tardo classico. L'arte dell'antica Grecia del periodo tardo classico (dalla fine delle guerre del Peloponneso all'ascesa dell'impero macedone) Questo problema fu posto per la prima volta da O

Il nuovo tempo nella storia politica dell'Hellas non è stato né brillante né creativo. Se V c. AVANTI CRISTO e. fu segnato dal fiorire delle politiche greche, poi nel IV sec. il loro graduale decadimento ebbe luogo insieme al declino dell'idea stessa di statualità democratica greca.

Nel 386 la Persia, nel secolo precedente completamente sconfitta dai Greci sotto la guida di Atene, approfittò della guerra intestina, che indebolì le città-stato greche, per imporre loro la pace, secondo la quale tutte le città dell'Asia La costa minore passò sotto il controllo del re persiano. Lo stato persiano divenne il principale arbitro del mondo greco; non ha permesso l'unificazione nazionale dei greci.

Le guerre interne hanno dimostrato che gli stati greci non sono in grado di unirsi da soli.

Nel frattempo, l'unificazione era una necessità economica per il popolo greco. Adempiere a questo compito storico si rivelò essere in potere della vicina potenza balcanica - la Macedonia, che a quel tempo si era rafforzata, il cui re Filippo II sconfisse i Greci a Cheronea nel 338. Questa battaglia ha deciso il destino di Hellas: si è rivelato unito, ma sotto il dominio straniero. E il figlio di Filippo II - il grande comandante Alessandro Magno guidò i greci in una campagna vittoriosa contro i loro nemici primordiali - i persiani.

Questo fu l'ultimo periodo classico della cultura greca. Alla fine del IV sec. il mondo antico entrerà in un'era che non si chiama più ellenica, ma ellenistica.

Nell'arte degli ultimi classici, riconosciamo chiaramente le nuove tendenze. In un'epoca di grande prosperità, ideale immagine umana era incarnato nel valoroso e bravo cittadino della città-stato. Il crollo della politica ha scosso questa idea. L'orgogliosa fiducia nel potere totalizzante dell'uomo non scompare del tutto, ma a volte sembra essere oscurata. Sorgono riflessioni che danno origine ad ansia o tendenza al sereno godimento della vita. L'interesse per il mondo individuale dell'uomo sta crescendo; in definitiva segna un allontanamento dalla potente generalizzazione dei tempi precedenti.

La grandiosità della visione del mondo, incarnata nelle sculture dell'Acropoli, si riduce gradualmente, ma la percezione generale della vita e della bellezza si arricchisce. La calma e maestosa nobiltà degli dei e degli eroi, così come li ha ritratti Fidia, lascia il posto all'identificazione nell'arte di complesse esperienze, passioni e impulsi.

greco del V secolo apprezzava la forza come base di un inizio sano, coraggioso, forte volontà ed energia vitale - e quindi la statua di un atleta, vincitore nelle competizioni, personificava per lui l'affermazione del potere umano e della bellezza. Artisti del IV secolo attraggono per la prima volta il fascino dell'infanzia, la saggezza della vecchiaia, il fascino eterno della femminilità.

La grande maestria raggiunta dall'arte greca nel V secolo è ancora viva nel IV, tanto che i più ispirati monumenti artistici del tardo classico sono contrassegnati dallo stesso timbro di altissima perfezione. Come osserva Hegel, anche nella sua morte, lo spirito di Atene sembra bello.

I tre più grandi tragici greci - Eschilo (526-456), Sofocle (anni '90 del V secolo - 406) ed Euripide (446 - c. 385) espressero le aspirazioni spirituali e gli interessi principali del loro tempo.

Le tragedie di Eschilo glorificano le idee: realizzazione umana, dovere patriottico. Sofocle glorifica l'uomo e lui stesso afferma di raffigurare le persone come dovrebbero essere. Vvripid cerca di mostrarli come sono realmente, con tutte le loro debolezze e vizi, le sue tragedie per molti versi rivelano già il contenuto dell'arte del IV secolo.

In questo secolo, la costruzione dei teatri assunse in Grecia una portata particolare. Sono stati progettati per un numero enorme di spettatori, dai quindici ai ventimila o più. Dal punto di vista architettonico, teatri come, ad esempio, il teatro marmoreo di Dioniso ad Atene, rispondevano pienamente al principio di funzionalità: i sedili per gli spettatori, posti a semicerchio sulle colline, incorniciavano la pedana per il coro. Gli spettatori, cioè l'intero popolo di Hellas, hanno ricevuto nel teatro un'idea vivace degli eroi della loro storia e mitologia, ed essa, legalizzata dal teatro, è stata introdotta in arte. Il teatro ha mostrato un'immagine dettagliata del mondo che circonda una persona: lo scenario sotto forma di ali portatili ha creato l'illusione della realtà grazie alla rappresentazione di oggetti in riduzione prospettica. Sul palco, gli eroi delle tragedie di Euripide vissero e morirono, gioirono e soffrirono, mostrando nelle loro passioni e impulsi una comunità spirituale con il pubblico stesso. Il teatro greco era un'arte veramente di massa, che sviluppava alcuni requisiti anche per altre arti.

Così, in tutta l'arte dell'Ellade, si affermò il grande realismo greco, costantemente arricchito, ispirato dall'idea di bellezza.

IV secolo riflette le nuove tendenze nella sua costruzione. L'architettura greca del tardo classico è caratterizzata da una certa tensione sia allo sfarzo, persino alla grandiosità, sia alla leggerezza e all'eleganza decorativa. La tradizione artistica prettamente greca si intreccia con influenze orientali provenienti dall'Asia Minore, dove le città greche sono soggette al dominio persiano. Insieme ai principali ordini architettonici - dorico e ionico, il terzo - corinzio, sorto in seguito, viene sempre più utilizzato.

La colonna corinzia è la più magnifica e decorativa. La tendenza realistica supera in essa il primordiale schema astratto-geometrico del capitello, vestito secondo l'ordine corinzio nell'abito fiorito della natura: due file di foglie d'acanto.

L'isolamento delle politiche era obsoleto. Per il mondo antico stava arrivando un'era di potenti, anche se fragili, dispotismi proprietari di schiavi. All'architettura furono assegnati compiti diversi rispetto all'epoca di Pericle.

Uno dei monumenti più grandiosi dell'architettura greca dei tardi classici era la tomba nella città di Alicarnasso (in Asia Minore), sovrano della provincia persiana di Carius Mausolus, che non ci è pervenuta, da cui la parola " mausoleo" è venuto da.

Tutti e tre gli ordini sono stati combinati nel mausoleo di Alicarnasso. Consisteva di due livelli. Il primo ospitava una camera mortuaria, il secondo - un tempio funerario. Sopra le gradinate c'era un'alta piramide coronata da un carro a quattro cavalli (quadriga). L'armonia lineare dell'architettura greca si ritrova in questo monumento di enormi dimensioni (pare che raggiungesse i quaranta o cinquanta metri di altezza), con la sua solennità che ricorda le strutture funerarie degli antichi dominatori orientali. Il mausoleo fu costruito dagli architetti Satyr e Pythius e la sua decorazione scultorea fu affidata a diversi maestri, tra cui Skopas, che probabilmente ebbe un ruolo di primo piano tra loro.

Skopas, Prassitele e Lisippo sono i più grandi scultori greci del tardo classico. Dall'influenza che hanno avuto su tutto lo sviluppo successivo arte antica, l'opera di questi tre geni può essere paragonata alle sculture del Partenone. Ognuno di loro ha espresso la propria brillante visione del mondo individuale, il proprio ideale di bellezza, la propria comprensione della perfezione, che, attraverso il personale, rivelato solo da loro, raggiunge le vette eterne - universali. E ancora, nel lavoro di ciascuno, questo personale è in sintonia con l'epoca, incarnando quei sentimenti, quei desideri dei contemporanei che più corrispondevano ai suoi.

Passione e impulso, ansia, lotta con alcune forze ostili, profondi dubbi ed esperienze dolorose respirano nell'arte di Scopas. Tutto ciò era ovviamente caratteristico della sua natura e allo stesso tempo esprimeva vividamente certi stati d'animo del suo tempo. Per temperamento, Scopas è vicino a Euripide, quanto sono vicini nella loro percezione del doloroso destino di Hellas.

Originario dell'isola ricca di marmo di Paros, Skopas (c. 420-c. 355 a.C.) lavorò in Attica, nelle città del Peloponneso e in Asia Minore. La sua creatività, estremamente ampia sia nel numero di opere che nei soggetti, perì quasi senza lasciare traccia.

Della decorazione scultorea del tempio di Atena in Tegea da lui realizzata o sotto la sua diretta supervisione (Scopa, divenuto famoso non solo come scultore, ma anche come architetto, fu anche il costruttore di questo tempio), solo pochi frammenti è rimasta. Ma basta guardare almeno la testa storpia di un guerriero ferito (Atene, Museo Nazionale) per sentire grande potere il suo genio. Per questa testa dalle sopracciglia arcuate, gli occhi rivolti al cielo e la bocca socchiusa, una testa in cui tutto - sofferenza e dolore - esprime, per così dire, la tragedia non solo della Grecia del IV secolo, dilaniata dalle contraddizioni e calpestata da invasori stranieri, ma anche la tragedia primordiale dell'intero genere umano nella sua continua lotta, dove la vittoria è ancora seguita dalla morte. Quindi, ci sembra, non rimane nulla della luminosa gioia dell'essere, che un tempo illuminava la coscienza dell'ellenico.

Frammenti del fregio della tomba di Mausolo, raffiguranti la battaglia dei Greci con le Amazzoni (Londra, British Museum). Questo è senza dubbio opera di Scopas o della sua bottega. Il genio del grande scultore respira in queste rovine.

Confrontali con i frammenti del fregio del Partenone. E qua e là - emancipazione dei movimenti. Ma lì l'emancipazione si traduce in una regolarità maestosa, e qui - in una vera tempesta: gli angoli delle figure, l'espressività dei gesti, gli abiti ampiamente svolazzanti creano un dinamismo violento che non si è ancora visto nell'arte antica. Lì, la composizione è costruita sulla graduale coerenza delle parti, qui - sui contrasti più netti. Eppure il genio di Fidia e il genio di Scopa sono collegati in qualcosa di molto significativo, quasi la cosa principale. Le composizioni di entrambi i fregi sono ugualmente snelle, armoniose e le loro immagini sono ugualmente concrete. Dopotutto, non per niente Eraclito diceva che l'armonia più bella nasce dai contrasti. Scopas crea una composizione la cui unità e chiarezza sono impeccabili come quelle di Fidia. Inoltre, nessuna figura si dissolve in essa, non perde il suo significato plastico indipendente.

Questo è tutto ciò che rimane dello stesso Scopas o dei suoi studenti. Altri relativi al suo lavoro, queste sono successive copie romane. Tuttavia, uno di loro ci dà probabilmente l'idea più vivida del suo genio.

Pietra paria - Baccante. Ma lo scultore ha dato alla pietra un'anima. E, come intossicata, balzò in piedi e si precipitò nella danza. Avendo creato questa menade, in preda alla frenesia, con una capra uccisa, Con uno scalpello deificante, hai fatto un miracolo, Skopas.

Così un ignoto poeta greco lodò la statua della Menade, o Baccante, che possiamo giudicare solo da una piccola copia (Museo di Dresda).

Innanzitutto notiamo un'innovazione caratteristica, molto importante per lo sviluppo dell'arte realistica: a differenza delle sculture del V secolo, questa statua è completamente progettata per essere vista da tutti i lati, ed è necessario aggirarla per percepire tutto aspetti dell'immagine creata dall'artista.

Gettando la testa all'indietro e piegando tutto il corpo, la giovane donna si precipita in una danza tempestosa, veramente bacchica, alla gloria del dio del vino. E sebbene anche la copia in marmo sia solo un frammento, forse non c'è nessun altro monumento d'arte che trasmetta con tanta forza il pathos disinteressato della furia. Questa non è un'esaltazione dolorosa, ma patetica e trionfante, sebbene in essa si perda il potere sulle passioni umane.

Quindi dentro l'ultimo secolo classici, il potente spirito ellenico ha saputo conservare, anche nel furore generato da passioni ribollenti e insoddisfazioni dolorose, tutta la sua grandezza primordiale.

Praxitel (un nativo ateniese, lavorò nel 370-340 a.C.) espresse un inizio completamente diverso nel suo lavoro. Sappiamo qualcosa di più su questo scultore che sui suoi fratelli.

Come Scopas, Prassitele trascurò il bronzo, creando le sue più grandi opere in marmo. Sappiamo che era ricco e godeva di una fama clamorosa che un tempo eclissò anche la gloria di Fidia. Sappiamo anche che amava Frine, la famosa cortigiana, accusata di blasfemia e assolta dai giudici ateniesi, che ne ammiravano la bellezza, da essi riconosciuta degna del culto popolare. Frine servì da modello per le statue della dea dell'amore Afrodite (Venere). Lo studioso romano Plinio scrive della creazione di queste statue e del loro culto, ricreando vividamente l'atmosfera dell'era di Prassitele:

“... Soprattutto le opere non solo di Prassitele, ma in generale esistenti nell'universo, è la Venere della sua opera. Per vederla, molti hanno navigato a Knidos. Praxitel realizzò e vendette contemporaneamente due statue di Venere, ma una era ricoperta di vestiti: era preferita dagli abitanti di Kos, che avevano il diritto di scegliere. Prassitele fece pagare lo stesso prezzo per entrambe le statue. Ma gli abitanti di Kos riconobbero questa statua come seria e modesta; che hanno rifiutato, gli Cnidi l'hanno comprato. E la sua fama era incommensurabilmente più alta. Lo zar Nicomede in seguito volle acquistarla dagli Cnidi, promettendo di perdonare lo stato degli Cnidi per tutti gli enormi debiti che avevano. Ma gli Cnidi preferirono sopportare tutto piuttosto che separarsi dalla statua. E non invano. Dopotutto, Prassitele ha creato la gloria di Cnido con questa statua. L'edificio in cui si trova questa statua è tutto aperto, in modo che possa essere visto da tutti i lati. Inoltre, ritengono che la statua sia stata realizzata con la favorevole partecipazione della dea stessa. E su entrambi i lati, la gioia che provoca non è da meno ... "

Prassitele - cantante ispirato bellezza femminile, così venerato dai Greci del IV secolo. In un caldo gioco di luci e ombre, come mai prima d'ora, la bellezza del corpo femminile brillava sotto il suo cesello.

È passato da tempo il tempo in cui una donna non veniva raffigurata nuda, ma questa volta Prassitele espose nel marmo non solo una donna, ma una dea, e questo all'inizio provocò un sorpreso rimprovero.

L'insolito di una tale immagine di Afrodite traspare nei versi di un poeta sconosciuto:

Vedendo Cyprida (Cyprida è il soprannome di Afrodite, il cui culto era particolarmente diffuso sull'isola di Cipro.) su Knida, Cyprida disse timidamente:
Guai a me, dove Prassitele mi vide nudo?

"Per molto tempo tutti hanno concordato", ha scritto Belinsky, "che le statue nude degli antichi calmano e pacificano l'eccitazione della passione, e non le eccitano, che quella contaminata le lascia purificate".

Si certo. Ma l'arte di Prassitele, a quanto pare, è ancora un'eccezione.

Marmo che ha fatto rivivere? Chi ha visto Cyprida con i propri occhi?
Desiderio di passione chi l'ha messo in una fredda pietra?
Le mani di Prassitele sono una creazione o una dea?
Si è ritirata a Knidos lei stessa, lasciando l'Olimpo orfano?

Anche queste sono poesie di un poeta greco sconosciuto.

Desiderio di passione! Tutto ciò che sappiamo sull'opera di Prassitele indica che il grande artista vedeva nella lussuria amorosa una delle forze motrici della sua arte.

Cnidian Aphrodite ci è noto solo da copie e prestiti. In due copie marmoree romane (a Roma e nella Gliptoteca di Monaco), ci è pervenuto nella sua interezza, tanto che ne conosciamo l'aspetto generale. Ma queste copie monopezzo non sono di prima classe. Alcuni altri, sebbene in rovina, danno un'immagine più vivida di questa grande opera: la testa di Afrodite al Louvre di Parigi, dai lineamenti così dolci e pieni di sentimento; i suoi torsi, anche al Louvre e al Museo Napoletano, in cui intuiamo l'incantevole femminilità dell'originale, e persino una copia romana, tratta non dall'originale, ma dalla statua ellenistica, ispirata al genio di Prassitele, “ Venus Khvoshchinsky” (dal nome del collezionista russo che l'acquistò), in cui, ci sembra, il marmo irradia il calore del bel corpo della dea (questo frammento è l'orgoglio del dipartimento antico del Museo di Belle Arti di Mosca ).

Cosa ha così deliziato i contemporanei in questa immagine della più accattivante delle dee, che, togliendosi i vestiti, si preparava a tuffarsi in acqua? Cosa ci delizia anche nelle copie rotte che trasmettono alcune caratteristiche dell'originale perduto?

Con la modellazione più raffinata, nella quale ha superato tutti i suoi predecessori, ravvivando il marmo con scintillanti riflessi di luce e conferendo a una pietra liscia un delicato vellutato con virtuosismo insito solo in lui, Prassitele catturato nella levigatezza dei contorni e nelle proporzioni ideali del corpo del dea, nella toccante naturalezza della sua postura, nel suo sguardo, “bagnato e lucente”, secondo gli antichi, quei grandi principi che Afrodite espresse nella mitologia greca, cominciarono eternamente nella coscienza e nei sogni del genere umano:

Bellezza e amore.

Bellezza: affettuosa, femminile, iridescente e gioiosa. L'amore è anche affettuoso, promette e dà felicità.

Prassitele è talvolta riconosciuto come l'esponente più eclatante nell'arte antica di quella direzione filosofica, che vedeva nel piacere (qualunque esso consistesse) il sommo bene e l'obiettivo naturale di tutte le aspirazioni umane, cioè l'edonismo. Eppure la sua arte preannuncia già la filosofia che fiorì alla fine del IV secolo. "nei boschi di Epicuro", come Pushkin chiamava quel giardino ateniese dove Epicuro radunava i suoi studenti...

Come osserva K. Marx, l'etica di questo famoso filosofo contiene qualcosa di più alto dell'edonismo. L'assenza di sofferenza, uno stato d'animo sereno, la liberazione delle persone dalla paura della morte e dalla paura degli dei: queste erano, secondo Epicuro, le condizioni principali per il vero godimento della vita.

Anzi, per la sua stessa serenità, la bellezza delle immagini create da Prassitele, la gentile umanità degli dei da lui scolpiti, affermavano la beneficenza della liberazione da questa paura in un'epoca per nulla serena e non misericordiosa.

L'immagine di un atleta, ovviamente, non interessava Prassitele, così come non era interessato ai motivi civici. Si sforzò di incarnare nel marmo l'ideale di un giovane fisicamente bello, non muscoloso come Policleto, molto snello e aggraziato, sorridente gioiosamente, ma leggermente furbo, non particolarmente spaventato da nessuno, ma non minaccioso per nessuno, serenamente felice e pieno di coscienza dell'armonia di tutto il suo essere...

Tale immagine, a quanto pare, corrispondeva alla sua visione del mondo e quindi gli era particolarmente cara. Ne troviamo conferma indiretta in un divertente aneddoto.

Il rapporto d'amore tra il famoso artista e una bellezza così incomparabile come Phryne era molto interessante per i suoi contemporanei. La mente vivace degli Ateniesi eccelleva nelle congetture su di loro. È stato riferito, ad esempio, che Phryne ha chiesto a Prassitele di dargliela migliore scultura. Ha accettato, ma ha lasciato a lei la scelta, nascondendo astutamente quale delle sue opere considera la più perfetta. Quindi Phryne ha deciso di superarlo in astuzia. Un giorno, uno schiavo inviato da lei corse da Prassitele con la terribile notizia che la bottega dell'artista era bruciata ... "Se la fiamma ha distrutto Eros e Satiro, allora tutto è morto!" Prassitele esclamò addolorato. Quindi Phryne ha scoperto la valutazione dell'autore stesso ...

Conosciamo dalle riproduzioni queste sculture, che godettero di grande fama nel mondo antico. Del Satiro in riposo ci sono pervenute almeno centocinquanta copie in marmo (cinque delle quali sono all'Eremo). Non contare anche statue antiche, statuette in marmo, argilla o bronzo, lapidi e tutti i tipi di prodotti. arti applicate, in un modo o nell'altro ispirato al genio di Prassitele.

Due figli e un nipote continuarono l'opera di Prassitele nella scultura, che era lui stesso figlio di uno scultore. Ma questa continuità di sangue, ovviamente, è trascurabile rispetto alla generale continuità artistica che risale al suo lavoro.

A questo proposito, l'esempio di Prassitele è particolarmente indicativo, ma tutt'altro che eccezionale.

Sia unica la perfezione di un originale veramente grande, ma un'opera d'arte che mostra una nuova “variazione del bello” è immortale anche nell'eventualità della sua morte. Non abbiamo una copia esatta né la statua di Zeus ad Olimpia, né l'Athena Parthenos, ma la grandezza di queste immagini, che determinavano il contenuto spirituale di quasi tutta l'arte greca del periodo di massimo splendore, si vede chiaramente anche nei gioielli in miniatura e nelle monete dell'epoca. Non sarebbero stati in questo stile senza Fidia. Così come non ci sarebbero statue di giovani incuranti pigramente appoggiati a un albero, o dee marmoree nude che ammaliano con la loro bellezza lirica, nella grande varietà di ornare le ville e i parchi dei nobili in epoca ellenistica e romana, così come non ci sarebbero non essere lo stile prassitelico, la dolce beatitudine prassitelica, così a lungo conservata nell'arte antica - se non per l'autentico "Satiro a riposo" e la genuina "Afrodite di Cnido", ora perdute Dio solo sa dove e come. Ripetiamolo: la loro perdita è irreparabile, ma il loro spirito vive anche nelle opere più ordinarie degli imitatori, vive, dunque, per noi. Ma se queste opere non fossero state conservate, questo spirito sarebbe in qualche modo baluginato nella memoria umana per risplendere di nuovo alla prima occasione.

nell'arte antica - non essere un autentico "Satiro a riposo" e una vera "Afrodite di Cnido", ormai perdute Dio sa dove e come. Ripetiamolo: la loro perdita è irreparabile, ma il loro spirito vive anche nelle opere più ordinarie degli imitatori, vive, dunque, per noi. Ma se queste opere non fossero state conservate, questo spirito sarebbe in qualche modo baluginato nella memoria umana per risplendere di nuovo alla prima occasione.

Percepire la bellezza opera d'arte, una persona si arricchisce spiritualmente. La connessione vivente delle generazioni non si interrompe mai completamente. L'antico ideale di bellezza fu risolutamente rifiutato dall'ideologia medievale e le opere che lo incarnavano furono spietatamente distrutte. Ma la rinascita vittoriosa di questo ideale nell'età dell'umanesimo testimonia che esso non è mai stato completamente distrutto.

Lo stesso si può dire del contributo all'arte di ogni vero grande artista. Per un genio, incarnare una nuova immagine di bellezza nata nella sua anima, arricchisce l'umanità per sempre. E così fin dai tempi antichi, quando per la prima volta quelle formidabili e maestose immagini di animali furono create in una grotta paleolitica, da cui provenivano tutte le belle arti e in cui i nostri lontano antenato ha messo tutta la sua anima e tutti i suoi sogni, illuminati da un'elevata ispirazione creativa.

Brillanti progressi nell'arte si completano a vicenda, introducendo qualcosa di nuovo che non muore più. Questo nuovo a volte lascia il segno su un'intera epoca. Così è stato per Fidia, così è stato per Prassitele.

Tutto, però, è perito da ciò che lo stesso Prassitele ha creato?

Dalle parole di un antico autore, si sapeva che la statua di Prassitele "Ermete con Dioniso" si trovava nel tempio di Olimpia. Durante gli scavi nel 1877, vi fu trovata una scultura in marmo relativamente leggermente danneggiata di questi due dei. All'inizio nessuno dubitava che fosse l'originale di Prassitele, e anche adesso la sua paternità è riconosciuta da molti esperti. Tuttavia, un attento studio della stessa tecnica del marmo ha convinto alcuni studiosi che la scultura rinvenuta ad Olimpia sia un'ottima copia ellenistica, sostitutiva dell'originale, probabilmente esportata dai romani.

Questa statua, citata da un solo autore greco, pare non fosse considerata il capolavoro di Prassitele. Tuttavia, i suoi meriti sono innegabili: modellazione incredibilmente fine, morbidezza delle linee, un meraviglioso gioco di luci e ombre puramente prassitelico, una composizione molto chiara, perfettamente equilibrata e, soprattutto, il fascino di Hermes con il suo sguardo sognante, leggermente distratto e il fascino infantile del piccolo Dioniso. E, tuttavia, in questo fascino c'è una certa dolcezza, e sentiamo che in tutta la statua, anche nella figura sorprendentemente snella di un dio molto ben ricurvo nella sua curva liscia, la bellezza e la grazia oltrepassano leggermente la linea oltre la quale bellezza e la grazia inizia. Tutta l'arte di Prassitele è molto vicina a questa linea, ma non la viola nelle sue creazioni più spirituali.

Il colore, a quanto pare, ha giocato un ruolo importante nell'aspetto generale delle statue di Prassitele. Sappiamo che ne dipinse alcuni (per sfregamento fuso vernici a cera, ravvivando dolcemente il candore del marmo) lo stesso Nicia, famoso pittore dell'epoca. La sofisticata arte di Prassitele, grazie al colore, ha acquisito ancora maggiore espressività ed emotività. L'armonioso connubio delle due grandi arti si è probabilmente concretizzato nelle sue creazioni.

Aggiungiamo, infine, che nella nostra regione settentrionale del Mar Nero presso le foci del Dnepr e del Bug (ad Olbia) è stato ritrovato un piedistallo di una statua con la firma del grande Prassitele. Ahimè, la statua stessa non era nel terreno (Alla fine dello scorso anno, un messaggio sensazionale ha fatto il giro della stampa mondiale. La professoressa Iris Love (USA), nota per le sue scoperte archeologiche, afferma di aver scoperto la testa del genuino Prassitele Afrodite!... Non nel terreno, ma... nel magazzino del British Museum di Londra, dove, non identificato da nessuno, questo frammento giaceva da più di cento anni.

La testa di marmo gravemente danneggiata è ora inclusa nell'esposizione del museo come monumento dell'arte greca del IV secolo a.C. AVANTI CRISTO e. Tuttavia, gli argomenti dell'archeologo americano a favore della paternità di Prassitele sono contestati da un certo numero di scienziati inglesi.).

Lisippo operò nell'ultimo terzo del IV secolo, già al tempo di Alessandro Magno. Il suo lavoro, per così dire, completa l'arte dei tardi classici.

Il bronzo era il materiale preferito di questo scultore. Non conosciamo i suoi originali, quindi possiamo giudicarlo solo dalle copie in marmo sopravvissute, che lungi dal riflettere tutto il suo lavoro.

Il numero di monumenti d'arte dell'antica Grecia che non ci sono pervenuti è incommensurabile. Il destino dell'enorme patrimonio artistico di Lisippo - terribile per quello prova.

Lisippo era considerato uno dei maestri più prolifici del suo tempo. Dicono che abbia messo da parte una moneta dalla ricompensa per ogni ordine completato: dopo la sua morte ce n'erano ben un migliaio e mezzo. Nel frattempo, tra le sue opere c'erano gruppi scultorei, che contavano fino a venti figure, e l'altezza di alcune delle sue sculture superava i venti metri. Con tutto questo, le persone, gli elementi e il tempo hanno affrontato senza pietà. Ma nessuna forza potrebbe distruggere lo spirito dell'arte di Lisippo, cancellare la traccia che ha lasciato.

Secondo Plinio, Lisippo disse che, a differenza dei suoi predecessori, che ritraevano le persone così come sono, lui, Lisippo, cercava di ritrarle come sembrano. Con ciò affermava il principio del realismo, che da tempo aveva trionfato nell'arte greca, ma che voleva portare a pieno compimento secondo i principi estetici del suo contemporaneo, il più grande filosofo dell'antichità, Aristotele.

Ne abbiamo già parlato. Pur trasformando la natura in bellezza, l'arte realistica la riproduce nella realtà visibile. Ciò significa che la natura non è così com'è, ma come sembra ai nostri occhi, ad esempio, nella pittura, con un cambiamento delle dimensioni del dipinto a seconda della distanza. Tuttavia, le leggi della prospettiva non erano ancora note agli allora pittori. L'innovazione di Lisippo sta nel fatto che ha scoperto nell'arte di scolpire enormi possibilità realistiche che non erano ancora state utilizzate prima di lui. E infatti le sue figure non sono da noi percepite come create “per spettacolo”, non posano per noi, ma esistono da sole, poiché l'occhio dell'artista le ha colte in tutta la complessità dei movimenti più diversi, riflettendo uno o l'altro un altro impulso spirituale. Naturalmente, il bronzo, che assume facilmente qualsiasi forma durante la fusione, era il più adatto per risolvere tali problemi scultorei.

Il piedistallo non isola le figure di Lisippo da ambiente, ci vivono veramente, come se sporgessero da una certa profondità spaziale, in cui la loro espressività si manifesta altrettanto chiaramente, anche se in modi diversi, da ogni parte. Sono, quindi, completamente tridimensionali, completamente liberati. La figura umana è costruita da Lisippo in modo nuovo, non nella sua sintesi plastica, come nelle sculture di Mirone o di Policleto, ma in un certo aspetto fugace, esattamente come si presentava (sembrava) all'artista in un dato momento e che non era ancora stato nel passato e già non sarà nel futuro.

Istantanea? Impressionismo? Mi vengono in mente questi confronti, ma ovviamente non sono applicabili all'opera dell'ultimo scultore dei classici greci, perché, nonostante tutta la sua immediatezza visiva, è profondamente pensata, fermamente motivata, così che i movimenti istantanei non non significa affatto la loro casualità in Lisippo.

La straordinaria flessibilità delle figure, la stessa complessità, a volte il contrasto dei movimenti: tutto questo è armoniosamente ordinato e questo maestro non ha nulla che assomigli minimamente al caos della natura. Trasmettendo principalmente un'impressione visiva, subordina questa impressione a un certo ordine, stabilito una volta per tutte secondo lo spirito stesso della sua arte. È lui, Lisippo, che distrugge il vecchio canone policletico della figura umana per crearne uno suo, nuovo, molto più leggero, più adatto alla sua arte dinamica, che rifiuta ogni immobilità interiore, ogni pesantezza. In questo nuovo canone la testa non è più 1¦7, ma solo 1¦8 dell'altezza totale.

Le ripetizioni marmoree delle sue opere che ci sono pervenute danno in generale chiara immagine realizzazioni realistiche di Lisippo.

Il famoso "Apoxiomen" (Roma, Vaticano). Questo è un giovane atleta, ma per niente uguale a quello della scultura del secolo precedente, dove la sua immagine irradiava un'orgogliosa consapevolezza della vittoria. Lisippo ci ha mostrato l'atleta dopo la gara, pulendo diligentemente il corpo da olio e polvere con un raschietto metallico. Per niente un movimento della mano netto e apparentemente inespressivo è dato a tutta la figura, conferendole una vitalità eccezionale. È esteriormente calmo, ma sentiamo che ha provato una grande eccitazione, e nei suoi lineamenti si può vedere la stanchezza per lo sforzo estremo. Questa immagine, come strappata alla realtà in continuo mutamento, è profondamente umana, estremamente nobile nella sua totale disinvoltura.

"Ercole con un leone" (Leningrado, Hermitage). Questo è un appassionato pathos della lotta non per la vita, ma per la morte, ancora una volta, come se fosse visto di lato dall'artista. L'intera scultura sembra caricarsi di un movimento intenso e tempestoso, fondendo irresistibilmente in un insieme armoniosamente bello le potenti figure dell'uomo e della bestia aggrappati l'uno all'altro.

Su quale impressione abbiano fatto le sculture di Lisippo sui contemporanei, possiamo giudicare dalla seguente storia. Alessandro Magno amava così tanto la sua statuetta "Ercole banchettante" (una delle sue ripetizioni è anche nell'Ermitage) che non se ne separò durante le sue campagne, e quando arrivò la sua ultima ora, ordinò di metterla davanti a lui.

Lisippo era l'unico scultore che il famoso conquistatore riteneva degno di catturare i suoi lineamenti.

Pieno di coraggio, lo sguardo di Alessandro e tutto il suo aspetto
Versato dal rame da Lisippo. Come se questo rame vivesse.
Sembra che, guardando Zeus, la statua gli dica:
"Prendo la terra per me stesso, tu possiedi l'Olimpo."

È così che il poeta greco esprimeva la sua gioia.

... "La statua di Apollo è il più alto ideale d'arte tra tutte le opere che ci sono sopravvissute dall'antichità". Questo è stato scritto da Winckelmann.

Chi era l'autore della statua che tanto deliziava l'illustre capostipite di diverse generazioni di scienziati “antichi”? Nessuno degli scultori la cui arte risplende più intensamente fino ad oggi. Com'è e qual è il malinteso qui?

L'Apollo di cui parla Winckelmann è il famoso "Apollo del Belvedere": una copia romana in marmo con originale in bronzo Leohara (ultimo terzo del IV sec. aC), così chiamato dalla galleria dove fu a lungo esposto (Roma, Vaticano). Questa statua una volta ha suscitato molto entusiasmo.

Enormi sono i meriti di Winckelmann, che dedicò tutta la sua vita allo studio dell'antichità. Anche se non subito, questi meriti furono riconosciuti, ed egli assunse (nel 1763) l'incarico di sovrintendente capo alle antichità di Roma e dintorni. Ma cosa potrebbe sapere anche l'intenditore più profondo e sottile massimi capolavori L'arte greca fu riconosciuta e assunse (nel 1763) l'incarico di sovrintendente capo delle antichità a Roma e dintorni. Ma cosa poteva sapere allora anche il più profondo e sottile conoscitore dei più grandi capolavori dell'arte greca?

Winckelmann è ben detto nel noto libro dello storico dell'arte russo secolo attuale P. P. Muratova “Immagini d'Italia”: “La gloria delle statue classiche, che si sviluppò ai tempi di Winckelmann e Goethe, si rafforzò nella letteratura ... L'intera vita di Winckelmann fu un'impresa e il suo atteggiamento nei confronti dell'arte antica fu profondamente sacrificale. C'è un elemento di miracoloso nel suo destino: questo ardente amore per l'antico, che ha catturato in modo così strano il figlio di un calzolaio cresciuto tra le sabbie del Brandeburgo e lo ha condotto attraverso tutte le vicissitudini a Roma ... Né Winckelmann né Goethe erano persone del XVIII secolo. In uno di essi, l'antico suscitava l'ardente entusiasmo dello scopritore di nuovi mondi. Per un altro, è stata una forza viva che lo ha liberato propria creatività. Il loro atteggiamento nei confronti dell'antico ripete la svolta spirituale che distingueva il popolo del Rinascimento, e il loro tipo spirituale conserva molte caratteristiche di Petrarca e Michelangelo. La capacità di far rivivere, caratteristica del mondo antico, si è così ripetuta nella storia. Questo serve come prova che può esistere per molto tempo e indefinitamente. Il risveglio non è un contenuto accidentale di un'epoca storica, ma è uno degli istinti costanti della vita spirituale dell'umanità. Ma nelle allora collezioni romane “era rappresentata solo l'arte al servizio della Roma imperiale - copie di famose statue greche, gli ultimi germogli dell'arte ellenistica ... L'intuizione di Winckelmann era che a volte riusciva a indovinare la Grecia attraverso di essa. Ma la conoscenza della storia dell'arte è andata lontano dai tempi di Winckelmann. Non dobbiamo più indovinare la Grecia, possiamo vederla ad Atene, ad Olimpia, al British Museum".

La conoscenza della storia artistica, e in particolare dell'arte dell'Ellade, è andata ancora oltre da quando sono state scritte queste righe.

La vitalità della pura fonte dell'antica civiltà può ora essere particolarmente benefica.

Riconosciamo nel Belvedere "Apollo" un riflesso dei classici greci. Ma è solo un riflesso. Conosciamo il fregio del Partenone, che Winckelmann non conosceva, e quindi, con tutta l'indubbia vistosità, la statua di Leochar ci sembra internamente fredda, alquanto teatrale. Sebbene Leochar fosse contemporaneo di Lisippo, la sua arte, perdendo il vero significato del contenuto, sa di accademismo, segna un declino rispetto ai classici.

La gloria di tali statue a volte ha dato origine a un malinteso su tutta l'arte ellenica. Questa nozione non è svanita fino ad oggi. Alcuni artisti sono inclini a ridurre il significato del patrimonio artistico dell'Hellas e rivolgere le loro ricerche estetiche a mondi culturali completamente diversi, a loro avviso, più consoni alla visione del mondo della nostra epoca. (Basti dire che un così autorevole esponente dei più moderni gusti estetici occidentali come Scrittore francese e il teorico dell'arte Andre Malraux, ha inserito nella sua opera "Imaginary Museum of World Sculpture" la metà delle riproduzioni dei monumenti scultorei dell'antica Grecia quante le cosiddette civiltà primitive di America, Africa e Oceania!) Ma voglio ostinatamente credere che la maestosa bellezza del Partenone trionferà nuovamente nelle menti dell'umanità affermando in essa l'eterno ideale dell'umanesimo.

Due secoli dopo Winckelmann, sulla pittura greca sappiamo meno di quanto ne sapesse lui Scultura greca. Il riflesso di questo dipinto ci raggiunge, un riflesso, ma non uno splendore.

Molto interessante è il dipinto della cripta funeraria tracia a Kazanlak (Bulgaria), scoperto già ai nostri giorni (nel 1944) durante lo scavo di una fossa di fondazione per un rifugio antiaereo, risalente alla fine del IV o all'inizio del III secolo . AVANTI CRISTO e.

Le immagini del defunto, dei suoi parenti, guerrieri, cavalli e carri sono inscritte armoniosamente nella cupola rotonda. Figure snelle, imponenti e talvolta molto aggraziate. Eppure, ovviamente, nello spirito, è pittura provinciale. L'assenza di un ambiente spaziale e di unità interna della composizione non si adatta all'evidenza letteraria delle notevoli conquiste dei maestri greci del IV secolo: Apelle, la cui arte era venerata come l'apice della pittura, Nikia, Pausia, Eufranare, Protogene, Filosseno, Antifilo.

Per noi sono solo nomi...

Apelle era il pittore preferito di Alessandro Magno e, come Lisippo, lavorava alla sua corte. Lo stesso Alessandro ha parlato del suo ritratto della sua opera, che contiene due Alessandro: l'invincibile figlio di Filippo e l '"inimitabile" creato da Apelle.

Come resuscitare l'opera morta di Apelle, come possiamo goderne? Non è vivo lo spirito di Apelle, apparentemente vicino a quello di Prassitele, nei versi del poeta greco:

Vidi Apelle Ciprida, nata dalla madre del mare.
Nello splendore della sua nudità, si ergeva sopra l'onda.
Così nella foto lei: con i suoi riccioli, appesantiti dall'umidità,
Si affretta a rimuovere la schiuma del mare con una mano gentile.

La dea dell'amore in tutta la sua affascinante gloria. Come dev'essere stato bello il movimento della sua mano che sfiorava la schiuma dai suoi riccioli "bagnati"!

In questi versi traspare l'accattivante espressività della pittura di Apelle.

Espressività omerica!

In Plinio leggiamo di Apelle: “Fece anche Diana, circondata da un coro di vergini sacrificali; e, vedendo il quadro, sembra di leggere i versi di Omero che lo descrivono.

Perdita della pittura greca del IV sec. AVANTI CRISTO e. tanto più drammatico perché, secondo molte testimonianze, quello fu il secolo in cui la pittura raggiunse nuove notevoli vette.

Rimpiangiamo ancora una volta i tesori perduti. Non importa quanto ammiriamo i frammenti delle statue greche, la nostra idea della grande arte dell'Ellade, in seno alla quale è nata tutta l'arte europea, sarà incompleta, così come ovviamente incompleta sarebbe, ad esempio, l'idea di ​​i nostri lontani discendenti sullo sviluppo delle arti nel recente XIX secolo, se non ci fosse più nulla della sua pittura...

Tutto fa pensare che il trasferimento dello spazio e dell'aria non fosse più un problema insolubile per la pittura greca dei tardi classici. rudimenti prospettiva lineare erano già lì. Secondo le fonti letterarie, il colore suonava pieno in esso, e gli artisti impararono a migliorare o ammorbidire gradualmente i toni, in modo che la linea che separava il disegno dipinto dal dipinto reale fosse apparentemente attraversata.

Esiste un tale termine - "valere", che denota nella pittura sfumature di tono o gradazione di luce e ombra all'interno della stessa tonalità di colore. Questo termine è preso in prestito da francese e dentro letteralmente significa valore. Valore del colore! Oppure - fiore. Il dono di creare tali valori e la loro combinazione nell'immagine è il dono di un colorista. Sebbene non ne abbiamo prove dirette, si può presumere che fosse già in parte di proprietà dei maggiori pittori greci del tardo classico, anche se la linea e il colore puro (piuttosto che il tono) continuarono a svolgere un ruolo importante nelle loro composizioni.

Secondo gli autori antichi, questi pittori sapevano raggruppare le figure in un'unica composizione armoniosamente unificante, trasmettere slanci spirituali in gesti, a volte acuti e tempestosi, a volte dolci e contenuti, in sguardi - scintillanti, furiosi, trionfanti o languidi, in un parola, che hanno permesso a tutti i compiti assegnati alla loro arte sono spesso brillanti come i loro scultori contemporanei.

Sappiamo, infine, che hanno avuto successo nei generi più diversi, come la pittura storica e di battaglia, la ritrattistica, il paesaggio e persino la natura morta.

A Pompei, distrutta da un'eruzione vulcanica, oltre alle pitture murali, sono stati scoperti mosaici e tra questi uno per noi particolarmente prezioso. Questa è un'enorme composizione "Battaglia di Alessandro con Dario a Isso" (Napoli, Museo Nazionale), cioè Alessandro Magno con il re persiano Dario III, che subì una grave sconfitta in questa battaglia, che fu presto seguita dal crollo del Impero achemenide.

La possente figura di Dario con la mano protesa in avanti, come in un ultimo tentativo di fermare l'inevitabile. C'è furia e tragica tensione nei suoi occhi. Sentiamo che come una nuvola nera ha minacciato di incombere sul nemico con tutto il suo esercito. Ma è successo diversamente.

Tra lui e Alessandro c'è un guerriero persiano ferito che è caduto con il suo cavallo. Questo è il centro della composizione. Niente può fermare Alessandro, che, come un turbine, si precipita da Dario.

Alessandro è l'esatto opposto della forza barbarica impersonata da Dario. Alessandro è una vittoria. Pertanto, è calmo. Caratteristiche giovani e coraggiose. Le labbra si aprirono leggermente tristemente in un lieve sorriso. È spietato nel suo trionfo.

Le lance dei guerrieri persiani si stanno ancora alzando come una palizzata nera. Ma l'esito della battaglia è già stato deciso. Il triste scheletro di un albero spezzato, per così dire, fa presagire questo risultato per Dario. La frusta del furioso auriga del carro reale fischia. La salvezza è solo in volo.

L'intera composizione respira con il pathos della battaglia e il pathos della vittoria. Gli angoli audaci trasmettono il volume di figure di guerrieri e yacon strappati. I loro movimenti tempestosi, i contrasti di luci, luci e ombre danno origine a un senso dello spazio in cui si svolge davanti a noi una formidabile battaglia etica tra i due mondi.

Una scena di battaglia di sorprendente potenza.

Pittura? Ma non lo è pittura vera e propria, ma solo una pittoresca combinazione di pietre colorate.

Sta di fatto però che il celebre mosaico (probabilmente di opera ellenistica, portato da chissà dove a Pompei) riproduce un quadro del pittore greco Filosseno, vissuto alla fine del IV secolo, cioè già agli albori del epoca ellenistica. Allo stesso tempo, riproduce in modo abbastanza coscienzioso, poiché in qualche modo ci trasmette il potere compositivo dell'originale.

Certo, e questo non è l'originale, ovviamente, ed ecco il prisma deformante di un'altra arte, seppur vicina alla pittura. Ma forse è questo mosaico, mutilato dalla catastrofe pompeiana, che si limitava ad adornare il pavimento di una ricca casa, ad aprire in qualche modo il velo sull'entusiasmante segreto delle rivelazioni pittoriche dei grandi artisti dell'antica Grecia.

Lo spirito della loro arte era destinato a rivivere alla fine del Medioevo della nostra era. Gli artisti del Rinascimento non videro un solo esempio di pittura antica, ma riuscirono a creare la loro grande pittura (ancora più sofisticata, più pienamente consapevole di tutte le sue possibilità), che era la figlia nativa del greco. Perché, come è già stato detto, la vera rivelazione nell'arte non scompare mai senza lasciare traccia.

Concludendo questa breve rassegna dell'arte classica greca, vorrei menzionare un altro notevole monumento conservato nel nostro Hermitage. Questo è il famoso vaso italiano del IV secolo. AVANTI CRISTO e., ritrovata nei pressi dell'antica città di Kuma (in Campania), denominata per la perfezione della composizione e la ricchezza della decorazione "Regina dei Vasi", e sebbene, probabilmente, non creata nella stessa Grecia, riflettendo le più alte realizzazioni di Materie plastiche greche. La cosa principale nel vaso a smalto nero di Qum sono le proporzioni davvero impeccabili, il profilo snello, l'armonia generale delle forme e i rilievi a più figure di straordinaria bellezza (che conservano tracce di colori vivaci) dedicati al culto della dea della fertilità Demetra, i famosi misteri eleusini, dove le scene più oscure sono state sostituite da visioni iridescenti, che simboleggiano la morte e la vita, l'eterno decadimento e il risveglio della natura. Questi rilievi sono echi della scultura monumentale dei più grandi maestri greci del V e IV secolo. Così tutte le figure in piedi somigliano alle statue della scuola di Prassitele, e le figure sedute somigliano a quelle della scuola di Fidia.

Ricordiamo un altro famoso vaso dell'Ermitage raffigurante l'arrivo della prima rondine.

C'è ancora un arcaismo non scaduto, solo foriero dell'arte dell'età classica, una primavera profumata, segnata da una visione del mondo ancora timida, ingenua. Qui - artigianato finito, saggio, già un po 'pretenzioso, ma ancora idealmente bello. I classici stanno finendo, ma il classico splendore non è ancora degenerato in fasto. Entrambi i vasi sono ugualmente belli, ognuno a modo suo.

La distanza percorsa è enorme, come il percorso del sole dall'alba al tramonto. C'è stato un saluto mattutino, e qui - una sera, addio.

introduzione

2. Primo classico

3. Alto classico

4. Tardo classico

Conclusione

Elenco della letteratura usata

introduzione

L'arte antica è il nome dell'antica arte greca e romana che ebbe origine nella parte meridionale della penisola balcanica, nelle isole dell'arcipelago dell'Egeo e sulla costa occidentale dell'Asia Minore e conobbe la sua massima fioritura nell'antica Grecia nel V-IV secolo . AVANTI CRISTO e. In epoca ellenistica la sua influenza si estese ai vasti territori adiacenti al Mediterraneo e al Mar Nero, nonché al Vicino e al Medio Oriente(fino all'India), dove si svilupparono scuole locali di arte ellenistica. Le tradizioni dell'antica arte greca ed ellenistica hanno ricevuto un nuovo sviluppo nell'arte dell'antica Roma.

Le migliori opere d'arte antica, che incarnavano alti ideali umanistici in forme classicamente chiare e sublimi, sono solitamente associate a idee di perfezione artistica e un modello artistico irraggiungibile.

L'età dell'oro, secondo molti popoli antichi, è il primo tempo dell'esistenza umana, quando le persone rimasero per sempre giovani, non conoscevano preoccupazioni e dolori, erano come dei, ma erano soggette alla morte, che veniva loro come un dolce sogno (descritto in "Opere e giorni" Esiodo, Metamorfosi di Ovidio, ecc.). In senso figurato: il periodo di massimo splendore dell'arte e della scienza.

L'arte dell'antica Grecia, oggetto di questo studio, è uno dei fenomeni più significativi della cultura artistica mondiale. Le antiche rovine greche sepolte nel Medioevo furono scoperte dai maestri del Rinascimento e diedero il massimo apprezzamento alle opere dell'antichità classica. L'antichità fu proclamata insuperabile e perfetta. Ha ispirato quasi tutti i grandi artisti, da Raffaello e Michelangelo a Picasso.

1. Periodizzazione dell'arte antica

Nell'antica Grecia è stata creata l'arte perfetta nella forma. Mentre le creazioni di Egitto, Sumer, Cina o Assiria esprimevano più profondamente la mentalità e gli ideali solo di questi paesi e popoli specifici, Hellas ( Grecia antica) è andato ben oltre i confini nazionali, creando un'arte comprensibile non solo ad alcuni elleni, ma anche a tutti gli altri popoli. Come e perché siano riusciti a raggiungere questo obiettivo rimarrà per sempre un mistero. Tuttavia, bellezza e significato profondo Le creazioni elleniche continuano ad affascinare l'umanità per due millenni.

L'arte dell'antica Grecia non è apparsa dal nulla, è cresciuta dalle radici cretese-micenee, creando sulla base di esse un nuovo tradizione artistica. Conquiste culturali delle città greche nel II millennio a.C. e. furono ripensati nel I millennio a.C. e. Dopo la cosiddetta era dei "secoli bui", che durò dal declino del mondo miceneo fino all'VIII secolo. AVANTI CRISTO e., iniziò un rapido e potente risveglio della cultura. Era il tempo del "Rinascimento greco", che creò il terreno per l'ulteriore fioritura dell'arte. Sulla via del suo sviluppo, quest'arte ha attraversato diverse fasi principali (stili): geometria(IX-VIII secolo a.C.), arcaico(VII-VI secolo a.C.), classici, in cui è suddiviso Presto(490-450 a.C.), alto(450-400 a.C.) e tardi(400-323 a.C.). secoli III-I. AVANTI CRISTO e. epoca frenetica ellenismo- il tempo dopo la morte di Alessandro Magno (323 a.C.), quando, grazie alle conquiste del grande comandante, il mondo eterogeneo e variegato fu unito per la prima volta - dalla Grecia attraverso la Persia e l'Asia centrale fino all'India. Poi lo stile ellenico, assumendo forme diverse in luoghi diversi, si diffuse su una vasta area. Nel II sec. AVANTI CRISTO e. La Grecia cadde sotto il dominio della Repubblica Romana e divenne una provincia chiamata Acaia, ma l'arte ellenica continuò ad esistere sul suolo di Roma, diventando la componente più brillante nel mondo artistico molto complesso e multinazionale dell'impero.

2. Primo classico

Periodo stile rigoroso, come si chiama adesso primi classici segnato 490-450 a.C. e.. Questa era, associata alla lotta della Grecia contro il potente stato persiano, fu il periodo della formazione della democrazia nelle città-stato greche (polis). L'era dell'arcaico, segnata dal dominio dei tiranni, stava svanendo nel passato. Un cittadino indipendente, una persona, è entrato nella scena storica. Lo stile rigoroso è caratterizzato dall'intensità drammatica della lotta: la maggior parte degli argomenti sono legati a battaglie, intense azioni dinamiche e la severità della punizione inflitta ai nemici.

Tra i maestri dell'epoca si distinsero in particolare Onesimo, Duris, il pittore di vasi Cleophrades, il pittore di vasi Brig ed altri, uno dei quali, il pittore di vasi Cleophradus, possiede il famoso idria(vaso d'acqua) da Nola con la scena "Morte di Troia". L'immagine circolare nella parte superiore del vaso è satura di vera tragedia: al centro è raffigurato il santuario dei Troiani - il sacro palladio (una statua lignea di Atena Pallade, custode della città di Troia), - a cui il cadde la figlia del re Priamo, la profetessa Cassandra. Il leader greco Aiace, calpestando il corpo del nemico caduto, strappò con forza Cassandra, che stava fuggendo vicino a lui, dal palladio. Questo era finora un sacrilegio inaudito, per il quale sarebbe stata inflitta una punizione speciale al popolo di Aiace per mille anni interi. Morte e violenza sono tutt'intorno, e anche la palma piega mestamente i suoi rami, e dietro di essa, proprio sull'altare, viene ucciso lo stesso Priamo anziano, macchiato del sangue del nipotino Astianatte.

Il tema dell'eliminazione dell'arbitrarietà, dell'incontrollabilità e del regno della sanità mentale attraversa tutti i monumenti di quell'epoca. Negli anni '60. V secolo AVANTI CRISTO e. Fu ricostruito il tempio di Zeus ad Olimpia, il più importante santuario panellenico, dove ogni quattro anni si tenevano i giochi olimpici di fama mondiale. Entrambi i frontoni del tempio, costruito dall'architetto Libon in pietra calcarea, avevano gruppi scultorei in marmo (ora conservati nel Museo Olimpico). La composizione sul frontone occidentale dell'edificio presentava una scena appassionata e patetica: centauri attaccavano donne e ragazzi durante il banchetto nuziale del re Piritoo. Figure dinamiche e tese sembrano fondersi in gruppi che si riducono gradualmente verso gli angoli, e allo stesso tempo l'azione si fa sempre più intensa. L'intera immagine si è rivelata collegata sia nella forma che nella trama. È pieno di potere spirituale: il dio Apollo in piedi al centro alza la mano destra, prefigurando la vittoria per le persone.

Sull'altro frontone orientale, viene presentata una composizione statica, sulla quale Enomai e Pelope si stanno preparando per la competizione. Il mito della prima corsa delle bighe era la base Olimpiadi. Una volta Pelope arrivò dall'Asia Minore per chiedere di sua moglie Ippodamia, figlia di Enomai. Lui, prevedendo la morte per mano dello sposo, lo ha comunque chiamato, come i precedenti ricorrenti, al concorso. Pelope uccise il vecchio re con l'astuzia, incitando l'auriga a tradire.

La calma degli eroi è illusoria, sono tutti tesi in attesa del risultato. Oenomaus sui fianchi, Pelope, da vincitore, è vestito con una conchiglia d'oro. Le donne stanno accanto a loro, e poi - le misteriose statue di sacerdoti, ragazzi e figure maschili sdraiate, che simboleggiano i fiumi Alfeo e Kladei, nella valle in cui si tenevano le gare.

Le immagini di uno stile rigoroso sono davvero rigorose. La statua dell'auriga di Delfi riflette profondamente gli ideali dell'epoca. Fu dedicato ad Apollo da uno dei sovrani dell'Italia meridionale. La figura è semicoperta dal carro, ma tutti i dettagli visibili sono elaborati con la massima cura: le dita dei piedi, le vene gonfie e le scanalature - scanalature verticali che ricoprono le vesti. Un ricercatore ha giustamente affermato che le figure dello stile rigoroso stanno come le canne di un organo. La loro espressione è altrettanto severa. Attira l'attenzione nuovo tipo volti con un'acconciatura liscia e bassa che copre la fronte, lineamenti regolari e un mento forte e pesante.In quel periodo lavorava uno dei più grandi scultori del V secolo. AVANTI CRISTO e. Mirone. Ha creato la famosa statua del lanciatore di dischi - "Discobolus", che non è sopravvissuta fino ad oggi, ma è stata ricostruita grazie a copie romane. Era di bronzo, come la maggior parte delle altre statue di uno stile rigoroso, che era abbastanza in linea con lo spirito dei tempi.

"Disco Thrower" è notevole per il suo design spiritoso: si muove rapidamente e allo stesso tempo è immobile. A Miron generalmente piaceva ritrarre una persona in situazioni estreme e fece persino una statua del corridore Lad, cantata in versi, che morì al traguardo. Una caratteristica distintiva di questa statua non è l'armonia di una figura complessa, ma le sproporzioni appositamente introdotte in essa, tenendo conto delle correzioni ottiche: il volto del giovane, se visto di fronte (davanti), è asimmetrico, ma la testa è situato in una forte inclinazione, e come risultato di tutti questi effetti ottici, lo spettatore crea una percezione sorprendentemente integrale del volto. Lo stesso design insolito ha segnato il suo gruppo scultoreo in bronzo "Athena e Marsia", che si trovava sull'Acropoli ateniese. Era anche nello spirito dei tempi: la dea punì il dio della foresta Marsia, che osò, violando il divieto, trovare e raccogliere il suo flauto di canna. Questo strumento è stato inventato dalla stessa Atena, ma notando che suonandolo distorce i bei lineamenti del suo viso, gettò via il flauto, maledicendola e proibendole di toccarlo.

3. Alto classico

Entro la metà del V sec. AVANTI CRISTO e. la nitidezza del primo stile classico sopravvisse gradualmente a se stessa. L'arte della Grecia entrò in un periodo di prosperità. Ovunque dopo la distruzione persiana furono ricostruite città, furono eretti templi, edifici pubblici e santuari. Ad Atene dal 449 a.C. e. Pericle governava, un uomo altamente istruito che univa tutti le migliori menti Hellas: suoi amici erano il filosofo Anassagora, il pittore Policleto e lo scultore Fidia. Toccò a Fidia ricostruire l'Acropoli ateniese, il cui insieme è ora considerato il più bello.

L'Acropoli ateniese sorgeva su un'alta scogliera a strapiombo che sovrastava la città. L'Acropoli era il centro di tutti i più alti santuari degli Ateniesi. Sotto Pericle, è stato ri-realizzato come un complesso architettonico unico. Secondo il progetto dell'architetto Mnesicles, al santuario fu eretto un magnifico portico d'ingresso, decorandolo con colonne ioniche. A sinistra dei Propilei (porta d'ingresso) c'era l'edificio della Pinakothek - una galleria d'arte, in cui c'erano le immagini dei principali eroi dell'Attica, e all'ingresso c'erano le statue degli dei guardiani: Hermes ed Ecate.

Estratto tematico sul tema “Late Classics of Ancient Greece,

IV secolo a.C

Il cliente privato diventa più forte di quello pubblico. I maestri sono dominati da un interesse per le immagini umane, piuttosto che divine. Sono più attratti dalle idee di sensualità che dal razionalismo. L'architettura e la scultura continuano a svolgere un ruolo importante mentre la pittura vascolare sta perdendo la sua antica importanza.

Architettura. Nel IV secolo a.C. gli estremi diventano più evidenti: enormiTempio di Artemide di Efeso, Mausoleo di Alicarnasso(metà del IV secolo aC) e piccoli edifici con una soluzione decorativa di forme comemonumento di Lisicrate. Il numero di edifici secolari è in crescita. Si nota l'entusiasmo degli architetti per i vari piani: quadrato, rotondo, rettangolare. Più comune è una combinazione di ordini diversi.Santuario di Esculapio a Epidaurodove ci sono molti lavori in corso. Asclepio era particolarmente venerato nel IV secolo a.C. Un luogo importante dell '"ospedale" era un portico lungo 70 metri, dove dormivano coloro che desideravano essere guariti e vicino al quale c'era una fonte per le abluzioni. A Epidauro furono costruiti i propilei, i templi di Asclepio e Artemide, dove, dopo la guarigione, furono portate immagini di parti malate del corpo fatte di gesso, così come filma - una sala rotonda, ovviamente per concerti, un enorme teatro e tanti bei portici. Aveva una palestra quadrata, con un parco giochi per i giochi e gli allenamenti, classi per la letteratura e lezioni di musica e uno stadio. Tholos (fimela) , sala da concerto - fu costruita da un importante architetto dell'epocaPolicleto il Giovane. L'edificio, a pianta rotonda, in marmo Pentelli e Paro, era decorato con 20 colonne doriche all'esterno e 14 corinzie all'interno. Il teatro di Epidauro costruito da Polykleitos the Younger è uno dei migliori in Grecia, sorprendente con l'acustica.

Costruzione in Asia Minore.Nel IV secolo era in corso una rapida costruzione nelle città dell'Asia Minore, che preferivano edifici di ordine ionico. In questo momento, creanoLa tomba del leone a Knida, il tempio di Artemide a Efeso, il tempio di Artemide a Sardi, il tempio di Atena a Priene, Apollo a Didyma.

Mausoleo di Alicarnasso.La tomba cominciò a essere costruita Pitea e Satiro durante la vita del re, ma terminò dopo la sua morte. Sono state eseguite decorazioni scultoreeScopas, Briaxides, Timoteo e Leohar. Nel XV secolo, questo miracolo dell'architettura antica fu distrutto dai Cavalieri di San Giovanni. Forme greche sono state combinate qui nel colonnato e negli ordini e forme orientali nell'uso della piramide.

Nel IV secolo a.C. creò anche molti sarcofagi, rigorosi nelle forme architettoniche, spesso dipinti con vernice.

Scultura. Lo sviluppo della scultura del IV secolo è definito dai nomiScopa, Prassitele, Lisippo; insieme a loro, maestri eccezionali comeLeohar, Timothy, Briaxides, Euphranor, Silanion e altri.

Scopa ha creato il suo stile. Paphos, l'eccitazione emotiva è tipica dei suoi monumenti. Nato sull'isola di Paros, operò tra il 370 e il 330 a.C. in varie zone: Attica, Beozia, Arcadia, Asia Minore. Maestro versatile, è conosciuto anche come architettoTempio di Atena Alei a Tegea(non salvato). Opere d'arte Scopa testimoniano un vivo interesse per l'emotività, per la divulgazione dei sentimenti umani in un monumento d'arte. Nella scultura ciò si manifesta nella complicazione della composizione, nell'aumento del dinamismo e dell'irruenza, nel contrasto dei chiaroscuri. In immagini appassionate Scopa suonavano nuove relazioni dei greci con il mondo, la perdita di chiarezza e pace trovò un'espressione plastica. Scopa amava rivolgersi a soggetti espressivi ( Menade ). Nei rilievi che adornavano il fregio del Mausoleo di Alicarnasso, lo scultore esprimeva la crescita dell'espressività emotiva, rispetto alle opere del V secolo a.C. questo potere di espressività è aumentato molteplice. La scoperta di nuovi mezzi di espressione artistica (drammatismo, passione) ha portato alla perdita della monumentale chiarezza degli alti classici, nelle cui opere mente umana vinto in una collisione con gli elementi come principio supremo.

Prassitele , nato intorno al 390 aC, espresse altri stati d'animo nelle sue opere. Primi lavori"Satiro che versa vino"era così glorificato che ci è pervenuto in molte repliche romane. La capacità di creare contorni fluidi e fluidi delle statue è una delle abilità più notevoli Prassitele. Se il genio di Scopas personifica l'impulsività, il pathos, quindi Prassitele - un maestro di armonia, rilassamento, rilassamento dopo un tripudio di sentimenti ansiosi. Scopa - un esponente del principio dionisiaco, Prassitele - Apollineo. Prassitele divenne famoso per la statua di Afrodite, che eseguì per gli abitanti di Kos due statue della dea, vestita e nuda. I clienti erano imbarazzati dall'audacia dello scultore e non accettarono il nudo. Fu acquistato dagli abitanti di Knidos (Afrodite di Cnido), e ha portato fama alla loro città (pellegrinaggio). Lo scultore ha mostrato la bella nudità di una donna armoniosamente costruita, è riuscito a fermarsi ai confini della sensualità, che comincia ad emergere in Afrodite di epoca ellenistica. Statua di Ermes che trasporta il piccolo Dioniso perché venga allevato dalle ninfe, trovato nel tempio di Era ad Olimpia, è vicinostatua di Eirene con Plutos. Come in altre immagini Prassitele , la bellezza umana ideale è qui glorificata. Dio è mostrato come una persona ideale, e una persona, quando è sviluppata armoniosamente, è percepita come una bellissima divinità. La colorazione era mal conservata: i capelli, il viso e, naturalmente, le pupille erano dipinte. Il marmo era colorato con cera colorata, che ne impregnava la superficie sotto l'azione del calore. Si è scoperto marmo colorato, senza uno strato di vernice che giaceva sulla pietra in epoca arcaica. Nelle opere Prassitele c'è una forte attrazione per la realtà.

IN statua di un satiro che riposa, di cui sono state conservate soprattutto molte repliche, il tema del relax suona ancora più chiaramente. Nel dopostatua "Apollo l'uccisore di lucertole"il dio della luce è rappresentato da un ragazzo magro. La scultura cattura con la sua bellezza, ma allo stesso tempo c'è un certo manierismo.

I figli di Prassitele - Timarco e Cefistodoto il Giovane, che operarono tra la fine del IV secolo e l'inizio del III secolo a.C., erano già artisti di epoca ellenistica.

Lisippo , scultore dal temperamento sobrio e forte, maestro di corte di Alessandro Magno, aprì la strada a un nuovo tipo di arte neoclassica, non collegata alle idee civiche della città-polis. Raffigura i personaggi eroici della mitologia, o gli atleti. La sua statua è particolarmente espressiva. Apossiomene. Lisippo riuscì a trasmettere plasticamente in modo completo l'eccitazione del giovane, che non si era ancora calmato dopo la lotta. Nella statua di Apoxyomene non c'è una sola parte calma del corpo (il nervosismo tremante dell'eccitazione, che il copista romano nel volto marmoreo di Apoxyomene non poteva trasmettere, era conservatostatua in bronzo di Efebo da Antifikera). Lisippo preferiva lavorare in bronzo, e nella statua originale dell'Apoxyomene non c'erano oggetti di scena che, sorti in una copia romana in marmo, rovinano l'aspetto della statua e riducono la leggerezza e la mobilità della figura. Lisippo continua il processo di conquista dello spazio da parte della statua, iniziato Scopa . Lo scultore sta già sfruttando molto più pienamente l'opportunità di mostrare diversi stati di una persona da diversi punti di vista (impressioni diverse si formano da diverse angolazioni).

Si attribuisce la scuola di Lisippo statua di riposo di Hermes, che ricorda più la figura di un atleta-corridore. Lisippo diverse sculture furono realizzate sul tema delle gesta di Ercole. È stata conservata una copia romana raffigurante Ercole che combatte un leone. La formazione piramidale del gruppo conferisce stabilità alla composizione del combattimento. Le note malinconiche che risuonavano latenti nelle immagini di Aossiomen, Agia ed Hermes, continuarono instatua di riposo di Ercole. Una peculiare combinazione dell'aspetto dei muscoli ipertrofici con l'espressione di una profonda stanchezza è un omaggio ai tempi. La perdita dell'armonia classica è qui particolarmente evidente. Nei classici non era necessario mostrare Ercole come superpotente: la sua forza si manifestava nella sicurezza, nella chiara composizione dell'opera.

L'allontanamento dalla tipizzazione, il desiderio di un carattere nitido nell'immagine ha portato all'interesseSilanion, Lisistrato e Lisippo al ritratto. Alessandro Magno posato per Lisippo . Nelle copie successive del ritratto del comandante che sono pervenute, il maestro ha mostrato un uomo forte, la cui coscienza era agitata da tumulto interiore e ansia. Non è un caso che il ricorso Lisippo e il ritratto di Socrate , il cui tragico destino, bisogna pensare, lo preoccupava. Già nei lineamenti distorti di Alessandro si possono avvertire i primi inquietanti scorci delle imminenti prove del mondo antico.

Leohar. Nell'opera di un più anziano contemporaneo di Lisippo, uno scultore Leohara trovato espressione di altri stati d'animo. Leohar , sentendo acutamente il desiderio delle immagini armoniose dei classici, cercava la bellezza nelle forme del passato. Queste ricerche diedero origine già nel IV secolo a.C. classicismo, che si manifestò anche nei secoli successivi. Nella sua migliore statua -Apollo Belvedere(circa 330-320 a.C.) - affascina la perfezione dell'immagine e l'abilità dell'esecuzione, ma questa bellezza è di un piano diverso rispetto alle sculture di Fidia e Lisippo. La teatralità e la postura hanno sostituito la naturale disinvoltura delle immagini del V secolo e la vitalità dei personaggi di Lisippo pulsanti di energia. Vicino ad Apollo Belvedere nella natura dell'immagine e nella soluzione plastica attribuitaStatua di Leocharu di Artemis di Versailles con daina(circa 325 a.C.). L'immagine di un movimento rapido, una bella svolta della figura è tipica di un abile scultore. La fusione del pathos teatrale con la recitazione di genere nel gruppo scultoreo Leohara che ha rappresentato il rapimento da parte dell'aquila Ganimede . Da questo lavoro non è lontano dalle sculture di genere dell'ellenismo.

Pittura. pittura vascolare. Artista della fine del V secolo a.C Apollodoro, che realizzò opere da cavalletto a tempera, introdusse nelle immagini la modellazione del chiaroscuro e quindi può essere giustamente definito uno dei primi pittori. Gli artisti di quel tempo erano più spesso attratti da trame di natura mitologica. Timanf trasmette l'intensità dei sentimenti drammatici con la forza insita nella sua composizione"Il sacrificio di Ifigenia". Amore per i pittori del IV secolo a.C le scene di battaglia a più figure sono confermate da una copia pompeiana in mosaico di un dipinto di un artista del IV secolo Filossena , che raffigura la battaglia di Dario con Alessandro Magno a Isso.

Pittori di vasi del IV secolo a.C erano sempre più utilizzate decorazioni in rilievo, in cui era ampiamente utilizzata la doratura. Sulle spalle dell'idria di Qom ("vaso regina" ) l'artista ha raffigurato gli dei associati al culto dei misteri eleusini.

periodo di massimo splendore pittura monumentalenel IV secolo contribuì alla capillare diffusione di variopinti mosaici multifigurati in numerose città delle monarchie ellenistiche. Le composizioni che adornavano il palazzo del re macedone Archelao stupiscono coloro che catturarono e mosaicisti con l'espressività della rappresentazione della figura umana, l'espressività della linea di contorno.Mosaico "Caccia al leone", composizione colorata"Dioniso su una pantera", disposti con ciottoli di fiume multicolori, consentono di realizzare la dimensione del successo della pittura monumentale.

Ultimo quarto del IV secolo a.C e quindi i secoli successivi dell'ellenismo possono essere definiti il ​​periodo di massimo splendore della terracotta greca. In questi anni sono state create le migliori immagini elegiache di Tanagra, molte figure grottesche compaiono per mano di coroplasti esperti.

STRUTTURA DELLE LEZIONI:

IO. Arte dell'alto periodo classico.

II. Arte del periodo tardo classico.

III. Arte ellenistica.

3.1. scuola alessandrina.

3.2. Scuola di Pergamo.

3.3. Scuola di Rodi.

IV. Bibliografia.

v. Elenco dei principali artefatti.

Arte del periodo alto classico (seconda metà del V secolo aC).

Come in altri ambiti della vita, nella cultura del V secolo. AVANTI CRISTO. c'è una combinazione di caratteristiche tradizionali risalenti alle epoche arcaiche e anche precedenti, e di completamente diverse, generate da nuovi fenomeni nella sfera socio-economica e politica. La nascita del nuovo non ha significato la morte del vecchio. Proprio come nelle città la costruzione di nuovi templi è stata molto raramente accompagnata dalla distruzione di quelli vecchi, così in altre aree della cultura il vecchio si è ritirato, ma di solito non è scomparso del tutto. La novità più importante, che ha inciso maggiormente sul corso dell'evoluzione culturale di questo secolo, è il consolidamento e lo sviluppo della polis, soprattutto quella democratica. Non è un caso che ad Atene siano nate le opere più eclatanti di cultura materiale e spirituale. verso la metà

V secolo AVANTI CRISTO e. la nitidezza del primo stile classico sopravvisse gradualmente a se stessa. L'arte della Grecia entrò in un periodo di prosperità. Ovunque dopo la distruzione persiana furono ricostruite città, furono eretti templi, edifici pubblici e santuari. Ad Atene dal 449 a.C. e. Regnava Pericle, un uomo altamente istruito che univa intorno a sé tutte le migliori menti dell'Ellade: i suoi amici erano il filosofo Anassagora, l'artista Policleto e lo scultore Fidia.

Le città del mondo antico di solito apparivano vicino a un'alta scogliera, vi fu eretta una cittadella, in modo che ci fosse un posto dove nascondersi se il nemico fosse penetrato nella città. Una tale cittadella era chiamata acropoli. Allo stesso modo, su una roccia che si ergeva a quasi 150 metri sopra Atene e che aveva servito a lungo come struttura difensiva naturale, la città alta si formò gradualmente sotto forma di fortezza (acropoli) con varie strutture difensive e religiose.

Acropoli di Atene iniziò ad essere costruito già nel 2mila a.C. e. Durante le guerre greco-persiane fu completamente distrutta, in seguito sotto la guida di uno scultore e architetto Fidia ne iniziò il restauro e la ricostruzione (Fig. 156).

Il nuovo complesso dell'Acropoli ateniese è invece asimmetrico si basa su un'unica idea artistica, un unico progetto architettonico e artistico. In parte, l'asimmetria è stata suggerita dai contorni irregolari della collina, dalle diverse altezze delle sue singole parti e dalla presenza di strutture templari precedentemente costruite in alcune sue sezioni. I costruttori dell'Acropoli hanno scelto deliberatamente una soluzione asimmetrica, utilizzandola per creare la corrispondenza più armoniosa tra le singole parti dell'insieme.

Il concetto artistico adottato da Fidia e dagli architetti che con lui collaborarono si basava sul principio dell'equilibrio armonioso delle singole strutture all'interno dell'intero complesso e sulla coerente divulgazione delle qualità artistiche dell'insieme e degli edifici in esso inclusi nel processo di graduale camminando e osservandoli fuori e dentro.

Le pareti dell'Acropoli sono ripide e ripide. Un'ampia strada a zig-zag corre dai piedi della collina fino all'unico ingresso. Questo Propilei costruiti dall'architetto Mnesicles- una porta monumentale con colonne doriche e un'ampia scalinata.

I Propilei erano infatti un edificio pubblico. L'altezza delle colonne del portico dorico a sei colonne occidentale dell'edificio è di 8,57 m; le colonne ioniche poste dietro di esse ai lati della navata centrale sono leggermente più alte, le loro dimensioni sono 10,25 m. composizione dei Propilei ha introdotto ali laterali ad essi adiacenti. Sinistra, nord- Pinakothek - serviva per collezionare dipinti e in destra, sud, c'era un deposito di manoscritti (biblioteca). Sorgeva in generale una composizione asimmetrica, bilanciata da un tempietto dedicato a Nike Apteros (la dea priva di ali della vittoria, Nike), eretto dall'architetto Callicrate (Fig. 157). È interessante notare che l'asse del tempio di Nike Apteros non è parallelo all'asse dei Propilei: la facciata principale del tempio è in qualche modo rivolta verso l'accesso ai Propilei, cosa che avviene nell'interesse della massima divulgazione del qualità artistiche di questa struttura allo spettatore. Il Tempio di Nike è uno dei capolavori dell'antica architettura greca del suo periodo di massimo splendore.

L'edificio principale e più grande dell'Acropoli era il Partenone, il tempio della dea Atena, costruito dagli architetti Iktin e Kallikrat. Non si trova al centro della piazza, ma un po' di lato, in modo da poter catturare immediatamente con gli occhi le facciate anteriore e laterale (Fig. 158).

Sulle facciate finali aveva otto colonne, sul lato - diciassette. Il tempio è stato percepito e non troppo allungato, e non troppo corto. Era estremamente armonioso grazie a combinando in esso le proprietà di due ordini: dorico e ionico. Le colonne esterne del Partenone erano di ordine dorico. Le pareti del tempio stesso - cella - fregio ionico continuo coronato. Se l'esterno del Partenone era decorato con scene di feroci battaglie, nel cui stile suonava ancora pesante lo stile rigoroso, allora il fregio interno raffigurava un evento pacifico: la solenne processione degli Ateniesi alla festa delle Grandi Panatene (feste in onore della dea Atena). Sul Panatenaico, una nuova veste per Atena veniva trasportata su una nave: il peplo. Questo dono era un segno della sua risurrezione. La processione tutta ateniese è stata presentata qui con un ritmo misurato e festoso: sia nobili anziani con rami in mano, sia ragazze con nuovi chitoni e peplo, musicisti, sacerdoti e cavalieri su cavalli impennati e agitati.

Un altro tempio dell'Acropoli ateniese - l'Eretteo, dedicato alle due divinità principali della città di Atene - Atena Poliade e Poseidone, fu completato più tardi, già intorno al 410 a.C. e. Sullo sfondo del grandioso Partenone, il grazioso Eretteo con tre diversi portici e statue di cariatidi (ragazze che portano un soffitto) sembra un giocattolo magico. Grande e piccolo, arcaico e moderno, grandioso e intimo armoniosamente fusi nell'Acropoli di Atene. Ancora oggi rimane lo standard di naturalezza, bellezza e gusto nobile.

Nell'antica arte greca, nella costruzione dei templi, c'era un legame inestricabile tra architettura e scultura. Questa unità si vede molto chiaramente nel Partenone.

La pienezza del classico, la perfezione della plastica greca raggiunta nei fregi del Partenone, realizzati da diversi artisti sotto la guida del grande Fidia, amico di Pericle, negli anni 50-40 del V secolo. AVANTI CRISTO e. I primissimi nel processo di costruzione del Partenone dovevano essere metope pronte, con loro iniziò il lavoro scultoreo, al quale parteciparono molti maestri di diverse generazioni e provenienti da diversi luoghi della Grecia. Su ogni lato del tempio, le metope erano dedicate a un tema specifico: a est - gigantomachia, a ovest - amazzonomachia (Fig. 159), a nord - la battaglia dei Greci e dei Troiani, a sud - centauromachia ( Fig. 160, 161, 162).

Insieme alle ultime metope, sono iniziati i lavori fregio raffigurante i dodici dei dell'Olimpo e il corteo panatenaico. Il fregio era lungo circa 160 m ed era posto sopra l'ingresso del pronao, dell'opistodo e sulle pareti della cella ad un'altezza di 12 m ed era già eseguito sul posto. Se le metope sono riportate in altissimo rilievo - in alcuni punti le figure toccano il fondo solo con pochi punti - allora il fregio è eseguito in altissimo rilievo (solo 5,5 cm), ma ricco di pittoreschi modellati di corpo nudo e vesti .

composizione fregio, appartiene indubbiamente a un maestro eccezionale che, raffigurando un numero così elevato di figure, è riuscito a evitare la ripetizione e ha creato un'immagine vivace di una festa nazionale, in cui tutti i partecipanti sono intrisi di uno stato d'animo comune, fusi in un unico movimento, ma ciascuno a allo stesso tempo, obbedendo al tono generale, conserva la sua individualità. Questa individualità si esprime nei gesti, nella natura del movimento, nel costume. I tratti del viso, la struttura della figura, sia dei che semplici mortali, sono un'immagine generalizzata: l'ideale della bellezza greca.

L'alternanza di figure di animali e persone, cavalieri e fanti, vestiti e nudi, la segmentazione del flusso generale del corteo da parte di una figura voltata all'indietro, conferiscono all'intero fregio una particolare persuasività, vitalità. La colorazione e gli accessori in rame hanno contribuito al fatto che il rilievo risaltava chiaramente sullo sfondo del muro di marmo. Nonostante molti scultori abbiano lavorato sul fregio, nelle proporzioni, nel tipo di viso, nelle acconciature, nella natura del movimento di persone e animali, nell'interpretazione delle pieghe dei vestiti, gli artisti dello spettacolo hanno eseguito rigorosamente la volontà dell'autore e subordinarono notevolmente il loro stile artistico allo stile generale.

Rispetto alle metope, il fregio rappresenta un ulteriore passo nello sviluppo del realismo.; nessuna traccia di rigidità o rigidità nelle pose, completa libertà di movimento, leggerezza degli abiti che non solo rivelano la forma del corpo, ma contribuiscono anche all'espressività del movimento, come mantelli svolazzanti, che trasmettono la profondità dello spazio - tutto ciò rende il fregio l'esempio più chiaro della fioritura dell'arte classica.

Contemporaneamente al fregio, erano in corso i lavori sui frontoni del Partenone. A est è stato raffigurato scena della nascita di Atena dalla testa di Zeus alla presenza degli dei dell'Olimpo, a ovest - la disputa tra Atena e Poseidone sul dominio in Attica. Della composizione a più figure sono rimaste poche figure gravemente danneggiate, ognuna delle quali è una scultura rotonda, accuratamente lavorata da tutti i lati.

I frontoni del Partenone sono l'apice della soluzione compositiva di un gruppo multifigurato di questo tipo: la profondità della divulgazione della trama è espressa da mezzi artistici perfetti, una vivida caratterizzazione delle immagini e, allo stesso tempo, una sorprendente armonia con l'insieme architettonico generale. Il centro di entrambi i frontoni è diviso tra i due personaggi principali: Zeus e Atena, Poseidone e Atena, tra i quali era posta ad est - una piccola figura di Nike e ad ovest - un ulivo, donato dalla dea agli abitanti dell'Attica.

Sul frontone orientale dietro le principali figure centrali c'erano altre due divinità sedute su troni: Era e Poseidone. Sullo sfondo dietro le divinità principali ci sono le figure degli dei minori, Efesto, Iride, ancora più agli angoli ci sono le figure in piedi degli dei e degli dei seduti e sdraiati: a destra ci sono tre dee: Hestia, Dione e Afrodite(Fig. 163), a sinistra - un gruppo di due dee, probabilmente Demetra e Persefone e una figura distesa giovane dio, apparentemente Dioniso(figura 164).

L'ideale della personalità umana è incarnato da Fidia in un grande cultostatue di Atena Parthenos e Zeus Olimpio. La figura della dea, alta 12 m, è realizzata in avorio e oro e si trovava all'interno del tempio del Partenone. Lei lo testimonia famoso maestro è riuscito a superare la rigidità e la severità del primo stile classico, pur mantenendoil suo spirito di serietà e dignità. L'aspetto dolce e profondamente umano dell'onnipotente dio Zeus ha fatto dimenticare per un po 'a tutti coloro che venivano nel suo santuario ad Olimpia le preoccupazioni che opprimevano l'anima, ispiravano speranza.

Oltre a Fidia, verso la metà del V sec. AVANTI CRISTO e. creato dall'eccezionale scultore greco Myron, originario di Elefevr in Beozia, le cui attività si svolgevano tutte ad Atene. Myron, il cui lavoro ci è noto solo da copie romane, lavorava il bronzo ed era un maestro della plastica rotonda. Lo scultore ha una grande padronanza dell'anatomia plastica e trasmette libertà di movimento, superando alcune rigidità che esistevano ancora nelle sculture di Olimpia..

Conosciuto per la sua magnifica scultura "Discobolus"(Fig. 165) In esso, Miron ha scelto un audace motivo artistico: la fermata più breve tra due movimenti forti, il momento in cui è stato fatto l'ultimo gesto della mano prima di lanciare il disco. Tutto il peso del corpo ricade sulla gamba destra, anche le cui dita sono tese, la gamba sinistra è libera e tocca appena il suolo. La mano sinistra, toccando il ginocchio, come se mantenesse la figura in equilibrio. Un atleta ben allenato esegue magnificamente e liberamente un movimento appreso. Con una tensione così forte di tutto il corpo, il volto del giovane sorprende lo spettatore con la sua perfetta calma. Il trasferimento delle espressioni facciali corrisponde alla tensione del corpo.

Costruzione compositiva di "Discobolus" risolto in qualche modo piatto, come sotto forma di rilievo, ma allo stesso tempo ogni lato della statua rivela chiaramente l'intenzione dell'autore; da tutti i punti di vista il movimento dell'atleta è comprensibile, anche se l'artista individua un punto di vista principale.

Famoso anche il gruppo di Mirone, che un tempo sorgeva sull'Acropoli di Atene, raffigurante Atena, che lanciava il flauto da lei inventato, e il forte Marsia(figura 166). Un demone della foresta selvaggio e sfrenato con una faccia animalesca, movimenti acuti e ruvidi si oppone a un'Atena molto giovane, ma calma. La figura di Marsia esprime la paura della dea e un forte, avido desiderio di afferrare il flauto. Atena ferma Sileno con un gesto della mano. Miron in questo gruppo appare davanti a noi come un maestro dalle caratteristiche luminose e nitide.

Il terzo grande classico della scultura greca fu Policleto. di Argo, che ha lavorato per qualche tempo ad Atene. Ha creato i canoni per la definizione e il trasferimento plastico delle proporzioni del corpo umano. Secondo il canone di Polykleitos, la lunghezza del piede avrebbe dovuto essere 1/6 della lunghezza del corpo e l'altezza della testa - 1/8. Queste e altre relazioni sono strettamente osservate nella figura. "Dorifora"(Fig. 167), che incarnava l'allora ideale della bellezza maschile, nella scultura "Amazzonia ferita"(Fig.168).

E Fidia nei fregi del Partenone, e Myron in "Discobolus", e Poliklet in "Dorifor" raffigurano persone ideali, come dovrebbero essere.

Nel periodo degli alti classici, la pittura si sviluppò senza dubbio. Con la crescita del realismo nell'arte greca, la pittura ha dovuto trovare nuovi mezzi di espressione. Due risultati hanno aperto la strada all'ulteriore sviluppo della pittura: la scoperta delle regole della prospettiva lineare e l'arricchimento delle tecniche pittoriche con il chiaroscuro.

Durante questo periodo lavorarono maestri come Agafarchus, Zeuslis, Parrasius, Timanf (Fig. 168).

Seconda metà del V sec. AVANTI CRISTO e. fu una tappa importante nello sviluppo dell'antica arte greca. Le tradizioni degli alti classici sono state rielaborate in nuove condizioni storiche. In quest'epoca si può rintracciare un alto umanesimo di immagini, patriottismo, cittadinanza. L'insieme dell'Acropoli di Atene è una sintesi delle conquiste dell'alto periodo classico. Nelle arti visive domina l'immagine dell'eroe vittorioso, il difensore della politica. Gli artisti si sono avvicinati il ​​più possibile alla rappresentazione realistica della figura umana, sempre più spesso vengono eseguite opere in cui una persona è in movimento ei volti hanno una propria individualità, espressioni facciali.

Arte del periodo tardo classico (IV secolo aC).

Le mutate condizioni della vita sociale hanno portato a un cambiamento nella natura del realismo antico.

Insieme alla continuazione e allo sviluppo delle tradizionali forme d'arte classiche del IV secolo. AVANTI CRISTO e., in particolare l'architettura, doveva decidere esfide completamente nuove. L'arte per la prima volta iniziò a servire i bisogni e gli interessi estetici dell'individuo, e non la politica nel suo insieme; apparsoe opere che affermavano principi monarchici. Per tutto il IV sec. AVANTI CRISTO e. costantemente intensificato il processo di allontanamento di un certo numero di rappresentanti dell'arte greca dagli ideali di nazionalità ed eroismo del V secolo. AVANTI CRISTO e.

Allo stesso tempo, si riflettevano le drammatiche contraddizioni dell'epoca immagini artistiche, mostrando l'eroe in una tesa tragica lotta con forze a lui ostili, travolto da esperienze profonde e dolorose, dilaniato da profondi dubbi.

Architettura greca IV sec. AVANTI CRISTO e. ha avuto una serie di risultati importanti, sebbene il suo sviluppo sia stato molto irregolare e contraddittorio. Sì, durante primo terzo del IV sec. in architettura c'è stato un noto declino delle costruzioniattività, riflettendo la crisi economica e sociale che ha travolto tutte le politiche greche, e in particolare quelle situate in Grecia vera e propria. Questo declino era, tuttavia, tutt'altro che universale. Ha colpito più acutamente ad Atene, che è stata sconfitta nelle guerre del Peloponneso. Nel Peloponneso la costruzione dei templi non si fermò. Dal secondo terzo del secolo la costruzione si intensificò nuovamente. Nell'Asia Minore greca, e in parte nella stessa penisola, furono erette numerose strutture architettoniche.

Monumenti del IV sec. AVANTI CRISTO e. generalmente seguiva i principi del sistema degli ordini. Tuttavia, differivano significativamente nel carattere dalle opere degli alti classici. La costruzione dei templi continuò, ma soprattutto un ampio sviluppo rispetto al V secolo. AVANTI CRISTO. ricevuto costruzione di teatri (Fig. 170),palestra, spazi chiusi per riunioni pubbliche(bouleuterio), ecc.

Le caratteristiche più sorprendenti dello sviluppo dell'architettura dell'Asia Minore colpito nel costruito intorno al 353 aC. e. gli architetti Pitea e Satiro Alicarnasso Mausoleo - la tomba di Mausolo, sovrano della provincia persiana di Karius (Fig. 171).

Il mausoleo ha colpito non tanto per la maestosa armonia delle proporzioni quantograndiosità di scala e magnifica ricchezza di decorazioni. Anticamente era classificato tra le sette meraviglie del mondo. L'altezza del Mausoleo raggiungeva probabilmente i 40-50 m L'edificio stesso era una struttura piuttosto complessa, che combinava le tradizioni locali dell'Asia Minore dell'architettura dell'ordine greco in motivi presi in prestito dall'Oriente classico. Nel XV secolo Il mausoleo è stato gravemente danneggiato e la sua esatta ricostruzione è attualmente impossibile; solo alcune delle sue caratteristiche più generali non provocano polemiche tra gli scienziati. In pianta, era un rettangolo che si avvicinava a un quadrato. Il primo ordine rispetto ai successivi fungeva da plinto. Il mausoleo era un enorme prisma di pietra formato da grandi quadrati. Ai quattro angoli, il primo ordine era fiancheggiato da statue equestri. Nello spessore di questo enorme blocco di pietra c'era un'alta stanza a volta in cui si trovavano le tombe del re e di sua moglie. Il secondo ordine era costituito da un ambiente circondato da un alto colonnato di ordine ionico. Tra le colonne furono collocate statue di marmo di leoni. Il terzo, ultimo livello era una piramide a gradini, in cima alla quale erano poste grandi figure del sovrano e di sua moglie in piedi su un carro. La tomba di Maveola era circondata da tre file di fregi, ma non è stata stabilita la loro esatta collocazione nell'insieme architettonico. Tutte le opere scultoree sono state realizzate da maestri greci, incluso Skopas.

La combinazione di forza opprimente e l'enorme scala del piano interrato con la magnifica solennità del colonnato avrebbe dovuto sottolineare il potere del re e la grandezza del suo potere.

Il carattere generale della scultura e dell'arte dei tardi classici è principalmentedeterminato dall'attività creativa degli artisti realisti. I principali e massimi rappresentanti di questa tendenza furono Skopas, Prassitele e Lisippo.

Testa di guerriero ferito dal tempio di Atena Alei a Tegea mostra Scopas come un profondo riformatore del concetto di Fidia. Sotto il suo incisivo, una forma precedentemente bella è distorta: la sofferenza rende brutta una persona, sfigura il suo viso. In precedenza, l'estetica greca generalmente escludeva la sofferenza.

E così il principio morale fondamentale dell'antica arte greca è stato violato. La bellezza lascia il posto al dolore, il dolore cambia il volto di una persona e un gemito gli sfugge dal petto. Le proporzioni del volto vengono stravolte: la testa diventa quasi cubica e appiattita. L'immagine del dolore non ha ancora raggiunto tale espressività.

Le famose "Baccanti"(Fig. 172) - una piccola statuetta di un ministro del culto di Dioniso - rappresenta Skopas come un maestro delle nuove soluzioni plastiche. Seminuda, in una danza sfrenata, la figura non sta più in piedi, non si gira, ma ruota attorno ad un asse in un movimento rapido e tempestoso. La Baccante è presa dalla passione: fa a pezzi l'animale, in cui vede l'incarnazione di Dio. Davanti agli occhi dello spettatore viene eseguito un rituale sanguinoso, che non era mai stato raffigurato in questo modo nella scultura greca.

Prassitele, al contrario, era un maestro delle immagini liriche divine. Sono sopravvissute molte copie romane delle sue opere: "Satiro che versa il vino", "Satiro a riposo", "Apollo Saurokton" (o "Apollo che uccide una lucertola"), "Eros", ecc. La sua scultura più famosa di un'Afrodite nuda, realizzata per ordine dell'isola Spit, ma riacquistata dagli abitanti dell'isola di Knidos, che ricevette il nome "Afrodite di Cnido"(figura 173). Prassitele espose per primo Afrodite: solo a lei era permesso mostrare la sua bellezza senza vestiti. Sembrava appena uscita dall'acqua, nascondendosi dietro le mani.

Una delle opere del grande maestro è giunta fino ai nostri giornioriginale. Questo è Hermes con il piccolo Dioniso.(figura 174). Il gruppo è stato iniziato nel tempio di Era ad Olimpia, dove è stata ritrovata durante gli scavi. Sono andate perdute solo le gambe e la mano di Hermes, che reggeva un grappolo d'uva. Hermes, che porta il bambino allevato dalle ninfe, si riposa lungo la strada. La figura del dio è fortemente inclinata, ma questo non rende brutta la scultura. Lei, al contrario, è alimentata da un'atmosfera di beatitudine. I tratti del viso non sono marcati in modo troppo netto, sembrano sciogliersi sotto l'influenza del sole di mezzogiorno. Le palpebre non sono più enfatizzate e lo sguardo diventa languido, come disperso. Spesso Prassitelealla ricerca di ulteriore supporto per le sue figure: tronchi, piloni o altri supporti, come se non facessero affidamento sulla forza della propria tettonica.

A cavallo tra i classici greci e l'ellenismo, operò l'ultimo grande scultore, Lisippo, lo scultore di corte di Alessandro Magno. Come artista, era molto versatile: creava gruppi scultorei (ad esempio "Le fatiche di Ercole"), singole statue e persino ritratti, tra i quali il più famoso è il ritratto dello stesso Alessandro Magno. Lisippo si cimentò generi diversi, ma soprattutto è riuscito a raffigurare gli atleti.

La sua opera principale - "Apoxiomen" (Fig. 175) - raffigura un giovane che si pulisce la sabbia dal corpo dopo le gare (gli atleti greci si strofinavano il corpo con olio, a cui la sabbia si attaccava durante le gare); differisce in modo significativo dalle opere dei tardi classici e, in particolare, dalle opere di Policleto. La postura dell'atleta è libera e anche un po 'svitata, le proporzioni sono completamente diverse: la testa non è un sesto dell'intera figura, come nel canone "quadrato" dell'Argivo, ma un settimo. figureI Lisippi sono più snelli, naturali, mobili e indipendenti. Tuttavia, in essi scompare qualcosa di molto importante, l'atleta non è più percepito come un eroe, l'immagine diventa più sminuita, mentre negli alti classici era ascendente: le persone erano glorificate, gli eroi erano deificati e gli dei erano posti al livello del più alto potere spirituale e naturale.

Tutte le conquiste dell'architettura e dell'arte classiche furono messe al servizio di nuovi obiettivi sociali estranei ai classici, generati dall'inevitabile sviluppo della società antica. Lo sviluppo è passato dall'obsoleto isolamento delle politiche a potenti, anche se fragilimonarchie proprietarie di schiavi, abilitando i vertici della societàrafforzare le fondamenta della schiavitù.

Arte greca IV sec. AVANTI CRISTO. caratterizzato da una brillante fioritura pittorica. Maestri di questo periodo ampiamente utilizzati esperienza di artisti precedenti e, essendo fluenti nelle tecniche realistiche di rappresentazione dell'uomo e dell'animale, hanno arricchito la pittura con nuove conquiste.

Il paesaggio ora occupa un posto ancora più significativo nella composizione e comincia a servire non solo come sfondo per le figure, ma come parte importante dell'intero disegno della trama. L'immagine della sorgente luminosa ha rivelato possibilità pittoriche illimitate. Il ritratto pittorico raggiunse uno sviluppo brillante.

A Sicione all'inizio del IV sec. AVANTI CRISTO e. appare una vera e propria accademia di pittura, che ha sviluppato regole proprie per l'insegnamento, una solida, fondata teoria della pittura. Il teorico della scuola era Panfilo, che pose le basi per dipingere la crestografia, cioè la costruzione di figure mediante calcolo, in cui continuò la tradizione di Policleto. Prospettiva, matematica e ottica furono introdotte nel corso della pittura, particolare attenzione fu prestata al disegno.

Il famoso pittore Pausio fu allievo di Panfilo e suo seguace, che ha lavorato nella tecnica dell'encausto, che gli ha permesso di portare a grande perfezione il gioco del chiaroscuro e trasmettere sottili gradazioni di toni. Pausius divenne famoso per le sue nature morte, raffiguranti mazzi illusori e ghirlande di fiori.

Una scuola di un'altra direzione è stata creata a Tebe negli anni '70. 4° sec. AVANTI CRISTO e. Particolarmente degno di nota è l'artista Aristide il Vecchio, i cui dipinti si distinguevano per il loro design drammatico, la vivida espressività dei personaggi e la capacità di trasmettere complessi sentimenti patetici. La scuola tebano-attica differiva da quella sicione per la profondità del suo contenuto ideologico, l'attualità della trama e la sua nitidezza politica.

Un eccezionale artista attico - Nicias, famoso per le sue abilità pittoriche. Dipinse quadri da cavalletto, molto lontani nello spirito dagli alti ideali civili. Ha preso la trama dai miti romantici, dando un motivo per sfoggiare la grazia e la squisita bellezza dei personaggi, il sentimentalismo della situazione. Negli affreschi romani e pompeiani sono state conservate ripetizioni dipinti di Nikias "Perseo e Andromeda"(figura 176). Qui viene mostrato il momento in cui l'impresa è già stata compiuta, il mostro è stato ucciso e l'eroe, come un valoroso cavaliere, dà la mano alla bella eroina. Un posto significativo in questi dipinti è occupato dal paesaggio, sebbene sia generalmente scritto.

famoso Apelle, studiò anche a Sicione, dal 340 a.C. e. lavorò alla corte dei re macedoni, dove dipinse ritratti di Alessandro. Apelle, nel ritratto di Alessandro con il fulmine, mostrò per la prima volta la fonte di luce e le lumeggiature sul viso e sul corpo, che fu una grande conquista nella storia della pittura realistica.

Apelle era particolarmente famoso per il suo dipinto raffigurante Afrodite che emerge dal mare. I piedi della dea erano ancora nascosti dall'acqua ed erano leggermente visibili attraverso di essa. La dea, alzando le mani, torcendosi i capelli,

Sfortunatamente, tutti i famosi dipinti di Apelle e dei suoi contemporanei sono scomparsi. Soltanto dipinto di Filosseno "Battaglia di Alessandro con Dario"(Fig. 177, 178) ci è noto dalla ripetizione musiva del III sec. AVANTI CRISTO e. Un grande mosaico (5 m X 2,7 m) era la decorazione del pavimento di Pompei. È una complessa battaglia di figure myogo. L'idea dell'immagine è la glorificazione del coraggio e dell'eroismo di Alessandro. Philoxen ha trasmesso perfettamente il pathos dei personaggi, varie emozioni. Angoli audaci, come un guerriero che cade davanti a un carro o un cavallo primo piano, un ricco gioco di chiaroscuri, riflessi luminosi che esaltano l'impressione di figure tridimensionali, rivelano la mano di un maestro esperto e abile e, soprattutto, permettono di immaginare la natura della pittura nella seconda metà del IV secolo . AVANTI CRISTO e.

Nel periodo dei tardi classici c'era uno stretto legame tra la pittura vascolare e la pittura monumentale e da cavalletto. Nella seconda metà del IV sec. AVANTI CRISTO e. comprende una serie di eccellenti vasi attici e dell'Italia meridionale a figure rosse. Alla fine del IV sec. AVANTI CRISTO e. la tecnica a figure rosse scompare, lasciando il posto a modeste pitture murali di natura puramente ornamentale. La tavolozza multicolore, le tecniche del chiaroscuro nella pittura sono diventate inaccessibili ai maestri della pittura vascolare a causa del numero limitato di colori che possono resistere a cotture pesanti.

L'arte classica per la prima volta nella storia dell'umanità si è posta come obiettivo la rivelazione veritiera del valore etico ed estetico dell'essere umanoindividuo e gruppo umano. L'arte classica al suo meglio ha espresso gli ideali della democrazia per la prima volta nella storia della società di classe.

La cultura artistica dei classici conserva anche per noi un valore eterno e duraturo, come uno dei vertici assoluti nello sviluppo artistico dell'umanità. Nelle opere d'arte classica, per la prima volta, l'ideale di una persona armoniosamente sviluppata ha trovato la sua perfetta espressione artistica, la bellezza e il valore di una persona fisicamente e moralmente bella sono stati veramente rivelati.

Scultura classica n Primo classico (500-450 a.C.) n Alto classico (450-400 a.C.) n Tardo classico (400-330 a.C.)

Scultura dei classici n L'immagine di un cittadino - un atleta e un guerriero - diventa centrale nell'arte dei classici. n Le proporzioni del corpo e le diverse forme di movimento sono diventate i mezzi più importanti di caratterizzazione. n A poco a poco, il volto della persona raffigurata viene liberato dalla rigidità e dall'elettricità statica.

Il bronzo è il materiale principale n Solo il bronzo permetteva agli scultori greci di dare alla figura qualsiasi posizione. n Pertanto, il bronzo nel V sec. AVANTI CRISTO e. divenne il materiale principale in cui lavoravano tutti i grandi maestri quando iniziarono a creare una scultura rotonda. n In una statua di bronzo, gli occhi erano intarsiati con pasta vitrea e pietra colorata, mentre labbra, acconciature o gioielli erano realizzati con una lega di bronzo di diversa tonalità.

Scultura in marmo n Le decorazioni scultoree dei templi, III rilievi tombali III e tali statue erano realizzate in marmo, che raffiguravano figure in abiti lunghi o una figura nuda in piedi con le braccia abbassate. n La scultura in marmo era ancora dipinta. n Era difficile scolpire una figura nuda con appoggio su una gamba mentre l'altra era liberamente separata dal marmo senza un appoggio speciale.

Primi classici n Originalità personale, il contributo del suo personaggio non ha attirato l'attenzione dei maestri dei primi classici greci. n Creando un'immagine tipica di un cittadino umano, lo scultore non cerca di rivelare il carattere individuale. n Questa era sia la forza che i limiti del realismo dei classici greci.

Primo classico 1. 500 aC e. Tirannicidio. Bronzo 2. 470 d.C e. Auriga di Delfi. Bronzo 3. 460 a.C e. Statua di Zeus (Poseidon) da Capo Artemision. Bronzo 4. 470 a.C e. Giovane biondo. Marmo 5. 470 a.C e. Corridore all'inizio 6. 5 in. AVANTI CRISTO e. Mirone. Discobolo. Bronzo 7. 5 c. AVANTI CRISTO e. Mirone. Marsia e Atena. Bronzo 8. 470 -460 AVANTI CRISTO e. Trono di Ludovisi. Sollievo. Marmo

500 a.C e. Tyrannoslayers n Copia romana in marmo da un originale in bronzo. n Critias e Nesiot sono i creatori del famoso gruppo. n Il monumento agli eroi patriottici Armodio e Aristogitone, i tirannicidi di Antenore, eretto sul pendio dell'Areopago ateniese, fu portato via nel 480 a.C. e. Persiani. n Dopo l'espulsione dei nemici dell'Attica, gli Ateniesi ordinarono immediatamente nuovo monumento scultori Crizia e Nesiote.

Figure potenti n Nel lavoro su alcuni resti dell'arcaico, l'interpretazione decorativa dei capelli, il sorriso arcaico. n I maestri hanno introdotto nell'opera uno spirito completamente diverso, nonostante il fatto che invece di graziosi kouros arcaici, vediamo figure completamente diverse, proporzioni potenti, allungate, con un corpo massiccio, in movimento energico. n Altezza - 1,95 m

Un severo monumento n L'anziano - Aristogitone - protegge il giovane, che ha alzato la spada sul tiranno. n I muscoli dei corpi nudi degli eroi sono scolpiti in modo un po' generalizzato, ma molto accurato, con una chiara comprensione della natura. n Questo monumento è severo, pieno di pathos patriottico, glorificava la vittoria della democrazia, che non solo abbandonò la tirannia, ma respinse anche l'invasione persiana.

474 a.C e. Auriga di Delfi n Famoso originale dell'antica scultura greca. Una delle poche statue che sono riuscite a sopravvivere fino ad oggi. n Fu scoperto da archeologi francesi nel 1896 durante gli scavi del Santuario di Apollo di Delfi. n La statua fu eretta per commemorare la vittoria della squadra dei carri ai Giochi Pitici del 478. n L'iscrizione sulla base della scultura dice che fu eretta per ordine di Polisalo, tiranno della colonia greca in Sicilia, come dono ad Apollo.

Gruppo scultoreo n Inizialmente, l'Auriga faceva parte di un grande gruppo scultoreo. n Comprendeva un carro, una quadriga di cavalli e due stallieri. n Accanto alla statua sono stati trovati diversi frammenti di cavalli, un carro e la mano di un servitore. n Nel suo stato originale, era una delle statue più impressionanti del suo tempo. n Il gruppo si trovava molto probabilmente sulle terrazze piane che scendono dal santuario.

Crescita alta n La scultura, realizzata ad altezza d'uomo (altezza 1,8 m), raffigura un auriga. n Nella foto c'è un uomo molto giovane, un giovane. n Gli aurighi venivano scelti per la loro leggerezza e l'alta statura, quindi gli adolescenti venivano spesso portati a questo lavoro. n Il giovane indossa una specie di tunica - xistis, l'abbigliamento degli aurighi durante la competizione. Arriva quasi alle caviglie ed è cinto da una semplice cintura.

Pieghe profonde n Profonde pieghe parallele dei suoi vestiti nascondono tutto il corpo. n Ma la modellazione della testa, delle braccia, delle gambe mostra quanto fosse fluido il maestro dell'anatomia plastica, a noi sconosciuto

n Due cinghie incrociate sulla schiena impedivano allo xistis di saltare in aria durante la corsa.

Primo classico n L'auriga appartiene al primo periodo classico ed è più naturalistico del kouros. n Ma la posa rimane ancora congelata, rispetto alle statue classiche di un'epoca successiva. n Un'altra eredità dell'arcaico è che la testa è leggermente inclinata di lato. n Ai tratti del viso è stata data una certa asimmetria per un maggiore realismo.

Intarsio dell'occhio n Questa scultura è uno dei pochi bronzi greci che ha conservato l'intarsio dell'occhio in onice e i dettagli in rame di ciglia e labbra. n La fascia è in argento e potrebbe essere decorata pietre preziose che sono state tolte.

460 a.C e. Statua di Zeus (Poseidone) n Statua greca originale in bronzo del V sec. AVANTI CRISTO e. n Trovato nel 1926 da sommozzatori di spugne nell'Egeo al largo di Capo Artemision nell'area del naufragio n Risalito in superficie nel 1928. n Altezza della statua: 2,09 m n La statua raffigura Poseidone o Zeus, che si dondola per lanciare armi che non sono sopravvissute fino ad oggi: una lancia, un tridente (un attributo di Poseidone) o un fulmine (un attributo di Zeus)

470 a.C e. Zeus n "Zeus di Dodona" tiene tra le mani un fulmine, realizzato a forma di disco oblungo appiattito.

Energia Nascosta n La statua incarna l'energia nascosta, un grande potere spirituale. n La grandezza di Dio si esprime non solo nelle forme possenti del corpo, SH non solo in un forte movimento, SH gesto imperioso, SH ma soprattutto nei lineamenti di un bel viso coraggioso, SH in uno sguardo serio ma appassionato.

n La statua ha le orbite vuote, originariamente intarsiate con avorio, le sopracciglia sono d'argento, le labbra e i capezzoli sono di rame

470 a.C e. Giovane biondo n Nell'arte del V secolo. AVANTI CRISTO e. appare un nuovo ideale di bellezza, un nuovo tipo di viso: Ø oblungo, ma ovale arrotondato, Ø ponte del naso dritto, Ø linea retta della fronte e del naso, Ø arco delle sopracciglia liscio, sporgente sopra gli occhi a mandorla , Ø labbra, piuttosto carnose, bel disegno, senza sorriso. n Le pieghe dei vestiti diventano gradualmente un "eco del corpo".

Un nuovo ideale di bellezza n L'espressione complessiva è calma e seria. I capelli sono trattati con morbide ciocche ondulate che delineano la forma del cranio.

470 a.C e. Corridore all'inizio n Il compito più difficile nell'arte della scultura era fissare il momento di passaggio dalla staticità al movimento. n L'esecuzione riuscita di tutti questi compiti difficili può essere vista in questa piccola statuina greca (16 cm) n L'atleta è raffigurato all'ultimo secondo prima di un rapido balzo in avanti, nel momento in cui la tensione raggiunge il suo punto più alto.

Chiasmo n Disteso in avanti mano sinistra e il gomito destro spinto indietro, la gamba sinistra avanzata crea un motivo di movimento incrociato. n Le gambe del corridore sono piegate alle ginocchia, il corpo è inclinato in avanti. La figura contiene due movimenti: Ø la parte inferiore del corpo è nella sua posizione originaria, Ø a quella superiore è data la posizione in cui si troverà tra un momento la parte inferiore. n Qui c'è un chiasma: Ø movimento incrociato di braccia e gambe, Ø la posizione delle spalle, del corpo, dei fianchi su diversi piani.

Myron n Scultore greco della metà del V secolo. AVANTI CRISTO e. da Eleuthera, al confine tra Attica e Beozia. n Mirone era un contemporaneo di Fidia e Policleto. n Ha vissuto e lavorato ad Atene e ha ricevuto il titolo di cittadino ateniese, che allora era considerato un grande onore. n Miron è un maestro delle plastiche rotonde. Il suo lavoro è noto solo da copie romane.

Copie romane n Raffigurava divinità, eroi e animali, riproduceva pose difficili e fugaci con particolare amore n Lo scultore era eccellente nell'anatomia plastica e trasmette libertà di movimento, superando una certa rigidità che ancora esisteva nelle sculture di Olimpia. n Gli antichi lo caratterizzano come il più grande realista, ma che non sapeva dare vita ed espressione ai volti.

Discobolus n La sua opera più famosa è Discobolus, un atleta che intende lanciare un disco. n La statua è giunta ai nostri giorni in più esemplari, di cui il migliore è in marmo e si trova a Palazzo Massimi a Roma. n E la copia al British Museum ha la testa sbagliata.

L'impressione di stabilità n Lo scultore ha raffigurato un giovane, bello nello spirito e nel corpo, che è in rapido movimento. n Il lanciatore si presenta nel momento in cui mette tutte le sue forze nel lancio del disco. n Nonostante la tensione che permea la figura, la statua dà l'impressione di stabilità. n Questo è determinato dalla scelta del momento del movimento - il suo climax.

Corpo elastico n n Un momento di riposo genera una sensazione di stabilità dell'immagine. n Lanciatore di discoteche. Copia romana, II sec. Gliptoteca. München Chinandosi, il giovane riportava indietro la mano con il disco, ancora un attimo, e il corpo elastico, come una molla, si raddrizzava rapidamente, la mano lanciava con forza il disco nello spazio. Nonostante la complessità del movimento, nella statua del Discobolo viene mantenuto il punto di vista principale, permettendo di cogliere immediatamente tutta la sua ricchezza figurativa.

n Miron ha scelto un motivo artistico audace: una breve pausa tra due movimenti forti, il momento in cui è stato fatto l'ultimo gesto della mano prima di lanciare il disco.

450 a.C e. Lato anteriore del tetradramma. Argento Fine II - inizio III secolo. Discobolo. Mosaico da Roma.

450 a.C e. Atena e Marsia n Gli scrittori antichi menzionano con lode la statua di Marsia raggruppata con Atena. Otteniamo anche un concetto di questo gruppo dalle sue numerose successive ripetizioni.

n Il famoso gruppo di Mirone, che un tempo sorgeva sull'Acropoli di Atene, raffigurava Atena che lanciava il flauto da lei inventato, e la silena di Marsia è conservata in copie marmoree.

Il mito di Atena e Marsia n Secondo il mito, Atena inventò il flauto, ma le sue guance si gonfiarono di brutto quando suonava lo strumento. Le ninfe risero di lei, poi Atena gettò il flauto e maledisse lo strumento che turbava l'armonia del volto umano. n Sileno Marsia, ignorando la maledizione di Atena, si precipitò a raccogliere il flauto. n Mirone li raffigurò nel momento in cui Atena, uscendo, si rivolse ai disobbedienti e Marsia si ritrasse spaventato.

n n Il calmo autocontrollo, il dominio sui propri sentimenti è un tratto caratteristico della visione del mondo classica greca, che determina la misura del valore etico di una persona. L'affermazione della bellezza della volontà razionale, che frena il potere della passione, ha trovato espressione in questo gruppo scultoreo.

Marsia n La situazione scelta contiene una piena rivelazione dell'essenza del conflitto. Atena e Marsia sono personaggi opposti. n Il movimento di Sileno, che si appoggiò rapidamente all'indietro, fu rozzo e brusco. Il suo corpo forte è privo di armonia. Una faccia con la fronte sporgente e il naso schiacciato è brutta. n Un demone della foresta selvaggio e sfrenato con una faccia animalesca, movimenti acuti e ruvidi si oppone a una giovane, ma calma Atena. n La figura di Marsia esprime la paura della dea e un desiderio forte e avido di afferrare il flauto.

Uno sguardo severo n Il movimento di Atena, imperioso, sobrio, è pieno di naturale nobiltà. n Solo le labbra semichiuse con disprezzo e uno sguardo severo tradiscono rabbia. n Silena ferma Atena con un solo gesto.

n n Il gruppo "Athena and Marsia" afferma figurativamente l'idea della superiorità della mente sulle forze elementali della natura. Questo gruppo scultoreo ha delineato lo sviluppo del realistico composizione della trama, che mostra la relazione di personaggi collegati da un'azione comune.

Movimenti fluidi n … Il movimento qui è più complesso che in Disco Thrower. n Atena si volta indietro, ma non c'è una netta rottura nella sua vita, quando le parti superiore e inferiore del corpo erano percepite come elementi indipendenti. n Le pieghe delle pieghe dei vestiti sono lisce, l'inclinazione della testa è armoniosa.

La statua del corridore Lada n n La statua del corridore non è sopravvissuta ai nostri giorni. A proposito della statua del corridore Lada, un famoso atleta morto dopo una delle sue vittorie, l'antico poeta scrisse: Ш Il corridore è pieno di speranza, solo il respiro è visibile sulla punta delle sue labbra; tirati verso l'interno, i lati divennero cavi. Ш Il bronzo si sforza in avanti per una ghirlanda; non trattenere la sua pietra; W Vetra è il corridore più veloce, sei un miracolo delle mani di Miron.

Statua di una mucca (giovenca). Rame n Secondo i contemporanei, assomigliava così tanto a un rame vivo che i tafani vi si sedevano sopra. n Anche i pastori ei tori lo presero per quello vero: Ш Tu sei di rame, ma guardati l'aratro è stato portato dal timone, Ш I finimenti e le redini sono stati portati, la giovenca inganna tutti. Sh Miron era la cosa, la prima in quest'arte, Sh ti ha reso vivo, dando l'aspetto di una giovenca che lavora. Autore sconosciuto. Statua del toro. Olimpia. 5° sec. AVANTI CRISTO e.

n Altare tripartito in marmo greco. n Scoperto durante i lavori di ristrutturazione di Villa Ludovisi a Roma nel 1887. n Altezza 84 cm 470 -460 a.C e. Trono di Ludovisi

Nascita di Venere n La parte centrale - con la scena della nascita di Afrodite dalla spuma del mare. n La bella e fragile figura di Afrodite in una tunica sottile e attillata è raffigurata emergere dalle onde del mare. n Il suo viso leggermente rivolto verso l'alto è raggiante di gioia. n Il rilievo del trono di Ludovisi non è elevato, ma il maestro ha reso perfettamente la plasticità del corpo e le numerose pieghe delle vesti. Il disegno è sottile e preciso.

n n Ai lati della dea, i suoi due giovani servi - Ores (stagioni), in piedi sulla riva del mare, chinati, sostengono la dea che si alza dalle acque e la coprono con un mantello. Le fanciulle sono vestite con abiti lunghi e svolazzanti, e le loro figure disposte simmetricamente sono ravvivate dal gioco vario delle pieghe delle tuniche.

n n Sui rilievi laterali: da un lato è raffigurata una fanciulla nuda (etera) che suona il flauto, dall'altro una figura seduta di donna (matrona), avvolta in un mantello, davanti a un incensiere. Questi sono i servitori del culto di Afrodite, che simboleggiano diverse incarnazioni amore o immagini di servizio alla dea.

Realismo dell'interpretazione Cuscini interpretati realisticamente su cui siedono gli inservienti, piccoli ciottoli costieri sotto i piedi di Or conferiscono all'intera scena una convincente concretezza.

n I movimenti di Afrodite che si alza e di O che si protende verso di lei sono opposti nella direzione, ma le linee della composizione non sono spezzate. L'intreccio delle mani e le morbide pieghe delle vesti danno l'impressione di un'azione continua.