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Capolavori della cultura mondiale. Architettura

Gli edifici di El Giza, con la loro grandiosità e apparente inutilità, hanno stupito l'immaginazione già nell'antichità, che meglio trasmette Proverbio arabo: "Tutto nel mondo ha paura del tempo, ma il tempo ha paura delle piramidi." PIRAMIDI EGIZIANE - le tombe dei faraoni egizi. Le più grandi sono le piramidi di Cheope, Khafre e Mikerin a El Giza che nei tempi antichi erano considerate una delle sette meraviglie del mondo.

GIARDINI PENSILI DI SEMIRAMIS - giardini nel palazzo del re babilonese Nabucodonosor II (c. AC), che ordinò di rompere per la sua amata moglie, la principessa mediana. I giardini erano situati su un'ampia torre a quattro livelli. Le piattaforme della terrazza erano costruite con lastre di pietra ricoperte da uno strato di canne e riempite di asfalto. Segue la posa di due file di mattoni fissati con intonaco e lastre di piombo, che non lasciano entrare l'acqua nei piani inferiori del giardino. Tutta questa complessa struttura era ricoperta da uno spesso strato di terra fertile, che permetteva di piantare qui gli alberi più grandi. Le gradinate si elevavano in sporgenze, collegate da ampie scalinate con lastre rosa e bianche. Ogni giorno migliaia di schiavi pompavano l'acqua dai pozzi profondi verso l'alto in numerosi canali, da dove scorreva verso le terrazze inferiori. Il mormorio dell'acqua, l'ombra e il fresco tra gli alberi sembravano un miracolo.

ZEUS OLIMPICO - una statua di Zeus dello scultore greco Fidia. La statua è stata collocata nel centro di culto del santuario olimpico - il tempio di Zeus, nel bosco sacro di Altise. Le parti esposte del corpo erano rivestite con lastre d'avorio, le vesti erano fuse in oro e la base della scultura era di legno. L'altezza della statua raggiungeva ca. 17 M. Se il dio "si alzasse", la sua altezza supererebbe di gran lunga l'altezza del tempio stesso. Nella sua mano, il Tuono teneva una statua di Nike (un simbolo di vittoria). Anche il trono di Zeus era d'oro e d'avorio. Lo schienale, i braccioli e il piede erano decorati con rilievi in avorio, immagini dorate degli dei e delle dee dell'Olimpo. Le pareti inferiori del trono erano ricoperte di disegni di Panen, le sue gambe con immagini di Nik danzante. I piedi di Zeus, calzati di sandali d'oro, poggiavano su una panca decorata con leoni d'oro. Davanti al piedistallo della statua, il pavimento era pavimentato con pietra eleusina blu scuro, una bacinella scolpita in essa per l'olio d'oliva avrebbe dovuto salvare l'avorio dall'asciugarsi. La luce che penetrava dalle porte del tempio oscuro, riflessa dalla superficie liscia del liquido nella pozza, cadeva sulle vesti dorate di Zeus e gli illuminava il capo; a coloro che entravano sembrava che la radiosità emanasse dal volto stesso della divinità.

MAUSOLEO DI HALICARNASS - la tomba del re Mausolo di Caria (morto nel 353 aC). Il mausoleo era famoso non solo per l'imponenza della sua architettura, ma anche per la collezione di sculture della base della piramide, su cui tipo greco il tempio e un'altra piramide erano adornati con rilievi con scene di amazzonomachia dei più famosi scultori del IV secolo. AVANTI CRISTO e. Leochar, Skopas, Briaxis e Timoteo. Il mausoleo quasi intatto rimase per circa un anno nel mezzo della città deserta fino al XV secolo, quando fu smantellato dai crociati, che lo rinforzarono con le lastre della loro roccaforte sul Mar Egeo, il castello di S. Petra (l'odierna Bodrum in Turchia). Fu all'interno delle mura della fortezza e delle case circostanti che nel 1857 l'archeologo inglese C. T. Newton scoprì lastre a rilievo dal basamento della tomba (ora al British Museum di Londra e al Museo Archeologico di Istanbul), le statue di Mausolo e sua moglie Artemisia (che continuò dopo la sua morte re, la costruzione della loro tomba comune) e un colossale carro che coronava l'intera struttura.

TEMPIO DI ARTEMIDE (Artemision) a Efeso è uno dei centri di pellegrinaggio più famosi e venerati del mondo antico. Il tempio della dea fu costruito nel VI secolo. AVANTI CRISTO e. architetto Ersifrone di Cnosso. Durante uno degli assedi, gli abitanti di Efeso tesero una corda dal tempio alla città, trasformandola così in un santuario inviolabile. La gloria di Artemision era così grande che persone provenienti da tutto l'ecumene greco vi depositavano i loro risparmi. 21 luglio 356 a.C e. il tempio di Artemide di Efeso, il principale santuario dei Greci dell'Asia Minore, fu bruciato da Erostrato. Quando Alessandro Magno si avvicinò alla città 25 anni dopo, volle restaurare il tempio in tutto il suo splendore. L'architetto Alexandra Deinocrates, che ha supervisionato i lavori, ha mantenuto il suo progetto precedente, sollevando solo l'edificio su una base a gradini più alta. Il tempio occupava una vasta area di 110 x 55 m, l'altezza delle colonne corinzie (erano 127), una doppia fila che circondava la struttura, era anch'essa grandiosa di circa 18 m; il tetto di Artemision era ricoperto di tegole di marmo. Una delle attrazioni dell'edificio erano 36 colonne, decorate alla base con rilievi quasi ad altezza umana.

FAROS FAROS (Faro di Alessandria) - un faro sulla sponda orientale di circa. Pharos entro i confini di Alessandria, la capitale ellenistica dell'Egitto. Il costruttore di questo miracolo della tecnologia, il primo e unico in tutto mondo greco un faro di proporzioni colossali era Sostrato di Cnido. I viaggiatori che hanno visto il faro hanno scritto delle statue ingegnosamente disposte che adornavano la torre del faro: una di esse indicava sempre il sole lungo tutto il suo percorso e abbassava la mano quando tramontava, l'altra batteva ogni ora giorno e notte, la terza potrebbe scoprire la direzione del vento. L'incredibile edificio rimase in piedi fino al XIV secolo, ma anche nella sua forma già gravemente distrutta, la sua altezza era di ca. 30 M. Attualmente si è conservata solo la base del faro, interamente costruito in una fortezza medievale (ora base della flotta egiziana).

COLOSS OF RHODES - una gigantesca statua di Helios dello scultore Hares sull'isola di Rodi. La statua del dio torreggiava proprio all'ingresso del porto di Rodi ed era visibile ai bagnanti già dalle isole vicine, l'altezza della statua era di ca. 35 m, cioè quasi tre volte più alto di The Bronze Horseman a San Pietroburgo. Alla base, la statua era realizzata in argilla con una struttura metallica, rifinita con lastre di bronzo in alto. Per lavorare sull'immagine del dio direttamente nel luogo della sua installazione, Chares usò una tecnica astuta: con la graduale elevazione della scultura, si alzò anche la collina di terra intorno ad essa; la collina fu successivamente abbattuta e la statua nella sua interezza fu rivelata agli attoniti abitanti dell'isola. Ci sono voluti 500 talenti di bronzo e 300 talenti di ferro per realizzare un grandioso monumento (rispettivamente circa 13 e circa 8 tonnellate). "Cavaliere di bronzo"

"L'ottava meraviglia del mondo" La cosa più importante in questa meraviglia del mondo è, ovviamente, la scala stabilita dal primo imperatore cinese Qin Shi Huang La cosa più importante in questa meraviglia del mondo è, ovviamente, la scala stabilita dal primo imperatore cinese Qin Shi Huang - questa, ovviamente, è la scala stabilita dal primo imperatore cinese Qin Shi Huang La cosa più importante in questa meraviglia del mondo è, ovviamente, la scala stabilita dal primo imperatore cinese Qin Shi Huang Imperatore Qin ShihuanLa cosa più importante in questa meraviglia del mondo è, ovviamente, la scala stabilita dal primo imperatore cinese Qin Shihuan La cosa più importante in questa meraviglia del mondo è, ovviamente , la scala stabilita dal primo imperatore cinese Qin ShihuanLa cosa più importante in questa meraviglia del mondo è Naturalmente, la scala stabilita dal primo imperatore cinese Qin Shi Huang L'ottava meraviglia del mondo si trova nel centro della Cina . L'esposizione di questa meraviglia del mondo si trova nei contrafforti settentrionali del Monte Lishan a est della città di Xi'an e consiste in statue funerarie di guerrieri e cavalli provenienti dalla tomba di Qin Shi Huang. Questa non è affatto una normale esposizione museale, poiché l'insieme è costituito da tre enormi cripte. L'area espositiva totale è di oltre 20 mila metri quadrati. In tre cripte ci sono più di settemila figure, più di duecento carri e un'enorme quantità di armi di bronzo. Il museo è stato creato durante gli scavi, cioè direttamente nel luogo in cui è stata scoperta la sepoltura. La cosa più importante in questa meraviglia del mondo è, ovviamente, la scala stabilita dal primo imperatore cinese Qin Shihuan, che riuscì a unire i disparati principati della Cina in un unico stato più di duemila anni fa. Il perspicace signore, cercando di entrare nell'immortalità durante la sua vita, iniziò a costruirsi un'enorme tomba vicino alla città di Chang'an nella Cina occidentale, che in seguito divenne una tomba in cui furono trovate statue funerarie di guerrieri e cavalli. Vent'anni fa, questo antico monumento è stato inserito dall'UNESCO nel Catalogo del Patrimonio Mondiale Culturale e Naturale.

Capolavori della cultura mondiale attraverso gli occhi di un generale del poema " Ferrovia". - Sono stato di recente tra le mura del Vaticano, ho girovagato per il Colosseo per due notti, ho visto Santo Stefano a Vienna, cosa ... le persone hanno creato tutto questo? Scusami per questa risata impudente, la tua logica è un po' selvaggia. O l'Apollo Belvedere per te è peggio di una pentola da forno? Ecco la tua gente, questi termini e bagni, Un miracolo dell'arte - ha portato via tutto! .. -Il tuo slavo, anglosassone e tedesco Non creare - distruggi il padrone, barbari! Una folla selvaggia di ubriaconi!

1. Vaticano. Il Vaticano è un grandioso complesso architettonico, dove templi, palazzi e fortificazioni si uniscono a opere d'arte di giardini e parchi. L'ingresso solenne al Vaticano è Piazza San Pietro incorniciata da colonnati. I colonnati conducono alla Cattedrale di San Pietro, la più grande chiesa cattolica del mondo. I musei di fama mondiale si trovano nei palazzi del Vaticano scultura antica, e nei giardini vaticani, il casino di Pio V e l'edificio della Pinacoteca Vaticana, dove sono raccolte opere della pittura italiana dei secoli XIV-XVII.

4. Apollo Belvedere. Statua di Apollo in marmo copia romana dell'opera originale in bronzo antico scultore greco Leohara (c. aC, Museo Pio-Clementino, Vaticano). Il nome deriva dal Palazzo del Belvedere in Vaticano dove è esposta la statua. Per molto tempo considerato l'apice dell'arte greca.

Risorse elettroniche: Grande Enciclopedia Cirillo e Metodio. DVD ROM. - M.: LLC Cirillo e Metodio, CD Global Deejays / SoundofSanFrancisco (Progress) mp3.

Ho dovuto scavare e scansionare per mostrare alcuni dei capolavori, conservati principalmente nel British Museum. Queste sono miniature dei manoscritti delle officine di Herat e Tabriz della fine del XV - inizio del XVI secolo.

Quindi, il momento della divisione finale tra sunniti e sciiti. Il tempo della più alta fioritura dell'arte della Persia, dell'Afghanistan e dell'Asia centrale. Al centro del mondo - Herat (Afghanistan), appare gradualmente una brillante scuola di miniaturisti, dapprima rigorosa e geometrica, piuttosto arida. Ecco Ben Hur nel Palazzo Nero:

Ma l'artista più famoso del mondo musulmano - Behzad (Bihzad) è diventato un vero genio.

Behzad, Alexander (macedone) incontra un eremita:

La straordinaria luminosità e l'audacia dei contrasti cromatici si combinano con alcuni tentativi di trasmettere la realtà della vita:

Behzad, scena del bagno pubblico:

ed esperimenti che potrebbero portare alla prospettiva:

Ma se non è riuscito in questo, allora ha avanzato la colorazione con forza:

In connessione con il trasferimento della capitale, Behzad si trasferì a Tabriz. Sotto la sua influenza, la scuola di miniatura che già esisteva lì fiorì selvaggiamente. Gli artisti sono riconosciuti dai loro colori e tecniche preferiti. Sultano Maometto:

È questa miniatura attribuita alla leggendaria Aqa Mirak che mi colpisce di più. I rettangoli annidati l'uno nell'altro, con un ornamento decrescente, e l'albero finale nell'apertura del gazebo, anche attraversando la cornice dell'immagine, è affascinante

Naturalmente la miniatura fiorì anche in altre città. E paesi vicini. Valuta la combinazione di colori: Qazvin, sottile. Sheikh Muhammad, "Il poeta Lagari e il nobile obeso", "Tuhfat-al-Ahrar"

Concludiamo con questo artista...

Resta da dire che in Russia esiste una delle migliori raccolte di questi manoscritti: lo Stato. biblioteca per loro. Saltykov-Shchedrin, San Pietroburgo. Tuttavia, la maggior parte delle miniature mostrate qui provengono dal British Museum di Londra.

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Qual è la differenza tra il quadrato nero di Malevich e il cerchio rosso a pois verdi di Vasya Vatnikov? non oso dire niente. È vero, qualsiasi esteta ti dirà (nonostante il fatto che lo stesso Malevich abbia notato che la sua immagine non significa nulla) sul significato nascosto più profondo dell'opera. Tuttavia, lo stesso si può dire del cerchio rosso a pois verdi di Vasya Vatnikov: il cerchio di piselli simboleggia il circolo vizioso dell'essere, e così via. Allora perché il prezzo di due dipinti del tutto privi di interesse, a parità di altre condizioni, è così diverso? La risposta a questa domanda è da ricercarsi nel campo della scienza noto come Etologia piuttosto che nell'arte.

1. Piacere estetico dall'immagine.

È logico presumere che l'immagine, come qualsiasi altro prodotto espressione creativa, è progettato per offrire piacere estetico dalla contemplazione di un capolavoro, per il quale le persone presumibilmente pagano milioni. Tuttavia, se guardi più in profondità, diventa chiaro che il piacere estetico è l'ultima cosa che influisce sul costo della tela. Non conta affatto. Dopotutto, se il valore principale di un capolavoro sta nel suo aspetto e, per questo, colpisce una persona, allora perché le sue copie costano un centesimo, a differenza dell'originale? Pertanto, il capolavoro stesso, l'immagine stessa - non costa nulla, costa solo l'esclusività della tela. O qualcosa si perde durante la copia, il che rende effettivamente un capolavoro un capolavoro? Difficilmente, soprattutto vista la tecnologia di copia odierna, nonché l'elevata abilità degli artisti (se noi stiamo parlando sul ridisegno). La conclusione è una sola: il prezzo di un quadro generalmente non è influenzato da quello che comunemente viene chiamato valore artistico. Il valore artistico vale un centesimo. E qui è chiaramente una questione di esclusività.

2. C'è qualche piacere estetico da un capolavoro, e quanto è forte?

Apparentemente, anche il piacere estetico di tutti i tipi di quadrati neri, anche le persone si sono inventate. Un esempio di ciò è Van Gogh, che durante la sua vita ha venduto un solo dipinto, e quello è stato acquistato da lui per pietà. Perché i suoi dipinti non hanno interessato nessuno durante la sua vita? Probabilmente perché nessuno ha provato piacere, gioia e ammirazione dalla sua "abilità". E nessuno vedeva il punto in loro, e se lui era in loro, allora a nessuno importava.

Ma all'improvviso, qualche tempo dopo la sua morte, i suoi dipinti iniziano improvvisamente a offrire il più forte piacere estetico alle grandi masse e acquisiscono un certo significato profondo che milioni di esteti ammirano. In qualche modo questo è strano! Com'è possibile che a un certo punto i tuoi dipinti non piacciano a nessuno, ma all'improvviso, come per magia, il mondo intero si innamora dei tuoi dipinti? A proposito, questo vale per la maggior parte degli artisti, c'è persino un detto: il riconoscimento arriva a un artista dopo la morte. Per qualche ragione, grandi poeti, come Pushkin e Vysotsky, e scrittori come Orwell e Bulgakov, arriva durante la loro vita, ma per i grandi artisti solo dopo la morte. Qualcosa non va, qui.

Se consideravi una certa ragazza spaventosa 20 anni fa, allora lo sarà per te oggi. Gli piaceva anche guardare le immagini. Il fatto che un tempo i dipinti dell'artista non siano piacevoli alla vista, e poi bruscamente comincino a piacere, conferma solo quanto descritto nel paragrafo precedente: il valore artistico della tela non interessa a nessuno e non riproduce alcun ruolo nel valore del dipinto, oltre che nel riconoscerlo come un capolavoro. Il piacere estetico nella maggior parte dei casi è semplicemente inventato dal pubblico. La qualità della tela può solo essere valutata artista professionista, e questa è una categoria molto limitata della popolazione, e certamente non acquistano tali dipinti per tali soldi.

Hai ricevuto piacere estetico dall'immagine? Anche se hanno ricevuto; anche se alcuni stili di disegno super complessi sono stati usati per creare questo Mui Ne, questo non può nemmeno costare migliaia di dollari, non importa quanto sia profondo, presumibilmente, il significato è investito in esso. Il prezzo di questo dipinto è pari al prezzo dei materiali spesi per la sua creazione + un supplemento per il lavoro. È vero, con un tale lavoro vale chiaramente un centesimo. Ho un pittore all'ingresso che in qualche modo ha completato il suo lavoro in modo scadente: il risultato è stata una ricostruzione delle opere di Rothko. Solo il pittore è pagato molto meno.

Dai primi due punti risulta che né il piacere estetico di vedere l'immagine, né il valore artistico nella formazione del prezzo giocano alcun ruolo. Perché le copie dei dipinti costano un centesimo. Quindi, si tratta di esclusività e tiratura limitata - questo è uno e due - il punto è a quale pennello appartiene l'opera. Al tempo di Van Gogh non c'era un solo artista degno? Perché i suoi dipinti valgono milioni e il resto non serve a nessuno per niente? Perché nella Russia di oggi i dipinti di Nikos Safronov costano migliaia di volte di più delle opere di pari qualità (e spesso di più) di migliaia di altri artisti?

3. Esclusività della tela.

L'uomo, come sai, è un animale sociale, e per tutti gli animali che vivono insieme in una comunità, la questione dello status gioca un ruolo estremamente importante, perché. lo stato determina come gli altri membri della comunità tratteranno questo individuo. Ogni comunità animale utilizza vari strumenti- la dimensione dei genitali, della coda, della criniera, del volume del ruggito e molto altro. Poiché una persona è andata abbastanza lontano dagli animali in termini di complessità della comunità in cui vive, allora una persona ha molti più strumenti per dimostrare lo status. Lo status è importante in ogni strato sociale della popolazione e in ciascuno dei suoi gruppi, indipendentemente dal numero di individui. Anche le persone che verbalmente rifiutano completamente il consumismo (supponiamo skinhead o punk) dipendono completamente da questo istinto. E lo status in primo luogo può essere raggiunto proprio attraverso il consumo. Ad esempio, ogni skinhead degli anni '90 sognava rettili con lacci bianchi: un vestito del genere dimostrava il suo alto status tra i primati che lo circondavano. E per i punk, misurati dalla pendenza degli Irochesi, questa caratteristica di dimostrare lo status è generalmente rimossa dalla natura selvaggia come carta da lucido.

Per le persone più ricche, per dimostrare lo status, servono, ad esempio, auto costose, yacht e aerei. Non è sufficiente per una persona molto ricca acquistare solo uno yacht fantastico: deve essere il più grande del mondo. perché ha bisogno del più grande yacht privato del mondo, di cui non utilizzerà nemmeno la maggior parte delle funzioni? Lo yacht si chiama basta stare in piedi e mostrare il suo stato. Tutto!

Ma le cose più costose al mondo sono esclusive o in edizione limitata. Per una persona molto ricca, una Mercedes non è più sufficiente per dimostrare lo status, perché. Molte persone hanno Mercedes. Potresti osservare una versione semplificata di questo meccanismo sull'esempio del comportamento delle femmine umane: come si rallegra quando ha acquistato vestiti belli e costosi, ma quanto è arrabbiata se all'improvviso il suo collega di lavoro è entrato esattamente nella stessa camicetta. Ha perso l'esclusività e con questa perdita ha raggiunto uno status medio, che è stata la ragione del dolore. Per evitare tali incidenti, una persona molto ricca acquista un orologio in edizione limitata per soldi folli, che essenzialmente non è diverso da altri fantastici orologi, tranne che per la sua esclusività. Quelli. paga per l'esclusività. Gli orologi Rolex, ad esempio, servono anche a questo scopo. Se i Rolex vengono regalati a tutti gratuitamente, allora perderanno il loro valore e diventeranno inutili per chiunque, proprio come gli orologi Montana una volta erano diventati inutili.

Da qui gli scandali con gli orologi super costosi di Peskov. Usano questi blues come mezzo per dimostrare lo status. Se gli orologi di Peskov fossero rilasciati in una serie illimitata, costerebbero mille volte meno. I capolavori artistici sono usati allo stesso modo. La cosa principale non è ciò che viene disegnato, anche se è un secchio franco. L'importante è avere un'esclusiva che nessun altro ha! Da qui il prezzo alto per gli originali e basso per le copie. Peskov viene a visitare il Patriarca, guarda - e il suo orologio è ancora più bello. Cosa resta da fare allo sfortunato Peskov nel suo dolore? Acquista per il tuo collezione privata dipingere per 50 milioni di dollari. A questo proposito, l'arte è il metodo più efficace per dimostrare lo status: un orologio può essere un'edizione limitata, ma qualcuno al mondo ce l'ha ancora. Ma nessuno ha l'originale di un'immagine del genere. Cosa c'è dipinto sopra? Sì, l'inferno capirà, la cosa principale è che solo io ho!

È particolarmente interessante che tutte quelle regole complesse a cui un prodotto deve conformarsi siano create dagli stessi esperti insieme ai produttori del prodotto e non possono essere oggettivamente valutate dal consumatore. la funzionalità di un tale prodotto è un criterio secondario - rimuovere il valore in essi contenuto sotto forma di marchi da molti prodotti esclusivi - e la maggior parte di essi perde immediatamente il suo alto valore.

Resta solo da capire quali criteri vengono utilizzati per selezionare i candidati per i futuri capolavori? Perché proprio il dauber di Rothko, Lucho Fontano, Barnet Newmon, e non il pittore del mio ingresso? Perché Nikas Safronov e non un artista dell'Arbat?

4. Esclusività dell'artista.

Considera l'esempio dello stesso Rothko. Quando Rothko iniziò a dipingere per la prima volta, non esisteva alcun mercato dell'arte. Questi furono i primi anni del dopoguerra, l'Europa era in rovina, il primo entusiasmo dei primi mecenati del secolo era già stato spazzato via dalla Grande Depressione, e artisti americani furono abbandonati interamente a se stessi - in un paese che, per loro ragioni, non aveva né una propria tradizione, né una propria mitologia, né cultura. Niente gallerie, niente curatori, niente collezionisti, niente critici. Era impossibile persino formulare in modo convincente ciò che ora deve essere scritto: i vecchi paradigmi sono partiti da tempo, lasciando il posto all'avanguardia europea, ma l'avanguardia non è stata in grado di giustificarsi. E poi Rothko appare con il suo impazzire - il fondatore della pittura del campo astratto. Cosa ha distinto favorevolmente Rothko da migliaia di altri artisti e artisti NORMALI? È stato il primo a iniziare a esporre questo qui. Quelli. esclusivo. Inoltre, il costo dei dipinti è influenzato dalla tragedia della vita dell'artista. E Rothko si è tagliato le vene con un rasoio. Quindi, anni dopo la sua morte, e il costo dei dipinti. Era esclusivo nella sua specificità. Specificità non come artista (il suo lavoro a belle arti non avere niente a che fare), ma come persona.

Probabilmente hai notato che poche persone sono interessate agli artisti normali? Il clamore principale in giro viaggiava francamente, come Frida, Van Gogh e così via.

A proposito, Van Gogh! Per tutto il mio vita difficile non ha mai venduto nessuno dei suoi quadri (più precisamente uno, e anche quello è stato acquistato per pietà). Eppure continuava a scrivere ea disegnare con la frenesia di un fanatico. E se davanti a lui si presentava un dilemma: morire di fame o disegnare, allora sceglieva di disegnare ... In una delle psicosi, si tagliava persino l'orecchio. La sua biografia si distingue chiaramente dallo sfondo di molti altri contemporanei. È un ottimo candidato per le arti celesti. È stato allevato, individuato dalla massa degli artisti per il suo tormento e la passione per la pittura, e tutto il resto per offuscare gli occhi e le menti dei cittadini.

Quelli. In parole povere, per molto tempo nel mondo dell'arte c'è stata una cerchia di persone che vendono ai cittadini lo status di "capolavoro" in relazione a quasi tutte le immagini di qualsiasi artista, e quei cittadini danno loro dei soldi per questo. In effetti, non sono i dipinti in sé a valere i soldi, ma le biografie degli artisti selezionati. E un'altra sfumatura: il futuro successo dell'artista e il costo dei suoi dipinti sono influenzati anche da chi sarà il primo ad acquistare il suo dipinto. Se un miliardario, questo aumenta automaticamente lo status dell'autore e, di conseguenza, il costo dei suoi dipinti. Un eccellente esempio di questo è Nikas Safronov.

5. L'ingegnosità dell'artista o il marketing competente.

È impossibile pensare a un esempio più brillante di Nikas Safronov! maggior parte immagine costosa"Dreams of Italy" di questo artista vale $ 106.000. Non c'è niente di speciale nei dipinti di Safronov, tali sogni dell'Italia: decine di migliaia giacciono nelle gallerie. Ma solo uno vale centomila dollari. Perché? Come ho scritto nell'ultimo paragrafo, uno dei fattori più importanti nello status dei dipinti di un artista è chi possiede i suoi dipinti. Safronov negli anni '90 ha lavorato nel teatro dell'autorevole personaggio dello spettacolo Donatas Bonionis, attraverso il quale ha avuto modo di contattare le star Palcoscenico russo e famoso politici, che, cogliendo l'occasione, ha regalato autoritratti. Così i suoi quadri finirono nelle case delle élite. E affinché fossero sicuramente lì, ha dipinto le celebrità solo come nobili, re, ecc.

E poi è andata così: “Wow. Una foto di alcuni Safronov è appesa a casa di Pugacheva. A quanto pare è simpatico. Trovami il suo numero, lo comprerò anch'io ”, ammirava l'oligarca, o politico. Così Safronov è diventato il "grande" artista.

L'esempio più chiaro di tale caratteristica che potresti osservare durante la mostra di un artista a Mosca (non ricordo esattamente chi). A tutti non importava di lei dall'alto campanile, quando improvvisamente fu visitata da ... Putin. Il giorno successivo, una fila gigantesca di coloro che desiderano unirsi all'alto valore artistico si è schierata in galleria. È solo che Putin, con la sua campagna, ha mostrato a uno stormo di primati che la mostra dei dipinti di questo artista è un evento di status, tutto qui.

6. Quadri e Borsa

I "capolavori" per i loro proprietari privati, oltre alle esibizioni, sono banconote di taglio molto grande (e, come spera il proprietario, in crescita). Questo è uno strumento finanziario specifico in cui viene investito denaro quando c'è molto di questo denaro extra. Ad esempio, si possono ricordare i collezionisti giapponesi che hanno iniziato ad acquistare opere d'arte e cose rare in tutto il mondo proprio quando il tasso CBA è diventato oscenamente basso.

Beh, puoi scambiarli, come in borsa: compri un quadro e aspetti che il suo prezzo cresca. E quanto aumenterà dipende da quanto verrà promosso lui e il suo autore, quanto in profondità ne verrà inventato il significato. A proposito, il prezzo sta crescendo non solo per la dura vita dell'autore, come accennato in precedenza, ma anche per la difficile storia del dipinto stesso. Quindi, di tanto in tanto, alcuni pazzi attaccano i dipinti, bagnandoli con la vernice. Nello stesso Louvre, questa è già generalmente la norma. Il paradosso è che dopo tali attacchi, la vernice viene, ovviamente, cancellata, ma i dipinti stanno aumentando rapidamente di prezzo, perché hanno una tale storia: hanno attaccato il dipinto, lo hanno cosparso di vernice, l'hanno salvato miracolosamente. Personalmente, sono propenso a credere che tali attacchi siano organizzati direttamente dai proprietari dei dipinti (fisici o legali), in modo che questo bene continui a crescere di valore.

Se all'improvviso accade l'incredibile e il prezzo dei quadri inizia a precipitare, ti assicuro che tutti i loro proprietari si dimenticheranno all'istante del loro insuperabile valore storico, e inizieranno maniacalmente a venderli, come accade con i titoli illiquidi sul mercato.

Non sto in alcun modo dicendo che qualcuno di questi artisti sia cattivo: no, hanno tutti talento a modo loro. Anche Nikas Safronov, che tra gli esperti è sottoposto alle critiche più severe. In ogni caso, nella mia vita non disegnerò come disegna lui. Si tratta di qualcos'altro. Riguarda le ragioni del costo inadeguato della pittura. E mi sembra di aver descritto l'intero processo di formazione dei prezzi e, soprattutto, i motivi che spingono il consumatore a formare tali prezzi, in modo più che convincente! E la qualità dell'immagine, il suo valore artistico e il piacere estetico della contemplazione non hanno nulla a che fare con il costo. E se qualcuno inizia a prenderti in giro per questo, allora è solo una stella.

ACROPOLI DI ATENE

FIDIO

LA STORIA DI UN CAPOLAVORO

Acropoli di Atene

Nome Acropoli di Atene

Data di creazione V c. AVANTI CRISTO.

architettura della forma d'arte

Stile architettonicoarchitettura antica

Scopo fungeva da santuario religioso in tutta l'Attica

Aspetto architettonicoL'Acropoli si erge sopra tutta Atene, la sua sagoma forma lo skyline della città. Nei tempi antichi, il Partenone che si innalzava sopra le colline poteva essere visto da qualsiasi parte dell'Attica e persino le navi che navigavano verso la riva. La composizione premurosa dell'intero insieme, le proporzioni perfettamente trovate, una combinazione flessibile di vari ordini, la raffinata modellatura dei dettagli architettonici rendono gli edifici dell'Acropoli il più alto risultato dell'antica architettura greca e uno dei monumenti più eccezionali dell'arte mondiale.

Soluzione strutturalenella costruzione dell'Acropoli, Fidia applicò un sistema di ordini, che comprendeva tre ordini: ionico, dorico e corinzio. Inoltre, durante la costruzione dell'Eretteo, non ha utilizzato il sistema degli ordini, ma ha utilizzato i caryoti. In tutti i templi dell'Acropoli sono raffigurate figure di divinità mescolate a persone.

materiali Tutti gli elementi della costruzione dell'Acropoli, comprese le tegole del tetto e i gradini dello stilobate, sono stati ricavati dal locale marmo pentelico, quasi bianco subito dopo l'estrazione, ma col tempo acquisendo una calda tinta giallastra. Non è stata utilizzata malta o cemento, la posa è stata eseguita a secco. I blocchi sono stati accuratamente incastrati l'uno con l'altro, il collegamento orizzontale tra di essi è stato effettuato con l'ausilio di morsetti di ferro a travetti posti in apposite scanalature e riempiti di piombo, il collegamento verticale è stato realizzato con l'ausilio di perni di ferro.

Dimensioni circa 300 m di lunghezza e 170 m di larghezza

Fidia (490 a.C. circa Atene)

Grandi opere

Athena Promachos sull'Acropoli, c.460 BC e.
Zeus Olimpio

L'idea dell'operaL'Acropoli di Atene, che è una collina rocciosa di 156 metri con una cima dolce. Nel 447 la direzione dei lavori fu affidata al celebre scultore Fidia, che pare ne fosse l'autore programma artistico, che ha costituito la base dell'intero complesso, il suo aspetto architettonico e scultoreo.

437-432 Propilei e Tempio di Nike Apteros

421-406 Eretteo

448-432 Partenone

Il destino dell'opera

Distruzione Molte volte i templi sull'Acropoli furono ricostruiti da frequenti guerrieri.

Ricostruzione Dopo la proclamazione dell'indipendenza della Grecia, durante i lavori di restauro (principalmente alla fine del XIX secolo), l'antico aspetto dell'Acropoli è stato ripristinato per quanto possibile.

Il look di oggiRimanendo sotto cielo aperto le sculture sono state ora sostituite da copie. Molti rilievi e sculture sono nei musei del mondo.

Fatti interessantiNel XV secolo, il Partenone fu trasformato in una moschea, a cui erano attaccati i minareti, e l'Eretteo divenne l'harem del Pascià turco.

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COLOSSEO

LA STORIA DI UN CAPOLAVORO

Colosseo

(Anfiteatro Flavio)

Brevi informazioni sull'opera

Nome Colosseo (Anfiteatro Flavio).

Data di creazione 75 - 80 anni. ANNO DOMINI

Luogo di costruzione Italia, Roma

architettura della forma d'arte

Stile architettonicoarchitettura antica

Scopo negli anfiteatri si davano spettacoli diversi: battaglie navali, battaglie

persone con animali esotici, combattimenti di gladiatori.

Aspetto architettonicoIl Colosseo romano era un'enorme ciotola con

file di sedili a gradoni, chiusi all'esterno dell'ellittico anulare

parete.

Soluzione strutturalein termini di Colosseo - un'ellisse. L'arena è separata da un alto

muro dai posti del pubblico. Intorno all'arena, salendo gradualmente, c'erano

posti per gli spettatori separati da ampi corridoi. Dentro ce n'erano quattro

gradinate, che all'esterno corrispondevano a tre ordini di arcate: doriche

ionico e corinzio. Il quarto ordine era sordo, con lesene corinzie.

materiali Il Colosseo è costruito in tufo, le pareti esterne sono più dure

traventino, mattoni e cemento sono stati utilizzati per volte e pareti.

Dimensioni lunghezza - 188 m., altezza - 48,5 m., lunghezza circonferenziale - 520 m.

La storia della creazione dell'opera

L'idea dell'operanel Colosseo venivano messi in scena spettacoli popolari a Roma - combattimenti di gladiatori, combattimenti con animali e persino battaglie navali - naumachia (quindi l'arena era piena d'acqua). Inoltre, c'erano gare equestri, competizioni sportive e qualcosa di simile a concerti moderni. L'organizzazione di tali spettacoli era uno dei doveri non detti classe dirigente ed era un modo sicuro per conquistare l'amore della gente. Per una questione di importanza nazionale, che è anche associata a costi elevati, lo svolgimento dei giochi era regolato da molte leggi.

Durata e fasi di costruzioneIl Colosseo è stato utilizzato da scopo previsto per quattro secoli e mezzo, e durante questo periodo fu più volte completato, parzialmente ricostruito e riparato, senza modificarne il disegno complessivo. Nel 217 i livelli superiori furono bruciati a causa di un incendio causato da un fulmine, ma furono restaurati. Nel 248 nell'Anfiteatro si celebrava solennemente il millennio di Roma. L'ultimo combattimento di gladiatori ebbe luogo nel 404 e nel 405 tali spettacoli furono banditi in quanto contrari allo spirito del cristianesimo, che a quel tempo era diventato la religione dominante. Secondo alcune testimonianze, a metà del V secolo il Colosseo conservava ancora il suo aspetto originario, ma già 50 anni dopo fu gravemente danneggiato, forse a seguito di un terremoto. La persecuzione degli animali è stata organizzata nel Colosseo per più di un secolo - l'ultima si è svolta nel 523, dopo la caduta dello stato romano. Per qualche tempo l'Anfiteatro fu saltuariamente utilizzato come arena, ma nell'VIII-IX secolo fu completamente abbandonato.

Il destino dell'opera

Distruzione A poco a poco, l'Anfiteatro si sciolse: le sue pietre furono smantellate, il livello inferiore degli archi andò gradualmente sottoterra, gli alberi crescevano sulle rovine e vivevano persino animali selvatici. Come monumento di storia e architettura, l'Arena iniziò ad essere percepita solo nel XVIII secolo. Il primo papa toccato dalle sorti del Colosseo fu Benedetto XVI. Lo venerò come il luogo in cui molti martiri cristiani incontrarono la morte (sebbene non tutti gli studiosi moderni siano d'accordo con questo), e in memoria delle loro sofferenze, installò un'enorme croce al centro dell'arena e diversi altari nelle vicinanze. Questi simboli esistevano fino al 1874.

Ricostruzione E da quel momento il Colosseo è stato costantemente restaurato: in diverse epoche sono state rafforzate le mura superstiti, che minacciavano di crollare, sono state riparate le scale interne, sono state completate alcune parti perdute, sono stati effettuati scavi e scoperti ambienti sotterranei. Nel 1997 è stato effettuato un grandioso rilievo del Colosseo utilizzando moderne apparecchiature laser e infrarossi. Questi lavori hanno permesso di realizzare una mappa accurata dell'Anfiteatro e di individuare i luoghi di maggiore deformazione della struttura.

Il look di oggiIl Colosseo è ancora così imponente e singolarmente originale che chiunque vi entri può, se vuole, vedere per un attimo questo gigantesco edificio com'era, quando migliaia di volti eccitati erano rivolti verso l'arena, e lì, tra i turbini di polvere, il sangue scorreva in ruscelli e c'era una lotta così feroce, che il linguaggio umano non è in grado di descrivere. Ma un attimo dopo, il vuoto e la cupa grandezza di queste rovine suscitano nel visitatore una quieta tristezza; e, forse, non sarà mai più così eccitato e scioccato da nessun altro spettacolo che non sia direttamente correlato ai suoi sentimenti ed esperienze personali ... Questo è lo spettacolo più impressionante, più solenne, maestoso e cupo che tu possa immaginare.

Fatti interessantiPer la costruzione del Colosseo fu necessario prosciugare il lago. È stato

progettato per 50.000 spettatori. Era possibile rilasciare simultaneamente nell'arena

3.000 gladiatori. Il collocamento delle persone è stato effettuato su base sociale:

luoghi di livello inferiore per l'imperatore, il suo entourage, i senatori; secondo terzo -

per cavalieri e cittadini romani; il quarto è per i liberti. Sistema

gallerie e molti ingressi hanno contribuito a riempire e svuotare rapidamente l'edificio.

Per proteggere gli spettatori dal sole su tutto l'anfiteatro su alti alberi,

Fortificato sul muro del quarto ordine, era teso un tendone (velarium). Nel profondo

le cantine del Colosseo erano stanze per gladiatori, gabbie per animali.

Anteprima:

PARTENONE

IKTIN E KALLIKRAT

LA STORIA DI UN CAPOLAVORO

Partenone

Brevi informazioni sull'opera

Nome Partenone

Data di creazione 447-438 anni. AVANTI CRISTO

Luogo di costruzione Grecia, Atene

architettura della forma d'arte

Stile architettonicoarchitettura antica

Scopo il tempio principale dell'Acropoli, dedicato alla dea Atena

Aspetto architettonico.Il Partenone nella sua forma attuale è un periptero dorico che si erge su tre gradini di marmo (altezza totale circa 1,5 m), con 8 colonne alle estremità e 17 ai lati (se si contano due volte le colonne angolari). L'altezza delle colonne del peristilio composte da 10-12 tamburi è di 10,4 m, il loro diametro alla base è di 1,9 m, le colonne angolari sono leggermente più spesse (1,95 m). Le colonne hanno 20 scanalature (grondaie verticali) e si assottigliano verso l'alto. L'interno del tempio, o cella (dimensione esterna 21,7-59 m), è rialzato rispetto allo stilobate di altri due gradini (altezza totale 0,7 m) e presenta alle estremità portici prostili a sei colonne, le cui colonne sono leggermente più basse che nel colonnato esterno. Cella è divisa in due stanze. Quella orientale, più lunga e detta dell'ecatompedone (dimensioni interne 29,9-19,2 m), era divisa in tre navate da due file di 9 colonne doriche, che si chiudevano all'estremità occidentale con una fila trasversale di tre ulteriori colonne. Si presume che esistesse anche un secondo ordine di colonne doriche, che si trovava sopra il primo e forniva l'altezza richiesta dei soffitti. Nello spazio delimitato dal colonnato interno si trovava una colossale (alta 12 m) statua di culto crisoelefantino (realizzata in oro e avorio) di Atena di Fidia. I soffitti della camera occidentale della cella (dimensioni interne 13,9-19,2 m) poggiavano su quattro alte colonne, presumibilmente ioniche.

soluzione costruttiva.Tutte le linee del tempio sembrano perfettamente diritte, perché gli architetti hanno tenuto conto delle peculiarità della visione umana: in modo che le linee rette non sembrino concave, sono state rese convesse. Tutte le linee del Partenone, tutti i suoi piani sono piegati, leggermente arrotondati, le colonne sono inclinate verso l'interno, le distanze tra loro sono diverse, anche se sembrano uguali, le colonne angolari sono più massicce e più vicine alle loro vicine, altrimenti sembrerebbe sottile sotto il sole splendente.

Materiali. Tutti gli elementi della costruzione del Partenone, comprese le tegole del tetto e i gradini dello stilobate, sono stati ricavati dal locale marmo pentelico, quasi bianco subito dopo l'estrazione, ma col tempo acquisendo una calda tinta giallastra. Non è stata utilizzata malta o cemento, la posa è stata eseguita a secco. I blocchi sono stati accuratamente incastrati l'uno con l'altro, il collegamento orizzontale tra di essi è stato effettuato con l'ausilio di morsetti di ferro a travetti posti in apposite scanalature e riempiti di piombo, il collegamento verticale è stato realizzato con l'ausilio di perni di ferro.

Dimensioni. Le dimensioni del tempio in pianta (secondo lo stilobate) sono 30,9-69,5 m.

Iktin (seconda metà del V secolo a.C.)

Anni di attività creativa.Architetto greco antico 2° piano. 5° sec. AVANTI CRISTO e. Il più grande architetto del periodo classico.

Grandi opere

Odeon di Pericle ad Atene
Tempio di Apollo a Basy, c. 430 a.C

Callicrate (metà del V secolo a.C.)

Anni di attività creativa.architetto greco anticoser. 5° sec. AVANTI CRISTO e. Rappresentante del periodo classico

Grandi opere

Partenone, Atene, V sec. AVANTI CRISTO.
Tempio di Nike Apteros, Atene, c. 420 a.C

Fidia (inizio 5° sec. AVANTI CRISTO e. - OK. 432-431 a.C e.)

Anni di attività creativa.Scultore greco antico del periodo alto classico.

Grandi opere

Athena Promachos sull'Acropoli, c.460 aC e.
Zeus Olimpio
Atena Parthenos, Atene, consacrata nel 438 a.C e.
Decorazione scultorea del Partenone, Atene

La storia della creazione dell'opera

L'idea dell'opera.Partenone - il centro dell'Acropoli ateniese, uno dei templi più maestosi dell'antica Grecia, dedicato ad Atena, ha una serie di caratteristiche uniche. (Il Partenone è costruito sotto forma di perittero).

Durata della costruzione.La costruzione del Partenone durò 16 anni e fu completata nel 432 a.C. e.

Il destino dell'opera

Distruzione. In epoca bizantina, all'inizio del VII secolo, divenne il Partenone Chiesa cristiana Santa Sofia. La struttura interna del tempio ha subito una radicale alterazione. Durante la costruzione dell'abside furono distrutte tutte le figure centrali del frontone orientale. Nel 1456 Atene fu conquistata dai Turchi. L'Acropoli divenne una fortezza turca. Il Partenone è stato trasformato in una moschea. Nel 1685 scoppiò una guerra tra la Turchia e la Repubblica di Venezia. Nel Partenone i turchi allestirono un deposito di polveri. Durante la sua esplosione, l'intera parte centrale del tempio fu distrutta, ad eccezione del muro occidentale e della maggior parte del colonnato. I veneziani volevano portare via le sculture come trofeo, ma si sono schiantate perché non hanno tenuto bene dopo l'esplosione.

Ricostruzione Il restauro del tempio iniziò nel XIX secolo. Il colonnato settentrionale è stato restaurato, così come le sculture del frontone (calchi realizzati in cemento con l'aggiunta di scaglie di cemento). Negli anni '50 fu restaurato il pavimento del tempio.

Il look di oggi.Ora del volume centrale rimane solo il muro occidentale. Da autentiche sculture rimangono solo due figure del frontone occidentale e un fregio sulla parete occidentale. L'odierno Partenone, o meglio, le sue maestose rovine, è bianco.

Fatti interessanti.Oggi il Partenone è giustamente considerato uno dei più grandi esempi di architettura antica, un capolavoro di arte e plastica mondiale.

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PIRAMIDI A GIZA

LA STORIA DI UN CAPOLAVORO

Brevi informazioni sull'opera

Il nome della piramide di Giza

Data di creazione Vv. AVANTI CRISTO .

Luogo di costruzione Egitto, Giza

architettura della forma d'arte

Stile architettonico

Scopo tombe dei faraoni

Aspetto architettonicol'insieme comprende la Sfinge e tre grandi piramidi: Cheope, Khafre e Mekerin. Quest'ultimo ha altre tre piccole piramidi satellitari. Ogni piramide comprende un tempio funerario a monte ea valle del Nilo, nonché un corridoio che li collega. La Sfinge è una statua di un leone con una testa umana.

Soluzione strutturaletre monumenti sono disposti in diagonale, ma in modo che nessuno oscuri il sole dell'altro.

Materiali pietra

Dimensioni La piramide di Cheope è la più grande: è quadrata, ogni lato misura 250 m. Ogni pietra non è inferiore a 10 m. Avendo inizialmente un'altezza di 146 m, oggi raggiunge solo 137 m, e sul sito della cima si è formata una piattaforma larga 10 m. L'altezza della piramide di Khafre è inferiore a quella della precedente, ma la sua cima è allo stesso livello con essa, poiché si trova in un luogo più alto. La piramide di Mekerin raggiunge appena i 66 m. La lunghezza della Sfinge è di 73 m.

(Data e luogo di nascita)

Formazione scolastica

Anni di attività creativa

Data e luogo di morte

Grandi opere

(Nome, luogo e data di costruzione)

La storia della creazione dell'opera

L'idea dell'opera

Durata e fasi di costruzioneprima passarono 10 anni a posare una strada lungo la quale venivano trascinate pietre, ma questo non era niente in confronto alla costruzione della piramide stessa. Ha richiesto 20 anni di lavoro. La piramide fu inizialmente costruita sotto forma di una grande scalinata, composta da ciò che alcuni chiamano merli, altri gradini. Questa forma ha permesso di sollevare il resto delle pietre.

Il destino dell'opera

Distruzione l'insieme della piramide di Cheope è quasi completamente distrutto e l'insieme della piramide di Khafre, al contrario, è per lo più conservato.

La ricostruzione non è stata eseguita.

Il look di oggisono sopravvissuti fino ai nostri tempi.

Fatti interessantici sono iscrizioni sulla piramide di Cheope che indicano quanto denaro è stato speso per l'acquisto di rafano, cipolle e aglio per nutrire gli operai. L'importo delle spese ha raggiunto i 6.000 talenti d'argento, ovvero 40.000 kg.

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STONEHENGE

LA STORIA DI UN CAPOLAVORO

stonehenge

Brevi informazioni sull'opera

Nome Stonehenge

Data di creazione 3500 - 1100. AVANTI CRISTO.

Posizione Regno Unito, Inghilterra

Forma d'arte Architettura

Stile architettonicoarte primitiva

Scopo Forse Stonehenge, che fungeva da tempio del Sole, era un luogo di cerimonie rituali e sepolture, e fungeva anche da fantastico simbolo del potere dei sacerdoti. Non è esclusa un'altra versione, secondo la quale Stonehenge, fungendo da osservatorio astronomico, consente di tenere con grande precisione un conteggio dei giorni del calendario, segnare l'inizio della stagione, prevedere l'inizio delle eclissi solari e lunari.

Aspetto architettonicoStonehenge consisteva in due sale circolari al centro, che avevano un altare a forma di ferro di cavallo.

materiali Per la costruzione del complesso sono state consegnate pietre da una cava, che si trovava a più di 300 chilometri dal cantiere.

Dimensioni In generale, Stonehenge è una struttura di 82 megaliti da cinque tonnellate, 30 blocchi di pietra, del peso di 25 tonnellate ciascuno, e 5 enormi cosiddetti triliti, pietre che pesano fino a 50 tonnellate. Blocchi di pietra impilati formano archi che un tempo fungevano da indicatore impeccabile delle direzioni cardinali.

La storia della creazione dell'opera

Durata e fasi di costruzioneStonehenge I era un fossato circolare con due sale. In un cerchio lungo il bastione esterno ci sono 56 piccoli "buchi" sepolcrali di Aubrey. A nord-est dell'ingresso del ring c'era un'enorme Heel Stone di sette metri. Durante la costruzione di Stonehenge II, fu posato un vicolo di terra tra la Heel Stone e l'ingresso. Furono eretti due anelli di 80 enormi blocchi di pietra blu, che probabilmente furono consegnati a 320 km dal Galles meridionale. Nella fase finale della costruzione, i megaliti sono stati riorganizzati.Le pietre blu furono sostituite da un colonnato ad anello di 30 triliti, ciascuno dei quali era costituito da due pietre verticali e da una lastra orizzontale appoggiata su di esse. All'interno dell'anello è stato installato un ferro di cavallo di cinque triliti separati.

Il destino dell'opera

Il look di oggiOggi non c'è una risposta univoca alla domanda su cosa fossero queste incredibili strutture architettoniche antiche: un tempio, una necropoli, un osservatorio, ma in ogni caso la storia dell'architettura è iniziata con loro.

Fatti interessantiIl famoso astronomo Fred Hoyle, dopo aver studiato tutte le caratteristiche geometriche di Stonehenge, stabilì che i creatori di questa struttura conoscevano l'esatto periodo orbitale della Luna e la durata dell'anno solare. Secondo le conclusioni di altri ricercatori, i fori situati all'interno del cerchio formato da blocchi di pietra indicano esattamente la traiettoria del Polo del Mondo 12-30mila anni fa.Secondo la leggenda locale, le pietre blu giganti hanno poteri curativi, sono apparse su questa terra grazie al mago Merlino, uno stregone alla corte di Re Artù, che le portò dall'Irlanda. L'origine dell'enorme Heel Stone è collegata ad un'altra leggenda. Dicono che una volta il diavolo vide un monaco nascosto tra le pietre. Prima che lo sfortunato potesse scappare, il diavolo gli lanciò contro un enorme masso, che lo schiacciò al calcagno. Per molto tempo le rovine di Stonehenge sono state associate al culto sacerdotale degli antichi druidi celtici, anche se gli esperti negano questa connessione.

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PALAZZO MIKHAILOV (MUSEO RUSSO)

DATA DI CREAZIONE 1819-1825

STORIA DELLA CREAZIONENel 1798, Paolo I ordinò di mettere da parte diverse centinaia di migliaia di rubli ogni anno per la costruzione di un palazzo per il figlio minore Mikhail. L'imperatore non ebbe mai la possibilità di vedere l'incarnazione della sua idea, morì a seguito di un colpo di stato a palazzo. La decisione di iniziare la costruzione fu presa dall'imperatore Alessandro I. L'architetto del castello Mikhailovsky in costruzione èKarl Ivanovich Rossi . Iniziò a lavorare al progetto nel 1817, quando si prevedeva di sistemare la residenza del Granduca, prima sul posto.Palazzo Vorontsov e poi a postoLa casa di Chernyshev . Dopo la decisione di costruire un palazzo su questa terra desolata,Russia iniziò a creare un progetto non solo per la ricostruzione di edifici esistenti, ma per un nuovo insieme architettonico urbano. La posa cerimoniale dell'edificio è avvenuta il 14 luglio e la costruzione è iniziata il 26 luglio. Mikhailovsky Palace Rossi associato aProspettiva Nevskij nuova via Mikhailovskaya, trasformandosi inPiazza Mikhailovskaja proprio di fronte al palazzo. Affaccio su via Mikhailovskaya Palazzo principale fabbricato, al quale si affiancano due fabbricati di servizio. Uno di essi ospitava le cucine, l'altro ospitava l'arena e le scuderie. Dal latocampo di Marte un giardino apparve al palazzo - Mikhailovsky. La costruzione dell'edificio fu completata nel 1825.

ASPETTO ARCHITETTONICOIl Museo Russo fa parte dell'insieme del Palazzo Mikhailovsky e del Castello dell'Ingegneria.Il Palazzo Mikhailovsky si trova tra la Prospettiva Nevskij e il Campo di Marte. Già dalla Prospettiva Nevskij, nella prospettiva della strada, si poteva vedere come, sopra l'arcata del primo piano, un magnifico portico di belle proporzioni con colonne corinzie, con un frontone riccamente decorato con sculture. Un colonnato di venti tronchi si trova in tutta l'ampiezza della facciata, appoggiato sulle sporgenze laterali. Dal lato del giardino, nello stesso ordine corinzio di dodici colonne, si apre una loggia incastonata tra due massicci, coronata da piccoli frontoni.L'ampio scalone in granito all'ingresso dell'edificio è decorato con due statue di leoni.

FATTI INTERESSANTIIl Museo Russo è uno dei più famosi non solo a San Pietroburgo, ma in tutta la Russia. Qui puoi vedere opere d'arte Andrei Rublev, F. Shubin, K. Bryullov, F. Bruni, O. Kiprensky, A. Ivanov, I. Repin, A. Kuindzhi, I. Shishkin, V. Serov, M. Vrubel, B. Kustodiev, K. Malevich , M. Chagall, K. Petrov-Vodkin e altri grandi artisti russi.

DATA DI CREAZIONE 1806-1819

STORIA DELLA CREAZIONEDal 1704, sull'isola Admiralteysky, situata sulla riva sinistra della Neva e delimitata a sud dalla Moika, iniziò la costruzione del cantiere navale-Ammiragliato - secondo il disegno dello stesso Pietro I. Insieme a Fortezza di Pietro e Paolo era la base della composizione architettonica della città. Nel 1730, un terribile incendio devastò la parte centrale di San Pietroburgo e una commissione appositamente creata iniziò a sviluppare un piano per il suo nuovo sviluppo. L'architetto Ivan Korobov, lasciando l'originale disposizione generale a forma di U dell'Ammiragliato, ha sostituito gli edifici a graticcio con quelli in pietra. IN inizio XIX secolo Andrey Zakharov iniziò a lavorare alla creazione di un nuovo edificio dell'Ammiragliato.

ASPETTO ARCHITETTONICOIl nuovo Ammiragliato fu concepito come una sorta di monumento alla flotta russa, e quindi l'ingresso centrale ad esso fu deciso sotto forma di arco di trionfo. L'edificio è costituito da due edifici a forma di U in termini di esterno del popolo, destinato al dipartimento dell'Ammiragliato, e interno, dove si trovavano le officine. L'architetto ha ripetuto il motivo dell'arco nelle facciate dei padiglioni disposti simmetricamente rivolti verso la Neva. La decorazione scultorea dell'Ammiragliato è unita da un tema: la glorificazione del potere della Russia. Davanti all'ingresso principale su entrambi i lati si trovano figure monumentali di ninfe che sostengono le sfere celesti (1812, scultore F.F. Shchedrin). Sopra l'arco della torre c'è un altorilievo "L'istituzione della flotta in Russia" (1812, scultore I.I. Terebenev) lungo circa 22 metri.

Secondo il progetto di Ivan Korobov, fu costruita una torre con una guglia. Successivamente, l'architetto Andreyan Zakharov aumentò l'altezza della guglia a 72 metri e la incoronò con una banderuola a forma di fregata a tre alberi.

DATA DI CREAZIONE 1819 - 1829

STORIA DELLA CREAZIONEIl progetto di Rossi del palazzo dello Stato Maggiore prevedeva il collegamento di due grandi edifici posti ad arco con arco di trionfo centrale. Si decise di collocare lo Stato Maggiore delle Forze di Terra nell'ala destra (occidentale) e i ministeri degli affari esteri e delle finanze nell'ala sinistra (orientale). I lavori di costruzione andarono rapidamente il 23 ottobre 1824. Rossi riferì ai suoi superiori che l'intera enorme facciata era pronta. Non appena le ali furono erette, fu disposto un arco tra di loro.. L'arco trionfale fu concepito da Rossi come monumento alle gesta eroiche del popolo russo nella liberazione Guerra patriottica 1812.

ASPETTO ARCHITETTONICOL'arco - principale nucleo compositivo e spaziale dell'edificio - è rinforzato da doppie colonne corinzie ai lati e da un attico con sommità a gradoni. La costruzione è coronata dal carro della Vittoria, imbrigliato da sei cavalli. Tutta questa spettacolare composizione centrale, che per proporzioni si avvicina a un quadrato, è ancora sostenuta su entrambi i lati da un chiaro ritmo verticale dei portici corinzi a nove colonne.Saturo di decorazioni scultoree, la soluzione monumentale del centro eil ritmo armonioso delle colonne dei portici delle ali laterali è particolarmente espressivo sullo sfondo di una rigorosa facciata neutra rivolta verso la piazza.La disposizione delle fondamenta dell'arco è enfatizzata dall'armatura: altorilievi splendidamente disposti di armature e armi militari. Sopra di loro, tra le colonne, ci sono statue di guerrieri e arredi, e ai lati dell'arco ci sono altorilievi a forma di figure volanti.È estremamente difficile organizzare in modo semplice e allo stesso tempo così bello una facciata di mezzo chilometro di un edificio. Tale effetto, con uno sfondo generalmente calmo, è creato da un centro identificato attivamente, creato dall'arco dell'edificio e da un potente arco di proporzioni perfette.

FATTI INTERESSANTICome hanno raccontato le figlie di Rossi, l'architetto, insieme agli operai, è salito in cima proprio il giorno dell'apertura dell'arco. "Se l'arco cade, sono pronto a cadere con esso", ha detto allo stesso tempo.

DATA DI CREAZIONE 1858

STORIA DELLA CREAZIONEInizialmente fu costruita una piccola chiesa in legno sul prato Admiralteisky, caratterizzata dalla modestia dell'architettura, tipica dei primi edifici dell'era petrina. Con la sua costruzione, Pietro I decise di perpetuare il suo compleanno, il 30 maggio, che coincideva con il giorno della celebrazione della memoria di Sant'Isacco di Dalmazia. Il 6 agosto 1717, sulle rive della Neva, all'incirca dove ora si trova il monumento a Pietro I, con la partecipazione dell'imperatore, dei più alti dignitari dello stato e del clero, fu posta la seconda chiesa di Sant'Isacco. Nel maggio 1735 scoppiò un incendio a causa di un fulmine, che completò la distruzione iniziata.

Il 15 luglio 1761, con decreto del Senato, la progettazione e la costruzione della nuova chiesa di Sant'Isacco fu affidata a S.I. Chevakinsky, ma il talentuoso architetto non dovette realizzare il suo piano. Le date di costruzione sono state posticipate.

Salita al trono nel 1762, Caterina II approvò l'idea di ricreare la cattedrale associata al nome di Pietro I, ma la progettazione e la costruzione fu affidata all'architetto Antonio Rinaldi. La cattedrale fu concepita con cinque complesse cupole e un alto campanile. Il rivestimento in marmo avrebbe dovuto aggiungere raffinatezza alla combinazione di colori delle facciate. Ma la costruzione procedeva molto lentamente. Rinaldi fu costretto a lasciare San Pietroburgo senza completare l'opera che aveva iniziato. La direzione della costruzione era guidata da O. Montferrand.

ASPETTO ARCHITETTONICOGigantesco, rivestito di marmo, coronato da una gigantesca cupola e piccole cupole di campanili, l'edificio della Cattedrale di Sant'Isacco domina la piazza (altezza 101,5 m), è circondato da 112 colonne monolitiche, del peso da 64 a 114 tonnellate. Il tempio ospita circa 14mila persone.Il tempio è decorato con 350 rilievi e statue. Tutta la decorazione scultorea della cattedrale è stata realizzata secondo i modelli di I. Vitali, S. Pimenov, A. Lemaire. Un grandioso insieme di statue, bassorilievi, ante, due frontoni, decorazioni scultoree, collegate dall'unità di narrazioni bibliche ed evangeliche, è organicamente incluso nell'architettura dell'edificio.

FATTI INTERESSANTIIl soffitto della cupola (diametro 21,83 m), realizzato in ferro e ghisa, nonché l'utilizzo nella costruzione di un nuovo metodo galvanoplastico per la fabbricazione di bassorilievi, l'ingegnere B.S. Jacobi testimonia lo sviluppo della tecnologia e dell'ingegneria.