht auf die damals weit verbreitete historische Vorstellung zurück, wonach die Ära des Mittelalters geprägt war von ständiger Barbarei, Unwissenheit, die dem Untergang folgte große Zivilisation klassisch archaisch.

Wenn wir über die Zeit des Mittelalters als eine Art einfacher Kulturentwicklung sprechen, müssen die Annahmen der damaligen Historiker über die Kunst berücksichtigt werden. Man glaubte, dass Kunst, die in Früher in der Antike blühte, findet genau in ihrer Zeit seine erste Wiederbelebung zu einer neuen Existenz.

Frühling/Sandro Botticelli

Im ersten Verständnis wurde der Begriff "Revival" nicht so sehr als Name der gesamten Epoche interpretiert, sondern als genauer Zeitpunkt (meist Anfang des 14. Jahrhunderts) des Erscheinens neuer Kunst. Erst nach einer gewissen Zeit gewann dieser Begriff eine breitere Interpretation und begann, in Italien und anderen Ländern die Ära der Entstehung und Blüte einer dem Feudalismus entgegengesetzten Kultur zu bezeichnen.

Nun gilt das Mittelalter nicht als Bruch in der Geschichte der künstlerischen Kultur Europas. Im letzten Jahrhundert begann eine gründliche Auseinandersetzung mit der Kunst des Mittelalters, die sich im letzten halben Jahrhundert stark intensiviert hat. Es führte zu seiner Neubewertung und zeigte das sogar Renaissance-Kunst hat dem Mittelalter viel zu verdanken.

Aber man sollte nicht von der Renaissance als trivialer Fortsetzung des Mittelalters sprechen. Einige moderne westeuropäische Historiker haben versucht, die Grenze zwischen dem Mittelalter und der Renaissance zu verwischen, haben aber keine Bestätigung durch historische Fakten gefunden. Tatsächlich weist die Analyse der Kulturdenkmäler der Renaissance auf die Ablehnung der meisten Grundüberzeugungen des feudalen Weltbildes hin.

Allegorie der Liebe und Zeit/Agnola Bronzino

Mittelalterliche Askese und Einsicht in alles Weltliche wird abgelöst von einem unersättlichen Interesse an der realen Welt mit der Erhabenheit und Schönheit der Natur und natürlich des Menschen. Glaube an Superkräfte menschlicher Verstand als höchstes Wahrheitskriterium führte zu der für das Mittelalter so charakteristischen prekären Stellung des unantastbaren Primats der Theologie über die Wissenschaft. Unterordnung menschliche Persönlichkeit kirchliche und feudale Obrigkeit wird durch das Prinzip der freien Entfaltung der Individualität ersetzt.

Mitglieder der neugeprägten säkularen Intelligenz richteten alle Aufmerksamkeit auf die menschlichen Aspekte im Gegensatz zu den göttlichen und nannten sich Humanisten (nach dem Konzept der Zeit von Cicero „studia hmnanitatis“, was das Studium von allem bedeutet, was mit der menschlichen Natur und seiner spirituellen Welt zusammenhängt ). Dieser Begriff spiegelt eine neue Einstellung zur Realität wider, den Anthropozentrismus der Kultur der Renaissance.

In der Zeit des ersten heroischen Angriffs auf die feudale Welt wurde ein weites Feld für kreative Impulse eröffnet. Die Menschen dieser Zeit haben die Netzwerke der Vergangenheit bereits aufgegeben, aber noch keine neuen gefunden. Sie glaubten, ihre Möglichkeiten seien endlos. Daraus entstand der für uns so charakteristische Optimismus Kultur der Renaissance.

schlafende Venus/ Giorgione

Fröhlicher Charakter und unendlicher Glaube an das Leben ließen den Glauben an die Grenzenlosigkeit der Möglichkeiten für den Geist und die Möglichkeit, die Persönlichkeit harmonisch und ohne Barrieren zu entwickeln, entstehen.
Renaissance-Kunst es steht in vielerlei Hinsicht im Gegensatz zum Mittelalter. Die europäische künstlerische Kultur findet ihre Entwicklung in der Bildung des Realismus. Dies hinterlässt Spuren sowohl in der Verbreitung von Bildern weltlicher Natur, der Entwicklung von Landschaften und Porträts, die der Genreinterpretation manchmal religiöser Themen nahe stehen, als auch in der radikalen Erneuerung einer gesamten künstlerischen Organisation.

Die mittelalterliche Kunst basierte auf der Idee der hierarchischen Struktur des Universums, deren Höhepunkt außerhalb des Kreises der irdischen Existenz lag, der einen der letzten Plätze in dieser Hierarchie einnahm. Es gab eine Abwertung irdischer realer Zusammenhänge und Phänomene in der Zeit mit dem Raum, da die Hauptaufgabe der Kunst die visuelle Verkörperung der von der Theologie geschaffenen Werteskala war.

In der Renaissance verschwindet das spekulative Kunstsystem und an seine Stelle tritt ein System, das auf dem Wissen und dem objektiven Weltbild basiert, das dem Menschen präsentiert wird. Deshalb war eine der Hauptaufgaben der Renaissance-Künstler die Frage der Raumreflexion.

Im 15. Jahrhundert wurde diese Frage überall verstanden, mit dem einzigen Unterschied, dass sich der Norden Europas (die Niederlande) aufgrund empirischer Beobachtungen in Richtung einer objektiven Konstruktion des Raums in Stufen bewegte und die Gründung Italiens in der ersten Hälfte des 20 Jahrhunderts basierte auf Geometrie und Optik.

David/ Donatello

Diese Annahme, die die Möglichkeit bietet, ein dreidimensionales Bild auf einer Ebene zu konstruieren, das sich unter Berücksichtigung seines Standpunkts am Betrachter orientiert, diente als Sieg über das Konzept des Mittelalters. Die bildliche Darstellung einer Person zeigt die anthropozentrische Ausrichtung der neuen künstlerischen Kultur.

Die Kultur der Renaissance zeigt deutlich die charakteristische Verbindung zwischen Wissenschaft und Kunst. Dem kognitiven Prinzip wurde eine besondere Rolle zugeschrieben, um die Welt und den Menschen einigermaßen wahrheitsgetreu abzubilden. Natürlich führte die Suche nach Unterstützung für Künstler in der Wissenschaft zur Stimulierung der Entwicklung der Wissenschaft selbst. In der Renaissance erschienen viele Künstler-Wissenschaftler, angeführt von Leonardo da Vinci.

Neue Herangehensweisen an die Kunst diktierten auch eine neue Art, die menschliche Figur darzustellen und Handlungen zu vermitteln. Die damalige Vorstellung des Mittelalters von der Kanonizität von Gestik, Mimik und zulässiger Beliebigkeit der Proportionen entsprach nicht einer objektiven Sicht auf die Welt um uns herum.

Für die Werke der Renaissance ist menschliches Verhalten inhärent, nicht Ritualen oder Kanons unterworfen, sondern psychologischer Konditionierung und der Entwicklung von Handlungen. Künstler versuchen, die Proportionen der Figuren der Realität näher zu bringen. Dazu gehen sie verschiedene Wege, so geschieht dies in den nördlichen Ländern Europas empirisch, und in Italien erfolgt das Studium realer Formen in Verbindung mit der Kenntnis der Denkmäler der klassischen Antike (der Norden Europas wird erst später angeschlossen).

Die Ideale des Humanismus durchdringen Renaissance-Kunst, wodurch das Bild einer schönen, harmonisch entwickelten Person entsteht. Für die Kunst der Renaissance sind charakteristisch: Titanismus der Leidenschaften, Charaktere und Heldentum.

Renaissance-Meister schaffen Bilder, die das stolze Bewusstsein ihrer Kräfte, die Grenzenlosigkeit menschlicher Möglichkeiten im Bereich der Kreativität und den wahren Glauben an die Freiheit seines Willens verkörpern. Viele Kreationen der Renaissance-Kunst stimmen mit diesem Ausdruck des berühmten italienischen Humanismus Pico della Mirandola überein: „Oh, die wundersame und erhabene Bestimmung einer Person, der es gegeben ist, das zu erreichen, wonach er strebt, und das zu sein, was er will.“

Leda und der Schwan/ Leonardo da Vinci

War die Bestimmung für das Wesen der bildenden Kunst mehr der Wunsch nach wahrheitsgetreuer Darstellung der Wirklichkeit, so spielte die Berufung auf die klassische Tradition eine wichtige Rolle bei der Herausbildung neuer architektonischer Formen. Diese bestand nicht nur in der Wiederherstellung des antiken Ordnungssystems und dem Verzicht auf gotische Konfigurationen, sondern auch in der klassischen Proportionalität, dem anthropozentrischen Charakter der neuen Architektur und in der Gestaltung zentrischer Gebäude in der Tempelarchitektur, bei denen der Innenraum gut sichtbar war.

Im Bereich der zivilen Architektur wurden viele neue Kreationen geschaffen. So erhalten in der Renaissance mehrstöckige öffentliche Gebäude der Stadt: Rathäuser, Universitäten, Häuser von Kaufmannszünften, Bildungshäuser, Lagerhäuser, Märkte, Lagerhäuser erhalten eine elegantere Dekoration. Es entsteht eine Art Stadtpalast oder ein Palazzo – das Zuhause eines wohlhabenden Bürgers, aber auch eine Art Landvilla. Es werden neue Systeme der Fassadendekoration gebildet, ein neues Struktursystem eines Backsteingebäudes entwickelt (im europäischen Bauwesen bis zum 20. Jahrhundert erhalten), das Backstein und kombiniert Holzboden. Städtebauliche Probleme werden neu gelöst, urbane Zentren werden umgebaut.

Der neue architektonische Stil wurde mit Hilfe fortschrittlicher handwerklicher Bautechniken aus dem Mittelalter zum Leben erweckt. Grundsätzlich waren Renaissance-Architekten direkt an der Gestaltung des Gebäudes beteiligt und leiteten dessen Umsetzung in die Realität. In der Regel verfügten sie auch über eine Reihe anderer architekturbezogener Fachrichtungen, wie z. B.: Bildhauer, Maler, manchmal Dekorateur. Die Kombination von Fähigkeiten trug zum Wachstum der künstlerischen Qualität der Gebäude bei.

Verglichen mit dem Mittelalter, als die Hauptabnehmer der Werke große Feudalherren und die Kirche waren, erweitert sich nun der Kundenkreis mit einer Veränderung der gesellschaftlichen Zusammensetzung. Zunftverbände von Handwerkern, Kaufmannszünfte und sogar Privatpersonen (Adel, Bürger) sowie die Kirche geben nicht selten Aufträge an Künstler.

Auch der soziale Status des Künstlers ändert sich. Obwohl Künstler auf der Suche sind und die Werkstätten betreten, erhalten sie oft Preise und hohe Ehrungen, nehmen Sitze in Stadträten ein und führen diplomatische Missionen aus.
Es gibt eine Entwicklung in der Einstellung einer Person zur bildenden Kunst. War es früher auf der Ebene des Handwerks, steht es jetzt auf einer Stufe mit den Wissenschaften, und Kunstwerke werden erstmals als Ergebnis geistiger schöpferischer Tätigkeit betrachtet.

Jüngstes Gericht/ Michelangelo

Das Aufkommen neuer Techniken und Kunstformen wird durch die Ausweitung der Nachfrage und die wachsende Zahl weltlicher Kunden provoziert. Monumentale Formen werden von der Staffelei begleitet: Malerei auf Leinwand oder Holz, Holzskulptur, Majolika, Bronze, Terrakotta. Die ständig wachsende Nachfrage nach Kunstwerke führten zum Erscheinen von Gravuren auf Holz und Metall - der preiswertesten und beliebtesten Kunstform. Diese Technik ermöglichte zum ersten Mal, Bilder in einer großen Anzahl von Kopien zu reproduzieren.
Eines der Hauptmerkmale Italienische Renaissance die weit verbreitete Nutzung der Traditionen des antiken Erbes, die im Mittelmeerraum nicht aussterben. Hier zeigte sich schon früh das Interesse an der klassischen Antike – auch in den Werken italienischer Künstler der Proto-Renaissance von Piccolo und Giovanni Pisano bis Ambrogio Lorsnzetti.

Die Erforschung der Antike im 15. Jahrhundert wird zu einer der zentralen Aufgaben der Geisteswissenschaften. Es gibt eine erhebliche Erweiterung der Informationen über die Kultur der antiken Welt. In den Bibliotheken alter Klöster wurden viele Manuskripte bisher unbekannter Werke antiker Autoren gefunden. Die Suche nach Kunstwerken ermöglichte es, viele antike Statuen, Reliefs und schließlich Fresken zu entdecken. antikes Rom. Sie wurden ständig von Künstlern studiert. Beispiele sind die erhaltenen Nachrichten von einer Reise von Donatello und Brunelleschi nach Rom, um Denkmäler der antiken römischen Architektur und Skulptur zu messen und zu skizzieren, die Werke von Leon Battista Alberti, über das Studium neu entdeckter Reliefs und Gemälde von Raffael, wie er kopierte antike Skulptur junger Michelangelo. Die Kunst Italiens wurde (aufgrund der ständigen Berufung auf die Antike) mit einer Fülle von Techniken, Motiven und Formen bereichert, die für die damalige Zeit neu waren, und gab gleichzeitig einen Hauch von heroischer Idealisierung, die in den Werken der Italiener völlig fehlte Künstler Nordeuropas.

Es gab noch ein weiteres Hauptmerkmal der italienischen Renaissance – ihre Rationalität. Viele Menschen arbeiteten an der Bildung der wissenschaftlichen Grundlagen der Kunst. Italienische Künstler. So entstand im Kreis um Brunelleschi, Masaccio und Donatello eine Theorie Geradlinige Perspektive, die dann in der Abhandlung von 1436 von Leon Battista Alberti „Das Buch der Malerei“ dargelegt wurde. An der Entwicklung der Perspektiventheorie waren zahlreiche Künstler beteiligt, insbesondere Paolo Uccello und Piero della Francesca, die 1484-1487 die Abhandlung über die malerische Perspektive verfassten. Darin werden schließlich Versuche sichtbar, die mathematische Theorie auf die Konstruktion der menschlichen Figur anzuwenden.

Erwähnenswert sind auch andere Städte und Regionen Italiens, die eine herausragende Rolle in der Entwicklung der Kunst spielten: im 14. Jahrhundert - Siena, im 15. Jahrhundert - Umbrien, Padua, Venedig, Ferrara. Im 16. Jahrhundert schwand die Vielfalt der lokalen Schulen (die einzige Ausnahme ist das ursprüngliche Venedig), und für eine gewisse Zeit konzentrierten sich die führenden künstlerischen Kräfte des Landes in Rom.

Unterschiede in der Entstehung und Entwicklung der Kunst einzelner Regionen Italiens stören nicht die Schaffung und Unterordnung eines allgemeinen Musters, das es uns ermöglicht, die wichtigsten Entwicklungsstadien zu skizzieren Italienische Renaissance. Die moderne Kunstgeschichte unterteilt die Geschichte der italienischen Renaissance in vier Etappen: die Proto-Renaissance (Ende des 13. – erste Hälfte des 14. Jahrhunderts), die Frührenaissance (das 15 das 15. - die ersten drei Jahrzehnte des 16. Jahrhunderts) und die Spätrenaissance (mittlere und zweite Hälfte des 16. Jahrhunderts) .

Italienische Renaissance (25:24)

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Die Epoche der Renaissance ist eine der wichtigsten Perioden in der kulturellen Entwicklung der Menschheit, denn in dieser Zeit wurden die Grundlagen gelegt neue Kultur, gibt es eine Fülle von Ideen, Gedanken, Symbolen, die von nachfolgenden Generationen in Zukunft aktiv genutzt werden. Im XV Jahrhundert. in Italien entsteht ein neues Stadtbild, das eher wie ein Projekt, ein Zukunftsmodell denn als eine reale architektonische Verkörperung entwickelt wird. Natürlich haben sie im Italien der Renaissance viele Städte verschönert: Sie haben Straßen begradigt, Fassaden eingeebnet, viel Geld für die Erstellung von Bürgersteigen ausgegeben usw. Architekten haben auch neue Häuser gebaut und sie in leere Räume eingebaut oder in seltenen Fällen , errichtete sie anstelle von abgerissenen alten Gebäuden. Im Allgemeinen blieb die italienische Stadt in ihrer architektonischen Landschaft in Wirklichkeit mittelalterlich. Es war keine Zeit aktiver Stadtentwicklung, aber gerade zu dieser Zeit begann man, städtische Fragen als einen der wichtigsten Bereiche des kulturellen Bauens zu erkennen. Es erschienen viele interessante Abhandlungen darüber, was eine Stadt ist, und zwar nicht nur als politisches, sondern auch als soziokulturelles Phänomen. Wie sieht in den Augen der Humanisten der Renaissance eine neue Stadt aus, die sich von der mittelalterlichen unterscheidet?

In all ihren städtebaulichen Modellen, Projekten und Utopien löste sich die Stadt zunächst einmal von ihrem heiligen Vorbild – dem himmlischen Jerusalem, der Arche, die den Raum der menschlichen Erlösung symbolisierte. In der Renaissance entstand die Idee einer idealen Stadt, die nicht nach dem göttlichen Vorbild, sondern als Ergebnis der individuellen schöpferischen Tätigkeit des Architekten entstand. Der berühmte L. B. Alberti, Autor des Klassikers Ten Books on Architecture, behauptete, dass ihm originelle architektonische Ideen oft nachts kommen, wenn seine Aufmerksamkeit abgelenkt ist und er Träume hat, in denen Dinge erscheinen, die sich im Wachzustand nicht offenbaren. Diese säkularisierte Beschreibung des Schaffensprozesses unterscheidet sich deutlich von den klassischen christlichen Sehhandlungen.

Die neue Stadt erschien in den Werken italienischer Humanisten, die in ihrem sozialen, politischen, kulturellen und häuslichen Zweck nicht den himmlischen, sondern den irdischen Vorschriften entsprechen. Er wurde nicht nach dem Prinzip der sakral-räumlichen Verengung, sondern nach einer funktionalen, durchaus säkularen Raumabgrenzung errichtet und in Plätze, Straßenzüge gegliedert, die sich um wichtige Wohn- oder öffentliche Gebäude gruppierten. Eine solche Rekonstruktion, obwohl in gewissem Umfang tatsächlich durchgeführt, beispielsweise in Florenz, wurde in größerem Umfang in der bildenden Kunst, im Bau von Renaissance-Gemälden und in Architekturprojekten verwirklicht. Die Renaissancestadt symbolisierte den Sieg des Menschen über die Natur, den optimistischen Glauben an die „Zuordnung“ der menschlichen Zivilisation von der Natur in ihre neue menschengemachte Welt vernünftige, harmonische und hervorragende Grundlagen hatte.

Der Renaissance-Mensch ist ein Prototyp der Zivilisation der Eroberung des Weltraums, der mit seinen eigenen Händen vollendete, was sich vom Schöpfer als unvollendet herausstellte. Aus diesem Grund haben Architekten bei der Planung von Städten gerne schöne Projekte geschaffen, die auf der ästhetischen Bedeutung verschiedener Kombinationen geometrischer Formen basieren und in denen alle für das Leben der städtischen Gemeinschaft notwendigen Gebäude untergebracht werden müssen. Nützlichkeitserwägungen traten in den Hintergrund, und das freie ästhetische Spiel architektonischer Fantasien unterwarf sich dem Bewusstsein der damaligen Stadtplaner. Die Idee der freien Kreativität als Existenzgrundlage des Individuums ist einer der wichtigsten kulturellen Imperative der Renaissance. Architektonische Kreativität verkörperte in diesem Fall auch diese Idee, die sich in der Schaffung von Bauprojekten ausdrückte, die eher wie komplizierte ornamentale Fantasien aussahen. In der Praxis wurden diese Ideen vor allem bei der Schaffung verschiedener Arten von Steinpflastern umgesetzt, die mit regelmäßig geformten Platten bedeckt wurden. Auf sie als Hauptinnovationen waren die Bürger stolz und nannten sie "Diamant".

Die Stadt war ursprünglich als künstliches Produkt konzipiert, das sich der Natürlichkeit der Natur widersetzte, weil sie sich anders als die mittelalterliche Stadt den Lebensraum unterwarf und beherrschte und sich nicht nur in das Gelände einfügt. Daher hatten die idealen Städte der Renaissance eine strenge geometrische Form in Form eines Quadrats, Kreuzes oder Achtecks. Nach dem treffenden Ausdruck von I. E. Danilova wurden die architektonischen Projekte dieser Zeit als Siegel der Dominanz des menschlichen Geistes, dem alles unterworfen ist, sozusagen von oben auf das Gelände gelegt. In der Ära des Neuen Zeitalters versuchte der Mensch, die Welt vorhersehbar und vernünftig zu machen, um das unverständliche Glücks- oder Glücksspiel loszuwerden. So argumentierte L. B. Alberti in seinem Werk „Über die Familie“, dass die Vernunft in zivilen Angelegenheiten und im menschlichen Leben eine viel größere Rolle spiele als das Glück. Der berühmte Theoretiker der Architektur und Stadtplanung sprach über die Notwendigkeit, die Welt zu testen und zu erobern, indem er die Regeln der angewandten Mathematik und Geometrie auf sie ausdehnte. Aus dieser Sicht war die Renaissance-Stadt die höchste Form der Eroberung der Welt, des Raums, denn städtebauliche Projekte beinhalteten die Neuordnung der natürlichen Landschaft, indem ihr ein geometrisches Raster abgegrenzter Räume auferlegt wurde. Es war, anders als im Mittelalter, ein offenes Modell, dessen Mittelpunkt nicht der Dom war, sondern der Freiraum des Platzes, der sich von allen Seiten mit Straßen öffnete, mit Blick in die Ferne, über die Stadtmauer hinaus.

Moderne Spezialisten Auf dem Gebiet der Kultur wird den Problemen der räumlichen Organisation von Renaissancestädten immer mehr Aufmerksamkeit geschenkt, insbesondere das Thema Stadtplatz, seine Genese und Semantik werden auf verschiedenen internationalen Symposien aktiv diskutiert. R. Barthes schrieb: „Die Stadt ist ein Gewebe, das nicht aus gleichwertigen Elementen besteht, in denen ihre Funktionen aufgeführt werden können, sondern aus Elementen, die wichtig und unbedeutend sind ... Außerdem muss ich feststellen, dass sie sich immer mehr zu verbinden beginnen Wichtigkeit zu signifikanter Leere statt Bedeutungsleere. Mit anderen Worten, die Elemente werden nicht an sich, sondern abhängig von ihrem Standort immer bedeutsamer.

Die mittelalterliche Stadt, ihre Gebäude, die Kirche verkörperten das Phänomen der Nähe, die Notwendigkeit, eine physische oder spirituelle Barriere zu überwinden, sei es eine Kathedrale oder ein Palast, der einer kleinen Festung ähnelt, dies ist ein besonderer Raum, der von der Außenwelt getrennt ist. Das Eindringen dort symbolisierte immer das Kennenlernen eines verborgenen Geheimnisses. Der Platz hingegen war ein Symbol einer ganz anderen Zeit: Er verkörperte die Idee der Offenheit nicht nur nach oben, sondern auch zu den Seiten, durch Straßen, Gassen, Fenster etc. Immer betrat man den Platz von dort ein abgeschlossener Raum. Im Gegensatz dazu erzeugte jeder Platz das Gefühl eines sofort geöffneten und offenen Raums. Stadtplätze symbolisierten gleichsam den Prozess der Befreiung von mystischen Geheimnissen und verkörperten offen entsakralisierten Raum. L. B. Alberti schrieb, dass die wichtigste Dekoration von Städten durch die Position, Richtung, Korrespondenz, Platzierung von Straßen und Plätzen gegeben sei.

Diese Ideen wurden durch die reale Praxis des Kampfes um die Befreiung städtischer Räume von der Kontrolle einzelner Familienclans unterstützt, der im 14. und 15. Jahrhundert in Florenz stattfand. F. Brunelleschi entwirft in dieser Zeit drei neue Plätze in der Stadt. Grabsteine ​​verschiedener Adeliger werden von den Plätzen entfernt, Märkte entsprechend umgebaut. Die Idee des offenen Raums verkörpert L. B. Alberti in Bezug auf die Wände. Er rät, so oft wie möglich Kolonnaden zu verwenden, um die Konventionalität der Mauern als Hindernis zu betonen. Deshalb wird der Bogen von Alberti als das Gegenteil der verschlossenen Stadttore wahrgenommen. Der Bogen ist immer offen, als ob er als Rahmen für sich öffnende Ausblicke dient und so den Stadtraum verbindet.

Die Urbanisierung der Renaissance impliziert nicht die Nähe und Isolierung des städtischen Raums, sondern im Gegenteil seine Verteilung außerhalb der Stadt. Das aggressive Offensivpathos des „Bezwingers der Natur“ demonstrieren die Projekte von Francesco di Giorgio Martini. Yu M. Lotman schrieb über diesen räumlichen Impuls, der für seine Abhandlungen charakteristisch ist. Martini-Festungen haben meist die Form eines Sterns, der in allen Richtungen von Mauerecken mit stark nach außen verlängerten Bastionen freigelegt ist. Diese architektonische Lösung war größtenteils der Erfindung der Kanonenkugel zu verdanken. Die Kanonen, die auf weit in den Weltraum vorgeschobenen Bastionen montiert waren, ermöglichten es, den Feinden aktiv entgegenzuwirken, sie auf große Entfernung zu treffen und sie daran zu hindern, die Hauptmauern zu erreichen.

Leonardo Bruni präsentiert uns in seinen Laudatio-Werken zu Florenz keine wirkliche Stadt, sondern eine verkörperte soziokulturelle Doktrin, denn er versucht, den Stadtgrundriss zu „korrigieren“ und die Lage der Gebäude neu zu beschreiben. Dadurch entpuppt sich der Palazzo Signoria als Zentrum der Stadt, von dem als Symbol städtischer Macht weiter als in Wirklichkeit Mauerringe, Befestigungsanlagen etc. auseinandergehen.In dieser Beschreibung weicht Bruni ab vom geschlossenen Modell einer mittelalterlichen Stadt ab und versucht es zu verkörpern neue Idee die Idee der Stadterweiterung, die eine Art Symbol einer neuen Ära ist. Florenz erobert nahe gelegene Ländereien und unterwirft riesige Gebiete.

Also die ideale Stadt im XV Jahrhundert. ist nicht in einer vertikalen sakralisierten Projektion konzipiert, sondern in einem horizontalen soziokulturellen Raum, der nicht als Heilssphäre, sondern als behaglicher Lebensraum verstanden wird. Deshalb wird die ideale Stadt von Künstlern des 15. Jahrhunderts dargestellt. nicht als fernes Ziel, sondern von innen, als schöne und harmonische Sphäre des menschlichen Lebens.

Es ist jedoch notwendig, einige Widersprüche zu beachten, die ursprünglich im Bild der Renaissancestadt vorhanden waren. Trotz der Tatsache, dass in dieser Zeit prächtige und komfortable Wohnungen eines neuen Typs entstanden, die hauptsächlich „um des Volkes willen“ geschaffen wurden, wird die Stadt selbst bereits als Steinkäfig wahrgenommen, was dies nicht zulässt die Entwicklung einer frei schöpferischen menschlichen Persönlichkeit. Die Stadtlandschaft kann als etwas wahrgenommen werden, das der Natur widerspricht, und wie Sie wissen, ist es die Natur (sowohl die menschliche als auch die nichtmenschliche), die Gegenstand ästhetischer Bewunderung für Künstler, Dichter und Denker dieser Zeit ist.

Der Beginn der Urbanisierung des soziokulturellen Raums, selbst in seinen ursprünglichen, rudimentären und begeistert wahrgenommenen Formen, weckte bereits ein Gefühl ontologischer Einsamkeit, Verlassenheit in der neuen, „horizontalen“ Welt. In Zukunft wird sich diese Dualität entwickeln, zu einem akuten Widerspruch des kulturellen Bewusstseins der Moderne werden und zur Entstehung utopischer Anti-Urban-Szenarien führen.

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Kulturologie

Theorie der Kultur. Kulturologie im System sozial-humanitären Wissens. Grundlegende Kulturtheorien und Schulen unserer Zeit. Die Dynamik der Kultur. Kulturgeschichte. Alte Zivilisation - die Wiege Europäische Kultur. Kultur des europäischen Mittelalters. Tatsächliche Probleme moderne Kultur. Nationale Gesichter der Kultur in einer sich globalisierenden Welt. Sprachen und Codes der Kultur.

Dieses Material enthält Abschnitte:

Kultur als Bedingung für die Existenz und Entwicklung der Gesellschaft

Kulturwissenschaft als eigenständiges Wissensgebiet

Konzepte der Kulturwissenschaft, ihr Gegenstand, Subjekt, Aufgaben

Die Struktur des kulturellen Wissens

Methoden der Kulturforschung

Die Einheit von Historischem und Logischem im Kulturverständnis

Antike Vorstellungen von Kultur

Kulturverständnis im Mittelalter

Kulturverständnis in der europäischen Philosophie der Neuzeit

Allgemeine Merkmale der Kulturwissenschaften des 20. Jahrhunderts.

Kulturologisches Konzept von O. Spengler

Renaissancekunst in Italien (XIII-XVI Jahrhundert).

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Merkmale der Kunst der Renaissance in Italien.

Die Kunst der Renaissance entstand auf der Grundlage des Humanismus (vom lateinischen humanus – „Mensch“) – einer Strömung des gesellschaftlichen Denkens, die ihren Ursprung im 14. Jahrhundert hat. in Italien und dann in der zweiten Hälfte des 15. und im 16. Jahrhundert. Ausbreitung auf andere europäische Länder. Der Humanismus proklamierte den höchsten Wert des Menschen und sein Wohl. Die Anhänger dieses Trends glaubten, dass jeder Mensch das Recht hat, sich als Person frei zu entwickeln und seine Fähigkeiten zu verwirklichen. Die Ideen des Humanismus wurden am vollständigsten und lebendigsten in der Kunst verkörpert, deren Hauptthema ein schöner, harmonisch entwickelter Mensch mit unbegrenzten spirituellen und kreativen Möglichkeiten war. Humanisten ließen sich von der Antike inspirieren, die ihnen als Wissensquelle und Vorbild künstlerischen Schaffens diente. Die große Vergangenheit Italiens, immer wieder an sich selbst erinnernd, wurde damals als höchste Perfektion empfunden, während die Kunst des Mittelalters ungeschickt und barbarisch wirkte. Der Begriff „Revival“, der im 16. Jahrhundert aufkam, bedeutete die Geburt einer neuen Kunst, die die klassische antike Kultur wiederbelebte. Die Kunst der Renaissance verdankt jedoch viel der künstlerischen Tradition des Mittelalters. Das Alte und das Neue waren untrennbar miteinander verbunden und konfrontiert. Bei aller widersprüchlichen Vielfalt ihrer Ursprünge ist die Kunst der Renaissance von einer tiefen und grundlegenden Neuheit geprägt. Sie legte den Grundstein für die europäische Kultur der Neuzeit. Alle großen Kunstformen – Malerei und Grafik, Bildhauerei, Architektur – haben sich enorm verändert.
In der Architektur die kreativ überarbeiteten Prinzipien der Antike Bestellsystem , neue Typen von öffentlichen Gebäuden entstanden. Die Malerei wurde mit einer linearen und luftigen Perspektive, Kenntnissen der Anatomie und Proportionen des menschlichen Körpers bereichert. Irdische Inhalte durchdrangen die traditionellen religiösen Themen der Kunstwerke. Verstärktes Interesse an antiker Mythologie, Geschichte, Alltagsszenen, Landschaften, Porträts. Zusammen mit den monumentalen Wandmalereien, die sie schmückten architektonische Strukturen, ein Bild erschien; Ölmalerei entstanden.
Die Kunst hat noch nicht aufgehört, ein Handwerk zu sein, aber die kreative Individualität des Künstlers, dessen Aktivitäten damals sehr vielfältig waren, stand bereits an erster Stelle. Das universelle Talent der Meister der Renaissance ist erstaunlich - sie arbeiteten oft gleichzeitig auf dem Gebiet der Architektur, Bildhauerei und Malerei, verbanden ihre Leidenschaft für Literatur, Poesie und Philosophie mit dem Studium der exakten Wissenschaften. Das Konzept einer kreativ reichen oder „Renaissance“-Persönlichkeit wurde später zu einem geläufigen Wort.
In der Kunst der Renaissance waren die Wege wissenschaftlicher und künstlerischer Welt- und Menschenerkenntnis eng miteinander verflochten. Seine Erkenntnisbedeutung war untrennbar mit erhabener poetischer Schönheit verbunden, in seinem Streben nach Natürlichkeit verfiel er nicht in den kleinlichen Alltag. Kunst ist zu einem universellen spirituellen Bedürfnis geworden.
Die Herausbildung der Renaissancekultur in Italien fand in wirtschaftlich unabhängigen Städten statt. Beim Aufstieg und Aufblühen der Kunst der Renaissance spielten die Kirche und die prachtvollen Höfe der ungekrönten Herrscher – der herrschenden wohlhabenden Familien, die die größten Förderer und Kunden von Werken der Malerei, Bildhauerei und Architektur waren – eine wichtige Rolle. Die Hauptzentren der Renaissancekultur waren zunächst die Städte Florenz, Siena, Pisa, dann Padua, Ferrara, Genua, Mailand und später, in der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts, das reiche Handelsvenedig. Im 16. Jahrhundert. Rom wurde zur Hauptstadt der italienischen Renaissance. Seitdem haben alle anderen Kulturzentren außer Venedig ihre einstige Bedeutung verloren.
In der Epoche der italienischen Renaissance ist es üblich, mehrere Perioden zu unterscheiden:

Proto-Renaissance (zweite Hälfte des XIII-XIV Jahrhunderts),

Frührenaissance (XV Jahrhundert),

Hochrenaissance (spätes 15. - erstes Drittel 16. Jahrhundert)

Spätrenaissance (letzte zwei Drittel des 16. Jahrhunderts).

Proto-Renaissance

In der italienischen Kultur des XIII-XIV Jahrhunderts. Vor dem Hintergrund der immer noch starken byzantinischen und gotischen Traditionen begannen sich Merkmale einer neuen Kunst abzuzeichnen, die später als Kunst der Renaissance bezeichnet wurde. Daher wurde diese Periode seiner Geschichte genannt Proto-Renaissance(aus dem Griechischen "protos" - "erster", d.h. bereitete den Beginn der Renaissance vor). In keinem der europäischen Länder gab es eine ähnliche Übergangszeit. In Italien selbst entstand und entwickelte sich die Kunst der Proto-Renaissance nur in der Toskana und in Rom.
In der italienischen Kultur waren die Merkmale des Alten und des Neuen miteinander verflochten. Der letzte Dichter des Mittelalters und der erste Dichter der Neuzeit, Dante Alighieri (1265-1321), schuf die italienische Literatursprache. Was Dante begann, wurde von anderen großen Florentinern des 14. Jahrhunderts fortgesetzt - Francesco Petrarca (1304-1374), dem Begründer der europäischen Lyrik, und Giovanni Boccaccio (1313-1375), dem Begründer des Romangenres (Kurzgeschichte) in der Welt Literatur. Der Stolz der Epoche sind die Architekten und Bildhauer Niccolo und Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio und der Maler Giotto di Bondone .
Die Architektur
Italienische Architektur ist lange gefolgt mittelalterliche Traditionen, was sich vor allem in der Verwendung einer Vielzahl gotischer Motive ausdrückte. Gleichzeitig unterschied sich die italienische Gotik selbst stark von der gotischen Architektur Nordeuropas: Sie tendierte zur Ruhe große Formen, gleichmäßige Lichtverhältnisse, horizontale Gliederung, breite Wandflächen. 1296 begann der Bau in Florenz Kathedrale Santa Maria del Fiore. Arnolfo di Cambio wollte den Altar der Kathedrale mit einer riesigen Kuppel krönen. Nach dem Tod des Architekten im Jahr 1310 verzögerte sich der Bau jedoch, er wurde bereits in der Zeit fertiggestellt Frührenaissance. 1334 wurde nach dem Entwurf von Giotto mit dem Bau des Glockenturms der Kathedrale, des sogenannten Campanile, begonnen - ein schlanker rechteckiger Turm mit horizontaler Unterteilung durch Stockwerke und eleganten gotischen Fenstern, dessen Lanzettbogenform war in der italienischen Architektur seit langem erhalten.
Zu den bekanntesten Stadtpalästen gehört der Palazzo Vecchio (Palazzo della Signoria) in Florenz. Es wird angenommen, dass es von Arnolfo di Cambio gebaut wurde. Es ist ein schwerer Kubus mit einem hohen Turm, der mit einer harten Steinrustizierung ausgekleidet ist. Die dreigeschossige Fassade ist mit in Halbkreisbögen eingeschriebenen Fensterpaaren geschmückt, die dem gesamten Gebäude einen Eindruck zurückhaltender Strenge verleihen. Das Gebäude bestimmt das Erscheinungsbild des alten Stadtzentrums und dringt mit einer harten Masse in den Platz ein.
Skulptur
Früher als in der Architektur und in der Malerei wurden künstlerische Suchen in der Bildhauerei und vor allem in der pisanischen Schule skizziert, deren Gründer Niccolò Pisano (um 1220 - zwischen 1278 und 1284) war. Niccolo Pisano wurde in Apulien in Süditalien geboren. Es wird angenommen, dass er Bildhauerei in den südlichen Schulen studierte, wo der Geist der Wiederbelebung der klassischen Traditionen der Antike blühte. Ohne Zweifel hat Niccolo die bildhauerische Ausstattung spätrömischer und frühchristlicher Sarkophage studiert. Das früheste von heute Berühmte Werke Bildhauer - sechseckig Kanzel aus Marmor, von ihm für das Baptisterium in Pisa (1260) angefertigt, - wurde zu einem herausragenden Werk der Renaissance-Bildhauerei und hatte großen Einfluss auf ihre weitere Entwicklung. Die Hauptleistung des Bildhauers besteht darin, dass er es geschafft hat, den Formen Volumen und Ausdruckskraft zu verleihen, und jedes Bild hat körperliche Kraft.
Aus der Werkstatt von Niccolò Pisano stammen die bemerkenswerten Meister der Bildhauerei der Proto-Renaissance – sein Sohn Giovanni Pisano und Arnolfo di Cambio, auch als Architekt bekannt. Arnolfo di Cambio (um 1245 - nach 1310) wandte sich der monumentalen Bildhauerei zu, in die er seine Lebensbeobachtungen einfließen ließ. Eine der besten Arbeiten, die er zusammen mit seinem Vater und Sohn Pisano gemacht hat - Brunnen auf der Piazza Perugia(1278). Fonte Maggiore, geschmückt mit zahlreichen Statuen und Reliefs, ist zum Stolz der Stadt geworden. Es war verboten, daraus Tiere zu trinken, Wasser in Weinfässern oder in ungewaschenem Geschirr zu trinken. Das Stadtmuseum bewahrt Fragmente liegender Figuren von Arnolfo di Cambio für den Brunnen auf. In diesen Figuren gelang es dem Bildhauer, den ganzen Reichtum der Bewegungen des menschlichen Körpers zu vermitteln.
Malen
In der Kunst der italienischen Renaissance nahm die Wandmalerei einen dominierenden Platz ein. Es wurde in Freskotechnik ausgeführt. Mit auf Wasser zubereiteten Farben schrieben sie entweder auf nassem Putz (eigentlich ein Fresko) oder auf trockenem - diese Technik nennt man "a secco" (übersetzt aus dem Italienischen - "trocken"). Das Hauptbindemittel von Gips ist Kalk. Weil Kalk braucht etwas Zeit zum Trocknen, Freskomalerei musste schnell erfolgen, oft in Teilen, zwischen denen Verbindungsnähte waren. Aus der zweiten Hälfte des XV Jahrhunderts. die Technik des Freskens wurde durch das Malen eines Secco ergänzt; Letzteres ermöglichte eine langsamere Arbeit und die Endbearbeitung von Teilen. Der Arbeit an den Wandgemälden ging die Herstellung von Sinopia voraus - Hilfszeichnungen, die unter dem Fresko auf der ersten Putzschicht angebracht wurden. Diese Zeichnungen wurden mit rotem Ocker angefertigt, der in der Nähe der Stadt Sinop an der Schwarzmeerküste aus Ton abgebaut wurde. Nach dem Namen der Stadt hieß die Farbe Sinop oder Sinopia, später wurden die Zeichnungen selbst so genannt. Sinopia wurde in der italienischen Malerei vom 13. bis Mitte des 15. Jahrhunderts verwendet. Allerdings griffen nicht alle Maler auf die Hilfe von Sinopia zurück - zum Beispiel Giotto di Bondone, der prominenteste Vertreter der Epoche der Proto-Renaissance, verzichtete auf sie. Allmählich wurde die Synopie aufgegeben. Ab Mitte des 15. Jahrhunderts. Kartons wurden häufig in der Malerei verwendet - vorbereitende Zeichnungen auf Papier oder Stoff in der Größe zukünftiger Werke. Die Konturen der Zeichnung wurden mit Hilfe von Kohlenstaub auf nassen Putz übertragen. Es wurde durch die in die Kontur gestochenen Löcher geblasen und mit einem scharfen Werkzeug in den Putz gedrückt. Manchmal wurde aus einer Skizzenskizze eine fertige monumentale Zeichnung, und Kartons erlangten den Wert eigenständiger Gemälde.

Begründer des neuen italienischen Malstils ist Cimabue (eigentlich Cenny di Pepo, ca. 1240 - ca. 1302). Cimabue war in Florenz als Meister feierlicher Altarbilder und Ikonen berühmt. Seine Bilder zeichnen sich durch Abstraktion und statischen Charakter aus. Und obwohl Cimabue in seiner Arbeit byzantinischen Traditionen folgte, versuchte er in seinen Werken, irdische Gefühle auszudrücken und die Starrheit des byzantinischen Kanons aufzuweichen.
Piero Cavallini (zwischen 1240 und 1250 - um 1330) lebte und arbeitete in Rom. Er ist der Autor der Mosaiken der Kirche Santa Maria in Trastevere (1291) sowie der Fresken der Kirche Santa Cecilia in Trastevere (um 1293). Cavallini gab den Formen in seinen Werken Volumen und Greifbarkeit.
Errungenschaften, die Cavallini angenommen und fortgesetzt hat Giotto di Bondone(1266 oder 1267 - 1337), der größte Künstler der Proto-Renaissance. Der Name Giotto ist mit einer Wendung in der Entwicklung der italienischen Malerei, ihrem Bruch mit mittelalterlichen Kunstkanonen und den Traditionen der italo-byzantinischen Kunst des 13. Jahrhunderts verbunden. Am meisten Berühmte Werke Giotto - Fresken in der Arena-Kapelle in Padua (1304-06). Die Fresken zeichnen sich durch ihre Klarheit, unkomplizierte Erzählung und das Vorhandensein alltäglicher Details aus, die den dargestellten Szenen Lebendigkeit und Natürlichkeit verleihen. Giotto lehnt den Kirchenkanon ab, der die Kunst dieser Zeit dominierte, und stellt seine Charaktere so dar, dass sie echten Menschen ähneln: mit proportionalen, gedrungenen Körpern, runden (statt länglichen) Gesichtern, dem korrekten Augenschnitt usw. Seine Heiligen schweben nicht über dem Boden, sondern stehen mit beiden Beinen fest darauf. Sie denken mehr an das Irdische als an das Himmlische und erleben ganz menschliche Gefühle und Emotionen. Erstmals in der Geschichte der italienischen Malerei wird die Befindlichkeit der Helden eines Gemäldes durch Mimik, Gestik, Körperhaltung vermittelt. Anstelle des traditionellen goldenen Hintergrunds zeigen Giottos Fresken Landschaften, Interieurs oder Skulpturengruppen an den Fassaden von Basiliken.
In der zweiten Hälfte des XIV Jahrhunderts. die malerische Schule von Siena tritt in den Vordergrund. Der größte und raffinierteste Meister der sienesischen Malerei des 14. Jahrhunderts. war Simone Martini (ca. 1284-1344). Der Pinsel von Simone Martini besitzt das erste Bild in der Kunstgeschichte eines Betons Historisches Ereignis mit einem Porträt eines Zeitgenossen. Dieses Bild " Condottiere Guidoriccio da Fogliano"im Mappamondo-Raum (Weltkarten) im Palazzo Publico (Siena), der der Prototyp für zahlreiche zukünftige Reiterporträts war. Das Altarbild Die Verkündigung von Simone Martini, das heute in den Uffizien in Florenz aufbewahrt wird, genießt wohlverdienten Ruhm.

Merkmale der Renaissance. Proto-Renaissance

Merkmale der Renaissance

Frührenaissance

Im XV Jahrhundert. Die Kunst Italiens nahm eine beherrschende Stellung im künstlerischen Leben Europas ein. In Florenz wurden die Grundlagen einer humanistischen weltlichen (also nicht kirchlichen) Kultur gelegt, die Siena und Pisa in den Hintergrund drängte. Die politische Macht gehörte hier Kaufleuten und Handwerkern, den stärksten Einfluss auf die Angelegenheiten der Stadt übten mehrere wohlhabende Familien aus, die ständig miteinander konkurrierten. Dieser Kampf endete Ende des 14. Jahrhunderts. Sieg des Bankhauses Medici. Sein Oberhaupt, Cosimo de' Medici, wurde der unausgesprochene Herrscher von Florenz. Schriftsteller, Dichter, Wissenschaftler, Architekten und Künstler strömten zum Hof ​​von Cosimo Medici. Die Renaissancekultur von Florenz erreichte ihren Höhepunkt unter Lorenzo de' Medici, der den Spitznamen „der Prächtige“ trug. Lorenzo war ein großer Förderer der Künste und Wissenschaften, der Schöpfer der Platonischen Akademie, wo sich die herausragenden Köpfe Italiens, Dichter und Philosophen versammelten, wo raffinierte Debatten geführt wurden, die Geist und Verstand erhoben.

Die Architektur

Unter Cosimo und Lorenzo Medici fand eine wahre Revolution in der Architektur von Florenz statt: Hier wurden umfangreiche Bauarbeiten in Angriff genommen, die das Gesicht der Stadt erheblich veränderten. Der Vorfahre der Renaissance-Architektur in Italien war Filippo Brunelleschi(1377-1446) - Architekt, Bildhauer und Wissenschaftler, einer der Schöpfer der wissenschaftlichen Theorie der Perspektive. Brunelleschis größte Ingenieursleistung war der Bau der Kuppel. Kathedrale Santa Maria del Fiore in Florenz. Dank seines mathematischen und technischen Genies gelang es Brunelleschi, das schwierigste Problem seiner Zeit zu lösen. Die Hauptschwierigkeit, mit der der Meister konfrontiert war, war die riesige Spannweite des Mittelkreuzes (42 m), die besondere Anstrengungen erforderte, um das Spreizen zu erleichtern. Brunelleschi löste das Problem mit einem ausgeklügelten Design: eine leichte, hohle Kuppel aus zwei Schalen, ein Rahmensystem aus acht tragenden Rippen, die durch sie umgebende Ringe verbunden sind, eine leichte Laterne, die den Bogen schloss und belastete. Die Kuppel der Kathedrale Santa Maria del Fiore wurde zum Vorläufer zahlreicher Kuppelkirchen in Italien und anderen europäischen Ländern.

Brunelleschi war einer der ersten in der Architektur Italiens, der das alte Ordnungssystem ( Ospedale degli Innocenti (Unterkunft für Findelkinder), 1421-44), markierte den Beginn der Entstehung von Kuppelkirchen nach antiker Ordnung ( Kirche San Lorenzo ). Ein wahres Juwel der Frührenaissance wurde von Brunelleschi im Auftrag einer wohlhabenden Florentiner Familie geschaffen Pazzi-Kapelle(begonnen 1429). Der Humanismus und die Poesie von Brunelleschis Werk, die harmonischen Proportionen, die Leichtigkeit und Eleganz seiner Gebäude, die Verbindung mit den Traditionen der Gotik, die kreative Freiheit und die wissenschaftliche Gültigkeit seiner Ideen bestimmten Brunelleschis großen Einfluss auf die spätere Entwicklung der Renaissance-Architektur.

Eine der wichtigsten Errungenschaften der italienischen Architektur des 15. Jahrhunderts. war die Schaffung eines neuen Typus von Stadtpalästen, des Palazzo, der als Vorbild für öffentliche Bauten späterer Zeit diente. Merkmale des Palazzo aus dem 15. Jahrhundert sind eine klare Gliederung des geschlossenen Baukörpers in drei Geschosse, ein offener Innenhof mit sommerlichen Bodenarkaden, die Verwendung von Rost (Stein mit grob abgeschrägter oder konvexer Stirnfläche) für die Fassadenverkleidung sowie ein stark verlängertes Ziergesims . Ein markantes Beispiel dieses Stils ist der Kapitellbau von Brunelleschis Schüler Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), dem Hofarchitekten der Familie Medici, - Palazzo Medici - Riccardi (1444-60), die als Vorbild für den Bau vieler florentinischer Paläste diente. Die Entstehung von Michelozzo steht kurz bevor Palazzo Strozzi(gegründet 1481), die mit dem Namen des Architekten und Bildhauers Benedetto da Maiano (1442-97) verbunden ist.

Einen besonderen Platz in der Geschichte der italienischen Architektur nimmt ein Leon Battista Alberti(1404-72). Als umfassend begabter und umfassend gebildeter Mann war er einer der brillantesten Humanisten seiner Zeit. Das Spektrum seiner Interessen war ungewöhnlich vielfältig. Es umfasste Moral und Recht, Mathematik, Mechanik, Wirtschaft, Philosophie, Poesie, Musik, Malerei, Bildhauerei und Architektur. Als brillanter Stylist hinterließ Alberti zahlreiche Werke in lateinischer und italienischer Sprache. In Italien und im Ausland erwarb sich Alberti den Ruf eines herausragenden Kunsttheoretikers. Die berühmten Abhandlungen „Zehn Bücher über Architektur“ (1449-52), „Über die Malerei“, „Über die Statue“ (1435-36) stammen aus seiner Feder. Aber die Architektur war Albertis Hauptberuf. In der architektonischen Arbeit tendierte Alberti zu mutigen, experimentellen Lösungen, die das alte künstlerische Erbe innovativ nutzten. Alberti schuf einen neuartigen Stadtpalast ( Palazzo Rucellai ). In der religiösen Architektur, die nach Größe und Einfachheit strebte, verwendete Alberti Motive römischer Triumphbögen und Arkaden bei der Gestaltung von Fassaden ( Kirche Sant’Andrea in Mantua, 1472-94). Der Name Alberti gilt zu Recht als einer der ersten unter den großen Schöpfern der Kultur der italienischen Renaissance.

Skulptur

Im XV Jahrhundert. Die italienische Skulptur, die unabhängig von der Architektur eine eigenständige Bedeutung erlangt hat, blüht auf. Aufträge für die Dekoration öffentlicher Gebäude beginnen in die Praxis des künstlerischen Lebens einzudringen; Kunstwettbewerbe stattfinden. Einer dieser Wettbewerbe – für die Herstellung von Bronze für die zweite Nordtür des Florentiner Baptisteriums (1401) – gilt als ein bedeutendes Ereignis, das eine neue Seite in der Geschichte der italienischen Renaissance-Skulptur aufgeschlagen hat. Den Sieg errang Lorenzo Ghiberti (1381-1455).

Als einer der gebildetsten Menschen seiner Zeit, der erste Historiker der italienischen Kunst, ein brillanter Zeichner, widmete Ghiberti sein Leben einer Art von Skulptur - dem Relief. Als Hauptprinzip seiner Kunst betrachtete Ghiberti das Gleichgewicht und die Harmonie aller Elemente des Bildes. Der Höhepunkt von Ghibertis Arbeit war Osttüren der Taufkapelle von Florenz (1425-52), der den Namen des Meisters verewigte. Die Dekoration der Türen umfasst zehn quadratische Kompositionen aus vergoldeter Bronze (" Erschaffung von Adam und Eva“), die mit ihrer ungewöhnlichen Ausdruckskraft an malerische Gemälde erinnern. Dem Künstler gelang es, die Tiefe des Raums zu vermitteln, der mit Naturbildern, Menschenfiguren und architektonischen Strukturen gesättigt war. Mit der leichten Hand von Michelangelo begannen die östlichen Türen des Florentiner Baptisteriums aufgerufen zu werden "Tore des Paradieses".

Die Ghiberti-Werkstatt wurde zur Schule für eine ganze Generation von Künstlern, insbesondere der berühmte Donatello, der große Reformator der italienischen Bildhauerei, arbeitete dort. Das Werk von Donatello (ca. 1386-1466), das die demokratischen Traditionen der Kultur von Florenz im 14. Jahrhundert aufnahm, ist einer der Höhepunkte in der Entwicklung der Kunst der Frührenaissance. Sie verkörperte die Suche nach neuen, realistischen Mitteln der Wirklichkeitsdarstellung, die charakteristisch für die Kunst der Renaissance war, Aufmerksamkeit zum Menschen und seiner geistigen Welt. Der Einfluss von Donatellos Werk auf die Entwicklung der italienischen Renaissancekunst war enorm.

Die zweite Generation florentinischer Bildhauer tendierte zu einer lyrischeren, friedlicheren, weltlichen Kunst. Die Hauptrolle darin gehörte der Bildhauerfamilie della Robbia. Das Familienoberhaupt Lucca della Robbia (1399/1400 - 1482) wurde durch die Verwendung der Glasurtechnik in Rundskulpturen und Reliefs berühmt. Die Technik der Glasur (Majolika), die den Völkern Kleinasiens seit der Antike bekannt ist, wurde im Mittelalter auf die Iberische Halbinsel und die Insel Mallorca (daher ihr Name) gebracht und dann in Italien weit verbreitet. Lucca della Robbia schuf Medaillons mit Reliefs auf tiefblauem Hintergrund für Gebäude und Altäre, Girlanden aus Blumen und Früchten, Majolika-Büsten der Madonna, Christus und Heiligen. Die fröhliche, elegante, freundliche Kunst dieses Meisters erhielt eine wohlverdiente Anerkennung seiner Zeitgenossen. Große Perfektion in der Majolika-Technik vollbrachte auch sein Neffe Andrea della Robbia (1435-1525) ( Reliefs an der Fassade des Ospedale degli Innocenti).

Malen

Die große Rolle, die Brunelleschi in der Architektur der Frührenaissance und Donatello in der Bildhauerei spielte, gehörte Masaccio (1401-1428) in der Malerei. Masaccio starb jung, bevor er 27 Jahre alt wurde, und dennoch gelang es ihm, viel in der Malerei zu tun. Der berühmte Kunsthistoriker Vipper sagte: „Masaccio ist eines der unabhängigsten und konsequentesten Genies in der Geschichte der europäischen Malerei, der Begründer eines neuen Realismus ...“ Masaccio setzt die Suche nach Giotto fort und bricht kühn mit mittelalterlichen künstlerischen Traditionen. In Fresko "Dreifaltigkeit"(1426-27), geschaffen für die Kirche Santa Maria Novella in Florenz, verwendet Masaccio zum ersten Mal in der Wandmalerei die volle Perspektive. In den Wandmalereien der Brancacci-Kapelle der Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz (1425-28) – der Hauptschöpfung seines kurzen Lebens – verleiht Masaccio den Bildern eine beispiellose Lebendigkeit, betont die Körperlichkeit und Monumentalität seiner Figuren, vermittelt sie meisterhaft der emotionale Zustand der psychologischen Tiefe der Bilder. In Fresko „Vertreibung aus dem Paradies“ Der Künstler löst die schwierigste Aufgabe seiner Zeit, eine nackte menschliche Figur darzustellen. Die harte und mutige Kunst von Masaccio hatte einen großen Einfluss auf die künstlerische Kultur der Renaissance.

Die Entwicklung der Malerei der Frührenaissance war zwiespältig: Die Künstler gingen ihre eigenen, manchmal auf unterschiedliche Weise. Der weltliche Anfang, der Wunsch nach einer faszinierenden Erzählung, das lyrische Erdgefühl fanden in den Werken von Fra Filippo Lippi (1406-69), einem Mönch des Karmeliterordens, lebendigen Ausdruck. Charmanter Meister, Autor vieler Altarkompositionen, unter denen das Bild als das beste gilt « Anbetung des Kindes » erstellt für die Kapelle in Palazzo Medici - Riccardi gelang es Filippo Lippi, in ihnen menschliche Wärme und poetische Liebe zur Natur zu vermitteln.

In der Mitte des XV Jahrhunderts. erlebte die Malerei Mittelitaliens eine rasante Blüte, ein Paradebeispiel welche Kreativität dienen kann Piero della Francesca(1420-92), der größte Künstler und Kunsttheoretiker der Renaissance. Die bemerkenswerteste Kreation von Piero della Francesca - Freskenzyklus in der Kirche San Francesco in Arezzo, die auf der Legende vom lebensspendenden Baum des Kreuzes basieren. Die in drei Ebenen angeordneten Fresken zeichnen die Geschichte des lebensspendenden Kreuzes von den Anfängen nach, als aus dem Samen des Paradiesbaums der Erkenntnis von Gut und Böse auf Adams Grab ein heiliger Baum wächst. ("Tod von Adam") bis zum Ende, wenn der byzantinische Kaiser Heraklius die christliche Reliquie feierlich nach Jerusalem zurückbringt (« Kampf zwischen Heraclius und Chosroes » ). Das Werk von Piero della Francesca ging über die lokalen Malschulen hinaus und bestimmte die Entwicklung der italienischen Kunst im Allgemeinen.

In der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts arbeiteten viele talentierte Handwerker in Norditalien in den Städten Verona, Ferrara und Venedig. Unter den Malern dieser Zeit ist Andrea Mantegna (1431-1506) der berühmteste – ein Meister der Staffelei- und Monumentalmalerei, Zeichner und Kupferstecher, Bildhauer und Architekt. Die Bildsprache des Künstlers zeichnet sich durch das Jagen von Formen und Zeichnungen, die Strenge und Wahrhaftigkeit verallgemeinerter Bilder aus. Durch die räumliche Tiefe und den skulpturalen Charakter der Figuren erreicht Mantegna den Eindruck einer für einen Moment eingefrorenen realen Szene – so voluminös und natürlich wirken seine Figuren. Die meiste Zeit seines Lebens lebte Mantegna in Mantua, wo er sein berühmtestes Werk schuf - Wandbild "Chamber degli Sposi" im Landschloss des Marquis L. Gonzaga. Allein durch Malerei schuf er hier ein luxuriöses Renaissance-Interieur, einen Ort für feierliche Empfänge und Feiertage. Die Kunst Mantegnas, die sich großer Berühmtheit erfreute, beeinflusste die gesamte norditalienische Malerei.

Ein besonderer Platz in der Malerei kommt der Frührenaissance zu Sandro Botticelli(eigentlich Alessandro di Mariano Filipepi), der 1445 in Florenz in der Familie eines wohlhabenden Ledergerbers geboren wurde. 1459-64. der junge Mann studiert Malerei bei dem berühmten Florentiner Meister Filippo Lippi. 1470 eröffnete er seine eigene Werkstatt in Florenz, und 1472 wurde er Mitglied der Lukasgilde.

Die erste Kreation von Botticelli war die Komposition "Strength", die er für den Kaufmannshof von Florenz aufführte. Der junge Künstler gewann schnell das Vertrauen der Kunden und erlangte Berühmtheit, was die Aufmerksamkeit von Lorenzo dem Prächtigen, dem neuen Herrscher von Florenz, auf sich zog, der sein Hofmeister und Liebling wurde. Botticelli fertigte die meisten seiner Gemälde für die Häuser des Herzogs und anderer florentinischer Adelsfamilien sowie für Kirchen, Klöster und öffentliche Gebäude in Florenz an.

Zweite Hälfte der 1470er und 1480er Jahre wurde für Botticelli zu einer Zeit kreativer Blüte. Für die Hauptfassade der Kirche Santa Maria Novella schreibt er die Komposition „ Anbetung der Könige"- eine Art mythologisiert Gruppenporträt die Medici-Familie. Wenige Jahre später erschafft der Künstler seine berühmte mythologische Allegorie „Frühling“.

1481 befahl Papst Sixtus IV. einer Gruppe von Malern, darunter Botticelli, seine Kapelle mit Fresken zu schmücken, die später den Namen „Sixtinische Kirche“ erhielten. Fresken in der Sixtinischen Kapelle von Botticelli Versuchung Christi », « Szenen aus dem Leben Moses », « Bestrafung von Korea, Datan und Aviron". In den nächsten Jahren vollendete Botticelli eine Serie von 4 Fresken basierend auf Kurzgeschichten aus Boccaccios Decameron, schuf seine berühmtesten mythologischen Werke („Die Geburt der Venus“, „ Pallas und Centaur“), sowie mehrere Altarkompositionen für Florentiner Kirchen („ Krönung der Jungfrau Maria », « Altar von San Barnaba"). Oft wandte er sich dem Bild der Madonna zu (" Madonna del Magnificat », « Madonna mit Granatapfel », « Madonna mit einem Buch“), arbeitete auch im Porträtgenre („ Porträt von Giuliano Medici“, „Porträt einer jungen Frau“, „Porträt eines jungen Mannes“).

In den 1490er Jahren, während der Zeit der sozialen Bewegungen, die Florenz und die mystischen Predigten des Mönchs Savonarola erschütterten, tauchen in der Kunst von Botticelli („Verleumdung“, „ Klage für Christus », « mystische weihnachten"). Unter dem Einfluss von Savonarola zerstörte der Künstler in einem Anfall religiöser Begeisterung sogar einige seiner Werke. Mitte der 1490er Jahre, mit dem Tod von Lorenzo dem Prächtigen und der Vertreibung seines Sohnes Pietro aus Florenz, verlor Botticelli seinen Ruhm als großer Künstler. Vergessen lebt er still und leise sein Leben im Haus von Bruder Simon. 1510 starb der Künstler.

Die exquisite Kunst Botticellis mit Elementen der Stilisierung (d.h. Verallgemeinerung von Bildern mit konventionellen Techniken – Vereinfachung von Farbe, Form und Volumen) gilt als einer der Höhepunkte der Entwicklung der Malerei. Anders als die meisten Meister der frühen Renaissance basierte Botticellis Kunst auf persönlichen Erfahrungen. Außergewöhnlich sensibel und aufrichtig ging Botticelli einen schwierigen und tragischen Weg der kreativen Suche durch – von der poetischen Wahrnehmung der Welt in seiner Jugend bis zur Mystik und religiösen Erhebung im Erwachsenenalter.

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Hochrenaissance

Die Hochrenaissance, die der Menschheit so große Meister gab wie Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione, Tizian, Bramante, umfasst einen relativ kurzen Zeitraum - das Ende des 15. und das erste Drittel des 16. Jahrhunderts. Nur in Venedig hielt die Blüte der Kunst bis Mitte des Jahrhunderts an.

Grundlegende Verschiebungen im Zusammenhang mit den entscheidenden Ereignissen der Weltgeschichte, den Erfolgen fortschrittlichen wissenschaftlichen Denkens, endlos erweiterten Vorstellungen der Menschen von der Welt - nicht nur von der Erde, sondern auch vom Weltraum. Die Wahrnehmung der Welt und der menschlichen Persönlichkeit schien erweitert; In der künstlerischen Kreativität spiegelte sich dies nicht nur in der majestätischen Größe architektonischer Strukturen, Denkmäler, feierlicher Freskenzyklen und Gemälde wider, sondern auch in ihrem Inhalt und ihrer Ausdruckskraft von Bildern. Die Kunst der Hochrenaissance ist ein lebendiger und komplexer künstlerischer Prozess mit schillernden Aufschwüngen und nachfolgenden Krisen.

Donato Bramante.

Rom wurde zum Zentrum der Architektur der Hochrenaissance, wo ein einziger klassischer Stil auf der Grundlage früherer Entdeckungen und Erfolge geformt wurde. Die Meister nutzten das alte Ordnungssystem kreativ und schufen Strukturen, deren majestätische Monumentalität im Einklang mit der Ära stand. Donato Bramante (1444-1514) wurde zum größten Vertreter der Architektur der Hochrenaissance. Monumentalität und Erhabenheit, harmonische Perfektion der Proportionen, Integrität und Klarheit kompositorischer und räumlicher Lösungen sowie freier, kreativer Umgang mit klassischen Formen zeichnen Bramantes Bauten aus. Die höchste kreative Leistung von Bramante ist die Rekonstruktion des Vatikans (der Architekt hat tatsächlich ein neues Gebäude geschaffen, das organisch verstreute alte Gebäude darin enthält). Bramante verfasste auch das Design des Petersdoms in Rom. Mit seinem Werk bestimmte Bramante die Entwicklung der Architektur im 16. Jahrhundert.

Leonardo da Vinci.

In der Geschichte der Menschheit ist es nicht einfach, eine andere Person zu finden, die so brillant ist wie der Begründer der Kunst der Hochrenaissance. Leonardo da Vinci(1452-1519). Der umfassende Charakter der Aktivitäten dieses großen Künstlers, Bildhauers, Architekten, Wissenschaftlers und Ingenieurs wurde erst deutlich, als die verstreuten Manuskripte aus seinem Nachlass untersucht wurden, die über siebentausend Blätter mit wissenschaftlichen und architektonischen Projekten, Erfindungen und Skizzen umfassten. Es ist schwierig, den Wissensbereich zu benennen, den sein Genie nicht berührt hätte. Der Universalismus Leonardos ist so unverständlich, dass der berühmte Biograph der Renaissance-Figuren, Giorgio Vasari, dieses Phänomen nicht anders als durch das Eingreifen des Himmels erklären konnte: „Was auch immer sich dieser Mann zuwendet, jede seiner Handlungen trägt den Stempel der Göttlichkeit.“

In seiner berühmten „Abhandlung über die Malerei“ (1498) und anderen Notizen widmete Leonardo dem Studium des menschlichen Körpers, Informationen über Anatomie, Proportionen, die Beziehung zwischen Bewegungen, Gesichtsausdrücken und dem emotionalen Zustand einer Person große Aufmerksamkeit. Leonardo beschäftigte sich auch mit den Problemen des Helldunkels, der volumetrischen Modellierung, der linearen und der Luftperspektive. Leonardo würdigte nicht nur die Kunsttheorie. Er schuf eine Reihe prächtiger Altarbilder und Porträts. Leonardos Pinsel gehört zu einem der berühmtesten Werke der Weltmalerei - "Mona Lisa" ("La Gioconda"). Leonardo schuf monumentale skulpturale Bilder, entwarf und baute architektonische Strukturen. Leonardo ist bis heute eine der charismatischsten Persönlichkeiten der Renaissance. Eine Vielzahl von Büchern ist ihm gewidmet, sein Leben wird aufs Detail untersucht. Und dennoch bleibt vieles in seinem Werk ein Mysterium und erregt weiterhin die Köpfe der Menschen.

Raffael Santi.

Auch die Kunst von Raphael Santi (1483-1520) gehört zu den Höhepunkten der italienischen Renaissance. Die Idee von erhabener Schönheit und Harmonie ist mit dem Werk Raffaels in der Geschichte der Weltkunst verbunden. Es ist allgemein anerkannt, dass in der Konstellation der brillanten Meister der Hochrenaissance Raffael der Hauptträger der Harmonie war. Das unermüdliche Streben nach einem hellen, perfekten Anfang durchzieht das gesamte Werk Raffaels, macht seinen inneren Sinn aus. Seine Arbeiten sind in ihrer natürlichen Eleganz außerordentlich reizvoll (" Sixtinische Madonna"). Vielleicht erlangte der Meister deshalb eine so außerordentliche Popularität beim Publikum und hatte zu allen Zeiten viele Anhänger unter den Künstlern. Raphael war nicht nur ein großartiger Maler, Porträtmaler, sondern auch ein Wandmaler, der in der Freskentechnik arbeitete, ein Architekt und ein Dekorateur. All diese Talente manifestierten sich besonders eindrucksvoll in seinen Gemälden der Gemächer von Papst Julius II. im Vatikan ("Schule von Athen"). In der Kunst eines brillanten Künstlers wurde ein neues Bild eines Renaissance-Menschen geboren – schön, harmonisch, körperlich und geistig perfekt.

Michelangelo Bonarotti.

Zeitgenössisch Leonardo da Vinci und Rafael war ihr ewiger Rivale - Michelangelo Buonarroti , größter Meister Hochrenaissance - Bildhauer, Maler, Architekt und Dichter. Dieser Titan der Renaissance begann seine Karriere mit der Bildhauerei. Seine kolossalen Statuen sind zum Symbol eines neuen Menschen geworden – eines Helden und Kämpfers („David“). Der Meister errichtete viele architektonische und skulpturale Strukturen, von denen die berühmteste die Medici-Kapelle in Florenz ist. Die Pracht dieser Werke beruht auf der kolossalen Spannung der Gefühle der Charaktere ( Sarkophag von Giuliano de' Medici). Besonders berühmt sind aber die Gemälde von Michelangelo im Vatikan, in der Sixtinischen Kapelle, in denen er sich als brillanter Maler bewies. Vielleicht hat niemand in der Welt der Kunst, weder vor noch nach Michelangelo, Charaktere geschaffen, die an Körper und Geist so stark sind („ Erschaffung Adams"). Das riesige, unglaublich komplexe Fresko an der Decke wurde vom Künstler allein, ohne Assistenten, geschaffen; Bis heute ist es ein unübertroffenes Monumentalwerk der italienischen Malerei. Doch neben den Wandmalereien an der Decke der Sixtinischen Kapelle schuf der Meister bereits im hohen Alter das ungemein inspirierende „Jüngste Gericht“ – ein Symbol für den Zusammenbruch der Ideale seiner großen Zeit.

Michelangelo arbeitete viel und erfolgreich in der Architektur, insbesondere überwachte er den Bau des Petersdoms und des Ensembles Kapitolsplatz in Rom. Das Werk des großen Michelangelo stellte eine ganze Ära dar und war seiner Zeit weit voraus, es spielte eine kolossale Rolle in der Weltkunst, insbesondere beeinflusste es die Bildung der Prinzipien des Barock.

Giorgione und Tizian.

In der Kunstgeschichte der Hochrenaissance hat Venedig eine helle Seite betreten, wo die Malerei auf ihrem Höhepunkt ist. Giorgione gilt als der erste Meister der Hochrenaissance in Venedig. Seine Kunst ist etwas ganz Besonderes. Der Geist klarer Harmonie und einer besonderen intimen Kontemplation und Träumerei herrscht darin. Er schrieb oft entzückende Schönheiten, echte Göttinnen. Normalerweise ist dies eine poetische Fiktion - die Verkörperung eines Wunschtraums, Bewunderung für ein romantisches Gefühl und eine schöne Frau. In seinen Gemälden gibt es einen Hauch von sinnlicher Leidenschaft, süßem Vergnügen, überirdischem Glück. Mit der Kunst von Giorgione erlangte die venezianische Malerei eine gesamtitalienische Bedeutung und betonte ihre künstlerischen Merkmale.

Tizian ein ging als Titan und Oberhaupt der venezianischen Schule, als Symbol ihrer Blütezeit, in die Geschichte der italienischen Kunst ein. Im Werk dieses Künstlers manifestierte sich der Atem einer neuen Zeit mit besonderer Kraft - stürmisch, tragisch, sinnlich. Tizians Werk zeichnet sich durch eine außergewöhnlich breite und vielseitige Abdeckung von Typen und Gattungen der Malerei aus. Tizian war einer der Begründer der monumentalen Altarmalerei, der Landschaft als eigenständiges Genre, verschiedener Arten von Porträts, darunter auch feierlich-zeremonieller. In seinem Werk koexistieren Idealbilder mit lebhaften Charakteren, tragische Konflikte mit Szenen jubelnder Freude, religiöse Kompositionen mit mythologischen und historischen Gemälden.

Tizian entwickelte eine neue Maltechnik, die einen außerordentlichen Einfluss auf die weitere Entwicklung der bildenden Kunst der Welt bis ins 20. Jahrhundert hatte. Tizian gehört zu den größten Koloristen der Weltmalerei. Seine Gemälde glänzen mit Gold und einem komplexen Spektrum vibrierender, leuchtender Farbtöne. Tizian, der fast ein Jahrhundert lebte, überlebte den Zusammenbruch der Renaissance-Ideale, das Werk des Meisters gehört zur Hälfte der Ära Spätrenaissance. Sein Held, der in den Kampf gegen feindliche Mächte eintritt, stirbt, behält aber seine Größe. Der Einfluss von Tizians großer Werkstatt beeinflusste die gesamte venezianische Kunst.

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Spätrenaissance

In der zweiten Hälfte des XVI Jahrhunderts. In Italien nahm der Niedergang von Wirtschaft und Handel zu, der Katholizismus trat in einen Kampf mit der humanistischen Kultur, die Kunst befand sich in einer tiefen Krise. Es verstärkte die im Manierismus verkörperten Anti-Renaissance-Tendenzen. Venedig, das in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts zum Hauptzentrum der Kunst der Spätrenaissance wurde, war jedoch vom Manierismus fast nicht betroffen. In Anlehnung an die hochhumanistische Renaissance-Tradition entwickelte sich unter den neuen historischen Bedingungen in Venedig das um neue Formen bereicherte Werk der großen Meister der Spätrenaissance - Palladio, Veronese, Tintoretto.

Andrea Palladio

Das Werk des norditalienischen Architekten Andrea Palladio (1508-80), das auf einem tiefen Studium der Architektur der Antike und der Renaissance basiert, ist einer der Höhepunkte der Kunst der Spätrenaissance. Palladio entwickelte die Prinzipien der Architektur, die in der Architektur des europäischen Klassizismus des 17.-18. Jahrhunderts entwickelt wurden. und erhielt den Namen Palladianismus. Der Architekt skizzierte seine Ideen in der theoretischen Arbeit Four Books on Architecture (1570). Die Bauten von Palladio (hauptsächlich Stadtpaläste und Villen) sind voll anmutiger Schönheit und Natürlichkeit, harmonischer Vollständigkeit und strenger Ordnung, sie zeichnen sich durch Klarheit und Zweckmäßigkeit der Planung und eine organische Verbindung mit der Umgebung aus ( Palazzo Chiericati). Die Fähigkeit, die Architektur mit der umgebenden Landschaft in Einklang zu bringen, manifestierte sich besonders stark in den Palladio-Villen, die von einem elegischen und erleuchteten Naturgefühl durchdrungen und von klassischer Klarheit und Einfachheit in Form und Komposition geprägt waren ( Villa Capra (Rotonda)). Palladio schuf das erste monumentale Theatergebäude Italiens, das Teatro Olimpico. Der Einfluss von Palladio auf die Entwicklung der Architektur in den folgenden Jahrhunderten war enorm.

Veronese und Tintoretto..

Der festliche, lebensbejahende Charakter der venezianischen Renaissance manifestierte sich am deutlichsten im Werk von Paolo Veronese. Als Monumentalkünstler schuf er prächtige Schmuckensembles aus Wand- und Deckengemälden mit vielen Charakteren und unterhaltsamen Details. Veronese erstellt eigener Stil: Seine spektakulären, spektakulären Gemälde sind voller Emotionen, Leidenschaft und Leben, und die Helden, der venezianische Adel, befinden sich normalerweise in Patrizierpalästen oder vor der Kulisse üppiger Natur. Sie werden von grandiosen Festen oder bezaubernden Festlichkeiten („Hochzeit zu Kana“) mitgerissen. Veronese war der Meister des fröhlichen Venedigs, seiner Triumphe, der Dichter seines goldenen Glanzes. Veronese hatte eine außergewöhnliche Begabung als Kolorist. Seine Farben sind lichtdurchflutet, intensiv und verleihen Objekten nicht nur Farbe, sondern sie werden selbst zum Objekt, werden zu Wolken, Stoffen, einem menschlichen Körper. Aus diesem Grund wird die wahre Schönheit von Figuren und Objekten durch die Schönheit von Farbe und Textur multipliziert, was eine starke emotionale Wirkung auf den Betrachter ausübt.

Das komplette Gegenteil von Veronese war sein Zeitgenosse Tintoretto (1518-94) – der letzte große Meister der italienischen Renaissance. Die Fülle äußerer künstlerischer Einflüsse löste sich in der einzigartigen gestalterischen Individualität Tintorettos auf. In seiner Arbeit war er eine gigantische Figur, der Schöpfer von vulkanischem Temperament, heftigen Leidenschaften und heroischer Intensität. Seine Arbeit war sowohl bei Zeitgenossen als auch bei nachfolgenden Generationen ein großer Erfolg. Tintoretto zeichnete sich durch eine wirklich unmenschliche Arbeitsfähigkeit und unermüdliche Suche aus. Er empfand die Tragödie seiner Zeit schärfer und tiefer als die meisten seiner Zeitgenossen. Der Meister rebellierte gegen die etablierten Traditionen in der bildenden Kunst - die Einhaltung von Symmetrie, strengem Gleichgewicht, Statik; erweiterte die Grenzen des Raums, sättigte ihn mit Dynamik, dramatischer Handlung, begann, menschliche Gefühle lebhafter auszudrücken. 1590 . Die manieristische Kunst weicht von den Idealen der Renaissance ab harmonische Wahrnehmung Frieden. Der Mensch ist übernatürlichen Mächten ausgeliefert. Die Welt erscheint instabil, wackelig, im Verfall. Manieristische Bilder sind voller Angst, Unruhe, Anspannung. Der Künstler entfernt sich von der Natur, strebt danach, sie zu übertreffen, und folgt in seiner Arbeit einer subjektiven „inneren Idee“, deren Grundlage nicht die reale Welt, sondern die schöpferische Vorstellungskraft ist; das leistungsmittel ist die "schöne art" als summe bestimmter techniken. Dazu gehören die willkürliche Dehnung der Figuren, der komplexe Schlangenrhythmus, die Unwirklichkeit von fantastischem Raum und Licht und manchmal kalten, durchdringenden Farben.

Jacopo Pontormo (1494-1556) war der größte und begabteste Meister des Manierismus, ein Maler mit einem komplexen kreativen Schicksal. In seinem berühmtes Gemälde « Abstieg vom Kreuz» die komposition ist instabil, die figuren prätentiös gebrochen, die lichtfarben scharf. Francesco Mazzola, Spitzname Parmigianino (1503-40), liebte es, den Betrachter zu beeindrucken: So schrieb er beispielsweise sein „ Selbstporträt in einem konvexen Spiegel". Bewusste Überlegung zeichnet sein berühmtes Gemälde „ Madonna mit langem Hals ».

Der Medici-Hofmaler Agnolo Bronzino (1503-72) ist bekannt für seine zeremoniellen Porträts. Sie spiegelten die Ära der blutigen Gräueltaten und des moralischen Niedergangs wider, die die höchsten Kreise der italienischen Gesellschaft erfassten. Die edlen Kunden von Bronzino sind gleichsam durch eine unsichtbare Distanz vom Betrachter getrennt; die Steifheit ihrer Posen, die Unbewegtheit ihrer Gesichter, der Reichtum ihrer Kleidung, die Gesten ihrer schönen vorderen Hände – all dies ist wie eine äußere Hülle, die ein inneres fehlerhaftes Leben verbirgt. Auf dem Porträt von Eleonore von Toledo mit ihrem Sohn (um 1545) wird die Unnahbarkeit des kalten, unnahbaren Bildes dadurch verstärkt, dass die Aufmerksamkeit des Betrachters vollständig von dem flachen, großen Muster der prächtigen Brokatkleidung der Herzogin absorbiert wird. Der von den Manieristen geschaffene Typ des Hofporträts beeinflusste die Porträtkunst des 16.-17. Jahrhunderts. in vielen anderen europäischen Ländern.

Die Kunst des Manierismus war übergangsweise: Die Renaissance schwand in die Vergangenheit, die Zeit für ein neues Paneuropäer war gekommen künstlerischer Stil- Barock.

Kunst der nördlichen Renaissance.

Die Länder Nordeuropas hatten keine alte Vergangenheit, aber die Renaissancezeit sticht in ihrer Geschichte hervor: von der WendeXV – XVIfür die zweite HälfteXVIIJahrhundert. Diese Zeit zeichnet sich durch das Eindringen von Renaissance-Idealen in verschiedene Kulturbereiche und die allmähliche Veränderung ihres Stils aus. Wie in der Geburtsstätte der Renaissance veränderte in der Kunst der nördlichen Renaissance das Interesse an der realen Welt die Formen künstlerischer Kreativität. Die Kunst der nördlichen Länder war jedoch nicht vom Pathos der italienischen Malerei geprägt, die die Macht des Menschentitans verherrlichte. Die Bürger (die sogenannten wohlhabenden Städter) legten mehr Wert auf Integrität, Pflicht- und Worttreue, die Heiligkeit des Ehegelübdes und des Herdes. In bürgerlichen Kreisen entwickelte sich ein eigenes Menschenbild – klar, nüchtern, fromm und sachlich. Die Kunst der Bürger poetisiert den gewöhnlichen Durchschnittsmenschen und seine Welt - die Welt des Alltags und der einfachen Dinge.

Renaissance-Meister in den Niederlanden.

Neue Merkmale der Renaissancekunst tauchten vor allem in den Niederlanden auf, die eines der reichsten und am stärksten industrialisierten Länder Europas waren. Aufgrund ihrer umfangreichen internationale Beziehungen Die Niederlande akzeptierten neue Entdeckungen viel schneller als andere nordische Länder.

Renaissance-Stil in den Niederlanden eröffnet Jan van Eyck(1390-1441). Sein bekanntestes Werk ist Genter Altarbild, an dem der Künstler mit seinem Bruder zu arbeiten begann und nach seinem Tod weitere 6 Jahre alleine weiterarbeitete. Der für die Stadtkathedrale geschaffene Genter Altar ist eine zweistöckige Falte, auf deren 12 Brettern Bilder des Alltags, des Alltags (auf den äußeren Brettern, die beim Schließen der Falte sichtbar waren) und festlich, jubelnd, verklärt sind Leben (an den Innentüren, die während der kirchlichen Feiertage geöffnet erschienen). Dies ist ein Kunstdenkmal, das die Schönheit des irdischen Lebens verherrlicht. Van Eycks emotionales Gefühl – „die Welt ist wie ein Paradies“, von dem jedes Teilchen schön ist – kommt klar und deutlich zum Ausdruck. Der Künstler stützte sich auf viele Beobachtungen aus der Natur. Alle Figuren und Objekte haben dreidimensionales Volumen und Gewicht. Die Brüder Van Eyck gehörten zu den ersten, die die Möglichkeiten der Ölmalerei entdeckten; ab dieser Zeit beginnt die allmähliche Verdrängung der Tempera durch sie.

In der zweiten Hälfte von XvJahrhunderts voller politischer und religiöser Auseinandersetzungen sticht in der Kunst der Niederlande eine komplexe, eigentümliche Kunst hervor Hieronymus Bosch(1450?-1516). Dies ist ein sehr neugieriger Künstler mit einer außergewöhnlichen Vorstellungskraft. Er lebte in seiner eigenen und schrecklichen Welt. In Boschs Gemälden verdichten sich mittelalterliche Folkloredarstellungen, groteske Montagen von Lebendigem und Mechanischem, Schrecklichem und Komischem. In seinen Kompositionen, die kein Zentrum hatten, gibt es keine Hauptfigur. Der Raum in mehreren Schichten ist mit zahlreichen Gruppen von Figuren und Objekten gefüllt: monströs überhöhte Reptilien, Kröten, Spinnen, schreckliche Kreaturen, in denen Teile verschiedener Kreaturen und Objekte kombiniert sind. Die Kompositionen von Bosch dienen der moralischen Erbauung. Harmonie und Perfektion findet Bosch nicht in der Natur, seine dämonischen Bilder erinnern an die Vitalität und Allgegenwart des Weltübels, an den Kreislauf von Leben und Tod.

Der Mann in Boschs Gemälden ist erbärmlich und schwach. Also im Triptychon Beförderung von Heu» der künstler enthüllt die geschichte der menschheit. Der linke Flügel erzählt die Geschichte vom Fall Adams und Evas, der rechte zeigt die Hölle und all die Schrecken, die hier auf die Sünder warten. Der zentrale Teil des Bildes illustriert das Volkssprichwort "Die Welt ist ein Heuhaufen, jeder nimmt davon, was er ergattern kann." Bosch zeigt, wie Menschen um ein Stück Heu kämpfen, unter den Rädern eines Wagens sterben, versuchen, darauf zu klettern. Oben auf dem Wagen, der Welt entsagend, singen und küssen sich Liebende. Auf der einen Seite ist ein Engel und auf der anderen der Teufel: Wer wird gewinnen? Gruselige Kreaturen ziehen den Karren in die Unterwelt. Hinter all den Handlungen der Menschen schaut Gott verwirrt. Eine noch düsterere Stimmung wird durchdrungen von dem Bild " Das Kreuz tragen“: Christus trägt sein schweres Kreuz, umgeben von ekelhaften Menschen mit hervorquellenden Augen und aufgerissenen Mündern. Für sie opfert sich der Herr, aber sein Tod am Kreuz wird sie gleichgültig lassen.

Bosch war bereits gestorben, als ein anderer berühmter niederländischer Künstler geboren wurde - Pieter Brueghel der Ältere(1525-1569), Spitzname Muzhitsky für viele Gemälde, die das Leben der Bauern darstellen. Brueghel nahm Volkssprichwörter und Alltagssorgen gewöhnlicher Menschen als Grundlage für viele Handlungen. Die Vollständigkeit der Bilder der Gemälde " Bauernhochzeit" Und " Bauerntanz„trägt die Kraft der Elemente des Volkes. Sogar Brueghels Gemälde zu biblischen Szenen sind von den Niederlanden bewohnt, und die Ereignisse im fernen Judäa spielen sich vor der Kulisse schneebedeckter Straßen unter dem trüben Himmel seines Heimatlandes ab („ Predigt von Johannes dem Täufer"). Scheinbar unwichtig, nebensächlich, spricht der Künstler über die Hauptsache im Leben der Menschen, lässt den Zeitgeist wieder aufleben.

Eine kleine Leinwand Jäger im Schnee“ (Januar) aus der Serie „Die Jahreszeiten“ gilt als eines der unübertroffenen Meisterwerke der Weltmalerei. Müde Jäger mit Hunden kehren nach Hause zurück. Zusammen mit ihnen betritt der Betrachter den Hügel, von dem aus sich das Panorama einer kleinen Stadt öffnet. Schneebedeckte Ufer des Flusses, dornige Bäume sind in der klaren, frostigen Luft gefroren, Vögel fliegen, sitzen auf Ästen und Hausdächern, die Menschen sind mit ihren täglichen Angelegenheiten beschäftigt. All diese scheinbaren Kleinigkeiten bilden zusammen mit dem Blau des Himmels, den schwarzen Bäumen und dem weißen Schnee im Bild ein Panorama der Welt, das der Künstler leidenschaftlich liebt.

Brueghels tragischstes Gemälde Gleichnis vom Blinden„Geschrieben vom Künstler kurz vor seinem Tod. Es illustriert die Evangeliumsgeschichte „Wenn Blinde Blinde führen, dann werden sie beide in die Grube fallen“. Vielleicht ist dies ein Bild der Menschheit, die von ihren Wünschen geblendet ist und sich ihrem Tod nähert. Brueghel urteilt jedoch nicht, sondern indem er die Gesetze der Beziehung der Menschen zueinander und zur Umwelt versteht und in das Wesen der menschlichen Natur eindringt, offenbart er den Menschen selbst ihren Platz in der Welt.

Malerei in Deutschland während der Renaissance.

Merkmale der Renaissance in der Kunst Deutschlands erscheinen später als in den Niederlanden. Die Blütezeit des deutschen Humanismus, der weltlichen Wissenschaften und der Kultur fällt auf die ersten JahreXVIv. Es war eine kurze Zeit, in der die deutsche Kultur der Welt die höchsten künstlerischen Werte verlieh. Zunächst einmal sollten sie Werke enthalten Albrecht Dürer(1471-1528) - der bedeutendste Künstler der deutschen Renaissance.

Dürer ist ein typischer Vertreter der Renaissance, er war Maler, Kupferstecher, Mathematiker und Ingenieur, er schrieb Abhandlungen über Festungsbau und Kunsttheorie. An Selbstportraits er wirkt intelligent, edel, konzentriert, voller tiefer philosophischer Reflexionen. In den Gemälden begnügt sich Dürer nicht mit formaler Schönheit, sondern sucht abstrakten Gedanken symbolischen Ausdruck zu verleihen.

Ein besonderer Platz in Dürers Schaffenswerk gehört der Serie Apokalypse, die 15 große Holzschnitte umfasst. Dürer illustriert die Vorhersagen aus der „Offenbarung Johannes des Theologen“, zum Beispiel das Blatt „ vier Reiter"symbolisiert schreckliche Katastrophen - Krieg, Pest, Hungersnot, ungerechtes Gericht. Die in Stichen zum Ausdruck gebrachte Vorahnung von Veränderungen, harten Prüfungen und Katastrophen erwies sich als prophetisch (die Reformation und die darauf folgenden Bauern- und Glaubenskriege begannen bald).

Ein weiterer großer Künstler dieser Zeit war Lucas Cranach der Ältere(1472-1553). Die Eremitage beherbergt seine Gemälde Madonna mit Kind unter dem Apfelbaum" Und " Weibliches Porträt". Darin sehen wir ein Frauengesicht, das in vielen Gemälden des Meisters eingefangen ist (es wird sogar „Cranach“ genannt): ein kleines Kinn, ein schmaler Augenschlitz, goldenes Haar. Der Künstler zeichnet Schmuck und Kleidung sorgfältig aus, seine Gemälde sind eine Augenweide. Die Reinheit und Naivität der Bilder lässt einen erneut in diese Gemälde hineinblicken. Cranach war ein wunderbarer Porträtmaler, er schuf Bilder vieler berühmter Zeitgenossen - Martin Luther (der sein Freund war), Herzog Heinrich von Sachsen und viele andere.

Aber der berühmteste Porträtmaler der nördlichen Renaissance ist zweifellos als ein weiterer deutscher Maler zu erkennen. Hans Holbein der Jüngere(1497-1543). Er war lange Zeit Hofmaler des englischen Königs HeinrichVIII. In seinem Porträt vermittelt Holbein perfekt die herrische Natur des Königs, der Zweifel nicht kennt. Kleine intelligente Augen auf einem fleischigen Gesicht verraten einen Tyrannen in ihm. Portrait Heinrichs VIII war so zuverlässig, dass er Menschen, die den König kannten, Angst einjagte. Holbein porträtierte viele berühmte Persönlichkeiten dieser Zeit, insbesondere den Staatsmann und Schriftsteller Thomas Morus, den Philosophen Erasmus von Rotterdam und viele andere.

Die Entwicklung der Renaissancekultur in Deutschland, den Niederlanden und einigen anderen europäischen Ländern wurde durch die Reformation und die darauf folgenden Religionskriege unterbrochen. Danach kam die Zeit für die Bildung neuer Prinzipien in der Kunst, die in die nächste Stufe ihrer Entwicklung eintrat.

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Bundesbehörde Schienenverkehr

sibirisch Staatliche Universität Kommunikationsmittel

Abteilung "Philosophie"

KÜNSTLERISCHE BILDER DER RENAISSANCE

Aufsatz

In der Disziplin "Kulturologie"

Kopf entworfen

Professor Studentin Gr. D-111

Bystrova A. N. ___________ Kamyshova E.V.

(Unterschrift) (Unterschrift)

08.12.2012

(Datum der Prüfung) (Datum der Einreichung zur Prüfung)

Jahr 2012

Einführung

Die Renaissance gilt als eine der hellsten Perioden in der Geschichte der Entwicklung der europäischen Kultur. Wir können sagen, dass die Wiederbelebung eine ganze kulturelle Epoche im Übergangsprozess vom Mittelalter zur neuen Zeit ist, in der ein kultureller Umbruch (ein Wendepunkt, eine Verschiebung) stattfand. Mit der Ausrottung der Mythologie sind grundlegende Veränderungen verbunden.

Trotz der Herkunft des Begriffs Renaissance (fr. Renaissance, „Renaissance“) gab es keine Wiederbelebung der Antike und konnte es auch nicht geben. Der Mensch kann nicht in seine Vergangenheit zurückkehren. Die Renaissance führte Innovationen ein, indem sie die Lehren der Antike nutzte. Er erweckte nicht alle antiken Gattungen wieder zum Leben, sondern nur diejenigen, die für die Bestrebungen seiner Zeit und Kultur charakteristisch waren. Die Renaissance verband eine neue Lektüre der Antike mit einer neuen Lektüre des Christentums.

Die Relevanz des gewählten Themas ergibt sich aus der Verbindung zwischen der Neuzeit und der Renaissance - dies ist vor allem eine Revolution im Wertesystem, in der Bewertung von allem, was existiert, und in Bezug darauf.

Der Hauptzweck der Arbeit besteht darin, die grundlegenden Veränderungen aufzuzeigen, die in der Weltanschauung der größten Persönlichkeiten der betrachteten Epoche stattgefunden haben.

1. Kultur der Renaissance

XIII-XVI Die Jahrhunderte waren eine Zeit großer Veränderungen in Wirtschaft, Politik und Kultur. Das schnelle Wachstum der Städte und die Entwicklung des Handwerks und später der Übergang zur Manufakturproduktion veränderten das Gesicht des mittelalterlichen Europas.

Städte traten in den Vordergrund. Nicht lange zuvor befanden sich die mächtigsten Mächte der mittelalterlichen Welt – das Reich und das Papsttum – in einer tiefen Krise. IN XVI Jahrhunderts wurde das untergehende Heilige Römische Reich Deutscher Nation zum Schauplatz der ersten beiden antifeudalen Revolutionen – des Großen Bauernkriegs in Deutschland und des Niederländischen Aufstands.

Der Übergangscharakter der Epoche, der sich in allen Lebensbereichen vollziehende Prozess der Befreiung von mittelalterlichen Pfaden, gleichzeitig die noch unterentwickelte Entstehung kapitalistischer Verhältnisse, konnten die Charakteristika der künstlerischen Kultur und des ästhetischen Denkens jener Zeit nicht ändern .

Laut A. V. Stepanov wurden alle Veränderungen im Leben der Gesellschaft von einer breiten Erneuerung der Kultur begleitet - dem Aufblühen der Naturwissenschaften und der exakten Wissenschaften, der Literatur in den Landessprachen und der bildenden Kunst. Ausgehend von den Städten Italiens eroberte diese Erneuerung dann andere europäische Länder. Der Autor glaubt, dass sich nach dem Aufkommen des Buchdrucks beispiellose Möglichkeiten für die Verbreitung literarischer und wissenschaftlicher Werke eröffnet haben und eine regelmäßigere und engere Kommunikation zwischen den Ländern zur Durchdringung neuer künstlerischer Trends beigetragen hat.

Dies bedeutete nicht, dass das Mittelalter vor neuen Trends zurückwich: Traditionelle Ideen wurden im Massenbewusstsein bewahrt. Die Kirche widersetzte sich neuen Ideen mit einem mittelalterlichen Mittel - der Inquisition. Die Idee der Freiheit der menschlichen Person bestand in einer in Klassen geteilten Gesellschaft fort. Die feudale Form der Abhängigkeit der Bauern verschwand nicht vollständig, und in einigen Ländern (Deutschland, in Zentraleuropa) kam es zur Rückkehr in die Leibeigenschaft. Das feudale System zeigte ziemlich viel Vitalität. Jedes europäische Land hat es auf seine Weise und in seinem eigenen chronologischen Rahmen gelebt. Der Kapitalismus existierte lange Zeit als Lebensweise, die nur einen Teil der Produktion sowohl in der Stadt als auch auf dem Land abdeckte. Die patriarchale mittelalterliche Langsamkeit begann jedoch in die Vergangenheit zurückzuweichen.

Die großen geografischen Entdeckungen spielten bei diesem Durchbruch eine große Rolle. Zum Beispiel 1492. H. Kolumbus, auf der Suche nach einem Weg nach Indien überquert Atlantischer Ozean und landete vor den Bahamas und entdeckte einen neuen Kontinent - Amerika. 1498 Nachdem der spanische Reisende Vasco da Gama Afrika umrundet hatte, brachte er seine Schiffe erfolgreich an die Küste Indiens. MIT XVI v. Die Europäer dringen in China und Japan vor, von denen sie bisher nur eine vage Vorstellung hatten. Ab 1510 beginnt die Eroberung Amerikas. IN XVII v. Australien wurde entdeckt. Die Vorstellung von der Form der Erde hat sich geändert: Weltreise F. Magellan bestätigte die Vermutung, dass es die Form einer Kugel hat.

An die Stelle der Verachtung alles Irdischen tritt nun ein reges Interesse an der realen Welt, am Menschen, am Bewusstsein für die Schönheit und Erhabenheit der Natur, was durch die Analyse der Kulturdenkmäler der Renaissance belegt werden konnte. Der im Mittelalter unbestrittene Primat der Theologie über die Wissenschaft wird erschüttert durch den Glauben an die unbegrenzten Möglichkeiten des menschlichen Geistes, der zum höchsten Maßstab der Wahrheit wird. Vertreter der neuen säkularen Intelligenz betonten das Interesse am Menschlichen im Gegensatz zum Göttlichen und nannten sich Humanisten, wobei sie dieses Wort aus dem Begriff „ studia humanitanis “, also das Studium von allem, was mit der menschlichen Natur und seiner geistigen Welt zusammenhängt.

Für die Werke und die Kunst der Renaissance wurde die Vorstellung eines freien Wesens mit unbegrenzten Gestaltungsmöglichkeiten charakteristisch. Es ist mit dem Anthropozentrismus in der Ästhetik der Renaissance und dem Verständnis des Schönen, Erhabenen, Heroischen verbunden. Das Prinzip einer schönen künstlerischen und kreativen menschlichen Persönlichkeit wurde von den Theoretikern der Renaissance mit dem Versuch kombiniert, alle Arten von Proportionen, Symmetrien und Perspektiven mathematisch zu berechnen.

Das ästhetische und künstlerische Denken dieser Zeit basiert erstmals auf der menschlichen Wahrnehmung als solcher und auf der Sinnlichkeit das eigentliche Bild Frieden. Auch hier fällt die subjektivistisch-individualistische Lebenslust auf, unabhängig von ihrer religiösen und moralischen Interpretation, obwohl letztere grundsätzlich nicht geleugnet wird. Die Ästhetik der Renaissance konzentriert die Kunst auf die Nachahmung der Natur. Allerdings ist hier in erster Linie weniger die Natur als vielmehr der Künstler, der in seiner schöpferischen Tätigkeit mit Gott verglichen wird.

E. Chamberlin betrachtet die Lust als eines der wichtigsten Prinzipien für die Wahrnehmung von Kunstwerken, weil dies auf eine deutliche demokratische Tendenz gegenüber dem scholastischen „Lernen“ bisheriger ästhetischer Theorien hindeutet.

Das ästhetische Denken der Renaissance beinhaltet nicht nur die Idee der Verabsolutierung des menschlichen Individuums im Gegensatz zur göttlichen Persönlichkeit im Mittelalter, sondern auch ein gewisses Bewusstsein für die Grenzen eines solchen Individualismus, basierend auf der absoluten Selbstbejahung der Einzelne. Daher die Motive der Tragödie, die sich in den Werken von W. Shakespeare, M. Cervantes, Michelangelo usw. finden.Dies ist die widersprüchliche Natur einer Kultur, die sich von alten mittelalterlichen Absoluten entfernt hat, aber aufgrund historischer Umstände noch keine neuen gefunden hat verlässliche Fundamente.

Die Verbindung von Kunst und Wissenschaft ist eine der Charakteristische Eigenschaften Kultur. Künstler suchten Unterstützung in den Wissenschaften und stimulierten oft ihre Entwicklung. Die Renaissance ist durch das Aufkommen von Künstlern und Wissenschaftlern gekennzeichnet, unter denen Leonardo da Vinci den ersten Platz einnimmt.

Daher ist eine der Aufgaben der Renaissance das Begreifen einer Welt voller göttlicher Schönheit durch den Menschen. Die Welt zieht einen Menschen an, weil er von Gott vergeistigt ist. Aber in der Renaissance gab es einen anderen Trend, nämlich das Gefühl einer Person für die Tragödie ihrer Existenz.

2. Das Welt- und Menschenbild in den Werken großer Meister Renaissance

Der Begriff „Renaissance“ (Übersetzung des französischen Begriffs „Renaissance“) weist auf die Verbindung der neuen Kultur mit der Antike hin. Durch die Bekanntschaft mit dem Osten, insbesondere mit Byzanz, während der Kreuzzüge, lernten die Europäer alte humanistische Manuskripte, verschiedene Denkmäler antiker bildender Kunst und Architektur kennen. Alle diese Antiquitäten wurden teilweise nach Italien transportiert, wo sie gesammelt und untersucht wurden. Aber auch in Italien selbst gab es viele antike römische Denkmäler, die auch von Vertretern der italienischen städtischen Intelligenzia sorgfältig untersucht wurden. In der italienischen Gesellschaft entstand ein tiefes Interesse an den klassischen alten Sprachen, antike Philosophie, Geschichte und Literatur. Die Stadt Florenz spielte in dieser Bewegung eine besonders wichtige Rolle. Eine Reihe herausragender Persönlichkeiten der neuen Kultur kamen aus Florenz.

Ausgehend von der antiken Ideologie, die einst im wirtschaftlichen Sinne lebendigste Städte der Antike geschaffen hatte, überarbeitete das neue Bürgertum sie auf seine Weise und formulierte sein neues Weltbild, das dem zuvor vorherrschenden Weltbild des Feudalismus scharf entgegengesetzt war. Der zweite Name der neuen italienischen Kultur - Humanismus beweist dies nur.

Die humanistische Kultur stellte den Menschen selbst (humanus - human) ins Zentrum ihrer Aufmerksamkeit und nicht das Göttliche, Jenseitige, wie es in der mittelalterlichen Ideologie der Fall war. Askese hatte im humanistischen Weltbild keinen Platz mehr. Der menschliche Körper, seine Leidenschaften und Bedürfnisse wurden nicht als etwas „Sündhaftes“ gesehen, das es zu unterdrücken oder zu quälen galt, sondern als Selbstzweck, als das Wichtigste im Leben. Die irdische Existenz wurde als die einzig wahre erkannt. Die Erkenntnis der Natur und des Menschen wurde zum Wesen der Wissenschaft erklärt. Im Gegensatz zu den pessimistischen Motiven, die das Weltbild der mittelalterlichen Scholastiker und Mystiker beherrschten, überwogen in der Weltanschauung und Stimmung der Menschen der Renaissance optimistische Motive; sie waren geprägt vom Glauben an den Menschen, an die Zukunft der Menschheit, an den Triumph der menschlichen Vernunft und Aufklärung. Plejaden hervorragende Dichter und Schriftsteller, Wissenschaftler und Persönlichkeiten verschiedene Sorten Die Kunst nahm an dieser großen neuen intellektuellen Bewegung teil. Der Ruhm Italiens wurde von so wunderbaren Künstlern gebracht: Leonardo da Vinci, Giorgione, Michelangelo, Raffael, Tizian.

Die unbestrittene Leistung der Renaissance war der geometrisch korrekte Aufbau des Bildes. Der Künstler baute das Bild mit den von ihm entwickelten Techniken. Die Hauptsache für Maler dieser Zeit war es, die Proportionen von Objekten zu beobachten. Sogar die Natur verfiel mathematischen Tricks.

Mit anderen Worten, Künstler der Renaissance versuchten beispielsweise, ein genaues Bild einer Person vor dem Hintergrund der Natur zu vermitteln. Im Vergleich zu modernen Methoden, ein gesehenes Bild auf einer Art Leinwand nachzubilden, hilft ein Foto mit anschließender Anpassung höchstwahrscheinlich zu verstehen, wonach die Künstler der Renaissance strebten.

Renaissance-Maler glaubten, dass sie das Recht hätten, die Fehler der Natur zu korrigieren, das heißt, wenn eine Person hässliche Gesichtszüge hatte, korrigierten die Künstler sie so, dass das Gesicht süß und attraktiv wurde.

Durch die Darstellung biblischer Szenen versuchten Renaissance-Künstler deutlich zu machen, dass die irdischen Manifestationen einer Person deutlicher dargestellt werden können, wenn sie verwendet werden biblische geschichten. Sie können verstehen, was der Fall, die Versuchung, die Hölle oder der Himmel ist, wenn Sie sich mit der Arbeit der Künstler dieser Zeit vertraut machen. Dasselbe Bild der Madonna vermittelt uns die Schönheit einer Frau und vermittelt auch ein Verständnis von irdischer menschlicher Liebe.

So waren in der Kunst der Renaissance die Wege wissenschaftlicher und künstlerischer Welt- und Menschenerkenntnis eng miteinander verflochten. Seine Erkenntnisbedeutung war untrennbar mit erhabener poetischer Schönheit verbunden, in seinem Streben nach Natürlichkeit verfiel er nicht in den kleinlichen Alltag. Kunst ist zu einem universellen spirituellen Bedürfnis geworden.

Abschluss

Die Renaissance oder die Renaissance ist also eine Ära im Leben der Menschheit, die durch einen kolossalen Aufstieg in Kunst und Wissenschaft gekennzeichnet ist. Die Renaissance proklamierte den Menschen zum höchsten Wert des Lebens.

In der Kunst war das Hauptthema ein Mensch mit unbegrenzten geistigen und kreativen Möglichkeiten.Die Kunst der Renaissance legte den Grundstein für die europäische Kultur des Neuen Zeitalters und veränderte alle Hauptarten der Kunst radikal.

In der Architektur haben sich neue Typen von öffentlichen Gebäuden entwickelt.Die Malerei wurde mit einer linearen und luftigen Perspektive, Kenntnissen der Anatomie und Proportionen des menschlichen Körpers bereichert.Irdische Inhalte durchdrangen die traditionellen religiösen Themen der Kunstwerke. Verstärktes Interesse an antiker Mythologie, Geschichte, Alltagsszenen, Landschaften, Porträts. Da war ein Bild, da war ein Gemälde Ölfarben. Die schöpferische Individualität des Künstlers nahm in der Kunst den ersten Platz ein.

In der Kunst der Renaissance waren die Wege wissenschaftlicher und künstlerischer Welt- und Menschenerkenntnis eng miteinander verflochten.Kunst ist zu einem universellen spirituellen Bedürfnis geworden.

Die Renaissance ist zweifellos eine der schönsten Epochen der Menschheitsgeschichte.

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Nach Abschluss der Hauptbauarbeiten in Versailles, an der Wende vom 17. zum 18. Jahrhundert, startete Andre Le Nôtre kräftige Aktivität für die Neugestaltung von Paris. Er führte die Aufteilung des Tuilerienparks durch und legte die Mittelachse eindeutig auf die Fortsetzung der Längsachse des Louvre-Ensembles fest. Nach Le Nôtre wurde der Louvre endgültig wieder aufgebaut, die Place de la Concorde entstand. Die große Achse von Paris vermittelte eine völlig andere Interpretation der Stadt, die den Anforderungen an Erhabenheit, Grandiosität und Pracht entsprach. Die Gestaltung städtischer Freiräume, das System architektonisch gestalteter Straßen und Plätze wurde zum bestimmenden Faktor in der Planung von Paris. Die Klarheit des geometrischen Musters der zu einem Ganzen verbundenen Straßen und Plätze wird für viele Jahre ein Kriterium für die Beurteilung der Perfektion des Stadtplans und des Könnens des Stadtplaners sein. Viele Städte auf der ganzen Welt werden in der Folge den Einfluss des klassischen Pariser Modells erfahren.

Ein neues Verständnis der Stadt als Objekt architektonischer Beeinflussung des Menschen findet in der Arbeit an urbanen Ensembles deutlichen Ausdruck. Während ihres Baus wurden die Haupt- und Grundprinzipien der Stadtplanung des Klassizismus umrissen - freie Entwicklung im Raum und organische Verbindung mit der Umgebung. Um das städtebauliche Chaos zu überwinden, suchten die Architekten Ensembles zu schaffen, die für eine freie und ungehinderte Sicht ausgelegt sind.

Renaissance-Träume von der Schaffung einer „idealen Stadt“ verkörperten sich in der Bildung eines neuen Platztyps, dessen Grenzen nicht mehr die Fassaden bestimmter Gebäude waren, sondern der Raum der angrenzenden Straßen und Viertel, Parks oder Gärten, u Flussdamm. Architektur sucht nicht nur direkt benachbarte Gebäude, sondern auch sehr abgelegene Punkte der Stadt in einer bestimmten Ensembleeinheit zu verbinden.

Zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts und dem ersten Drittel des 19. Jahrhunderts. in Frankreich markieren eine neue Etappe in der Entwicklung des Klassizismus und seiner Verbreitung in Europa - Neoklassizismus. Nach der Großen Französischen Revolution und dem Vaterländischen Krieg von 1812 traten im Einklang mit dem Zeitgeist neue Prioritäten in der Stadtplanung auf. Den markantesten Ausdruck fanden sie im Empire-Stil. Es zeichnete sich durch folgende Merkmale aus: zeremonielles Pathos imperialer Größe, Monumentalität, Berufung auf die Kunst des kaiserlichen Roms und antikes Ägypten, die Verwendung von Attributen der römischen Militärgeschichte als dekorative Hauptmotive.

Die Essenz des neuen künstlerischen Stils wurde sehr genau in den bedeutenden Worten von Napoleon Bonaparte ausgedrückt:

„Ich liebe Kraft, aber als Künstler … liebe ich es, Klänge, Akkorde und Harmonien daraus zu extrahieren.“

Empire-Stil wurde zur Personifikation der politischen Macht und des militärischen Ruhms Napoleons und diente als eine Art Manifestation seines Kultes. Die neue Ideologie entsprach voll und ganz den politischen Interessen und dem künstlerischen Geschmack der neuen Zeit. Überall entstanden große architektonische Ensembles aus offenen Plätzen, breiten Straßen und Alleen, errichteten Brücken, Denkmäler und öffentliche Gebäude, die imperiale Größe und Machtmacht demonstrierten.

So erinnerte beispielsweise die Austerlitzer Brücke an die große Schlacht Napoleons und wurde aus den Steinen der Bastille erbaut. Am Place Carruzel erbaut wurde Triumphbogen zu Ehren des Sieges bei Austerlitz. Zwei weit voneinander entfernte Plätze (Consent und Stars) wurden durch architektonische Perspektiven verbunden.

Kirche der Heiligen Genoveva, errichtet von J. J. Soufflot, wurde zum Pantheon – der Ruhestätte der großen Persönlichkeiten Frankreichs. Eines der spektakulärsten Denkmäler dieser Zeit ist die Säule der Großen Armee auf dem Place Vendôme. Ähnlich wie die antike römische Trajanssäule sollte sie nach dem Plan der Architekten J. Gonduin und J. B. Leper den Geist des Neuen Reiches und Napoleons Durst nach Größe ausdrücken.

Feierlichkeit und majestätischer Prunk wurden besonders in der hellen Innenausstattung von Palästen und öffentlichen Gebäuden geschätzt, deren Ausstattung oft mit militärischem Utensilien überladen war. Die dominierenden Motive waren kontrastierende Farbkombinationen, Elemente römischer und ägyptischer Ornamente: Adler, Greifen, Urnen, Kränze, Fackeln, Grotesken. Der Empire-Stil manifestierte sich am deutlichsten in den Innenräumen der kaiserlichen Residenzen des Louvre und des Malmaison.

Die Ära von Napoleon Bonaparte endete 1815, und sehr bald begannen sie, seine Ideologie und seinen Geschmack aktiv auszurotten. Aus dem „wie ein Traum verschwundenen“ Empire gibt es Kunstwerke im Empire-Stil, die deutlich von seiner einstigen Größe zeugen.

Fragen und Aufgaben

1. Warum kann Versailles auf herausragende Werke zurückgeführt werden?

Als städtebauliche Ideen des Klassizismus des XVIII Jahrhunderts. ihre praktische Verkörperung in den architektonischen Ensembles von Paris wie der Place de la Concorde gefunden? Was unterscheidet sie von den Plätzen des italienischen Barock im Rom des 17. Jahrhunderts wie der Piazza del Popolo (siehe S. 74)?

2. Wie kam die Verbindung von Barock und Klassizismus zum Ausdruck? Welche Ideen hat der Klassizismus vom Barock geerbt?

3. Was sind die historischen Hintergründe für die Entstehung des Empire-Stils? Welche neuen Ideen seiner Zeit wollte er in Kunstwerken zum Ausdruck bringen? Auf welchen künstlerischen Prinzipien beruht sie?

kreative Werkstatt

1. Geben Sie Ihren Klassenkameraden eine Führung durch Versailles. Zur Vorbereitung können Sie Videomaterial aus dem Internet verwenden. Die Parks von Versailles und Peterhof werden oft verglichen. Was ist Ihrer Meinung nach die Grundlage für solche Vergleiche?

2. Versuchen Sie, das Bild der "idealen Stadt" der Renaissance mit den klassischen Ensembles von Paris (St. Petersburg oder seinen Vororten) zu vergleichen.

3. Vergleichen Sie das Design Innenausstattung(Innenräume) der Galerie Franz I. in Fontainebleau und der Spiegelgalerie von Versailles.

4. Lernen Sie die Gemälde des russischen Künstlers A. N. Benois (1870-1960) aus dem Zyklus „Versailles. Gang des Königs“ (siehe S. 74). Wie vermitteln sie die allgemeine Atmosphäre des Hoflebens des französischen Königs Ludwig XIV.? Warum können sie als eigentümliche Bildsymbole betrachtet werden?

Themen von Projekten, Abstracts oder Botschaften

"Die Bildung des Klassizismus in der französischen Architektur des 17.-18. Jahrhunderts"; "Versailles als Modell der Harmonie und Schönheit der Welt"; "Ein Spaziergang durch Versailles: die Verbindung zwischen der Zusammensetzung des Schlosses und der Anlage des Parks"; „Meisterwerke der Architektur des westeuropäischen Klassizismus“; "Napoleonisches Reich in der Architektur Frankreichs"; "Versailles und Peterhof: Erfahrung vergleichender Merkmale"; "Künstlerische Entdeckungen in den architektonischen Ensembles von Paris"; "Die Plätze von Paris und die Entwicklung der Prinzipien der regelmäßigen Planung der Stadt"; "Klarheit der Komposition und Ausgewogenheit der Volumina der Kathedrale des Invalides in Paris"; "Concorde Square - eine neue Etappe in der Entwicklung städtebaulicher Ideen des Klassizismus"; „Die schroffe Ausdruckskraft der Bände und der Geiz des Dekors der Kirche St. Genevieve (Pantheon) von J. Soufflot“; "Merkmale des Klassizismus in der Architektur westeuropäischer Länder"; "Herausragende Architekten des westeuropäischen Klassizismus".

Bücher zum Nachlesen

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Klassizismus und Romantik: Architektur. Skulptur. Malen. Zeichnung / Hrsg. R. Toman. M., 2000.

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