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Dipinti di Edward Hopper. Illuminazione di una mostra di opere dell'artista americano Edward Hopper

C'è un dipinto così accattivante che cattura lo spettatore all'istante. Non c'è smarrimento, vigilanza, tutto sembra subito chiaro, come in un colpo di fulmine. Non sorprende che un attento esame, riflessione ed empatia possano danneggiare tale amore. È possibile trovare qualcosa di profondo, solido lì, dietro lo splendore esterno? Non è un dato di fatto.

Prendi, ad esempio, il più alla moda per i secondi cento anni dell'impressionismo. Probabilmente, per il pubblico di massa di oggi non esiste tendenza più popolare nella storia della pittura. Tuttavia, come direzione artistica l'impressionismo si è rivelato sorprendentemente transitorio, essendo esistito nella sua forma pura per appena vent'anni. I suoi padri fondatori alla fine abbandonarono la loro idea, sentendo l'esaurimento di idee e metodi. Renoir tornò alle forme classiche di Ingres e Monet si avvicinò all'astrattismo.

Succede anche il contrario. I dipinti sono modesti e senza pretese, i motivi sono ordinari e le tecniche sono tradizionali. Ecco una casa sulla strada, ecco una ragazza alla finestra, ma in generale una banale stazione di servizio. Nessuna atmosfera, nessun effetto di luce, nessuna passione romantica. Se alzi le spalle e vai avanti, allora tutto rimarrà così. E se ti fermi a guardare, troverai un abisso.

Tale è la pittura di Edward Hopper, uno dei più famosi artisti americani del ventesimo secolo.

Senza accorgersi dell'Europa

La biografia di Hopper non contiene quasi eventi luminosi e colpi di scena inaspettati. Ha studiato, è andato a Parigi, ha lavorato, si è sposato, ha continuato a lavorare, ha ricevuto riconoscimenti ... Niente lanci, scandali, divorzi, alcolismo, buffonate oltraggiose - niente di "fritto" per la stampa gialla. In questo, la storia della vita di Hopper è simile ai suoi dipinti: esteriormente tutto è semplice, persino calmo, ma nel profondo c'è una tensione drammatica.

Già da bambino ha scoperto la capacità di disegnare, in cui i suoi genitori lo hanno sostenuto in ogni modo possibile. Dopo la scuola, ha studiato illustrazione per corrispondenza per un anno, per poi entrare nella prestigiosa New York Art School. Fonti americane citano un intero elenco dei suoi famosi compagni di studio, ma i loro nomi non dicono quasi nulla al pubblico russo. Con l'eccezione di Rockwell Kent, sono rimasti tutti artisti di importanza nazionale.

Nel 1906 Hopper terminò gli studi e iniziò a lavorare come illustratore in un'agenzia pubblicitaria, ma in autunno andò in Europa.

Devo dire che un viaggio in Europa era quasi una tappa obbligata formazione professionale per gli artisti americani. A quel tempo, la stella di Parigi brillava luminosa e persone giovani e ambiziose venivano attratte lì da tutto il mondo per unirsi alle ultime conquiste e tendenze della pittura mondiale.

È sorprendente quanto siano diverse le conseguenze di questa fermentazione in un calderone internazionale. Alcuni, come lo spagnolo Picasso, si sono rapidamente trasformati da studenti in leader e sono diventati loro stessi trendsetter nella moda artistica. Altri sono sempre rimasti imitatori, per quanto talentuosi, come Mary Cassatt e James Abbot McNeil Whistler. Altri ancora, come gli artisti russi, tornarono in patria contagiati e carichi di spirito nuova arte, e già a casa hanno aperto la strada dai cortili dell'arte mondiale alle sue avanguardie.

Hopper era il più originale di tutti. Ha viaggiato in Europa, è stato a Parigi, Londra, Amsterdam, è tornato a New York, ha viaggiato di nuovo a Parigi e in Spagna, ha trascorso del tempo nei musei europei e ha incontrato artisti europei ... Ma, a parte le influenze a breve termine, la sua pittura non rivelare qualsiasi familiarità con le tendenze moderne. Niente di niente, anche la tavolozza si è appena illuminata!

Apprezzava Rembrandt e Hals, in seguito - El Greco, dai maestri vicini nel tempo - Edouard Manet ed Edgar Degas, che a quel tempo erano già diventati dei classici. Per quanto riguarda Picasso, Hopper affermò abbastanza seriamente di non aver sentito il suo nome mentre era a Parigi.

È difficile da credere, ma resta il fatto. I post-impressionisti erano appena scomparsi, i fauvisti e i cubisti già spezzavano le loro lance, il futurismo si profilava all'orizzonte, la pittura si staccava dall'immagine del visibile e si concentrava sui problemi e sui limiti del piano pittorico, brillavano Picasso e Matisse . Ma Hopper, essendo nel bel mezzo delle cose, sembrava non accorgersene.

E dopo il 1910 non attraversò mai l'Atlantico, nemmeno quando i suoi quadri furono esposti nel padiglione americano della prestigiosa Biennale di Venezia.

Artista al lavoro

Nel 1913, Hopper si stabilì a New York in Washington Square, dove visse e lavorò per più di cinquant'anni, fino alla fine dei suoi giorni. Nello stesso anno vende il suo primo dipinto, esposto al famoso Armory Show di New York. Sembrava che la carriera iniziasse in modo promettente e il successo non fosse lontano.

Non è andata così rosea. "Armory Show" è stata concepita come la prima mostra negli Stati Uniti arte contemporanea e come tale è stato un clamoroso successo. Ha distolto gli occhi di dilettanti, critici e artisti dal realismo e li ha rivolti verso l'avanguardia, sebbene accompagnata da ridicolo e scandali. Sullo sfondo di Duchamp, Picasso, Picabia, Brancusi, Braque, il realismo di Hopper sembrava provinciale e antiquato. L'America ha deciso che era necessario mettersi al passo con l'Europa, i ricchi collezionisti si sono interessati all'arte d'oltremare e le singole vendite di opere domestiche non hanno fatto la differenza.

Hopper ha lavorato come illustratore commerciale per molti anni. Abbandonò addirittura la pittura e si dedicò all'acquaforte, tecnica allora più adatta alla riproduzione a stampa. Non era in servizio, lavorava part-time con gli ordini di riviste e ha vissuto tutte le difficoltà di questa posizione, a volte cadendo anche in depressione.

Tuttavia, in quella che allora era New York, c'era una mecenate delle arti che decise di collezionare in particolare le opere di artisti americani: Gertrude Whitney, figlia del milionario Vanderbilt; tra l'altro, lo stesso con cui il cannibale Ellochka gareggiò senza successo, barattando un colino da tè di Ostap Bender per una delle dodici sedie.

Ombre notturne.

Successivamente, Whitney ha cercato di donare la sua collezione di artisti americani contemporanei al Metropolitan Museum of Art, ma la sua direzione non ha ritenuto degno il dono. La respinta collezionista, per rappresaglia, fondò nelle vicinanze il proprio museo, tuttora considerato miglior museo Arte americana.

Vento della sera. 1921 Museo d'arte americana, New York

Ma questo è nel futuro. Mentre Hopper era in visita al Whitney Studio, dove nel 1920 tenne la sua prima mostra personale: 16 dipinti. Anche alcune sue acqueforti hanno attirato l'attenzione del pubblico, in particolare "Ombre notturne" e "Vento della sera". Ma non poteva ancora diventare un artista freelance e ha continuato a guadagnare soldi con l'illustrazione.

Famiglia e riconoscimento

Nel 1923 Hopper incontrò il suo futura moglie Giuseppina. La loro famiglia si è rivelata forte, ma la vita familiare non è stata facile. Jo ha proibito al marito di dipingere nudi e, se necessario, ha posato per se stessa. Edward era geloso di lei anche per il gatto. Tutto era aggravato dalla sua taciturnità e dal carattere cupo. “A volte parlare con Eddie era come lanciare un sasso in un pozzo. Con un'eccezione: non si sentiva il rumore della caduta in acqua ", ha ammesso.

Edward e Joe Hopper. 1933

Tuttavia, è stato Jo a ricordare a Hopper le possibilità dell'acquerello, e lui è tornato a questa tecnica. Presto espose sei opere al Brooklyn Museum e una di queste fu acquistata dal museo per $ 100. I critici hanno reagito bene alla mostra e hanno notato la vitalità e l'espressività degli acquerelli di Hopper, anche con i soggetti più modesti. Questa combinazione di moderazione esteriore e profondità espressiva diventerà il marchio di fabbrica di Hopper per tutti gli anni rimanenti.

Nel 1927, Hopper vendette il dipinto "Two in the Auditorium" per $ 1.500, e la coppia ottenne la loro prima macchina con questi soldi. L'artista ha avuto l'opportunità di fare schizzi e l'America provinciale rurale è diventata per lungo tempo uno dei motivi principali della sua pittura.

Due nell'auditorium. 1927. Museo d'Arte, Toledo

Nel 1930 avviene un altro evento importante nella vita dell'artista. Il mecenate Stephen Clark ha donato il suo dipinto “House at ferrovia” al Museum of Modern Art di New York, e da allora è rimasto lì in un posto di rilievo.

Così, poco prima del suo cinquantesimo compleanno, Hopper entrò nel tempo del riconoscimento. Nel 1931 vende 30 opere, di cui 13 acquerelli. Nel 1932 prese parte alla prima mostra regolare del Whitney Museum e non mancò la successiva fino alla sua morte. Nel 1933, in onore dell'anniversario dell'artista, il Museum of Modern Art ha presentato una retrospettiva del suo lavoro.

Per i successivi trent'anni della sua vita, Hopper ha lavorato fruttuosamente, nonostante i problemi di salute sorti in età avanzata. Jo gli sopravvisse per dieci mesi e lasciò in eredità l'intera collezione di famiglia al Whitney Museum.

Mezzanotte. 1942. Istituto d'Arte, Chicago

Negli anni della maturità, l'artista ha creato molti capolavori riconosciuti, come "Early Sunday Morning", "Night Owls", "Office in New York", "People in the Sun". Durante questo periodo, ha ricevuto numerosi premi, viaggiato in Canada e Messico, è stato presentato in diverse retrospettive e mostre personali.

Protezione della sorveglianza

Non si può dire che in tutti questi anni la sua pittura non si sia sviluppata. Tuttavia, Hopper ha trovato presto i suoi temi e le sue immagini preferite, e se qualcosa è cambiato, è la credibilità della loro incarnazione.

Se si dovesse trovare una formula breve per il lavoro di Hopper, sarebbe "alienazione e isolamento". Dove stanno andando i suoi personaggi? Perché sono congelati nel bel mezzo della giornata? Cosa impedisce loro di iniziare un dialogo, di avvicinarsi l'un l'altro, di chiamare e rispondere? Non c'è risposta e, a dire il vero, non ci sono quasi domande, almeno per loro. Ecco come sono, questa è la vita, questo è il mondo che separa le persone con barriere invisibili.

Questa invisibilità delle barriere preoccupava seriamente Hopper, motivo per cui ci sono così tante finestre nei suoi dipinti. Il vetro è un collegamento visivo, ma una barriera fisica. I suoi eroi e le sue eroine, visti dalla strada, sembrano aperti al mondo, ma in realtà sono chiusi, immersi in se stessi - guarda Night Owls o The Office a New York. Tale dualità dà origine a una toccante combinazione di fragile vulnerabilità e ostinata inaccessibilità, persino inespugnabilità.

Se, al contrario, noi, insieme ai personaggi, guardiamo fuori dal vetro, allora la finestra di nuovo inganna, stuzzicando solo con la possibilità di vedere qualcosa. Scenario migliore mondo esterno indicato solo da una serie di alberi o edifici, e spesso nulla è visibile nella finestra, come, ad esempio, in "Evening Wind" o nel dipinto "Automat".

automatico. 1927. Centro artistico, Des Moines. Stati Uniti d'America

In generale, le finestre e le porte di Hopper sono caratterizzate dalla stessa combinazione di apertura e vicinanza dei personaggi animati. Telai leggermente socchiusi, tende ondeggianti, persiane chiuse, porte socchiuse vagano da un quadro all'altro.

Trasparente è impenetrabile, e ciò che dovrebbe unire separa. Da qui la costante sensazione di mistero, understatement, contatto mancato.

La solitudine tra le persone, in una grande città, davanti a tutti, è diventata un tema trasversale dell'arte del Novecento, solo che qui, con Hopper, non è la solitudine da cui scappano, ma quella da cui si salvano. La vicinanza dei suoi personaggi sembra forma naturale legittima difesa, e non come capriccio o proprietà del carattere. La luce che si riversa su di loro è dolorosamente spietata e sono troppo apertamente esposti al pubblico, e una sorta di minaccia indifferente si annida nel mondo che li circonda. Pertanto, invece di barriere esterne, è necessario costruirne di interne.

Certo, se i muri dell'ufficio vengono distrutti, l'efficienza lavorativa aumenterà, perché di fronte l'una all'altra, e ancor di più al capo, le persone sono meno distratte e chiacchierano. Ma quando tutti sono sotto sorveglianza, la comunicazione si interrompe e il silenzio diventa l'unica forma di difesa. Gli eroi sono trattenuti, gli istinti sono soppressi, le passioni sono spinte in profondità: persone civili e colte nell'armatura protettiva della correttezza esteriore.

Attenzione oltre

Molto spesso i quadri di Hopper danno l'impressione di un momento fermo. E questo nonostante il fatto che nella foto stessa il movimento non sia affatto indicato. Ma è percepito come un fotogramma cinematografico che ha appena sostituito il precedente ed è pronto a cedere il passo al successivo. Non è un caso che Hopper fosse così apprezzato dai cineasti americani, in particolare Hitchcock, e gli standard hollywoodiani per inquadrare un fotogramma si sono ampiamente formati tenendo conto della sua influenza.

Era naturale per l'artista dirigere l'attenzione dello spettatore non tanto sul momento rappresentato quanto sugli eventi immaginari che lo hanno preceduto o seguito. Questa abilità, rara nella storia della pittura, combinava paradossalmente le conquiste dell'impressionismo, con la sua accresciuta attenzione al momento, e del post-impressionismo, che voleva comprimere il passare del tempo in un'immagine artistica momentanea.

Hopper è riuscito davvero a fissare saldamente sulla tela un momento inafferrabile dell'essere e allo stesso tempo ad accennare all'incessante scorrere del tempo che lo ha portato in superficie e lo porta immediatamente nelle oscure profondità del passato. Se il futurismo ha cercato di rappresentare il movimento direttamente sul piano pittoresco, allora Hopper lo porta fuori dai confini della pittura, ma lo lascia entro i limiti della nostra percezione. Non lo vediamo, ma lo sentiamo.

Allo stesso modo, l'artista riesce a reindirizzare la nostra attenzione oltre il quadro, non solo nel tempo, ma anche nello spazio. I personaggi guardano da qualche parte fuori, l'autostrada che passa davanti alla stazione di servizio attira l'attenzione dello spettatore lì, e sulla ferrovia l'occhio riesce a cogliere solo l'ultimo vagone del treno. E più spesso non c'è più, il treno è passato di corsa e noi involontariamente e senza successo scivoliamo fuori con gli occhi dietro di lui lungo i binari.

Questa è l'America così com'è: nessuna nostalgia per i perduti, nessuna glorificazione del progresso. Ma se fosse solo l'America, allora Hopper non sarebbe caduto nella sorte della fama mondiale, così come molti dei suoi contemporanei di abilità non peggiori non l'hanno ottenuta. In effetti, Hopper è riuscito a toccare sentimenti universali, utilizzando materiale nazionale. Ha aperto la strada a Riconoscimento internazionale Pittura americana, sebbene sia stata portata ai ruoli principali nell'arte mondiale artisti del dopoguerra, non riconosciuto dallo stesso Hopper.

Il suo percorso è unico. Nel turbolento mondo dei vibranti movimenti artistici, riuscì a non soccombere all'influenza di nessuno e a percorrere lo stretto sentiero tra il romanticismo e la critica sociale, tra l'ossessione concettuale dell'avanguardia e il deliberato naturalismo del precisione e dell'iperrealismo, rimanendo fedele a se stesso fino alla fine.

L'artista americano Edward Hopper è considerato da alcuni un urbanista, altri un rappresentante di realismo magico e alcuni sono un precursore della pop art. I fan del lavoro di Hopper lo definiscono con entusiasmo "un sognatore senza illusioni" e "un poeta degli spazi vuoti". Tutte le opinioni sono unite dalla drammatica tela di Hopper chiamata "Night Owls". È riconoscibile come La Gioconda di Leonardo Da Vinci, L'urlo di Edvard Munch o I cani che giocano a poker di Coolidge. L'incredibile popolarità di questo lavoro lo ha inserito tra le icone della cultura pop.

(Edoardo Hopper, 1882-1967) è stato un importante rappresentante della pittura di genere americana del XX secolo. E, sebbene sia stato durante questo periodo che sono nate nuove tendenze nell'arte, è rimasto indifferente ai cambiamenti e agli esperimenti d'avanguardia dei suoi colleghi. I contemporanei che tenevano il passo con la moda amavano il cubismo, il surrealismo e l'arte astratta, e la pittura di Hopper era considerata noiosa e conservatrice. Edward ha sofferto, ma non ha cambiato i suoi ideali: “ Come possono non capire: l'originalità dell'artista non è ingegno e non è un metodo, soprattutto non è un metodo alla moda, è la quintessenza della personalità ».

E la personalità di Edward Hopper era molto complessa. E molto chiuso. E a tal punto che dopo la sua morte, forse l'unica fonte di informazioni sulla sua vita e sul suo carattere era il diario di sua moglie. In una delle interviste, ha detto:

Un giorno, un impiegato della rivista New Yorker ha cercato di scrivere un saggio sulla vita di Edward. E non potevo. Non c'era materiale. Niente di cui scrivere. Il suo vera biografia Potevo solo scrivere. E sarebbe puro Dostoevskij« .

Così era fin dall'infanzia, anche se il ragazzo è cresciuto in una buona famiglia del proprietario di un negozio di merceria nella città di Nyack (New York). La famiglia non era estranea all'arte: nei fine settimana padre, madre e figli a volte venivano a New York per visitare mostre d'arte o andare a teatro. Il ragazzo ha scritto segretamente le sue impressioni su uno spesso taccuino. Molte cose erano nascoste lì agli adulti. In particolare, le sue esperienze e risentimenti, quando all'età di 12 anni è improvvisamente cresciuto di 30 cm durante l'estate e ha iniziato a sembrare terribilmente goffo e allampanato. I compagni di classe ad ogni turno lo prendevano in giro e lo prendevano in giro per questo. Forse da questo sfortunato incidente, Edward Hopper ha conservato per sempre dolorosa timidezza, isolamento e silenzio. Sua moglie ha scritto nel suo diario: Dire qualcosa a Ed è come gettare un sasso in un pozzo senza fondo. Non riesco a sentire lo splash «.

Naturalmente, questo si rifletteva nello stile dei suoi dipinti. A Hopper piaceva dipingere interni senza vita e paesaggi desertici: strade senza uscita ferroviarie che non portano da nessuna parte, caffè deserti, in cui si respira la solitudine. Le aperture delle finestre erano un leitmotiv costante del suo lavoro. L'artista, per così dire, stava cercando una via d'uscita dal suo mondo chiuso. O, forse, ha aperto segretamente l'ingresso a se stesso: la luce del sole che entrava dalle finestre nelle stanze riscaldava leggermente il freddo dei dipinti ascetici di Hopper. Possiamo dire che sullo sfondo dei suoi cupi paesaggi e interni, i raggi del sole sulle sue tele incarnano esattamente la metafora " un raggio di luce in un regno oscuro «.

Ma soprattutto, Hopper ha raffigurato la solitudine nei suoi dipinti. Anche i tramonti, le strade e le case di Hopper sono solitari. Le coppie raffigurate sulle sue tele non sembrano meno sole, soprattutto le coppie. Il malcontento reciproco e l'alienazione tra un uomo e una donna è un tema costante di Edward Hopper.

Il tema aveva una base molto vitale: al quarantesimo anno di vita, Hopper sposò la sua coetanea Josephine Nivison, che conosceva dai tempi della scuola d'arte di New York. Giravano negli stessi circoli, erano collegati dagli stessi interessi, avevano opinioni simili su molte cose. Ma loro la vita familiare pieno di ogni sorta di conflitto e scandalo, a volte fino a litigi. Secondo il diario della moglie, la colpa di tutto era del marito maleducato. Allo stesso tempo, secondo i ricordi dei conoscenti, è chiaro che la stessa Jo era lontana dall'ideale della custode del focolare familiare. Ad esempio, quando una volta i suoi amici artisti le hanno chiesto: “ Qual è il cibo preferito di Edward??" disse con arroganza, " Non pensi che nella nostra cerchia ci sia troppo cibo delizioso e poca buona pittura? Il nostro piatto preferito è un simpatico barattolo di fagioli stufati.«.

I dipinti di coppie di Hopper raffigurano chiaramente la tragedia della sua relazione con sua moglie. Vivevano soffrendo e torturandosi a vicenda e, allo stesso tempo, erano inseparabili. Erano uniti dall'amore per la poesia francese, la pittura, il teatro e il cinema: questo era sufficiente per stare insieme. Josephine fu persino una musa ispiratrice e il modello principale per i dipinti di Edward dopo il 1923. In un paio di visitatori in ritardo della tavola calda, raffigurati nel suo dipinto "Night Owls", l'autore ha raffigurato ancora una volta chiaramente se stesso e sua moglie, l'alienazione dell'uomo e della donna seduti uno accanto all'altra è così evidente.

"Mezzanotte" (Falchi notturni), 1942, Edward Hopper

Per coincidenza, è l'immagine "Mezzanotte" divenne un'opera d'arte di culto negli Stati Uniti. (Nell'originale si chiama " Falchi notturni", che può anche essere tradotto come " gufi"). Edward Hopper dipinse Night Owls nel 1942, subito dopo l'attacco a Pearl Harbor. L'evento ha causato una sensazione di oppressione e ansia in tutta l'America. Questo spiegava l'atmosfera cupa e diffusa della tela di Hopper, dove i visitatori della tavola calda sono soli e pensierosi, la strada deserta è illuminata dalla luce fioca di una vetrina e una casa senza vita fa da sfondo a tutto. Tuttavia, l'autore ha negato di voler esprimere una sorta di depressione. Nelle sue parole, lui forse inconsciamente raffigurato la solitudine in grande città ».

In ogni caso, il caffè di mezzanotte di Hopper è una svolta decisiva rispetto ai caffè cittadini rappresentati dalle sue controparti. Di solito, questi stabilimenti portavano sempre e ovunque un tocco di romanticismo e amore. Vincent van Gogh, raffigurante un caffè notturno ad Arles, non ha usato affatto la vernice nera, la sua gente si siede su una terrazza all'aperto e il cielo, come un campo di fiori, è disseminato di stelle.

« Terrazza notturna caffè”, Arles, 1888, Vincent van Gogh

È possibile confrontare la sua tavolozza eterogenea con la freddezza e l'avarizia dei colori di Hopper? E, tuttavia, guardando il dipinto "Night Owls", diventa chiaro che dietro l'enfatizzata concisione della scrittura di Hopper c'è un abisso di espressività. I suoi personaggi silenziosi, immersi nei propri pensieri, sembrano partecipare a un dramma su un palcoscenico inondato da micidiali luci fluorescenti. Lo spettatore è ipnoticamente influenzato dalla geometria delle linee parallele, dal ritmo uniforme delle finestre senza vita dell'edificio vicino, a cui fanno eco le sedute lungo il bancone del bar, dal contrasto di massicci muri di pietra e vetri fragili trasparenti, dietro i quali le figure di quattro persone si sono rifugiate su un'isola di luce ... Sembra che l'autore le abbia volutamente rinchiuse qui, nascondendosi dall'oscurità indifferente della strada - guardando da vicino, puoi vedere che non c'è una sola uscita visibile dalla stanza.

Il dipinto "Gufi notturni" ebbe un forte impatto sulla cultura americana. I postmodernisti hanno utilizzato il dipinto per innumerevoli rifacimenti parodici basati su letteratura, film e pittura.

Allusioni e parodie di quest'opera di Edward Hopper si trovano in molti dipinti, film, libri e canzoni. Tom Waits ha chiamato uno dei suoi album " Nighthawks al Diner» — « Mezzanotte alla tavola calda". Questa tela è una delle opere preferite del regista David Lynch. Ha anche influenzato l'aspetto della città nel film di Ridley Scott "Blade Runner".

Ispirato da Night Owls, l'artista austriaco Gottfried Helnwein ha realizzato un famoso remake chiamato " Viale dei sogni infranti ". Invece di personaggi senza volto, ha collocato 4 celebrità nel vuoto cosmico della solitudine: Marilyn Monroe, Humphrey Bogart, Elvis Presley e James Dean. Accennando così a quanto insensatamente le loro vite e i loro talenti siano sprofondati prematuramente nel vuoto: Presley è morto a causa dell'uso a lungo termine e dell'abuso di alcol e droghe; Marilyn è morta per overdose di antidepressivi; La morte di Bogart è stata anche il risultato dell'abuso di alcol e James Dean è morto in un tragico incidente d'auto.

Altri scrittori di remake di parodie hanno utilizzato pezzi iconici statunitensi provenienti da vari campi artistici. Prima di tutto, il cinema americano più popolare con i suoi personaggi famosi, i supereroi dei fumetti e le storie conosciute in tutto il mondo. Lo stile cupo del film noir in bianco e nero si adattava perfettamente allo stato d'animo del dipinto di Hopper ( film noir ).

A dire il vero, guarda il "taglio" dei fotogrammi dei film noir degli anni '40, che vengono sostituiti dalla canzone " Viale dei sogni infranti ". (Nel 2005, membri del gruppo Punk giorno verde ha dichiarato che il loro secondo singolo ha ricevuto un tale nome e manifesti corrispondenti sotto l'influenza diretta della pittura di Hopper).

Inoltre, ironia della sorte, i remake hanno giocato su molti altri feticci di Hollywood.

Guerre stellari

I Simpson

I Griffin

basato sul fumetto cult Le avventure di Tintin

Superman e Batman

Zombie

remake sul tema di m / f "Dead Bride", diretto da Tim Burton

Non è sfuggito al destino di diventare remake parodia dei dipinti di Hopper sono diversi spettacoli popolari e seriali.

poster parodia sul tema della serie televisiva comica "Seinfeld" (1989-1998)

poster parodia sul tema della serie poliziesca "C.S.I.: Crime Scene Investigation"

Certo, nelle parodie veniva riprodotto lo spazio chiuso del caffè, enfatizzato dall'autore nella sua foto.

E i toni freddi dell'immagine e l'ascetismo della tavolozza hanno fatto sì che molti burloni si associassero allo spazio.

Erano in uso anche tutti i tipi di cliché americani del paesaggio urbano.

Ebbene, dove c'è una strada notturna e non ci sono poliziotti nelle vicinanze, è abbastanza logico che possa apparire un bullo di graffiti di strada Banksy, tuttavia, qui sta lanciando sedie di plastica contro la vetrina di un caffè.

Puoi ancora fornire centinaia di esempi di rifacimenti ironici dei dipinti di Edward Hopper, realizzati su tutti i tipi di argomenti. Questo è uno dei meme di Internet più comuni. E tale fertilità conferma solo che i veri capolavori non sono soggetti al tempo.

Edoardo Hopper

File:Ragazza alla macchina da cucire di Edward Hopper.jpg

Edoardo Hopper. "Dietro la macchina da cucire" (1921).

Edoardo Hopper(ing. Edward Hopper; 22 luglio, Nyack, New York - 15 maggio, New York) - Artista americano, rappresentante di spicco della pittura di genere americana, uno dei più grandi urbanisti del XX secolo.

Biografia e creatività

Nato a Newascu, New York, figlio di un proprietario di un negozio. Fin dall'infanzia amava disegnare. Nel 1899 si trasferì a New York con l'intenzione di diventare un artista. Nel 1899-1900 studiò alla scuola di artisti pubblicitari. Successivamente, entra nella scuola di Robert Henry, che a quel tempo difendeva l'idea di creare un moderno arte nazionale STATI UNITI D'AMERICA. Il principio fondamentale di questa scuola era: "Istruisci te stesso, non lasciarti educare da me". Un principio volto alla nascita dell'individualità, seppur insistente sull'assenza di collettivismo, significative tradizioni artistiche nazionali.

Nel 1906, Edward Hopper andò a Parigi, dove continuò i suoi studi. Oltre alla Francia, ha visitato l'Inghilterra, la Germania, l'Olanda e il Belgio. Era un caleidoscopio di paesi e diversi centri culturali. Hopper tornò a New York nel 1907.

Nel 1908, Edward Hopper partecipò a una mostra organizzata dall'organizzazione del G8 (Robert Henry ei suoi studenti), ma non ebbe successo. Lavora ancora di più, migliora il suo stile. Nel 1908-1910 studiò nuovamente arte a Parigi. Dal 1915 al 1920 - questo è un periodo di ricerca creativa attiva per l'artista. I disegni di questo periodo non sono sopravvissuti perché Hopper li ha distrutti tutti.

La pittura non ha realizzato profitti, quindi Edward lavora in un'agenzia pubblicitaria, realizzando illustrazioni per i giornali.

Hopper realizzò la sua prima incisione nel 1915. In totale, ha realizzato circa 60 incisioni, le migliori delle quali sono state realizzate tra il 1915 e il 1923. Qui è apparso il tema principale del lavoro di Edward Hopper: la solitudine di una persona nella società americana e nel mondo.

Le incisioni hanno portato all'artista una certa fama. Li ha rappresentati alle mostre, ha ricevuto premi. Presto ci fu una mostra personale organizzata dal Whitney Art Studio Club.

Entro la metà degli anni '20. Hopper sviluppa il proprio stile artistico, che rimane fedele fino alla fine della sua vita. Nelle sue scene verificate fotograficamente della vita urbana moderna (spesso realizzate ad acquerello), figure solitarie congelate, senza nome e nitide forme geometriche gli oggetti trasmettono un senso di alienazione senza speranza e una minaccia nascosta nella vita di tutti i giorni.

La principale ispirazione di Hopper come artista è la città di New York, così come le città di provincia ("Meto", "Manhattan Bridge Constructions", "East Wind over Weehawkend", " città mineraria in Pensilvania). Insieme alla città, Hopper ha creato un'immagine peculiare di una persona in essa. Il ritratto di una persona specifica è completamente scomparso dall'artista, lo ha sostituito con una visione sommaria e generalizzata di un solitario, un singolo cittadino. Gli eroi dei dipinti di Edward Hopper sono persone deluse, sole, devastate, congelate raffigurate in bar, caffè, hotel ("Room - in a hotel", 1931, "Western Motel", 1957).

Già negli anni '20 il nome Hopper entrò nella pittura americana. Aveva studenti, ammiratori. Nel 1924 sposò l'artista Josephine Verstiel. Nel 1930 acquistarono una casa a Cape Cord, dove si trasferirono. In generale, Hopper ha aperto nuovo genere- ritratto della casa - Talbot House, 1926, Adams House, 1928, Captain Killy House, 1931, Railroad House, 1925.

(1967-05-15 ) (84 anni) Un luogo di morte: Origine: Cittadinanza: