Arte moderna del Giappone anime e manga. Exploding Kawaii: come comprendere l'arte giapponese contemporanea

All'Hermitage è in corso un'interessante mostra - Arte Moderna Giappone "MONO-NO AWARE. Il fascino delle cose".

Dire che sono un fan dell'arte contemporanea - non posso. Mi piace di più quando c'è qualcosa da guardare (grafica occupata, o arti e mestieri, ethnos è il mio tutto). Ammirare la bellezza di un concetto puro non è sempre divertente per me. (Malevich, scusa! Non mi piace Black Square!)

Ma oggi sono arrivato a questa mostra!

Prezioso, se sei a San Pietroburgo, interessato all'arte e non ci sei ancora stato, allora la mostra sarà fino al 9 febbraio! Vai, perché è interessante!

I concetti mi convincono poco, come ho scritto sopra. In qualche modo ho pensato che in un anno di visite a mostre moderne, uno o due oggetti mi sembrano al massimo divertenti. E molte cose non mi toccano così tanto che mi dispiace per il tempo che ho trascorso. Ma è in qualsiasi genere, in qualsiasi arte, la percentuale del rapporto tra talento e mediocrità, va bene se è uno su dieci! Ma mi è piaciuto questo spettacolo.

Le creazioni giapponesi sono state collocate nelle sale espositive dello stato maggiore. La prima installazione che accoglie i visitatori è un incredibile labirinto pieno di sale sul pavimento. Pavimento grigio, sale bianco, spazio contrassegnato in modo incredibilmente netto, intrecciato in un unico campo. Grande showroom, e un ornamento bianco sparso sul pavimento come uno straordinario loach. E capisci quanto sia temporanea quest'arte. La mostra si chiuderà, il labirinto sarà spazzato via con una scopa. Una volta ho visto il film "Il piccolo Buddha". E lì, all'inizio, un monaco buddista ha disposto un complesso ornamento di sabbia colorata. E alla fine del film, il monaco fece un brusco movimento con il pennello e l'opera titanica si dissolse nel vento. Cioè, poi salta e no. E dice, apprezza la bellezza qui e ora, tutto è fugace. Allora questo labirinto di sale, entra in dialogo con te, inizi a rispondere alle domande che ti pone davanti. L'artista è Motoi Yamamoto.

Si si! Questo è un labirinto così grande, hai sentito la scala?

Il secondo oggetto che affascina è l'enorme cupola in polietilene e resina nera di Yasuaki Onishi. Spazio insolitamente deciso. Sul nero sottilissimi fili irregolari di resina pende, muovendosi lievemente, una cupola....o una montagna dal complesso rilievo. Quando entri, vedi uno schema eterogeneo di punti, punti in cui la resina si attacca. È divertente, come se la pioggia nera cadesse silenziosamente e tu fossi sotto il baldacchino.

Come è nata questa tecnica? Divertente, vero? Ma dal vivo sembra più "viva", la cupola ondeggia leggermente per la brezza creata dai visitatori di passaggio. E c'è la sensazione della tua interazione con l'oggetto. Puoi entrare nella "grotta", vedere dall'interno com'è!

Ma per non avere l'impressione che tutto fosse solo in bianco e nero, posterò qui un altro paio di foto della composizione, realizzate con cerchi collegati tra loro. Riccioli di plastica divertenti e colorati! Inoltre, puoi attraversare questa stanza, dentro i cerchi, oppure puoi guardare tutto dall'esterno.

Questi articoli sono i miei preferiti. Naturalmente, presto l'arte contemporanea concettuale diventerà diversa, in sintonia con il nuovo tempo. Non tornerà al vecchio e non rimarrà com'è ora. Cambierà. Ma per capire cosa fosse, dove scorreva il flusso e cosa e da dove provenisse, devi sapere cosa sta succedendo ora. E non rifuggire quel nooo, il concetto non fa per me, ma prova a vederlo e valutarlo. Pochi talenti, come sempre, ma ci sono. E se le mostre risuonano, allora non tutto è perduto!!!

Arte e design

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01.02.18 09:02

La scena artistica odierna in Giappone è molto varia e provocatoria: guardando il lavoro dei maestri del Paese Alba Penserai di essere atterrato su un altro pianeta! Ospita innovatori che hanno cambiato il panorama del settore su scala globale. Ecco un elenco di 10 artisti giapponesi contemporanei e delle loro creazioni, dalle incredibili creature di Takashi Murakami (che oggi festeggia il suo compleanno) al colorato universo di Kusama.

Da mondi futuristici a costellazioni punteggiate: artisti giapponesi contemporanei

Takashi Murakami: tradizionalista e classico

Iniziamo con l'eroe dell'occasione! Takashi Murakami è uno degli artisti contemporanei più iconici del Giappone, che lavora su dipinti, sculture su larga scala e moda. Lo stile di Murakami è influenzato da manga e anime. È il fondatore del movimento Superflat, che sostiene il giapponese tradizioni artistiche e la cultura del dopoguerra. Murakami ha promosso molti suoi coetanei, ne conosceremo anche alcuni oggi. Le opere "sottoculturali" di Takashi Murakami sono presentate nei mercati della moda e dell'arte. Il suo provocatorio My Lonesome Cowboy (1998) è stato venduto a New York da Sotheby's nel 2008 per la cifra record di 15,2 milioni di dollari. Murakami ha collaborato con marchi di fama mondiale Marc Jacobs, Louis Vuitton e Issey Miyake.

Tycho Asima e il suo universo surreale

Membro della società di produzione artistica Kaikai Kiki e del movimento Superflat (entrambi fondati da Takashi Murakami), Chiho Ashima è nota per i suoi paesaggi urbani fantastici e le strane creature pop. L'artista crea sogni surreali abitati da demoni, fantasmi, giovani bellezze raffigurate sullo sfondo di una natura stravagante. Le sue opere sono solitamente di grandi dimensioni e stampate su carta, pelle, plastica. Nel 2006, questo artista giapponese contemporaneo ha partecipato ad Art on the Underground a Londra. Ha creato 17 archi successivi per la piattaforma: il magico paesaggio si è trasformato gradualmente dal giorno alla notte, dall'urbano al rurale. Questo miracolo è sbocciato alla stazione della metropolitana di Gloucester Road.

Chiharu Shima e i Fili Infiniti

Un altro artista, Chiharu Shiota, sta lavorando a installazioni visive su larga scala per punti di riferimento specifici. È nata a Osaka, ma ora vive in Germania, a Berlino. Temi centrali il suo lavoro è oblio e memoria, sogno e realtà, passato e presente, e anche un confronto di ansia. Le opere più famose di Chiharu Shiota sono le impenetrabili ragnatele di filo nero che avvolgono molti oggetti quotidiani e personali come vecchie sedie, un abito da sposa, un pianoforte bruciato. Nell'estate del 2014, Shiota ha collegato più di 300 scarpe e stivali che le erano stati donati con fili di filo rosso e li ha appesi ai ganci. La prima mostra di Chiharu nella capitale tedesca si è tenuta durante la Berlin Art Week nel 2016 e ha fatto scalpore.

Ehi Arakawa: ovunque, non da nessuna parte

Ei Arakawa si ispira a stati di cambiamento, periodi di instabilità, elementi di rischio e le sue installazioni spesso simboleggiano i temi dell'amicizia e del lavoro di squadra. Il credo dell'artista giapponese contemporaneo è definito dall'indefinito performativo "ovunque ma da nessuna parte". Le sue creazioni spuntano in luoghi inaspettati. Nel 2013 il lavoro di Arakawa è stato esposto alla Biennale di Venezia e nella mostra di arte contemporanea giapponese al Mori Art Museum (Tokyo). L'installazione Hawaiian Presence (2014) è stata una collaborazione con l'artista di New York Carissa Rodriguez ed è stata presentata alla Whitney Biennale. Sempre nel 2014, Arakawa e suo fratello Tomu, esibendosi in un duetto chiamato United Brothers, hanno offerto ai visitatori di Frieze London il loro "lavoro" "The This Soup Taste Ambivalent" con radici "radioattive" di Fukushima daikon.

Koki Tanaka: relazione e ripetizione

Nel 2015, Koki Tanaka è stato nominato Artista dell'anno. Tanaka esplora l'esperienza condivisa di creatività e immaginazione, incoraggia lo scambio tra i partecipanti al progetto e sostiene nuove regole per la collaborazione. La sua installazione nel padiglione giapponese alla Biennale di Venezia del 2013 consisteva in video di oggetti che trasformavano lo spazio in una piattaforma per lo scambio artistico. Le installazioni di Koki Tanaka (da non confondere con il suo attore omonimo completo) illustrano il rapporto tra oggetti e azioni, come la registrazione video di semplici gesti eseguiti con oggetti ordinari (coltello che affetta le verdure, birra che viene versata in un bicchiere, apertura di un ombrello) . Non accade nulla di significativo, ma ripetizione ossessiva e attenzione a i più piccoli dettagli far apprezzare allo spettatore il banale.

Mariko Mori e le forme snelle

Un'altra artista giapponese contemporanea, Mariko Mori, "evoca" oggetti multimediali, combinando video, foto, oggetti. Ha una visione futuristica minimalista e forme eleganti e surreali. Un tema ricorrente nel lavoro di Mori è la giustapposizione della leggenda occidentale con cultura occidentale. Nel 2010, Mariko ha fondato la Fau Foundation, un'organizzazione culturale educativa organizzazione non profit, per il quale ha realizzato una serie di sue installazioni artistiche in onore dei sei continenti abitati. Più di recente, l'installazione permanente della Fondazione, The Ring: One with Nature, è stata issata sopra una pittoresca cascata a Resende vicino a Rio de Janeiro.

Ryoji Ikeda: sintesi audio e video

Ryoji Ikeda è un artista e compositore dei nuovi media il cui lavoro è principalmente legato al suono in diversi stati "grezzi", dai suoni sinusoidali ai rumori che utilizzano frequenze al limite dell'udito umano. Le sue installazioni mozzafiato includono suoni generati dal computer che vengono trasformati visivamente in proiezioni video o modelli digitali. Gli oggetti d'arte audiovisivi di Ikeda utilizzano scala, luce, ombra, volume, suoni elettronici e ritmo. Il famoso oggetto di prova dell'artista è costituito da cinque proiettori che illuminano un'area lunga 28 metri e larga 8 metri. L'unità converte i dati (testo, suoni, foto e filmati) in un codice a barre e modelli binari di zeri e uno.

Tatsuo Miyajima e contatori LED

Lo scultore giapponese contemporaneo e artista di installazioni Tatsuo Miyajima usa nella sua arte circuiti elettrici, video, computer e altri gadget. I concetti principali di Miyajima sono ispirati da idee umanistiche e insegnamenti buddisti. I contatori LED nella sua configurazione lampeggiano continuamente in una ripetizione da 1 a 9, a simboleggiare il viaggio dalla vita alla morte, ma evitando la finalità rappresentata dallo 0 (lo zero non compare mai nell'opera di Tatsuo). I numeri onnipresenti in griglie, torri e diagrammi esprimono l'interesse di Miyajima per le idee di continuità, eternità, connessione e flusso di tempo e spazio. Non molto tempo fa, l'oggetto Arrow of Time di Miyajima è stato esposto alla mostra inaugurale "Incomplete Thoughts Visible in New York".

Nara Yoshimoto e i bambini cattivi

Nara Yoshimoto crea dipinti, sculture e disegni di bambini e cani, soggetti che riflettono il senso infantile di noia e frustrazione e la feroce indipendenza che è naturale per i più piccoli. L'estetica del lavoro di Yoshimoto ricorda le tradizionali illustrazioni di libri, un misto di tensione irrequieta e l'amore dell'artista per il punk rock. Nel 2011, l'Asian Society Museum di New York ha ospitato la prima mostra personale di Yoshitomo intitolata "Yoshitomo Nara: Nobody's Fool", che copre i 20 anni di carriera di un artista giapponese contemporaneo.Le mostre erano strettamente legate alle sottoculture giovanili del mondo, alla loro alienazione e protesta .

Yayoi Kusama e lo spazio che cresce con forme stravaganti

Impressionante biografia creativa Yayoi Kusama dura da sette decenni. Durante questo periodo, una straordinaria donna giapponese è riuscita a studiare i campi della pittura, della grafica, del collage, della scultura, del cinema, dell'incisione, dell'arte ambientale, dell'installazione, nonché della letteratura, della moda e del fashion design. Kusama ha sviluppato uno stile altamente distintivo di dot art che è diventato il suo marchio di fabbrica. Le visioni illusorie presentate nelle opere dell'88enne Kusama - quando il mondo sembra essere ricoperto da forme stravaganti proliferanti - sono il risultato di allucinazioni che ha vissuto fin dall'infanzia. Le stanze con punti colorati e specchi "infiniti" che riflettono i loro accumuli sono riconoscibili, non possono essere confuse con nient'altro.

I giapponesi scoprirono la bellezza nascosta nelle cose nel IX-XII secolo, nell'era Heian (794-1185) e la designarono addirittura con lo speciale concetto di “mono no aware” (物の哀れ (もののあわれ)), che significa “ fascino triste delle cose. "Il fascino delle cose" è una delle prime definizioni di bellezza nella letteratura giapponese, è associato alla credenza shintoista che ogni cosa ha la sua divinità - kami - e il suo fascino unico. Avare è l'essenza interiore delle cose, ciò che provoca gioia, eccitazione.

- Washi (wasi) o wagami (wagami).
Fabbricazione manuale della carta. I giapponesi medievali apprezzavano il washi non solo per le sue qualità pratiche, ma anche per la sua bellezza. Era famosa per la sua sottigliezza, quasi trasparenza, che però non la privava di forza. Washi è fatto dalla corteccia dell'albero kozo (gelso) e di alcuni altri alberi.
La carta Washi si è conservata per secoli, ne sono testimonianza gli album e i volumi di antica calligrafia giapponese, dipinti, paraventi, incisioni giunti nei secoli fino ai giorni nostri.
La carta di Vasya è fibrosa, se guardi al microscopio vedrai delle crepe attraverso le quali penetrano aria e luce solare. Questa qualità viene utilizzata nella produzione di schermi e lanterne tradizionali giapponesi.
I souvenir Washi sono molto popolari tra gli europei. Con questa carta si ricavano tanti piccoli e utili oggetti: portafogli, buste, ventagli. Sono abbastanza resistenti ma leggeri.

-Gohei.
Mascotte di strisce di carta. Gohei - un bastone rituale di un prete shintoista, a cui sono attaccate strisce di carta a zigzag. Le stesse strisce di carta sono appese all'ingresso di un santuario shintoista. Il ruolo della carta nello shintoismo è stato tradizionalmente molto importante e i prodotti di carta sono sempre stati dati significato esoterico. E la convinzione che ogni cosa, ogni fenomeno, persino le parole, contengano un kami - una divinità - spiega l'aspetto di questo tipo arti applicate come gohei. Lo shintoismo è in qualche modo simile al nostro paganesimo. Per gli shintoisti, il kami è particolarmente disposto a stabilirsi in tutto ciò che è fuori dall'ordinario. Ad esempio, su carta. E ancora di più in un gohei attorcigliato in un intricato zigzag, che pende oggi davanti all'ingresso dei santuari shintoisti e indica la presenza di una divinità nel tempio. Ci sono 20 modi per piegare il gohei, e quelli che sono piegati in modo particolarmente insolito attirano il kami. Gohei è prevalentemente di colore bianco, ma si trovano anche oro, argento e molte altre sfumature. Dal IX secolo, in Giappone esiste l'usanza di rafforzare il gohei sulle cinture dei lottatori di sumo prima dell'inizio del combattimento.

- Anesama.
Questa è la produzione di bambole di carta. Nel diciannovesimo secolo, le mogli dei samurai realizzavano bambole di carta con cui i bambini giocavano, vestendole con abiti diversi. In tempi in cui non esistevano i giocattoli, l'anesama era l'unico interlocutore dei bambini, "svolgendo" il ruolo di madre, sorella maggiore, bambina e amica.
La bambola è piegata con carta giapponese washi, i capelli sono fatti di carta increspata, tinti con inchiostro e ricoperti di colla, che gli conferisce lucentezza. Una caratteristica distintiva è un bel nasino su una faccia allungata. Oggi questo semplice giocattolo, che non richiede altro che mani abili, dalla forma tradizionale, continua a essere realizzato come prima.

- Origami.
L'antica arte di piegare la carta (折り紙, letteralmente: "carta piegata"). L'arte dell'origami ha le sue radici in Antica Cina dove è stata inventata la carta. Inizialmente, l'origami veniva utilizzato nelle cerimonie religiose. Per molto tempo questo tipo di arte era disponibile solo per i rappresentanti delle classi superiori, dove un segno di buon gusto era il possesso di tecniche di piegatura della carta. Solo dopo la seconda guerra mondiale l'origami oltrepassò l'Oriente e arrivò in America e in Europa, dove trovò subito i suoi estimatori. L'origami classico è piegato da un foglio di carta quadrato.
C'è un certo insieme di simboli convenzionali necessari per abbozzare lo schema di piegatura anche del prodotto più complesso. La maggior parte dei segni convenzionali sono stati messi in pratica a metà del XX secolo dal famoso maestro giapponese Akira Yoshizawa.
L'origami classico prescrive l'uso di un foglio di carta quadrato uniformemente colorato senza colla e forbici. Le forme d'arte contemporanea a volte si discostano da questo canone.

-Kirigami.
Kirigami è l'arte di ritagliare varie forme da un foglio di carta piegato più volte con l'aiuto delle forbici. Un tipo di origami che consente l'uso di forbici e taglio della carta nel processo di realizzazione del modello. Questa è la principale differenza tra kirigami e altre tecniche di piegatura della carta, sottolineata nel nome: 切る (kiru) - taglio, 紙 (gami) - carta. Tutti amavamo tagliare i fiocchi di neve durante l'infanzia: una variante del kirigami, puoi tagliare non solo i fiocchi di neve, ma anche varie figure, fiori, ghirlande e altri simpatici oggetti di carta usando questa tecnica. Questi prodotti possono essere utilizzati come stencil per stampe, decorazioni per album, cartoline, cornici per foto, fashion design, interior design e altre decorazioni varie.

- Ikebana.
Ikebana, (jap 生け花 o いけばな) tradotto da lingua giapponese- ike" - vita, "bana" - fiori o "fiori che vivono". L'arte giapponese della disposizione dei fiori è una delle tradizioni più belle del popolo giapponese. Quando si compila l'ikebana, insieme ai fiori, vengono utilizzati rami tagliati, foglie e germogli.Il principio fondamentale è la squisita semplicità, per ottenere il quale cercano di enfatizzare bellezza naturale impianti. Ikebana è la creazione di una nuova forma naturale, in cui la bellezza di un fiore e la bellezza dell'anima del maestro che crea la composizione si combinano armoniosamente.
Oggi in Giappone ci sono 4 grandi scuole di ikebana: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Oltre a loro, ci sono circa mille direzioni e tendenze diverse che aderiscono a una di queste scuole.

- Oribana.
A metà del XVII secolo, due scuole di ohara (la forma principale di ikebana - oribana) e koryu (la forma principale - sek) partirono da ikenobo. A proposito, la scuola ohara studia ancora solo oribanu. Come dicono i giapponesi, è molto importante che l'origami non si trasformi in origami. Gomi significa spazzatura in giapponese. Dopotutto, guarda caso, hai piegato un pezzo di carta e poi cosa farne? Oribana offre molte idee per bouquet per decorare gli interni. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Errore.
Un tipo di belle arti nato dalla floristica. La floristica è apparsa nel nostro paese otto anni fa, sebbene esista in Giappone da più di seicento anni. Qualche volta nel Medioevo, i samurai comprendevano la via di un guerriero. E oshibana faceva parte di quel percorso, proprio come scrivere geroglifici e maneggiare una spada. Il significato dell'errore era che nello stato di totale presenza nel momento (satori), il maestro creava un'immagine di fiori secchi (fiori pressati). Allora questa immagine potrebbe servire da chiave, da guida per coloro che erano pronti ad entrare nel silenzio e sperimentare quello stesso satori.
L'essenza dell'arte di "oshibana" è che, raccogliendo ed essiccando fiori, erbe, foglie, corteccia sotto pressione e incollandoli sulla base, l'autore crea con l'aiuto delle piante una vera opera di "pittura". In altre parole, sbagliare è dipingere con le piante.
La creatività artistica dei fioristi si basa sulla conservazione della forma, del colore e della consistenza del materiale vegetale essiccato. I giapponesi hanno sviluppato una tecnica per proteggere i dipinti "oshibana" dallo sbiadimento e dall'oscuramento. La sua essenza è che l'aria viene pompata tra il vetro e l'immagine e viene creato un vuoto che impedisce alle piante di deteriorarsi.
Attrae non solo l'anticonformismo di quest'arte, ma anche l'opportunità di mostrare immaginazione, gusto, conoscenza delle proprietà delle piante. I fioristi creano ornamenti, paesaggi, nature morte, ritratti e dipinti di storie.

- Bonsai.
Il bonsai, come fenomeno, è apparso più di mille anni fa in Cina, ma questa cultura ha raggiunto il suo apice di sviluppo solo in Giappone. (bonsai - giapponese 盆栽 lett. "pianta in vaso") - l'arte di crescere copia esatta vero albero in miniatura. Queste piante furono coltivate dai monaci buddisti diversi secoli prima della nostra era e successivamente divennero una delle attività della nobiltà locale.
I bonsai adornavano case e giardini giapponesi. Nell'era Tokugawa, la progettazione del parco ricevette un nuovo impulso: la coltivazione di azalee e aceri divenne un passatempo per i ricchi. Si sviluppò anche la produzione di colture nane (hachi-no-ki - "albero in vaso"), ma i bonsai di quel tempo erano molto grandi.
Ora gli alberi ordinari vengono utilizzati per i bonsai, diventano piccoli a causa della potatura costante e di vari altri metodi. Allo stesso tempo, il rapporto tra le dimensioni dell'apparato radicale, limitato dal volume della ciotola, e la parte a terra del bonsai corrisponde alle proporzioni di un albero adulto in natura.

-Mizuhiki.
Analogo macramè. Questa è un'antica arte applicata giapponese di legare vari nodi da corde speciali e creare modelli da essi. Tali opere d'arte avevano una portata estremamente ampia: dalle carte regalo e lettere alle acconciature e alle borse. Attualmente, il mizuhiki è estremamente utilizzato nell'industria dei regali: per ogni evento della vita, un regalo dovrebbe essere incartato e legato in un modo molto specifico. Ci sono moltissimi nodi e composizioni nell'arte del mizuhiki, e non tutti i giapponesi li conoscono tutti a memoria. Certo, ci sono i nodi più comuni e semplici che vengono usati più spesso: per gli auguri per la nascita di un bambino, per un matrimonio o una commemorazione, un compleanno o l'ammissione all'università.

-Kumihimo.
Kumihimo è un cavo intrecciato giapponese. Quando si intrecciano fili, si ottengono nastri e pizzi. Questi lacci sono tessuti su macchine speciali: Marudai e Takadai. La macchina Marudai è utilizzata per tessere pizzi rotondi e Takadai per quelli piatti. Kumihimo in giapponese significa "intreccio di corde" (kumi - tessitura, piegatura insieme, himo - corda, pizzo). Nonostante il fatto che gli storici insistano ostinatamente sul fatto che tra gli scandinavi e gli abitanti delle Ande si possano trovare intrecci simili, l'arte giapponese del kumihimo è davvero uno dei più antichi tipi di tessitura. La prima menzione di esso risale al 550, quando il buddismo si diffuse in tutto il Giappone e cerimonie speciali richiedevano decorazioni speciali. Successivamente, i lacci kumihimo iniziarono ad essere usati come fissanti per la cintura obi su un kimono femminile, come corde per "imballare" l'intero arsenale di armi dei samurai (i samurai usavano il kumihimo per scopi decorativi e funzionali per legare la loro armatura e l'armatura del cavallo) e anche per legare oggetti pesanti.
Una varietà di motivi del moderno kumihimo viene tessuta molto facilmente su telai di cartone fatti in casa.

- Comono.
Cosa resta di un kimono dopo che ha scontato la sua pena? Pensi che venga buttato via? Niente del genere! I giapponesi non lo faranno mai. I kimono sono costosi. È impensabile e impossibile buttarlo via così... Insieme ad altri tipi di riciclaggio di kimono, le artigiane hanno realizzato piccoli souvenir da piccoli brandelli. Si tratta di piccoli giocattoli per bambini, bambole, spille, ghirlande, gioielli da donna e altri prodotti, il vecchio kimono viene utilizzato nella fabbricazione di piccole cose carine, che vengono chiamate collettivamente "komono". Piccole cose che vivranno Propria vita, continuando il percorso del kimono. Questo è ciò che significa la parola "komono".

-Kanzashi.
L'arte di decorare fermagli per capelli (il più delle volte decorati con fiori (farfalle, ecc.) In tessuto (principalmente seta). Il kanzashi giapponese (kanzashi) è una lunga forcina per un'acconciatura femminile tradizionale giapponese. Erano fatti di legno, lacca, argento, guscio di tartaruga utilizzato nelle acconciature tradizionali cinesi e giapponesi. Circa 400 anni fa, in Giappone, lo stile delle acconciature femminili è cambiato: le donne hanno smesso di pettinarsi i capelli nella forma tradizionale - taregami (lunghi capelli lisci) e hanno iniziato a modellarli in modo intricato e forme bizzarre - nihongami.usato vari oggetti - forcine, bastoncini, pettini.Fu allora che anche un semplice pettine kushi si trasforma in un accessorio elegante di straordinaria bellezza, che diventa una vera opera d'arte.Il costume tradizionale delle donne giapponesi non lo permetteva gioielli da polso e collane, così erano le acconciature bellezza principale e un campo per l'autoespressione, oltre a dimostrare il gusto e lo spessore del portafoglio del proprietario. Sulle incisioni puoi vedere - se guardi da vicino - come le donne giapponesi appendono facilmente fino a venti costosi kanzashi nelle loro acconciature.
Ora c'è una rinascita nella tradizione dell'uso del kanzashi tra le giovani donne giapponesi che desiderano aggiungere raffinatezza ed eleganza alle loro acconciature, i moderni fermagli possono essere adornati solo con uno o due delicati fiori fatti a mano.

- Kinusaiga.
Un fantastico tipo di ricamo dal Giappone. Kinusaiga (絹彩画) è un incrocio tra batik e patchwork. L'idea principale è che i nuovi dipinti siano messi insieme da vecchi kimono di seta - vere opere d'arte.
Innanzitutto, l'artista fa uno schizzo su carta. Quindi questo disegno viene trasferito su una tavola di legno. Il contorno del motivo è tagliato con scanalature o scanalature, quindi piccoli brandelli, abbinati per colore e tono, vengono tagliati dal vecchio kimono di seta, ei bordi di questi brandelli riempiono le scanalature. Quando guardi un'immagine del genere, hai la sensazione di guardare una fotografia, o anche solo di guardare il paesaggio fuori dalla finestra, sono così realistici.

- Temari.
Si tratta di palline ricamate geometriche tradizionali giapponesi realizzate con punti semplici che un tempo erano un giocattolo per bambini e ora sono diventate una forma d'arte con molti fan non solo in Giappone ma in tutto il mondo. Si ritiene che molto tempo fa questi prodotti fossero realizzati dalle mogli dei samurai per l'intrattenimento. All'inizio erano davvero usati come palla per un gioco con la palla, ma gradualmente hanno iniziato ad acquisire elementi artistici, trasformandosi in seguito in ornamenti decorativi. La delicata bellezza di queste palle è conosciuta in tutto il Giappone. E oggi, i prodotti colorati e realizzati con cura sono uno dei tipi di artigianato popolare in Giappone.

- Yubinuki.
Ditali giapponesi, quando si cuce o si ricama a mano, vengono messi sulla falange media del dito medio della mano che lavora, con l'aiuto della punta delle dita viene data all'ago la direzione desiderata e l'ago viene spinto attraverso l'anello al centro dito nel lavoro. Inizialmente, i ditali yubinuki giapponesi erano realizzati in modo abbastanza semplice: una striscia di tessuto denso o pelle larga circa 1 cm in più strati era strettamente avvolta attorno al dito e fissata insieme con alcuni semplici punti decorativi. Dal momento che gli yubinuk lo erano soggetto necessario in ogni casa iniziarono ad essere decorati con ricami geometrici con fili di seta. Dall'intreccio di punti sono stati creati motivi colorati e complessi. Yubinuki da semplice oggetto per la casa si è trasformato anche in oggetto da “ammirare”, decorazione della vita quotidiana.
Gli yubinuki sono ancora usati nel cucito e nel ricamo, ma si possono trovare anche semplicemente indossati sulle mani su qualsiasi dito, come anelli decorativi. Il ricamo in stile Yubinuki viene utilizzato per decorare vari oggetti a forma di anello: portatovaglioli, braccialetti, supporti temari, decorati con ricami yubinuki, e ci sono anche letti ad aghi ricamati nello stesso stile. I motivi Yubinuki possono essere una grande ispirazione per il ricamo temari obi.

- Suibokuga o sumie.
Pittura a inchiostro giapponese. Questo stile di pittura cinese fu adottato dagli artisti giapponesi nel XIV secolo e alla fine del XV secolo. divenne la corrente principale della pittura in Giappone. Suibokuga è monocromatico. È caratterizzato dall'uso dell'inchiostro nero (sumi), una forma solida carbone o fatto dalla fuliggine dell'inchiostro cinese, che viene macinato in un calamaio, diluito con acqua e applicato con un pennello su carta o seta. Monochrome offre al maestro una scelta infinita di opzioni tonali, che i cinesi hanno riconosciuto molto tempo fa come i "colori" dell'inchiostro. Suibokuga a volte consente l'uso di colori reali, ma lo limita a tratti sottili e trasparenti che rimangono sempre subordinati alla linea dell'inchiostro. La pittura a inchiostro condivide con l'arte della calligrafia caratteristiche essenziali come l'espressione strettamente controllata e la padronanza tecnica della forma. La qualità della pittura a inchiostro si riduce, come nella calligrafia, all'integrità e alla resistenza allo strappo della linea tracciata con l'inchiostro, che, per così dire, trattiene l'opera d'arte su se stessa, così come le ossa trattengono su se stesse i tessuti.

- Etegami.
Cartoline disegnate (e - immagine, etichettate - lettera). La creazione di cartoline fai-da-te è generalmente un'attività molto popolare in Giappone e prima delle vacanze la sua popolarità aumenta ancora di più. I giapponesi adorano inviare cartoline ai loro amici e adorano anche riceverle. Questo è un tipo di lettera veloce su spazi vuoti speciali, può essere inviato per posta senza busta. Non ci sono regole o tecniche speciali in etegami, chiunque può farlo senza un addestramento speciale. Etagami aiuta a esprimere con precisione lo stato d'animo, le impressioni, questa è una cartolina fatta a mano composta da un'immagine e una breve lettera, che trasmette le emozioni del mittente, come calore, passione, cura, amore, ecc. Mandano queste cartoline per le vacanze e proprio così, raffiguranti le stagioni, le attività, la verdura e la frutta, le persone e gli animali. Più semplice è disegnata questa immagine, più interessante sembra.

- Furoshiki.
Tecnica giapponese di avvolgimento o arte della piegatura del tessuto. Furoshiki è entrato a lungo nella vita dei giapponesi. Antichi rotoli del periodo Kamakura-Muromachi (1185 - 1573) sono stati conservati con immagini di donne che portano sulla testa fagotti di vestiti avvolti in stoffa. Questa interessante tecnica ebbe origine già nel 710 - 794 d.C. in Giappone. La parola "furoshiki" si traduce letteralmente in "tappeto da bagno" ed è un pezzo di stoffa quadrato che veniva utilizzato per avvolgere e trasportare oggetti di ogni forma e dimensione.
Ai vecchi tempi, era consuetudine camminare nei bagni giapponesi (furo) in kimono di cotone leggero, che i visitatori portavano con sé da casa. Il bagnante portava anche un tappeto speciale (shiki) su cui stava in piedi mentre si spogliava. Dopo essersi trasformato in un kimono "da bagno", il visitatore ha avvolto i suoi vestiti in un tappeto e, dopo il bagno, ha avvolto un kimono bagnato in un tappeto per portarlo a casa. Così, il tappetino da bagno è diventato una borsa multifunzionale.
Furoshiki è molto facile da usare: il tessuto prende la forma dell'oggetto che avvolgi e le maniglie facilitano il trasporto del carico. Inoltre, un regalo avvolto non in carta dura, ma in un tessuto morbido e multistrato, acquisisce un'espressività speciale. Esistono molti schemi per piegare il furoshiki per ogni occasione, quotidiana o festiva.

- Amigurumi.
L'arte giapponese di lavorare a maglia o all'uncinetto piccoli animali imbalsamati e creature umanoidi. Gli amigurumi (編み包み, lett.: “avvolti a maglia”) sono spesso simpatici animali (come orsi, coniglietti, gatti, cani, ecc.), omini, ma possono anche essere oggetti inanimati dotati di proprietà umane. Ad esempio, cupcakes, cappelli, borse e altri. Amigurumi è lavorato a maglia o lavorato a maglia o all'uncinetto. IN Ultimamente Gli amigurumi all'uncinetto sono diventati più popolari e più comuni.
lavorato a maglia con filato in un semplice metodo di lavorazione a maglia - a spirale e, a differenza del metodo di lavorazione a maglia europeo, i cerchi di solito non sono collegati. Sono anche lavorati all'uncinetto su una dimensione più piccola rispetto allo spessore del filato per creare un tessuto molto denso senza spazi vuoti per la fuoriuscita dell'imbottitura. Gli amigurumi sono spesso composti da parti e poi assemblati, ad eccezione di alcuni amigurumi, che non hanno arti, ma hanno solo una testa e un busto, che sono un tutt'uno. Gli arti a volte sono riempiti con pezzi di plastica per dare loro peso vivo, mentre il resto del corpo è riempito con fibra.
La diffusione dell'estetica degli amigurumi è facilitata dalla loro dolcezza ("kawaii").

Il mondo di oggi è spesso accusato di crisi spirituale, nella distruzione dei legami con le tradizioni, nella globalizzazione, assorbendo inevitabilmente i fondamenti nazionali. Tutto è personalizzato e spersonalizzato allo stesso tempo. Se il cosiddetto arte classica potremmo dividerci in scuole nazionali e immagina che lì arte italiana cos'è l'arte tedesca e cos'è il francese; allora possiamo dividere l'arte contemporanea nelle stesse “scuole”?

In risposta a questa domanda, vorrei sottoporre alla vostra attenzione l'arte contemporanea giapponese. In una conferenza al Mori Art Museum sul tema dell'internazionalismo nell'arte contemporanea lo scorso anno, il professore dell'Università di Tokyo Michio Hayashi ha suggerito che la percezione popolare della "giapponesità" in Occidente è stata cementata negli anni '80 dalla trinità del "kitsch", "naturalezza" e "raffinatezza tecnologica". Oggi, l'arte contemporanea giapponese popolare, e soprattutto commerciale, può ancora essere collocata in questo triangolo. Per lo spettatore occidentale, rimane misterioso e originale per le caratteristiche specifiche inerenti solo all'arte del Paese del Sol Levante. Ad agosto, Occidente ed Oriente si sono incontrati in tre luoghi d'arte contemporaneamente: fino all'8 agosto a Manhattan (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan) si è tenuta la mostra “Duality of Existence – Post-Fukushima”, la mostra “teamLab: Ultra Subjective Space” durato fino al 15 agosto è praticamente nelle vicinanze (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan); e il “Ciclo di Arhat” di Takashi Murakami a Palazzo Reale, a Milano, continua ancora oggi a conquistare e stupire i visitatori.

Tutte le opere esposte sono state create dopo l'11 marzo 2011, quando lo tsunami colpì il Giappone. Il disastro nucleare della centrale nucleare di Fukushima ha radunato la nazione, ha reso necessario riconsiderare priorità e valori e tornare a tradizioni a lungo dimenticate. L'arte non poteva stare da parte e presentata al mondo nuovo tipo un artista concentrato sui bisogni dello spettatore moderno e allo stesso tempo onorando i fondamenti e i valori storici.

Takashi Murakami - spot pubblicitario artista di successo, che ha reso popolare il techno kitsch e ha creato un nuovo linguaggio visivo superpiatto, basato sulle tradizioni della pittura nihonga giapponese e sulle specificità di anime e manga. L'ideologia delle sue sculture replicate e delle sue installazioni oltraggiose doveva dimostrare il cambiamento in Giappone dopo la guerra, quando il consumismo divenne prevalente. Ma l'11 marzo 2011 ha diviso la vita del Giappone in "prima" e "dopo", come due terribili giorni dell'agosto 1945, quando le bombe nucleari furono sganciate su Hiroshima e Nagasaki. Dopo quel forte terremoto, che ha portato a terribili conseguenze, Murakami ha intrapreso la strada del ripensamento del buddismo e dell'estetica giapponese, ha fatto un passo verso il ritorno alle origini e alla spiritualità. La prima opera che ha dato inizio al ciclo degli Arhats è 500 Arhats, esposta alla mostra personale di Takashi Murakami a Doha, in Qatar, nel 2012. Il ritorno ai temi buddisti è spiegato dall'autore come un tentativo di rendersi conto che in questo mondo non ci siamo solo noi, che ci sono forze che sono indipendenti da noi, e che dobbiamo migliorare ogni volta per smettere di essere dipendenti da propri desideri e affetti. Un fitto muro di arhat, come se proteggesse il pubblico dagli elementi furiosi per tutti i 100 metri della tela, ha instillato pace e tranquillità nell'anima di tutti. Ma Murakami non si è limitato a un'unica opera e ha continuato il ciclo di dipinti, integrando ed espandendo la narrazione, come se usasse una tecnica manga e raccontasse una storia in visual design. La seconda parte del ciclo è stata presentata nella galleria Blum & Poe ( Los Angeles) nel 2013. Oggi, a Milano, gli arhat girano il mondo per la terza volta, diffondendo l'idea di un ritorno alla spiritualità e alla rinuncia alle passioni. Nonostante l'istruttività e la profondità del significato, i dipinti sono facilmente percepibili a causa della decisione cromatica audace e brillante, molto linguaggio artistico. Gli elementi manga hanno portato loro quella quota necessaria di divulgazione in modo che le idee trasmesse del buddismo fossero facilmente lette e accettate anche dal pubblico non iniziato.

Il prossimo rappresentante della pittura giapponese moderna può essere chiamato Kazuki Umezawa, allievo di Murakami, che ci riporta alla questione della scuola e della continuità. Crea rendering digitali di personaggi degli anime disegnandoli sopra adesivi per creare maggiore profondità e caos visivo. Partendo da immagini casuali e sparse su Internet, costruisce collage, scompone sfondi, crea mandala che riflettono la struttura e il contenuto dell'immaginazione degli otaku (appassionati di anime e manga). Il richiamo al simbolo buddista esalta il valore semantico delle opere del giovane artista, collegando, da un lato, il sacro e il consolidato nella cultura, dall'altro, questioni moderne, ma sempre con l'inclusione di uno specifico fenomeno giapponese - anime.

Takashi Murakami e Kazuki Umezawa bilanciano abilmente tra attualità e tradizione, kitsch e stile.

Sorprendentemente, dopo il terremoto dell'11 marzo 2011 in Giappone, un ragazzo di 16 anni che è rimasto intrappolato sotto le macerie della sua casa per nove giorni ed è stato salvato, alla domanda di un giornalista sui suoi sogni futuri, ha risposto: “Io vuoi diventare un artista”.

Tadasu Takamine. "God Save America", 2002. Video (8 min. 18 sec.)

Doppia prospettiva: arte contemporanea giapponese
Curatori Elena Yaichnikova e Kenjiro Hosaka

Prima parte: "Realtà / mondo ordinario". Museo di arte moderna di Mosca, montagne. Mosca, corsia Ermolaevskij, 17
Seconda parte: "Mondo immaginario/fantasia". Museo di arte moderna di Mosca, montagne. Mosca, viale Gogolevsky, 10

Il Museo di arte moderna di Mosca, insieme alla Japan Foundation, presenta la mostra "Doppia prospettiva: arte contemporanea giapponese", progettata per far conoscere al grande pubblico gli artisti giapponesi contemporanei.
Doppia prospettiva è di due curatori da paesi diversi, due sedi del museo e una struttura bipartita del progetto. Curata da Elena Yaichnikova e Kenjiro Hosaka, la mostra riunisce le opere di oltre 30 artisti di vari stili che hanno lavorato dagli anni '70 ad oggi. Il progetto si compone di due parti - "The Real World / Everyday Life" e "Imaginary World / Fantasies" - che si trovano nell'area del museo in 17 Ermolaevsky Lane e 10 Gogolevsky Boulevard.

Parte prima: "Realtà/mondo ordinario"

La prima parte della mostra "The Real World/Everyday Life" presenta lo sguardo degli artisti giapponesi sul mondo che ci circonda attraverso un appello alla storia mondiale del XX secolo (Yasumasa Morimura, Yoshinori Niwa e Yuken Teruya), riflessioni sulla dispositivo società moderna(Dumb Type e Tadasu Takamine), l'interazione con lo spazio urbano (contact Gonzo e ChimPom) e la ricerca della poesia nella quotidianità (Shimabuku, Tsuyoshi Ozawa, Kohei Kobayashi e Tetsuya Umeda). Yasumasa Morimura nella serie di opere video "Requiem" si reincarna in vari personaggi storici: Chaplin, lo scrittore Yukio Mishima e persino Lenin - e ricrea episodi delle loro vite. Un altro partecipante al progetto, Tetsuya Umeda, crea installazioni con mezzi improvvisati, cose ordinarie - così, la vita quotidiana più banale diventa arte. La mostra presenterà opere di Yoko Ono - il famoso "Cut Piece" nella versione del 1965 e del 2003 e l'installazione sonora "Cough Piece" (1961). La mostra presenterà le opere di Kishio Suga, uno dei rappresentanti centrali del movimento Mono-Ha (Mono-Ha, tradotto come "Scuola delle cose"), che offriva un'alternativa giapponese al modernismo occidentale. La sezione fotografica presenterà il lavoro di Toshio Shibata, Takashi Homma e Lieko Shiga.

Yayoi Kusama. "Sono qui ma da nessuna parte", 2000. Tecnica mista. Installazione presso la Maison de la culture du Japon, Parigi.
Collezione d'autore

Le opere che compongono la seconda parte del progetto presenteranno al pubblico un mondo immaginario libero in cui c'è tutto ciò che non siamo in grado di vedere nella vita reale, tutto ciò che è oltre i suoi confini. Le opere degli artisti di questa parte della mostra fanno riferimento alla cultura pop giapponese, al mondo della fantasia, all'ingenuità, ai miti e alle riflessioni sulla struttura cosmogonica del mondo. Ogni partecipante alla mostra mette il proprio significato nel concetto di "immaginazione". Così fa l'artista Tadanori Yokoo, nel suo rapporto con il mondo immaginario tema principale delle sue opere sparizione, o meglio "scomparsa di sé". Un motivo simile può essere rintracciato nel lavoro di Yayoi Kusama: proiettando le sue fantasie nella realtà, crea un mondo pieno di schemi bizzarri. La gigantesca scultura "Child of the Sun" (2011) di Kenji Yanobe è stata creata in un momento terribile in cui si è verificata un'esplosione nella centrale nucleare di Fukushima-1. Il suo oggetto monumentale diventa un punto di intersezione di immaginazioni. L'artista comprende che l'esperienza vissuta al confine del reale diventerà uno stimolo per la creazione di un nuovo mondo. La parte Imaginary World/Fantasy comprende anche opere di Yoshitomo Nara, Takashi Murakami, Makoto Aida, Hiraki Sawa e molti altri.
Alcune delle opere sono state create appositamente per la mostra. L'artista Yoshinori Niva è venuto a Mosca per il suo progetto “Vladimir Lenin è ricercato negli appartamenti di Mosca” (2012) per trovare artefatti legati alla personalità del rivoluzionario negli appartamenti dei moscoviti. Il suo lavoro è una documentazione video delle sue ricerche e dei suoi viaggi per Mosca. L'artista Tetsuya Umeda, il cui lavoro sarà presentato contemporaneamente in due sedi, verrà a Mosca per realizzare le sue installazioni in loco.
Queste due parti a prima vista incomparabili della mostra hanno lo scopo di mostrare i due poli dell'arte giapponese, che in realtà risultano essere inseparabili l'uno dall'altro.
Nell'ambito della mostra, è inoltre previsto lo svolgimento di corsi di perfezionamento aperti e incontri creativi con i partecipanti al progetto. Ci saranno conferenze del curatore giapponese Kenjiro Hosaka e dell'artista Kenji Yanobe. Per la Russia, questa mostra presenta per la prima volta l'arte giapponese contemporanea su tale scala.

Yoshitomo Nara. "Candy-blue night", 2001. 1166,5 x 100 cm Acrilico su tela
Foto: Yoshitaka Uchida

Kisio Suga "Spazio di separazione", 1975. Rami e blocchi di cemento. 184 x 240 x 460 cm
Foto: Yoshitaka Uchida

Kenji Yanobe. "Child of the Sun", 2011. Fibra di vetro, acciaio, neon, ecc. 620 x 444 x 263 cm. Installazione nel parco commemorativo Ezpo"70
Foto: Thomas Tampone