Rahsia kehebatan karya utama seni Jepun. Jepun menampilkan filem Aizu lacquerware

Pembentukan upacara minum teh (chanoyu) sebagai salah satu fenomena terbesar budaya Jepun berlaku dalam masa yang sangat sukar dan bermasalah bagi negara, apabila peperangan berdarah internecine dan pertelingkahan antara puak feudal menjadikan kehidupan orang tidak tertanggung. Upacara minum teh itu timbul di bawah pengaruh estetika dan falsafah Zen Buddhisme dan berusaha untuk mengatasi perasaan putus asa dengan penyembahan Kecantikan.

Pada masa itu, para penguasa kelas tentera dan pedagang kaya, berkumpul untuk perbincangan politik dan komersial, sering mengambil kesempatan untuk menghidangkan teh. Ia dianggap sebagai satu keseronokan yang baik untuk duduk beriadah di bilik teh yang tenang, terlepas daripada kebimbangan dan kebimbangan hidup, dan mendengar bunyi air mendidih di atas brazier. Guru hebat Sen-no-Rikyu menjadikan minum teh sebagai seni. Dia dapat mengembangkan seni upacara minum teh seperti yang dilakukannya, sebahagiannya kerana latar belakang sosial yang disebutkan di atas yang wujud.

Bilik teh yang dibina oleh Sen no Rikyu pada pandangan pertama kelihatan sangat ringkas malah terlalu kecil. Tetapi ia telah dirancang dengan cara yang paling berhati-hati, dengan kebolehfahaman yang halus, sehingga ke tahap paling awal butiran terkecil. Ia dihiasi dengan pintu gelangsar yang ditutup dengan kertas Jepun lut sinar putih salji. Silingnya disiapkan dengan buluh atau jerami, dan tekstur dinding yang terbuka sangat dihargai. Penyokong kebanyakannya kayu, mengekalkan kulit aslinya. Untuk mencipta kesan pertapaan dalam reka bentuk bilik teh, semua hiasan yang tidak berguna dan hiasan yang berlebihan telah dibuang.

Hari ini, upacara minum teh adalah seni yang paling asli dan unik. Ia memainkan peranan penting dalam rohani dan kehidupan awam Jepun selama beberapa abad. Lama kelamaan, upacara upacara minum teh dikanonkan, urutan tindakan dan tingkah laku menjadi diberikan. Setelah memasuki pintu kayu yang sederhana, para tetamu terjun ke dunia yang istimewa, meninggalkan segala-galanya di belakang mereka dan dalam penumpuan senyap hanya mematuhi undang-undang tindakan.

Chanoyu klasik ialah upacara berjadual ketat di mana tuan teh (orang yang membancuh dan menuang teh) dan peserta lain dalam majlis itu mengambil bahagian. Pada asasnya, tuan teh adalah imam yang melakukan perbuatan teh, selebihnya adalah mereka yang menyertainya. Setiap orang mempunyai gaya tingkah laku khusus mereka sendiri, termasuk postur semasa duduk, dan setiap pergerakan, sehingga ekspresi muka dan cara pertuturan.

Semasa minum teh, ucapan bijak dibuat, puisi dibaca, karya seni dipertimbangkan. Sejambak bunga dan peralatan khas untuk membancuh minuman dipilih dengan penjagaan khas untuk setiap majlis.

Suasana itu sendiri mewujudkan suasana yang sesuai, yang sangat mudah dan sederhana: teko tembaga, cawan, pengacau buluh, kotak penyimpanan teh, dll. Orang Jepun tidak suka objek berkilat terang, mereka kagum dengan kebodohan. D. Tanizaki menulis tentang perkara ini: “Orang Eropah menggunakan pinggan mangkuk yang diperbuat daripada perak, keluli atau nikel, menggilapnya sehingga kilauan yang mempesonakan, tetapi kita tidak tahan dengan kilauan seperti itu. Kami juga menggunakan barangan perak... tetapi kami tidak pernah menggilapnya sehingga bersinar. Sebaliknya, kita bergembira apabila kilauan ini keluar dari permukaan objek, apabila mereka memperoleh sentuhan preskripsi, apabila mereka menjadi gelap dengan masa ... Kami suka benda-benda yang mempunyai kesan daging manusia, jelaga minyak, luluhawa dan bengkak hujan. Semua barang untuk upacara minum teh mempunyai kesan masa, tetapi semuanya bersih. Senja, kesunyian, teko yang paling mudah, sudu kayu untuk menuang teh, cawan seramik yang kasar - semua ini mempesonakan mereka yang hadir.

Elemen yang paling penting di bahagian dalam rumah teh ialah niche - tokonoma. Ia biasanya mengandungi skrol dengan lukisan atau tulisan kaligrafi dan sejambak bunga, pedupaan dengan kemenyan. Tokonoma terletak bertentangan dengan pintu masuk dan serta-merta menarik perhatian tetamu. Skrol tokonama dipilih dengan penuh teliti dan merupakan subjek perbincangan yang sangat diperlukan semasa majlis. Ia ditulis dalam gaya Buddha Zen dan dengan kaligrafi kuno yang hanya sedikit yang dapat memahami dan memahami maksud apa yang ditulis, sebagai contoh: "Buluh itu hijau, dan bunganya merah", "Benda-benda adalah perkara, dan ini indah. !" atau "Air ialah air." Mereka yang hadir dijelaskan maksud kata-kata ini, secara zahirnya sederhana, tetapi pada masa yang sama sangat mendalam secara falsafah. Kadang-kadang pemikiran ini dinyatakan dalam bentuk puitis haiku, kadang-kadang ia tercermin dalam lukisan tuan lama, sebagai peraturan, dengan mematuhi prinsip "wabi".

Di Jepun, terdapat banyak bentuk upacara minum teh, tetapi hanya beberapa yang ditetapkan dengan ketat: teh malam, teh matahari terbit, teh pagi, minum petang, minum petang, teh istimewa.

Teh malam bermula dengan bulan. Para tetamu tiba kira-kira pukul sebelas setengah dan bertolak kira-kira pukul empat pagi. Biasanya, teh serbuk dibancuh, yang disediakan di hadapan tetamu: daun dibebaskan dari urat dan dikisar menjadi serbuk dalam mortar. Teh ini sangat kuat, ia tidak dihidangkan semasa perut kosong. Oleh itu, pada mulanya, tetamu dijamu dengan makanan yang sedikit berbeza. Teh diminum pada waktu matahari terbit sekitar jam tiga atau empat pagi. Tetamu menginap pada masa yang sama sehingga pukul enam. Teh pagi diamalkan dalam cuaca panas, tetamu berkumpul pada pukul enam pagi. Minum petang biasanya hanya dihidangkan dengan kuih muih sekitar jam 1 petang. Minum petang bermula sekitar jam 6 petang. Majlis minum teh istimewa (rinjitya-noyu) diatur pada sebarang majlis khas: pertemuan dengan rakan-rakan, cuti, perubahan musim, dsb.

Menurut orang Jepun, upacara minum teh membawa kesederhanaan, keaslian, kekemasan. Ini benar, sudah tentu, tetapi terdapat lebih banyak lagi untuk upacara minum teh. Memperkenalkan orang ramai kepada ritual yang mantap, ia membiasakan mereka dengan perintah yang ketat dan pemenuhan peraturan sosial tanpa syarat. Upacara minum teh adalah salah satu asas terpenting untuk memupuk perasaan kebangsaan.

Pemandangan seni Jepun moden nampaknya telah menjadi global sepenuhnya. Artis mengembara antara Tokyo dan New York, hampir semua menerima pendidikan Eropah atau Amerika, mereka bercakap tentang kerja mereka dalam seni antarabangsa Inggeris. Namun, gambar ini masih jauh dari lengkap.

Bentuk dan trend kebangsaan terbukti menjadi salah satu barangan yang paling dicari Jepun yang ditawarkan kepada pasaran dunia. idea seni dan berfungsi.

operasi kapal terbang. Bagaimana superflat menggabungkan budaya geek Amerika dan lukisan tradisional Jepun

Takashi Murakami. "Tang Tan Bo"

Jika di dunia Barat untuk hampir semua orang (kecuali mungkin ahli teori pascamoden yang paling bersemangat) sempadan antara budaya tinggi dan massa masih kekal relevan, walaupun bermasalah, maka di Jepun dunia ini benar-benar bercampur-campur.

Contohnya ialah Takashi Murakami, yang berjaya menggabungkan pameran di galeri terbaik dunia dan pengeluaran penstriman.

Rakaman lawatan pameran Murakami "Akan turun hujan lembut"

Walau bagaimanapun, hubungan Murakami dengan budaya popular - dan bagi Jepun ini terutamanya budaya peminat manga dan anime (otaku) - lebih rumit. Ahli falsafah Hiroki Azuma mengkritik pemahaman otaku sebagai fenomena Jepun yang asli. Otaku menganggap diri mereka berkaitan secara langsung dengan tradisi zaman Edo abad ke-17-19 - era pengasingan dan penolakan pemodenan. Azuma mendakwa bahawa pergerakan otaku adalah berdasarkan manga, animasi, novel grafik, permainan komputer- boleh timbul hanya dalam konteks pendudukan Amerika selepas perang akibat import budaya Amerika. Seni Murakami dan pengikutnya mencipta semula otaku dengan teknik seni pop dan menafikan mitos nasionalis tentang keaslian tradisi itu. Ia mewakili "pemerintahan semula budaya Amerika Jepun."

Dari sudut sejarah seni, superflat paling hampir dengan yang awal lukisan Jepun ukiyo-e. Karya yang paling terkenal dalam tradisi ini ialah ukiran " Ombak besar di Kanagawa" oleh Katsushiki Hokusai (1823-1831).

Bagi modenisme Barat, penemuan lukisan Jepun adalah satu kejayaan. Ia memungkinkan untuk melihat gambar sebagai pesawat dan berusaha untuk tidak mengatasi keanehan ini, tetapi untuk bekerja dengannya.

Katsushiki Hokusai. "Gelombang Hebat di Kanagawa"

Perintis prestasi. Apakah maksud seni Jepun tahun 1950-an hari ini

Dokumentasi proses kreatif Akira Kanayama dan Kazuo Shiraga

Superflat terbentuk hanya pada tahun 2000-an. Tetapi tindakan artistik yang penting untuk seni dunia bermula di Jepun lebih awal - dan lebih awal daripada di Barat.

Giliran persembahan dalam seni berlaku pada permulaan 60-an dan 70-an abad yang lalu. Di Jepun, persembahan itu muncul pada tahun lima puluhan.

Buat pertama kalinya, Kumpulan Gutai telah mengalihkan tumpuannya daripada penciptaan objek berdikari kepada proses pengeluaran mereka. Dari sini - satu langkah untuk meninggalkan objek seni yang memihak kepada acara yang tidak kekal.

Walaupun artis individu dari Gutai (dan terdapat 59 daripada mereka dalam tempoh dua puluh tahun) secara aktif wujud dalam konteks antarabangsa, memahami Jepun sebagai aktiviti kolektif mereka seni selepas perang umumnya bermula di Barat baru-baru ini. Ledakan itu berlaku pada 2013 dengan beberapa pameran di galeri kecil di New York dan Los Angeles, Tokyo 1955-1970: The New Avant-Garde di MoMA, dan Gutai retrospektif sejarah yang besar: Taman Permainan Splendid di Muzium Guggenheim. Import seni Jepun di Moscow nampaknya merupakan kesinambungan trend ini yang hampir terlewat.

Sadamasa Motonaga. Bekerja (Air) di Muzium Guggenheim

Sungguh mengagumkan betapa modennya pameran retrospektif ini. Sebagai contoh, objek utama eksposisi di Muzium Guggenheim ialah pembinaan semula Kerja (Air) oleh Sadamasa Motonaga, di mana paras rotunda muzium disambungkan dengan paip polietilena dengan air berwarna. Ia mengingatkan sapuan berus yang telah tercabut dari kanvas dan menjadi contoh tumpuan utama Gutai pada "kekonkretan" (diterjemahkan daripada nama Jepun kumpulan), materialiti objek yang digunakan oleh artis.

Ramai ahli Gutai menerima pendidikan yang berkaitan dengan lukisan nihonga klasik, ramai yang secara biografi dilampirkan pada konteks agama Buddhisme Zen, dengan ciri kaligrafi Jepunnya. Kesemua mereka menemui pendekatan baru, prosedur atau penyertaan kepada tradisi kuno. Kazuo Shiraga telah merakam video bagaimana dia melukis monokrom anti-Rauschenberg dengan kakinya, dan juga mencipta lukisan di khalayak ramai.

Minoru Yoshida menukar bunga dari cetakan Jepun menjadi objek psychedelic - contohnya ialah Bunga Biseksual, salah satu arca kinetik (bergerak) pertama di dunia.

Kurator pameran di Muzium Guggenheim bercakap tentang kepentingan politik karya-karya ini:

"Gutai menunjukkan kepentingan tindakan individu yang bebas, merobohkan jangkaan penonton, dan juga kebodohan sebagai cara untuk menentang kepasifan dan kepatuhan sosial yang, selama beberapa dekad, membenarkan kerajaan ketenteraan memperoleh pengaruh yang besar, menyerang China, dan kemudiannya. menyertai Perang Dunia II."

Baik dan bijak. Mengapa Artis Meninggalkan Jepun ke Amerika pada 1960-an

Gutai adalah pengecualian kepada peraturan di Jepun selepas perang. Kumpulan avant-garde kekal terpinggir, dunia seni sangat berhierarki. Cara utama untuk mendapat pengiktirafan ialah penyertaan dalam pertandingan yang diadakan oleh persatuan artis klasik yang diiktiraf. Oleh itu, ramai yang lebih suka pergi ke Barat dan mengintegrasikan ke dalam sistem seni berbahasa Inggeris.

Ia amat sukar untuk wanita. Malah di Gutai yang progresif, bahagian kehadiran mereka tidak mencapai walaupun seperlima. Apa yang boleh kita katakan tentang institusi tradisional, akses yang memerlukan pendidikan khas. Menjelang tahun enam puluhan, kanak-kanak perempuan telah memperoleh hak untuk itu, bagaimanapun, belajar seni (jika ia bukan tentang hiasan, yang merupakan sebahagian daripada set kemahiran ryosai kenbo- isteri yang baik dan ibu yang bijak) adalah seorang yang bermasam muka dengan pekerjaan.

Yoko Ono. potong sekeping

Kisah penghijrahan lima artis wanita Jepun yang berkuasa dari Tokyo ke Amerika Syarikat menjadi subjek kajian Midori Yoshimoto "Into Performance: Japanese Women Artists in New York". Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi dan Shigeko Kubota pada permulaan kerjaya mereka memutuskan untuk berlepas ke New York dan bekerja di sana, termasuk pemodenan tradisi seni Jepun. Hanya Yoko Ono yang dibesarkan di AS - tetapi dia juga sengaja enggan kembali ke Jepun, kerana kecewa dengan hierarki seni Tokyo semasa tinggal singkatnya pada 1962-1964.

Ono menjadi yang paling terkenal daripada lima, bukan sahaja sebagai isteri John Lennon, tetapi juga sebagai pengarang persembahan proto-feminis yang didedikasikan untuk objektif badan wanita. Terdapat persamaan yang jelas antara Cut Piece It, di mana penonton boleh memotong pakaian artis, dan "Rhythm 0" oleh "nenek persembahan" Marina Abramović.

Pada kaki pendek. Bagaimana untuk lulus latihan lakonan penulis Tadashi Suzuki

Dalam kes Ono dan Gutai, kaedah dan tema karya mereka, dipisahkan daripada pengarang, menjadi penting di peringkat antarabangsa. Terdapat bentuk eksport lain - apabila karya artis dilihat dengan minat di arena antarabangsa, tetapi peminjaman kaedah sebenar tidak berlaku kerana kekhususannya. Kes yang paling menarik ialah sistem latihan lakonan Tadashi Suzuki.

Teater Suzuki disayangi walaupun di Rusia - dan ini tidak menghairankan. Kali terakhir dia bersama kami pada tahun 2016 dengan persembahan The Trojan Women berdasarkan teks Euripides, dan pada tahun 2000-an dia datang beberapa kali dengan produksi Shakespeare dan Chekhov. Suzuki memindahkan aksi drama itu ke konteks Jepun semasa dan menawarkan tafsiran teks yang tidak jelas: dia menemui anti-Semitisme di Ivanov dan membandingkannya dengan sikap menghina orang Jepun terhadap orang Cina, memindahkan tindakan Raja Lear kepada suaka gila Jepun.

Suzuki membina sistemnya bertentangan dengan sekolah teater Rusia. DALAM lewat XIX abad, semasa zaman Meiji yang dipanggil, Jepun empayar pemodenan mengalami kebangkitan gerakan pembangkang. Hasilnya ialah pembaratan besar-besaran budaya yang sebelum ini sangat tertutup. Antara bentuk yang diimport ialah sistem Stanislavsky, yang masih kekal di Jepun (dan di Rusia) salah satu kaedah pengarah utama.

Senaman Suzuki

Pada tahun enam puluhan, apabila Suzuki memulakan kerjayanya, tesis itu semakin tersebar kerana ciri-ciri tubuh mereka, pelakon Jepun tidak dapat membiasakan diri dengan peranan dari teks Barat yang mengisi repertoir ketika itu. Pengarah muda itu berjaya menawarkan alternatif yang paling meyakinkan.

Sistem latihan Suzuki, yang dipanggil tatabahasa kaki, termasuk berpuluh-puluh cara untuk duduk, dan lebih banyak lagi untuk berdiri dan berjalan.

Pelakonnya biasanya bermain tanpa alas kaki dan seolah-olah, dengan menurunkan pusat graviti, diikat seketat mungkin ke tanah, berat. Suzuki mengajar mereka dan penghibur asing tekniknya di kampung Toga, di rumah Jepun purba yang dipenuhi dengan peralatan moden. Rombongannya hanya memberikan kira-kira 70 persembahan setahun, dan selebihnya dia hidup, hampir tanpa meninggalkan kampung dan tidak mempunyai masa untuk urusan peribadi - hanya bekerja.

Pusat Toga muncul pada tahun 1970-an dan direka bentuk atas permintaan pengarah oleh arkitek terkenal dunia Arata Isozaka. Sistem Suzuki mungkin kelihatan patriarki dan konservatif, tetapi dia sendiri bercakap tentang Toga dari segi desentralisasi moden. Malah pada pertengahan tahun 2000-an, Suzuki memahami kepentingan mengeksport seni dari ibu kota ke wilayah dan mengatur pusat pengeluaran tempatan. Menurut pengarah, peta teater Jepun dalam banyak aspek menyerupai peta Rusia - seni tertumpu di Tokyo dan beberapa pusat yang lebih kecil. Teater Rusia juga akan mendapat manfaat daripada sebuah syarikat yang kerap mengadakan lawatan di bandar-bandar kecil dan berpusat jauh dari ibu negara.

Pusat Syarikat SCOT di Toga

Jejak bunga. Apakah sumber yang ditemui teater moden dalam sistem noh dan kabuki

Kaedah Suzuki berkembang daripada dua tradisi Jepun purba - tetapi juga kabuki. Bukan sahaja jenis teater ini sering dicirikan sebagai seni berjalan, tetapi juga dalam butiran yang lebih jelas. Suzuki sering mengikut peraturan tentang prestasi semua peranan oleh lelaki, menggunakan penyelesaian spatial ciri, sebagai contoh, hanamichi ("jalan bunga") sampel kabuki - platform memanjang dari pentas ke kedalaman auditorium. Dia juga mengeksploitasi simbol yang agak dikenali seperti bunga dan skrol.

Sudah tentu, dalam dunia global ada cakap tentang keistimewaan orang Jepun menggunakan bentuk kebangsaan mereka.

Teater salah seorang pengarah paling penting pada zaman kita, Robert Wilson dari Amerika, dibina atas pinjaman daripada tetapi.

Dia bukan sahaja menggunakan topeng dan solekan yang mengingatkan khalayak ramai di Jepun, tetapi juga meminjam cara bertindak berdasarkan kelembapan maksimum pergerakan dan ekspresi diri yang mencukupi bagi isyarat itu. Menggabungkan bentuk tradisional dan ritualistik dengan skor cahaya ultra-moden dan muzik minimalis (salah satu karya Wilson yang paling terkenal ialah pengeluaran opera Philip Glass Einstein on the Beach), Wilson pada asasnya menghasilkan sintesis asal-usul dan perkaitan yang banyak diperjuangkan oleh seni moden. .

Robert Wilson. "Einstein di Pantai"

Dari tidak dan kabuki tumbuh salah satu tiang tarian moden- buto, diterjemahkan secara literal - tarian kegelapan. Dicipta pada tahun 1959 oleh koreografer Kazuo Ono dan Tatsumi Hijikata, yang juga menggunakan pusat graviti rendah dan tumpuan pada kaki, butoh adalah tentang membawa refleksi dari pengalaman perang traumatik ke dalam dimensi tubuh.

“Mereka menunjukkan mayat itu sakit, rebah, bahkan dahsyat, dahsyat.<…>Pergerakan sama ada perlahan, atau sengaja tajam, meletup. Untuk ini, teknik khas digunakan, apabila pergerakan dilakukan seolah-olah tanpa melibatkan otot utama, disebabkan oleh tuas tulang rangka, "sejarawan tarian Irina Sirotkina menulis butoh dalam sejarah pembebasan badan, menghubungkan. ia dengan berlepas dari normativiti balet. Dia membandingkan butoh dengan amalan penari dan koreografer pada awal abad ke-20 - Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman, bercakap tentang pengaruh pada tarian "postmodern" kemudian.

Serpihan tarian Katsura Kana, penerus moden tradisi butoh

Hari ini, butoh dalam bentuk asalnya bukan lagi amalan avant-garde, tetapi pembinaan semula sejarah.

Walau bagaimanapun, perbendaharaan kata pergerakan yang dibangunkan oleh Ono, Hijikata dan pengikut mereka kekal sebagai sumber penting untuk koreografer moden. Di Barat, ia digunakan oleh Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky dan juga dalam video untuk "Belong To The World" oleh The Weekend. Di Jepun, penerus tradisi butoh adalah, contohnya, Saburo Teshigawara, yang akan datang ke Rusia pada bulan Oktober. Walaupun dia sendiri menafikan persamaan dengan tarian kegelapan, pengkritik mendapati tanda-tanda yang agak dikenali: badan yang kelihatan tidak bertulang, kerapuhan, langkah tanpa suara. Benar, mereka sudah diletakkan dalam konteks koreografi pascamoden - dengan tempo tinggi, larian, bekerja dengan muzik bunyi pasca industri.

Saburo Teshigawara. metamorfosis

Global tempatan. Bagaimanakah seni Jepun kontemporari serupa dengan seni Barat?

Karya Teshigawara dan ramai rakan sekerjanya secara organik sesuai dengan program festival tarian kontemporari Barat terbaik. Jika anda menyemak huraian persembahan dan persembahan yang ditunjukkan di Festival / Tokyo - pertunjukan tahunan terbesar teater Jepun, maka sukar untuk melihat perbezaan asas daripada aliran Eropah.

Salah satu tema utama ialah kekhususan tapak - artis Jepun meneroka ruang Tokyo, daripada rumpun kapitalisme dalam bentuk bangunan pencakar langit hingga ke kawasan kecil tumpuan otaku.

Tema lain ialah kajian tentang salah faham antara generasi, teater sebagai tempat pertemuan langsung dan komunikasi teratur orang yang berbeza umur. Projek yang didedikasikan untuknya oleh Toshika Okada dan Akira Tanayama telah dibawa ke Vienna selama beberapa tahun berturut-turut ke salah satu festival seni persembahan utama Eropah. Tiada perkara baharu dalam pemindahan bahan dokumentari dan cerita peribadi ke pentas menjelang penghujung tahun 2000-an, tetapi kurator Festival Vienna mempersembahkan projek-projek ini kepada orang ramai sebagai peluang untuk berhubung secara langsung, dari titik ke titik dengan yang lain. budaya.

Satu lagi baris utama bekerja melalui pengalaman traumatik. Bagi orang Jepun, ia tidak dikaitkan dengan Gulag atau Holocaust, tetapi dengan pengeboman Hiroshima dan Nagasaki. Teater merujuk kepadanya secara berterusan, tetapi kenyataan paling kuat tentang letupan atom sebagai momen genesis semua budaya Jepun moden masih menjadi milik Takashi Murakami.

ke pameran "Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture"

"Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture" ialah tajuk projek pilihan beliau yang ditayangkan di New York pada tahun 2005. "Little Boy" - "bayi" dalam bahasa Rusia - nama salah satu bom yang dijatuhkan di Jepun pada tahun 1945. Mengumpul ratusan komik manga daripada ilustrator terkemuka, mainan vintaj yang tersendiri, barangan yang diilhamkan oleh anime terkenal daripada Godzilla hingga Hello Kitty, Murakami telah menolak kepekatan kecomelan - kawaii - ke had dalam ruang muzium. Pada masa yang sama, beliau melancarkan pilihan animasi, di mana gambar letupan, bumi kosong, dan bandar yang musnah menjadi imej utama.

Penentangan ini merupakan kenyataan utama pertama tentang pemansuhan budaya Jepun sebagai cara untuk mengatasi gangguan tekanan selepas trauma.

Sekarang kesimpulan ini nampaknya sudah jelas. Kajian akademik kawaii oleh Inuhiko Yomota dibina di atasnya.

Terdapat juga pencetus traumatik kemudiannya. Antara yang paling penting - peristiwa 11 Mac 2011, gempa bumi dan tsunami yang membawa kepada kemalangan besar di loji tenaga nuklear Fukushima. Di Festival/Tokyo-2018, keseluruhan program enam persembahan dikhaskan untuk memahami akibat bencana alam dan teknologi; mereka juga menjadi tema untuk salah satu karya yang dibentangkan di Solyanka. Contoh ini jelas menunjukkan bahawa senjata kaedah kritikal Seni Barat dan Jepun pada asasnya tidak berbeza. Haruyuki Ishii mencipta pemasangan tiga set televisyen yang mengulangi rakaman yang disunting dan digelung berkelajuan tinggi daripada program televisyen tentang gempa bumi.

"Karya itu terdiri daripada 111 video yang ditonton artis setiap hari dalam berita sehingga saat semua yang dilihatnya tidak lagi dianggap sebagai fiksyen," jelas kurator. "Jepun Baru" ialah contoh ekspresif bagaimana seni tidak menentang tafsiran berdasarkan mitos kebangsaan, tetapi pada masa yang sama mata kritikal mendapati bahawa tafsiran yang sama mungkin relevan untuk seni dari mana-mana asal usul. Para kurator bercakap tentang kontemplasi sebagai asas tradisi Jepun, menggunakan petikan dari Lao Tzu. Pada masa yang sama, seolah-olah meninggalkan kurungan bahawa hampir semua seni kontemporari tertumpu pada "kesan pemerhati" (seperti yang dipanggil pameran) - sama ada dalam bentuk mewujudkan konteks baru untuk persepsi fenomena biasa atau dalam meningkatkan persoalan tentang kemungkinan persepsi yang mencukupi seperti itu.

Komuniti Terbayang - satu lagi karya artis video Haruyuki Ishii

Permainan

Walau bagaimanapun, seseorang tidak sepatutnya berfikir bahawa Jepun pada tahun 2010-an adalah kepekatan progresif.

Tabiat tradisionalisme lama yang baik dan kecintaan terhadap eksotisme orientalis belum lagi dihidupkan. "The Theatre of Virgins" adalah tajuk artikel yang agak mengagumi tentang teater Jepun "Takarazuka" dalam majalah konservatif Rusia "PTJ". Takarazuka muncul pada akhir abad ke-19 sebagai projek perniagaan untuk menarik pelancong ke bandar terpencil dengan nama yang sama, yang secara tidak sengaja menjadi perhentian kereta api persendirian. Hanya gadis yang belum berkahwin bermain di teater, yang menurut pemilik kereta api, sepatutnya memikat penonton lelaki ke bandar. Hari ini, Takarazuka berfungsi sebagai industri - dengan saluran TVnya sendiri, padat program konsert, malah taman hiburan tempatan. Tetapi hanya gadis yang belum berkahwin yang masih mempunyai hak untuk berada dalam rombongan - semoga mereka tidak memeriksa keperawanan sekurang-kurangnya.

Walau bagaimanapun, Takarazuka tidak begitu baik jika dibandingkan dengan kelab Toji Deluxe di Kyoto, yang orang Jepun juga panggil teater. Mereka menunjukkan sangat liar, berdasarkan penerangan Kolumnis New Yorker Ian Buruma, pertunjukan striptis: beberapa gadis berbogel di atas pentas mengubah demonstrasi kemaluan menjadi ritual awam.

Seperti kebanyakan amalan artistik, persembahan ini berdasarkan legenda purba (dengan bantuan lilin dan kaca pembesar, lelaki dari penonton boleh bergilir-gilir meneroka "rahsia ibu dewi Amaterasu"), dan penulis sendiri diingatkan daripada tradisi noh.

Cari rakan sejawat Barat untuk "Takarazuki" dan Toji kami akan menyerahkannya kepada pembaca - tidak sukar untuk mencarinya. Kami hanya ambil perhatian bahawa sebahagian besar seni moden ditujukan tepat untuk memerangi amalan penindasan sedemikian - kedua-dua Barat dan Jepun, daripada tarian superflat hingga butoh.

Dengan artikel ini, saya memulakan satu siri artikel mengenai sejarah seni halus Jepun. Catatan ini akan memberi tumpuan terutamanya kepada lukisan bermula dari zaman Heian, dan artikel ini adalah pengenalan dan menerangkan perkembangan seni sehingga abad ke-8.

tempoh Jomon
budaya Jepun mempunyai akar yang sangat kuno - penemuan terawal bermula sejak alaf ke-10 SM. e. tetapi secara rasmi permulaan zaman Jomon dianggap sebagai 4500 SM. e. Mengenai tempoh ini nekokit menulis jawatan yang sangat baik.
Keunikan tembikar Jōmon ialah kebiasaannya rupa tembikar, seiring dengan perkembangannya pertanian menunjukkan permulaan zaman Neolitik. Walau bagaimanapun, walaupun dalam era Mesolitik, beberapa ribu tahun sebelum kedatangan pertanian, pemburu-pengumpul Jomon mencipta tembikar dalam bentuk yang agak kompleks.

Walaupun kemunculan tembikar sangat awal, orang zaman Jomon mengembangkan teknologi dengan sangat perlahan dan kekal pada tahap Zaman Batu.

Semasa zaman Jōmon Tengah (2500-1500 SM), patung-patung seramik muncul. Tetapi dalam kedua-dua tempoh Pertengahan dan Akhir (1000-300 SM) mereka kekal abstrak dan sangat bergaya.

Daripada Ebisuda, Tajiri-cho, Miyagi.H. 36.0.
Zaman Jomon, 1000-400B.C.
Muzium Negara Tokyo

Dengan cara ini, ahli ufologi percaya bahawa ini adalah imej makhluk asing. Dalam patung-patung ini mereka melihat pakaian angkasa lepas, cermin mata dan topeng oksigen pada muka mereka, dan imej lingkaran pada "pakaian angkasa" dianggap sebagai peta galaksi.

Masa Yayoi
Yayoi adalah tempoh yang singkat sejarah Jepun, berlangsung dari 300 SM hingga 300 AD, di mana perubahan budaya yang paling dramatik dalam masyarakat Jepun berlaku. Dalam tempoh ini, suku kaum yang datang dari tanah besar dan berpindah orang asli Pulau-pulau Jepun membawa budaya mereka dan teknologi baru seperti penanaman padi dan pemprosesan gangsa. Sekali lagi, kebanyakan seni dan teknologi zaman Yayoi diimport dari Korea dan China.

Tempoh kofun
Antara 300 dan 500 tahun, ketua puak telah dikebumikan dalam busut yang dipanggil "Kofun". Tempoh ini dipanggil dengan nama ini.

Benda-benda yang mungkin diperlukan oleh si mati diletakkan di dalam kubur. Ini adalah makanan, alat dan senjata, barang kemas, tembikar, cermin dan yang paling menarik - patung tanah liat yang dipanggil "haniwa".

Daripada Kokai, Oizumi-machi, Gunma.H.68.5.
Zaman Kofun, abad ke-6.
Muzium Negara Tokyo

Tujuan sebenar patung-patung itu masih tidak diketahui, tetapi ia ditemui di semua tanah perkuburan era Kofun. Dari patung-patung kecil ini seseorang boleh membayangkan bagaimana orang hidup pada masa itu, kerana orang digambarkan dengan alat dan senjata, dan kadang-kadang di sebelah rumah.

Arca-arca ini, yang dipengaruhi oleh tradisi Cina, mempunyai unsur-unsur bebas yang hanya wujud dalam seni tempatan.

Penari wanita, dinasti Han Barat (206 B.C.–A.D. 9), abad ke-2 B.C.
China
Muzium Seni Metropolitan, NY

Semasa tempoh Kofun, patung-patung menjadi lebih halus dan lebih dan lebih berbeza. Ini adalah imej askar, pemburu, penyanyi, penari, dan sebagainya.

Daripada Nohara, Konan-machi, Saitama. Sekarang H. 64.2, 57.3.
Zaman Kofun, abad ke-6.
Muzium Negara Tokyo

Terdapat satu lagi ciri arca ini. Haniwa mewakili bukan sahaja fungsi sosial tetapi juga mood tokoh itu. Sebagai contoh, seorang pahlawan mempunyai ekspresi yang tegas di wajahnya. dan di wajah para petani tersenyum lebar.

Daripada Iizuka-cho, Ota-shi, Gunma.H. 130.5.
Zaman Kofun, abad ke-6.
Muzium Negara Tokyo

tempoh Asuka
Sejak zaman Yayoi, seni Jepun tidak dapat dipisahkan daripada seni Korea atau Cina. Ini menjadi paling ketara pada abad ketujuh dan kelapan, apabila seni Jepun mula berkembang pesat menjadi pelbagai genre visual.

Pada abad ke-6, perubahan kardinal berlaku dalam masyarakat Jepun: negara Jepun pertama Yamato akhirnya terbentuk, dan juga, pada tahun 552, agama Buddha datang ke Jepun, membawa bersamanya arca Buddha dan konsep kuil, yang menyebabkan penampilan. kuil di Jepun - sebagai Shinto, serta Buddha.
Kuil Shinto mengikut seni bina jelapang (Kuil Shinto terawal ialah jelapang tempat perayaan menuai diadakan. Semasa perayaan ritual, orang percaya bahawa tuhan sedang berpesta bersama mereka.)
Dewa Shinto terutamanya kuasa semula jadi, jadi seni bina kuil ini disepadukan dengan alam semula jadi, seperti sungai dan hutan. Ini penting untuk difahami. Dalam seni bina Shinto, struktur buatan manusia dimaksudkan untuk menjadi lanjutan dunia semula jadi.

Kuil Buddha pertama, Shitennoji, hanya dibina pada 593 di Osaka. Kuil awal ini adalah tiruan kuil Buddha Korea, yang terdiri daripada pagoda tengah yang dikelilingi oleh tiga bangunan dan koridor berbumbung.

Penyebaran agama Buddha memudahkan hubungan antara Jepun dan Korea dengan China dan integrasi budaya Cina ke dalam budaya Jepun.

Selamat petang, pembaca yang dikasihi! Saya meneruskan pemilihan filem cereka tentang Jepun yang saya syorkan untuk ditonton. Filem, seperti buku, membolehkan anda mengenali gaya hidup, mentaliti dan budaya penduduk negara matahari terbit.

Jepun filem seni:

1. Maharaja, filem bersama antara Jepun dan Amerika Syarikat, dikeluarkan pada 2012, genre - sejarah ketenteraan, diarahkan oleh Pitter Webber. Filem ini memaparkan peristiwa yang berlaku di Jepun selepas Perang Dunia Kedua, apabila tentera Amerika tiba di Jepun untuk memulihkan ketenteraman, menangkap penjenayah perang dan menentukan perjalanan masa depan pembangunan Jepun. Pandangan situasi itu ditunjukkan melalui kaca mata seorang jeneral Amerika yang mencintai seorang gadis Jepun sebelum perang. Dia perlu menentukan tahap rasa bersalah Maharaja Hirohito Jepun dalam melancarkan perang.

Filem ini menarik dari sudut sejarah, kerana ia memaparkan peristiwa sebenar pada masa itu. Dan Jepun dibentangkan bukan sahaja sebagai negara penceroboh, tetapi juga sebagai negara yang terjejas - bandar-bandar musnah dan dibakar sepenuhnya, ratusan ribu orang dibakar dalam letupan bom atom.

2. Shinsengumi, tahun filem itu dibuat 1969, dibuat di Jepun, diarahkan oleh Tadashi Sawashima.

Filem itu menunjukkan tahun lepas pemerintahan Keshogunan Tokugawa. Apabila detasmen kecil dibentuk daripada sekumpulan samurai bebas (ronin) untuk melindungi shogun terakhir puak Tokugawa, yang dipanggil detasmen polis yang mengaku diri sendiri. Detasmen tentera samurai yang terdesak dan berani ini diketuai oleh Kondo Isami, seorang petani sejak lahir. Detasmen itu terkenal dengan ketangkasan ketenteraan yang tiada tandingannya dalam pertempuran tangan-ke-tangan dan untuk idea-idea kemenangan shogunate ke atas kuasa empayar.

Mengenai topik yang sama, anda boleh menemui dokumentari yang memulihkan peristiwa pada masa itu dan memberikan penilaian objektif terhadap tindakan detasmen Shinsengumi dan komandernya, Kondo Isami. Filem ini berdasarkan peristiwa bersejarah dan filem cereka secara praktikalnya tidak mengubah intipati filem dokumentari.

3. Bilah tersembunyi, dibuat di Jepun, dikeluarkan pada tahun 2004, diarahkan oleh Yoji Yamada. Genre filem ini ialah drama, melodrama. Filem ini berlaku di pertengahan sembilan belas abad di kerajaan kecil Unasaku di pantai barat laut Jepun. Dalam tempoh ini, perubahan besar berlaku di negara ini, samurai dibina semula dengan cara Barat dan menguasai senjata api dan cara peperangan baharu. Konflik bermula antara cara hidup lama dan segala sesuatu yang baru yang pantas menangkap kehidupan orang Jepun.

Terhadap latar belakang hubungan antara seorang lelaki dan seorang wanita, imej seorang samurai ditunjukkan secara tidak mencolok, yang terdiri daripada pematuhan ketat peraturan kehormatan, dalam maruah dan kejujuran. Selepas menonton filem ini, anda sekali lagi membuat kesimpulan bahawa stereotaip bahawa samurai adalah kelas militan adalah salah. Dalam kata-kata wira filem itu, "untuk samurai, membunuh seseorang adalah sama sukarnya dengan orang lain."

4. Saya hari hujan, pengeluaran Jepun 2009, genre drama. Filem ini memaparkan kehidupan pelajar sekolah melakukan enjo-kasai. Segalanya berubah apabila watak utama bertemu dengan seorang pemuda, seorang guru sejarah. Filem romantik ini mengisahkan tentang perkembangan hubungan antara mereka. Filem yang sangat manis dan menyentuh perasaan.

5.Cinta pada tahap istimewa- pengeluaran Jepun, pengarah filem Naoto Kumazawa, tahun keluaran 2014, genre melodrama.

Semuanya bermula di sekolah menengah, Kururuki Yuni seorang pelajar sekolah menengah, pintar, dia mempunyai markah tinggi dalam semua disiplin kecuali bahasa Inggeris. Dia bertujuan dan pintar, menyembunyikan semua emosi dalam dirinya dan oleh itu sangat kesepian.

Seorang guru bahasa Inggeris muda, Sakurai, menugaskan kelas harian Yuni. Apa yang membuatkan dia melakukannya? Keinginan untuk mengajar Kukuruki bahasa atau keinginan untuk mengeluarkan gadis itu dari cangkangnya. Tetapi apa pun, kelas tambahan Bahasa Inggeris membawa kepada keputusan yang tidak dijangkakan oleh sesiapa pun. Filem ini comel, semua aksi santai dengan set kata-kata minimum dan permainan perasaan, pelakon cantik, tenang iringan muzik. Direka untuk penonton wanita remaja. Mungkin kelihatan agak ketat.

6. Saya nak peluk awak- produksi Jepun, pengarah filem Akihiko Shioto, tahun keluaran 2014.

Kisah sedih dan menyentuh tentang hubungan antara lelaki muda Masami dan gadis Tsukasa adalah berdasarkan kejadian sebenar. Filem ini berlaku di pulau Hokkaido. Pada suatu hari, sekumpulan pemain bola keranjang muda tiba di gim, yang pada masa yang sama ditempah oleh sekumpulan orang kurang upaya. Acara ini membolehkan pemandu teksi Masami, yang bermain bola keranjang sejak sekolah, bertemu Tsukasa, yang menjadi kurang upaya akibat kemalangan kereta.

Tsukasa tidak suka diperlakukan seperti orang tidak sah. Setelah terselamat daripada akibat teruk kemalangan itu dan secara beransur-ansur kembali hidup, dia menjadi kuat. Masami pula seorang yang baik hati dan lembut. Hubungan mereka tidak difahami oleh ibu bapa di kedua-dua belah pihak, tetapi walaupun ini, anak-anak muda terus bertemu. Menyedari bahawa hubungan anak muda ibu bapa yang ikhlas turut jatuh cinta dengan Tsukasa. Terdapat perkahwinan indah seorang lelaki muda yang kacak dan seorang gadis di atas kerusi roda, tetapi kehidupan mempunyai caranya sendiri ...

Artelino

The Great Wave off Kanagawa oleh Katsushika Hokusai (1760-1849) ialah salah satu cetakan paling terkenal dan helaian pertama siri Thirty-six Views of Fuji. Pada awal 1830-an, Katsushika Hokusai, yang ditugaskan oleh rumah penerbitan Eijudo, mula mencipta satu siri 46 helaian (36 utama dan 10 tambahan), dan The Great Wave off Kanagawa ialah ukiran yang membuka keseluruhan siri.

Koleksi ukiran sedemikian disajikan untuk penduduk bandar pada masa itu sebagai sejenis " perjalanan maya”, satu cara untuk memuaskan rasa ingin tahu - mudah dan murah. Cetakan seperti Fuji berharga kira-kira 20 bulan - hampir sama dengan dua bahagian mi di kedai makan Jepun pada masa itu. Walau bagaimanapun, kejayaan itu begitu hebat sehinggakan pada tahun 1838 kos helaian Hokusai telah meningkat kepada hampir 50 mon, dan selepas kematian tuannya, Wave sahaja telah dicetak semula daripada papan baharu lebih daripada 1000 kali.

Adalah mengejutkan bahawa, walaupun tema yang dinyatakan dalam keseluruhan siri, Fuji dalam The Wave bermain seperti peranan kecil. Ketua" pelakon”pada ukiran ini adalah gelombang, dan di latar depan adegan dramatik perjuangan seorang lelaki dengan unsur-unsur terungkap. Tepi jambul buih kelihatan seperti jari-jari yang dipintal oleh syaitan yang marah yang hebat, dan ketiadaan wajah serta ketidakaktifan figura manusia di dalam bot tidak meragukan siapa yang akan menjadi pemenang dalam pertarungan ini. Namun, bukan konfrontasi inilah konflik yang mencipta plot ukiran.
Dengan menghentikan saat selepas bot itu terhempas, Hokusai membenarkan penonton melihat Fuji seketika di atas langit kelabu, menjadi gelap ke arah ufuk. Walaupun pengukir Jepun sudah biasa dengan prinsip linear dan Eropah perspektif udara, mereka tidak merasakan keperluan untuk teknik ini. Latar belakang yang gelap, serta perjalanan pandangan yang jauh dari latar depan dengan bot melalui pergerakan ombak ke Fuji, meyakinkan mata bahawa gunung suci itu dipisahkan daripada kita oleh hamparan laut.

Fuji naik jauh dari pantai sebagai simbol kestabilan dan keteguhan, bertentangan dengan unsur ribut. Perpaduan dan saling bergantung antara yang bertentangan mendasari idea susunan kosmik dan keharmonian mutlak dalam pandangan dunia Timur Jauh, dan merekalah yang menjadi tema utama ukiran "The Great Wave off Kanagawa", yang membuka siri oleh Katsushika Hokusai.

"Beauty Nanivaya Okita" oleh Kitagawa Utamaro, 1795-1796

Institut Seni Chicago

Kitagawa Utamaro (1753-1806) boleh dipanggil penyanyi kecantikan wanita dalam cetakan Jepun ukiyo-e: dia mencipta beberapa imej kanonik kecantikan Jepun ( bijinga) - penduduk rumah teh dan kawasan hiburan terkenal Yoshiwara di ibu negara Jepun, Edo edo — nama Tokyo sebelum 1868..

Dalam ukiran bijinga, semuanya tidak seperti yang dilihat oleh penonton moden. Wanita bangsawan yang berpakaian mewah, sebagai peraturan, terlibat dalam kraf yang memalukan dan tergolong dalam kelas bawahan, dan ukiran dengan potret kecantikan mempunyai fungsi pengiklanan secara terbuka. Pada masa yang sama, ukiran itu tidak memberikan gambaran tentang penampilan gadis itu, dan walaupun Okita dari rumah teh Nanivaya berhampiran kuil Asakusa dianggap sebagai keindahan pertama Edo, wajahnya dalam ukiran itu adalah langsung tidak mempunyai keperibadian.

Imej wanita dalam bahasa Jepun seni yang bagus sejak abad ke-10, mereka telah tertakluk kepada kanun minimalisme. "Mata garisan, hidung cangkuk" - teknik hikime-kagihana membenarkan artis hanya untuk menunjukkan bahawa wanita tertentu digambarkan: dalam bahasa Jepun budaya tradisional soal kecantikan fizikal sering diketepikan. Pada wanita kelahiran mulia"kecantikan hati" dan pendidikan lebih dihargai, dan penduduk di kawasan yang ceria berusaha untuk meniru standard tertinggi dalam segala hal. Menurut Utamaro, Okita benar-benar cantik.

Lembaran "Beauty Nanivaya Okita" dicetak pada 1795-1796 dalam siri "Kecantikan Terkenal Diibaratkan Enam Penyair Abadi", di mana salah seorang penulis abad ke-9 sepadan dengan setiap kecantikan. Pada helaian dengan potret Okita di sudut kiri atas terdapat imej Arivara no Narihira (825-880), salah seorang penyair yang paling dihormati di Jepun, yang secara tradisinya dikaitkan dengan novel Ise Monogatari. Bangsawan yang mulia dan penyair yang cemerlang ini juga terkenal dengan hubungan cintanya, yang sebahagiannya menjadi asas novel.

Lembaran ini adalah penggunaan teknik yang unik mitate(perbandingan) dalam ukiran Jepun. Kualiti "prototaip" yang berwibawa dipindahkan kepada kecantikan yang digambarkan, dan pelacur yang elegan, dengan wajah tenang melayani tetamu secawan teh, sudah dibaca oleh penonton sebagai seorang wanita yang mahir dalam puisi dan perbuatan cinta. Perbandingan dengan Arivara no Narihira benar-benar satu pengiktirafan keunggulannya di kalangan kecantikan Edo.

Pada masa yang sama, Utamaro mencipta imej lirik yang mengejutkan. Mengimbangi bintik-bintik gelap dan terang pada daun dan menggariskan bentuk dengan garisan yang merdu dan elegan, dia mencipta imej keanggunan dan keharmonian yang benar-benar sempurna. "Pengiklanan" surut, dan keindahan yang dirakam oleh Utamaro kekal abadi.

Skrin "Irises" oleh Ogata Korin, 1710s

Wikimedia Commons / Muzium Nezu, Tokyo

Sepasang skrin iris enam panel - kini khazanah negara Jepun - telah dicipta oleh Ogata Korin (1658-1716) sekitar 1710 untuk kuil Nishi Hongan-ji di Kyoto.

Sejak abad ke-16, lukisan pada panel dinding dan skrin kertas telah menjadi salah satu genre terkemuka. seni hiasan Jepun, dan Ogata Korin, pengasas sekolah seni Rimpa, adalah salah seorang sarjana terhebatnya.

Skrin di pedalaman Jepun memainkan peranan penting. Premis istana yang luas secara strukturnya tidak berbeza dengan kediaman orang Jepun yang sederhana: mereka hampir tidak mempunyai dinding dalaman, dan ruang itu dizonkan dengan skrin lipat. Hanya lebih sedikit daripada satu setengah meter tinggi, skrin direka untuk tradisi Jepun biasa semua kelas untuk hidup di atas lantai. Di Jepun, kerusi dan meja tinggi tidak digunakan sehingga abad ke-19, dan ketinggian skrin, serta komposisi lukisannya, direka untuk pandangan seseorang yang duduk di atas lututnya. Dengan sudut pandangan inilah kesan yang menakjubkan timbul: iris kelihatan mengelilingi orang yang duduk - dan seseorang dapat merasakan dirinya di tebing sungai, dikelilingi oleh bunga.

Iris dicat dengan cara yang tidak kontur - hampir impresionistik, sapuan lebar tempera biru tua, ungu dan ungu menyampaikan kehebatan bunga ini. Kesan yang indah dipertingkatkan oleh kilauan emas yang kusam, yang menggambarkan iris mata. Skrin tidak menggambarkan apa-apa selain bunga, tetapi garis pertumbuhan sudutnya menunjukkan bahawa bunga itu membengkok di sekitar aliran sungai yang berliku atau zigzag jambatan kayu. Adalah wajar bagi orang Jepun untuk melihat jambatan yang hilang dari skrin, "jambatan lapan papan" khas ( yatsuhashi), dikaitkan dengan iris dalam klasik kesusasteraan Jepun. Novel Ise Monogatari (abad ke-9) menggambarkan perjalanan sedih seorang wira yang diusir dari ibu negara. Setelah menetap bersama rombongannya untuk berehat di tebing sungai berhampiran jambatan Yatsuhashi, wira itu, melihat iris, mengingati kekasihnya dan mengarang puisi:

kekasihku dalam pakaian
Anggun di sana, di ibu kota,
Cinta pergi...
Dan saya fikir dengan kerinduan berapa banyak
saya jauh dari dia... Terjemahan oleh N.I. Konrad.

"Jadi dia melipat, dan semua orang menitiskan air mata pada nasi kering mereka, sehingga ia membengkak dengan kelembapan," tambah pengarang dan wira lirik bercerita, Arivara no Narihira.

Bagi orang Jepun yang berpendidikan, hubungan antara iris di tepi jambatan dan Ise monogatari, iris dan tema cinta yang berpisah adalah jelas, dan Ogata Korin mengelakkan keterlaluan dan ilustrasi. Dengan bantuan lukisan hiasan, dia hanya mencipta ruang ideal yang dipenuhi dengan cahaya, warna dan konotasi sastera.

Pavilion Emas Kinkakuji, Kyoto, 1397

Yevgen Pogoryelov / flickr.com, 2006

Kuil Emas adalah salah satu simbol Jepun, yang, ironisnya, lebih dimuliakan oleh kemusnahannya daripada pembinaannya. Pada tahun 1950, seorang sami Biara Rokuonji yang tidak stabil mentalnya, di mana bangunan ini dimiliki, membakar sebuah kolam yang berdiri di permukaan
astaka Semasa kebakaran pada tahun 1950, kuil itu hampir musnah. Kerja-kerja pemulihan di Kinkaku-ji bermula pada tahun 1955, pada tahun 1987 pembinaan semula secara keseluruhan telah selesai, tetapi pemulihan hiasan dalaman yang hilang sepenuhnya berterusan sehingga tahun 2003.. Motif sebenar perbuatannya masih tidak jelas, tetapi dalam tafsiran penulis Yukio Mishima, keindahan yang tidak dapat dicapai, hampir mistik kuil ini harus dipersalahkan. Sesungguhnya, selama beberapa abad, Kinkakuji dianggap sebagai lambang kecantikan Jepun.

Pada tahun 1394, Shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), yang menundukkan hampir seluruh Jepun mengikut kehendaknya, secara rasmi bersara dan menetap di sebuah vila yang dibina khas di utara Kyoto. Bangunan tiga tingkat di tasik buatan Kyokoti ("cermin tasik") memainkan peranan sejenis pertapaan, astaka terpencil untuk bersantai, membaca dan berdoa. Ia mengandungi koleksi lukisan oleh shogun, perpustakaan dan koleksi peninggalan Buddha. Terletak di atas air berhampiran pantai, Kinkakuji hanya mempunyai komunikasi bot dengan pantai dan merupakan pulau yang sama dengan pulau buatan dengan batu dan pokok pain yang bertaburan di sekitar Kyokoti. Idea "pulau cakerawala" dipinjam dari mitologi Cina, di mana tempat tinggal syurga berfungsi sebagai pulau Penglai, pulau abadi. Pantulan pavilion di dalam air sudah membangkitkan persatuan Buddha dengan idea tentang sifat ilusi dunia fana, yang hanya merupakan pantulan pucat dari kemegahan dunia kebenaran Buddha.

Walaupun semua nada mitologi ini adalah spekulatif, lokasi pavilion memberikannya keharmonian dan keharmonian yang menakjubkan. Refleksi menyembunyikan kekongkongan bangunan, menjadikannya lebih tinggi dan lebih langsing; pada masa yang sama, ia adalah ketinggian pavilion yang memungkinkan untuk melihatnya dari mana-mana tebing kolam, sentiasa dengan latar belakang gelap kehijauan.

Ia masih, bagaimanapun, tidak sepenuhnya jelas betapa emas pavilion ini dalam bentuk asalnya. Mungkin, di bawah Ashikaga Yoshimitsu, ia sememangnya ditutup dengan daun emas dan lapisan pelindung varnis. Tetapi jika anda percaya gambar-gambar abad ke-19 - awal abad ke-20 dan Yukio Mishima, maka pada pertengahan abad ke-20, penyepuhan itu hampir terkelupas dan mayatnya hanya kelihatan di tingkat atas bangunan. Pada masa ini, dia lebih menyentuh jiwa dengan pesona kehancuran, jejak masa, tidak dapat dielakkan walaupun kepada perkara yang paling indah. Daya tarikan melankolis ini sepadan dengan prinsip estetika sabi sangat dihormati dalam budaya Jepun.

Satu cara atau yang lain, kemegahan bangunan ini sama sekali tidak dalam emas. Keterukan bentuk Kinkakuji yang indah dan keharmonian yang sempurna dengan landskap menjadikannya salah satu karya seni bina Jepun.

Mangkuk "Iris" dalam gaya karatsu, abad XVI-XVII

Diane Martineau /pinterest.com/Muzium Seni Metropolitan, New York

Perkataan itu meibutsu- benda dengan nama. Hanya nama cawan ini yang benar-benar bertahan, kerana masa dan tempat yang tepat penciptaannya, mahupun nama tuannya tidak dipelihara. Namun begitu, ia diklasifikasikan sebagai khazanah negara Jepun dan merupakan salah satu daripada contoh yang jelas seramik dalam gaya kebangsaan.

Pada akhir abad ke-16, upacara minum teh cha-no-yu terbengkalai porselin Cina halus dan seramik dengan sayu mengingatkan bahan berharga. Kecantikan mereka yang menakjubkan kelihatan terlalu tiruan dan terus terang kepada tuan teh. Barangan yang sempurna dan mahal - mangkuk, bekas air dan kendi teh - tidak sepadan dengan kanun rohani Zen Buddhisme yang hampir pertapa, dalam semangat upacara minum teh berkembang. Revolusi sebenar dalam tindakan teh adalah tarikan kepada seramik Jepun, jauh lebih mudah dan tidak berseni pada masa bengkel Jepun baru mula menguasai teknologi tembikar benua.

Bentuk mangkuk Iris adalah ringkas dan tidak teratur. Lengkungan sedikit dinding, lekuk tukang periuk kelihatan di seluruh badan memberikan mangkuk itu dengan mudah. Serpihan tanah liat ditutup dengan sayu ringan dengan rangkaian retakan - craquelure. Di bahagian depan, yang menyapa tetamu semasa upacara minum teh, imej iris digunakan di bawah sayu: lukisan itu naif, tetapi dilaksanakan dengan berus bertenaga, betul-betul, seolah-olah dalam satu pergerakan, dalam semangat Zen kaligrafi. Nampaknya bentuk dan hiasan boleh dibuat secara spontan dan tanpa penggunaan pasukan khas.

Spontan ini mencerminkan ideal wabi- kesederhanaan dan ketiadaan seni, menimbulkan rasa kebebasan dan keharmonian rohani. Mana-mana orang atau bahkan objek tidak bernyawa dalam pandangan pengikut Jepun Buddhisme Zen mempunyai sifat pencerahan Buddha, dan usaha pakar itu bertujuan untuk menemui sifat ini dalam dirinya dan dunia di sekelilingnya. Perkara-perkara yang digunakan dalam upacara minum teh, untuk semua kekok mereka, sepatutnya membangkitkan pengalaman mendalam tentang kebenaran, kaitan setiap saat, terpaksa mengintip ke dalam bentuk yang paling biasa dan melihat keindahan sebenar di dalamnya.

Berbeza dengan tekstur kasar mangkuk dan kesederhanaannya adalah pemulihan dengan lakuer emas sumbing kecil (teknik ini dipanggil kintsugi). Pemulihan telah dijalankan pada abad ke-18 dan menunjukkan penghormatan yang digunakan oleh tuan teh Jepun merawat peralatan untuk upacara minum teh. Jadi upacara minum teh menyediakan para peserta dengan "cara" untuk menemui keindahan sebenar sesuatu, seperti mangkuk Iris. Tersirat, kerahsiaan telah menjadi asas kepada konsep estetik wabi dan bahagian penting dalam pandangan dunia Jepun.

Potret Monk Gandzin, Nara, 763

Toshodaiji, 2015

Pada abad VIII, arca menjadi bentuk utama ekspresi artistik era, era Nara (710-794), yang dikaitkan dengan pembentukan negara Jepun dan pengukuhan agama Buddha. Sarjana Jepun telah pun melepasi peringkat perantisan dan tiruan buta teknik dan imej kontinental dan mula secara bebas dan jelas menyatakan semangat zaman mereka dalam arca. Penyebaran dan pertumbuhan kewibawaan agama Buddha menyebabkan kemunculan potret arca Buddha.

Salah satu karya agung genre ini ialah potret Gandzin, yang dicipta pada tahun 763. Dibuat dalam teknik lakuer kering (dengan membina lapisan lakuer pada bingkai kayu yang ditutup dengan kain), arca yang hampir bersaiz nyata dicat secara realistik, dan pada waktu senja kuil, Ganjin duduk dalam pose meditasi "sebagai jika hidup”. Keserupaan hidup ini adalah fungsi kultus utama potret sedemikian: guru harus sentiasa berada di dalam dinding biara Todaiji di bandar Nara dan hadir pada upacara ketuhanan yang paling penting.

Kemudian, pada abad ke-11-13, potret arca mencapai ilusionisme yang hampir tanpa belas kasihan, menggambarkan kelemahan nyanyuk guru yang dihormati, mulut cekung mereka, pipi kendur dan kedutan yang dalam. Potret ini melihat penganut agama Buddha dengan mata yang hidup, bertatahkan kristal batu dan kayu. Tetapi wajah Gandzin kelihatan kabur, tidak ada kontur yang jelas dan bentuk yang jelas di dalamnya. Kelopak mata mata separuh tertutup dan tidak berkerak kelihatan bengkak; mulut yang tegang dan lipatan nasolabial yang dalam menyatakan kewaspadaan biasa daripada kepekatan meditasi.

Semua ciri ini mendedahkan biografi dramatik sami ini, kisah pertapaan dan tragedi yang menakjubkan. Ganjin, seorang sami Buddha Cina, telah dijemput ke Jepun untuk upacara penyucian biara terbesar Nara, Todaiji. Kapal itu ditangkap oleh lanun, skrol yang tidak ternilai dan arca Buddha yang bertujuan untuk kuil Jepun yang jauh hilang dalam kebakaran, Ganjin membakar mukanya dan kehilangan penglihatannya. Tetapi dia tidak meninggalkan keinginan untuk berdakwah di pinggiran tamadun yang jauh - iaitu, bagaimana Jepun dianggap oleh benua itu pada masa itu.

Beberapa lagi percubaan untuk menyeberangi laut berakhir dengan cara yang tidak berjaya, dan hanya pada percubaan kelima, Ganjin yang sudah pertengahan umur, buta dan uzur itu sampai ke ibu kota Jepun, Nara.

Di Jepun, Ganjin tidak mengajar undang-undang Buddha untuk masa yang lama: peristiwa dramatik dalam hidupnya menjejaskan kesihatannya. Tetapi kuasanya sangat tinggi sehingga, mungkin, sebelum kematiannya, ia telah diputuskan untuk mencipta arcanya. Tidak dinafikan, sami artis berusaha untuk memberikan arca sebanyak mungkin persamaan dengan model itu. Tetapi ini tidak dilakukan untuk menyelamatkan penampilan seseorang, tetapi untuk menangkap pengalaman rohani individunya, jalan sukar yang dilalui Ganjin dan yang dipanggil ajaran Buddha.

Daibutsu - Buddha Besar Kuil Todaiji, Nara, pertengahan abad ke-8

Todd/flickr.com

Pada pertengahan abad ke-8, Jepun mengalami bencana alam dan wabak, dan tipu daya keluarga Fujiwara yang berpengaruh dan pemberontakan yang mereka bangkitkan memaksa Maharaja Shomu meninggalkan ibu kota, bandar Nara. Dalam pengasingan, dia berikrar untuk mengikuti ajaran Buddha dan pada tahun 743 mengarahkan pembinaan kuil utama negara itu dimulakan dan penuangan kuil besar. patung gangsa Buddha Vairochana (Matahari Besar Buddha atau Semua Cahaya Menerangi). Dewa ini dianggap sebagai penjelmaan universal Buddha Shakyamuni, pengasas ajaran Buddha, dan sepatutnya menjadi penjamin perlindungan maharaja dan seluruh negara semasa tempoh pergolakan dan pemberontakan.

Kerja bermula pada 745 dan telah dimodelkan pada patung Buddha gergasi di kuil gua Longmen berhampiran ibu kota China Luoyang. Patung di Nara, seperti mana-mana imej Buddha, sepatutnya menunjukkan "tanda-tanda besar dan kecil Buddha." Kanun ikonografi ini termasuk cuping telinga yang memanjang, mengingatkan fakta bahawa Buddha Shakyamuni berasal dari keluarga pangeran dan dari zaman kanak-kanak memakai anting-anting berat, ketinggian di bahagian atas kepalanya (ushnisha), titik di dahinya (guci).

Ketinggian patung itu ialah 16 meter, lebar mukanya 5 meter, panjang telapak tangan yang dihulurkan ialah 3.7 meter, dan tempayan itu lebih besar. kepala manusia. Pembinaan mengambil 444 tan tembaga, 82 tan timah dan sejumlah besar emas, pencarian yang dilakukan khas di utara negara itu. Sebuah dewan, Daibutsuden, telah didirikan di sekeliling patung untuk melindungi kuil. Dalam ruang kecilnya, patung Buddha duduk yang sedikit tunduk memenuhi seluruh ruang, menggambarkan salah satu postulat utama Buddhisme - idea bahawa dewa itu ada di mana-mana dan meliputi segala-galanya, ia merangkumi dan memenuhi segala-galanya. Ketenangan transendental wajah dan isyarat tangan dewa (mudra, isyarat memberi perlindungan) melengkapi perasaan keagungan dan kuasa Buddha yang tenang.

Walau bagaimanapun, hanya beberapa serpihan yang tinggal dari patung asal hari ini: kebakaran dan peperangan menyebabkan kerosakan besar pada patung itu di XII dan abad XVI, dan patung moden kebanyakannya mewakili tuangan abad ke-18. Semasa pemulihan abad ke-18, angka gangsa tidak lagi ditutup dengan emas. Semangat Buddhis Maharaja Shomu pada abad ke-8 secara praktikal mengosongkan perbendaharaan dan menumpahkan darah negara yang sudah terkejut, dan pemerintah kemudiannya tidak lagi mampu membayar perbelanjaan yang tidak wajar itu.

Walau bagaimanapun, kepentingan Daibutsu bukan terletak pada emas dan tidak juga pada keaslian yang boleh dipercayai - idea tentang penjelmaan ajaran Buddha yang begitu hebat adalah monumen kepada era apabila Jepun seni monumental mengalami berbunga tulen, membebaskan dirinya daripada menyalin buta model benua dan mencapai integriti dan ekspresif, yang kemudiannya hilang.