Le idee principali dei compositori dell'Illuminismo. La musica nell'età dei Lumi

Il classicismo musicale e le principali fasi del suo sviluppo

Classicismo (dal latino сlassicus - esemplare) - uno stile nell'arte dei secoli XVII-XVIII. Il nome "classicismo" deriva dall'appello all'antichità classica come il più alto standard di perfezione estetica. I rappresentanti del classicismo hanno tratto il loro ideale estetico dai campioni arte antica. Il classicismo si basava sulla fede nella razionalità dell'essere, nella presenza di ordine e armonia nella natura e mondo interiore persona. L'estetica del classicismo contiene la somma di regole rigorose obbligatorie che devono essere soddisfatte pezzo d'arte. I più importanti sono la richiesta di equilibrio tra bellezza e verità, chiarezza logica, armonia e completezza della composizione, proporzioni rigorose e una chiara distinzione tra i generi.

Nello sviluppo del classicismo, si notano 2 fasi:

Classicismo XVII secolo, che si sviluppò in parte nella lotta con l'arte del barocco, in parte in interazione con essa.

Classicismo illuminista del XVIII secolo.

Il classicismo del XVII secolo è per molti versi l'antitesi del barocco. Trova la sua espressione più completa in Francia. Questo era il periodo di massimo splendore della monarchia assoluta, che forniva il massimo patrocinio all'arte di corte e da essa richiedeva sfarzo e splendore. L'apice del classicismo francese nella zona arte teatrale erano le tragedie di Corneille e Racine, così come le commedie di Molière, sulla cui opera Lully faceva affidamento. Le sue "tragedie liriche" portano l'impronta dell'impatto del classicismo (logica rigorosa di costruzione, eroismo, carattere sobrio), sebbene abbiano anche tratti barocchi: lo splendore delle sue opere, l'abbondanza di balli, processioni, cori.

Il classicismo del XVIII secolo coincise con l'età dell'Illuminismo. L'illuminismo è un ampio movimento filosofico, letterario e artistico che ha travolto tutti i paesi europei. Il nome "Illuminismo" è spiegato dal fatto che i filosofi di quest'epoca (Voltaire, Diderot, Rousseau) cercarono di educare i loro concittadini, cercarono di risolvere i problemi della struttura società umana, la natura umana, i suoi diritti. Gli illuministi partivano dal concetto di onnipotenza mente umana. La fede in una persona, nella sua mente, determina l'umore luminoso e ottimista insito nelle opinioni delle figure dell'Illuminismo.

L'opera è al centro di dispute musicali ed estetiche. Gli enciclopedisti francesi lo consideravano un genere in cui andava ripristinata la sintesi delle arti che esisteva nel teatro antico. Questa idea ha costituito la base di K.V. Gluck.

Il grande risultato del classicismo illuminista è la creazione del genere della sinfonia (ciclo sonata-sinfonia) e della forma sonata, che è associata al lavoro dei compositori della scuola di Mannheim. La scuola di Mannheim si formò nella città di Mannheim (Germania) a metà del XVIII secolo sulla base della cappella di corte, in cui lavoravano principalmente musicisti cechi ( maggior rappresentante- Il ceco Jan Stamitz). Nel lavoro dei compositori della scuola di Mannheim sono state stabilite la struttura in 4 parti della sinfonia e la composizione classica dell'orchestra.

La scuola di Mannheim divenne l'antesignana di quella viennese scuola classica – Direzione musicale denotando il lavoro di Haydn, Mozart, Beethoven. Nell'opera dei classici viennesi si formò finalmente il ciclo sonata-sinfonia, che divenne un classico, così come i generi dell'ensemble da camera e del concerto.

Tra i generi strumentali, i più popolari erano diversi tipi musica per l'intrattenimento domestico - serenate, divertissement, suonati all'aria aperta in orario serale. Divertimento (intrattenimento francese) - opere strumentali in più parti per un ensemble da camera o un'orchestra, che combinano le caratteristiche di una sonata e una suite e vicino a una serenata, un notturno.

K. V. Gluck - il grande riformatore Teatro dell'opera

Christoph Willibald Gluck (1714-1787) - tedesco di nascita (nato a Erasbach (Baviera, Germania)), tuttavia, è uno dei rappresentanti di spicco della scuola classica viennese.

attività riformatrice Gluck ha proceduto a Vienna e Parigi ed è stato realizzato in linea con l'estetica del classicismo. In totale, Gluck ha scritto circa 40 opere: italiane e francesi, buffa e seria, tradizionali e innovative. Fu grazie a quest'ultimo che si assicurò un posto di rilievo nella storia della musica.

I principi della riforma di Gluck sono delineati nella sua prefazione alla partitura dell'opera Alceste. Si riducono a questo:

La musica dovrebbe esprimere testo poetico opera, non può esistere da solo, al di fuori dell'azione drammatica. Gluck esalta così in modo significativo il ruolo di base letteraria e drammatica dell'opera, subordinando la musica al dramma.

L'opera dovrebbe avere un impatto morale su una persona, da qui l'appello a soggetti antichi con il loro alto pathos e nobiltà ("Orfeo ed Euridice", "Parigi ed Elena", "Ifigenia in Aulis"). G. Berlioz chiamava Gluck "Eschilo della musica".

L'opera deve rispettare i "tre grandi principi di bellezza in tutte le arti" - "semplicità, verità e naturalezza". È necessario liberare l'opera dall'eccessivo virtuosismo e dagli ornamenti vocali (intrinseci all'opera italiana), trame intricate.

Non dovrebbe esserci un netto contrasto tra l'aria e il recitativo. Gluck sostituisce il recitativo secco con un accompagnamento, per cui si avvicina a un'aria (nell'opera seria tradizionale, i recitativi servivano solo da collegamento tra i numeri dei concerti).

Gluck interpreta anche le arie in un modo nuovo: introduce caratteristiche di libertà improvvisativa, sviluppo materiale musicale si collega a un cambiamento nello stato psicologico dell'eroe. Arie, recitativi e cori si combinano in grandi scene drammatiche.

L'ouverture dovrebbe anticipare il contenuto dell'opera, introdurre gli ascoltatori nella sua atmosfera.

Il balletto non dovrebbe essere un numero interstiziale che non sia connesso con l'azione dell'opera. La sua introduzione deve essere determinata dal corso dell'azione drammatica.

La maggior parte di questi principi furono incarnati nell'opera Orfeo ed Euridice (presentata per la prima volta nel 1762). Quest'opera segna l'inizio di una nuova tappa non solo nell'opera di Gluck, ma anche nella storia di tutta l'opera europea. Orfeo fu seguito da un'altra delle sue opere pionieristiche, Alceste (1767).

A Parigi, Gluck scrisse altre opere riformiste: Ifigenia in Aulis (1774), Armida (1777), Ifigenia in Tauris (1779). La messa in scena di ciascuno di essi si trasformò in un evento grandioso nella vita di Parigi, provocando un'accesa polemica tra i "Glukisti" e i "Picchinisti" - sostenitori dell'opera tradizionale italiana, personificata dal compositore napoletano Nicolo Picchini (1728 - 1800). La vittoria di Gluck in questa controversia fu segnata dal trionfo della sua opera Ifigenia in Tauride.

Così, Gluck ha trasformato l'opera nell'arte di nobili ideali educativi, saturandola di profondità contenuto morale, rivelato sul palco sentimenti umani genuini. riforma dell'opera Gluck ebbe una feconda influenza sia sui suoi contemporanei che sulle successive generazioni di compositori (soprattutto i classici viennesi).

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La religione per la prima volta diventa oggetto di severe critiche. Il suo critico più ardente e decisivo, e specialmente della Chiesa, è Voltaire.

In generale, il XVIII secolo fu segnato da un forte indebolimento fondamenti religiosi cultura e il rafforzamento del suo carattere secolare.

Filosofia del XVIII secolo sviluppato in stretta collaborazione E cooperazione con la scienza e le scienze naturali. Grande risultato di questa collaborazione fu la pubblicazione dell'"Enciclopedia" in 35 volumi (1751 - 1780), ispirata e curata da Diderot E D "Alamber. I contenuti dell '"Enciclopedia" erano idee e visioni avanzate sul mondo e sull'uomo. Era una raccolta di preziose conoscenze e informazioni sullo sviluppo della scienza,
arti e mestieri.

Nel 18 ° secolo, il precedente rivoluzione scientifica, e scienza- riferendosi alle scienze naturali - raggiunge la sua forma classica. Le caratteristiche e i criteri principali di tale scienza sono i seguenti:

Oggettività della conoscenza;

L'esperienza della sua origine;

L'esclusione di tutto ciò che è soggettivo da essa.

L'autorità insolitamente accresciuta della scienza porta al fatto che già nel XVIII secolo le prime forme di scientismo, che mette la scienza al posto della religione. Sulla sua base si forma anche il cosiddetto utopismo scientista, secondo il quale le leggi della società possono diventare completamente "trasparenti", pienamente conosciute; e politica - basata rigorosamente leggi scientifiche che sono indistinguibili dalle leggi della natura. Tali punti di vista, in particolare, erano curati da Diderot, che guardava alla società e all'uomo attraverso il prisma della scienza naturale e delle leggi della natura. Con questo approccio, una persona cessa di essere oggetto di cognizione e azione, viene privata della libertà e viene identificata con un oggetto o una macchina ordinaria.

Generalmente arte XVIII secolo- rispetto al precedente - appare meno profondo e sublime, appare più leggero, aereo e superficiale. Dimostra un atteggiamento ironico e scettico nei confronti di ciò che prima era considerato nobile, scelto e sublime. Il principio epicureo, la brama di edonismo, lo spirito del piacere e del piacere sono notevolmente esaltati in esso. Allo stesso tempo, l'arte diventa più naturale, più vicina alla realtà. Inoltre, è sempre più invadente vita sociale, lotta e politica, si impegna.

Arte del XVIII secoloè per molti versi una continuazione diretta del secolo precedente. Gli stili principali sono ancora il classicismo e il barocco. Allo stesso tempo, c'è una differenziazione interna dell'arte, la sua frammentazione in un numero crescente di tendenze e direzioni. Emergono nuovi stili e particolari rococò E sentimentalismo.

Classicismo rappresenta prima di tutto artista francese J.-L. Davide (1748 - 1825). Grande eventi storici, soggetto dovere civico.

Barocco essendo il "grande stile" dell'era dell'assolutismo, perde gradualmente la sua influenza, e verso la metà del XVIII secolo lo stile rococò. Uno dei suoi rappresentanti più famosi è l'artista DI. Fragonardo (1732 - 1806). I suoi "Bathers" sono una vera apoteosi di vita, gioia sensuale e piacere. Allo stesso tempo, la carne e le forme raffigurate da Fragonard appaiono come incorporee, aeree e persino effimere. Nelle sue opere su primo piano emergono virtuosismo, grazia, raffinatezza, effetti di luce e aria. È in questo spirito che è scritta l'immagine "Swing".

Sentimentalismo(seconda metà del XVIII secolo) oppose alla ragione il culto del sentimento naturale. Uno dei fondatori e delle figure principali del sentimentalismo era J.-J. Rousseau. Possiede celebre detto: "La mente può sbagliare, il sentimento - mai!". Nelle sue opere - "Julia, o New Eloise", "Confession", ecc. - descrive la vita e le preoccupazioni della gente comune, i loro sentimenti e pensieri, canta la natura, valuta criticamente la vita urbana, idealizza la vita contadina patriarcale.

Il più grande XVIII artisti secolo fuori moda. Questi includono principalmente l'artista francese A.Watteau (1684 - 1721) e Pittore spagnolo F.Goia (1746 - 1828).

La creatività Watteau ("Toilette mattutina", "Pierrot", "Pellegrinaggio all'isola di Cythera") è la più vicina allo stile rococò. Allo stesso tempo, nelle sue opere si avverte l'influenza di Rubens e Van Dyck, Poussin e Tiziano. È giustamente considerato il precursore del romanticismo e il primo grande romantico della pittura.

Con il suo lavoro, F. Goya ("Ritratto della regina Marie-Louise", "Mach on the Balcony", "Portrait of Sabasa Garcia", una serie di incisioni "Caprichos") continua la tendenza realistica di Rembrandt. Nelle sue opere si può rilevare l'influenza di Poussin, Rubens e altri grandi artisti. Allo stesso tempo, la sua arte si fonde organicamente con la pittura spagnola, in particolare con l'arte di Velázquez. Goya è uno dei pittori il cui lavoro ha un pronunciato carattere nazionale.

Arte musicale sta vivendo una crescita e una prosperità senza precedenti. Se XVII secolo è considerato il secolo del teatro, quindi XVIII secolo può essere giustamente chiamato l'età della musica. Il suo prestigio sociale aumenta così tanto che arriva al primo posto tra le arti, spostando da lì la pittura.

La musica del XVIII secolo è rappresentata da nomi come F. Haydn, K. Gluck, G. Handel. Dei grandi compositori molta attenzione meritare È. Bach (1685 - 1750) e IN. A.Mozart (1756- 1791).

Bach è l'ultimo grande genio dell'era barocca. Ha lavorato con successo in quasi tutti generi musicali tranne che per l'opera. La sua musica era molto in anticipo sui tempi, anticipando molti stili successivi, incluso il Romanticismo. Il lavoro di Bach è l'apice dell'arte della polifonia. Nel campo della musica vocale e drammatica, di più famoso capolavoro compositore è la cantata "Matthew Passion", che racconta Gli ultimi giorni la vita di Cristo. La più grande gloria a Bach durante la sua vita ha portato musica d'organo. Nel campo della musica per clavier, la brillante creazione del compositore è "Clavicembalo ben temperato" che è una sorta di enciclopedia degli stili musicali dei secoli XVII-XVIII.

Nelle opere compositore austriaco W. A. ​​​​Mozart, i principi del classicismo si combinano con l'estetica del sentimentalismo. Allo stesso tempo, Mozart è il precursore del romanticismo, il primo grande romantico della musica. Il suo lavoro copre quasi tutti i generi e ovunque agisce come un audace innovatore. Durante la vita di Mozart, le sue opere ebbero il maggior successo. I più famosi tra loro sono "Le nozze di Figaro", "Don Juan", "Il flauto magico". Merita anche una menzione speciale "Requiem".

* questo lavoro non è lavoro scientifico, non è laurea lavoro qualificante ed è il risultato dell'elaborazione, della strutturazione e della formattazione delle informazioni raccolte, destinate ad essere utilizzate come fonte di materiale per autodidatta lavoro educativo.

Rapporto sul tema: "La musica nell'età dei Lumi"

Durante l'Età dell'Illuminismo, ha luogo un'ascesa senza precedenti nell'arte musicale. Dopo la riforma attuata da K.V. Gluck (1714–1787), l'opera divenne un'arte sintetica, unendo musica, canto e complessa azione drammatica in un'unica rappresentazione. FJ Haydn (1732–1809) elevò la musica strumentale al più alto livello dell'arte classica. L'apice della cultura musicale dell'Illuminismo è l'opera di JS Bach (1685–1750) e WA Mozart (1756–1791). L'ideale illuminante emerge in modo particolarmente brillante nell'opera di Mozart Il flauto magico (1791), che si distingue per il culto della ragione, della luce e dell'idea dell'uomo come corona dell'universo.

Arte lirica del XVIII secolo

Riforma dell'opera nella seconda metà del XVIII secolo. era in gran parte un movimento letterario. Il suo capostipite fu lo scrittore e filosofo francese J.J. Rousseau. Rousseau ha anche studiato musica e se in filosofia ha chiesto un ritorno alla natura, nel genere operistico ha sostenuto un ritorno alla semplicità. Nel 1752, un anno prima del successo Prima di Parigi Cameriera di Madame Pergolesi, Rousseau compose la sua opera comica The Village Sorcerer, seguita dalle aspre Letters on French Music, dove Rameau divenne il principale oggetto di attacco.

Italia. Dopo Monteverdi, compositori operistici come Cavalli, Alessandro Scarlatti (il padre di Domenico Scarlatti, il più grande degli autori di opere per clavicembalo), Vivaldi e Pergolesi apparvero uno dopo l'altro in Italia.

L'ascesa dell'opera comica. Un altro tipo di opera proviene da Napoli: l'opera buffa (opera-buffa), nata come reazione naturale all'opera seria. La passione per questo tipo di opera travolse rapidamente le città d'Europa: Vienna, Parigi, Londra. Dai suoi ex sovrani, gli spagnoli che governarono Napoli dal 1522 al 1707, la città ereditò la tradizione della commedia popolare. Insultato da severi insegnanti nei conservatori, la commedia, tuttavia, ha affascinato gli studenti. Uno di loro, G. B. Pergolesi (1710–1736), all'età di 23 anni scrisse un intermezzo, o piccola opera buffa, La serva-padrona (1733). Anche prima, i compositori componevano intermezzi (di solito venivano suonati tra gli atti dell'opera seria), ma la creazione di Pergolesi fu un clamoroso successo. Nel suo libretto non si trattava delle gesta di antichi eroi, ma di una situazione del tutto moderna. I personaggi principali appartenevano ai tipi conosciuti dalla "commedia dell'arte" - la tradizionale commedia improvvisata italiana con una serie standard di ruoli comici. Il genere dell'opera buffa si sviluppò notevolmente nell'opera di napoletani tardivi come G. Paisiello (1740–1816) e D. Cimarosa (1749–1801), per non parlare delle opere comiche di Gluck e Mozart.

Francia. In Francia, Lully è stata sostituita da Rameau, che ha dominato la palcoscenico dell'opera per tutta la prima metà del XVIII secolo.

L'analogia francese dell'opera buffa era l'opera comica (opera comique). Autori come F. Philidor (1726-1795), P. A. Monsigny (1729-1817) e A. Gretry (1741-1813) presero a cuore la presa in giro pergolese della tradizione e svilupparono il proprio modello di opera comica, che in accordo con il gallico gusti, prevedeva l'introduzione di scene conversazionali al posto dei recitativi.

Germania. Si ritiene che l'opera fosse meno sviluppata in Germania. Il fatto è che molti compositori d'opera tedeschi lavoravano fuori dalla Germania: Handel in Inghilterra, Gasse in Italia, Gluck a Vienna e Parigi, mentre i teatri di corte tedeschi erano occupati da compagnie italiane alla moda. Il Singspiel, l'analogo locale dell'opera buffa e dell'opera comica francese, iniziò il suo sviluppo più tardi che nei paesi latini. Il primo esempio di questo genere fu "Devil at Large" di I. A. Hiller (1728-1804), scritto nel 1766, 6 anni prima del Ratto dal serraglio di Mozart. Ironia della sorte, i grandi poeti tedeschi Goethe e Schiller hanno ispirato compositori d'opera non domestici, ma italiani e francesi.

Austria. L'Opera di Vienna è divisa in tre rami principali. Il posto principale era occupato da un'opera italiana seria (opera seria italiana), dove eroi classici e gli dei vissero e morirono in un'atmosfera di alta tragedia. era meno formale opera comica(opera buffa), basato sulla trama di Arlecchino e Colombina della commedia italiana (commedia dell "arte), circondato da spudorati lacchè, i loro decrepiti padroni e ogni sorta di ladri e truffatori. Insieme a queste forme italiane, l'opera comica tedesca (singspiel), il cui successo fu Ancor prima dell'inizio della carriera operistica di Mozart, Gluck sosteneva un ritorno alla semplicità dell'opera seicentesca, le cui trame non erano smorzate da lunghe arie soliste che ritardavano lo sviluppo dell'azione e servivano solo come pretesti per i cantanti a dimostrare il potere della tua voce.

Con la forza del suo talento, Mozart ha unito queste tre direzioni. Da adolescente, ha scritto un'opera per ogni tipo. Come compositore maturo, ha continuato a lavorare in tutte e tre le direzioni, anche se la tradizione dell'opera seria stava svanendo.

Platonova Vera, classe 11A

Lo sviluppo della filosofia, della scienza, arti visive, letteratura. Gli enciclopedisti francesi J.J. Rousseau e D. Diderot sono rappresentanti eccezionali del movimento educativo. Viste estetiche degli enciclopedisti.

Il passaggio dall'arte polifonica al magazzino omofonico-armonico della scrittura in musica.

Opera d'arte. La crisi dell'opera seria italiana e della tragedia lirica francese, che ha colpito la drammaturgia, l'incarnazione scenica dello spettacolo e la pratica dell'esecuzione vocale. Genere opera buffa. I suoi temi, le immagini, la connessione con musica folk. Giovanni Pergolesi (1710-1736) e la sua opera La serva-padrona - modello classico nuovo genere. Caratteristiche dello sviluppo dell'azione e composizione musicale, principi di sviluppo tematico. Forme vocali di base, il ruolo dell'orchestra.

Opera comica francese. Spettacoli fieristici e vaudeville come le sue origini. Trame di opere. La canzone francese come base del contenuto intonazionale. La struttura distico-strofica delle arie, l'uso pittorico-di genere dell'orchestra. "La guerra dei buffoni". Opera "The Village Sorcerer" di Jean Jacques Rousseau (1712-1778), l'istituzione di un nuovo magazzino melodico. Opere di F. Philidor, P. Monsigny. Opera di André Grétry (1741-1813) "Richard cuor di Leone" è un'opera quotidiana di genere della direzione lirica.

Christoph Willibald Gluck (1714-1787). Il significato dell'arte K.V. Gluck nella storia dello sviluppo dell'opera. percorso creativo. I primi drammi musicali innovativi furono Orfeo e Alceste. La lotta tra "glukisti" e "picchinisti". visioni estetiche K.V. Gluck. Principi di drammaturgia operistica. Rinnovo dell'intonazione e drammatizzazione delle parti vocali. Il ruolo del coro, del balletto, dell'orchestra. Significato storico creatività operistica di K.V. problema tecnico per ulteriori sviluppi Teatro musicale.

strumentale musica XVIII secolo. Formazione in condizioni diverse culture nazionali generi sonata-sinfonici e concertistici. Sviluppo dei principi dello sviluppo della sonata nello strumentalismo del XVIII secolo. Formazione della composizione classica Orchestra Sinfonica. Importanza nello sviluppo musica strumentale Viene creata la scuola sinfonica del XVIII secolo compositori cechi. Frantisek Vaclav Micha (1694-1744) - il creatore di una delle prime sinfonie. Rappresentanti della scuola di Mannheim: Jan Stamitz (1717-1757), Frantisek Richter (1709-1789). Anton Filz (1730-1760). caratteristica immagini musicali, caratteristiche del soggetto, principi di sviluppo e forma. Innovazione di stile dinamico performance musicale. L'influenza della scuola di J. Stamitz sul lavoro di I.K. Bach, VA Mozart e altri compositori.