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음악에서 레시타티브란? Sergei Khodnev의 프로젝트 Recitative: 현대 음악의 예.

암송 (암송) - 보컬 뮤지컬 형식, 일종의 선율적인 대화.

감정의 과잉으로 인해 정확하게 암송이 필요한 구절이 있습니다. 더 발전된 음악 형식은 여기에서 부자연스러울 것입니다. 가장 높은 학위정확하고 확실한 표현력 덕분에 음악적 리듬, 음성의 상승 및 하강에 대한 정확한 지정.

레치타티보의 가사가 더욱 서정적이 되고 형태가 확장되면서 음악적 내용이 많아지면서 레치타티보는 세 종류로 나뉜다. :

1) 드라이(세코); 2) 측정됨(템포); 3) 멜로디어스 (A난폭한 노래).

세 가지 성별 모두에서 정확하고 의미 있는 암송은 큰 중요성.

마른 4/4 크기입니다. 반주는 숫자가 없는 갑작스러운 화음으로 구성되어 분위기를 표현하지 않고 단지 가수의 음색을 나타내고 구두점을 강조하는 역할만 한다.그러한 레치타티보에는 선율적인 내용이 거의 없습니다. 텍스트의 각 음절에는 하나의 소리만 필요합니다. 그러한 암송의 형식은 불명확하며 텍스트에 전적으로 의존합니다. 가수는 템포가 아닌 자유롭게 노래합니다. 어조의 변화는 글의 생각의 변화와 일치한다.

암송 측정 (템포)는 4/4, 3/4 등의 다른 카운트에서 발생합니다. 특히 멜로디가 풍부하지 않은 암송을 부르는 동안 반주는 계속 진행되거나 연주되는 화음의 형태로 진행됩니다. 트레몰로. 그러한 반주에는 지휘 동기, 즉 그림이 없습니다. 형식은 불명확하고 키의 교대는 임의적입니다. 음절당 하나의 음표가 있습니다. 이러한 암송은 템포로 연주됩니다.

노래하는 암송 (아리오즈 가창)은 레치타티보의 가장 발전된 형식이다. 여기에서 보컬 부분은 멜로디 콘텐츠가 다릅니다. 단어의 한 음절은 때때로 두 개 이상의 소리를 가질 수 있습니다. 앞선 것과 마찬가지로 이 레치타티브는 전조의 제약을 받지 않는다. 양식은 무료입니다. 암송은 다른 조로 끝날 수 있으며 반올림 형식의 요구 사항에 따르지 않습니다. 음악 콘텐츠반주는 이전 레치타티보에 비해 화성과 리듬이 더 풍부합니다. 그 안에 그림 (동기)이 담겨 있습니다. 반주의 목적은 기분을 표현하는 것입니다.

성악에서는 세 가지 중간 유형의 암송이 혼합되어 자주 사용되며 서로 이동합니다. 모든 암송에서 산문이나 빈 구절이 텍스트 역할을 할 수 있습니다.

랩, 힙합, 리듬 앤 블루스

(힙합, 랩, R&b)

힙합(영어) 힙합) - 청년 1970년대 후반 미국에서 나타난 서브컬쳐 아프리카계 미국인들 사이에서. 자체 음악("힙합"이라고도 함), 자체 용어, 자체 용어가 특징입니다.패션 , 댄스 스타일 (브레이크댄스 등), 그래픽 아트 (낙서) 및 자체 영화관 . 1990년대 초. 힙합은 세계 여러 나라에서 청소년 문화의 일부가 되었습니다. 이 기사에서는 힙합 음악과 힙합 하위 문화의 일반적인 요소에 대해 설명합니다.

힙합 음악

특성

힙합 문화에서 다양한 형태의 예술적 표현이 발달했음에도 불구하고,음악 이데올로기의 주요 생성자로 남아 있습니다. 사실 힙합 음악은 두 가지 주요 요소로 구성되어 있습니다.디제이 ; 동시에 보컬이 없는 작곡도 드물지 않다. 이 조합에서 랩 연주자들은 스스로를 "MC"(영어 MC - 마이크 컨트롤러 또는 행사 진행자 ). 예술은 우선 순위로 간주되며 가장 가치가 있습니다.라임 , 혁신을 추구하는 "MC"는 종종 텍스트의 의미에 해를 끼치며 구성하여 복잡한 수수께끼(전.게스트페이스 킬라 그는 자신 외에는 아무도 위태로운 것을 이해하지 못하도록 의도적으로 그러한 운율을 작곡하려고 노력한다고 말합니다). 하나 이상의 DJ의 작업은 리듬을 프로그래밍하는 것입니다.드럼 머신, 샘플링 (다른 사람의 작곡 조각, 특히 베이스 및 신디사이저 파트 사용), 비닐 레코드 조작 및 때때로 "비트박스"(입으로 드럼 머신의 리듬 모방). 무대에서 뮤지션은 종종 댄스 앙상블을 동반하기도 합니다.

현재 힙합은 상업적으로 가장 성공한 현대 엔터테인먼트 음악 유형 중 하나이며 장르 내에서 여러 방향으로 스타일이 표현됩니다.

힙합 음악의 기원과 발전

흑인 환경에서 탄생한 힙합뉴욕주 브롱크스 지역 , 1970년대 후반. 당시에는 디제이들이 만들어낸 파티음악(일명"DJ" ) 당시 극도로 원시적 인 기술로 일한 사람견본 추출 : 다른 사람의 춤 구성에 음악적 손실을 반복하는 경우가 많았습니다. 첫 번째"엠시" 말 그대로 전형적이었다연예인 ( "Master of Ceremony"-즉, MC로 약칭; 이 약어는 다른 많은 의미를 흡수했습니다) 그들은 DJ를 소개하고 활기찬 느낌표와 전체 열광으로 청중의 관심을 유지했습니다. (주의해야 할 점은자메이카 비슷한 방식의 공연이 1960년대와 70년대로 접어들면서 개발되었습니다. 신기술 덕분에두바.)

이 파티에서 음악의 인기로 인해 현지 DJ는 노래에서 가져온 리듬과 베이스 라인을 스타일로 능숙하게 혼합한 라이브 "세트"(공연 프로그램) 카세트에 손을 팔게 되었습니다.디스코와 펑크 이에 MC들은 랩을 했다. 순전히 아마추어 직업이었고 그 기간(1977-78)에는 스튜디오와 랩 레코드의 공식 릴리스가 없었습니다.

가을이 시작될 때 상황이 극적으로 바뀝니다. 1979년 미국 싱글 "Rapper's Delight" 발매슈가힐 갱 미국 대중음악 시장에 돌풍을 일으키고 있습니다. 싱글은 랩의 첫 번째 녹음으로 간주되지만 약간 더 오래된 노래가 우월의 영광에 대해 이의를 제기한다는 사실에도 불구하고; 그러나이 15 분 작곡 덕분에 미국 대중과 언론은 힙합과 같은 현상을 알게되었지만 노래의 인기에도 불구하고 대다수는 이것이 단지 음악적 농담 일 뿐이라는 데 동의했습니다. 아무 일도 일어나지 않을 것입니다. 이 노래는 녹음 전날 거의 우연히 모인 흑인 그룹이 작곡했습니다(역설적이게도 밴드의 뮤지션은브롱크스 그러나 일반적으로 다른 주에서). 리듬(클래식디스코 ) 그리고 베이스 기타 파트는 당시 히트곡에서 가져왔습니다.우아한 3명의 MC가 랩으로 부르는 'Good Times'. 구성의 장점 중 하나는 이미 첫 번째 랩에서 1979 해, 전형적인 운율과 힙합의 기본 주제인 일상 생활의 세부 사항, 경쟁이 주어졌습니다.어, 섹스 , 오만함과 허영심.

1980년대 초. 래퍼들 사이에서 유럽 일렉트로닉 팝 음악(주로크라프트베르크와 게리 뉴먼 , 광범위하게 샘플링됨), 그의 기술적 발견과 개발된"브레이크비트" - 깨지고 완전히 새로운 리듬 - 리듬 의존성에서 힙합을 분리하는 데 기여했습니다.디스코와 펑크 . 그 당시에는 더 발전된 자메이카 기술과 결합된 브레이크 비트 리듬두바 힙합을 다음 단계로 끌어 올렸습니다. 초기 힙합의 혁신가들은커티스 블로우, 아프리카 밤바타, 그랜드마스터 플래시, 후디니 , - 1980-84년의 녹음입니다. (지금은 " 오래된 학교힙합")이 장르 형성에 결정적이었다. 혁신의 지휘봉을 잡은 팀 DMC, Mantronix, Beastie Boys 실행 , 각각의 발견은 힙합에 가져 왔습니다. DMC 실행 최소한의 드럼 머신 브레이크 비트를 연주했고,맨트로닉스 혁신적인 믹싱 기술을 인정받았고,비스티 보이즈 결합 요소펑크 록 그리고 랩으로 성공을 거둔 최초의 백인 랩 그룹이 되었습니다. 동시에, 백인 힙합의 초기 사례 중 하나는 작곡이었다는 점을 언급할 가치가 있습니다.충돌 , 특히 그들의 싱글 1980년 "매그니피센트 7" , Negro 라디오 방송국에서 프로모션을 받았습니다.뉴욕).

1980년대 중반이 되자 힙합 음악은 더 이상 파티 분위기에만 집중되지 않았고, 다음 세대래퍼들이 성장하기 시작했다 다양한 테마예: 사회적으로 공격적인 랩공공의 적 Negro 환경뿐만 아니라 청취자 사이에서 컬트 지위를 얻었습니다. 1980년대 말. 랩 음악은록, 컨트리 그리고 무대, 그리고 그런 큰 기관들 음악 산업어떻게미국 녹음 아카데미, 시상식 매니저 1988년 그래미 및 아메리칸 뮤직 어워드 올해는 랩에 대한 카테고리를 설정했습니다. 미국에서 이러한 인기의 의인화는 MC 해머, 크리스 크로스 더 많은 청중에게 자신의 음악을 전달한 다른 사람들은 힙합에서 더 타협하지 않는 장르의 개발에 자극을주었습니다. 곧 널리 알려지게 되었다"갱스터 랩" , 흑인 게토의 범죄 생활을 반영합니다.

1990년대 gg. 현대 힙합의 사운드를 형성한 인기 아티스트그 10년은 불릴 수 있다 2Pac, Dr. Dre, Dogg Pound, Snoop Dogg, Onyx, Wu-Tang Clan, Puff Daddy. 1998년 백인 래퍼 유명해졌다에미넴 . 그 10년 이후로 힙합은 스타일과 기술적으로 수정된리듬 앤 블루스("r-n-b").

현대 힙합에서 다른 주요 스타일의 대중 음악과 마찬가지로 프로듀서는 전체 산업이 의존하는 큰 역할을 합니다. 초기의 네그로센트리즘에도 불구하고 힙합 아티스트는 아르헨티나에서 일본에 이르기까지 세계 대부분의 국가에서 볼 수 있습니다.

서브컬쳐 미학

힙합현대 아프리카계 미국인 문화의 이데올로기를 가장 완전하고 독특하게 구현한 최초의 음악이 되었습니다. 이 이데올로기는 미국 앵글로색슨 문화의 반목 위에 세워졌기 때문에 원래 흑인 문화의 필수적인 부분인 힙합은 계속 발전할 가능성이 높습니다(힙합 음악이 얼어 죽을 것이라는 예측과는 반대로) , 수백만 계약의 새로운 랩 아티스트에 의해 입증됩니다. 지난 수십 년 동안 자체패션 , 백인 인구의 전통 패션과 근본적으로 다른특수 용어 그리고 그 길들여진 방식발음 , 댄스 스타일, 자신의 그래픽 아트 -"낙서" (에어로졸 캔 또는 페인트가 있는 특수 마커로 만든 벽의 이미지 및 낙서) 및 최근에또한 영화(반드시 래퍼에 관한 것은 아니지만 흑인 환경에서 주제를 가져옴"가게", "허슬 앤 플로우" ; 래퍼들도 점점 영화배우가 되고 있다). 따라서 힙합과 흑인 하위 문화 사이에 명확한 선을 긋기가 어려워집니다.

매년 변화하는 힙합 패션에도 불구하고 일반적으로 특징. 옷은 보통 헐렁하다. 스포츠 스타일: 유명 브랜드의 운동화, 야구모자 (ex.아디다스 ), 티셔츠와 농구 저지, 후드가 달린 재킷, 눈썹 위로 당겨진 스키 모자, 헐렁한 바지 (소위 "파이프"), 넓은 반바지. 헤어 스타일은 짧지 만 짧은 것도 인기가 있습니다.아프리카 머리띠. 거대한 금 장신구(체인, 메달리온 등)는 래퍼들 사이에서 인기가 높습니다.

러시아 힙합

러시아에서 랩을 사용한 최초의 실험은 분명히 1984년으로 거슬러 올라갑니다.쿠이비셰프 디스코텍 "Kanon" Alexander Astrov의 디스크 자키와 함께 로컬 그룹"Rush Hour"는 25분짜리 프로그램을 녹음했으며 곧 마그네틱 앨범 "Rap"의 형태로 전국에 배포되었습니다..

이러한 실험과 더불어 러시아의 힙합은 2010년 하반기에 다소 좁게 인기를 얻었다. 80년대 취미가 시작되면브레이크 댄스 , 실제로 영어 랩 작곡은 음악 애호가들에게 거의 알려지지 않았습니다. 러시아어를 사용하는 최초의 랩 연주자는 1990년대 초에 나타났습니다.보그단 티토미르 , 반면에 더 많은 지하 형태의 러시아 힙합 ( MD&C 파블로프 ) 성공하지 못했습니다. 산업으로서의 러시아 힙합 시장은 1990년대 후반에야 형성되었으며, 이 장르의 많은 밴드의 출현으로 확인되었습니다."나쁜 균형", "카스타", "법률 사업"). 1999 년에 브레이크댄스의 세계적 부흥은 러시아에서도 브레이크댄스의 부흥에 기여했습니다.

아리오스 독백의 새로운 해석은 오페라에서 레치타티보의 위치와 기능에 영향을 미치지 않을 수 없었다. 부터 19세기 중반 18세기 전체에 걸친 고전의 특징이었던 레치타티보와 아리아 사이의 눈에 띄는 차이는 러시아에서도, 외국 오페라에서도 발견되지 않을 것입니다. 순수한 형태의 "건조한" 암송(즉, 구어체)은 오페라 사용에서 점차 사라지고 있습니다.

로시니의 <세비야의 이발사>(1816)에서 고전적 전통에 따라 하프시코드(in 현대적 관행피아노), 나중에 코미디 장르의 작곡가들도 음악 연설의 이러한 구분을 포기했습니다. 더 측정되고 선율이 된 "건조한"암송에는 가벼운 오케스트라 구성이 수반되었습니다.

진지한 장르에서 그러한 개혁의 시작은 Christoph Gluck에 의해 마련되었습니다. 1762 년 "Orpheus"를 만들 때 그는 하프시 코드를 버렸습니다. 모든 "마른"암송은 현악기 반주에 맞춰 불렀습니다. 19세기에는 오페라 구성에서 통일성과 일관성을 이룬 선진 작곡가들이 마침내 이러한 경향을 승인했다.

따라서 두 가지 유형의 암송이 다시 하나로 합쳐졌습니다. 그러나 이 새로운 레치타티보는 앞선 두 유형의 다양한 가능성에서 조금도 잃지 않았다. 모든 고전 작품, 서양 또는 러시아어에서 멜로디가 Arios 스타일에 접근하는 숭고한 계획의 암송과 일상적인 암송을 구별하는 것이 여전히 가능합니다. 두 유형 모두 이전 기능을 유지합니다. 첫 번째 유형은 아리아의 극적인 도입부로 가장 자주 사용됩니다. 두 번째-가장 중요하지는 않지만 상황과 캐릭터의 관계를 이해하는 데 필요한 대화에서.

Kanavka에서 Lisa의 독백 ( " 스페이드의 여왕» Tchaikovsky)는 의미와 규모면에서 아리아보다 열등하지 않은 비극적 암송의 고전적인 예입니다. 불안과 우울한 예감으로 가득 찬 Lisa는 Herman이 그녀를 사랑할 것이라고 스스로 확신 시키려고합니다. 오케스트라의 우울한 주제에 반대하는 그녀의 한심한 억양에 따르면 그들은 진정한 용기보다 영적 불화에 대해 더 많이 말합니다. 그들은 청취자로 하여금 Lisa의 자신감이 상상적이며 그녀가 훨씬 더 복잡하고 고통스러운 감정에 사로 잡혀 있다고 가정하게 만듭니다. 극도의 피로와 절망을 표현한 아리아에서 이를 확인할 수 있다.그리고 씁쓸한 운명의 느낌(“아, 나는 슬픔에 지쳤습니다”).

Alfa Romeo의 키를 분실한 경우 전문가에게 연락하여 다른 키를 만들 수 있습니다. 취향에 맞는 알파 로메오 키 체인도 찾을 수 있습니다. 문서가 있는 경우에만 작업합니다.

사진: BRESCIA / AMISANO - 테아트로 알라 스칼라

반주 암송- 성악 부분이 비열한 화음 반주("건조한" 암송에서와 같이)가 아니라 오케스트라에 의해 반주되는 일종의 암송입니다. 그는 주인공의 심리적 상태의 전환점을 표시 한 18 세기 오페라에서 눈에 띄었습니다.

중간의 오페라에서 - 두 번째 XIX의 절반"진짜"이고 "이해할 수"있기를 원한다면 어떤 장르가되어야하는지에 대한 모델로 어떤 이유로 든 측정 및 무게의 방에서 일종의 표준으로 여전히 자주 사용됩니다. 샘플 없음 반주를 제외하고 다른 레치타티브는 없습니다. 이러한 관점에서 "건조한" 레치타티보와 아콤파냐토 사이의 차이점을 관찰하는 것은 다른 신문이 없을 때 소비에트 신문을 읽지 말라는 요청과 같은 학구적인 것입니다.

그러나 오페라 형식의 발전을 구체적으로 살펴보면 레치타티브는 일반적으로 일시적인 것입니다. 세계적인 의미에서 이 발전의 논리는 처음에는 고립된 레치타티보와 아리아가 "음악에 대한 연설"의 흐름에서 점차 결정화되었고, 그 다음에는 오페라가 조심스럽게 그리고 오랫동안 이 고립보다 오래 지속되었다는 사실로 귀결됩니다. 음악적 행동의 지속적인 흐름의 느낌으로 돌아갑니다.

반면에 뮤지컬 문학 교과서의 논리가 아니라 현대 연극 레퍼토리의 논리가 있습니다. 예를 들어 Handel이 이제 상연된다면-서구 관행은 언급하지 말자-Bolshoi와 Stasik뿐만 아니라 Bashkir에서도 주립 극장오페라와 발레, 우파의 도시, 그리고 두 레치타티보의 변증법은 공연과 청취 경험 모두에서 시급한 문제가 됩니다. 일반 레치타티보와 달리 정확히 아콤파냐토가 필요한 이유는 무엇입니까? 여기서 예술적 부담은 무엇이었습니까? 그리고 우리는 또 다른 오래된 연극 대회에 대해 무엇을 걱정합니까?

사실 모든 것이 매우 이해하기 쉽습니다. 실제 행동은 다음과 같습니다. 주인공의 대화와 다음 "전령"의 복제품에서 드러난 심리적, 정치적 우여곡절입니다. 아리아에서 쌓인 감정이 액션을 멈추고 돌파하는 순간이 있다. 그러나 전환 상황이 있습니다. 사건과 감정은 이미 캐릭터를 기절시켰지만, 아리아에서 자신을 자유롭게 고삐를 쥐기 전에(길고 슬픈 시칠리아인이든, 순전히 드라마틱하고 비음악적인 의미에서 콜로라투라의 불꽃조차도 감탄사), 그는 여전히 독백적인 방식으로 조금 반영합니다. 그러나 그것은 무엇입니까, 어떤 종류의 불행입니까, 당신은 무겁습니다, Monomakh의 모자 (Caesar의 왕관, 연인의 운명 등). 그리고 그것은 음악 연설의 일반적인 흐름에서 물러나 가장 명백한 방식으로 그 위에 올라간이 독백입니다. 오케스트라에 합류 한 덕분에 반주 암송, 특별한 엄숙함, 특별한 파토스, 특별한 심리적 장소의 음악적이고 극적인 장소가됩니다. 고장.

재미있는 점은 그가 대문자로 된 음악이 될 필요가 없었던 것 같습니다. 보컬 라인은 여전히 선언적인 시작을 유지했으며 오케스트라는 물론 수사적 의미에서 임의로 표현할 수 있습니다. 그러나 아무도 매혹적인 멜로디를 기대하지 않았습니다. 그리고 그 모든 것에도 불구하고, 전체적으로 이 미학에 완전히 익숙하지 않은 사람을 포함하여 (아마도 처음부터) 현대의 귀는 오래된 오페라의 반주에 매우 감사하게 반응합니다. 같은 "건조한"반주가있는 암송, 다소 아름다운 아리아, 그리고 다시 암송 아리아, 암송 아리아 등을 오랫동안 반복하는이 냉혹 한 교대를 상상해보십시오. 그리고 갑자기, 이 ordnung의 한가운데에 확대되었지만 아무런 설명도 없이 무법의 혜성처럼 이해할 수 있는 정서가 발생합니다. 분명한 인간의 고통, 분노, 분개, 슬픔의 외침입니다.

아마도 이것은 동일한 Handel이 가장 잘 느꼈을 것입니다. Zart 이전의 오페라가 그의 반주 암송에서와 같이 예리하고 시대를 초월한 연극 적 선명도로 상승한 경우는 거의 없었습니다. 이 오페라를 얼마든지 '의상을 입은 연주회'라고 부를 수 있지만, 사실은 '의상을 입은 연주회'에서 빼면 호칭이 무색해진다. 멋진 무대 Tamerlane에서 Bayazet의 죽음 : 정복자에게 고문을받은 술탄은 독을 마신 후 자랑스럽게 죽습니다. 이 도덕적 승리를 우리에게 제시하는 것은 암송입니다. 또는 Rodelinda에서 추방 된 왕 Bertharide의 장면은 익명으로 고국으로 돌아와 자신의 명예를 위해 세워진 거짓 묘비를 발견하거나 반대로 그곳에서 문자 그대로 죄책감으로 찢어진 강탈자 Grimoald의 장면, 두려움, 분노 (그리고 폭군을 괴롭히는 셰익스피어의 그림은 아리아가 아닌 반주에 배치됩니다). 그리고 Handel의 오라토리오에서도 때로는 훨씬 더 급진적입니다. 예를 들어 여왕 어머니 Nitocris의 첫 번째 암송이 제국의 운명에 대한 장대 한 역사 학적 독백으로 변하는 Belshazzar를 회상하는 것입니다. 또는 패배하고 굴욕적인 왕이 사무엘의 그림자가 그에게 말하는 것을 듣는 "사울": "당신과 당신의 아들들은 내일 나와 함께 있을 것입니다." 또는 "이집트의 이스라엘", 여기서-전례없는 경우-동반 암송이 캐릭터가 아니라 합창단으로 이동하여 "이집트 어둠"의 공포를 묘사합니다.

훨씬 후에 숫자 구조를 요청한 오페라는 행동의 중심 순간의 극적인 선명도에 대한 비교할 수 없는 감각을 잃었습니다. 그러나 오늘날의 포스터는 여전히 "번호가 매겨진" 오페라 없이는 할 수 없으며, 겉보기에 황폐하고 먼 연극 언어의 심리적, 예술적 생존 가능성을 발견하는 중요한 도구가 되는 것은 레치타티보(지휘자, 감독, 배우)의 처리입니다.

나약함에 대한 독백

"Alma del gran Pompeo"(1724년 Georg Friedrich Handel의 "Julius Caesar")

우리는 종종 18세기 오페라를 어둡고 사소한 모든 것을 극복하는 기이한 낙관주의와 복잡하지 않은 합리성의 영역으로 생각하지만 이러한 규칙에 대한 현란한 예외에 우리는 깊은 인상을 받습니다. 예를 들어, 폼페이우스 대왕의 유골이 담긴 항아리에 대한 헨델의 카이사르 연설. 사물의 논리에 따르면 정치적 적의 적시의 죽음에 대한 한숨 일 수 있으며 그 후에 마침내 클레오 파트라와의 관계로 넘어갈 수 있습니다. 대신 헨델은 숭고하고 애절한 레치타티브를 써서 폼페이우스가 아니라 지상의 위대함의 허영심과 인간 존재 자체의 연약함을 한탄합니다.

절망에 대한 독백

"Berenice, ove sei?" (니콜로 조멜리의 "Vologaise", 1766)

다음은 조밀한 오페라 스릴러의 드문 예입니다. 순결한 파르티아 여왕 베레니체를 탄원이나 위협으로 괴롭히는 데 지친 로마 장군 Lucius Ver는 끔찍한 "극장"으로 그녀의 정신 (그리고 결혼 충실도)을 깨뜨리려고합니다. 극장". 여왕은 그녀의 남편 볼로게즈의 잘린 것으로 추정되는 머리가 다른 세상의 슬픔에 잠긴 음악에 보여지는 어떤 영묘로 인도됩니다. 머리는 실제로 실제가 아니지만 Berenice는 우아하게 많은 일을 거쳐야하지만 혼란, 소심, 공포, 흐느낌, 절망, 그리고 마지막으로 상상의 광기의 한 형태와 같은 음악에 아주 명확하게 설명되어 있습니다. 남편의 피 묻은 그림자의 모습.

코로나의 중력에 대한 독백

"체러! 체 전통!" (볼프강 아마데우스 모차르트의 "티투스의 자비", 1791)

이상주의적 통치자가 자신의 신하가 전혀 천사가 아닌 것으로 판명될 때 불쾌하다는 것은 그 자체로 단순한 생각이지만, 이 모차르트의 티투스 낭송에서처럼 자발적인 감정 폭발의 완전한 갑옷으로 표현되는 경우는 거의 없습니다. 그것은 모두 끓어 오르는 분노로 시작됩니다. 내가 믿었던 괴물, 그를 즉시 처형하는 것은 얼마나 배은망덕한지 밝혀졌습니다. 그런 다음 혼란스러운 문구는이 분노의 정의에 대한 의심을 배반합니다. 그리고 마지막으로 평온에 대한 목가적으로 윤곽이 잡힌 갈망이 뒤따릅니다. 자연인”, 이러한 모든 문명화 된 걱정을 알지 못합니다.

욕망의 파괴성에 대한 독백

"아름다움, 미남, 선량함!" (Benjamin Britten의 "Billy Budd", 1951)

Britten 오페라의 중심 번호 중 하나 인 Claggart 선장의 연설은 아름답고 순수하며 불행하게도 Billy Budd가 원하는 Billy Budd를 파괴하겠다고 맹세하는 것은 형식적인 의미에서 아리아입니다. 그러나 이 열광의 바로 그 구조, 그 구절의 동요된 순서는 구호보다는 외침에 더 끌린다. 원칙적으로는 아리아와 레치타티보의 혐오스러운 분리를 지우는 포스트 바그너식 오페라에 있어 이것은 절대적으로 새로운 것은 아니지만, 브리튼의 사건은 브리튼과의 대화 순서로 레치타티보 원리를 그의 작품에서 의식적으로 키웠다는 점에서 중요하다. 태생 국악- 퍼셀의 오페라와 함께.

레치타티브의 텍스트가 더 서정적이 되고 형식이 확장되어 더 많은 음악적 내용을 얻으면 레치타티브는 다음과 같이 됩니다.

드라이(세코)
측정(템포)
선율(아리오스 노래).

세 성별 모두에서 정확하고 의미 있는 암송이 매우 중요합니다.

성악에서는 세 가지 중간 유형의 암송이 혼합되어 자주 사용되며 서로 이동합니다. 모든 암송에서 산문은 텍스트 역할을 할 수 있습니다.

또한 암송은 속어의 의미로 사용될 수 있습니다. 어휘, 즉 어휘집에 있는 전문 용어의 수입니다.

건성 암송

드라이 레치타티브는 4분의 4 크기입니다. 반주는 숫자가 없는 갑작스러운 화음으로 구성되어 분위기를 표현하지 않고 단지 가수의 음색을 나타내고 구두점을 강조하는 역할만 한다. 화음은 주로 레치타티보에 휴식이 있는 곳에서 사용됩니다. 가끔 쉼표가 있는 두 악절 사이에 짧은 리토르넬로가 삽입되어 분위기를 표현하는 도형이 나온다. 그러한 레치타티보에는 선율적인 내용이 거의 없습니다. 텍스트의 각 음절에는 하나의 소리만 필요합니다. 그러한 암송의 형식은 불명확하며 텍스트에 전적으로 의존합니다. 가수는 템포가 아닌 자유롭게 노래합니다. 키의 교대는 임의적이지만 여전히 먼 키에 너무 빈번하고 날카로운 변조를 해서는 안 됩니다. 어조의 변화는 글의 생각의 변화와 일치한다. 레치타티보 소절에 화음이 없으면 악장은 4분의 4를 삼진하지 않고 1타만 줍니다. 그러한 레치타티보의 성악 부분은 목소리의 중앙에, 즉 중간 음역에 작성되어 극적 분위기가 강한 순간에만 (위 또는 아래로) 남겨 둡니다.

측정 암송

측정된 레치타티브(템포)는 4/4, 3/4 등 다양한 카운트에서 발생합니다. 특별히 멜로디가 풍부하지 않은 레치타티브를 부르는 동안 반주는 트레몰로로 지속되거나 연주되는 화음의 형태로 끝까지 진행됩니다. . 그런 반주에는 지휘 동기, 즉 그림이 없다. 형식은 불명확하고 키의 교대는 임의적입니다. 음절당 하나의 음표가 있습니다. 이러한 레치타티브는 템포로 연주되며 전체적으로 지휘됩니다.

노래하는 암송

노래하는 암송(아리오즈 가창)은 가장 발전된 암송 형식입니다. 보컬 부분은 멜로디 콘텐츠로 구별됩니다. 단어의 한 음절은 때때로 두 개 이상의 소리를 가질 수 있습니다. 측정된 것과 마찬가지로 이 레치타티브는 전조 계획에 의해 제약을 받지 않습니다. 양식은 대부분 무료입니다. 반주의 음악적 내용은 이전 레치타티보와 비교하여 화성과 리듬 측면에서 더 풍부합니다. 그 안에 그림 (동기)이 담겨 있습니다.

둥글고 완성도가 높지만 무릎창고가 부족한 노래를 아리오소(arioso)라고 한다.

또한보십시오

오페라 용어

위키미디어 재단. 2010.

동의어:

다른 사전에 "Recitative"가 무엇인지 확인하십시오.

-(it.recitativo, fr.recitatif). 말하기, 말하기에 적합한 노래. 사전 외국어러시아어에 포함되어 있습니다. Chudinov A.N., 1910. 방언에 가까운 노래 연주에서 암송, 긴 음표가없고 일반적으로 음악 ... ... 러시아어 외국어 사전

- (이탈리아어 recitativo는 recitare에서 recite까지), 종류 성악, 고정된 음계와 규칙적인 리듬을 유지하면서 자연스러운 음성에 접근합니다. 오페라, 오라토리오, 칸타타에서 사용된다. 17세기와 18세기에 말랐다 . . . . . 큰 백과사전

암송- a, m.recitatif m. , 그것. 암송. 선언적인 말의 억양과 리듬을 재현하는 성악악곡의 형식; 외침을 외치다. BAS 1. [Darina:] 저는 Arias를 맡습니다. 그러나 레치타티보에 관해서는 그것은 또 다른 문제입니다. ... 역사 사전러시아어의 갈리아주의

암송, 암송, 남편. (이탈리아어 recitativo) (음악). 허밍(또는 때로는 선율이 없는) 음성 입력 중요한 부분보컬 음악으로. Ushakov의 설명 사전. D.N. Ushakov. 1935년 1940년 ... Ushakov의 설명 사전

암송, a, 남편. (전문가.). 보컬의 노래 연설 음악. 암송(노래)으로 읽습니다. | 조정 암송, 오, 오. Ozhegov의 설명 사전. 시. Ozhegov, N.Yu. Shvedova. 1949년 1992년 ... Ozhegov의 설명 사전

남편, 이탈리아인 화자, 노래하는 화자: 노래하는 목소리로 말하는 사람; 교회 노래. 노래, 단순한 연설과 유사, 측정이 없거나 임의의 배열 및 스트레칭, 명확하고 말하기. Dahl의 설명 사전. 그리고. 달. 1863 1866 ... Dahl의 설명 사전

있음., 동의어의 수: 6개의 명언(4) 챈팅 낭송(2) 노래(42) ... 동의어 사전

대칭적 리듬에 종속되지 않는 성악 형식, 일종의 선율적인 대화. 과도한 감정으로 인해 정확히 P.가 필요한 문구가 있습니다. 여기서 더 발전된 음악 형식은 부자연 스러울 것입니다 (예 : O 슬픔, O 기쁨, O Lord ... 브록하우스와 에프론의 백과사전

일정한 음계와 규칙적인 리듬을 유지하면서 자연어에 가까운 성악의 일종. 큰 사전문화 연구에서 .. Kononenko B.I .. 2003 ... 문화 연구 백과사전

암송- (이탈리아어 recitativo, recitare에서 recite까지), 1) 17세기 말과 19세기의 오페라, 칸타타, 오라토리오에서. 아리아 앞 부분(A. Scarlatti, J.S. Bach, W.A. Mozart). 2) 보컬 스타일, 자연스러운 말투에 가까워지지만 유지하는 ... ... 그림이 있는 백과사전

로드 싱어 누구의 암송. 자연스러운 음성의 리드미컬하고 인토네이션 패턴을 재현합니다. 본문의 주요 레치타티브는 시와 산문이 될 수 있습니다.

다양한 유형의 암송이 있습니다.

건조 (secco) 및 동반 (accompagnato);
측정(템포);
멜로디(아리오소와 동일).

모든 유형의 암송에서 정확하고 의미 있는 암송은 매우 중요합니다.

바로크와 비엔나의 클래식 성악은 세코와 아콤파냐토 레치타티보를 사용했습니다. 다른 종류암송은 종종 혼합되었습니다.

오페라와 오라토리오에서 레치타티브는 보통 건조한 반주를 동반하며 아리아 사이의 연결 고리 역할을 합니다. 동시에 극적인 행동은 암송에 반영되고 이에 대한 캐릭터의 감정적 반응은 아리아에 반영됩니다.

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✪ 암송? 이게 뭔가요?

자막

건성 암송

가수는 일반적으로 일련의 화음(장식 및 선율 없음)으로 구현되는 연속 저음의 반주에 맞춰 노래하며 분위기를 표현하지 않고 단지 가수의 음조를 나타내고 구두점을 강조하는 역할만 합니다. 화음은 주로 레치타티보에 휴식이 있는 곳에서 사용됩니다. 가끔 쉼표가 있는 두 악절 사이에 짧은 리토르넬로가 삽입되어 분위기를 표현하는 도형이 나온다. 그러한 레치타티보에는 선율적인 내용이 거의 없습니다. 텍스트의 각 음절에는 하나의 소리만 필요합니다. 그러한 암송의 형식은 불명확하며 텍스트에 전적으로 의존합니다. 가수는 템포가 아닌 자유롭게 노래합니다.

암송 반주

가수가 바소콘티누오 파트(오르간, 하프시코드 등)만 반주하는 드라이 레치타티보와 달리 아콤파냐토 레치타티브(이탈리아어 반주, 문자 그대로 "반주 포함")에서는 글로 된 파트가 있는 악기가 사용됩니다(최대 전체 오케스트라). 이러한 유형의 레치타티보는 하이 바로크(J.S. 바흐의 열정)와 고전주의 시대의 음악(K.F. 글럭, A. 살리에리 등의 오페라)에서 발전했습니다.

측정 암송

측정 레치타티브(템포)는 4/4, 3/4 등 다양한 크기로 발생합니다. 특별히 멜로디가 풍부하지 않은 레치타티브를 부르는 동안 반주는 트레몰로로 지속되거나 연주되는 화음의 형태로 끝까지 진행됩니다. . 그런 반주에는 지휘 동기, 즉 그림이 없다. 형식은 불명확하고 키의 교대는 임의적입니다. 음절당 하나의 음표가 있습니다. 이러한 레치타티브는 템포로 연주되며 전체적으로 지휘됩니다.

노래하는 암송

둥글고 완성도가 높지만 무릎 길이의 창고가 부족한 노래를 부른다.