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음악 산업의 기술 발전. 음악 산업 마케팅: 음악 마케팅의 방법, 전략, 계획 대상 고객

현대적인 휴대용 음원, 디지털 신호 및 음악이 등장하기 전에 사운드 녹음 및 재생 프로세스는 먼 길을 왔습니다. XIX-XX 세기의 전환기에. 음악 산업에는 콘서트 및 투어 활동, 음표 및 악기 판매가 포함되는 특정 시스템이 있습니다. 19세기에는 인쇄된 음악이 음악 상품의 주요 형태였습니다. 안에 XIX 후반 19세기, 소리를 녹음하고 재생하는 장치의 등장과 이에 따른 음반회사의 등장은 음악 산업의 구조에 큰 변화를 가져왔고, 19세기 초 음악 산업과 같은 현상이 나타나게 되었다. 20세기.

인간의 본성은 소리, 조화, 악기 없이는 삶을 상상할 수 없습니다. 수천 년 동안 음악가들은 거문고, 유태인 하프, 류트 또는 시스터 연주 기술을 연마했습니다. 그러나 고위 고객의 귀를 즐겁게 하기 위해서는 항상 전문 음악가의 공연이 필요했습니다. 따라서 사람의 개입 없이 추가 재생이 가능한 음악을 녹음할 필요가 있었습니다. 또한 음악 비즈니스의 출현은 주로 녹음의 출현에 기인합니다.

최초의 음향 재생 장치는 고대 그리스 발명가인 Ctesibius의 발명품이라고 믿어집니다. "히드라블로스" . 이 디자인에 대한 첫 번째 설명은 후기 골동품 작가인 Heron of Alexandria, Vitruvius 및 Athenaeus의 원고에서 찾을 수 있습니다. 875년, 바누 무사 형제는 고대 그리스 발명가의 원고에서 아이디어를 빌려 소리를 재생하는 장치의 유사품을 세상에 선보였습니다. "워터 오르간" (그림 1.2.1.). 작동 원리는 매우 간단했습니다. 돌출부가 교묘하게 배치된 고르게 회전하는 기계 롤러가 다양한 양의 물로 용기를 쳐서 소리의 피치에 영향을 주어 전체 튜브 소리를 냈습니다. 몇 년 후 형제는 "물 오르간"의 원리에 기반한 최초의 "자동 플루트"도 소개했습니다. 19세기까지 프로그래밍 가능한 사운드 녹음의 유일한 방법은 Banu Musa 형제의 발명품이었습니다.

쌀. 1.2.1. Banu Musa 형제의 발명 - "물 오르간"

XV 세기부터 시작합니다. 르네상스 시대는 기계식 악기의 유행으로 뒤덮였습니다. 배럴 오르간 인 Banu Musa 형제의 작동 원리로 악기 퍼레이드를 엽니 다. 16세기 중반인 1598년에 최초의 음악 시계가 등장했습니다. - 오르골. 또한 음악의 대량 배포에 대한 초기 시도는 소위 "발라드 전단지" - 16-17세기에 유럽에서 처음 등장한 시트 상단에 메모가 있는 종이에 인쇄된 시. 이 배포 방법은 아무도 통제하지 않았습니다. 의식적으로 통제된 최초의 대량 음악 배포 과정은 음표의 복제였습니다.

19 세기 전반기에는 상자, 스너프 박스와 같은 기계식 악기의 개발 경향이 계속되었습니다. 이 모든 장치는 매우 제한된 멜로디 세트를 가지고 있으며 이전에 마스터가 "저장"한 동기를 재현 할 수 있습니다. 1857년까지는 사람의 목소리나 어쿠스틱 악기의 소리를 녹음하는 것이 불가능했으며 추가 재생산이 가능했습니다.

세계 최초의 녹음 장치는 - 축음기 (그림 1.2.2.), Edward Leon Scott de Martinville이 1857년에 발명했습니다. 축음기의 작동 원리는 끝에 바늘이 달린 특별한 어쿠스틱 혼을 통해 진동을 포착하여 음파를 녹음하는 것입니다. 소리의 영향으로 바늘이 진동하기 시작하여 표면이 종이나 그을음으로 덮인 회전하는 유리 롤러에 간헐적 파동을 그렸습니다.

쌀. 1.2.2.

불행히도 Edward Scott의 발명품은 기록된 단편을 재현할 수 없었습니다. 몇 년 전, 파리 기록 보관소에서 녹음의 10초 분량이 발견되었습니다. 민요 1860년 4월 9일 발명가가 직접 연주한 "Moonlight". 앞으로 축음기의 디자인은 소리를 녹음하고 재생하는 다른 장치를 만드는 기초로 삼았습니다.

1877년, 백열 램프의 창시자인 토머스 에디슨은 완전히 새로운 녹음 장치에 대한 작업을 완료했습니다. 축음기 (그림 1.2.3.), 1년 후 그는 관련 미국 기관에서 특허를 받았습니다. 축음기의 작동 원리는 Scott의 축음기 (phonoautograph)를 연상시킵니다. 왁스 처리 된 롤러가 사운드 캐리어 역할을했으며 녹음은 마이크의 조상 인 멤브레인에 연결된 바늘을 사용하여 수행되었습니다. 특수한 경적을 통해 소리를 포착함으로써 멤브레인은 왁스 롤러에 자국을 남기는 바늘을 작동시켰습니다.

쌀. 1.2.3.

처음으로 녹음된 사운드를 녹음한 것과 동일한 장치를 사용하여 재생할 수 있었습니다. 그러나 기계적 에너지는 공칭 체적 수준을 얻기에 충분하지 않았습니다. 그 당시 Thomas Edison의 축음기는 전 세계를 뒤집어 놓았습니다. 수백 명의 발명가가 캐리어 실린더를 덮기 위해 다양한 재료를 사용하여 실험하기 시작했으며 1906년에 최초의 공개 청취 콘서트가 열렸습니다. 에디슨의 축음기는 꽉 찬 집에서 박수 갈채를 받았습니다. 1912년에 세계는 보았다 디스크 축음기 , 일반적인 왁스 롤러 대신 디스크를 사용하여 디자인을 크게 단순화했습니다. 디스크 축음기의 등장은 대중의 관심이었지만 동시에 녹음의 진화라는 관점에서 실용적인 응용 프로그램찾지 못했습니다.

나중에 1887년부터 발명가 Emil Berliner는 자신의 장치를 사용하여 녹음에 대한 자신만의 비전을 적극적으로 개발했습니다. 축음기 (그림 1.2.4.). 왁스 드럼의 대안으로 Emil Berliner는 내구성이 더 뛰어난 셀룰로이드를 선호했습니다. 녹음의 원리는 동일하게 유지되었습니다. 경적, 소리, 바늘의 진동 및 디스크 레코드의 균일한 회전.

쌀. 1.2.4.

기록 가능한 디스크 판의 회전 속도로 수행된 실험은 분당 78회전의 회전 속도에서 판의 한 면의 기록 시간을 2-2.5분으로 늘릴 수 있게 했습니다. 녹음 된 디스크 플레이트는 특수 판지 케이스 (덜 자주 가죽 케이스)에 넣었 기 때문에 나중에 "앨범"이라는 이름을 받았습니다. 겉으로는 유럽 전역에서 판매되는 도시의 명소가있는 사진 앨범과 매우 흡사했습니다.

부피가 큰 축음기의 대체품은 Guillon Kemmler가 1907년에 개선하고 수정한 장치였습니다. 축음기 (그림 1.2.5.).

쌀. 1.2.5.

이 장치는 본체에 작은 뿔이 내장되어 있어 전체 장치를 하나의 소형 여행 가방에 넣을 수 있어 축음기의 급속한 대중화로 이어졌습니다. 1940년대 더 작은 버전의 장치가 등장했습니다. 미니 축음기는 군인들 사이에서 특히 인기를 얻었습니다.

레코드의 출현은 음표와 달리 모든 청취자가 절대적으로 구입할 수 있기 때문에 음악 시장을 크게 확장했습니다. 오랜 세월축음기 레코드는 주요 녹음 매체이자 주요 음악 상품이었습니다. 축음기 레코드는 1980년대에 와서야 다른 음악 자료 매체에 자리를 내주었습니다. 1990년대 초부터 현재까지 레코드 판매는 오디오 제품의 총 매출의 몇 퍼센트 또는 심지어 몇 퍼센트를 차지합니다. 그러나 그러한 판매 감소에도 불구하고 레코드는 사라지지 않았으며 오늘날까지 음악 애호가와 수집가 사이에서 미미하고 작은 청중을 유지했습니다.

전기의 출현은 녹음의 진화에서 새로운 단계의 시작을 알렸습니다. 1925년부터 - "전기 녹음 시대" 마이크와 전기 모터(스프링 메커니즘 대신)를 사용하여 레코드를 회전합니다. 사운드 녹음과 추가 재생산을 모두 허용하는 장치의 무기고가 축음기의 수정된 버전으로 보충되었습니다. 전기 보청기 (그림 1.2.6.).

쌀. 1.2.6.

증폭기의 출현으로 사운드 녹음을 새로운 수준으로 끌어올릴 수 있게 되었습니다. 전기 음향 시스템은 라우드스피커를 수신했으며 경적을 통해 소리를 강제할 필요는 과거의 일이 되었습니다. 사람의 모든 육체적 노력은 전기 에너지에 의해 수행되기 시작했습니다. 이러한 모든 변화와 기타 변화는 음향적 가능성을 향상시켰을 뿐만 아니라 녹음 과정에서 프로듀서의 역할을 증가시켜 음악 시장의 상황을 근본적으로 변화시켰습니다.

녹음 산업과 병행하여 라디오도 발전하기 시작했습니다. 정규 라디오 방송은 1920년대에 시작되었습니다. 처음에는 라디오에서 새로운 기술을 대중화하기 위해 배우, 가수, 오케스트라를 초청했으며 이는 라디오에 대한 엄청난 수요의 출현에 기여했습니다. 라디오는 많은 청중을 위한 필수품이 되었고 음반 산업의 경쟁자가 되었습니다. 그러나 방송되는 레코드 사운드에 대한 직접적인 의존성과 매장에서 이러한 레코드의 판매 증가가 곧 발견되었습니다. 플레이어에 레코드를 올릴 뿐만 아니라 음악 시장에서 새로운 레코드를 홍보하는 데 기여하는 소위 "디스크 자키"라는 음악 해설자의 필요성이 증가했습니다.

20세기 전반기에 음악 산업의 기본 모델은 상당한 변화를 겪었다. 녹음, 라디오 및 기타 과학 기술의 발전은 음악 사업의 원래 청중을 배가시켰고 전자 음악과 같은 새로운 음악 스타일과 경향의 출현과 확산에 기여했습니다. 그들은 대중에게 더 매력적인 제품을 제공했으며 19 세기에 일반적이었던 형태에 유기적으로 적합했습니다.

당시 녹음 장치의 주요 문제 중 하나는 녹음 시간이었으며 소련 발명가 Alexander Shorin이 처음 해결했습니다. 1930년에 그는 작동 기록으로 일정한 속도로 전기 쓰기 장치를 통과하는 필름 필름을 사용할 것을 제안했습니다. 장치 이름이 지정되었습니다. 쇼리노폰 , 그러나 녹음 품질은 음성의 추가 재생에만 적합했으며 이미 20m 필름 테이프에 약 1시간 분량의 녹음이 가능했습니다.

전자 기계 기록의 마지막 반향은 1931년 소련 엔지니어 B.P. Skvortsov. 검정 잉크 펜으로 일반 용지에 소리 진동을 기록했습니다. 이러한 종이는 쉽게 복사하여 전송할 수 있습니다. 기록을 재현하기 위해 강력한 램프와 광전지가 사용되었습니다. 1940년대 지난 세기의 사람들은 이미 새로운 녹음 방법인 자기에 의해 정복되었습니다.

거의 항상 자기 녹음의 발전 역사는 기계적 녹음 방법과 평행을 이루었지만 1932년까지 그림자 속에 남아 있었습니다. 19세기 말, 토머스 에디슨의 발명에 영감을 받은 미국 공학자 오벌린 스미스는 녹음 문제를 연구하고 있었습니다. 1888년에 녹음에서 자기 현상의 사용에 관한 기사가 출판되었습니다. 덴마크 엔지니어 Valdemar Poulsen은 10년 간의 실험 끝에 1898년에 강철 와이어를 사운드 캐리어로 사용하는 특허를 받았습니다. 그래서 자기의 원리에 기반한 최초의 녹음 장치가 등장했습니다. 전신 . 1924년 발명가 커트 스틸(Kurt Stille)은 발데마르 폴센(Valdemar Poulsen)의 발명품을 개선하여 자기 테이프를 기반으로 한 최초의 음성 녹음기를 만들었습니다. AEG는 자기 녹음의 발전에 개입하여 1932년 중반에 장치를 출시했습니다. 테이프 레코더-K 1 (그림 1.2.7.) .

쌀. 1.2.7.

산화철을 필름 코팅으로 사용함으로써 BASF는 녹음 세계에 혁명을 일으켰습니다. AC 바이어스를 사용하여 엔지니어는 완전히 새로운 음질을 얻었습니다. 1930년부터 1970년까지 세계 시장은 다양한 형태 요소와 다양한 기능을 갖춘 릴 투 릴 테이프 레코더로 대표되었습니다. 자기 테이프는 산업적 규모가 아닌 자신의 아파트에서 사운드 레코딩을 실험할 수 있는 기회를 얻은 수천 명의 프로듀서, 엔지니어 및 작곡가에게 창의적인 문을 열어주었습니다.

이러한 실험은 1950년대 중반 등장하면서 더욱 촉진되었다. 멀티트랙 녹음기. 하나의 자기 테이프에 한 번에 여러 음원을 녹음하는 것이 가능해졌습니다. 1963년에는 16트랙 테이프 레코더가 출시되었고 1974년에는 24트랙 테이프 레코더가 출시되었으며 8년 후 Sony는 24트랙 테이프 레코더에서 개선된 DASH 형식 디지털 녹음 방식을 제공했습니다.

1963년 필립스는 최초의 컴팩트 카세트 (그림 1.2.8.), 나중에 주요 대량 사운드 재생 형식이되었습니다. 1964년 하노버에서 소형 카세트의 대량 생산이 시작되었습니다. 1965년에 Philips는 음악 카세트 생산을 시작했으며 1966년 9월 회사의 2년간의 산업 실험의 첫 번째 제품이 미국에서 판매되기 시작했습니다. 설계의 불안정성과 음악 녹음 시 발생하는 어려움으로 인해 제조업체는 참조 저장 매체를 추가로 검색하게 되었습니다. 이 검색은 생산에 산화 크롬을 사용하는 자기 테이프 카세트를 1971년에 도입한 Advent Corporation에 유익했습니다.

쌀. 1.2.8.

또한 오디오 기록 매체로서 자기 테이프의 등장으로 사용자는 이전에는 녹음을 독립적으로 복제할 수 없었습니다. 카세트의 내용은 다른 릴이나 카세트에 다시 쓸 수 있으므로 100% 정확하지는 않지만 듣기에 매우 적합하지만 복사본을 얻을 수 있습니다. 역사상 처음으로 매체와 그 콘텐츠는 더 이상 분리할 수 없는 단일 제품이 아닙니다. 집에서 레코드를 복제할 수 있는 능력은 최종 사용자에게 음악에 대한 인식과 배포를 변화시켰지만 그 변화가 급진적이지는 않았습니다. 사람들은 복사하는 것보다 훨씬 더 편리하고 비용도 많이 들지 않기 때문에 여전히 카세트 테이프를 구입했습니다. 1980년대 레코드의 수는 카세트보다 3-4배 더 많이 팔렸지만 이미 1983년에 그들은 시장을 균등하게 나누었습니다. 콤팩트 카세트의 판매는 1980년대 중반에 최고조에 달했고 눈에 띄는 판매 감소는 1990년대 초반에야 시작되었습니다. .

나중에 19세기 말 Thomas Edison이 제안한 녹음 아이디어는 20세기 후반에 레이저 빔을 사용하게 되었습니다. 따라서 자기 테이프는 "레이저 광학 녹음 시대" . 광학 사운드 녹음은 부드러운 부분과 구덩이로 구성된 CD의 나선형 트랙 형성 원리를 기반으로 합니다. 레이저 시대는 음파를 0(매끄러운 영역)과 1(피트)의 복잡한 조합으로 나타낼 수 있게 했습니다.

1979년 3월 Philips는 CD의 첫 번째 프로토타입을 시연했으며 일주일 후 네덜란드 회사는 일본 회사 Sony와 계약을 체결하여 1981년에 생산에 투입된 오디오 CD에 대한 새로운 표준을 승인했습니다. CD는 중앙에 구멍이 뚫린 플라스틱 디스크 형태의 광학적 저장 매체였으며, 이 매체의 원형은 축음기 레코드였습니다. CD는 72분 분량의 고품질 오디오를 담았으며 비닐 레코드보다 훨씬 작았습니다. 직경이 12cm에 불과한 반면 비닐은 30cm로 거의 두 배의 용량을 가졌습니다. 의심 할 여지없이 이것은 사용하기가 더 편리해졌습니다.

1982년 필립스는 재생 품질 면에서 이전에 발표된 모든 미디어를 능가하는 최초의 CD 플레이어를 출시했습니다. 새로운 디지털 매체로 녹음된 첫 번째 상업 앨범은 1982년 6월 20일 발표된 전설적인 ABBA의 "The Visitors"였습니다. 그리고 1984년 Sony는 최초의 휴대용 CD 플레이어 - 소니 디스크맨 D-50 (그림 1.2.9.), 당시 비용은 $ 350였습니다.

쌀. 1.2.9.

이미 1987년에 CD 판매가 축음기 판매를 넘어섰고 1991년에는 CD가 이미 컴팩트 카세트를 시장에서 압도했습니다. ~에 첫 단계 CD는 음악 시장 발전의 주요 추세를 유지했습니다. 오디오 녹음과 미디어 사이에 등호를 넣을 수 있습니다. 공장에서 녹음된 디스크에서만 음악을 들을 수 있었습니다. 그러나이 독점은 오래 가지 않을 것입니다.

레이저 광 CD 시대의 발전은 1998년 DVD-Audio 표준의 출현으로 이어졌습니다. 다른 번호사운드 채널(모노에서 5채널까지). 1998년부터 Philips와 Sony는 대체 CD 형식인 Super Audio CD를 홍보했습니다. 2채널 디스크는 스테레오 및 다중 채널 형식 모두에서 최대 74분의 사운드를 저장할 수 있습니다. 74분의 수용 인원이 결정되었습니다. 오페라 가수, 지휘자이자 작곡가인 오가 노리아(Nori Oga)는 당시 Sony Corporation의 부사장을 역임하기도 했습니다. CD의 발전과 병행하여 수공예품 생산(매체 복사)도 꾸준히 발전했습니다. 레코드 회사는 먼저 암호화 및 워터마킹을 사용한 디지털 데이터 보호의 필요성에 대해 생각했습니다.

CD의 다재다능함과 사용 용이성에도 불구하고 인상적인 단점 목록이 있었습니다. 주요한 것 중 하나는 과도한 취약성과 신중한 취급의 필요성이었습니다. CD 미디어의 녹음 시간도 심각하게 제한되었고 녹음 업계는 대안을 찾고 있었습니다. 광자기 미니 디스크 시장의 등장은 일반 음악 애호가들에게는 눈에 띄지 않았습니다. 미니 디스크(그림 1.2.10.)- 1992년에 Sony에서 개발했으며 사운드 엔지니어, 연주자 및 무대 활동과 직접 관련된 사람들의 자산으로 남아 있습니다.

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미니 디스크를 기록할 때 자기 광학 헤드와 레이저 빔을 사용하여 고온에서 자기 광학 레이어가 있는 영역을 절단했습니다. 기존 CD에 비해 MiniDisc의 가장 큰 장점은 향상된 보안과 더 긴 수명입니다. 1992년에 Sony는 최초의 미니 디스크 미디어 플레이어도 출시했습니다. 플레이어 모델은 일본에서 특히 인기를 얻었지만 일본 밖에서는 최초의 Sony MZ1 플레이어와 개선된 후손이 모두 받아들여지지 않았습니다. 어떤 식으로든 CD나 미니 디스크를 듣는 것은 고정식 사용에만 더 적합했습니다.

20세기 말에 와서 "연대 첨단 기술" . 개인용 컴퓨터와 글로벌 인터넷의 출현은 완전히 새로운 기회를 열었고 음악 시장의 상황을 크게 변화시켰습니다. 1995년 Fraunhofer Institute는 혁신적인 오디오 데이터 압축 형식을 개발했습니다. MPEG 1 오디오 레이어 3 , 약칭 MP3를 받았습니다. 1990년대 초반의 주요 문제 디지털 미디어 분야에서 디지털 컴포지션을 수용할 수 있는 충분한 디스크 공간이 부족하다는 문제가 있었습니다. 당시 가장 정교한 개인용 컴퓨터의 평균 하드 디스크 크기는 수십 메가바이트를 거의 넘지 않았습니다.

1997년에 최초의 소프트웨어 플레이어가 시장에 진입했습니다. 윈앰프 , Nullsoft에서 개발했습니다. mp3 코덱의 출현과 CD 플레이어 제조업체의 지속적인 지원으로 인해 CD 판매가 점진적으로 감소했습니다. 음질(극소수의 소비자만이 실제로 느끼는 정도)과 한 장의 CD에 녹음할 수 있는 최대 노래 수(평균적으로 차이는 약 6-7배) 중에서 선택하여 청취자는 후자를 선택했습니다.

몇 년 동안 상황은 극적으로 변했습니다. 1999년 18세의 Sean Fanning은 다음과 같은 전문 서비스를 만들었습니다. "냅스터" , 음악 비즈니스의 전체 시대에 충격을주었습니다. 이 서비스 덕분에 인터넷을 통해 음악, 레코드 및 기타 디지털 콘텐츠를 직접 교환할 수 있게 되었습니다. 2년 후 음악 산업의 저작권 침해로 인해 이 서비스는 폐쇄되었지만 메커니즘이 시작되었고 디지털 음악의 시대는 통제할 수 없이 계속 발전했습니다. 수백 개의 P2P 네트워크는 신속하게 규제하기가 매우 어려웠습니다.

개인용 컴퓨터, 인터넷, 휴대용 플래시 플레이어(내장 하드 드라이브나 플래시 메모리에 녹음된 음악 트랙을 재생할 수 있는 휴대용 장치)의 세 가지가 결합되면서 음악을 수신하고 듣는 방식에 급격한 변화가 일어났습니다. . 2001년 10월 Apple은 음악 시장에 등장하여 완전히 새로운 유형의 휴대용 미디어 플레이어 1세대를 세상에 선보였습니다. 아이팟 (그림 1.2.11.) 5GB의 플래시 메모리를 탑재했으며 MP3, WAV, AAC, AIFF 등의 오디오 포맷 재생도 지원했다. 그것은 함께 쌓인 두 개의 소형 카세트의 크기였습니다. 새로운 Flash Player 개념의 출시와 함께 최고 경영자회사 Steve Jobs는 "주머니에 1000 곡"(영어에서 번역됨-주머니에 1000 곡)이라는 흥미로운 슬로건을 개발했습니다. 당시 이 장치는 정말 혁신적이었습니다.

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또한 2003년에 Apple은 자체 온라인 뮤직 스토어를 통해 인터넷을 통해 작곡의 합법적인 디지털 사본을 배포한다는 자체 비전을 제안했습니다. 아이튠즈 스토어 . 당시 이 온라인 스토어의 전체 작곡 데이터베이스는 200,000개 이상의 트랙이었습니다. 현재 이 수치는 2000만 곡을 넘어선 것이다. Apple은 Sony BMG Music Entertainment, Universal Music Group International, EMI 및 Warner Music Group과 같은 음반 산업의 리더들과 계약을 체결함으로써 새 페이지녹음의 역사에서.

따라서 개인용 컴퓨터는 오디오 녹음, 플래시 플레이어를 처리하고 복제하는 수단이되었습니다. 만병통치약인터넷은 음악을 배포하는 독특한 수단으로 작용했습니다. 결과적으로 사용자는 완전한 행동의 자유를 갖습니다. 장비 제조업체는 플래시 플레이어뿐만 아니라 음악 센터, 홈 시어터의 모든 AV 장치에서 압축된 MP3 오디오 형식의 재생을 지원하고 CD 플레이어를 CD/MP3로 변환함으로써 소비자의 요구를 충족했습니다. 플레이어. 이로 인해 음악 소비는 놀라운 속도로 증가하기 시작했고 저작권 소유자의 이익은 꾸준히 감소하기 시작했습니다. 콤팩트 디스크를 대체하도록 설계된 새롭고 더 발전된 SACD 디스크 형식으로 상황을 바꿀 수 없습니다. 대부분의 사람들은 이러한 혁신보다 압축된 오디오와 iPod 뮤직 플레이어 및 많은 유사 제품과 같은 기타 혁신적인 혁신을 선호했습니다.

개인용 컴퓨터에서 가장 단순한 사운드 신호 생성 시스템의 도움으로 컴퓨터 음악이 대량으로 생성되기 시작했습니다. 인터넷은 디지털 기술과 함께 제작자가 자신의 음악을 만들고 배포하는 것을 가능하게 했습니다. 아티스트는 프로모션 및 앨범 판매를 위해 네트워크를 사용했습니다. 사용자는 거의 모든 녹음 파일을 받을 수 있는 기회를 얻었습니다. 음악집을 떠나지 않고도 나만의 음악 컬렉션을 만들 수 있습니다. 인터넷은 시장을 확장하고 음악 자료의 다양성을 증가시켰으며 음악 비즈니스의 디지털화를 주도했습니다.

첨단 기술의 시대는 음악 문화에 큰 영향을 미쳤으며 출현에 기여했으며 추가 개발음악 산업, 그리고 그 결과 음악 비즈니스의 발전. 그 이후로 주요 레코드 회사의 참여 없이 아티스트가 음악 시장에 진입할 수 있는 대안이 있었습니다. 오래된 유통 패턴이 위협받고 있습니다. 지난 몇 년 동안 인터넷에 있는 음악의 95%가 불법 복제되었습니다. 음악은 더 이상 판매되지 않고 인터넷에서 무료로 교환됩니다. 레코드 회사가 이익을 잃으면서 불법 복제와의 싸움이 증가하고 있습니다. 컴퓨터 산업은 음악 산업보다 수익성이 높으며, 이로 인해 디지털 판매를 촉진하는 제품으로 음악을 사용할 수 있게 되었습니다. 음악 자료와 연주자의 비인격성과 동질성은 시장의 과잉과 음악의 배경 기능의 우세로 이어졌습니다.

에 우세한 상황 초기 XXI신기술이 기존의 전통을 깨고 음반과 라디오가 음악 사업에 적극적으로 도입되었던 19-20세기 초 음악 산업에서 일어났던 일을 여러 면에서 연상시킵니다. 이로 인해 세기 중반에 음악 산업은 거의 새로운 기본 구조를 형성했으며 20-21 세기 전환기에 "첨단 기술 시대"가 형성되었습니다. 악영향을 미쳤습니다.

따라서 오디오 데이터 캐리어 개발의 전체 역사는 이전 단계의 성과에 대한 유전에 기반을 두고 있다고 결론지어야 합니다. 150년 동안 음악 산업에서 기술의 진화는 발전과 변화의 먼 길을 왔습니다. 이 기간 동안 축음기에서 콤팩트 디스크에 이르기까지 소리를 녹음하고 재생하는 새롭고 더 발전된 장치가 반복적으로 등장했습니다. 1980년대 후반 광학 CD에 대한 최초의 녹음 및 HDD 드라이브의 급속한 발전. 불과 10년 만에 그들은 많은 아날로그 녹음 형식의 경쟁을 깨뜨렸습니다. 최초의 음악 광 디스크가 비닐 레코드와 질적으로 다르지 않았음에도 불구하고 소형화, 다용성 및 디지털 방향의 추가 개발은 대량 사용을 위한 아날로그 형식의 시대를 끝낼 것으로 예상됩니다. 새로운 시대첨단 기술은 음악 비즈니스의 세계를 상당히 빠르게 변화시키고 있습니다.

강의 - Sergey Tynku

놀랍지만 아직도 많은 사람들이 오늘날 음악 산업의 메커니즘이 어떻게 작동하는지 모릅니다. 따라서 간단히 모든 것을 설명하려고 노력할 것입니다. 그건 그렇고, 산업이 무엇인지 이해하지 못한다면 해외에서는 그것을 비즈니스로 이해합니다. 즉, 음악 비즈니스 또는 음악 산업이 작동하는 방식에 관한 것입니다. 업계는 비즈니스입니다.

다른 산업과 마찬가지로 음악 산업도 제품을 만들고 판매합니다. 그리고 이 제품은 콘서트입니다. 이전에는 제품이 레코드 였지만 우리 시대에는 더 이상 관련이 없습니다. 이제 제품은 콘서트 일뿐입니다. 왜 콘서트야? 뮤지션은 콘서트에서 돈을 벌고 청취자는 콘서트에 돈을 지불하기 때문입니다.

따라서 업계의 주요 목표는 특정 형식, 스타일 및 가격표의 콘서트에 대한 (주어진 영역에서) 청중의 요구를 이해하는 것입니다. 업계 자체는 어떤 종류의 음악과 어떤 뮤지션을 판매할지 신경 쓰지 않습니다. 더 잘 팔기 위해. 바에 있는 것과 같습니다. 적절한 바 주인은 어떤 종류의 맥주를 거래할지 신경 쓰지 않고 더 많은 수요가 있고 더 많이 벌 수있는 맥주를 더 싸게 사고 더 비싸게 팔 수 있습니다.

아티스트가 음악 산업에 뛰어들려면 거기에 머물며 성공해야 합니다. 필요한 것은 수요가 있는 것뿐입니다. 모든 시장의 모든 제품과 같습니다. 당신의 콘서트에 대한 수요가 있다면, 당신은 업계에 있을 것입니다. 수요가 없으면 거기에 없을 것입니다. 업계는 사람들이 올 돈을 가져다주는 아티스트에 관심이 있습니다.

이 법은 아메리카 대륙의 대형 경기장과 사마라 지역의 작은 선술집 모두에 적용됩니다. 음악 산업은 모든 곳에서 동일합니다.

좋을 필요는 없지만 수요가 있어야한다는 점에 유의하십시오. 그리고 우리나라 사람들은 종종 제품(음악가)이 좋으면 수요가 있을 것이라고 생각합니다. 그리고 이것들은 다른 것입니다. 그리고 "좋다"는 매우 주관적입니다. 그러나 "수요"라는 개념은 손으로 느낄 수 있으며 관중 수와 그들이 가져 오는 돈으로 측정 할 수 있습니다.

업계는 세 가지 주요 참여자로 구성됩니다. 콘서트홀, 예술가, 관중. 그리고 가장 중요한 것은 시청자입니다. 모든 것이 시청자의 돈으로 존재하기 때문입니다. 그는 모든 비용을 지불합니다. 공연장과 예술가들은 그의 돈으로 산다. 그는 모든 의미에서 음악을 주문하고 연회 비용을 지불합니다.

업계는 아티스트가 어떻게 인기와 수요를 달성하는지 신경 쓰지 않습니다(이것은 개인적인 문제이며 아티스트와 매니저의 비용입니다). 좋은 음악, 스캔들, 유능한 PR, 패션 등 업계는 어떤 제품을 판매할지 상관하지 않습니다. 그것의 임무는 수요가 있는 것을 판매하는 것입니다. 사람들이 당신의 클럽(또는 바)에 오지 않는다면 당신은 파산한 것입니다. 따라서 업계의 임무는 사람들이 필요로 하는 것을 이해하는 것입니다. 이것은 아마도 업계에서 가장 중요한 것입니다.

자신만의 록 클럽이 있다고 잠시 상상해 보십시오. 당신은 그것을 사기 위해 돈을 썼고, 그것을 유지하기 위해 돈을 쓰고, 직원에게 지불하고, 많은 다른 비용을 발생시킵니다. 이제 클럽에서 콘서트를 위해 아티스트 중 한 명을 선택해야 한다고 상상해 보세요. 그리고 그에게 수수료를 지불하십시오. 손실 없이 수익을 내야 한다면 클럽에서 누구를 보고 싶습니까?

아티스트를 수요가 많고 인기 있게 만드는 것은 아티스트 자신(및 그의 경영진)의 임무입니다. 업계는 누구를 팔지 상관하지 않습니다. 그녀는 단순히 청중의 현재 취향에 집중합니다. 물론 이러한 취향은 어떻게 든 끊임없이 변합니다. 청중의 취향이 이질적이기 때문에 업계는 다양한 장르와 스타일의 아티스트와 협력합니다.

아티스트의 인기(수요)에 따라 업계에서는 수용 인원이 많거나 적은 장소에서 관객 콘서트를 제공하고 티켓 가격을 다르게 설정합니다. 그러나 산업은 항상 수요에 따라 움직입니다. 이것은 시장과 수요의 현재 상태를 어리석게 반영하는 영혼없는 기계라고 말할 수 있습니다. 대략적으로 말하면 산업은 수천 개의 콘서트장이며 그 수, 크기 및 형식은 시장, 즉 특정 지역의 특정 아티스트 및 장르에 대한 수요에 의해서만 결정됩니다.

다른 지역의 다른 시간에 수요도 다르다는 것을 기억하십시오!

아티스트나 시청자가 업계에 불만을 갖는 것은 말이 되지 않습니다. 그것은 단순히 시장의 상태를 보여주고, 시장을 형성하는 것이 아니라 그에 반응합니다. 무언가가 업계에 없거나 제대로 표현되지 않는다면 이는 단지 이 순간주어진 영역에서 이 제품에 대한 수요가 있습니다(0 또는 작음).

아티스트가 업계에 진출하지 못한다면(또는 진출하지만 우리가 원하는 규모로는 진출하지 못한다면) 그것은 업계의 잘못이 아닙니다. 그녀는 군중의 취향에만 반응합니다. 그리고 그녀는 아티스트의 특정 이름에 관심이 없습니다.

그것이 모든 것이 간단히 말해서 작동하는 방식입니다.

따라서 요구되는 음악의 개념도 다르다. 자신의 취향에 맞는 음악을 만들고 있다면 음악 산업이 그것을 필요로 하지 않는다는 사실에 놀라지 마십시오. 당신의 취향이 반드시 지불하는 청중의 취향과 같지는 않습니다. 그리고 만약 그렇다면, 당신의 음악 작품의 품질이 다른 아티스트들과 경쟁할 수 있다는 것은 사실이 아닙니다. 항상 경쟁에 주의하십시오. 요즘 세상에는 청중이 필요로 하는 것보다 훨씬 더 많은 음악가들이 있습니다. 따라서 모든 사람이 음악 산업에 들어가는 것은 아닙니다.

한 마을의 음악에 대한 수요가 신년회를 위한 화성가 한 명이라면, 이 마을의 산업에 화성가 10명은 적합하지 않을 것입니다.

세상에는 뮤지션 매니저가 있습니다. 그들은 예술가와 청중, 예술가와 산업 사이의 중개자입니다. 누군가는 (다른 곳과 마찬가지로) 중개자 없이도 할 수 있지만 누군가는 성공하지 못합니다. 다른 중개자와 마찬가지로 관리자는 수익을 올리기 위해 노력합니다. 따라서 특정 아티스트가 인기를 얻을 수 있는지 또는 "말 사료가 아닌"지 여부를보고 이해하는 것이 중요합니다. 이러한 이해의 비전은 좋은 관리자와 나쁜 관리자를 구별합니다. 이것이 그의 수입입니다. 다시 말하지만 업계는 아티스트가 매니저가 있든 없든 아티스트가 어떻게 인기를 얻으려고 하는지 신경 쓰지 않습니다. 이 텍스트에서 "관리자"라는 단어는 한 사람이 아니라 전체 프로모션 사무실로 이해될 수 있습니다.

많은 예술가들은 자신의 의견으로는 모든 문제를 해결할 관리자에 대한 높은 기대를 가지고 있습니다. 그러나 그렇게 간단하지 않습니다. 매니저가 실력이 좋고 시장을 이해하고 있다면 가능성이 있다고 생각하는 아티스트와만 작업할 것입니다. 그리고 예술가는 어떻게 든 관리자를 매료시키고 자신을 믿게 만들 수 있어야합니다. 그리고 매니저는 나쁜 상품을 파는 마술사가 아니며 아티스트는 먼저 적절한 속성의 상품 (판매 가능)을 제공해야합니다.

매니저가 나쁘면 전망이 불확실한 아티스트를 쉽게 상대할 수 있다. 그리고 여기서 나쁜 매니저는 어떤 식으로든 도움이 되지 않을 수도 있고, 시장 전망의 관점에서 볼 때 좋은 아티스트가 나쁜 매니저와도 성공할 수도 있습니다. 하지만 어쨌든 아티스트가 매니저의 도움을 받아 자신을 홍보하기로 결정했다면 매니저가 이 아티스트를 믿게 만들어야 합니다.

그리고 우리는 매니저가 자유롭지 않다는 것을 기억해야 합니다. 매니저(사무실)가 홍보에 돈(또는 시간/노력)을 투자한다는 것은 제품(아티스트)의 가능성을 보고 비용을 회수해 더 많은 수익을 올릴 계획을 세운다는 뜻이다. 그리고 현명한 관리자 중 누구도 귀하와 거래하기를 원하지 않는다면 귀하의 시장 잠재력을 보지 못하는 것입니다. 그들은 다른 사람들과 마찬가지로 실수를 할 수 있습니다. 그들과 시장에 그것을 증명하려고 노력하십시오.

당신의 잠재력이 분명하다면 당신 주위에 돈을 벌고 싶어하는 사람들의 바다가 즉시 형성된다는 것을 이해하십시오. 그러나 그것이 분명하지 않다면 비참한 것을 끌어 내야합니다. 그것은 여자들과 같습니다. 당신이 슈퍼 병아리라면 주변에 남자들의 바다가 있습니다. 그리고 당신이 그다지 좋지 않다면 남성 시장에서 당신에 대한 수요는 훨씬 적습니다. 이 세상의 모든 것은 매우 간단합니다.

일반 시장과 마찬가지로 음악 산업에도 동일한 법률이 적용됩니다. 식료품 점을 상상해보십시오. 다양한 브랜드의 우유 패키지가 10개 있습니다. 우유를 만들기로 결정했다고 가정 해 봅시다. 좋은 우유. 당신은 가게에 와서 말합니다-나는 좋은 우유가 있습니다. 선반에 가져 가십시오. 그리고 그들은 당신에게 대답합니다. 우유는 좋을 수 있지만 아무도 그것을 모르고 사지 않을 것입니다. 사람들의 수요는 이미 특정 브랜드에 대해 개발되었습니다. 왜 우리는 진열대에 있는 잠재적인 비유동 주식을 사야 합니까? 그런 다음 제품 광고를 시작합니다. 상자에 대한 비디오를 촬영하고, 도시 주변의 광고판에 광고를 걸고, 지하철 근처의 인구에게 무료 패키지를 배포하고, 홍보를 위해 스타를 고용합니다. 모두! 수요가 나타났습니다-그들은 당신을 가게로 데려갔습니다. 처음에는 하나, 다른 하나, 그리고 전국적으로! 당신은 사업을하고 있습니다!

물론 현실에서는 수요와 점포의 상황이 더 복잡할 수 있다. 그들은 무엇을 거래할지 신경 쓰지 않는다고 말할 수 있습니다. 지역 사람들은이 가격으로 우유를 사므로 구색에서 아무것도 바꾸지 않을 것입니다. 그런 다음 상점에 동기를 부여해야합니다. 경쟁사보다 낮은 구매 가격을 제공하거나 어리석게 뇌물을 삽니다. 조건부 선술집에서 누가 연주하는지 상관하지 않는 콘서트장의 경우 모든 것이 동일한 방법으로 결정됩니다. 아티스트에 대한 수수료 요청과 다시 좋은 뇌물을 줄입니다. 이것은 시장입니다.

간단한 명확한 다이어그램. 그러나 여기서 한 가지 세부 사항이 중요합니다. 사람들이 좋아하는 품질의 우유를 생산해야 합니다. 그리고 사람들이 사고 싶어하는 가격으로. 즉, 패키지 비용은 200 달러가되어서는 안됩니다. 그리고 개 우유 일 필요는 없습니다. 적어도 러시아에서는. 개 (또는 쥐) 우유를 좋아할 수도 있지만 시장에 진입하고 우유 산업, 즉 사업에 뛰어 들면 특정 지역의 제품 수요를 고려해야합니다.

즉, 낙농 산업에 대해 이야기하면 제품 (아티스트), 상점 (콘서트 장소), 구매자 (관객) 등 모든 것이 동일합니다. 그리고 돈을 위해 상품을 홍보하는 광고 부서와 대행사(레이블, 중간 관리자)가 있습니다.

물론 전 세계의 많은 뮤지션들은 시장, 제품, 고객 및 기타 낭만적이지 않은 것들에 대해 전혀 생각하고 싶어하지 않습니다. 그리고 많은 성공적인 예술가들은 창의적인 작업만을 수행하면서 예외적으로 숭고한 세상에서 살았습니다 (그러나 동시에 일상 생활과 일상 생활에 몰두하는 관리자에게 급여를 지불합니다).

그러나 그러한 수준의 깨달음에 도달하지 못했다면 시장과 인기를 스스로 처리하거나 당신을 믿을 관리자 (사무실)를 매료시켜야합니다. 물론 그러한 관리자가 존재합니다. 어느 나라에나 성공한 예술가가 있고 누군가가이 예술가들의 일에 관여하고 있기 때문입니다. 그러나 그들이 당신을 믿지 않는다면, 친구여, 모든 문제는 당신에게만 있습니다. 다른 누구에게도. 인정하기 어렵습니다. 거울을보고 "나는 사람들이 필요로하는 사람이 아닌 것 같습니다. "라고 스스로에게 말하십시오.

물론 (광고 대행사와 마찬가지로) 어리석게 자신의 돈을 위해 (콘서트 몫이 아닌) 매니저를 고용 할 수 있지만 이것은 유료 섹스와 같습니다. 올바른 사람은 무료로 제공됩니다. 그리고 당신이 사랑에 대한 공짜 물건을 받지 못한다면 분명히 당신은 수요가 있는 데 몇 가지 문제가 있습니다.

소유권이 주장되지 않은 아티스트는 업계, 중개 관리자 및 관중의 수요 부족을 비난하는 경우가 매우 많습니다. 너무 어리석다. 업계와 관리자는 시청자의 요구와 요구에 부응합니다. 그리고 시청자는 어디에 돈을 쓸지 결정하는 자유로운 사람들입니다. 그들이 당신을 원하지 않는다면, 그것은 그들의 권리입니다. 그들은 당신에게 빚진 것이 없습니다. 그들은 당신에게 음악을 강요하지 않았습니다.

그리고 업계에 합류하는 가장 신뢰할 수 있는 방법, 그리고 이것은 모든 시대와 민족의 모든 전문 음악가와 매니저에게 알려져 있습니다... 매우 간단합니다. 히트작을 쓰려면 멍청해야 한다. 그리고 그게 다야! 사람들이 좋아하는 노래. 안타를 쓰세요, 친구, 그러면 당신은 확실히 모든 것을 갖게 될 것입니다! 주목하십시오-업계에 적응하지 못한 모든 공연자-그들은 단일 히트작이 없습니다.

하지만 히트작을 쓸 수 없거나 쓰고 싶지 않다고 가정해 봅시다. 그러나 결국 낯선 사람과 놀 수 있습니다. 이것은 또한 (선술집과 기업 파티에서) 수요가 있으며 이것으로 그들은 또한 업계에 진출합니다. 누군가가 원하는 수준이 아닐 수도 있습니다. 히트 곡을 전혀 재생하지 않으면 업계에 진출한다는 보장이 없습니다. 업계에서는 잘 될 수도 있지만 그렇지 않을 수도 있습니다.

알았어 다 끝났어 이제. 일부 아티스트는 콘서트와 돈이 많은 반면 다른 아티스트는 고양이가 우는 이유를 이제 이해하시기 바랍니다.

현대 음악 산업은 가만히 있지 않고 끊임없이 진화하는 다소 이상한 현상입니다. 뮤지컬 '키친'에서 1년 이상 일한 사람들은 때때로 미래에 무엇이 우리를 기다리고 있는지 예측하기가 매우 어렵다는 것을 알고 있습니다. 음악적으로. 그러나 수익 시스템은 항상 동일하며 자신의 음악을 현금화하는 데 진지한 사람이라면 최소한 음악 사업이 어떻게 돌아가는지에 대한 기본적인 이해를 하는 것이 좋을 것입니다.

그래서 우리는 그들의 음악을 홍보하고 그것으로 좋은 돈을 벌기를 원하고 의도하는 무모한 사람들을 위해 작은 가이드를 쓰기로 결정했습니다. 이것은 음악 사업이 어떻게 살아 숨 쉬고 있는지에 대한 기본적인 이해를 제공하고 당신이 어떻게 그 일에 참여할 수 있는지에 대해 생각하게 만드는 데 충분한 정보입니다.

레코드 회사

음악 산업에서 성공을 향한 "전통적인" 경로는 잘 알려진 레이블에서 귀하의 레코드를 듣고 귀하의 작업을 홍보하기 위한 계약에 서명하는 것입니다. 미니 앨범이나 정규 앨범, 또는 네트워크의 여러 앨범에 포함될 수 있는 몇 곡을 이미 녹음했다면 더욱 좋습니다.

사실 레이블은 당신과 당신의 프로젝트에 돈을 투자하는 투자자 역할을 합니다. 이 돈은 스튜디오 임대료, 믹싱 및 마스터링 비용을 지불하는 데 사용되며 업계에서 언급하는 판매의 몫을 받기 시작할 때까지 살 수 있도록 선불로 지불하는 선불금을 지불하는 데 사용됩니다. 로열티로.

레이블은 또한 트랙/앨범을 출시하는 데 필요한 모든 서류 작업을 처리합니다. 여기에는 로열티 공유 방법에 대한 다이어그램이 포함되어 있습니다. 획득한 각 코인의 몇 퍼센트가 귀하와 협력자에게 돌아가고, 몇 퍼센트가 그들의 이니셜을 커버하기 위해 레이블에 가는지 투자하고 레이블이 프로모션에 다시 투자할 수 있는 추가 수익을 받으세요.

뮤지컬 리베이트

저작권 보호 협회(MCPS)는 트랙의 모든 사본에 대해 로열티를 지불합니다. 이것은 더 많은 레코드를 판매할수록 더 많은 것을 얻는다는 것을 의미합니다. 또한 노래가 CD나 DVD로 나오거나 다른 방식으로 사용되는 경우 이에 대한 일정 금액도 받습니다.
예: 컬렉션에 20곡이 있고 그 중 하나가 당신의 것입니다. 이것은 Copyright Society가 모든 판매의 5%를 귀하에게 지불한다는 것을 의미합니다.

오랫동안 기다려온 음악 출시

귀하의 음악이 공개된다는 것은 귀하의 트랙이 어떤 형태로든 사용된다는 것을 의미하며 귀하의 음악이 공개된 후 받는 모든 수익금은 수많은 다양한 출처. 실제로 노래가 TV, 라디오에서 재생되거나 영화 사운드트랙으로 사용될 때마다, 심지어 Topshop의 피팅룸에서 트랙이 재생될 때에도 돈이 나옵니다. 목록은 끝이 없습니다.

이론적으로 트랙을 사용하면 돈을 벌 수 있습니다. 이 시스템은 영국의 PRS나 미국의 ASCAP(Composers, Writers and Publishers of America)와 같은 컬렉션 에이전시를 통해 작동합니다. 이러한 조직은 귀하의 음악이 사용되는 모든 방식을 추적한 다음 그에 따라 돈을 모으고 분배합니다.

TV, 영화 등

음악 산업의 주요 유통 채널 및 수익원은 TV, 영화 및 비디오 게임입니다. 즉, 이러한 채널을 통해 음악의 사운드트랙을 배포하는 것입니다. 음반의 이점은 분명합니다. 작곡을 사용하면 돈을 받습니다. 결과적으로 당신의 노래가 예를 들어 사운드트랙으로 영화 프로젝트나 TV 쇼에서 사용된다는 사실로부터 새로운 수입을 얻습니다. 이렇게 음악을 사용하면 이전에 귀하의 음악에 익숙하지 않은 잠재적으로 많은 청중이 들을 수 있으므로 귀하와 귀하의 작품에 대한 가시성을 높일 수 있습니다.

TV 및 영화 프로젝트에서 트랙을 확보하는 것은 쉽지 않지만 음악을 한 방향 또는 다른 방향으로 추진하기 위해 귀하를 대신하여 행동할 전문 제작 회사가 있습니다. 따라서 이와 같은 대행사가 영화 및 TV와 관련된 사람들에게 트랙을 홍보하는 동안 비즈니스를 진행할 수 있습니다.

음악 회사의 레코드 라이브러리에 포함될 음악 카탈로그를 편집해야 할 필요성(in 최근에음악 제작 회사라고 함)도 이해할 수 있습니다. 결국, 당신이 할 모든 것 중에서 잠재적으로 가장 수익성이 높은 것은 그러한 카탈로그입니다. 일반적으로 그러한 회사는 귀하의 음악 홍보를 위해 일정 비율을 차지합니다. 그러나 귀하를 대표하기 위해 선불로 지불할 필요는 없습니다. 결제는 현장에서 이루어집니다. 더 좋은 점은 귀하의 음악이 출시될 때까지 돈을 받지 않는다는 것입니다. 즉, 모든 사람이 귀하에 대해 알 수 있도록 최선을 다할 것입니다.

Rembrandt의 작곡 "I 'll Be There For You"( "Friends"시리즈의 사운드 트랙)와 전 세계에서 그를 아는 사람이 몇 명인지 생각해보십시오.

기타 수입원

아무 것도 쓰지 않거나 생산하지 않으면 어떻게 됩니까? 걱정하지 마세요. 여전히 음악으로 돈을 벌 수 있습니다. PPL 스트리밍은 작곡가로 인해 일반적인 유통 채널이 아닙니다. 이것은 음악 사용에 대해 방송사가 연주자에게 지불하는 로열티의 추가 출처입니다. 곡의 창작에 참여한 모든 사람들(베이시스트, 백 보컬리스트 등)도 작업에 대한 대가로 소정의 돈을 받습니다.

분포

배포자는 창고에서 매장으로 음악을 가져오는 일을 담당합니다. 그러기 위해서는 피지컬 콘텐츠를 제작할 경우 배급계약을 체결해야 합니다.
아시다시피 '피지컬' 음악은 디지털 음악에 비해 인기가 뒤처지고 있습니다. 자체 레이블을 시작하는 경우 배포에 많은 노력이나 비용이 들지 않아도 되므로 좋은 소식입니다. 디지털 배포는 팬들이 기다리는 모든 곳에서 녹음을 디지털 방식으로 판매할 수 있음을 의미합니다. 예를 들어 Amazon, Beatport, iTunes가 있습니다. 즉, 디지털 배포는 모든 의미에서 불필요한 소란으로부터 당신을 구해줍니다.

그리고 마지막으로

위의 모든 것은 받아들이기 매우 어렵지만, 당신의 삶을 음악과 연결하고 싶다면 그런 거대한 음악 기계의 기본 메커니즘을 이해해야 하며, 당신이 진정으로 자신을 표현하고 떠나고 싶다면 준비가 되어 있어야 합니다. 음악적 영역에 한 표를 찍고, 무슨 일이 있어도 짊어지고 끝까지 간다.
행운을 빕니다!

우리는 어디에서나 얼마나 자주 음악을 듣습니까? 음악은 우리 삶의 배경이 됩니다. 헤드폰을 가져가는 것을 잊었을 때의 느낌을 아십니까? 침묵, 아니오 - 심지어 공허함. 비정상적으로 손은 무언가를 켜는 경향이 있습니다. 음악 재생이 중지됩니다. 내면의 목소리가 켜지지만 전혀 듣고 싶지 않습니다. 미완성 사업을 상기시키고 무언가로 우리를 비난하며 진지한 생각을 가져옵니다. 아니, 가능한 한 빨리 새로운 트랙이 시작되었을 것입니다. 우리는 방금 음악에 익숙해졌고 항상 혼자가 아니라 이러한 경쾌한 (또는 그렇지 않은) 음악 리듬에 익숙해졌습니다.

아마도 누구나 좋아하는 멜로디를 가지고 있을 것입니다. 그 소리에 익숙한 노래가 어딘가 깊은 곳에서 튀어나옵니다. 동시에 사람이 가사를 암기하지만 기억에 각인 된 단어의 의미와 자주하는 말까지 생각하지 않는 경우가 종종 있습니다. 이것은 대부분의 사람들이 배경이나 휴식 형식으로 음악을 듣는 데 익숙하기 때문에 발생합니다.

이러한 경청의 결과로 사람의 세계관은 의식의 차원에서 걸러지지 않은 텍스트와 의미로 채워지게 된다. 그리고 정보가 다양한 리듬과 멜로디와 함께 제시되기 때문에 매우 잘 흡수되고 나중에 잠재 의식 수준에서 인간의 행동에 영향을 미치기 시작합니다. 현대 대중 음악, 즉 TV와 라디오에서 재생되는 대중 음악에 의해 대중에게 어떤 행동 프로그램이 방송되고 있으며, 그것은 무의식적으로, 즉 그 영향에 대해 생각하지 않고 취급될 수 있습니까? 몇 가지 비디오를 봅시다:

이 비디오를 본 후 고대 중국 철학자 공자의 인용문을 기억하는 것이 적절합니다. “모든 국가의 파괴는 정확히 그 음악의 파괴와 함께 시작됩니다. 순수하고 밝은 음악이 없는 민족은 퇴보할 수밖에 없다.”

저번 리뷰에서는 특정 곡의 내용에 대해서만이 아니라 대중음악 주제의 전반적인 방향성에 대해서도 다루었으니 참고 부탁드립니다. 이것은 고려해야 할 중요한 뉘앙스입니다. 결국 음악은 우리 삶의 다양한 측면을 반영해야 하며 하나를 부적절한 크기와 중요성으로 끌어올리지 않아야 합니다.

사람의 창의성은 마음에서 나올 때 항상 그의 내면 세계를 반영하고 개인 개발 문제, 흥미로운 질문에 대한 답 찾기를 다룹니다. 창의성이 사업으로 대체되고 돈 버는 것이 우선이라면 그 내용은 자동으로 적절한 의미와 형식으로 채워집니다.

오늘날 대부분의 라디오 방송국에서 재생되는 콘텐츠를 듣는 것은 사람들이 비디오에 나열된 모든 행동을 자신의 삶에서 무의식적으로 구현하도록 프로그래밍하는 실제 과정입니다.

동시에 제시된 비디오 리뷰에서는 텍스트의 내용과 클립의 비디오 시퀀스만 분석했지만 음악의 리듬, 조성, 멜로디 및 음량은 사람에게 큰 영향을 미칩니다. 결국 모든 음악은 결국 조화를 이룰 수 있는 진동입니다. 내부 상태사람, 또는 문자 그대로파괴적으로 행동하십시오.

음악이 사회에 미치는 영향

음악의 불협화음, 리듬의 갑작스러운 변화, 시끄러운 소리 -이 모든 것은 신경뿐만 아니라 심혈관 및 내분비 시스템에도 영향을 미치는 오염 요인으로 신체에서 스트레스로 인식됩니다. 인터넷에서 클래식이나 민속 음악이 정신 능력을 향상 시킨다면 같은 리듬에 기반한 현대 팝 음악이나 무거운 거친 음악은 반대로 인간의 정신을 우울하게 만들고 악화시키는 것을 보여주는 많은 실험 결과를 찾을 수 있습니다. 기억, 추상적 사고, 주의력.

다음 그림에서 음악의 영향을 명확하게 볼 수 있습니다.

이 사진들은 일본 연구원 Masaru Emoto가 찍은 것입니다. 그는 물을 다양한 멜로디와 인간의 말에 노출시킨 후 물을 얼리고 그 결과 얼어붙은 물 결정을 고배율로 촬영했습니다. 슬라이드에서 볼 수 있듯이 클래식 음악 소리의 영향으로 증류수 결정은 무거운 음악이나 부정적인 단어, 감정, 얼어 붙은 물의 영향으로 혼란스럽고 조각난 구조를 형성하여 우아한 대칭 모양을 얻습니다.

우리가 대부분 물이라는 점을 고려하면 음악이 우리에게 얼마나 중요한 영향을 미치는지 상상할 수 있습니다. 이러한 이유로 자신이 자주 듣거나 어린이를 위해 포함하는 작곡의 선택은 음악의 영향과 얻고 싶은 효과를 평가하여 의식적이어야 합니다.

음악은 3가지 측면에서 사람에게 영향을 미칩니다.

가사와 영상의 의미 있는 메시지
음악 진동(리듬, 조성, 멜로디, 음성 음색 등)
삶이 전시된 인기 연예인의 개인적 자질

이 슬라이드의 세 번째 요점으로 우리는 명성과 영광을 받는 연기자들의 도덕성과 관련된 개인적인 측면을 강조했습니다. 현대의 쇼 비즈니스는 소위 스타들의 사생활 전체를 공개적으로 논의하고 그들을 젊은 세대에게 '성공'을 구현하는 아이돌로 강요한다는 사실에 기초하고 있기 때문에 현대 노래를 평가할 때 고려해야 할 사항도 있습니다. 그들의 공연자들을 본보기로 방송하는 라이프 스타일.

누구나 그런 유명한 서양 가수에 대해 들어봤을 것입니다. 그녀가 자신의 작업과 개인적인 모범을 통해 어떤 이데올로기를 홍보하는지 봅시다.

Teach Good 프로젝트의 일환으로 다른 가장 인기있는 서양 공연자에 대해 유사한 리뷰가 작성되었습니다. -모든 곳에서 동일합니다. 그들의 경력은 마치 패턴에 따라 발전합니다. 쇼 비즈니스 산업에 들어간 비교적 단순하고 겸손한 소녀에서 점차 강박적인 저속함과 저속함으로 인해 강의 중에 사진과 창의성의 열매를 보여주기조차 부끄러운 사람들로 변합니다.

동시에 메인을 지속적으로 수여하는 것은 바로이 별들입니다. 음악 상, 그들의 클립은 TV 채널과 라디오 방송국에서 재생되며 여기 러시아에서도 그들의 노래가 정기적으로 재생됩니다. 즉, 수상 기관, 재정 흐름 및 중앙 미디어에 대한 통제라는 세 가지 주요 도구를 기반으로 음악 산업에 동일한 시스템이 구축됩니다.

좋은 노래는 어디에서 찾을 수 있습니까?

이 장벽을 통해 좋은 연기자- 정말 의미 있는 노래를 부르고 사람들의 이익을 위해 창의력을 발휘하려는 사람들에게는 거의 불가능합니다. 상황은 인터넷의 출현으로 각 사람이 소셜 네트워크의 계정을 통해 블로그를 작성하고 웹 사이트를 만들어 독립적인 매스 미디어 역할을 할 수 있는 기회를 얻은 오늘날에야 변화하기 시작했습니다.

티치굿(Teach Good) 프로젝트와 다른 많은 사람들을 돌보는 협회의 출현은 미디어에 허용된 사람들에 대한 엄격한 통제를 기반으로 구축된 오래된 시스템을 파괴하는 자연스러운 과정입니다. 그리고 TV에서는 들리지 않지만 듣기에 정말 즐겁고 유용한 음악을 가진 연주자의 노래를 인터넷에서 찾을 수 있습니다.

그들은 또한 도시를 여행하고, 무대에서 공연하고, 만석을 모으지만 그들의 사진은 화려한 잡지에 인쇄되지 않으며 그들의 노래는 인기있는 라디오 방송국이나 음악 TV 채널에서 방송되지 않습니다. 현대 음악 산업에서 그들의 작업은 모든 동일한 매체를 통해 광범위한 청중에게 정의되고 부과되는 "형식", 또는 오히려 대중 의식을 형성하고 통제하는 수단에 맞지 않기 때문입니다.

의미 있는 창의성의 예로 Teach Good 프로젝트의 독자들이 발명하고 녹음한 노래 중 하나를 소개합니다.

테이블 번호 9

러시아 음악 시장의 주요 특징

러시아 음악 사업은 국내 경제 발전의 일반적인 추세에 직접적으로 의존합니다. 1998년 8월의 위기가 그 예다.

육체적으로 마비되었습니다. 그 결과 음반사 수는 3 배, 매출은 3 ~ 5 배 (일부 레퍼토리 그룹의 경우 10 배), 가격은 통화로 환산하면 2 ~ 3 배 감소했습니다.

그동안 쌓인 수많은 문제들 지난 몇 년음악 산업의 발전을 방해합니다. 우선, 이들은 회사 간의 권리, 상호 부채 및 신뢰라는 질문입니다. 이제 많은 회사가 아직 특정 음반에 대한 권리를 확인하는 완전한 문서 세트를 가지고 있지 않습니다. 우리 대화하는 중이 야저작권 및 관련 권리 모두). 계약은 필요한 형식을 준수하지 않고 체결되었으므로 현재 지난 10년 동안 게시된 프로젝트의 소유권이 심각하게 재분배되고 있습니다. 많은 기업가들은 음반이 아니라 권리를 사야 한다는 것을 깨달았습니다.

당시의 또 다른 문제는 새로운 가격 정책이었습니다. 가장 큰 판매자는 해적 가격에 필적하는 최소값으로 안내됩니다. 이러한 접근 방식은 국내 음악 산업과 러시아에서 사업을 수행하는 외국 기업의 생존을 위한 유일한 가능한 조건이 되었습니다. 하지만 저렴한 가격에 작업하기로 한 결정은 쉽지 않았다. 예를 들어 전공자들은 값싼 CD를 서양으로 재수출하는 것을 두려워했습니다. 그리고 재수출은 실제로 있었고 지금도 마찬가지입니다. 러시아산 값싼 디스크의 대량 판촉은 의문의 여지가 없었습니다. 자존심이 강한 유통 업체 나 상점 체인 소유자가 IFPI 코드 및 기타 코드없이 "모호한 출처"의 디스크를 판매하지 않기 때문입니다.

그들의 법적 성격을 확인하는 상징주의. 병렬 수입은 여전히 큰 문제입니다.

1999년 국내 카세트 시장은 글로벌 트렌드에 따라 입지를 잃기 시작했지만 그 잠재력이 상당히 크다는 것을 보여주었다.

1999년에는 MC, CD와 같은 전통적인 미디어 판매와 함께 CD-R 시장이 상당히 활발하게 발전하고 있었습니다. 기존 CD-R에 CD-RW 및 DVD-RAM 디스크가 추가되었습니다. 2000년에는 러시아 우랄 전자 공장에서 최초의 CD-R 생산 라인이 가동되었습니다.

사업 개발의 주요 문제 중 하나는 국가의 높은 수준의 불법 복제 - 65-70%입니다. 일부 레퍼토리 그룹에서는 90%에 도달합니다.

따라서, 러시아 시장일반적으로 다음과 같습니다(미디어 유형별 구분).

테이블 № 10

백만 단위의 법적 및 불법 복제 판매의 총 데이터. $

* 1998년 8월 17일 위기의 결과 표와 그림에서 볼 수 있듯이 컴팩트 카세트는 여전히 음악 제작의 주요 매체로 남아 있습니다.

표 11

백만 단위의 레퍼토리 판매. EKZ. (MC+CD3).

표 12

레퍼토리별 시장 구조(총 법적 판매의 %).

APK는 무엇입니까? 나파란?

미국 비디오 시장의 상태를 더 잘 이해하려면 APCA(Motion Picture Producers Association of America)의 활동을 고려하십시오. 이것은 미국의 주요 영화, 사진 및 텔레비전 회사의 전문 협회입니다. 회원사로는 Buena Vista Pictures Distribution(Walt Disney Company, Hollywood Pictures Corporation, Sony Pictures Entertainment, Columbia, Trista), Twentys Century Fox Film Corporation, Universal City Studios 및 Warner Bros.

약 100명의 APKA 조사관이 미국 전역에서 활동하며 "해적" 활동을 조사하고 책임자를 처벌하는 경찰을 지원합니다. 1998년, 2022년에 이러한 조사가 수행되었습니다. 그 중 262건의 결과에 따라 형사 사건이 시작되고 법원 판결이 내려졌습니다. 52명의 가해자가 징역형을 선고받았다.

협회 회원은 러시아를 포함하여 전 세계 70개국 이상에서 해적 퇴치 활동에 기여하고 있습니다. 그들은 그들의

Cascade, East-West, Jemmy 및 Premier와 같은 적절한 러시아 라이센스를 보유하고 있는 조직을 통해 러시아에서 영화.

1998년 10월부터 APKA 회원 스튜디오에서 제작한 32편의 영화가 상영을 위해 러시아 영화관에 합법적으로 개봉되었습니다. 그 중에는 "Shakespeare in Love", "Armageddon", "Mummy", "Mask of Zorro", "The Adventures of Flick", "Healer Adame"이 있습니다. 또한 일련의 영화가 비디오로 제공됩니다. 극장에서 상영되는 영화는 일반적으로 비디오카세트로 동시 배급되지 않습니다. 일반적으로 후자는 영화 배급이 끝난 후 판매됩니다. 이것은 영화 배급사의 이익을 보호하기 위한 것입니다.

APKA는 러시아 불법 복제 방지 기구인 RAPO를 지원합니다. RAPO의 행정부는 모스크바에 있으며 조직 자체는 러시아 전역의 대도시에서 운영됩니다. RAPO 회원에는 미국 영화 스튜디오와 러시아의 라이선스 보유자뿐만 아니라 독립적인 러시아 영화 배급 조직, 두 개의 러시아 텔레비전 회사, 러시아 촬영 감독 연합, 러시아 수집가 협회 및 러시아 비디오 협회도 포함됩니다.

RAPO 직원은 법 집행 기관과 세무 경찰이 해적판 제품의 출처를 조사하고 제조업체와 판매자를 확인하기 위한 급습을 수행하는 것을 돕습니다. RAPO는 "해적판" 제품을 식별하고 법정에서 증언할 수 있는 전문가를 대표합니다.

NAPA - 전국 제조업체 협회

러시아의 오디오 제품 유통업체. 8월 위기(1998년 9월) 이후 동유럽 위원회 IFPI의 첫 번째 회의에서 러시아 국립 오디오 제품 제조업체 협회를 창설하기로 결정했습니다. 그 결과 NAPA는 1999년 6월에 등록되었습니다.

NAPA의 주요 목표는 다음과 같습니다. 국가 IFPI 그룹의 NAPA를 기반으로 러시아에서 준비하여 궁극적으로 모스크바의 IFPI 대표 사무소 직원과 통합합니다. 오디오 제작 제작자의 권리 및 정당한 이익 보호 - 러시아 음악 회사, 불법 오디오 제품의 복제 및 배포 방지 및 러시아 연방 영토에 대한 기존 법률을 준수하기 위해 오디오 제품 권리 보유자의 활동 조정.

현재 NAPA에는 Universal, BMG, EMI(S.B.A.), Gala Records, Real Records Art-stars, Studio Soyuz, Producer Igor Matvienko Center, FeeLee 등 러시아 최대 기업과 자체 지사 및 계열사가 러시아에 있는 주요 기업이 포함됩니다. 레코드 회사, NOX-MUSIC 및 기타.

현재까지 NAPA는 러시아에서 계열사로 운영되는 7개 조직을 보유하고 있습니다. 다른 지역과 협상이 진행 중입니다. NAPA는 "내륙 지역"으로 적극적으로 확장하는 동시에 백만 개 이상의 도시인 미국의 비즈니스 지역에 집중하고 있습니다.

NAPA에는 IFPI 회원이기도 한 많은 NAPA 회원사가 포함됩니다. 이 구성을 이해하기 위해 먼저 다른 국가 및 전 세계의 IFPI 구조를 전체적으로 살펴보겠습니다.

IFPI(International Federation of the Phonographic Industry)는 레코드 회사를 통합하며, 차례로 영토 기반으로 국가 그룹으로 통합됩니다. 즉, 연맹은 다양한 국가의 국가 그룹, 예를 들어 독일, 미국 등의 국가 그룹으로 구성됩니다. 지금까지 러시아에는 그러한 협회가 없었습니다. 위험한 사업 영역에서 IFPI는 대표 사무소를 개설하여 활동을 시작합니다. 얼마 후 각 개별 국가의 발전 역학에 따라 대표 장소 또는 도움을 받아 해당 국가의 국가 IFPI 그룹이 생성됩니다. 다양한 국가(및 러시아에서도)에서 연맹 대표의 기능은 현지에 설명하는 것으로 귀결됩니다. 음악 회사국제 음악 사업에서 IFPI의 역할, 그들을 초대하여 연맹의 회원이 되고 결국에는 전국적인 그룹을 만듭니다. 불행히도이 과정은 우리나라에서 "특별한 러시아의 길"을 택했습니다.

러시아에서 국가 IFPI 그룹 창설 완료가 머지 않았습니다. NAPA는 이를 위해 만반의 준비를 갖추고 있습니다. 이 협회는 IFPI 국가 그룹의 핵심으로 만들어졌습니다. 음악 사업의 합법화, IFPI 회원사에 대한 법률 및 법적 지원, 일반적으로 러시아, 특히 백만 명의 주민이 거주하는 지역에서 불법 복제에 대한 적극적인 싸움과 같은 공통된 목표와 목표가 있습니다. 물론 모스크바와 모스크바 지역에서 일하는 특별한 장소가 있습니다.

음악 비즈니스 문제에 대한 국가 당국 및 경영진의 결정 개발에 대한 독립적인 전문가.

시장에서 합법적으로 활동하고, 법적 문서를 인정하고, 녹음 및 재생 분야에서 활동하는 모든 국내 회사는 NAPA의 회원이 될 수 있습니다. 가입하려면 일련의 법적 및 등록 문서를 첨부하여 신청서와 함께 NAPA에 지원해야 합니다. 절차는 간단하지만 회원들에게 높은 책임을 부과합니다.

1999년 7월부터 200년 7월 사이에 러시아의 NAPA는 62,076개의 오디오 미디어 사본을 조사하여 위조 여부를 확인했습니다. 저작권 및 저작인접권의 불법 사용으로 유죄 판결을 받은 사람을 재판에 회부하기 위해 22건의 신청서가 제출되었으며, 8건의 주장 진술서, 5건의 청원서가 법원에 제출되었으며, 5건의 불법 복제 방지 캠페인이 법 집행 기관 및 IFPI와 공동으로 진행되었습니다. 15개의 캠페인이 내무부와 공동으로 진행되었습니다.

협회는 러시아 연방의 오디오 제품 시장 연구, 오디오 제품의 데이터 뱅크 생성, 오디오 제조업체, 딜러 및 유통업체의 거래 네트워크 - 각 거래에 대한 정보에 참여하고 있습니다.

가리키다. 그는 국가 기관, 기업, 공공 협회 및 시민들에게 음악 사업에 대해 조언하고, 음악 시장을 발전시키는 문명화된 방법을 촉진하고, 러시아 및 해외에서 세미나, 심포지엄 및 인턴십을 조직합니다. 가까운 장래에 - 음악 산업 분야의 전국 대회 조직.

NAPA는 IFPI(International Federation of the Phonographic Industry)에서 러시아 오디오 제작자를 대표하고 활동에 참여합니다(다른 국가 그룹과 상호 작용).

일련의 전문가 검사를 통해 특정 기업에서 위조품 생산 사실을 증명하거나 전문가가 말했듯이 오디오 카세트를 특정 기계, 특정 녹음 장치에 "연결"할 수 있습니다. 특히 소리정보를 기록하는 과정에서 움직이는 자기테이프는 이러한 소리기록장치의 특징인 표면층의 변화를 가지고 있는데,

수사에 의해 완전히 틀림없이 드러납니다.

저작권 보유자 검색은 국내 앨범에 대한 정보가 포함된 데이터베이스(Inter Media 에이전시에서 발행한 Russian Musical Yearbook이 이 NAPA에서 많은 도움이 됨) 및 외국 간행물에서 수행됩니다. 여기서 NAPA는 외국 파트너로부터 받은 데이터베이스에 의존합니다. 각 타이틀에 대한 저작물 및 음반의 최초 출판 날짜를 결정하는 것이 중요합니다. 조사 또는 연구 행위의 필수 구성 요소 중 하나는 저작물 및 음반의 불법 사용으로 인해 권리자가 입은 피해 금액을 결정하는 것입니다. 중요한 점은 저작권 보유자를 민사 원고로 인정하는 것입니다.

현금, 위조 제품 처리 및 출시 된 구성 요소로부터 합법적 제품 제조 후 얻은 권리 보유자, 위조 제품 보관을 담당하는 기업, 위조 처리 기업 시스템간에 합의 된 금액으로 배포됩니다. 제품 및 합법적인 제품의 제조 및 예산.

"녹스"란 무엇입니까?

"NOX"는 전국 협회입니다. 문화공동체. "Knox"의 주요 아이디어는 다음과 같습니다.

민족문화와 민족문화의 보존과 발전

1. 문화유산 선전

문화 교류를 통해 사람들을 하나로 묶고, 사람들 사이의 우호적이고 우호적인 유대를 강화합니다.

국가에 대한 모든 사람의 자부심 확인;

모든 민족의 권리가 평등한 다국적 국가로서 러시아를 강화하는 데 도움이 됩니다.

수년 동안 나는 모든 사람이 우정과 평화 속에 살며, 사업상 접촉하고, 문화적 유대를 통해 서로 풍요로워져야 한다는 생각을 전파해 왔습니다. 우리 땅에는 전쟁이 없어야 합니다. 결국 어머니는 아이를 낳는다. 행복한 삶, 부지런히 재능을 개발하고 최고의 감정을 키우고 반드시 국가에 대한 자부심을 가지십시오. 왜냐하면 모든 국가에는 비정상적으로 재능있는 사람들이 있기 때문입니다.

문화를 통해 우리 사회의 문제를 해결하고자 NOX를 만들었습니다.

이제 이러한 아이디어를 구현하는 데 있어 전적으로 신뢰할 수 있는 사람을 찾는 것이 중요합니다. "NOX"는 그러한 인력의 진정한 단조가 되어야 합니다. 나는 끊임없이 내 아이디어를 관리자에게 전달하고, 새로운 세대의 프로듀서를 교육하고, 내 프로젝트를 신뢰하고 실현하도록 돕습니다.