Artisti stranieri del XIX secolo: le figure più brillanti delle belle arti e la loro eredità. La cultura artistica dell'Europa nell'Ottocento Artisti europei del primo Ottocento

Arte Europa occidentale prima metà del XIX secolo.

Storia del XIX secolo apre non l'anno solare 1801, ma il 1789. Grande Rivoluzione francese(1789-99), che distrusse la monarchia e istituì una repubblica, determinò a lungo lo sviluppo della cultura europea. Libertà, Uguaglianza e Fraternità. Tuttavia, meno di cinque anni dopo, la libertà si è trasformata in dispotismo, l'idea di uguaglianza ha portato a esecuzioni di massa e sono state scatenate guerre aggressive in nome della fratellanza di tutte le persone. Eppure la principale scoperta del secolo è stata la realizzazione del valore unico della persona umana.

Nell'arte della prima metà del XIX secolo. due tendenze in competizione neoclassicismo e romanticismo. Nascita del neoclassicismo cadde negli anni della Rivoluzione francese e del periodo del regno di Napoleone I. Questo stile dominò l'architettura, le belle arti e le arti decorative durante i primi tre decenni del XIX secolo. per la gente di quel tempo, la vita degli antichi greci e romani non era solo un ideale di bellezza, ma anche un modello del mondo che stavano cercando di costruire. Una nuova direzione nella cultura europea - romanticismo(Romantisme francese) - ha espresso le opinioni delle giovani generazioni a cavallo tra il XVIII e il XIX secolo, ha sperimentato delusione nelle verità comuni dell'Illuminismo. Il mondo dei romantici è misterioso, contraddittorio e sconfinato; l'artista ha dovuto incarnare la sua diversità nel suo lavoro. Principale dentro lavoro romantico- sentimenti e immaginazione dell'autore. Per un artista romantico c'erano e non potevano esserci leggi nell'arte: dopotutto, tutto ciò che ha creato è nato nel profondo della sua anima. L'unica regola che rispettava era la lealtà verso se stesso, la sincerità linguaggio artistico. Spesso le creazioni dei romantici hanno scioccato la società con un completo rifiuto dei gusti, della negligenza e dell'incompletezza prevalenti.

Architettura

Nella prima metà del XIX secolo, in Europa si sviluppò una pianificazione urbana su scala senza precedenti. La maggior parte delle capitali europee - Parigi, San Pietroburgo, Berlino - hanno acquisito il loro aspetto caratteristico; nei loro complessi architettonici, il ruolo degli edifici pubblici è aumentato. Neoclassicismo nella prima metà del XIX secolo. ha avuto una fioritura tardiva. Entro la metà del secolo, il problema principale dell'architettura europea era la ricerca dello stile. A causa del fascino romantico dell'antichità, molti maestri hanno cercato di far rivivere le tradizioni dell'architettura del passato: ecco come neogotico, neorinascimentale, neobarocco . Gli sforzi degli architetti hanno spesso portato a eclettismo - connessione meccanica degli elementi stili diversi, vecchio con nuovo.

Architettura francese

Durante gli anni della Rivoluzione francese, in Francia non fu costruita una sola struttura durevole. Questa era l'era degli edifici temporanei. Nell'arte della Francia napoleonica, il ruolo dominante rimase neoclassicismo... Allo stesso tempo, le forme architettoniche acquisirono uno sfarzo e una solennità speciali e la scala della costruzione divenne grandiosa. Il neoclassicismo dei tempi di Napoleone I era chiamato Impero (impero francese - "impero"). Doveva simboleggiare la grandezza e il potere dello stato creato dal generale Bonaparte. L'evento principale di Napoleone nel campo dell'architettura fu la ricostruzione di Parigi.

Gabriele Jacques Ange (1698-1782) - il più grande architetto della Francia del XVIII secolo. Uno dei fondatori del neoclassicismo.

Place Louis XV (Place de la Concorde) a Parigi. 1753-75

Petit Trianon a Versailles. 1762-64

Castello di Compiègne. 1751-88

Scuola militare a Parigi. 1751-75

SouflotJacques Germain (1713-1780) Architetto francese.

rappresentante del neoclassicismo.

Jean Leper, Jacques Gondùin – architetti francesi.

La colonna trionfale in Place Vendôme fu eretta per ordine di Napoleone in onore della vittoria delle truppe francesi ad Austerlitz. All'inizio si chiamava così - "Austerlitskaya", poi fu ribattezzata "Colonna delle Vittorie", e anche più tardi - "Colonna della Grande Armata".

Colonna trionfale in Place Vendôme a Parigi.

1806-10 Altezza 44 m; larghezza base 3,67 mt

Chiesa di Santa Genoveffa (Pantheon) a Parigi. 1757-90

Architettura dell'Inghilterra

Nell'architettura dell'Inghilterra nella prima metà del XVIII secolo. Lo stile neogotico è stato stabilito. Uno dei suoi esempi più impressionanti fu il Parliament Ensemble di Londra (dal 1840 al 1868), architetto Sir Charles Barry (1795-1860)

Parlamento, 1840-68.

Architetto Jean Francois Chalgrin .

Arc de Triomphe a Carousel Square a Parigi.

1806-07 (17,6 x 10 x 14,6 m (lunghezza, profondità, altezza)).

Architetti Ch. Persier, P.F.L. Fontane.

Arco di Trionfo in Place Charles de Gaulle a Parigi.

1806-37 Altezza 50 m, larghezza 45 m

Arc de Triomphe su Carousel Square, noto anche come cancello d'ingresso Palazzo delle Tuileries, fu eretto per ordine di Napoleone per commemorare le grandi vittorie delle armi francesi. I rilievi che decorano l'arco raffigurano scene delle vittorie dell'esercito napoleonico a Ulm e Austerlitz. Fino al 1815 l'arco era coronato da un carro della Vittoria in bronzo, che in precedenza ornava la facciata del Duomo di San Marco a Venezia, poi fu sostituito da una quadriga dello scultore F.J. Bosio.

L'arco trionfale della Grande Armata fu posto al centro della futura piazza Zvezda (ora piazza Charles de Gaulle) per ordine di Napoleone in onore della vittoria dell'imperatore francese nella battaglia di Austerlitz (1805) sulle truppe combinate di Austria e Russia. I suoi piloni negli anni '30. 19esimo secolo erano decorati con rilievi scultorei; compresa la famosa composizione Francesco Ruda (1784-1855) "Discorso dei Volontari nel 1792 (Marsigliese)" (1833-36). Dal 1921, sotto la volta dell'arco, si trova la tomba del Milite Ignoto, partecipante alla Prima Guerra Mondiale.

Architettura tedesca Il più grande centro di architettura in Germania nella prima metà del XIX secolo. era Berlino. Lo sviluppo della scuola di architettura tedesca di questo periodo determinò in gran parte il lavoro di due maestri: Karl Friedrich Schinkel (1781-1841) e Leo von Klenze (1784-1864).

Vecchio museo. 1824-28 Arco. KFShinkel.

Teatro drammatico di Berlino.1819.Arch.K.F.Shinkel.

Nuovo corpo di guardia.1816-18. Arco. KFShinkel.

Chiesa di Vender. 1824 A Berlino. architetto KFShinkel.

Scultura europea in inizio XIX v.

Scultura europea all'inizio del XIX secolo vissuta breve periodo periodo di massimo splendore. Ma già negli anni '20. ha lasciato il posto al declino e alla stagnazione. Dominante e molto fruttuoso lo stile era il neoclassicismo. Interesse per l'arte Grecia antica e l'antica Roma era onnipresente, il possesso di famosi capolavori antichi divenne una questione importante nella politica internazionale di quel tempo.

Il romanticismo ha portato nella scultura un interesse per l'individuo; Numerosi monumenti a grandi personaggi del passato, eretti in varie città europee negli anni 20-30, testimoniano la sua influenza. 19esimo secolo Nel complesso, la scultura, con il suo linguaggio artistico generalizzato, non poteva contenere l'intera varietà di impressioni della vita, che stava letteralmente cambiando davanti ai nostri occhi. capo arte del 19 secolo è stata la pittura, e la scultura ha dovuto seguire a lungo la via del meschino e noioso naturalismo, fino agli anni '80. il maestro francese Auguste Rodin non ha restituito il suo alto destino.

Antonio Canova (1757-1822) -Scultore e pittore italiano.

Thorvaldsen Bertel (1768/1770-1844)- Scultore danese.

Schadow Johann Gottfried (1754-1850) Scultore tedesco, rappresentante del neoclassicismo.

Dedalo e Icaro. 1777-79

Quadriga con la figura della Vittoria sulla Porta di Brandeburgo a Berlino. 1793

Monumento a Niccolò Copernico a Varsavia. 1829-30

Teseo e il Minotauro. 1781-83

Ganimede che alimenta l'Aquila di Zeus. 1817

Principessa Federica. 1795

Spagna pittura Dopo essere fiorito in XVII secolo La pittura spagnola era in declino. I suoi artisti lavoravano sotto l'influenza delle tradizioni italiane e francesi e le loro tele erano deboli e imitative. Nella seconda metà del XVIII sec. La Spagna è cambiata. Il re Carlo III (1759-88) della dinastia francese dei Borbone aveva opinioni progressiste per il suo tempo. I suoi consiglieri, cercando di trasformare il paese nello spirito delle idee dell'Illuminismo, realizzarono riforme che limitarono il potere della chiesa. In questo momento, si è formato il talento Francesco Goia (1746-1828) -Pittore spagnolo

Ritratto della duchessa d'Alba. 1797

Venditore di stoviglie. 1778

Famiglia del re Carlo IV. 1800

Pittura della Francia

Nella prima metà del XIX sec. scuola francese la pittura ha rafforzato il suo primato nell'arte dell'Europa occidentale. Theodore Géricault ed Eugene Delacroix accettarono creativamente il loro modo libero e il loro colore, preparando la nascita dell'impressionismo e quindi l'intero pittura moderna. All'inizio del XIX secolo. Il leader generalmente riconosciuto tra gli artisti francesi era Jacques Louis David (1748-1825), il rappresentante più coerente del neoclassicismo nella pittura e un sensibile cronista dei suoi tempi turbolenti. Il lavoro di David ha un pronunciato orientamento giornalistico, l'artista cerca di esprimere ideali eroici attraverso le immagini dell'antichità

Géricault Teodoro (1791-1824) - pittore francese e grafico.

Fondatore direzione romantica nelle arti visive.

Ufficiale dei ranger a cavallo della guardia imperiale,

andare all'attacco. 1812

Zattera "Medusa". 1818-19

Eugenio Delacroix (1798-1863) - Pittore e grafico francese. Capo della tendenza romantica nelle arti visive.

Fanatici di Tangeri. 1837-38

Libertà alla guida del popolo (Libertà alle barricate). 1830

Davide Jacques Louis (1746-1825) - Pittore francese. Nell'era pre-rivoluzionaria in Francia maggior rappresentante cosiddetto classicismo "rivoluzionario".

Giuramento degli Orazi. 1784

Napoleone che attraversa San Bernardo. 1800

Dominique Ingres (1780-1867) - Pittore, disegnatore e musicista francese. rappresentante del neoclassicismo francese. Ingres è un maestro brillante genere del ritratto. Oltre ai ritratti, ha realizzato dipinti su soggetti biblici, mitologici, allegorici, letterari.

Gros Jean Antoine (1771-1835) - Pittore e grafico francese. Il pittore ufficiale di Napoleone I, il cronista dell'epopea napoleonica, cogliendone le tappe più importanti. Ritratti creati e quadri di battaglia, alimentato dallo spirito dell'eroismo.

Napoleone sul campo di battaglia di Eylau. 1808

Contessa d "Ossonville. 1845

Principessa di Brogli. 1851-53

Pittura della Germania

Germania all'inizio del XIX secolo conobbe un'impennata sociale e politica. La resistenza alle conquiste napoleoniche e la guerra di liberazione del 1813 resero universale il patriottismo tedesco ei sudditi di trecento stati nani tedeschi si riconobbero come un unico popolo. In quegli anni in Germania c'era una forte passione per il Medioevo e crebbe l'interesse per la storia e la cultura nazionale. La Germania ha svolto un ruolo eccezionale nella storia del romanticismo, una tendenza nella cultura europea tra la fine del XVIII e la prima metà del XIX secolo.

Runge Philipp Otto (1777-1810) - Pittore, grafico e teorico dell'arte tedesco. Uno dei fondatori e il più grande maestro del romanticismo nella pittura tedesca.

Riposo durante il volo per l'Egitto. 1805-06

Ritratto della moglie dell'artista. 1807

Ritratto dei genitori dell'artista con i nipoti. 1806

Friedrich Caspar David (1774-1840) - Pittore, disegnatore e incisore tedesco. rappresentante del romanticismo. Paesaggista.

Montagne giganti. 1835

La morte di "Nadezhda" nel ghiaccio. 1824

Nuvole fluttuanti. Intorno al 1820

Dipinto Biedermeier Biedermeier (tedesco Biedermeier) è uno stile nell'arte della Germania e dell'Austria, sviluppatosi negli anni '40 e '40. 19esimo secolo Il nome gli fu dato da poesie umoristiche parodistiche di L. Eichrodt e A. Kussmaul, pubblicate nel 1855-57. in una delle riviste di Monaco. Il loro autore immaginario, il maestro Gottlieb Biedermeier, è un modesto laico: compiacente, sentimentale, sfortunato, amante della vita tranquilla e delle comodità. La pittura Biedermeier è caratterizzata da un piccolo formato di tele, un modo di scrivere attento e delicato, di regola, l'assenza di azione nelle scene rappresentate e una predilezione per i piccoli dettagli. Biedermeier ha dominato l'esperienza artistica del romanticismo con la sua visione poetica del mondo, a volte colorata di ironia, ma allo stesso tempo ha appianato gli estremi di questo stile, “addomesticandolo” secondo la natura priva di conflitti del profano. I maestri Biedermeier si sono cimentati nella ritrattistica, nel paesaggio e in altri generi, ma la pittura quotidiana è diventata la più chiara espressione di stile.

Waldmuller Ferdinand Georg (1793-1865) Pittore austriaco. Uno dei più grandi maestri della pittura europea metà del diciannovesimo v. Un tipico rappresentante del Biedermeier.

Bouquet in antico cratere. Circa 1840

Paesaggio di montagna vicino a Mödling. 1859

Nazareni ( Tedesco Nazareno), ufficiale Unione di San Luca (tedesco) Lukasbund)

- raggruppamento Pittori romantici tedeschi e austriaci del XIX secolo che ha cercato di far rivivere lo stile dei maestri del Medioevo e del primo Rinascimento, guidati dall'arte del XV secolo. La maggior parte dei loro dipinti sono dipinti su soggetti cristiani, storici o allegorici, il loro stile è un'eredità del classicismo e una reazione ad esso sotto l'influenza dell'ideologia del romanticismo. Le figure di spicco del movimento erano Friedrich Overbeck e Peter Cornelius.

Johann Friedrich Overbeck ( 1789 - 1869 ) - Artista, grafico e illustratore tedesco.

Ciclo di affreschi per la Casa dei Bartholdi a Roma

Pietro Giuseppe von Cornelio ( 1783 - 1867 ) - Artista tedesco.

Vergini sagge e stolte. OK. 1813

Taverna, intorno al 1820

Pittura dell'Inghilterra

Nella pittura inglese, la scuola accademica, le cui fondamenta furono gettate nel XVIII secolo dal primo presidente della Royal Academy of Arts, Joshua Reynolds, mantenne la sua posizione dominante per tutta la prima metà del XIX secolo. Tuttavia, il fenomeno più evidente in quegli anni era il paesaggio, che nell'ambiente accademico era percepito come un genere minore e insignificante. Da un lato, il desiderio di un reale riflesso del mondo, l'affermazione del valore intrinseco dei semplici paesaggi rurali, e dall'altro, la natura come mondo di passioni ed esperienze violente - tutto ciò ha trovato una vivida espressione nel opere di artisti inglesi. L'arte dell'Inghilterra è entrata nell'era del romanticismo.

William Blake (1757-1827) -Poeta inglese, pittore, illustratore. Personalità complessa e ambigua, Blake fu una figura iconica per il suo tempo, l'incarnazione dello spirito del romanticismo.

Creatore dell'universo.

Frontespizio della poesia "Europa". 1794

Un peccato. Circa 1795

Conestabile John (1776-1837) - Pittore inglese. Constable ha ritratto la campagna ordinaria in tutta la sua freschezza e immediatezza, ricreando il fremito dell'ambiente luce-aria.

Carro da fieno. 1821

Cavallo bianco. 1819

William Turner (1775-1851) - il pittore inglese si è rivolto a soggetti biblici, mitologici e storici, rivelando un debole per la fantasia romantica, per l'incarnazione della drammatica lotta delle forze naturali, per il trasferimento di insoliti effetti di luce.

Talpa a Calais. I francesi si preparano a prendere il mare: arriva una nave passeggeri inglese. 1803

Nave di schiavi. 1840

L'ultimo viaggio della nave "Brave". 1838

Pluralità direzioni artistiche nel XIX secolo fu il risultato di un processo di modernizzazione. La vita artistica della società era ormai determinata non solo dai dettami della chiesa e dalla moda dei circoli di corte. Il cambiamento della struttura sociale ha portato a un cambiamento nella percezione dell'arte nella società: stanno emergendo nuovi strati sociali di persone ricche e istruite che sono in grado di valutare autonomamente le opere d'arte, concentrandosi solo sul requisito del gusto. Fu nel XIX secolo che la formazione di Cultura di massa; giornali e riviste di numero in numero, che stampavano lunghi romanzi con una trama divertente, divennero il prototipo dei serial televisivi nell'arte del XX secolo.

Nella prima metà del XIX secolo, in Europa si sviluppò una pianificazione urbana su scala senza precedenti. La maggior parte delle capitali europee - Parigi, San Pietroburgo, Berlino - hanno acquisito il loro aspetto caratteristico; nei loro complessi architettonici, il ruolo degli edifici pubblici è aumentato. La famosa Torre Eiffel, costruita nel 1889 per l'apertura dell'Esposizione Universale, è diventata il simbolo di Parigi. La Torre Eiffel ha dimostrato le capacità tecniche di un nuovo materiale: il metallo. Tuttavia la soluzione artistica originaria non fu subito riconosciuta, la torre fu chiamata ad essere demolita, definita mostruosa.

Neoclassicismo nella prima metà del XIX secolo. vissuto un tardo periodo di massimo splendore, ora riceve il nome Impero (dal francese "impero"), questo stile esprimeva la grandezza dell'impero creato da Napoleone. Entro la metà del secolo, il problema principale dell'architettura europea era la ricerca dello stile. A causa del fascino romantico per l'antichità, molti maestri hanno cercato di far rivivere le tradizioni dell'architettura del passato: è così che sono nati il ​​neogotico, il neorinascimentale, il neobarocco. Gli sforzi degli architetti hanno spesso portato all'eclettismo, una combinazione meccanica di elementi di stili diversi, vecchi e nuovi.

IN vita artistica Il romanticismo prevalse nella prima metà del XIX secolo, riflettendo la delusione per l'ideologia dell'Illuminismo. Il romanticismo è diventato una visione del mondo e uno stile di vita speciali. L'ideale romantico di una persona che non è compresa dalla società forma il modo di comportarsi dei suoi strati superiori. Il romanticismo è caratterizzato dall'opposizione di due mondi: il reale e l'immaginario. La realtà è considerata senz'anima, disumana, indegna di una persona e contraria a lui. La "prosa della vita" del mondo reale si contrappone al mondo della "realtà poetica", il mondo dell'ideale, dei sogni e delle speranze. Vedendo il mondo dei vizi nella realtà contemporanea, il romanticismo cerca di trovare una via d'uscita per l'uomo. Questa uscita è allo stesso tempo un allontanamento dalla società in diverse opzioni: l'eroe entra nel suo mondo interiore, oltre i limiti dello spazio reale e cura in un altro tempo. Il romanticismo inizia a idealizzare il passato, in particolare il Medioevo, vedendo in esso realtà, cultura e valori come gelo.

Eugene Delacroix (1798-1863) era destinato a diventare il capostipite del romanticismo francese in pittura. L'inesauribile immaginazione di questo artista ha creato un intero mondo di immagini che ancora vivono sulla tela con la loro vita intensa, piena di lotte e passioni. Delacroix traeva spesso motivi dalle opere di William Shakespeare, Johann Wolfgang Goethe, George Byron, Walter Scott, si rivolse agli eventi della Rivoluzione francese, altri episodi della storia nazionale ("Battaglia di Poitiers"). Delacroix ha catturato numerose immagini della gente dell'est, principalmente algerini e marocchini, che ha visto durante il suo viaggio in Africa. In The Massacre on the Island of Chios (1824), Delacroix rifletteva la lotta dei greci contro il dominio turco, che allora preoccupava tutta l'Europa. Al gruppo di greci prigionieri sofferenti in primo piano nel quadro, tra i quali c'è una donna sconvolta dal dolore, e un bambino che striscia al petto di una madre morta, l'artista ha contrapposto le figure arroganti e crudeli dei punitori; in lontananza si vede una città in rovina in fiamme. L'immagine ha colpito i contemporanei con il potere mozzafiato della sofferenza umana e con la sua colorazione insolitamente audace e sonora.

Gli eventi della Rivoluzione di luglio del 1830, che si concluse con la sconfitta della rivoluzione e la restaurazione della monarchia, ispirarono Delacroix a creare ampiamente dipinto famoso"Libertà sulle barricate" (1830). La donna che ha innalzato lo stendardo tricolore della Repubblica francese rappresenta la libertà. L'immagine della libertà sulle barricate 0 personificazione della lotta.

L'artista spagnolo Francisco Goya (1746-1828) era un rappresentante di fama mondiale del romanticismo, Goya divenne un grande artista relativamente tardi. Il primo significativo successo gli portò due serie (1776-1791) di numerosi arazzi realizzati per la Manifattura Reale di Santa Barbara a Madrid ("Umbrella", "The Blind Guitarist", "Seller of Dishes", "Blind Man's Bluff", " Nozze"). Negli anni '90. XVIII secolo nell'opera di Goya crescono i tratti della tragedia, l'ostilità verso la Spagna feudale-clericale del "vecchio ordine". La bruttezza dei suoi fondamenti morali, spirituali e politici Goya rivela in forma grottesco-tragica, nutrendosi di fonti folcloristiche, in una vasta serie di incisioni "Caprichos" (80 fogli con i commenti dell'artista); l'audace novità del linguaggio artistico, la tagliente espressività di linee e tratti, i contrasti di luce e ombra, la combinazione di grottesco e realtà, allegoria e fantasia, satira sociale e una sobria analisi della realtà hanno aperto nuove strade per lo sviluppo dell'incisione europea. Tra il 1790 e l'inizio del 1800, la ritrattistica di Goya raggiunse una fioritura eccezionale, in cui un'allarmante sensazione di solitudine (ritratto della Senora Bermudez), il confronto coraggioso e la sfida all'ambiente (ritratto di F. Guimardet), l'aroma del mistero e sensualità ("Maja vestita" e "Maha nuda"). Con incredibile forza di convinzione, l'artista ha catturato l'arroganza, lo squallore fisico e spirituale della famiglia reale in ritratto di gruppo"La famiglia di Carlo IV". Storicismo profondo, protesta appassionata permeano i grandi dipinti di Goya dedicati alla lotta contro l'intervento francese ("Rivolta del 2 maggio 1808 a Madrid", "Fucilazione dei ribelli nella notte del 3 maggio 1808"), una serie di acqueforti filosoficamente comprendere il destino del popolo "Disasters of War" ( 82 fogli, 1810-1820).

Francisco Goya "Capricci"

Se in letteratura la soggettività della percezione di un artista viene scoperta dal simbolismo, allora in pittura una scoperta simile viene fatta dall'impressionismo. L'impressionismo (dall'impressione francese - impressione) è una tendenza nella pittura europea nata in Francia a metà del XIX secolo. Gli impressionisti hanno evitato qualsiasi dettaglio nel disegno e hanno cercato di catturare l'impressione generale di ciò che l'occhio vede in un particolare momento. Hanno ottenuto questo effetto con l'aiuto del colore e della consistenza. Il concetto artistico dell'impressionismo era basato sul desiderio di catturare in modo naturale e naturale il mondo circostante nella sua variabilità, trasmettendo le loro impressioni fugaci. Il terreno fertile per lo sviluppo dell'impressionismo fu preparato dagli artisti della scuola di Barbizon: furono i primi a dipingere schizzi dal vero. Il principio di "dipingere ciò che si vede in mezzo alla luce e all'aria" ha costituito la base della pittura en plein air degli impressionisti.

Negli anni '60 dell'Ottocento, i giovani pittori di genere E. Manet, O. Renoir, E. Degas cercarono di ispirare la pittura francese con freschezza e immediatezza nell'osservare la vita, raffigurando situazioni istantanee, instabilità e squilibrio di forme e composizioni, angoli e punti di vista insoliti. Lavorare all'aperto ha contribuito a creare sulle tele la sensazione della neve scintillante, la ricchezza dei colori naturali, la dissoluzione degli oggetti nell'ambiente, la vibrazione della luce e dell'aria. Gli artisti impressionisti hanno prestato particolare attenzione al rapporto di un oggetto con il suo ambiente, agli studi sul cambiamento di colore e tono di un oggetto in un ambiente mutevole. A differenza dei romantici e dei realisti, non erano più inclini a rappresentare il passato storico. La modernità era la loro area di interesse. La vita dei piccoli caffè parigini, le strade rumorose, le pittoresche sponde della Senna, le stazioni ferroviarie, i ponti, la bellezza poco appariscente dei paesaggi rurali. Gli artisti non sono più disposti a toccare problemi sociali acuti.

Il lavoro di Edouard Manet (1832-1883) ha anticipato una nuova direzione nella pittura: l'impressionismo, ma l'artista stesso non si è unito a questo movimento, sebbene abbia in qualche modo cambiato idea sotto l'influenza degli impressionisti. maniera creativa. Manet ha dichiarato il suo programma: “Vivi il tuo tempo e dipingi ciò che vedi di fronte a te, scoprendo la vera bellezza e poesia nel corso quotidiano della vita”. Allo stesso tempo, nella maggior parte delle opere di Manet non c'era azione, nemmeno una trama minima. Parigi diventa motivo costante del lavoro di Manet: la folla cittadina, i caffè ei teatri, le strade della capitale.

Édouard Manet "Il bar delle Folies Bergère"

Edourd Manet "Musica alle Tuileries"

Il nome stesso Impressionismo deve la sua origine al paesaggio di Claude Monet (1840-1926) “Impressione. Alba".

Nell'opera di Monet valore di primo piano acquisito l'elemento della luce. Entro gli anni '70. 19esimo secolo Lo straordinario "Boulevard des Capucines" è uno di questi, dove le pennellate gettate sulla tela trasmettono sia la prospettiva di una strada trafficata che si allontana in lontananza, un flusso infinito di carrozze che si muovono lungo di essa, sia una folla allegra e festosa. Dipinse molti dipinti con lo stesso soggetto di osservazione illuminato in modo diverso. Ad esempio, un pagliaio al mattino, a mezzogiorno, alla sera, al chiaro di luna, sotto la pioggia e così via.

Molte delle conquiste dell'impressionismo sono associate all'opera di Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), entrato nella storia dell'arte come "pittore della felicità". Ha davvero creato nei suoi dipinti un mondo speciale di donne accattivanti e bambini sereni, natura gioiosa e bellissimi fiori. Per tutta la vita, Renoir ha dipinto paesaggi, ma la sua vocazione è rimasta l'immagine di un uomo. Amava dipingere quadri di genere, dove con sorprendente vivacità ricreava il trambusto delle strade e dei viali parigini, l'ozio dei caffè e dei teatri, la vivacità delle passeggiate in campagna e delle vacanze all'aria aperta. Tutti questi quadri, dipinti all'aria aperta, si distinguono per la sonorità del colore. Il dipinto "Moulin de la Galette" (ballo popolare nel giardino della sala da ballo di Montmartre) è un capolavoro dell'impressionismo di Renoir. Indovina il ritmo vivace della danza, il balenare di volti giovani. Non ci sono movimenti bruschi nella composizione e un senso di dinamica è creato dal ritmo delle macchie di colore. Interessante l'organizzazione spaziale del quadro: il primo piano è dato dall'alto, le figure sedute non oscurano i danzatori. Numerosi ritratti sono dominati da bambini e ragazzine, in questi ritratti si è rivelata la sua abilità: “Ragazzo con gatto”, “Ragazza con ventaglio”.

Partecipante attivo a tutte le mostre, Edgar Degas (1834-1917), era lontano da tutti i principi degli impressionisti: era un oppositore del plein air, non dipingeva dal vero, non cercava di catturare la natura dei vari stati di natura. Un posto significativo nell'opera di Degas è occupato da una serie di dipinti raffiguranti un corpo femminile nudo. Molti dei suoi dipinti degli ultimi anni sono dedicati alla "donna al gabinetto". In molte opere Degas mostra la specificità del comportamento e dell'aspetto delle persone, generato dalle peculiarità della loro vita, rivela il meccanismo di un gesto professionale, postura, movimento di una persona, la sua bellezza plastica ("Stiratrici", "Lavandaie con biancheria"). Nell'affermazione del significato estetico della vita delle persone, delle loro attività quotidiane, si riflette il peculiare umanesimo dell'opera di Degas. L'arte di Degas è insita nella combinazione del bello, a volte fantastico e del prosaico: trasmettere lo spirito festivo del teatro in molte scene di balletto ("Ballet Star", "Ballet School", "Dance Lesson").

Il post-impressionismo copre il periodo dal 1886, quando si tenne l'ultima mostra impressionista, che presentò le prime opere dei neoimpressionisti, agli anni '10, che annunciarono la nascita di un'arte completamente nuova nelle forme del cubismo e del fauvismo. Il termine “post-impressionismo” fu introdotto dal critico inglese Roger Fry, esprimendo l'impressione generale della mostra di arte moderna francese da lui organizzata a Londra nel 1910, che comprendeva opere di Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Seurat, Cézanne e altri artisti.

I post-impressionisti, molti dei quali si erano precedentemente uniti all'impressionismo, iniziarono a cercare metodi per esprimere non solo il momentaneo e il transitorio: in ogni momento, iniziarono a comprendere gli stati a lungo termine del mondo che li circondava. Il post-impressionismo è caratterizzato da diversi sistemi e tecniche creative che hanno influenzato il successivo sviluppo delle belle arti. L'opera di Van Gogh ha anticipato l'avvento dell'Espressionismo, Gauguin ha aperto la strada all'Art Nouveau.

Vincent van Gogh (1853-1890) ha creato il più sorprendente immagini artistiche sintetizzando (combinando) motivo e colore. La tecnica di Van Gogh è punti, virgole, linee verticali, punti solidi. Le sue strade, aiuole e solchi corrono davvero in lontananza, e i cespugli bruciano sul terreno come fuochi. Ha raffigurato non un momento colto, ma la continuità dei momenti. Ha raffigurato non questo effetto di un albero piegato dal vento, ma la crescita stessa di un albero da terra. Van Gogh ha saputo trasformare tutto ciò che è casuale in cosmico. L'anima di Van Gogh richiedeva colori vivaci, si lamentava costantemente con suo fratello della mancanza di forza anche del suo colore giallo brillante preferito.

Starry Night non è stato il primo tentativo di Van Gogh di rappresentare il cielo notturno. Nel 1888, ad Arles, dipinse Notte stellata sul Rodano. Van Gogh ha voluto ritrarre la notte stellata come un esempio del potere dell'immaginazione, che può creare una natura più sorprendente di quella che possiamo percepire guardando mondo reale.

Una percezione accresciuta della realtà e uno squilibrio mentale portano Van Gogh a malattia mentale. Gauguin viene a stare ad Arles, ma le differenze creative causano una lite. Van Gogh lancia un bicchiere in testa all'artista, poi, dopo la dichiarazione di Gauguin della sua intenzione di andarsene, si lancia contro di lui con un rasoio. In un impeto di follia la sera dello stesso giorno, l'artista si taglia l'orecchio ("Autoritratto con orecchio bendato").

L'opera di Paul Gauguin (1848-1903) è inseparabile dal suo tragico destino. La cosa più importante nel concetto stilistico di Gauguin era la sua comprensione del colore. Su circa. Tahiti, dove l'artista partì nel 1891, sotto l'influenza delle forme primitive dell'arte polinesiana, dipinse quadri che si distinguono per decoratività, forme piatte e colori eccezionalmente puri. Il dipinto "esotico" di Gauguin - "Sei geloso?", "Il suo nome è Vairaumati", "Donna con un frutto" - riflette non tanto le qualità naturali degli oggetti quanto lo stato emotivo dell'artista e significato simbolico le immagini che hanno concepito. La particolarità dello stile pittorico di Gauguin è un marcato effetto decorativo, il desiderio di dipingere su grandi piani della tela con un colore, innamorato dell'ornamento, che era presente sui tessuti degli abiti, sui tappeti e sullo sfondo del paesaggio.

Paul Gauguin "Quando sposarsi" "Donna con in mano un frutto"

Il risultato più importante della cultura del XIX secolo. è l'emergere dell'arte della fotografia e del design. La prima macchina fotografica al mondo fu realizzata nel 1839 da Louis Jacques Mande Daguerre.

I primi tentativi di Daguerre di realizzare una fotocamera funzionante non hanno avuto successo. Nel 1827 incontrò Joseph Niépce, che stava anche tentando (e da allora ebbe un po' più successo) di inventare la macchina fotografica. Due anni dopo sono diventati soci. Niépce morì nel 1833, ma Daguerre continuò a lavorare sodo. Nel 1837 fu finalmente in grado di sviluppare un sistema pratico di fotografia chiamato dagherrotipo. L'immagine (dagherrotipo) è stata ottenuta su una lastra d'argento trattata con vapori di iodio. Dopo l'esposizione per 3-4 ore, la lastra è stata sviluppata in vapori di mercurio e fissata con una soluzione calda di sale comune o iposolfito. I dagherrotipi erano di altissima qualità dell'immagine, ma si poteva fare solo uno scatto.

Nel 1839 Daguerre pubblicò la sua invenzione ma non ne depositò il brevetto. In risposta, il governo francese ha assegnato a lui e al figlio di Niépce una pensione a vita. L'annuncio dell'invenzione di Daguerre fece molto scalpore. Daguerre divenne l'eroe del giorno, la fama cadde su di lui e il metodo del dagherrotipo trovò rapidamente ampia applicazione.

Lo sviluppo della fotografia ha portato a una revisione principi artistici grafica, pittura, scultura, arte combinata e documentario, che non è realizzabile in altre forme d'arte. La base per il design fu posta dall'Esposizione Industriale Internazionale di Londra nel 1850. Il suo design segnò la convergenza di arte e tecnologia e gettò le basi per un nuovo tipo di creatività.

Louis Daguerre, Nicephore Niepce e la Camera Obscura di Niepce

Giuseppe Niceforo Niepce. La prima fotografia al mondo scattata su una lega di stagno e piombo, 1826.

"Studio d'artista" di Daguerre, 1837

Negli anni '70 dell'Ottocento, due inventori, Elisha Gray e Alexander Graham Bell, svilupparono indipendentemente dispositivi in ​​grado di trasmettere il parlato tramite l'elettricità, che in seguito chiamarono telefono. Entrambi hanno inviato i rispettivi brevetti agli uffici brevetti, la differenza nei depositi è stata solo di poche ore. Tuttavia, Alexander Graham Bell) ha ricevuto il brevetto per primo.

Il telefono e il telegrafo sono sistemi elettrici basati su fili. Il successo di Alexander Bell, o meglio la sua invenzione, fu del tutto naturale, poiché, inventando il telefono, cercò di migliorare il telegrafo. Quando Bell iniziò a sperimentare i segnali elettrici, il telegrafo era già in uso come mezzo di comunicazione da circa 30 anni. Sebbene il telegrafo fosse un sistema di comunicazione di discreto successo basato sul codice Morse con la sua visualizzazione di lettere utilizzando punti e trattini, tuttavia, il grande svantaggio del telegrafo era che le informazioni erano limitate alla ricezione e all'invio di un messaggio alla volta.

Alexander Bell parla nel primo modello di telefono

Il primo telefono, creato da Alexander Graham Bell, era un dispositivo attraverso il quale i suoni del linguaggio umano venivano trasmessi utilizzando l'elettricità (1875). Il 2 giugno 1875, Alexander Graham Bell, mentre sperimentava la sua tecnica, che chiamò "telegrafo armonico", scoprì di poter sentire il suono attraverso un filo. Era il suono di un orologio.

Il più grande successo di Bell fu raggiunto il 10 marzo 1876. Parlando via tubo con il suo assistente, Thomas Watson, che era nella stanza accanto, Bell pronunciò le parole che oggi sono note a tutti “Mr. Watson - vieni qui - voglio vederti ”(Sig. Watson - vieni qui - voglio vederti). In questo momento non nacque solo il telefono, ma morì anche il telegrafo multiplo. Le potenzialità della comunicazione nel dimostrare che era possibile parlare attraverso l'elettricità erano molto diverse da quelle che il telegrafo poteva offrire con il suo sistema di trasmissione delle informazioni tramite punti e trattini.

Il concetto di cinema è apparso per la prima volta nella sua versione francese - "cinema", che denota un sistema per creare e proiettare un film, sviluppato dai fratelli Louis Jean e Auguste Lumiere. Il primo film fu girato con una cinepresa dal francese Louis Aimé Augustin Le Prinecy (1842–1890) nel novembre 1888 in Gran Bretagna e consisteva di due frammenti: il primo aveva 10-12 immagini al secondo, il secondo aveva 20 immagini al secondo. Ma ufficialmente si ritiene che il cinema abbia avuto origine il 28 dicembre 1895. In questo giorno, nel salone indiano "Grand Cafe" sul Boulevard des Capucines (Parigi, Francia), si è svolta una proiezione pubblica del "Cinematografo dei fratelli Lumiere". Nel 1896, i fratelli fecero un giro del mondo con la loro invenzione, visitando Londra, New York, Bombay.

Louis Jean Lumiere si è diplomato in una scuola industriale, è stato fotografo e ha lavorato in una fabbrica fotografica di proprietà di suo padre. Nel 1895, Lumière inventò la cinepresa per riprendere e proiettare "fotografie in movimento". Suo fratello Auguste Lumiere ha preso parte attiva al suo lavoro sull'invenzione del cinema. Il dispositivo è stato brevettato e si chiamava cinema. I primi programmi cinematografici di Lumiere mostravano scene girate sul posto: "Uscita dei lavoratori dalla fabbrica di Lumiere", "Arrivo di un treno", "Colazione per bambini", "Acqua spruzzata" e altri. È interessante notare che la parola lumiere in francese significa "luce". Forse è un incidente, o forse il destino dei creatori del cinema è stato deciso in anticipo.

Ne consegue dai rappresentanti della pittura dell'Europa occidentale del XIX secolo, la Francia era ancora considerata il centro culturale mondiale a quel tempo (dal XVII secolo) e il romanticismo era considerato lo stile artistico che aprì l'era. Stranamente, su Internet è molto più facile trovare informazioni sui rappresentanti del romanticismo in generale che sui francesi del XIX secolo. Ad esempio, puoi fare riferimento alle informazioni fornite sul sito web smollbay.ru, che elenca artisti romantici non solo in Francia, ma anche in altri paesi. A proposito, l'elenco dei rappresentanti del romanticismo nella pittura del XIX secolo dovrebbe iniziare con uno dei suoi fondatori: lo spagnolo Francisco Goya. Anche qui puoi includere i nomi di Jacques Louis David, la cui opera occupa uno stato di confine tra classicismo e romanticismo, e i "veri romantici" Theodore Géricault ed Eugene Delacroix.

Il romanticismo viene sostituito dalla pittura realistica, anch'essa originata in Francia. Abbastanza capiente su questa direzione è contenuto in " dizionario enciclopedico Brockhaus ed Efron”, il cui testo può essere letto su Internet all'indirizzo dic.academic.ru. I rappresentanti del realismo nelle belle arti della Francia, in primo luogo, includono Honoré Daumier, Gustave Courbet e Jean-Francois Millet.

Una delle pagine più luminose della storia pittura francese- l'emergere e lo sviluppo dell'impressionismo. È abbastanza facile trovare informazioni sugli artisti impressionisti facendo riferimento ai siti hudojnik-impressionist.ru, impressionism.ru, nonché a numerose pubblicazioni stampate su questo argomento, ad esempio “Impressionismo. Enciclopedia illustrata" di Ivan Mosin, "Impressionismo. Momento incantato" di Natalia Sinelnikova, "Storia della pittura mondiale. Impressionismo" di Natalia Skorobogatko. I principali maestri qui sono Edouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Edgar Degas.

Non meno comuni sono le informazioni sui rappresentanti del neoimpressionismo e del postimpressionismo. Puoi trovarlo sul già citato sito smollbay.ru o nel libro di Elena Zorina “The History of World Painting. Sviluppo dell'impressionismo. Prima di tutto, l'elenco dovrebbe essere riempito con i nomi di Georges Seurat, Paul Signac, Paul Cezanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Henri de Toulouse-Lautrec.
Una tale tendenza nella pittura inglese della seconda metà del XIX secolo come il preraffaellismo sta diventando sempre più popolare. I nomi dei suoi rappresentanti possono essere trovati sui siti web dic.academic.ru, restorewiki.ru o nei libri “Pre-Raphaelism” di Ivan Mosin, “The History of World Painting. La pittura vittoriana e i preraffaelliti" di Natalia Mayorova e Gennady Skokov. I principali maestri di questa tendenza sono Dante Gabriel Rossetti, John Everett Milles, William Holman Hunt, William Morris, Edward Burne-Jones.

Maestri della pittura russa del XIX secolo

È molto più facile compilare un elenco di artisti russi del XIX secolo contattando siti come www.art-portrets.ru, art19.info o una delle tante enciclopedie della pittura russa per informazioni. Qui dovremmo evidenziare i rappresentanti del romanticismo (Orest Kiprensky, Vasily Tropinin, Karl Bryullov), artisti il ​​cui lavoro rappresenta il passaggio dal romanticismo al realismo (Alexander Ivanov, Pavel Fedotov) e, infine, i famosi Wanderers (Ilya Repin, Ivan Kramskoy, Vasily Perov, Vasily Surikov, Alexei Savrasov, Ivan Shishkin, Isaac Levitan, Viktor Vasnetsov e molti altri).

Compilare un elenco di artisti del XIX secolo non è un compito così difficile, devi solo fare un piccolo sforzo per trovare e organizzare le informazioni.

Classicismo, stile artistico in Arte europea XVII-inizi XIX secolo, di cui una delle caratteristiche più importanti è il richiamo alle forme dell'arte antica, come ideale canone estetico ed etico. Il classicismo, che si sviluppò in un'interazione nettamente polemica con il barocco, si sviluppò in un sistema stilistico integrale nella cultura artistica francese del XVII secolo.

Il classicismo del XVIII - inizio XIX secolo (nella storia dell'arte straniera viene spesso definito neoclassicismo), che divenne uno stile paneuropeo, si formò anche principalmente in seno alla cultura francese, sotto la forte influenza delle idee del Illuminismo. In architettura, sono stati determinati nuovi tipi di un palazzo squisito, un grande edificio pubblico, una piazza aperta della città (Gabrielle Jacques Ange e Souflo Jacques Germain), la ricerca di nuove forme di architettura disordinate, il desiderio di una dura semplicità nel lavoro di Ledoux Claude Nicolas ha anticipato l'architettura della fase tarda del classicismo: l'Impero. Pathos civico e lirismo combinati in plastica (Pigalle Jean Baptiste e Houdon Jean Antoine), paesaggi decorativi (Robert Hubert). Il coraggioso dramma delle immagini storiche e dei ritratti è insito nelle opere del capo del classicismo francese, il pittore Jacques Louis David. Nel XIX secolo, la pittura del classicismo, nonostante l'attività di singoli grandi maestri, come Jean Auguste Dominique Ingres, degenera in un'arte da salotto ufficiale apologetica o pretenziosamente erotica. Roma divenne il centro internazionale del classicismo europeo tra il XVIII e l'inizio del XIX secolo, dove dominavano le tradizioni dell'accademismo, con la loro caratteristica combinazione di nobiltà delle forme e fredda idealizzazione (pittore tedesco Anton Raphael Mengs, scultori: l'italiano Canova Antonio e Dane Thorvaldsen Bertel ). L'architettura del classicismo tedesco è caratterizzata dalla severa monumentalità degli edifici di Karl Friedrich Schinkel, per lo stato d'animo contemplativo-elegiaco della pittura e dell'arte plastica - ritratti di August e Wilhelm Tischbein, scultura di Johann Gottfried Schadow. Nel classicismo inglese spiccano le antichità di Robert Adam, le tenute del parco palladiano di William Chambers, i disegni squisitamente austeri di J. Flaxman e le ceramiche di J. Wedgwood. Varianti proprie del classicismo sviluppate nella cultura artistica di Italia, Spagna, Belgio, paesi scandinavi, Stati Uniti; un posto eccezionale nella storia dell'arte mondiale è occupato dal classicismo russo degli anni 1760-1840.

Entro la fine del primo terzo del XIX secolo, il ruolo di primo piano del classicismo stava quasi universalmente svanendo, veniva sostituito da varie forme di eclettismo architettonico. La tradizione artistica del classicismo prende vita nel neoclassicismo della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo.

Jean-Auguste Dominique Ingres, (1780-1867) - Artista francese, leader generalmente riconosciuto dell'accademismo europeo del XIX secolo.
Nel lavoro di Ingres - la ricerca della pura armonia.
Ha studiato all'Accademia di Tolosa belle arti. Dopo essersi diplomato all'Accademia, si trasferì a Parigi, dove nel 1797 divenne allievo di Jacques-Louis David. Nel 1806-1820 studiò e lavorò a Roma, poi si trasferì a Firenze, dove trascorse altri quattro anni. Nel 1824 tornò a Parigi e aprì una scuola di pittura. Nel 1835 tornò nuovamente a Roma come direttore dell'Accademia di Francia. Dal 1841 fino alla fine della sua vita visse a Parigi.

L'accademismo (fr. academisme) è una tendenza nella pittura europea dei secoli XVII-XIX. La pittura accademica è nata durante lo sviluppo delle accademie d'arte in Europa. La base stilistica della pittura accademica all'inizio del XIX secolo era il classicismo, nella seconda metà del XIX secolo l'eclettismo.
L'accademismo è cresciuto seguendo forme esterne arte classica. I seguaci hanno caratterizzato questo stile come una riflessione sulla forma d'arte dell'antichità antica e del Rinascimento.

Ingres. Ritratti della famiglia Riviere. 1804-05

Romanticismo

Romanticismo- un fenomeno generato dal sistema borghese. Come prospettiva e stile creatività artistica riflette le sue contraddizioni: il divario tra il proprio e il reale, l'ideale e la realtà. La consapevolezza dell'irrealizzabilità degli ideali e dei valori umanistici dell'Illuminismo ha dato origine a due alternative posizioni della visione del mondo. L'essenza del primo è disprezzare la realtà vile e chiudersi nel guscio dei puri ideali. L'essenza del secondo è riconoscere la realtà empirica, scartare ogni ragionamento sull'ideale. Il punto di partenza della visione romantica del mondo è un aperto rifiuto della realtà, il riconoscimento di un abisso insormontabile tra ideali ed essere reale, l'irragionevolezza del mondo delle cose.

È caratterizzato da un atteggiamento negativo nei confronti della realtà, del pessimismo, dell'interpretazione delle forze storiche come al di fuori della reale realtà quotidiana, della mistificazione e della mitizzazione. Tutto ciò ha spinto la ricerca della risoluzione delle contraddizioni non nel mondo reale, ma nel mondo della fantasia.

La visione del mondo romantica abbracciava tutte le sfere della vita spirituale: scienza, filosofia, arte, religione. È venuto in due versioni:

Il primo - in esso il mondo appariva come una soggettività cosmica infinita, senza volto. L'energia creativa dello spirito agisce qui come l'inizio che crea l'armonia mondiale. Questa versione della visione romantica del mondo è caratterizzata da un'immagine panteistica del mondo, ottimismo e sentimenti elevati.

La seconda è che in essa la soggettività umana è considerata individualmente e personalmente, è intesa come il mondo interiore profondo di una persona che è in conflitto con il mondo esterno. Questo atteggiamento è caratterizzato dal pessimismo, un atteggiamento liricamente triste nei confronti del mondo.

Il principio iniziale del romanticismo era "due mondi": confronto e opposizione dei mondi reale e immaginario. Il simbolismo era il modo di esprimere questo doppio mondo.

Il simbolismo romantico rappresentava una combinazione organica del mondo illusorio e reale, che si manifestava nella comparsa di metafore, iperboli e confronti poetici. Il romanticismo, nonostante la sua stretta connessione con la religione, era caratterizzato da umorismo, ironia, sogno. Il romanticismo dichiarava la musica modello e norma per tutti i campi dell'arte, in cui, secondo i romantici, risuonava l'elemento stesso della vita, l'elemento della libertà e il trionfo dei sentimenti.

L'emergere del romanticismo era dovuto a una serie di fattori. Primo, socio-politico: la rivoluzione francese del 1769-1793, le guerre napoleoniche, la guerra d'indipendenza America Latina. In secondo luogo, economico: la rivoluzione industriale, lo sviluppo del capitalismo. In terzo luogo, si è formato sotto l'influenza della filosofia tedesca classica. In quarto luogo, è stato formato sulla base e nel quadro dell'esistente stili letterari: illuminismo, sentimentalismo.

Il periodo di massimo splendore del romanticismo cade nel periodo 1795-1830. - il periodo delle rivoluzioni europee e dei movimenti di liberazione nazionale, e il romanticismo era particolarmente pronunciato nella cultura di Germania, Inghilterra, Russia, Italia, Francia, Spagna.

La tendenza romantica ebbe una grande influenza in campo umanitario, e quella positivista nelle scienze naturali, tecniche e pratiche.

Jean Louis André Theodore Géricault (1791-1824).
Allievo per breve tempo di C. Vernet (1808-1810), e poi di P. Guerin (1810-1811), sconvolto dai suoi metodi di trasferimento della natura non conformi ai principi della scuola di Jacques-Louis David e dipendenza da Rubens, ma in seguito riconobbe la razionalità delle aspirazioni di Gericault.
Servendo nei moschettieri reali, Gericault scrisse principalmente scene di battaglia, ma dopo aver viaggiato in Italia nel 1817-19. eseguì un grande e complesso dipinto "La zattera della Medusa" (situato al Louvre, Parigi), che divenne una completa negazione della tendenza davidica e un eloquente sermone di realismo. La novità della trama, il profondo dramma della composizione e la verità della vita di quest'opera magistralmente scritta non furono subito apprezzate, ma presto fu riconosciuta anche dagli aderenti allo stile accademico e portò all'artista la fama di talentuoso e coraggioso innovatore .

Tensione tragica e dramma Nel 1818, Gericault lavorò al dipinto La zattera della Medusa, che segnò l'inizio del romanticismo francese. Delacroix, che ha posato per l'amico, ha assistito alla nascita di una composizione che rompe tutte le consuete idee sulla pittura. Delacroix in seguito ricordò che quando vide il dipinto finito, "si precipitò a correre come un pazzo e non poté fermarsi fino a casa".
La trama dell'immagine si basa su un vero incidente accaduto il 2 luglio 1816 al largo delle coste del Senegal. Poi, sulle secche di Argen, a 40 leghe dalla costa africana, naufragò la fregata Medusa. 140 passeggeri e membri dell'equipaggio hanno cercato di scappare salendo a bordo della zattera. Solo 15 di loro sopravvissero e il dodicesimo giorno del loro vagabondaggio furono raccolti dal brigantino Argus. I dettagli del viaggio dei sopravvissuti hanno scioccato i moderni opinione pubblica, e lo stesso incidente si trasformò in uno scandalo nel governo francese a causa dell'incompetenza del capitano della nave e dell'insufficienza dei tentativi di salvare le vittime.

soluzione figurata
La gigantesca tela colpisce per la sua forza espressiva. Gericault è riuscito a creare un'immagine vivida, unendo i morti e i vivi, la speranza e la disperazione in un'unica immagine. L'immagine è stata preceduta da un enorme lavoro preparatorio. Gericault ha realizzato numerosi schizzi dei moribondi negli ospedali e dei cadaveri dei giustiziati. La Zattera della Medusa è stata l'ultima delle opere completate di Géricault.
Nel 1818, quando Gericault stava lavorando al dipinto "La zattera della Medusa", che segnò l'inizio del romanticismo francese, Eugene Delacroix, posando per il suo amico, assistette alla nascita di una composizione che rompe tutte le consuete idee sulla pittura. Delacroix in seguito ricordò che quando vide il dipinto finito, "si precipitò a correre come un pazzo e non poté fermarsi fino a casa".

Reazione pubblica
Quando Géricault espose La zattera della Medusa al Salon nel 1819, il dipinto suscitò indignazione pubblica, perché l'artista, contrariamente alle norme accademiche dell'epoca, non utilizzava un formato così grande per rappresentare un soggetto eroico, moraleggiante o classico.
Il dipinto fu acquisito nel 1824 ed è attualmente nella Sala 77 al 1° piano della Galleria Denon al Louvre.

Eugenio Delacroix(1798 - 1863) - Pittore e grafico francese, capofila della tendenza romantica nella pittura europea.
Ma il Louvre e la comunicazione con il giovane pittore Theodore Gericault divennero le vere università per Delacroix. Al Louvre, era affascinato dalle opere degli antichi maestri. A quel tempo, vi si potevano vedere molti dipinti, catturati durante le guerre napoleoniche e non ancora restituiti ai loro proprietari. Soprattutto, l'artista alle prime armi era attratto dai grandi coloristi: Rubens, Veronese e Tiziano. Ma la più grande influenza su Delacroix fu Theodore Géricault.

Nel luglio 1830 Parigi si ribellò alla monarchia borbonica. Delacroix simpatizzava con i ribelli, e questo si rifletteva nella sua "Libertà alla guida del popolo" (conosciamo anche quest'opera come "Libertà sulle barricate"). Esposta al Salon del 1831, la tela provocò una bufera di consensi da parte del pubblico. Il nuovo governo ha acquistato il dipinto, ma allo stesso tempo ne ha subito ordinato la rimozione, il suo pathos sembrava troppo pericoloso.

17.3 pittura europea 19esimo secolo

17.3.1 Pittura francese . primo ventennio dell'Ottocento. nella storia della pittura francese sono designati come classicismo rivoluzionario. Il suo rappresentante di spicco era J.L. Davide (1748- 1825), le cui opere principali furono da lui realizzate nel XVIII secolo. Opere del XIX secolo. - sta lavorando pittore di corte Napoleone- "Napoleone al passo del San Bernardo", "Incoronazione", "Leonida alle Termopili". David è anche autore di ottimi ritratti, come il ritratto di Madame Récamier. Ha creato una grande scuola di studenti e ha predeterminato i tratti artistico dallo stile Impero.

Lo studente di David era JO Ingres (1780- 1867), che trasformò il classicismo in arte accademica e per molti anni contrario romantici. Ingres è l'autore di veritiero affilato ritratti (“L. F. Bertin”, “Madame Rivière”, ecc.) e dipinti nello stile di un classicismo accademico ("L'apoteosi di Omero", "Giove e Themis").

Romanticismo della pittura francese nella prima metà dell'Ottocento- queste sono le tele di T. Gericault (1791 - 1824) ("La zattera della Medusa" e "Derby in Epsom e altri") ed E. Delacroix (1798-1863), autore del celebre dipinto La libertà che guida il popolo.

La tendenza realistica della pittura della prima metà del secolo è rappresentata dalle opere di G. Courbet (1819- 1877), l'autore del termine "realismo" e dei dipinti "Stone Crushers" e "Funeral in Ornan", così come le opere di J. F . Millet (1814 - 1875), scrittore di vita contadina e ("I raccoglitori di spighe", "L'uomo con la zappa", "Il seminatore").

Un importante fenomeno della cultura europea nella seconda metà del XIX secolo. era lo stile artistico dell'impressionismo, che si diffuse non solo nella pittura, ma anche nella musica e nella narrativa. Eppure è sorto nella pittura.

Nelle arti temporali, l'azione si svolge nel tempo. La pittura, per così dire, è in grado di catturare solo un singolo momento nel tempo. A differenza del cinema, ha sempre un "frame". Come trasmettere il movimento in esso? Uno di questi tentativi di catturare il mondo reale nella sua mobilità e variabilità è stato il tentativo dei creatori della direzione nella pittura, chiamato impressionismo (dall'impressione francese). Questa direzione ha riunito vari artisti, ognuno dei quali può essere caratterizzato come segue. Impressionistaè un artista che trasmette il suo diretto impressione della natura, vede in essa la bellezza della variabilità e dell'impermanenza, in crea una sensazione visiva di luce solare intensa, il gioco di ombre colorate, utilizzando una tavolozza di colori puri non miscelati, da cui il nero e il grigio sono banditi.

Nei dipinti di impressionisti come C. Monet (1840-1926) e O. Renoir (1841-1919), nei primi anni '70 del XIX secolo. appare la materia aerea, che possiede non solo una certa densità che riempie lo spazio, ma anche mobilità. Flussi di luce solare, vapori salgono dalla terra umida. L'acqua, la neve che si scioglie, la terra arata, l'erba ondeggiante nei prati non hanno un chiaro contorno ghiacciato. Movimento, precedentemente introdotto nel paesaggio come immagine di figure in movimento, come risultato dell'azione delle forze naturali- il vento, che insegue le nuvole, ondeggia gli alberi, è ora sostituito dalla pace. Ma questa pace della materia inanimata è una delle forme del suo movimento, che è trasmessa dalla trama stessa della pittura: tratti dinamici di colori diversi, non vincolati dalle linee rigide del disegno.

Il nuovo stile pittorico non fu subito accolto dal pubblico, che accusò gli artisti di non saper disegnare, gettando sulla tela la pittura raschiata dalla tavolozza. Quindi, le cattedrali rosa di Rouen di Monet sembravano poco plausibili sia al pubblico che ai colleghi artisti.- il meglio della serie pittorica dell'artista ("Mattina", "Con i primi raggi del sole", "Mezzogiorno"). L'artista no ha cercato di rappresentare la cattedrale su tela in diversi momenti della giornata- ha gareggiato con i maestri del gotico per assorbire lo spettatore con la contemplazione di magici effetti di luce e colore. La facciata della Cattedrale di Rouen, come la maggior parte delle cattedrali gotiche, nasconde uno spettacolo mistico di x dalla luce solare delle luminose vetrate colorate degli interni. L'illuminazione all'interno delle cattedrali varia a seconda della direzione da cui splende il sole, del tempo nuvoloso o sereno. I raggi del sole, penetrando attraverso l'intenso colore blu e rosso delle vetrate, vengono dipinti e si depositano con riflessi colorati sul pavimento.

Uno dei dipinti di Monet deve il suo aspetto alla parola "impressionismo". Questa tela era infatti un'espressione estrema dell'innovazione del metodo pittorico emergente e fu chiamata "Alba a Le Havre". Il compilatore del catalogo dei dipinti per una delle mostre suggerì all'artista di chiamarlo qualcos'altro, e Monet, dopo aver cancellato "a Le Havre", mise "l'impressione". E pochi anni dopo la comparsa delle sue opere, scrissero che Monet "rivela una vita che nessuno prima di lui era riuscito a cogliere, di cui nessuno sapeva nemmeno". Nei dipinti di Monet cominciò a notare lo spirito inquietante della nascita nuova era. Quindi, nel suo lavoro è apparso "seriale" come un nuovo fenomeno della pittura. E ha attirato l'attenzione sul problema del tempo. La pittura dell'artista, come notato, strappa una "cornice" alla vita, con tutta la sua incompletezza e incompletezza. E questo ha dato slancio allo sviluppo della serie come inquadrature successive. Inoltre " Cattedrali di Rouen» Monet crea la serie “Gare Saint-Lazare”, in cui i dipinti sono interconnessi e si completano a vicenda. Tuttavia, era impossibile combinare le "cornici" della vita in un unico nastro di impressioni nella pittura. Questo è diventato il compito del cinema. Gli storici del cinema ritengono che la ragione della sua comparsa e dell'ampia distribuzione non siano state solo scoperte tecniche, ma anche un urgente bisogno artistico di un'immagine in movimento. E i quadri degli impressionisti, in particolare di Monet, diventano sintomo di questa esigenza. È noto che una delle trame della prima sessione cinematografica della storia, arrangiata dai fratelli Lumiere nel 1895, era "L'arrivo del treno". Locomotive a vapore, stazione, rotaie furono oggetto di una serie di sette dipinti "Gare Saint-Lazare" di Monet, esposti nel 1877.

O. Renoir era un eccezionale artista impressionista. Alle sue opere ("Fiori", "Un giovane che cammina con i cani nella foresta di Fontainebleau", "Vaso di fiori", "Il bagno nella Senna", "Lisa con l'ombrello", "La signora in barca", " Riders in the Bois de Boulogne” , “Ball at Le Moulin de la Galette”, “Portrait of Jeanne Samary” e molti altri) le parole dell'artista francese E. Delacroix “La prima dignità di ogni immagine è del tutto applicabile- essere una vacanza m per gli occhi. nome Renoir- sinonimo di bellezza e giovinezza, quel tempo della vita umana, quando la freschezza spirituale e il fiorire della forza fisica sono in completa armonia. Vivendo in un'epoca di acuti conflitti sociali, li ha lasciati fuori dalle sue tele, concentrandosi svegliarsi sui lati belli e luminosi dell'esistenza umana. E in questa posizione non era solo tra gli artisti. Anche duecento anni prima di lui, il grande artista fiammingo Peter Paul Rubens dipinse immagini di un enorme inizio di affermazione della vita ("Perseo e Andromeda"). Immagini come questa danno speranza alle persone. Ogni persona ha diritto alla felicità e punto principale L'arte di Renoir sta nel fatto che ciascuna delle sue immagini afferma l'inviolabilità di questo diritto.

IN fine XIX secoli, il post-impressionismo si è formato nella pittura europea. I suoi rappresentanti- P . Cézanne (1839 - 1906), W. Van Gogh (1853 - 1890), P. Gauguin (1848 - 1903), subentrato a impressionisti purezza del colore, ricercata inizi permanenti dell'essere, metodi pittorici generalizzanti, aspetti filosofici e simbolici della creatività. Dipinti di Cézanne- si tratta di ritratti ("Smoker"), paesaggi ("Rive della Marna"), nature morte ("Natura morta con cesto di frutta").

Dipinti di Van Gogh- "Capanne", "Over dopo la pioggia", "Passeggiata dei prigionieri".

Gauguin ha le caratteristiche del romanticismo ideologico. IN l'anno scorso affascinato dalla vita delle tribù polinesiane, che, a suo avviso, conservavano la loro primitiva purezza e integrità, parte per le isole della Polinesia, dove realizza diversi dipinti, la cui base era la primitivizzazione della forma, il desiderio di ottenere più vicino a tradizioni artistiche nativi ("Donna con un frutto", "Pastorale tahitiana", "Fonte meravigliosa").

Grande scultore del XIX secolo era O. Rodin (1840- 1917), combinando nel suo lavoro impressionista romanticismo ed espressionismo realistico ricerche. Vitalità delle immagini, drammaticità, espressività di una vita interiore tesa, gesti che si susseguono nel tempo e nello spazio (cosa fai non è possibile impostare questa scultura su musica e balletto), catturando l'instabilità del momento- tutto questo insieme crea un'immagine essenzialmente romantica e del tutto impressionista visione. Il desiderio di profonde generalizzazioni filosofiche ("L'età del bronzo", " Cittadini di Calais”, scultura dedicata all'eroe della Guerra dei Cent'anni, che si sacrificò per salvare la città assediata, lavorano per le Porte dell'Inferno, tra cui Il Pensatore) e il desiderio di mostrare momenti di assoluta bellezza e felicità (“ Eterna primavera", "Pas de -de")– le caratteristiche principali del lavoro di questo artista.

17.3.2 Pittura inglese. Belle arti dell'Inghilterra nella prima metà del XIX secolo.è un dipinto di paesaggio, luminoso rappresentanti che erano J. Constable (1776 - 1837), predecessore inglese impressionisti("Il carro di fieno che attraversa il guado" e "Il campo di segale") e U. Turner (1775 - 1851), i cui dipinti come "Rain, Steam and Speed" "Naufragio", distingue la predilezione per le colorate montagne fantasy.

Nella seconda metà del secolo F.M. Brown realizza le sue opere (1821- 1893), giustamente considerato l'"Holbein del XIX secolo". Brown è noto per le sue opere storiche ("Chaucer alla corte di Edoardo III" e "Lear e Cordelia"), nonché per i dipinti sull'atto argomenti quotidiani ("Ultimo sguardo all'Inghilterra", "Lavoro").

L'associazione creativa "Confraternita preraffaellita" ("Preraffaelliti") nacque nel 1848. Sebbene il nucleo unificante fosse la passione per le opere degli artisti del primo Rinascimento (prima di Raffaello), ogni membro di questa confraternita aveva il suo tema e credo artistico. Il teorico della confraternita fu il culturologo ed estetista inglese J. Ruskin, che delineò il concetto di romanticismo in relazione alle condizioni dell'Inghilterra di metà secolo.

Ruskin, collegando l'arte nelle sue opere al livello generale della cultura del paese, vedendo l'arte come una manifestazione di fattori morali, economici e sociali, ha cercato di convincere gli inglesi che i prerequisiti per la bellezza sono la modestia, la giustizia, l'onestà, la purezza e la mancanza di pretese .

I preraffaelliti crearono dipinti su soggetti religiosi e letterari, libri progettati artisticamente e svilupparono arti decorative, cercarono di far rivivere i principi dell'artigianato medievale. Rendendosi conto del pericolo arte decorativa tendenza- la sua spersonalizzazione per produzione di macchine, artista, poeta e personaggio pubblico inglese W. Morris (1834 - 1896) organizzò laboratori artistici e industriali per la fabbricazione di arazzi, tessuti, vetrate e altri oggetti per la casa, per i quali vengono utilizzati disegni lui stesso e gli artisti preraffaelliti completarono.

17.3.3 Pittura spagnola. Goia . L'opera di Francisco Goya (1746- 1828) appartiene a due secoli: XVIII e XIX. Era di grande importanza per la formazione del romanticismo europeo. noi creativi La signoria dell'artista è ricca e varia: pittura, ritratti, grafica, affreschi, incisioni, acqueforti.

Goya utilizza i temi più democratici (ladri, contrabbandieri, mendicanti, partecipanti a risse e giochi di strada- i personaggi dei suoi quadri). Avendo ricevuto nel 1789 titolo dell'avv un famoso pittore, Goya esegue un numero enorme di ritratti: il re, la regina, i cortigiani ("La famiglia del re Carlo IV"). Il deterioramento della salute dell'artista ha causato un cambiamento nell'argomento delle opere. Così, i dipinti caratterizzati da una fantasia divertente e bizzarra ("Carnival", "Blind Man's Bluff") sono sostituiti da tele piene di tragedia ("Tribunal of the Inquisition", "House of Lunatics"). E sono seguite da 80 incisioni "Capricci", su cui l'artista ha lavorato per oltre cinque anni. Il significato di molti di essi rimane poco chiaro fino ad oggi, mentre altri sono stati interpretati secondo le esigenze ideologiche del loro tempo.

In un linguaggio simbolico e allegorico, Goya dipinge un'immagine terrificante del paese all'inizio del secolo: ignoranza, superstizione, persone limitate, violenza, oscurantismo, male. Acquaforte "Il sonno della ragione produce mostri"- terribili mostri circondano una persona addormentata, pipistrelli, gufi e altri spiriti maligni. L'artista stesso dà la seguente spiegazione del suo lavoro: "Convinto che la critica umanoviziEdelusioni, SebbeneEsembrail campo dell'oratorio e della poesia, può anche essere oggetto di una vivace descrizione, l'artista scelse per la sua opera tra le tante follie e assurdità insite in ogni società civile, così come tra i pregiudizi e le superstizioni della gente comune, legittimate dalla consuetudine, ignoranza o interesse personale, quelli che considerava particolarmente adatti al ridicolo e allo stesso tempo all'esercizio della propria immaginazione.

17.3.4 Moderno – finale stile europeo pittura XIX v . al massimo opere famose creato nella pittura europea del XIX secolo. in stile Art Nouveau, erano le opere dell'artista inglese O. Beardsley (1872– 1898). LuiillustratolavoroDI. selvaggio ("Salomè"), creatoelegantegraficofantasie, incantatoTotalegenerazioneeuropei. SoltantoneroEbiancoeranoutensiliper esempiosul lavoro: un foglio di carta bianca e una bottiglia di inchiostro nero e una tecnica simile al pizzo più fine ("The Mysterious Rose Garden", 1895). Le illustrazioni di Beardsley sono influenzate dalle stampe giapponesi e dal rococò francese, così come dal manierismo decorativo dell'Art Nouveau.

Stile Art Nouveau, nato intorno al 1890– 1910 gg., caratterizzatopresenzaavvolgimentolinee, ricordandoricciolicapelli, stilizzatofioriEimpianti, le linguefiamma. StileQuestoeraLargocomuneEvpitturaEvarchitettura. QuestoillustrazioniingleseEssererdsli, manifesti e cartelloni pubblicitari del ceco A. Mucha, dipinti dell'austriaco G. Klimt, lampade e prodotti in metallo di Tiffany, architettura dello spagnolo A. Gaudi.

Un altro straordinario fenomeno della modernità fin-de-siècle– norvegeseartistaE. Sgranocchiare (1863 – 1944). famosopitturaSgranocchiare« Urlo (1893)– compositoParteil suofondamentaleciclo"Fregiovita", SopraQualeartistaho lavoratolungoanni. Successivamentelavoro"Grido"Sgranocchiareripetutovlitografie. Pittura"Grido"trasmettestatoestremoemotivovoltaggioumano, Leivolticrea la disperazione di una persona sola e il suo grido di aiuto, che nessuno può fornire.

Maggior parte artista maggiore Finlandia A. Galen-Kallela (1865– 1931) vstilemodernoillustratoepico"Calevaly". SUlinguaempiricola realtàè vietatoraccontaresul leggendario vecchio– fabbroIlmarinene, Qualeforgiatocielo, messi insiemefirmamento, incatenatodafuocoaquila; OmadriLemminkäinen, risortoil suouccisofiglio; OcantanteVäinämöinien, Quale"canticchiòd'oroAlbero di Natale", Gallo- Callellagestitodevolverecuccettaun potere delle antiche rune della Carelia nella lingua moderna.