Edouard Manet bar foley bergère descrizione. Dipinti impressionisti

"... Al Salon del 1881, Manet si aspetta un premio tanto atteso: la seconda medaglia per il ritratto di Pertuise, il cacciatore di leoni. Ora Manet diventa un artista "fuori concorso" e ha il diritto di esporre le sue opere senza il consenso della giuria del Salon.

Manet spera di fare "qualcosa" per il Salon del 1882 - per il primo Salon, dove le sue tele appariranno con il marchio "V.K." ("fuori concorso"). Non gli mancherà questo!

Ma ora, quando finalmente la gloria conquistata con tanta fatica gli sarà giunta, i suoi doni cadranno in mani impotenti? È davvero solo quando sarà finalmente ricompensato per le sue fatiche e difficoltà. sarà tutto finito?.. La malattia di Manet progredisce inesorabilmente; lo sa, e l'angoscia lo rode, e i suoi occhi si annebbiano di lacrime. Vivere! Vivere! La criniera resiste. La sua volontà non potrebbe superare la malattia?..

Manet raccoglie tutta la sua volontà. Vogliono seppellirlo troppo presto. E ora puoi incontrarlo al caffè "Nuova Atene", vicino a Tortoni, al caffè Bad, alle Folies Bergère; agli amici, darò metà del mondo. E scherza sempre, ironicamente, si diverte per la sua gamba dolorante, le sue "infermità". Manet vuole realizzare un nuovo progetto: nuova scena Vita parigina, una veduta del bar delle Folies Bergère - l'incantevole Suzon dietro un bancone tappezzato di bottiglie di vino; Suzon, che è ben noto a tutti i visitatori abituali di questo luogo.

Il Bar delle Folies Bergère è un'opera di delicatezza pittoresca e di straordinaria audacia: la bionda Suzon al bancone; dietro - un grande specchio, che riflette la sala e il pubblico che la riempiva. Ha lo stesso velluto nero al collo che aveva Olympia, è altrettanto ammaliantemente immobile, il suo sguardo è freddo, eccita con la sua indifferenza per l'ambiente.

Questo il lavoro più complesso procede con difficoltà. La criniera batte su di lui, ripetutamente rifacimento. Nel maggio 1882 conosce la felicità, contemplando nel Salon "Primavera" e "Bar nelle Folies Bergère", accompagnato da un cartello "V.K." Non ridono più delle sue tele. Se qualcuno si permette ancora di criticarli, se, ad esempio, la costruzione del "Bar" con il suo specchio e il gioco dei riflessi viene giudicata troppo complicata, lo chiamano "rebus", allora comunque i dipinti di Mane sono considerati seriamente, con attenzione, sono discussi come opere, che dovrebbero essere prese in considerazione. Tuttavia, il segno "V.K." mette il pubblico in una posizione di rispetto. Per volontà di queste due lettere, Manet diventa un artista riconosciuto; queste lettere invitano alla riflessione, incoraggiano la simpatia (prima non osavano esprimerla ad alta voce), chiudono le bocche ostili ... "

"Nella sua ultima grande opera, Il bar delle Folies Bergère, l'artista sembrava dire addio alla vita che tanto amava, alla quale pensava tanto e che non si stancava mai di ammirare. Forse, mai prima d'ora l'opera del maestro visione del mondo si è espressa in un'opera separata con tale pienezza, che contiene l'amore per una persona, per la sua poesia spirituale e pittorica, e l'attenzione per la sua visione superficiale complessa e impercettibile delle relazioni con gli altri, e un senso della fragilità dell'essere, e un sensazione di gioia luminosa a contatto con il mondo, e l'ironia che nasce osservandolo." Il bar delle Folies Bergère "ha assorbito tutto ciò che Manet, con tanta perseveranza e convinzione, ha cercato, trovato e affermato in una vita insignificante. I migliori look, inclusi nel suo lavoro, intrecciati insieme per essere incarnati in questa giovane ragazza in piedi dietro il bancone di una rumorosa taverna parigina. Qui, dove le persone cercano la gioia nel contatto con i propri simili, dove regna l'apparente divertimento, un maestro sensibile riscopre l'immagine giovane vita immerso in triste solitudine. Il mondo che circonda la ragazza è vanitoso e sfaccettato. Manet lo capisce, e per ascoltare solo una voce a lui particolarmente vicina, fa risuonare di nuovo questo mondo "sotto il muto" - per diventare un riflesso traballante nello specchio, per trasformarsi in una foschia oscura e sfocata di sagome, volti, macchie e luci. L'illusoria dualità della visione, che si rivela all'artista, fisicamente, per così dire, introduce la ragazza nell'atmosfera orpellante del bar, ma non per molto. Mane non le permette di fondersi con questo mondo, di dissolversi in esso. La fa spegnere internamente anche da una conversazione con un visitatore casuale, il cui aspetto prosaico assume anche uno specchio situato direttamente dietro il bancone, dove la stessa barista è vista di sbieco da dietro. Come partendo da quella riflessione, Manet ci riporta all'unica vera realtà di tutto questo spettrale spettacolo del mondo. Una figura snella avvolta nel velluto nero è circondata dal chiaro splendore di specchi, un bancone in marmo, fiori, frutta, bottiglie scintillanti. Solo lei, in questo guizzo di colore-luce-aria, rimane il valore più concretamente reale, più bello e inconfutabile. Il pennello dell'artista rallenta il suo movimento e si adagia più densamente sulla tela, il colore si addensa, i contorni si definiscono. Ma la sensazione che alla fine è emersa della stabilità fisica dell'eroina della tela non è finita: lo sguardo triste, leggermente distratto e perplesso della ragazza, immersa nei sogni e distaccata da tutto ciò che la circonda, evoca nuovamente una sensazione di fragilità e inafferrabilità del suo stato. Il valore della sua donazione concreta, sembrava, doveva essere riconciliato con la dualità del mondo che la circondava. Ma no, la struttura della sua immagine, tutt'altro che esaurita fino alla fine, continua ad eccitare l'immaginazione, evoca associazioni poetiche in cui la tristezza si mescola alla gioia.

È difficile credere che "Bar" sia stato creato da un uomo morente, a cui ogni movimento portava gravi sofferenze. Ma è così. Edouard Manet è rimasto un combattente anche prima della sua morte, poiché nella vita era un combattente contro la volgarità borghese, la pigrizia filistea di pensieri e sentimenti, un uomo di rara anima e mente. Ha attraversato un percorso difficile prima di scoprire la vera bellezza che stava cercando vita moderna: ha voluto aprirlo e l'ha aperto nelle persone semplici, poco appariscenti, trovando in loro quella ricchezza interiore a cui ha dato il cuore.

Basato sui materiali del libro di A. Perryusho "Eduard Manet" e postfazione di M. Prokofieva. - M.: TERRA - club del libro. 2000. - 400 p., 16 p. malato.

Il dipinto di Jacques Louis David "Il giuramento degli Orazi" è un punto di svolta nella storia pittura europea. Stilisticamente appartiene ancora al classicismo; è uno stile orientato all'antichità, ea prima vista questo orientamento è mantenuto da David. Il Giuramento degli Orazi si basa sulla storia di come i patrioti romani, i tre fratelli Orazio, furono scelti per combattere contro i rappresentanti della città ostile di Alba Longa, i fratelli Curiazi. Tito Livio e Diodoro Siculo hanno questa storia; Pierre Corneille ha scritto una tragedia sulla sua trama.

“Ma è proprio il giuramento degli Orazi che manca in questi testi classici.<...>È David che fa del giuramento l'episodio centrale della tragedia. Il vecchio impugna tre spade. Sta al centro, rappresenta l'asse dell'immagine. Alla sua sinistra ci sono tre figli che si fondono in una figura, alla sua destra ci sono tre donne. Questa immagine è incredibilmente semplice. Prima di David, il classicismo, nonostante tutto il suo orientamento verso Raffaello e la Grecia, non riusciva a trovare un aspetto così severo, semplice lingua maschile esprimere valori civici. David sembrava sentire quello che diceva Diderot, che non aveva tempo di vedere questa tela: "Devi scrivere come si diceva a Sparta".

Ilya Doronchenkov

Al tempo di Davide, l'Antichità divenne tangibile per la prima volta scoperta archeologica Pompei. Prima di lui, l'Antichità era la somma dei testi di autori antichi - Omero, Virgilio e altri - e di poche decine o centinaia di sculture imperfettamente conservate. Ora è diventato tangibile, fino ai mobili e alle perline.

“Ma niente di tutto questo è nella foto di David. In esso, l'Antichità è sorprendentemente ridotta non tanto all'ambiente circostante (elmi, spade irregolari, toghe, colonne), ma allo spirito di una semplicità primitiva e furiosa.

Ilya Doronchenkov

David ha messo in scena con cura l'aspetto del suo capolavoro. Lo dipinse e lo espose a Roma, raccogliendovi critiche entusiastiche, e poi inviò una lettera a un mecenate francese. In esso, l'artista ha riferito che a un certo punto ha smesso di dipingere per il re e ha iniziato a dipingerlo per se stesso, e, in particolare, ha deciso di renderlo non quadrato, come richiesto per il Salon di Parigi, ma rettangolare. Come l'artista si aspettava, le voci e la lettera alimentarono l'entusiasmo del pubblico, il dipinto fu prenotato in un posto vantaggioso al Salon già aperto.

“E così, tardivamente, l'immagine viene messa a posto e si distingue come l'unica. Se fosse quadrato, sarebbe appeso in fila con gli altri. E cambiando le dimensioni, David lo ha reso unico. È stato un gesto artistico molto potente. Da un lato, si è dichiarato il principale nella creazione della tela. D'altra parte, ha attirato l'attenzione di tutti su questa immagine.

Ilya Doronchenkov

L'immagine ne ha uno in più significato importante che lo rende un capolavoro per tutti i tempi:

“Questa tela non fa appello all'individuo - si riferisce alla persona in piedi nei ranghi. Questa è una squadra. E questo è un comando a una persona che prima agisce e poi pensa. David ha mostrato molto correttamente due mondi non intersecanti, assolutamente tragicamente separati: il mondo degli uomini che recitano e il mondo delle donne sofferenti. E questa giustapposizione - molto energica e bella - mostra l'orrore che c'è dietro la storia degli Orazi e dietro questa immagine. E poiché questo orrore è universale, il "Giuramento degli Orazi" non ci lascerà da nessuna parte.

Ilya Doronchenkov 

Astratto

Nel 1816, la fregata francese Medusa naufragò al largo delle coste del Senegal. 140 passeggeri hanno lasciato il brigantino su una zattera, ma solo 15 sono scappati; hanno dovuto ricorrere al cannibalismo per sopravvivere ai 12 giorni di vagabondaggio sulle onde. Scoppiò uno scandalo nella società francese; il capitano incompetente, monarchico per convinzione, fu riconosciuto colpevole del disastro.

“Per la società liberale francese, la catastrofe della fregata Medusa, l'affondamento della nave, che per un cristiano simboleggia la comunità (prima la chiesa, e ora la nazione), è diventato un simbolo, un pessimo segno dell'inizio di un nuovo regime di Restaurazione”.

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Nel 1818, il giovane artista Théodore Géricault, alla ricerca di un soggetto degno, lesse il libro dei sopravvissuti e si mise a lavorare alla sua pittura. Nel 1819 il dipinto fu esposto al Salon di Parigi e divenne un successo, simbolo del romanticismo in pittura. Géricault abbandonò rapidamente la sua intenzione di ritrarre la scena più seducente del cannibalismo; non ha mostrato la pugnalata, la disperazione o il momento stesso della salvezza.

“A poco a poco, ha scelto l'unico momento giusto. Questo è il momento della massima speranza e della massima incertezza. Questo è il momento in cui le persone sopravvissute sulla zattera vedono per la prima volta all'orizzonte il brigantino Argus, che per primo ha superato la zattera (non se ne è accorto).
E solo allora, andando in rotta di collisione, si è imbattuto in lui. Sullo schizzo, dove l'idea è già stata trovata, si nota "Argus", e nella foto si trasforma in un piccolo punto all'orizzonte, scomparendo, che attira lo sguardo, ma, per così dire, non esiste.

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Gericault rinuncia al naturalismo: invece di corpi emaciati, ha nella sua foto bellissimi atleti coraggiosi. Ma questa non è idealizzazione, questa è universalizzazione: l'immagine non riguarda specifici passeggeri Meduza, riguarda tutti.

"Géricault continua a disperdersi primo piano la morte. Non l'ha inventato lui: i giovani francesi deliravano per i cadaveri ei feriti. Ha eccitato, colpito i nervi, distrutto le convenzioni: un classicista non può mostrare il brutto e il terribile, ma lo faremo. Ma questi cadaveri hanno un altro significato. Guarda cosa sta succedendo al centro dell'immagine: c'è una tempesta, c'è un imbuto in cui viene attirato l'occhio. E sopra i corpi, lo spettatore, in piedi proprio davanti all'immagine, sale su questa zattera. Ci siamo tutti".

Ilya Doronchenkov

La pittura di Géricault funziona in modo nuovo: non si rivolge a un esercito di spettatori, ma a ogni persona, tutti sono invitati sulla zattera. E l'oceano non è solo un oceano di speranze perdute nel 1816. Questo è il destino dell'uomo.

Astratto

Nel 1814 la Francia era stanca di Napoleone e l'arrivo dei Borboni fu accolto con sollievo. Tuttavia, molte libertà politiche furono abolite, iniziò la Restaurazione e, alla fine degli anni venti dell'Ottocento, le giovani generazioni iniziarono a rendersi conto della mediocrità ontologica del potere.

“Eugène Delacroix apparteneva a quello strato dell'élite francese che sorse sotto Napoleone e fu messo da parte dai Borboni. Ma tuttavia è stato favorito: ha ricevuto medaglia d'oro per il suo primo dipinto al Salon, La barca di Dante, nel 1822. E nel 1824 realizzò il dipinto "Massacro di Chios", raffigurante la pulizia etnica, quando la popolazione greca dell'isola di Chios fu deportata e distrutta durante la guerra d'indipendenza greca. Questo è il primo segno del liberalismo politico in pittura, che tocca paesi ancora molto lontani.

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Nel luglio 1830, Carlo X approvò diverse leggi che limitavano gravemente le libertà politiche e inviò truppe a saccheggiare la tipografia di un giornale dell'opposizione. Ma i parigini risposero sparando, la città fu coperta di barricate e durante i "Tre giorni gloriosi" cadde il regime borbonico.

SU dipinto famoso Delacroix dedicato agli eventi rivoluzionari del 1830, sono rappresentati diversi strati sociali: un dandy in cilindro, un ragazzo vagabondo, un operaio in camicia. Ma il principale, ovviamente, è giovane una bella donna petto e spalle nudi.

Delacroix riesce qui in ciò che non riesce quasi mai artisti del XIX secolo, pensiero sempre più realistico. Riesce in una foto - molto patetica, molto romantica, molto sonora - a unire realtà, fisicamente tangibile e brutale (guarda i cadaveri in primo piano amati dai romantici) e simboli. Perché questa donna purosangue è, ovviamente, la libertà stessa. Lo sviluppo politico dal XVIII secolo ha reso necessario per gli artisti visualizzare ciò che non può essere visto. Come puoi vedere la libertà? I valori cristiani vengono trasmessi a una persona attraverso qualcosa di molto umano - attraverso la vita di Cristo e la sua sofferenza. E astrazioni politiche come libertà, uguaglianza, fraternità non hanno forma. E ora Delacroix, forse il primo e, per così dire, non l'unico che, in generale, ha affrontato con successo questo compito: ora sappiamo che aspetto ha la libertà.

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Uno dei simboli politici del dipinto è il berretto frigio sul capo della ragazza, simbolo araldico permanente della democrazia. Un altro motivo parlante è la nudità.

“La nudità è stata a lungo associata alla naturalezza e alla natura, e nel XVIII secolo questa associazione è stata forzata. La storia della Rivoluzione francese conosce persino uno spettacolo unico nella cattedrale Notre Dame di Parigi nudità teatro francese natura ritratta. E la natura è libertà, è naturalezza. Ed è quello che, si scopre, questo tangibile, sensuale, donna attraente significa. Significa libertà naturale”.

Ilya Doronchenkov

Sebbene questo dipinto abbia reso famoso Delacroix, è stato presto rimosso dalla vista per molto tempo, ed è chiaro il motivo. Lo spettatore che le sta di fronte si trova nella posizione di chi è attaccato dalla Libertà, che è attaccato dalla rivoluzione. È molto scomodo guardare il movimento inarrestabile che ti schiaccerà.

Astratto

Il 2 maggio 1808 scoppiò a Madrid una ribellione antinapoleonica, la città era nelle mani dei manifestanti, ma la sera del 3 nelle vicinanze della capitale spagnola erano in corso esecuzioni di massa di ribelli. Questi eventi portarono presto a guerriglia, durata sei anni. Al termine, due dipinti saranno commissionati al pittore Francisco Goya per commemorare la rivolta. Il primo è "La rivolta del 2 maggio 1808 a Madrid".

“Goya rappresenta davvero il momento in cui è iniziato l'attacco, il primo attacco Navajo che ha dato inizio alla guerra. È questa compattezza del momento che è estremamente importante qui. Sembra avvicinare la telecamera, dal panorama a cui si sposta esclusivamente chiudere il piano, che anche prima di lui non esisteva a tal punto. C'è un'altra cosa eccitante: la sensazione di caos e accoltellamento è estremamente importante qui. Non c'è nessuna persona qui per cui ti dispiace. Ci sono vittime e ci sono assassini. E questi assassini dagli occhi iniettati di sangue, i patrioti spagnoli, in generale, sono impegnati nel massacro.

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Nella seconda foto i personaggi cambiano posto: quelli che vengono tagliati nella prima foto, nella seconda foto quelli che li tagliano vengono fucilati. E l'ambivalenza morale della rissa di strada è sostituita dalla chiarezza morale: Goya è dalla parte di chi si ribella e muore.

“I nemici ora sono divorziati. A destra ci sono quelli che vivranno. È una serie di persone in uniforme con le pistole, esattamente uguali, ancora più simili ai fratelli Horace di David. I loro volti sono invisibili e i loro shako li fanno sembrare macchine, come robot. Queste non sono figure umane. Si stagliano in una sagoma nera nel buio della notte sullo sfondo di una lanterna che inonda una piccola radura.

A sinistra ci sono quelli che muoiono. Si muovono, turbinano, gesticolano e per qualche motivo sembra che siano più alti dei loro carnefici. Sebbene il principale personaggio centrale- un uomo di Madrid in pantaloni arancioni e camicia bianca - è in ginocchio. È ancora più alto, è un po 'su un poggio.

Ilya Doronchenkov

Il ribelle morente si trova nella posa di Cristo e, per maggiore persuasività, Goya raffigura le stigmate sui suoi palmi. Inoltre, l'artista ti fa vivere continuamente un'esperienza difficile: guarda l'ultimo momento prima dell'esecuzione. Alla fine, Goya cambia comprensione evento storico. Prima di lui, un evento era rappresentato dal suo lato rituale, retorico; in Goya, un evento è un istante, una passione, un grido non letterario.

Nella prima immagine del dittico si può vedere che gli spagnoli non massacrano i francesi: i cavalieri che cadono sotto i piedi del cavallo sono vestiti con costumi musulmani.
Il fatto è che nelle truppe di Napoleone c'era un distaccamento di Mamelucchi, cavalieri egiziani.

“Sembrerebbe strano che l'artista trasformi i combattenti musulmani in un simbolo dell'occupazione francese. Ma questo permette a Goya di trasformare un evento contemporaneo in un collegamento nella storia della Spagna. Per ogni nazione che ha forgiato la propria autocoscienza durante le guerre napoleoniche, era estremamente importante rendersi conto che questa guerra fa parte di un'eterna guerra per i propri valori. E una guerra così mitologica per il popolo spagnolo fu la Reconquista, la riconquista della penisola iberica dai regni musulmani. Così, Goya, pur rimanendo fedele al documentario, alla modernità, mette questo evento in connessione con il mito nazionale, costringendolo a realizzare la lotta del 1808 come lotta eterna Gli spagnoli per il nazionale e il cristiano.

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L'artista è riuscito a creare una formula iconografica di esecuzione. Ogni volta che i suoi colleghi - che fossero Manet, Dix o Picasso - si sono rivolti al tema dell'esecuzione, hanno seguito Goya.

Astratto

La rivoluzione pittorica dell'Ottocento, ancor più tangibilmente che nel quadro dell'evento, è avvenuta nel paesaggio.

“Il paesaggio cambia completamente l'ottica. L'uomo cambia la sua scala, l'uomo sperimenta se stesso in modo diverso nel mondo. Un paesaggio è una rappresentazione realistica di ciò che ci circonda, con un senso di aria carica di umidità e dettagli quotidiani in cui siamo immersi. Oppure può essere una proiezione delle nostre esperienze, e quindi nel gioco del tramonto o in un gioioso giorno soleggiato vediamo lo stato della nostra anima. Ma ci sono paesaggi suggestivi che appartengono a entrambe le modalità. Ed è molto difficile sapere, davvero, quale sia il dominante".

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Questa dualità è chiaramente visibile in artista tedesco Caspar David Friedrich: i suoi paesaggi ci parlano della natura del Baltico, e allo stesso tempo rappresentano un'affermazione filosofica. C'è un persistente senso di malinconia nei paesaggi di Friedrich; una persona raramente li penetra oltre lo sfondo e di solito volta le spalle allo spettatore.

Nel suo ultimo dipinto, Ages of Life, è raffigurata in primo piano una famiglia: bambini, genitori, un vecchio. E inoltre, dietro il divario spaziale: il cielo al tramonto, il mare e le barche a vela.

“Se guardiamo a come è costruita questa tela, vedremo un impressionante appello tra il ritmo figure umane in primo piano e il ritmo delle barche a vela nel mare. Qui ci sono figure alte, qui ci sono figure basse, qui ci sono grandi barche a vela, qui ci sono barche a vela. Natura e barche a vela: questa è quella che viene chiamata la musica delle sfere, è eterna e non dipende dall'uomo. L'uomo in primo piano è il suo essere finito. Il mare in Friedrich è molto spesso metafora dell'alterità, della morte. Ma la morte per lui, un credente, è una promessa vita eterna di cui non siamo a conoscenza. Queste persone in primo piano - piccole, goffe, scritte poco attraenti - seguono con il loro ritmo il ritmo di una barca a vela, come un pianista ripete la musica delle sfere. Questo è nostro musica umana, ma tutto fa rima con la stessa musica che per Friedrich riempie la natura. Pertanto, mi sembra che in questa tela Friedrich prometta: non un paradiso nell'aldilà, ma che il nostro essere finito è ancora in armonia con l'universo.

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Astratto

Dopo il Grande rivoluzione francese le persone si sono rese conto di avere un passato. Il XIX secolo, grazie agli sforzi di esteti romantici e storici positivisti, creò idea moderna storie.

“Il XIX secolo ha creato la pittura storica così come la conosciamo. Eroi greci e romani non distratti, che agiscono in un ambiente ideale, guidati da motivi ideali. Storia XIX secolo diventa teatrale e melodrammatico, si avvicina alla persona, e ora siamo in grado di entrare in empatia non con grandi azioni, ma con disgrazie e tragedie. Ogni nazione europea ha creato la propria storia nel XIX secolo e, costruendo la storia, in generale ha creato il proprio ritratto e i propri progetti per il futuro. In questo senso, la pittura storica europea dell'Ottocento è terribilmente interessante da studiare, anche se, a mio avviso, non ha lasciato, quasi non ha lasciato opere veramente grandiose. E tra queste grandi opere, vedo un'eccezione, di cui noi russi possiamo giustamente essere orgogliosi. Questa è "Il mattino dell'esecuzione di Streltsy" di Vasily Surikov.

Ilya Doronchenkov

La pittura di storia del XIX secolo, orientata alla plausibilità esterna, di solito racconta di un singolo eroe che dirige la storia o fallisce. Il dipinto di Surikov qui è un'eccezione sorprendente. Il suo eroe è una folla in abiti colorati, che occupa quasi i quattro quinti dell'immagine; per questo motivo, l'immagine sembra essere sorprendentemente disorganizzata. Dietro la folla viva e vorticosa, parte della quale presto morirà, si erge la colorata e agitata Cattedrale di San Basilio. Dietro il Pietro congelato, una fila di soldati, una fila di forche - una fila di bastioni del muro del Cremlino. Il quadro è tenuto insieme dal duello delle vedute di Pietro e dell'arciere dalla barba rossa.

“Si può dire molto sul conflitto tra la società e lo stato, il popolo e l'impero. Ma mi sembra che questa cosa abbia dei significati in più che la rendono unica. Vladimir Stasov, propagandista dell'opera degli Erranti e difensore del realismo russo, che ha scritto molte cose superflue su di loro, ha parlato molto bene di Surikov. Ha chiamato dipinti di questo tipo "corali". In effetti, mancano di un eroe: mancano di un motore. Le persone sono la forza trainante. Ma in questa immagine il ruolo delle persone è molto chiaramente visibile. Joseph Brodsky nella sua lezione per il Nobel ha detto perfettamente che la vera tragedia non è quando muore l'eroe, ma quando muore il coro.

Ilya Doronchenkov

Gli eventi si svolgono nei dipinti di Surikov come contro la volontà dei loro personaggi - e in questo il concetto di storia dell'artista è ovviamente vicino a quello di Tolstoj.

“La società, le persone, la nazione in questa immagine sembrano essere divise. I soldati di Pietro in un'uniforme che sembra nera e gli arcieri in bianco sono messi in contrasto come buoni e cattivi. Cosa collega queste due parti disuguali della composizione? Questo è un arciere in camicia bianca, che va all'esecuzione, e un soldato in uniforme, che lo sostiene per la spalla. Se rimuoviamo mentalmente tutto ciò che li circonda, non potremo mai presumere che questa persona sia condotta all'esecuzione. Sono due amici che stanno tornando a casa e uno sostiene l'altro in modo amichevole e caloroso. Quando Petrush Grinev in " La figlia del capitano“I pugacheviti riattaccarono, dissero:“ Non bussare, non bussare ”, come se volessero davvero tifare. Questa sensazione che un popolo diviso dalla volontà della storia sia allo stesso tempo fraterno e unito è la straordinaria qualità della tela di Surikov, che anch'io non conosco da nessun'altra parte.

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Astratto

In pittura le dimensioni contano, ma non tutti i soggetti possono essere raffigurati su una grande tela. Diverse tradizioni pittoriche raffiguravano gli abitanti del villaggio, ma il più delle volte non in enormi dipinti, ma questo è proprio il "Funerale a Ornans" di Gustave Courbet. Ornan è una prospera città di provincia, da dove proviene l'artista stesso.

“Courbet si è trasferito a Parigi ma non è entrato a far parte dell'establishment artistico. Non ha ricevuto un'istruzione accademica, ma aveva una mano potente, un occhio molto tenace e una grande ambizione. Si è sempre sentito un provinciale, e stava meglio a casa sua, a Ornan. Ma ha vissuto quasi tutta la sua vita a Parigi, combattendo con l'arte che stava già morendo, combattendo con l'arte che idealizza e parla del generale, del passato, del bello, senza accorgersi del presente. Tale arte, che piuttosto loda, che piuttosto delizia, di regola, trova una domanda molto ampia. Courbet è stato, infatti, un rivoluzionario nella pittura, anche se ora questa sua natura rivoluzionaria non ci è molto chiara, perché scrive la vita, scrive la prosa. La cosa principale che era rivoluzionaria in lui era che ha smesso di idealizzare la sua natura e ha iniziato a scriverla esattamente come vede, o come credeva di vedere.

Ilya Doronchenkov

Nella foto gigante, quasi a tutta altezza sono raffigurate una cinquantina di persone. Sono tutte persone reali e gli esperti hanno identificato quasi tutti i partecipanti al funerale. Courbet ha dipinto i suoi compatrioti, ed erano contenti di entrare nel quadro esattamente come sono.

“Ma quando questo dipinto fu esposto nel 1851 a Parigi, creò uno scandalo. Andava contro tutto ciò a cui il pubblico parigino era abituato in quel momento. Ha offeso gli artisti con la mancanza di una composizione chiara e di una pittura di impasto ruvido e denso, che trasmette la materialità delle cose, ma non vuole essere bella. Ha spaventato la persona comune dal fatto che non riusciva davvero a capire chi fosse. Colpisce è stata la disintegrazione delle comunicazioni tra il pubblico della Francia provinciale e i parigini. I parigini presero l'immagine di questa rispettabile folla benestante come l'immagine dei poveri. Uno dei critici ha detto: "Sì, questa è una vergogna, ma questa è la vergogna della provincia, e Parigi ha la sua vergogna". Sotto la bruttezza, infatti, si intendeva la veridicità ultima.

Ilya Doronchenkov

Courbet ha rifiutato di idealizzare, il che lo ha reso un vero artista d'avanguardia del XIX secolo. Si concentra sulle stampe popolari francesi e sull'olandese ritratto di gruppo, e antica solennità. Courbet ci insegna a percepire la modernità nella sua originalità, nella sua tragedia e nella sua bellezza.

“I salotti francesi conoscevano immagini di duro lavoro contadino, contadini poveri. Ma la modalità immagine era generalmente accettata. I contadini avevano bisogno di essere compatiti, i contadini avevano bisogno di simpatizzare. Era una vista dall'alto. Una persona che simpatizza è, per definizione, in una posizione prioritaria. E Courbet ha privato il suo spettatore della possibilità di un'empatia così condiscendente. I suoi personaggi sono maestosi, monumentali, ignorano i loro spettatori e non ti permettono di stabilire con loro un contatto tale da renderli parte del mondo familiare, rompono gli stereotipi in modo molto potente.

Ilya Doronchenkov 

Astratto

L'Ottocento non si piaceva, preferendo cercare la bellezza in qualcos'altro, che fosse l'antichità, il medioevo o l'oriente. Charles Baudelaire è stato il primo a imparare a vedere la bellezza della modernità, ed è stata incarnata nella pittura da artisti che Baudelaire non era destinato a vedere: ad esempio Edgar Degas ed Edouard Manet.

“Manet è un provocatore. Manet è allo stesso tempo un brillante pittore, il fascino dei cui colori, colori molto paradossalmente combinati, fa sì che lo spettatore non si chieda domande ovvie. Se guardiamo da vicino i suoi dipinti, spesso saremo costretti ad ammettere che non capiamo cosa ha portato qui queste persone, cosa stanno facendo l'una accanto all'altra, perché questi oggetti sono collegati sul tavolo. La risposta più semplice è: Manet è prima di tutto un pittore, Manet è prima di tutto un occhio. È interessato alla combinazione di colori e trame, e la coniugazione logica di oggetti e persone è la decima cosa. Tali immagini spesso confondono lo spettatore che cerca contenuti, che cerca storie. Mane non racconta storie. Sarebbe potuto rimanere un apparato ottico così sorprendentemente accurato e raffinato se non avesse creato il suo ultimo capolavoro già in quegli anni in cui era posseduto da una malattia mortale.

Ilya Doronchenkov

Il dipinto "Il bar delle Folies Bergère" fu esposto nel 1882, dapprima guadagnato il ridicolo della critica, e poi fu subito riconosciuto come un capolavoro. Il suo tema è il caffè-concerto, fenomeno eclatante della vita parigina della seconda metà del secolo. Sembra che Manet abbia catturato in modo vivido e affidabile la vita delle Folies Bergère.

“Ma quando inizieremo a guardare da vicino ciò che Manet ha fatto nella sua foto, capiremo che ci sono un numero enorme di incoerenze che disturbano inconsciamente e, in generale, non ricevono una chiara risoluzione. La ragazza che vediamo è una commessa, deve, con la sua avvenenza fisica, far fermare i visitatori, flirtare con lei e ordinare altri drink. Nel frattempo, non flirta con noi, ma ci guarda attraverso. Sul tavolo ci sono quattro bottiglie di champagne, calde, ma perché non ghiacciate? IN immagine riflessa queste bottiglie non sono sul bordo del tavolo su cui sono in primo piano. Il bicchiere con le rose è visto da un'angolazione diversa dalla quale si vedono tutti gli altri oggetti sul tavolo. E la ragazza allo specchio non assomiglia esattamente a quella che ci guarda: è più robusta, ha forme più arrotondate, è protesa verso il visitatore. In generale, si comporta come dovrebbe comportarsi quella che stiamo guardando.

Ilya Doronchenkov

La critica femminista ha attirato l'attenzione sul fatto che la ragazza con i suoi contorni ricorda una bottiglia di champagne in piedi sul bancone. Si tratta di un'osservazione azzeccata, ma poco esaustiva: la malinconia del quadro, l'isolamento psicologico dell'eroina si oppongono a un'interpretazione schietta.

“Questi trama ottica e enigmi psicologici dipinti che sembrano non avere una risposta certa ci fanno avvicinare di nuovo a lei e porre queste domande ogni volta, inconsciamente saturi di quella sensazione di vita moderna bella, triste, tragica, quotidiana che sognava Baudelaire e che Manet ci ha lasciato davanti per sempre.

Ilya Doronchenkov 

Edouard Manet - Bar delle Folies Berger 1882

Bar nelle Folies Berger
1882 96x130cm olio/tela
Courtauld Institute of Art, Londra, Regno Unito

Dal libro di Rewald John. "Storia dell'impressionismo" Al Salon del 1882 Manet, ormai fuori concorso, espone quadro generale"Bar alle Folies Bergère", imponente composizione scritta con straordinario virtuosismo. Ha mostrato ancora una volta la forza del suo pennello, la sottigliezza dell'osservazione e il coraggio di non seguire lo schema. Come Degas, ha continuato a mostrare un indefettibile interesse per i temi contemporanei (stava anche per scrivere Un macchinista), ma li ha affrontati non come un freddo osservatore, ma con l'ardente entusiasmo di un ricercatore di nuovi fenomeni della vita. A proposito, a Degas non piaceva ultima immagine e lo ha definito "noioso e sofisticato". "Il bar delle Folies Bergère" costò a Manet molta fatica, che iniziò a soffrire gravemente di atassia. Rimase deluso quando il pubblico si rifiutò nuovamente di comprendere la sua pittura, percependo solo la trama e non l'abilità dell'esecuzione.
In una lettera ad Albert Wolf, non poteva fare a meno di dire, un po' scherzando, un po' seriamente: "Dopo tutto, non avrei nulla contro la lettura, mentre sono ancora in vita, del magnifico articolo che scriverai dopo la mia morte".

Dopo la chiusura del Salon, Manet è stato finalmente dichiarato ufficialmente Cavaliere della Legion d'Onore. Per quanto grande fosse la sua gioia, era mista a una certa amarezza. Quando il critico Shesno si è congratulato con lui e gli ha anche dato distinti saluti Conte Riuwerkerke, Manet ha risposto bruscamente: "Quando scrivi al conte Riuwerkerke, puoi dirgli che apprezzo la sua tenera attenzione, ma che lui stesso ha avuto l'opportunità di darmi questo premio. Potrebbe rendermi felice, e ora è troppo tardi per compensare vent'anni di fallimento...

Viene consegnato il tanto atteso secondo premio per il ritratto di un cacciatore di leoni. Persuasione. Dopodiché Manet diventa fuori concorso e può esporre i suoi quadri, senza alcun permesso della giuria del Salon.
Mannet decide di fare qualcosa di assolutamente insolito per il Salone dell'Arte, all'inizio del 1882, dove i suoi quadri appariranno con un segno speciale “V. A".
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La gloria tanto attesa finalmente arriva a lui, ma la sua malattia progredisce inesorabilmente e lui lo sa e quindi la nostalgia lo rode. Mane cerca di resistere a una grave malattia. Non può superare la malattia?
Manet decide di raccogliere tutte le sue forze e volontà, stanno ancora cercando di seppellirlo presto. Lo si può vedere al caffè "Nuova Atene", al caffè Bad, al Tortoni, alle Folies Bergère e dai suoi amici. Cerca sempre di scherzare e di essere ironico, si diverte sulle sue "debolezze" e scherza sulla sua gamba. Manet decide di mettere in atto la sua nuova idea: disegnare una scena della vita quotidiana parigina e raffigurare la veduta del famoso bar Folies Bergère, in cui la bella ragazza Suzon sta dietro al bancone, davanti a numerose bottiglie. La ragazza è conosciuta da molti frequentatori abituali del bar.
Pittura "Bar delle Folies Bergère” è un'opera di straordinario coraggio e pittoresca sottigliezza: una ragazza bionda è in piedi dietro il bancone, dietro di lei c'è un grande specchio, che riflette Sala grande stabilimenti con il pubblico seduto in esso. Ha un ornamento su un velluto nero intorno al collo, il suo sguardo è freddo, è ammaliantemente immobile, guarda con indifferenza chi le sta intorno.
Questa complessa trama della tela procede con grande difficoltà. L'artista lotta con esso e lo rifà molte volte. Ai primi di maggio 1882, Manet completa il dipinto e si rallegra contemplandolo nel Salon. Nessuno ride più dei suoi quadri, tutti i suoi quadri sono considerati con grande serietà, cominciano a discuterne come vere e proprie opere d'arte.
Possedere ultimo lavoro"Bar in the Folies Bergère" creato come per dire addio alla vita che amava così tanto, ammirava così tanto e pensava molto. L'opera ha assorbito tutto ciò che l'artista aveva cercato e trovato per così tanto tempo in una vita insignificante. Le migliori immagini sono intrecciate insieme per essere incarnate in questa giovane ragazza che si trova in una rumorosa taverna parigina. In questa istituzione le persone cercano la gioia contattando i propri simili, sembra che qui regnino divertimento e risate, un maestro giovane e sensibile rivela l'immagine di una giovane vita immersa nella tristezza e nella solitudine.
È difficile credere che quest'opera sia stata scritta da un artista morente, a cui ogni movimento della mano causava dolore e sofferenza. Ma anche prima della sua morte, Edouard Manet rimane un vero combattente. Ha dovuto affrontare momenti difficili percorso di vita prima di scoprire la vera bellezza che aveva cercato per tutta la vita e in cui l'aveva trovata persone normali, trovando nelle loro anime la ricchezza interiore a cui ha dato il suo cuore.

Complotto

La maggior parte della tela è occupata da uno specchio. Non è solo un oggetto interno che dà profondità all'immagine, ma è attivamente coinvolto nella trama. Nella sua riflessione vediamo cosa sta succedendo con personaggio principale in realtà: il rumore, il gioco di luci, l'uomo che le si rivolge. La stessa cosa che Manet mostra come realtà è il mondo dei sogni di Suzon: è immersa nei suoi pensieri, distaccata dal trambusto del cabaret - come se il presepe circostante non la riguardasse affatto. Realtà e sogno hanno cambiato posto.

bozzetto di un dipinto

Il riflesso della barista è diverso dal suo vero corpo. Allo specchio la ragazza sembra più piena, si è chinata verso l'uomo, ascoltandolo. Il cliente, invece, considera come prodotto non solo ciò che viene esposto sul bancone, ma anche la ragazza stessa. Questo è suggerito dalle bottiglie di champagne: stanno in un secchiello di ghiaccio, ma Manet le ha lasciate in modo che possiamo vedere come la loro forma sia simile alla figura di una ragazza. Puoi comprare una bottiglia, puoi comprare un bicchiere, oppure puoi anche quello che stapperà questa bottiglia per te.

Il bancone del bar ricorda le nature morte del genere vanitas, che si distingueva per uno stato d'animo moralistico e ricordava che tutto ciò che è mondano è transitorio e deperibile. Frutta - un simbolo della caduta, una rosa - piaceri carnali, bottiglie - declino e debolezza, fiori appassiti - morte e bellezza sbiadita. Le bottiglie di birra con etichette Bass dicono che gli inglesi erano ospiti frequenti in questo locale.

Bar delle Folies Bergère, 1881

L'illuminazione elettrica, scritta in modo così luminoso e chiaro nell'immagine, è forse la prima di queste immagini. Tali lampade a quel tempo divennero solo parte della vita di tutti i giorni.

Contesto

Folies Bergère è un luogo che riflette lo spirito del tempo, lo spirito della nuova Parigi. Questi erano caffè-concerto, uomini vestiti in modo decente e donne vestite in modo indecente accorrevano qui. In compagnia delle signore del demimonde, i signori bevevano e mangiavano. Nel frattempo sul palco si svolgeva uno spettacolo, i numeri si susseguivano. Le donne perbene in tali stabilimenti non potevano apparire.

A proposito, il Folies-Bergere è stato aperto con il nome di Folies-Trevize - questo ha lasciato intendere ai clienti che "nel fogliame di Trevize" (come viene tradotto il nome) ci si può nascondere da occhi indiscreti e dedicarsi al divertimento e al piacere. Guy de Maupassant chiamava le bariste locali "venditrici di bevande e amore".

Folies Bergère, 1880

Manet era un habitué delle Folies Bergère, ma dipinse il quadro non nel caffè-concerto vero e proprio, ma nello studio. Nel cabaret ha realizzato diversi schizzi, Suzon (a proposito, ha davvero lavorato in un bar) e un amico, l'artista militare Henri Dupré, ha posato in studio. Il resto è stato restaurato dalla memoria.

"Bar in the Folies Bergère" è stato l'ultimo quadro generale un artista morto un anno dopo il suo completamento. Inutile dire che il pubblico ha visto solo incongruenze, carenze, ha accusato Manet di dilettantismo e ha considerato la sua tela almeno strana?

Il destino dell'artista

Manet, che apparteneva all'alta società, era un enfant terrible. Non voleva imparare niente, il successo era mediocre in tutto. Il padre era deluso dal comportamento di suo figlio. E avendo appreso della sua brama di pittura e delle ambizioni dell'artista, era completamente sull'orlo del disastro.

Fu trovato un compromesso: Edward partì per un viaggio, che avrebbe dovuto aiutare il giovane a prepararsi per l'ammissione scuola marittima(dove, devo dire, non poteva arrivare la prima volta). Tuttavia, Manet è tornato da un viaggio in Brasile non con la stoffa di un marinaio, ma con schizzi e schizzi. Questa volta il padre, a cui piacevano queste opere, ha sostenuto la passione del figlio e lo ha benedetto per la vita di un artista.

, 1863

I primi lavori parlavano di Manet come promettente, ma gli mancava il suo stile, le trame. Edward presto si concentrò su ciò che conosceva e amava di più: la vita di Parigi. Camminando, Manet ha realizzato schizzi di scene dal vero. Tali schizzi non erano percepiti dai contemporanei come dipinti seri, ritenendo che tali disegni fossero adatti solo per illustrazioni di riviste e rapporti. Questo in seguito sarebbe stato chiamato Impressionismo. Nel frattempo, Manet, insieme a persone che la pensano allo stesso modo - Pissarro, Cézanne, Monet, Renoir, Degas - stanno dimostrando il loro diritto alla libera creatività nell'ambito della scuola di Batignolles che hanno creato.

, 1863

Una parvenza di confessione a Manet apparve negli anni '90 dell'Ottocento. I suoi dipinti iniziarono ad essere acquisiti in collezioni private e pubbliche. Tuttavia, a quel punto l'artista non era più vivo.