Arus dan arah utama era baru estetika. Sejarah Estetika: Estetika Zaman Moden

Hantar kerja baik anda di pangkalan pengetahuan adalah mudah. Gunakan borang di bawah

Pelajar, pelajar siswazah, saintis muda yang menggunakan pangkalan pengetahuan dalam pengajian dan kerja mereka akan sangat berterima kasih kepada anda.

Disiarkan pada http://allbest.ru

seni kecantikan estetik

pengenalan

1. Estetika sebagai sains falsafah

2. Idea estetik masyarakat Timur Purba

3. Pemikiran estetik antik

4. Estetika Zaman Pertengahan

5. Ajaran estetik Zaman Renaissance

6. Estetika zaman baharu

7. Idea estetik falsafah klasik Jerman

8. Konsep bukan klasik estetika Eropah Barat

pengenalan

Kemungkinan hubungan takdir manusia dengan kecantikan adalah salah satu peluang paling menakjubkan yang dapat mendedahkan kegembiraan sebenar berkomunikasi dengan dunia, keagungan kewujudan. Walau bagaimanapun, peluang yang diberikan oleh menjadi sering kekal tidak dituntut, terlepas. Dan kehidupan menjadi kelabu biasa, membosankan, tidak menarik. Kenapa ini terjadi?

Tingkah laku makhluk semula jadi ditentukan oleh struktur organisma mereka. Jadi, setiap haiwan dilahirkan ke dunia sudah dikurniakan satu set naluri yang memastikan kesesuaian dengan persekitaran. Tingkah laku haiwan adalah berkod keras, mereka mempunyai "makna" kehidupan mereka sendiri.

Seseorang tidak mempunyai kepastian tingkah laku semula jadi ini kerana hakikat bahawa setiap individu mengandungi kemungkinan perkembangan tanpa had (baik positif dan negatif). Ini menerangkan kepelbagaian jenis tingkah laku individu yang tidak habis-habis, ketidakpastian setiap individu. Seperti yang dinyatakan oleh Montaigne, terdapat lebih sedikit persamaan antara dua wakil umat manusia daripada antara dua haiwan.

Dengan kata lain, apabila seseorang individu itu dilahirkan, dia segera mendapati dirinya berada dalam situasi yang tidak menentu untuk dirinya sendiri. Walaupun kecenderungan yang paling kaya, gennya tidak memberitahu anda bagaimana untuk berkelakuan, apa yang harus diusahakan, apa yang harus dielakkan, apa yang harus dicintai di dunia ini, apa yang harus dibenci, bagaimana membezakan kecantikan sejati dari palsu, dll. Gen diam tentang perkara yang paling penting, menyesuaikan diri dengan sebarang tingkah laku. Bagaimanakah seseorang itu akan menguruskan kebolehannya? Adakah cahaya kecantikan akan terpancar di fikirannya? Adakah dia akan dapat menahan tekanan si hodoh, dasar?

Ia adalah daya tarikan yang cantik, dan, pada masa yang sama, keinginan seseorang untuk mengatasi pengaruh yang merosakkan pangkalan, yang menjadi salah satu sebab yang paling penting untuk kemunculan sains khas kecantikan.

Untuk memahami perkaitan isu estetik yang semakin meningkat, perlu diberi perhatian keseluruhan baris ciri-ciri pembangunan teknogenik. Masyarakat moden berhadapan dengan trend paling berbahaya dalam keseluruhan sejarah umat manusia: percanggahan antara sifat global lepas landas saintifik dan teknologi dan batasan kesedaran manusia, yang boleh membawa kepada malapetaka umum.

Menjelang awal abad ke-20, pengalaman rohani, saintifik dan teknikal yang besar telah terkumpul. Idea kemanusiaan, kebaikan, keadilan dan keindahan diiktiraf secara meluas. Segala bentuk kejahatan telah didedahkan dan seluruh alam rohani telah terbentuk, memupuk keindahan.

Tetapi masyarakat dunia tidak menjadi lebih bijak, lebih harmoni dan lebih berperikemanusiaan. Begitu juga sebaliknya. Tamadun abad ke-20 ternyata terlibat dalam jenayah yang paling besar, mereplikasi jenis asas kewujudan. Banyak pergolakan sosial yang buruk, manifestasi melampau kekejaman tidak masuk akal sepanjang abad ke-20 memusnahkan kepercayaan kepada manusia, imej personaliti yang optimis. Lagipun, dalam tempoh inilah berjuta-juta orang telah musnah. Tiang-tiang nilai budaya berabad-abad yang nampak tidak tergoyahkan telah dipadamkan dari muka bumi.

Salah satu kecenderungan yang paling ketara pada abad yang lalu adalah berkaitan dengan pemburukan pandangan dunia yang tragis. Malah di negara-negara yang stabil dari segi ekonomi, bilangan kes bunuh diri semakin meningkat, berjuta-juta orang menderita. pelbagai bentuk kemurungan. Pengalaman keharmonian peribadi menjadi keadaan yang rapuh, tidak stabil, agak jarang berlaku, yang semakin sukar untuk ditembusi dalam arus kekacauan manusia sejagat.

Refleksi tentang rawak, ketidakpastian, sifat huru-hara kewujudan manusia, pertumbuhan keraguan berhubung dengan pencarian garis panduan semantik yang boleh dipercayai dan penemuan keindahan sebenar menjadi motif dominan budaya.

Mengapa pergerakan manusia dalam masa dan ruang begitu tragis? Adakah mungkin untuk mengatasi gejala mengganggu yang semakin meningkat dalam kehidupan manusia? Dan, yang paling penting, pada laluan apakah keharmonian mampan ditemui?

Penyakit mental yang paling biasa adalah jatuh dari dunia kecantikan. Hakikatnya adalah bahawa agak kerap seseorang mencari kebahagiaan dengan menguasai ruang luaran, mencari kekayaan, kuasa, kemasyhuran, kesenangan fisiologi. Dan di jalan ini dia boleh mencapai ketinggian tertentu. Walau bagaimanapun, mereka tidak dapat mengatasi kebimbangan berterusan, kebimbangan, kerana iman dalam kuasa wang yang tidak terhad, kuasa terlalu besar, dan akibatnya, hubungan yang mendalam dengan asas suci makhluk - Kecantikan hilang.

Dan dalam pengertian ini, estetika sebagai sains tentang kecantikan, tentang kekayaan yang tidak habis-habis dan sifat paradoks manifestasinya dalam budaya dunia boleh menjadi faktor yang paling penting dalam humanisasi individu. Dan dengan itu, tugas utama estetika adalah untuk mendedahkan fenomena yang merangkumi semua yang indah, untuk membuktikan cara mengharmonikan seseorang untuk mengakarnya dalam dunia kecantikan dan kreativiti yang tidak dapat dielakkan. Sebagai F.M. Dostoevsky, "estetika ialah penemuan detik-detik indah dalam jiwa manusia oleh orang yang sama untuk peningkatan diri."

1. Eestetika sebagai sains falsafah

Estetika adalah satu sistem pengetahuan tentang sifat dan undang-undang pembangunan yang paling umum yang indah dan hodoh, luhur dan asas, fenomena tragis dan komik realiti dan ciri-ciri refleksi mereka dalam fikiran manusia. Estetika ialah sains falsafah, yang berkaitan dengan penyelesaian persoalan utama falsafah. Dalam estetika, ia muncul sebagai persoalan tentang hubungan kesedaran estetik dengan realiti.

Subjek estetika

Ia terbentuk dalam proses perkembangan pemikiran estetik yang berabad-abad lamanya, berdasarkan generalisasi amalan sikap estetik orang kepada produk aktiviti mereka, kepada karya seni, kepada alam semula jadi, kepada manusia itu sendiri. Banyak persoalan yang diterokai oleh estetika hari ini telah menduduki manusia sejak sekian lama; mereka diletakkan di hadapan mereka oleh orang Yunani kuno, dan sebelum orang Yunani, pemikir Mesir, Babylon, India, dan China memikirkan mereka.

Walau bagaimanapun, nama sains - estetika - diperkenalkan ke dalam peredaran hanya pada pertengahan abad ke-18 oleh ahli falsafah Jerman. Baumgarten. Sebelumnya, persoalan estetika dianggap dalam kerangka konsep falsafah umum sebagai bahagian organiknya. Dan hanya pencerahan Jerman ini yang menonjolkan estetika dalam kerangka falsafah sebagai disiplin bebas yang menduduki tempat bersebelahan dengan disiplin falsafah lain - logik, etika, epistemologi, dan sebagainya. Baumgarten memperoleh istilah "estetika" daripada perkataan Yunani kuno yang bermaksud "mengenai yang masuk akal". Sehubungan itu, estetikanya ialah ilmu persepsi deria. Subjek estetika, dan oleh itu kandungan konsep ini, sentiasa berubah sejak itu. Hari ini, subjek sains ini adalah: pertama, sifat estetika, iaitu, yang paling Ciri-ciri umum, sisi yang wujud dalam pelbagai objek estetik realiti; kedua, sifat pantulan fenomena ini dalam minda manusia, dalam keperluan estetik, persepsi, idea, cita-cita, pandangan dan teori; ketiga, sifat aktiviti estetik manusia sebagai proses penciptaan nilai-nilai estetika.

Intipati dan kekhususan sikap estetik kepada dunia

Hubungan estetik adalah hubungan rohani subjek dengan objek, berdasarkan keinginan yang tidak berminat untuk yang terakhir dan disertai dengan perasaan keseronokan rohani yang mendalam daripada berkomunikasi dengannya.

Objek estetik timbul dalam proses amalan sosio-sejarah: pada mulanya secara spontan, dan kemudian sesuai dengan perasaan, keperluan, idea estetik yang muncul, secara umum, kesedaran estetik orang. Dipandu olehnya, seseorang membentuk "zat" alam mengikut undang-undang aktiviti estetik. Akibatnya, objek yang diciptanya, misalnya, alat, muncul sebagai satu kesatuan aspek alam dan sosial, satu kesatuan yang, sebagai nilai estetika, mampu memenuhi bukan sahaja material, utilitarian, tetapi juga keperluan rohani. daripada orang.

Pada masa yang sama, objek yang sama dalam satu aspek mungkin bernilai estetik, sebagai contoh, cantik, dan dalam satu lagi - estetik anti-bernilai. Sebagai contoh, seseorang sebagai objek sikap estetik boleh mempunyai suara yang indah dan rupa yang hodoh. Di samping itu, objek estetik yang sama boleh bernilai dan anti-bernilai dalam hal yang sama, tetapi pada masa yang berbeza. Hakikat bahawa objek estetik mempunyai kepentingan estetik relatif juga dibuktikan oleh sifat kutub kategori estetik utama (cantik dan hodoh, luhur dan asas, tragis dan komik).

Bidang masalah dan asas metodologi estetika

Salah satu pendekatan moden untuk menganggap subjek estetika sebagai sains ialah bidang estetik yang bermasalah bukanlah satu bidang fenomena yang istimewa, tetapi seluruh dunia dilihat dari sudut tertentu, semua fenomena diambil berdasarkan tugas yang ini. sains menyelesaikan. Persoalan utama sains ini ialah sifat estetika dan kepelbagaiannya dalam realiti dan seni, prinsip-prinsip sikap estetik manusia terhadap dunia, intipati dan undang-undang seni. Estetika sebagai sains mengekspresikan sistem pandangan estetik masyarakat, yang meninggalkan kesannya pada keseluruhan wajah aktiviti material dan rohani manusia.

Pertama sekali, ini menyangkut kedudukan bahawa fenomena estetik mesti dipertimbangkan dalam kualiti akhir mereka, secara holistik. Lagipun, dalam kualiti yang holistik dan muktamad, perpaduan objektif dan subjektif fenomena estetik dimanifestasikan.

Pelaksanaan prinsip metodologi ini bermula dengan penemuan akar genetik fenomena estetik. Sudut pandangan genetik ialah prinsip metodologi asal estetika. Ia menerangkan bagaimana fenomena estetik (contohnya, seni) ditentukan oleh realiti, serta keaslian personaliti pengarang. Sudut pandangan genetik adalah prinsip metodologi utama estetika, berkat sifat subjek-objek fenomena estetik diambil kira.

Struktur teori estetik

Hubungan estetik seseorang dengan realiti sangat pelbagai dan serba boleh, tetapi mereka paling jelas ditunjukkan dalam seni. Seni juga merupakan subjek yang dipanggil sains sejarah seni (kritikan sastera, muzikologi, sejarah dan teori seni halus, kajian teater, dll.). Sejarah seni terdiri daripada pelbagai ilmu (sejarah dan teori jenis tertentu seni). Kompleks teori jenis seni individu dan pengetahuan teori yang berkaitan dengan seni, sesetengah ahli estetik memanggil teori umum seni dan membezakannya daripada estetika yang betul.

Cabang-cabang sains sejarah seni melaksanakan fungsi disiplin sains tambahan berhubung dengan estetika. Walau bagaimanapun, disiplin tambahan estetika tidak berakhir di sana. Disiplin saintifik tambahan yang sama berkaitan dengannya ialah, contohnya, sosiologi seni, psikologi seni, epistemologi, semantik, dan sebagainya. Estetika menggunakan penemuan banyak disiplin saintifik, tanpa identik dengannya. Oleh itu, kerana sifat generalisasinya, estetika dipanggil sains falsafah.

Hubungan khusus antara estetika dan seni jelas dimanifestasikan dalam kritikan seni. Estetika adalah asas teori kritikan; membantunya memahami dengan betul masalah kreativiti dan mengemukakan aspek yang selaras dengan makna seni untuk seseorang dan masyarakat. Berdasarkan kesimpulan dan prinsipnya, berdasarkan corak yang telah ditetapkan, estetika memberi peluang kepada kritikan untuk mencipta kriteria penilaian, menilai kreativiti dari segi keperluan semasa yang berkaitan dengan pembangunan aspek sosial dan nilai.

2. Idea estetik masyarakat Timur Purba

Tradisionalisme budaya Timur purba

Peralihan daripada sistem perkauman primitif kepada pembentukan pemilikan hamba membawa kepada pembentukan beberapa tamadun yang berkuasa di Timur dengan tahap budaya material dan rohani yang tinggi.

Spesifik pembangunan budaya Timur purba termasuk ciri seperti yang mendalam tradisionalisme. Idea dan idea awal tertentu kadangkala hidup dalam budaya Timur selama berabad-abad dan bahkan beribu tahun. Untuk masa yang lama kewujudan budaya purba Timur, pembangunan menyangkut nuansa individu idea tertentu, dan asasnya tetap tidak berubah.

Mesir Purba

Orang Mesir mencapai kejayaan besar dalam bidang astronomi, matematik, kejuruteraan dan sains pembinaan, perubatan, sejarah, geografi. Penciptaan awal penulisan menyumbang kepada kemunculan contoh asli kesusasteraan Mesir kuno yang sangat artistik. Perkembangan seni dan tempat terhormatnya dalam budaya Mesir mencipta asas untuk penampilan penilaian estetik pertama yang direkodkan dalam sumber bertulis. Yang terakhir memberi kesaksian bahawa orang Mesir purba mempunyai rasa kecantikan, kecantikan (nefer) yang sangat maju. Perkataan "nefer" memasuki gelaran rasmi firaun.

Mesir kuno dianggap sebagai tempat kelahiran agama cahaya dan estetika cahaya. Cahaya matahari yang dituhankan telah dihormati sebagai kebaikan tertinggi dan keindahan tertinggi di kalangan orang Mesir purba. Cahaya dan kecantikan telah dikenal pasti dalam budaya Mesir sejak zaman purba. Intipati keindahan ilahi sering dikurangkan kepada cahaya.

Satu lagi aspek kecantikan, yang wujud dalam hampir semua budaya Timur purba, ialah penghargaan estetik yang tinggi terhadap logam berharga. Emas, perak, electr, lapis lazuli dalam pemahaman orang Mesir adalah bahan yang paling indah. Atas dasar idea orang Mesir kuno tentang kecantikan dan keindahan, warna terbentuk. kanun orang Mesir. Ia termasuk warna mudah: putih, merah, hijau. Tetapi orang Mesir sangat menghargai warna emas dan lapis lazuli. "Emas" sering bertindak sebagai sinonim untuk "cantik".

Pemikiran artistik orang Mesir dari zaman purba, sebagai hasil daripada amalan yang lama, membangunkan sistem kanun yang maju: kanon perkadaran, kanon warna, kanon ikonografi. Di sini kanun telah menjadi prinsip estetik yang paling penting yang menentukan aktiviti kreatif artis. Kanun memainkan peranan penting dalam karya tuan Mesir kuno dan mengarahkan tenaga kreatif mereka. Kesan artistik dalam seni kanonik dicapai disebabkan oleh sedikit variasi bentuk dalam skema kanonik.

Orang Mesir menghargai matematik dan menggunakan undang-undangnya untuk hampir semua bidang aktiviti mereka. Untuk seni halus, mereka membangunkan sistem pembahagian imej harmonik. Modulus sistem ini ialah ungkapan berangka "bahagian emas"-- nombor 1.618... Oleh kerana perkadaran itu bersifat universal, merebak ke banyak bidang sains, falsafah dan seni, dan dianggap oleh orang Mesir sendiri sebagai cerminan struktur harmoni alam semesta, ia dianggap suci. .

China purba

Pemikiran estetik Cina mula dikenal pasti dengan jelas di kalangan ahli falsafah abad ke-6 - ke-3 SM. e. Konsep dan istilah estetik, serta peruntukan utama teori estetik, telah dibangunkan dalam China purba atas dasar pemahaman falsafah tentang undang-undang alam dan masyarakat.

Di antara banyak sekolah dan arah, tempat yang istimewa adalah milik Taoisme Dan Konfusianisme . Kedua-dua ajaran ini memainkan peranan utama pada zaman dahulu dan mempunyai pengaruh yang menentukan pada semua perkembangan seterusnya. budaya Cina. Kedua-dua Taoisme dan Konfusianisme prihatin dengan pencarian cita-cita sosial, tetapi arah pencarian mereka berbeza sama sekali. Bahagian tengah Taoisme ialah doktrin dunia. Segala-galanya - doktrin masyarakat dan negara, teori pengetahuan, teori seni (dalam bentuk kuno) - berasal dari doktrin dunia. Di tengah-tengah falsafah Confucian adalah seseorang dalam perhubungan awamnya, seseorang sebagai asas ketenangan dan ketenteraman yang tidak tergoyahkan, ahli masyarakat yang ideal. Dalam erti kata lain, dalam Konfusianisme, kita sentiasa berurusan dengan ideal etika dan estetik, manakala bagi Taoisme tidak ada yang lebih indah daripada kosmos dan alam semula jadi, dan masyarakat dan manusia adalah secantik mereka boleh menjadi seperti keindahan dunia objektif. . Pandangan estetik Confucius dan pengikutnya berkembang seiring dengan teori sosio-politik mereka. Istilah "cantik" (Mungkin) dalam Confucius, ia adalah sinonim untuk "baik", atau ia hanya bermaksud cantik luaran. Secara umum, ideal estetik Confucius ialah perpaduan sintetik yang indah, yang baik dan yang berguna.

3. Pemikiran estetik antik

Estetika purba ialah pemikiran estetik yang berkembang di Yunani dan Rom purba dari abad ke-6 SM hingga abad ke-6 Masihi. Mempunyai idea-idea mitologi sebagai sumbernya, estetika purba dilahirkan, berkembang dan merosot dalam kerangka pembentukan pemilik hamba, menjadi salah satu ungkapan budaya yang paling menarik pada masa itu.

Tempoh berikut dibezakan dalam sejarah estetika purba: 1) klasik awal atau estetika kosmologi (kurun VI-V SM); 2) klasik pertengahan atau estetika antropologi (abad ke-5 SM); 3) klasik tinggi (matang) atau estetika eidologi (abad V-IV SM); 4) Hellenisme awal (abad IV-I SM); 5) Hellenisme lewat (abad I-VI AD).

Kosmologi sebagai asas estetika kuno

Untuk idea-idea estetik, serta untuk keseluruhan pandangan dunia zaman dahulu, kosmologi yang ditekankan adalah ciri. Kosmos, dari sudut pandangan orang dahulu kala, walaupun terhad secara spatial, tetapi dibezakan oleh keharmonian, perkadaran dan keteraturan pergerakan di dalamnya, bertindak sebagai penjelmaan keindahan. Seni pada zaman awal pemikiran kuno belum lagi dipisahkan daripada kraf dan tidak bertindak sebagai objek estetik hujung ke hujung. Bagi orang Yunani kuno, seni adalah aktiviti pengeluaran dan teknikal. Oleh itu kesatuan yang tidak dapat dipisahkan dari sikap praktikal dan semata-mata estetik terhadap objek dan fenomena. Bukan tanpa alasan bahawa perkataan orang Yunani menyatakan konsep seni, "techne", mempunyai akar yang sama dengan "tikto" - "Saya melahirkan", supaya "seni" dalam bahasa Yunani "generasi" atau bahan penciptaan oleh sesuatu daripada dirinya sendiri yang sama, tetapi perkara-perkara baru.

estetik praklasik

Dalam bentuknya yang paling tulen dan paling langsung, estetika purba, yang terkandung dalam mitologi, dibentuk pada peringkat pembentukan komunal primitif. Penghujung II dan abad pertama milenium I SM. e. berada di Greece zaman kreativiti epik. Epik Yunani, yang direkodkan dalam puisi Homer Iliad dan Odyssey, hanya bertindak sebagai sumber dari mana estetika purba bermula.

Bagi Homer, kecantikan adalah dewa dan artis utama adalah dewa. Bukan sahaja tuhan-tuhan prinsip kosmik yang mendasari kosmos sebagai karya seni, tetapi begitu juga untuk kreativiti manusia. Apollo dan Muses memberi inspirasi kepada penyanyi, dan dalam karya penyanyi Homeric watak utama bukan penyanyi itu sendiri yang bermain, tetapi tuhan-tuhan, di atas semua Apollo dan Muses.

Kecantikan diilhamkan oleh Homer dalam bentuk bahan yang paling nipis, telus, bercahaya, dalam bentuk sejenis aliran hidup yang mengalir. Kecantikan bertindak sebagai sejenis cahaya lapang cahaya, yang boleh menyelubungi, pakaian objek. Wakaf, menyelubungi kecantikan adalah luaran. Tetapi ada juga wakaf batin. Ia adalah di atas semua inspirasi penyanyi Homer dan Homer sendiri.

Ajaran estetik khas zaman dahulu

Terdapat beberapa doktrin sedemikian, mengenai masalah yang cuba diungkapkan oleh banyak pengarang kuno.

Kalokagatiya ("Kalos" - cantik, "agatos" - baik, sempurna dari segi moral) - salah satu konsep estetika kuno, menandakan keharmonian luaran dan dalaman, yang merupakan syarat untuk kecantikan individu. Istilah "kalokagatia" ditafsirkan secara berbeza dalam tempoh yang berbeza dalam perkembangan sosio-sejarah masyarakat purba, bergantung kepada jenis pemikiran. Pythagoreans memahaminya sebagai tingkah laku luaran seseorang, ditentukan oleh kualiti dalaman. Pemahaman aristokrat kuno tentang "kalokagatia" adalah wujud dalam Herodotus, yang menganggapnya berkaitan dengan tradisi imam, Plato, yang mengaitkannya dengan kehebatan ketenteraan, kualiti "semula jadi", atau dengan ciri generik. Dengan perkembangan ekonomi individu purba, istilah "kalokagatia" mula digunakan untuk menunjukkan pemilik praktikal dan rajin, dan dalam bidang kehidupan politik ia digunakan (sebagai kata nama) kepada demokrat sederhana. Pada akhir abad ke-5 SM. e. dengan kemunculan sophistry, istilah "kalokagatiya" mula digunakan untuk mencirikan pembelajaran dan pendidikan. Plato dan Aristotle memahami kalokagatiya secara falsafah - sebagai keharmonian dalaman dan luaran, dan oleh dalaman mereka memahami kebijaksanaan, pelaksanaannya dalam kehidupan membawa seseorang ke kalokagatiya. Dengan perkembangan individualisme dan psikologi dalam era Hellenisme, kalokagatiya mula ditafsirkan bukan sebagai kualiti semula jadi, tetapi sebagai hasil latihan dan latihan moral, yang membawa kepada pemahaman moralistiknya.

Katarsis (pemurnian) - istilah yang digunakan untuk menetapkan salah satu momen penting kesan estetik seni pada seseorang. Pythagoreans mengembangkan teori membersihkan jiwa daripada nafsu yang berbahaya dengan mendedahkannya kepada muzik yang dipilih khas. Plato tidak mengaitkan katarsis dengan seni, memahaminya sebagai pemurnian jiwa daripada aspirasi sensual, dari segala-galanya secara jasmani, mengaburkan dan memutarbelitkan keindahan idea. Sebenarnya, pemahaman estetik katarsis diberikan oleh Aristotle, yang menulis bahawa di bawah pengaruh muzik dan nyanyian, jiwa pendengar teruja, kesan kuat (kasihan, ketakutan, semangat) timbul di dalamnya, akibatnya pendengar “menerima sejenis penyucian dan kelegaan yang berkaitan dengan keseronokan…” . Dia juga menunjukkan kesan katartik tragedi, mentakrifkannya sebagai sejenis "tiruan melalui tindakan, bukan cerita, yang, melalui belas kasihan dan ketakutan, memurnikan kesan tersebut."

Mimesis (tiruan, pembiakan) - dalam estetika kuno, prinsip asas aktiviti kreatif artis. Prosiding dari fakta bahawa semua seni adalah berdasarkan mimesis, pemikir zaman dahulu menafsirkan intipati konsep ini dengan cara yang berbeza. Pythagoreans percaya bahawa muzik meniru "keharmonian sfera syurga", Democritus yakin bahawa seni dalam erti kata yang luas (sebagai aktiviti kreatif manusia yang produktif) berasal dari tiruan manusia oleh haiwan (menenun - dari tiruan labah-labah, rumah. -bangunan - burung walet, nyanyian - burung, dll). Plato percaya bahawa peniruan adalah asas kepada semua kreativiti. Teori estetika sebenar mimesis adalah milik Aristotle. Ia merangkumi kedua-dua refleksi yang mencukupi tentang realiti (penggambaran perkara sebagai "sebelumnya dan sekarang") dan aktiviti imaginasi kreatif (penggambaran mereka sebagai "mereka diperkatakan dan difikirkan"), dan idealisasi realiti (mereka. penggambaran seperti itu, "apa yang sepatutnya). Tujuan mimesis dalam seni, menurut Aristotle, adalah pemerolehan pengetahuan dan pengujaan perasaan keseronokan daripada pembiakan, perenungan dan kognisi objek.

4. Estetika Zaman Pertengahan

Prinsip asas

Estetika zaman pertengahan adalah istilah yang digunakan dalam dua pengertian, luas dan sempit. Dalam erti kata yang luas, estetika zaman pertengahan ialah estetika semua wilayah zaman pertengahan, termasuk estetika Eropah Barat, estetika Byzantine, estetika Rusia Lama, dan lain-lain. Dalam erti kata yang sempit, estetika zaman pertengahan ialah estetika Eropah Barat pada abad ke-5-14. Dalam yang terakhir, dua tempoh kronologi utama dibezakan - zaman pertengahan awal (abad ke-5 - abad ke-10) dan zaman pertengahan akhir (abad ke-11 - abad ke-14), serta dua bidang utama - sejarah falsafah dan teologi dan seni. Tempoh pertama estetika zaman pertengahan dicirikan oleh kedudukan perlindungan berhubung dengan warisan kuno. Pada akhir zaman pertengahan, risalah estetik khas muncul sebagai sebahagian daripada kod falsafah dan agama yang besar (yang dipanggil "jumlah"), kepentingan teori dalam masalah estetik, yang merupakan ciri khas pemikir abad XII - XIII.

Tempoh kronologi besar Zaman Pertengahan di Barat berkorelasi dengan pembentukan sosio-ekonomi feudalisme. Struktur hierarki masyarakat dicerminkan dalam pandangan dunia zaman pertengahan dalam bentuk idea yang disebut hierarki syurgawi, yang mendapati penyelesaiannya dalam Tuhan. Sebaliknya, alam semula jadi menjadi manifestasi yang dapat dilihat dari prinsip supersensible (Tuhan). Idea tentang hierarki adalah simbolik. Fenomena sensual yang boleh dilihat secara berasingan dianggap hanya sebagai simbol "Tuhan yang tidak kelihatan dan tidak dapat diungkapkan." Dunia dianggap sebagai satu sistem hierarki watak.

Estetika Byzantine

Pada 324-330, Maharaja Constantine mengasaskan ibu kota baru Empayar Rom di tapak sebuah bandar purba kecil Byzantium - Constantinople. Tidak lama kemudian, Empayar Rom berpecah kepada dua bahagian - Barat dan Timur. Constantinople menjadi ibu kota yang terakhir. Sejak masa itu, adalah kebiasaan untuk mempertimbangkan sejarah budaya Byzantine, yang wujud dalam rangka satu negara sehingga 1453.

Estetika Byzantine, telah menyerap dan mengolah semula dengan cara tersendiri banyak idea estetik zaman dahulu, dikemukakan dan cuba untuk menyelesaikan beberapa baru, penting untuk sejarah masalah estetika. Antaranya, seseorang harus menunjukkan perkembangan kategori seperti imej, simbol, kanun, pengubahsuaian baru yang indah, menimbulkan beberapa soalan yang berkaitan dengan analisis khusus seni, khususnya analisis persepsi seni. dan tafsiran karya seni, serta peralihan penekanan kepada bahagian psikologi kategori estetik. Masalah penting estetika ini termasuk mengemukakan persoalan tentang peranan seni dalam sistem falsafah dan agama umum memahami dunia, peranan epistemologinya, dan beberapa masalah lain.

"Kecantikan mutlak" adalah matlamat aspirasi rohani orang Byzantine. Salah satu cara untuk mencapai matlamat ini yang mereka lihat dalam "cantik" dunia material, kerana dalam dia dan melalui dia, "pesalah" segala-galanya diketahui. Walau bagaimanapun, sikap orang Byzantine terhadap "kecantikan duniawi" adalah ambivalen dan tidak selalunya pasti.

Di satu pihak, pemikir Byzantine mempunyai sikap negatif terhadap kecantikan sensual, sebagai agen penyebab pemikiran berdosa dan nafsu duniawi. Sebaliknya, mereka sangat menghargai yang indah dalam dunia material dan dalam seni, kerana dalam pemahaman mereka ia bertindak sebagai "pameran" dan manifestasi keindahan mutlak ilahi pada tahap makhluk empirikal.

Pemikir Byzantine juga mengetahui kategori kutub yang cantik - yang hodoh dan cuba mentakrifkannya. Kekurangan keindahan, ketertiban, pencampuran tidak seimbang objek yang berbeza - semua ini adalah penunjuk yang hodoh, "kerana keburukan adalah rendah diri, kekurangan bentuk dan pelanggaran ketenteraman."

Bagi pemikir Byzantine, "cantik" (dalam alam semula jadi dan dalam seni) tidak mempunyai nilai objektif. Hanya "kecantikan mutlak" ilahi yang memilikinya. Yang indah adalah penting bagi mereka setiap kali hanya dalam hubungan langsung dengan subjek persepsi tertentu. Di tempat pertama dalam imej adalah fungsi psikologinya - untuk mengatur dengan cara tertentu keadaan dalaman orang. "Cantik" hanyalah satu cara untuk membentuk ilusi mental untuk memahami "kecantikan mutlak" yang sangat cantik.

Bersama dengan kecantikan dan kecantikan, estetika Byzantine mengemukakan satu lagi kategori estetik, kadangkala bertepatan dengannya, tetapi secara amnya mempunyai makna bebas - cahaya. Dengan mengandaikan hubungan rapat antara Tuhan dan cahaya, orang Byzantine menyatakannya dalam hubungan "cahaya - keindahan".

Awal Zaman Pertengahan

Estetika zaman pertengahan Eropah Barat banyak dipengaruhi oleh pemikir Kristian Aurelius Augustine . Augustine mengenal pasti kecantikan dengan bentuk, ketiadaan bentuk dengan keburukan. Dia percaya bahawa benar-benar hodoh tidak wujud, tetapi ada objek yang, berbanding dengan objek yang lebih teratur dan simetris, kurang bentuk. Yang hodoh hanyalah ketidaksempurnaan relatif, tahap kecantikan yang paling rendah.

Augustine mengajar bahawa bahagian yang cantik sebagai sebahagian daripada keseluruhan, dirobek daripadanya, kehilangan keindahannya, sebaliknya, yang hodoh menjadi cantik dalam dirinya sendiri, memasuki keseluruhan yang indah. Mereka yang menganggap dunia tidak sempurna, Augustine menyamakan orang yang melihat satu kiub mozek, bukannya merenung keseluruhan komposisi dan menikmati keindahan batu yang disambungkan menjadi satu keseluruhan. Sahaja jiwa yang bersih dapat memahami keindahan alam semesta. Kecantikan ini adalah cerminan "kecantikan ketuhanan". Tuhan adalah keindahan yang tertinggi, arketipe keindahan material dan rohani. Perintah yang memerintah di alam ini diciptakan oleh Tuhan. Perintah ini dimanifestasikan dalam ukuran, kesatuan dan keharmonian, kerana Tuhan "menyusun segala-galanya mengikut ukuran, bilangan dan berat."

Selama hampir satu milenium, karya Augustine adalah salah satu konduktor utama Platonisme dan Neoplatonisme kuno dalam estetika zaman pertengahan Eropah Barat, mereka meletakkan asas estetika agama zaman pertengahan, memahami cara menggunakan seni dalam perkhidmatan gereja.

Akhir Zaman Pertengahan

Apa yang dipanggil "Jumlah" menjadi contoh falsafah skolastik pada abad ke-13, di mana pembentangan dijalankan dalam urutan berikut: penyataan masalah, pembentangan pelbagai pendapat, penyelesaian pengarang, bukti logik, penyangkalan bantahan yang mungkin dan sah. Menurut prinsip ini, "Jumlah Teologi" juga dibina. Thomas Aquinas , beberapa bahagiannya ditumpukan kepada estetika.

Aquinas mendefinisikan kecantikan sebagai sesuatu yang memberikan keseronokan melalui penampilannya. Kecantikan memerlukan tiga syarat:

1) keutuhan atau kesempurnaan,

2) perkadaran atau konsonan yang wajar

3) kejelasan, kerana objek yang mempunyai warna cemerlang dipanggil cantik. Kejelasan wujud dalam sifat kecantikan. Pada masa yang sama, "kejelasan" bermaksud tidak begitu banyak sinaran fizikal sebagai kejelasan persepsi, dan dengan itu mendekati kejernihan fikiran.

Kecantikan dan kebaikan tidak benar-benar dibezakan, kerana Tuhan, pada pandangannya, adalah keindahan mutlak dan kebaikan mutlak, tetapi hanya dalam konsep. Berkat adalah sesuatu yang memenuhi keinginan atau keperluan. Oleh itu, ia dikaitkan dengan konsep matlamat, kerana keinginan adalah sejenis pergerakan ke arah objek.

Kecantikan memerlukan sesuatu yang lebih. Ia adalah sesuatu yang baik, persepsi yang memberikan kepuasan. Atau, dengan kata lain, keinginan mendapat kepuasan dalam renungan atau pemahaman sesuatu yang indah. Keseronokan estetik berkait rapat dengan kognisi. Itulah sebabnya, pertama sekali, sensasi yang paling kognitif, iaitu visual dan pendengaran, berkaitan dengan persepsi estetik. Penglihatan dan pendengaran berkait rapat dengan minda dan oleh itu mampu melihat keindahan.

"Cahaya" adalah kategori penting dari semua estetika zaman pertengahan. Simbolisme cahaya telah dibangunkan secara aktif. "Metafizik Cahaya" adalah asas di mana doktrin kecantikan terletak pada Zaman Pertengahan. Claritas dalam risalah zaman pertengahan bermaksud cahaya, sinaran, kejelasan dan termasuk dalam hampir semua definisi kecantikan. Kecantikan bagi Augustine adalah sinaran kebenaran. Bagi Aquinas, cahaya yang indah bermaksud "sinar bentuk sesuatu, sama ada karya seni atau alam ... sedemikian rupa sehingga kelihatan kepadanya dalam segala kepenuhan dan kekayaan kesempurnaannya dan pesanan."

Perhatian pemikir zaman pertengahan kepada dunia dalaman manusia terutamanya jelas dan sepenuhnya ditunjukkan dalam perkembangan masalah estetika muzik mereka. Pada masa yang sama, adalah penting bahawa masalah estetika muzik itu sendiri adalah sejenis model "dialih keluar" konsep universal kepentingan falsafah umum.

Pemikir zaman pertengahan banyak berurusan dengan persepsi keindahan dan seni, menyatakan beberapa pertimbangan yang menarik untuk sejarah estetika.

5. Ajaran estetik Zaman Renaissance

Sifat peralihan era, orientasi kemanusiaan dan inovasi ideologinya

Dalam Renaissance, terdapat: Proto-Renaissance (ducento dan trecento, 12-13 - 13-14 abad), Renaissance Awal (quattrocento, 14-15 abad), Renaissance Tinggi (cinquecento, 15-16 abad).

Estetika Renaissance dikaitkan dengan revolusi besar yang berlaku dalam semua bidang kehidupan awam: dalam ekonomi, ideologi, budaya, sains dan falsafah. Pada masa ini, perkembangan budaya bandar, penemuan geografi yang hebat, yang sangat meluaskan ufuk manusia, peralihan dari kraf kepada kilang.

Perkembangan kuasa produktif, perpecahan hubungan kelas feudal yang membelenggu pengeluaran, membawa kepada pembebasan individu, mewujudkan keadaan untuk pembangunan bebas dan sejagat.

Keadaan yang menggalakkan untuk pembangunan individu yang menyeluruh dan sejagat dicipta bukan sahaja disebabkan oleh perpecahan cara pengeluaran feudal, tetapi juga disebabkan oleh perkembangan kapitalisme yang tidak mencukupi, yang masih di awal pembentukannya. Perwatakan dual, peralihan budaya Renaissance ini berkaitan dengan cara pengeluaran feudal dan kapitalis mesti diambil kira apabila mempertimbangkan idea-idea estetik era ini. Renaissance bukanlah sebuah negara, tetapi satu proses, dan, lebih-lebih lagi, proses yang bersifat peralihan. Semua ini tercermin dalam sifat pandangan dunia.

Dalam Renaissance, terdapat proses pemecahan radikal sistem pandangan zaman pertengahan tentang dunia dan pembentukan ideologi kemanusiaan yang baru. Dalam erti kata yang luas, humanisme adalah sistem pandangan yang berubah secara sejarah yang mengiktiraf nilai seseorang sebagai seseorang, haknya untuk kebebasan, kebahagiaan, perkembangan dan manifestasi kebolehannya, menganggap kebaikan seseorang sebagai kriteria untuk menilai sosial. institusi, dan prinsip kesaksamaan, keadilan, kemanusiaan sebagai norma perhubungan yang diingini antara manusia. Dalam erti kata yang sempit, ia adalah gerakan budaya Renaissance. Semua bentuk humanisme Itali tidak banyak merujuk kepada sejarah estetika Renaissance tetapi kepada suasana sosio-politik estetika.

Prinsip asas estetika Renaissance

Pertama sekali, kebaharuan dalam era ini ialah promosi keutamaan kecantikan, dan, lebih-lebih lagi, kecantikan sensual. Tuhan menciptakan dunia, tetapi betapa indahnya dunia ini, betapa indahnya dalam kehidupan manusia dan dalam tubuh manusia, dalam ekspresi hidup manusia dan dalam keharmonian tubuh manusia!

Pada mulanya, artis, seolah-olah, juga melakukan kerja Tuhan dan mengikut kehendak Tuhan sendiri. Tetapi, di samping artis itu mesti taat dan merendah diri, dia mesti dididik dan dididik, dia mesti banyak faham dalam semua ilmu termasuk falsafah. Guru pertama artis haruslah matematik, yang bertujuan untuk pengukuran teliti tubuh manusia telanjang. Jika zaman dahulu membahagikan sosok manusia kepada enam atau tujuh bahagian, maka Alberti, untuk mencapai ketepatan dalam lukisan dan arca, membahagikannya kepada 600, dan Dürer kemudiannya menjadi 1800 bahagian.

Pelukis ikon zaman pertengahan mempunyai sedikit minat dalam perkadaran sebenar tubuh manusia, kerana baginya ia hanya pembawa semangat. Baginya, keharmonian badan terdiri daripada garis besar pertapa, dalam pantulan planar dunia supercorporeal di atasnya. Tetapi bagi Giorgione yang menghidupkan semula, "Venus" adalah tubuh telanjang wanita yang lengkap, yang, walaupun ia adalah ciptaan Tuhan, anda entah bagaimana sudah melupakan Tuhan, memandangnya. Di latar depan di sini adalah pengetahuan tentang anatomi sebenar. Oleh itu, artis Renaissance bukan sahaja pakar dalam semua sains, tetapi terutamanya dalam matematik dan anatomi.

Teori Renaissance, seperti yang kuno, mengajar tiruan alam semula jadi. Walau bagaimanapun, di latar depan di sini tidak begitu banyak sifat seperti artis. Dalam karyanya, artis itu ingin mendedahkan keindahan yang terletak pada ceruk alam itu sendiri. Oleh itu, artis percaya bahawa seni lebih tinggi daripada alam semula jadi. Ahli teori estetika Renaissance, misalnya, mempunyai perbandingan: seorang artis mesti mencipta cara Tuhan mencipta dunia, dan lebih sempurna daripada itu. Sekarang mereka bukan sahaja mengatakan tentang artis bahawa dia mesti menjadi pakar dalam semua sains, tetapi juga menyerlahkan karyanya, di mana mereka juga cuba mencari kriteria kecantikan.

Pemikiran estetik Renaissance buat pertama kalinya mempercayai penglihatan manusia seperti itu, tanpa kosmologi purba dan tanpa teologi zaman pertengahan. Dalam Renaissance, seseorang buat pertama kalinya mula berfikir bahawa gambaran dunia yang nyata dan subjektif-sensual adalah gambaran sebenar beliau, bahawa ini bukan fiksyen, bukan ilusi, bukan kesilapan penglihatan dan bukan empirisme spekulatif, tetapi apa yang kita lihat dengan mata kita sendiri, - inilah yang sebenarnya.

Dan, di atas semua, kita benar-benar melihat bagaimana, apabila objek yang kita lihat bergerak menjauhi kita, ia mengambil bentuk yang sama sekali berbeza dan, khususnya, mengecil dalam saiz. Dua garisan yang nampaknya benar-benar selari berhampiran kita, apabila ia bergerak menjauhi kita, semakin dekat dan semakin dekat, dan di kaki langit, iaitu pada jarak yang cukup jauh dari kita, ia hanya mendekati satu sama lain sehingga ia benar-benar bergabung pada satu. titik tunggal. Dari sudut pandangan yang waras, nampaknya ini tidak masuk akal. Jika garisan selari di sini, maka ia selari di mana-mana. Tetapi di sini adalah keyakinan besar estetika Renaissance dalam realiti penggabungan garis selari ini pada jarak yang cukup jauh dari kita bahawa seluruh sains kemudiannya muncul dari jenis sensasi manusia sebenar - geometri perspektif.

Estetika asas ajaran falsafah dan teori seni

Dalam humanisme awal, pengaruh Epicureanisme sangat dirasai, yang berfungsi sebagai satu bentuk polemik terhadap pertapaan zaman pertengahan dan cara memulihkan kecantikan tubuh yang berahi, yang dipersoalkan oleh pemikir zaman pertengahan.

Zaman Renaissance menafsirkan falsafah Epicurean dengan cara tersendiri, yang boleh dilihat dalam karya penulis Valla dan risalahnya On Pleasure. Khutbah keseronokan Valla mempunyai makna yang kontemplatif dan berdikari. Dalam risalahnya, Valla hanya mengajar tentang keseronokan atau kesenangan itu, yang tidak dibebani oleh apa-apa, tidak mengancam apa-apa yang buruk, yang tidak berminat dan riang, yang sangat manusiawi dan pada masa yang sama ilahi.

Neoplatonisme Renaisans mewakili jenis Neoplatonisme yang sama sekali baru, yang menentang skolastik zaman pertengahan dan Aristotelianisme yang "skolastik". Peringkat pertama dalam pembangunan estetika Neoplatonik dikaitkan dengan nama Nicholas dari Cusa.

Kuzansky mengembangkan konsepnya tentang yang indah dalam risalah On Beauty. Dengan dia, kecantikan tidak hanya kelihatan sebagai bayangan atau kesan samar dari prototaip ilahi, seperti ciri-ciri estetika Zaman Pertengahan. Dalam setiap bentuk yang nyata, yang sensual, keindahan tunggal yang tidak terhingga bersinar, yang memadai untuk semua manifestasi tertentu. Kuzansky menolak sebarang idea tentang tahap kecantikan hierarki, kecantikan yang lebih tinggi dan lebih rendah, mutlak dan relatif, sensual dan ilahi. Semua jenis dan bentuk kecantikan adalah sama. Kecantikan di Kuzansky adalah harta sejagat makhluk. Kuzansky mendamaikan semua makhluk, mana-mana, termasuk realiti harian yang prosaik. Dalam setiap yang mempunyai bentuk, bentuk, ada keindahan. Oleh itu, yang jelek tidak terkandung dalam makhluk itu sendiri, ia hanya timbul daripada mereka yang menganggap makhluk ini. "Aib - dari mereka yang menerimanya ...", - pemikir mendakwa. Oleh itu, makhluk tidak mengandungi keburukan. Di dunia ini hanya ada keindahan sebagai milik universal alam dan makhluk secara umum.

Kedua tempoh utama dalam perkembangan pemikiran estetik Neoplatonisme Renaissance ialah Akademi Platonik di Florence, diketuai oleh Ficino . Semua cinta, menurut Ficino, adalah keinginan. Kecantikan tidak lain hanyalah "keinginan untuk kecantikan" atau "keinginan untuk menikmati keindahan". Ada keindahan ketuhanan, kecantikan rohani dan kecantikan jasmani. Kecantikan Ilahi adalah sejenis sinar yang menembusi ke dalam minda malaikat atau kosmik, kemudian ke dalam jiwa kosmik atau jiwa seluruh dunia, kemudian ke alam sublunar atau alam duniawi, dan akhirnya ke alam kebendaan yang tidak berbentuk dan tidak bernyawa.

Dalam estetika Ficino, kategori hodoh menerima tafsiran baharu. Jika Nicholas dari Cusa tidak mempunyai tempat untuk keburukan di dunia itu sendiri, maka dalam estetika Neoplatonists, keburukan sudah bebas. nilai estetik. Ia berkaitan dengan rintangan bahan, yang menentang aktiviti spiritualisasi keindahan ilahi yang ideal. Selaras dengan ini, konsep kreativiti artistik juga berubah. Seniman bukan sahaja harus menyembunyikan kekurangan alam, tetapi juga membetulkannya, seolah-olah mencipta semula alam semula jadi.

Sumbangan besar kepada perkembangan pemikiran estetik Renaissance telah dibuat oleh seorang artis, arkitek, saintis, ahli teori seni dan ahli falsafah Itali. Alberti . Di tengah-tengah estetika Alberti ialah doktrin kecantikan. Kecantikan, pada pendapatnya, terletak pada keharmonian. Terdapat tiga elemen yang membentuk keindahan, khususnya keindahan struktur seni bina. Ini adalah nombor, kekangan dan penempatan. Tetapi kecantikan bukanlah jumlah aritmetik yang mudah daripada mereka. Tanpa keharmonian, keharmonian bahagian yang lebih tinggi akan runtuh.

Ia adalah ciri bagaimana Alberti mentafsir konsep "hodoh". Kecantikan adalah karya seni yang mutlak baginya. Yang hodoh hanya bertindak sebagai kesalahan tertentu. Oleh itu tuntutan bahawa seni tidak harus membetulkan, tetapi menyembunyikan objek hodoh dan hodoh.

artis Itali yang hebat da Vinci dalam kehidupannya, karya saintifik dan seni, beliau menjelmakan cita-cita kemanusiaan "personaliti yang dibangunkan secara menyeluruh". Pelbagai minat praktikal dan teorinya benar-benar universal. Ia termasuk lukisan, arca, seni bina, piroteknik, kejuruteraan tentera dan awam, matematik dan sains, perubatan, dan muzik.

Sama seperti Alberti, dia melihat dalam lukisan bukan sahaja "pemindahan ciptaan alam semula jadi yang boleh dilihat", tetapi juga "fiksyen pintar." Pada masa yang sama, dia melihat secara asasnya berbeza pada tujuan dan intipati seni halus, terutamanya lukisan. Isu utama teorinya, resolusi yang menentukan semua premis teori Leonardo yang lain, adalah takrifan intipati lukisan sebagai cara untuk mengetahui dunia. "Lukisan adalah sains dan anak perempuan yang sah dari alam semula jadi" dan "harus diletakkan di atas mana-mana aktiviti lain, kerana ia mengandungi semua bentuk, baik yang wujud mahupun yang tidak wujud dalam alam semula jadi."

Lukisan dibentangkan oleh Leonardo sebagai kaedah universal untuk mengenali realiti, yang meliputi semua objek dunia nyata, lebih-lebih lagi, seni lukisan mencipta imej yang boleh dilihat yang boleh difahami dan boleh diakses oleh pemahaman semua orang tanpa pengecualian. Dalam kes ini, keperibadian artis, yang diperkaya dengan pengetahuan mendalam tentang undang-undang alam semesta, yang akan menjadi cermin di mana dunia nyata tercermin, membias melalui prisma keperibadian kreatif.

Estetika material peribadi Renaissance, yang dinyatakan dengan jelas dalam karya Leonardo, mencapai bentuk yang paling sengit dalam Michelangelo . Mendedahkan kegagalan program kebangkitan estetik yang meletakkan individu di tengah-tengah seluruh dunia, tokoh-tokoh Renaissance Tinggi cara yang berbeza nyatakan kehilangan sokongan utama dalam kerja mereka ini. Jika dalam Leonardo angka-angka yang digambarkan olehnya bersedia untuk larut dalam persekitaran mereka, jika mereka, seolah-olah, diselubungi dalam beberapa jenis jerebu ringan, maka Michelangelo dicirikan oleh ciri yang sama sekali bertentangan. Setiap figura dalam gubahannya adalah sesuatu yang tertutup dengan sendirinya, jadi angka-angka itu kadangkala sangat tidak berkaitan antara satu sama lain sehingga integriti gubahan itu musnah.

Dibawa ke akhir hayatnya oleh gelombang religiusitas yang semakin meningkat, Michelangelo datang kepada penafian segala yang dia sembah pada masa mudanya, dan lebih-lebih lagi, kepada penafian tubuh telanjang yang berbunga, mengekspresikan kuasa luar biasa dan tenaga. Dia berhenti berkhidmat kepada berhala Renaissance. Dalam fikirannya, mereka dikalahkan, sama seperti idola utama Renaissance ternyata dikalahkan - kepercayaan kepada kuasa kreatif manusia yang tidak terhad, melalui seni menjadi setara dengan Tuhan. Seluruh jalan hidup yang dilaluinya mulai sekarang nampaknya Michelangelo adalah khayalan yang lengkap.

Krisis cita-cita estetik Renaissance dan prinsip-prinsip estetik mannerisme

Salah satu tanda yang sangat jelas tentang kemerosotan Renaissance yang semakin meningkat ialah aliran artistik dan teori-estetik yang dipanggil Mannerisme. Perkataan "cara" pada asalnya bermaksud gaya khas, iaitu berbeza dari biasa, kemudian - gaya bersyarat, iaitu berbeza dari semula jadi. Ciri umum seni halus Mannerisme ialah keinginan untuk membebaskan diri mereka daripada cita-cita seni Renaissance yang matang.

Trend ini menunjukkan dirinya dalam fakta bahawa kedua-dua idea estetik dan amalan artistik Quattrocento Itali telah dipersoalkan. Tema seni pada zaman itu bertentangan dengan imej realiti yang berubah dan berubah. Tema luar biasa, menakjubkan, sifat mati, objek bukan organik dihargai. Pemujaan peraturan dan prinsip perkadaran dipersoalkan.

Perubahan dalam amalan artistik membawa pengubahsuaian dan perubahan dalam penekanan kepada teori estetika. Pertama sekali, ini menyangkut tugas seni dan klasifikasinya. Isu utama menjadi masalah seni, bukan masalah kecantikan. "artificiality" menjadi ideal estetik tertinggi. Sekiranya estetika Zaman Renaissance Tinggi mencari peraturan yang tepat dan disahkan secara saintifik, dengan bantuan artis dapat mencapai pemindahan alam semula jadi yang sebenar, maka ahli teori tingkah laku menentang kepentingan tanpa syarat mana-mana peraturan, terutamanya yang berkaitan dengan matematik. Masalah hubungan antara alam dan genius artistik ditafsirkan dengan cara yang berbeza dalam estetika ragam. Bagi artis abad ke-15, masalah ini diselesaikan memihak kepada alam semula jadi. Artis mencipta karyanya, mengikut alam semula jadi, memilih dan mengekstrak keindahan daripada pelbagai fenomena. Estetika Mannerisme memberikan keutamaan tanpa syarat kepada kejeniusan artis. Artis bukan sahaja harus meniru alam semula jadi, tetapi juga membetulkannya, berusaha untuk mengatasinya.

Estetika Mannerisme, mengembangkan beberapa idea estetika Renaissance, menafikan yang lain dan menggantikannya dengan yang baru, mencerminkan keadaan yang membimbangkan dan bercanggah pada zamannya. Kejelasan harmonik dan keseimbangan Renaissance yang matang, dia membezakan dinamik, ketegangan dan kecanggihan pemikiran artistik dan, dengan itu, refleksinya dalam teori estetik, membuka jalan untuk salah satu trend seni utama abad ke-17 - barok.

6 . Estetika zaman baru

Asas budaya rasionalis. Tidak mustahil untuk menarik sempadan yang tepat antara budaya abad ke-16 dan ke-17. Sudah pada abad ke-16, idea-idea baru tentang dunia mula terbentuk dalam ajaran ahli falsafah semula jadi Itali. Tetapi titik perubahan sebenar dalam sains alam semesta berlaku pada pergantian abad ke-16 dan ke-17, apabila Giordano Bruno, Galileo Galilei dan Kepler, mengembangkan teori heliosentrik Copernicus, sampai pada kesimpulan tentang pluraliti dunia, kira-kira infiniti alam semesta, di mana bumi bukanlah pusat, tetapi zarah kecil apabila penciptaan teleskop dan mikroskop mendedahkan kepada manusia kewujudan yang tidak terhingga jauh dan yang tidak terhingga kecil.

Pada abad ke-17, pemahaman manusia, tempatnya di dunia, hubungan antara individu dan masyarakat berubah. Keperibadian manusia Renaissance dicirikan oleh perpaduan dan integriti mutlak, ia tidak mempunyai kerumitan dan pembangunan. Keperibadian - zaman Renaissance - menegaskan dirinya sesuai dengan alam semula jadi, yang merupakan kekuatan yang baik. Tenaga seseorang, serta kekayaan, menentukan jalan hidupnya. Walau bagaimanapun, humanisme "indah" ini tidak lagi sesuai untuk era baru, apabila manusia tidak lagi mengenali dirinya sebagai pusat alam semesta, apabila dia merasakan kerumitan dan percanggahan kehidupan, apabila dia terpaksa melancarkan perjuangan sengit menentang Katolik feudal. tindak balas.

Keperibadian abad ke-17 tidak berharga secara intrinsik, seperti keperibadian Renaissance, ia sentiasa bergantung pada alam sekitar, pada alam semula jadi, dan pada jisim orang, kepada siapa ia ingin menunjukkan dirinya, untuk menarik perhatian dan meyakinkannya. Kecenderungan ini, di satu pihak, untuk menyerang imaginasi orang ramai, dan sebaliknya, untuk meyakinkan mereka, adalah salah satu ciri utama seni abad ke-17.

Seni abad ke-17, seperti seni Renaissance, dicirikan oleh pemujaan pahlawan. Tetapi ini adalah seorang wira yang dicirikan bukan oleh tindakan, tetapi oleh perasaan, pengalaman. Ini dibuktikan bukan sahaja oleh seni, tetapi juga oleh falsafah abad ke-17. Descartes mencipta doktrin nafsu, manakala Spinoza menganggap keinginan manusia "seolah-olah ia adalah garis, pesawat dan badan."

Persepsi baru tentang dunia dan manusia ini boleh mengambil arah dua arah pada abad ke-17, bergantung pada cara ia digunakan. Dalam dunia alam semula jadi dan jiwa manusia yang kompleks, bertentangan, bercanggah ini, sisinya yang kacau-bilau, tidak rasional, dinamik dan emosi, sifat ilusinya, kualiti sensualnya boleh ditekankan. Laluan ini membawa kepada gaya Baroque.

Tetapi penekanan juga boleh diberikan pada idea-idea yang jelas dan jelas yang melihat melalui kebenaran dan ketertiban dalam kekacauan ini, pada pemikiran yang bergelut dengan konfliknya, pada akal mengatasi nafsu. Jalan ini membawa kepada klasikisme.

Baroque dan klasikisme, setelah menerima reka bentuk klasik mereka masing-masing di Itali dan Perancis, merebak ke satu tahap atau yang lain di seluruh negara Eropah dan merupakan trend dominan dalam budaya seni abad ke-17.

Prinsip estetik Baroque

Gaya Baroque berasal dari Itali, di negara yang berpecah-belah menjadi negeri-negeri kecil, di negara yang mengalami reformasi balas dan reaksi feudal yang kuat, di mana rakyat kaya bertukar menjadi bangsawan darat, di negara di mana teori dan amalan Mannerisme berkembang, dan di mana, pada masa yang sama, dalam semua kecemerlangannya, tradisi terkaya budaya seni Renaissance telah dipelihara. Dari Mannerisme, Baroque mengambil subjektivitinya, dari Renaissance - daya tarikannya dengan realiti, tetapi kedua-duanya dalam pembiasan gaya baru. Dan walaupun sisa-sisa Mannerisme terus mempengaruhi dekad pertama dan bahkan kedua abad ke-17, pada dasarnya, mengatasi Mannerisme di Itali boleh dianggap selesai pada tahun 1600.

Salah satu masalah ciri estetika barok adalah masalah persuasi, yang berasal dari retorik. Retorik tidak membezakan kebenaran daripada kebolehpercayaan; sebagai cara pemujukan, mereka seolah-olah setara - dan oleh itu ilusi, hebat, subjektivisme seni barok, digabungkan dengan klasifikasi teknik "seni" untuk menghasilkan kesan yang mewujudkan tanggapan subjektif, mengelirukan tentang kebolehpercayaan, mengikuti.

...

Dokumen Serupa

Sejarah ajaran estetika. Estetika sebagai doktrin kecantikan dan seni, sains kecantikan. Perkembangan ajaran estetika pada zaman Antikuiti, Zaman Pertengahan, Renaissance, Zaman Baru. Trend seni Eropah pada abad XIX-XX.

pembentangan, ditambah 27/11/2014


Ciri ciri estetika Renaissance. Ciri-ciri dan peringkat utama upacara minum teh, yang timbul di bawah pengaruh estetika dan falsafah Zen Buddhisme. Kajian tentang simbolisme upacara perkahwinan pada zaman Renaissance dan polonaise sebagai tarian upacara.

abstrak, ditambah 05/03/2010


Etika sebagai sains, subjek, tugas dan cirinya. Sejarah doktrin etika. Arah utama dalam etika. Kategori utama etika dan masalahnya. Estetika sebagai sains, subjek, tugas dan tujuan. Sejarah perkembangan estetika. Kategori asas estetik.

buku, ditambah 27/02/2009


Objek dan subjek estetika, tempat dalam sistem sains. Perkembangan pemikiran estetik. Sikap estetik terhadap realiti. Pembentukan estetika sebagai sains. Perkembangan idea selaras dengan falsafah. Objektiviti estetik. Penilaian nilai dan nilai.

abstrak, ditambah 06/30/2008


Estetika Renaissance dikaitkan dengan revolusi yang berlaku dalam semua bidang kehidupan awam. Estetika Renaissance awal sebagai estetika humanisme awal, Renaissance tinggi - Neoplatonisme, akhir - falsafah semula jadi. D. Bruno, T. Campanella.

abstrak, ditambah 30/12/2008


Estetika wanita yang diperhalusi sebagai sebahagian daripada keharmonian yang merangkumi kehidupan di Itali semasa Renaissance. Cita-cita kecantikan wanita Itali yang mulia; kemunculan minyak wangi "untuk mengekalkan kecantikan." Risalah oleh Catherine Sforza mengenai peraturan dan teknik memakai solekan.

abstrak, ditambah 05/06/2012


Estetika - falsafah aktiviti estetik dan artistik. sistem estetik. Maksud teori untuk artis. Asas estetika. Jenis kategori estetik. Konsisten dalam estetika moden. Reka bentuk. Seni. Nilai estetika.

abstrak, ditambah 06/11/2008


Dalam sejarah estetika, subjek dan tugasnya telah berubah. Pada mulanya, estetika adalah sebahagian daripada falsafah dan kosmogoni dan berfungsi untuk mencipta gambaran holistik dunia. Estetika moden meringkaskan pengalaman artistik dunia. Peringkat sejarah dalam pembangunan estetika Rusia.

abstrak, ditambah 05/21/2008


Aspek sejarah pembentukan estetika realiti atau estetika kehidupan, antara wakilnya adalah pemikir Rusia yang hebat pada abad ke-19 seperti Belinsky, Chernyshevsky, Dobrolyubov dan Pisarev. Estetika falsafah Solovyov.

abstrak, ditambah 18/11/2010


Ciri-ciri budaya kuno, analisis spesifik estetika Yunani kuno. Prinsip estetika kuno: mimesis, kalokagathia, katarsis. Konsep keharmonian dan kekhususan kanun estetik Yunani kuno. Keinginan seni Yunani untuk idealisasi.

Waktu terbaharu juga termasuk hari era seni: avant-garde dan realisme. keaslian daripada zaman ini terletak pada hakikat bahawa mereka tidak berkembang secara berurutan, tetapi secara sejarah selari.

kumpulan seni avant-garde n uy ( pramodernisme, modenisme, neomodernisme, pascamodenisme) berkembang selari dengan kumpulan realistik (realisme kritikal abad ke-19, realisme sosialis, prosa luar bandar, neorealisme, realisme magis, realisme psikologi, realisme intelektual). Dalam perkembangan selari zaman ini muncul pecutan umum pergerakan sejarah.

Salah satu peruntukan utama konsep artistik trend avant-garde: huru-hara, gangguan "Undang-undang kehidupan moden masyarakat manusia. Seni menjadi chaosology, mengkaji undang-undang gangguan dunia.

Semua aliran avant-garde menyekat kesedaran dan meningkatkan permulaan tidak sedar dalam kreatif dan dalam proses penerimaan. Kawasan ini memberi perhatian yang besar kepada seni massa dan masalah pembentukan kesedaran individu.

Ciri-ciri yang menyatukan pergerakan seni avant-garde: pandangan baru pada kedudukan dan tujuan manusia di alam semesta, penolakan peraturan dan norma yang telah ditetapkan sebelumnya, dari tradisi dan

ketangkasan, eksperimen dalam bidang bentuk dan gaya, pencarian yang baru cara artistik dan helah.

Pramodernisme - tempoh pertama (awal) pembangunan artistik era avant-garde; sekumpulan aliran artistik dalam budaya separuh kedua abad ke-19, membuka seluruh peringkat (peringkat ilusi yang hilang) perkembangan seni terkini.

Naturalisme ialah hala tuju artistik, invariant konsep artistik yang merupakan penegasan seorang manusia yang berdaging dalam dunia material-material; seseorang, walaupun hanya diambil sebagai individu biologi yang sangat teratur, patut diberi perhatian dalam setiap manifestasi; untuk semua ketidaksempurnaannya, dunia adalah stabil, dan semua butiran mengenainya adalah kepentingan umum. Dalam konsep artistik naturalisme, keinginan dan kemungkinan, cita-cita dan realiti adalah seimbang, rasa puas hati tertentu masyarakat dirasakan, kepuasannya dengan kedudukannya dan keengganan untuk mengubah apa-apa di dunia.

Naturalisme mendakwa bahawa seluruh dunia yang kelihatan adalah sebahagian daripada alam semula jadi dan boleh dijelaskan oleh undang-undangnya, dan bukan oleh sebab-sebab ghaib atau paranormal. Naturalisme lahir daripada penghapusan realisme dan di bawah pengaruh teori biologi Darwin, kaedah saintifik mengkaji masyarakat dan idea deterministik Taine dan positivis lain.

Impresionisme - arah artistik (separuh kedua abad ke-19 - awal abad ke-20), invarian konsep artistik yang merupakan penegasan tentang personaliti yang halus, responsif lirik, mudah dipengaruhi, mengagumi keindahan dunia. Impresionisme membuka jenis persepsi baru tentang realiti. Tidak seperti realisme, yang tertumpu pada penghantaran tipikal, impresionisme tertumpu pada penglihatan istimewa, individu dan subjektif mereka oleh artis.

Impresionisme adalah penguasaan warna, chiaroscuro, keupayaan untuk menyampaikan kepelbagaian, kehidupan pelbagai warna, kegembiraan menjadi, untuk menangkap detik-detik pencahayaan yang singkat dan keadaan umum dunia yang berubah-ubah, untuk menyampaikan udara terbuka - permainan cahaya dan bayang-bayang di sekeliling seseorang dan benda, persekitaran udara, pencahayaan semula jadi, memberikan penampilan estetik objek yang digambarkan.

Impresionisme menampakkan dirinya dalam lukisan (C. Monet, O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, V. Van Gogh, P. Gauguin, A. Matisse, Utrillo, K. Korovin) dan dalam muzik (C. Debussy dan M Ravel, A. Scriabin), dan dalam kesusasteraan (sebahagiannya G. Maupassant, K. Hamsun, G. Kellermann, Hofmannsthal, A. Schnitzler, O. Wilde, A. Simone).

Eklektikisme- arah artistik (yang memanifestasikan dirinya terutamanya dalam seni bina), yang melibatkan, apabila mencipta karya, apa-apa gabungan mana-mana bentuk masa lalu, mana-mana tradisi kebangsaan, hiasan terus terang, pertukaran dan kesetaraan unsur dalam karya, pelanggaran hierarki dalam sistem seni dan melemahkan sistem dan integriti.

Eklektikisme dicirikan oleh: 1) hiasan yang berlebihan; 2) kepentingan yang sama pelbagai elemen, semua bentuk gaya; 3) kehilangan perbezaan antara bangunan besar dan unik dalam ensembel bandar atau karya sastera dan karya lain proses sastera; 4) kekurangan perpaduan: fasad memisahkan diri dari badan bangunan, perincian - dari keseluruhan, gaya fasad - dari gaya pedalaman, gaya pelbagai ruang dalaman - antara satu sama lain ; 5) komposisi simetri-paksi pilihan (berlepas dari peraturan bilangan tingkap ganjil pada fasad), keseragaman fasad; 6) prinsip "non-finito" (ketidaksiapan kerja, keterbukaan komposisi); 7) pengukuhan

pemikiran asosiatif pengarang (artis, penulisan la, arkitek) dan penonton; 8) pembebasan daripada tradisi kuno dan pergantungan pada budaya era yang berbeza dan bangsa yang berbeza; keinginan untuk eksotik; 9) pelbagai gaya; 10) keperibadian yang tidak terkawal (tidak seperti klasisisme), subjektivisme, manifestasi bebas unsur-unsur peribadi; 11) demokrasi: kecenderungan untuk mewujudkan jenis perumahan bandar yang universal dan tidak berkelas.

Secara fungsional, eklektikisme dalam kesusasteraan, seni bina dan seni lain bertujuan untuk berkhidmat kepada "harta pusaka ketiga". Bangunan utama Baroque adalah gereja atau istana, bangunan utama klasikisme adalah bangunan negara, bangunan utama eklektikisme adalah bangunan pangsapuri ("untuk semua orang"). Dekoratif eklektik adalah faktor pasaran yang telah timbul untuk menarik pelanggan yang luas ke bangunan pangsapuri di mana pangsapuri disewakan. Rumah yang menguntungkan - jenis perumahan yang besar.

Modenisme- era seni yang menyatukan gerakan seni yang konsep seninya mencerminkan pecutan sejarah dan pengukuhan tekanannya terhadap seseorang (simbolisme, rayonisme, fauvisme, primitivisme, kubisme, akmeisme, futurisme); tempoh penjelmaan paling lengkap avant-garde. Semasa zaman modenisme, perkembangan dan perubahan aliran seni berlaku dengan pesat.

Pergerakan seni moden dibina dengan merungkai struktur tipologi karya klasik- beberapa unsurnya menjadi objek eksperimen seni. DALAM seni klasik unsur-unsur ini adalah seimbang. Modenisme mengganggu keseimbangan ini dengan menguatkan beberapa elemen dan melemahkan yang lain.

Simbolisme- arah artistik era modenisme, yang menegaskan konsep seni: impian penyair adalah kesatria dan wanita cantik. Mimpi tentang

kesatriaan, penyembahan kepada seorang wanita cantik mengisi puisi perlambangan.

Simbolisme timbul di Perancis. Tuannya ialah Baudelaire, Mallarmé, Verlaine dan Rimbaud.

Acmeism adalah arah artistik kesusasteraan Rusia pada awal abad ke-20, yang timbul pada " zaman perak”, yang wujud terutamanya dalam puisi dan mendakwa: penyair- seorang ahli sihir dan penguasa dunia yang sombong, membongkar misterinya dan mengatasi kekacauannya.

Kepunyaan acmeism: N. Gumilyov, O. Mandelstam, A. Akhmatova, S. Gorodetsky, M. Lozinsky, M. Zenkevich, V. Narbug, G. Ivanov, G. Adamovich dan lain-lain Futurisme- arah artistik era modenisme, menegaskan personaliti militan yang agresif dalam kekacauan dunia yang dianjurkan oleh bandar.

Mentakrifkan artistik faktor futurisme - dinamik. Futurists melaksanakan prinsip percubaan tanpa had dan mencapai penyelesaian inovatif dalam kesusasteraan, lukisan, muzik dan teater.

Primitivisme- arah artistik yang memudahkan manusia dan dunia, berusaha untuk melihat dunia melalui mata kanak-kanak, dengan gembira dan ringkas, di luar "dewasa» kesukaran. Keinginan ini menimbulkan kuat dan pihak yang lemah primitivisme.

Primitivisme adalah nostalgia atavistik untuk masa lalu, merindukan cara hidup pra-tamadun.

Primitivisme berusaha untuk menangkap garis besar utama dunia yang kompleks mencari warna dan garisan yang menggembirakan dan boleh difahami di dalamnya. Primitivisme adalah tindak balas kepada realiti: dunia menjadi lebih kompleks, dan artis memudahkannya. Walau bagaimanapun, artis kemudian memudahkan dunia untuk mengatasi kerumitannya.

Kubisme - pelbagai geometri primitivisme yang memudahkan realiti, melihatnya dengan mata kebudak-budakan atau "biadab".

watak primitivisasi dahulu: penglihatan dunia melalui bentuk angka biasa secara geometri.

Kubisme dalam lukisan dan arca telah dibangunkan oleh artis Itali D. Severini, U. Boccione, K. Kappa; Jerman - E.L. Kirchner, G. Richter; Amerika - J. Pollock, I. Rey, M. Weber, Mexico Diego Rivera, E. Pettoruti Argentina, dsb.

Dalam kubisme, pembinaan seni bina dirasai; jisim dikawinkan secara mekanikal antara satu sama lain, dan setiap jisim mengekalkan kemerdekaannya. Kubisme membuka arah asas baru dalam seni kiasan. Karya bersyarat Kubisme (Braque, Gris, Picasso, Léger) mengekalkan hubungannya dengan model. Potret-potret itu sepadan dengan yang asal dan boleh dikenali (seorang pengkritik Amerika di kafe Paris mengenali seorang lelaki yang dikenalinya hanya dari potret oleh Picasso, terdiri daripada angka geometri).

Kubis tidak menggambarkan realiti, tetapi mencipta "realiti yang berbeza" dan tidak menyampaikan rupa objek, tetapi reka bentuk, arkitektonik, struktur, intipatinya. Mereka tidak menghasilkan semula "fakta naratif", tetapi secara visual merangkumi pengetahuan mereka tentang subjek yang digambarkan.

Abstraksiisme- arah seni seni abad ke-20, konsep seni yang menegaskan keperluan untuk individu melarikan diri dari realiti cetek dan khayalan.

Karya seni abstrak dipisahkan daripada bentuk kehidupan itu sendiri dan merangkumi kesan warna subjektif dan fantasi artis.

Terdapat dua aliran dalam abstraksionisme. Arus pertama lirik-emosi, abstraksi psikologi - simfoni warna, penyelarasan gabungan warna yang tidak berbentuk. Trend ini lahir dari kepelbagaian kesan impresionistik tentang dunia, yang terkandung dalam kanvas Henri Matisse.

Pencipta karya pertama abstraksi psikologi adalah V. Kandinsky, yang melukis lukisan "Gunung".

Arus kedua abstraksionisme geometri (logik, intelek) ("neoplastik") ialah kubisme bukan kiasan. Dalam kelahiran arus ini peranan penting dimainkan oleh P. Cezanne dan kubis, yang mencipta jenis ruang artistik baharu dengan menggabungkan pelbagai bentuk geometri, satah berwarna, garis lurus dan patah.

Suprematisme(pengarang istilah dan fenomena artistik yang sepadan Kazimir Malevich) - untuk abstraksi, mengasah dan mendalami ciri-cirinya. Malevich membuka trend "Suprematisme" pada tahun 1913 dengan lukisan "Black Square". Kemudian, Malevich merumuskan prinsip estetiknya: seni berkekalan kerana nilai abadinya; kepekaan plastik tulen - "maruah karya seni." Estetika dan puitis Suprematisme menegaskan formula dan gubahan bergambar universal (Suprematist) - binaan ideal unsur-unsur tetap dari segi geometri.

Rayonisme adalah salah satu aliran hampir abstrak yang menegaskan kesukaran dan kegembiraan kewujudan manusia dan ketidakpastian dunia, di mana semua objek yang diterangi oleh sumber cahaya yang berbeza ternyata dibedah oleh sinar cahaya ini dan kehilangan kiasan yang jelas. .

Luchisme berasal dari 1908 - 1910 gg. dalam karya artis Rusia Mikhail Larionov dan isterinya Natalia Goncharova.

semasa neomodernisme, semua pergerakan seni avant-garde berasal daripada pemahaman tentang realiti sedemikian: seseorang tidak dapat menahan tekanan dunia dan menjadi manusia baru. Dalam tempoh ini, pembangunan

Terdapat pergerakan seni avant-garde yang menegaskan konsep artistik dunia dan personaliti yang tidak menggembirakan dan pesimis. Antaranya Dadaisme, konstruktivisme, surealisme, eksistensialisme, neo-abstraksiisme, dll.

Dadaisme ialah gerakan artistik yang mengesahkan konsep seni; dunia- kegilaan yang tidak masuk akal, menyemak semula akal dan iman.

Prinsip Dadaisme ialah; putus dengan tradisi budaya dunia, termasuk tradisi bahasa; melarikan diri dari budaya dan realiti, idea dunia sebagai kekacauan kegilaan, di mana orang yang tidak berdaya dilemparkan; pesimisme, ketidakpercayaan, penafian nilai, perasaan kehilangan umum dan tidak bermakna keberadaan, kemusnahan cita-cita dan tujuan hidup. Dadaisme adalah ungkapan krisis nilai budaya klasik, pencarian bahasa baru dan nilai baru.

Surrealisme ialah gerakan seni yang memfokuskan kepada orang yang keliru dalam dunia yang misteri dan tidak diketahui. Konsep keperibadian dalam surealisme boleh diringkaskan dalam formula agnostikisme: "Saya seorang lelaki, tetapi sempadan keperibadian saya dan dunia telah kabur. Saya tidak tahu di mana "Saya" saya bermula dan di mana ia berakhir, di mana dunia dan apakah itu?

Surrealisme sebagai hala tuju artistik telah dibangunkan oleh: Paul Eluard, Robert Desnos, Max Ernst, Roger Vitran, Antonin Artaud, Rene Char, Salvador Dali, Raymond Quenot, Jacques Prevert.

Surealisme timbul daripada Dadaisme, asalnya sebagai arahan sastera, yang kemudiannya menemui ekspresinya dalam lukisan, serta dalam pawagam, teater dan sebahagiannya dalam muzik.

Bagi surealisme, manusia dan dunia, ruang dan masa adalah cair dan relatif. Mereka kehilangan sempadan mereka. Relativisme estetik diisytiharkan: semuanya mengalir, semuanya ada

ia seolah-olah bercampur-campur, ia kabur; tiada yang pasti. Surealisme menegaskan relativiti dunia dan miliknya nilai. Tidak ada sempadan antara kebahagiaan dan ketidakbahagiaan, individu dan masyarakat. Kekacauan dunia menyebabkan kekacauan pemikiran artistik- ini adalah prinsip estetika surealisme.

Konsep artistik surrealisme mengesahkan misteri dan ketidaktahuan dunia, di mana masa dan sejarah hilang, dan seseorang hidup dalam alam bawah sedar dan tidak berdaya dalam menghadapi kesukaran.

Ekspresionisme- arah artistik yang menegaskan: terasing, seseorang hidup dalam dunia yang bermusuhan. Sebagai wira pada masa itu, ekspresionisme mengemukakan keperibadian yang gelisah, dikuasai oleh emosi, [tidak dapat membawa keharmonian kepada dunia yang dikoyak oleh nafsu. -

Ekspresionisme sebagai arah artistik timbul atas dasar hubungan dengan pelbagai bidang aktiviti saintifik: dengan psikoanalisis Freud, fenomenologi Husserl, epistemologi neo-Kantian, falsafah Bulatan Vienna dan psikologi Gestalt.

Ekspresionisme menampakkan diri dalam pelbagai jenis seni: M. Chagall, O. Kokotka, E. Munch - dalam lukisan; A. Rimbaud, A. Yu. Strindberg, R. M. Rilke, E. Toller, F. Kafka - dalam kesusasteraan; I. Stravinsky, B. Bartok, A. Schoenberg - dalam muzik.

Ekspresionisme berdasarkan budaya abad XX. menghidupkan kembali romantisme. ekspresionisme ketakutan yang wujud terhadap dunia dan percanggahan antara dinamisme luaran dan idea tentang intipati dunia yang tidak berubah (tidak percaya pada kemungkinan peningkatannya). Mengikut artistik konsep ekspresionisme, kuasa-kuasa penting keperibadian diasingkan dalam menentang lelaki dan institusi awam yang bermusuhan: semuanya tidak berguna. Ek ekspresionisme adalah ekspresi kesakitan seorang seniman humanis,

disebabkan oleh ketidaksempurnaan dunia kepadanya. Konsep keperibadian ekspresionis: Manusia- makhluk "semulajadi" yang emosi, asing kepada dunia perindustrian dan rasional, bandar di mana dia terpaksa hidup.

Konstruktivisme- arah artistik (20-an abad XX), invarian konseptual yang merupakan idea- kewujudan manusia berlaku dalam persekitaran kuasa industri yang terasing daripadanya; dan wira masa- rasionalis masyarakat industri.

Prinsip neo-positivis kubisme, yang dilahirkan dalam lukisan, telah diperluaskan dalam bentuk yang diubah kepada kesusasteraan dan seni lain dan disatukan ke arah yang baru, menumpu dengan idea-idea teknik - konstruktivisme. Yang terakhir menganggap produk industri sebagai bebas, terasing daripada individu dan menentang nilainya. Konstruktivisme muncul pada waktu subuh revolusi sains dan teknologi dan idealkan idea-idea teknik; dia menghargai mesin dan produk mereka berbanding individu. Malah dalam karya konstruktivisme yang paling berbakat dan humanistik, faktor-faktor yang mengasingkan kemajuan teknologi diambil begitu sahaja. Konstruktivisme penuh dengan kesedihan kemajuan perindustrian, kesesuaian ekonomi; ia adalah teknokratik.

Estetika konstruktivisme berkembang antara ekstrem (kadang-kadang jatuh ke dalam salah satu daripadanya) - utilitarianisme, memerlukan pemusnahan estetika, dan estetika. Dalam seni visual dan dalam seni bina, prinsip kreatif konstruktivisme adalah sedekat mungkin dengan kejuruteraan dan termasuk: pengiraan matematik, laconicism cara artistik, skema komposisi, logik.

Dalam kesusasteraan, konstruktivisme sebagai arah artistik berkembang (1923 - 1930) dalam kerja kumpulan

LCC (Pusat Sastera Konstruktivis): I.L. Selvinsky, B.N. Agapov, V.M. Inber, H.A. Aduev, E.Kh. Bagritsky, B.I. Gabrilovich, K.L. Zelinsky (ahli teori kumpulan) dan lain-lain. Konstruktivisme juga mempengaruhi teater (karya pengarah Vsevolod Meyerhold, yang mengembangkan prinsip biomekanik, kejuruteraan teater, dan memperkenalkan unsur-unsur tontonan sarkas ke dalam aksi pentas. Idea konstruktivisme merangkumi pelbagai jenis seni, tetapi mempunyai pengaruh yang paling besar pada seni bina Ini terutamanya menjejaskan kerja Le Corbusier, I. Leonidov, VA Shchuko dan VG Gelfreich.

Eksistensialisme- konsep kewujudan manusia, tempat dan peranannya di dunia ini, hubungan dengan Tuhan. Intipati eksistensialisme- keutamaan kewujudan daripada intipati (manusia sendiri membentuk kewujudannya dan, memilih apa yang perlu dilakukan dan apa yang tidak boleh dilakukan, membawa intipati menjadi wujud). Eksistensialisme menegaskan keperibadian yang mementingkan diri sendiri yang kesepian dalam dunia yang tidak masuk akal. Bagi eksistensialisme, individu berada di atas sejarah.

Dalam konsep seninya, eksistensialisme (J.P. Sartre, A. Camus) mendakwa bahawa asas kewujudan manusia adalah tidak masuk akal, jika hanya kerana manusia adalah fana; cerita tu dari teruk jadi teruk dan kembali teruk. Tiada pergerakan ke atas, yang ada hanya tupai roda sejarah di mana kehidupan manusia berputar tanpa rasa.

Kesepian asas, yang ditegaskan oleh konsep artistik eksistensialisme, mempunyai akibat logik yang bertentangan: kehidupan bukanlah sesuatu yang tidak masuk akal di mana seseorang meneruskan dirinya dalam kemanusiaan. Tetapi jika seseorang adalah penyendiri, jika dia adalah satu-satunya nilai di dunia, maka dia secara sosial merendahkan nilai, dia tidak mempunyai masa depan, dan kemudian kematian adalah mutlak. Ia menconteng seseorang, dan kehidupan menjadi tidak bermakna.

Neo-abstraksiisme(abstraksionisme gelombang kedua) - ekspresi diri spontan-impulsif; penolakan asas kiasan, menggambarkan realiti, atas nama ekspresi murni; aliran kesedaran ditangkap dalam warna.

Neo-abstraksiisme telah dicipta oleh generasi baru abstraksionis: J. Paul Lak, De Kuhn dan Yig, A. Manisirer dan lain-lain. Mereka menguasai teknik surreal dan prinsip "automatisme mental". Paul Lak menekankan dalam tindakan kreatif bukan kerja, tetapi proses penciptaannya. Proses ini menjadi penamat dengan sendirinya dan di sini asal-usul "tindakan melukis" terbentuk.

Prinsip-prinsip neo-abstraksiisme telah dibuktikan oleh M. Brion, G. Reid, Sh.-P. Brew, M. Raton. Ahli teori Itali D. Severini menggesa untuk melupakan realiti, kerana ia tidak menjejaskan ekspresi plastik. Seorang lagi ahli teori, M. Zefor, menganggap merit lukisan abstrak ialah ia tidak membawa apa-apa daripada persekitaran normal kehidupan manusia. Fotografi menghilangkan kiasan lukisan, meninggalkan yang terakhir hanya kemungkinan ekspresif untuk mendedahkan dunia subjektif artis.

Pautan lemah dalam teori abstraksionisme dan neo-abstraksiisme ialah ketiadaan kriteria nilai yang jelas untuk membezakan kreativiti daripada spekulasi, kesungguhan daripada jenaka, bakat daripada biasa-biasa, kemahiran daripada tipu daya.

Penyelesaian artistik abstraksiisme dan neo-abstraksiisme (pengharmonian warna dan bentuk, penciptaan "keseimbangan" satah dengan saiz yang berbeza kerana keamatan warnanya) digunakan dalam seni bina, reka bentuk, seni hiasan, teater, pawagam dan televisyen.

Pascamodenisme sebagai era seni membawa paradigma seni yang mendakwa bahawa seseorang tidak dapat menahan tekanan dunia dan menjadi pasca manusia. Semua arah artistik ini

tempoh meresap dengan paradigma ini, memanifestasikan dan membiaskannya melalui konsep invarian mereka tentang dunia dan keperibadian: seni pop, sonopucmuka, aleatorik, pointilisme muzik, hiperrealisme, kejadian, dsb.

Seni Pop- seni kiasan baharu. Seni pop menentang penolakan abstraksionis terhadap realiti dengan dunia kebendaan yang kasar, yang dikaitkan dengan status artistik dan estetik.

Ahli teori seni pop berpendapat bahawa dalam konteks tertentu, setiap objek kehilangan makna asalnya dan menjadi karya seni. Oleh itu, tugas artis difahami bukan sebagai penciptaan objek artistik, tetapi sebagai memberikan kualiti artistik kepada objek biasa dengan mengatur konteks tertentu untuk persepsinya. Estetika dunia material menjadi prinsip seni pop. Artis berusaha untuk mencapai daya tarikan, keterlihatan dan kebolehfahaman ciptaan mereka, menggunakan puitis label dan pengiklanan untuk ini. Seni pop ialah gubahan objek harian, kadangkala digabungkan dengan model atau arca.

Kereta renyuk, gambar pudar, serpihan surat khabar dan poster yang ditampal pada kotak, ayam sumbat di bawah balang kaca, kasut lusuh dicat dengan cat minyak putih, motor elektrik, tayar lama atau dapur gas - ini adalah pameran seni seni pop.

Antara artis seni pop boleh dikenal pasti: E. Warhol, D, Chamberlain, J. Dine dan lain-lain.

Seni pop sebagai arah seni mempunyai beberapa jenis (trend): seni op (artistik kesan optik tersusun, gabungan geometri garisan dan bintik), env-apm(komposisi, organisasi artistik persekitaran di sekeliling penonton), emel(objek bergerak dengan bantuan motor elektrik

dan pembinaan, aliran seni pop ini menonjol sebagai hala tuju artistik bebas - kinetisme).

Seni pop mengemukakan konsep identiti pengguna masyarakat "penggunaan massa". Keperibadian ideal seni pop ialah pengguna manusia, yang baginya kehidupan masih estetik bagi komposisi komoditi harus menggantikan budaya rohani. Perkataan digantikan dengan barang, kesusasteraan digantikan dengan benda, keindahan digantikan dengan kegunaan, ketamakan kepada material, penggunaan komoditi, menggantikan keperluan rohani, adalah ciri seni pop. Arah ini pada asasnya berorientasikan kepada orang yang massa, bukan kreatif, kehilangan pemikiran bebas dan meminjam pemikiran "nya" daripada pengiklanan dan media massa, seseorang yang dimanipulasi oleh televisyen dan media lain. Personaliti ini diprogramkan oleh seni pop untuk memenuhi peranan yang diberikan sebagai pemeroleh dan pengguna, dengan patuh memusnahkan pengaruh tamadun moden yang mengasingkan. Personaliti Seni Pop - Zombi Budaya Massa.

Hiperrealisme ialah pergerakan artistik yang konsep artistiknya tidak berubah: sistem hidup yang tidak diperibadikan dalam dunia yang kejam dan kasar.

Hiperrealisme - mencipta karya supernaturalistik yang indah yang menyampaikan butiran terkecil objek yang digambarkan. Plot hiperrealisme sengaja cetek, imej dengan tegas "objektif". Arah ini mengembalikan artis kepada bentuk dan cara seni halus yang biasa, khususnya kepada kanvas lukisan, yang ditolak oleh seni pop. Hiperrealisme menjadikan alam sekitar bandar yang mati, buatan manusia, "kedua" sebagai tema utama lukisannya: stesen minyak, kereta, tingkap kedai, bangunan kediaman, pondok telefon, yang dipersembahkan sebagai terasing daripada manusia.

Hiperrealisme menunjukkan akibat pembandaran yang berlebihan, kemusnahan ekologi alam sekitar, membuktikan bahawa metropolis mewujudkan persekitaran yang tidak berperikemanusiaan. Tema utama hiperrealisme ialah kehidupan berjentera impersonal di bandar moden.

Asas teori hiperrealisme - idea falsafah sekolah Frankfurt, yang mengesahkan keperluan untuk beralih daripada bentuk pemikiran kiasan yang diideologikan.

Karya seni fotorealisme adalah berdasarkan gambar yang sangat besar dan sering dikenal pasti dengan hiperrealisme. Walau bagaimanapun, kedua-dua dari segi teknologi mencipta imej dan, yang paling penting, dari segi invarian konsepsi artistik dunia dan keperibadian, ini, walaupun dekat, tetapi arah artistik yang berbeza. Hyperrealists meniru foto dengan cara bergambar di atas kanvas, photorealists meniru lukisan dengan memproses (dengan cat, kolaj) gambar.

Fotorealisme menegaskan keutamaan konsep dokumentari dan artistik: seorang yang boleh dipercayai, orang biasa dalam dunia yang boleh dipercayai dan biasa.

Tujuan fotorealisme ialah imej kehidupan seharian moden. Jalan-jalan, orang yang lalu lalang, tingkap kedai, kereta, lampu isyarat, rumah, barangan rumah dihasilkan semula dalam karya fotorealisme secara tulen, objektif dan sangat serupa.

Ciri-ciri utama fotorealisme: 1) kiasan, menentang tradisi abstraksiisme; 2) tarikan kepada plot; 3) keinginan untuk mengelakkan "klise realistik" dan dokumentari; 4) pergantungan kepada pencapaian artistik teknologi fotografi.

Sonoristik- arah dalam muzik: permainan timbres, menyatakan "I" pengarang. Bagi wakilnya, bukan padang yang penting, tetapi timbre. Mereka mencari yang baru muzikal warna, bunyi tidak lazim: mereka bermain di atas rotan, di atas

gergaji, penyepit pada tali piano, tampar pada dek, pada alat kawalan jauh, bunyi dihasilkan dengan mengelap corong dengan sapu tangan.

Dalam muzik nyaring tulen, melodi, harmoni dan irama tidak memainkan peranan yang istimewa, hanya bunyi timbre yang penting. Keperluan untuk memperbaikinya menghidupkan bentuk grafik khas rakaman timbre dalam bentuk garisan nipis, tebal, beralun, berbentuk kon. Kadangkala julat di mana pemain perlu bermain juga ditunjukkan.

Pengasas muzik sonora ialah komposer Poland K. Penderecki, dan inisiatifnya diteruskan oleh K. Serocki, S. Bussotti dan lain-lain.

Pointilisme muzik- arah dalam pandangan hadapan * cirinya ialah pecahnya fabrik muzik, penyebarannya dalam daftar, kerumitan irama dan tandatangan masa, banyaknya jeda.

Pointillism muzik enggan mencipta sesuatu yang boleh difahami realiti seni(dari realiti yang boleh difahami berdasarkan tradisi muzik dan seni dunia dan menggunakan kod semiotik muzik tradisional). Pointillisme mengorientasikan individu ke arah penghijrahan ke dunia jiwanya dan mengesahkan pemecahan dunia sekeliling.

Aleatorica- arah artistik kesusasteraan dan muzik, berdasarkan tanggapan falsafah bahawa peluang berkuasa dalam kehidupan, dan mengesahkan konsep seni: manusia- pemain dalam dunia situasi rawak.

Wakil-wakil aleatorik: K. Stockhausen, P. Boulez, S. Bussotti, J. Cage, A. Pusser, K. Serotsky dan lain-lain. Peluang menyerang sastera atau karya muzik secara mekanikal: dengan membaling cip (dadu), bermain catur, mengocok halaman atau pelbagai serpihan, serta menggunakan

improvisasi: teks muzik ditulis dalam "tanda-simbol" dan kemudian ditafsirkan secara bebas.

berlaku- ini adalah salah satu jenis budaya seni moden di Barat. A. Keprou adalah pengarang produksi pertama "Courtyard", "Creations". Persembahan yang berlaku melibatkan tindakan misteri, kadangkala tidak logik oleh para penghibur dan dicirikan dengan banyaknya prop yang dibuat daripada benda yang digunakan malah diambil dari tapak pelupusan sampah. Peserta yang hadir memakai pakaian yang terang dan tidak masuk akal, menekankan ketidakhidupan para penghibur, persamaan mereka sama ada dengan kotak atau baldi. Beberapa persembahan terdiri, sebagai contoh, pelepasan yang menyakitkan dari bawah kain terpal. Pada masa yang sama, tingkah laku individu pelakon adalah improvisasi. Kadang-kadang pelakon berpaling kepada penonton dengan permintaan untuk membantu mereka. Kemasukan penonton dalam tindakan ini sepadan dengan semangat yang berlaku.

Konsep dunia dan keperibadian yang dikemukakan oleh yang berlaku boleh dirumuskan seperti berikut: dunia- rantaian peristiwa rawak, seseorang mesti secara subjektif merasakan kebebasan sepenuhnya, tetapi sebenarnya mematuhi satu tindakan, dimanipulasi.

Kejadian menggunakan lukisan cahaya: cahaya terus berubah warna dan kekuatan, diarahkan terus kepada pelakon atau bersinar melalui skrin yang diperbuat daripada bahan yang berbeza. Selalunya ia disertai dengan kesan bunyi (suara manusia, muzik, berdenting, berderak, mengisar). Bunyi kadangkala sangat kuat, tidak dijangka, direka untuk kesan kejutan. Pembentangan termasuk ketelusan dan bingkai filem. Laura juga menggunakan bahan aromatik. Pelaku menerima tugas daripada pengarah, tetapi tempoh tindakan peserta tidak ditentukan. Semua orang boleh meninggalkan permainan pada bila-bila masa mereka mahu.

Acara diatur di tempat yang berbeza: di tempat letak kereta, di halaman yang dikelilingi oleh bangunan tinggi, di bawah tanah. benteng, loteng. Ruang yang berlaku, mengikut prinsip tindakan ini, tidak seharusnya mengehadkan imaginasi artis dan penonton.

Ahli teori yang berlaku M. Kerby merujuk jenis tontonan ini kepada bidang teater, walaupun dia menyatakan bahawa berlaku berbeza daripada teater jika tiada struktur tradisional persembahan: plot, watak dan konflik. Penyelidik lain mengaitkan sifat kejadian dengan lukisan dan arca, dan bukan dengan teater.

Dengan asal-usulnya, kejadian berbalik kepada pencarian artistik pada awal abad ke-20, kepada percubaan beberapa pelukis dan pengukir untuk mengalihkan tumpuan daripada lukisan atau arca kepada proses penciptaan mereka. Dalam erti kata lain, berlaku juga mengambil masa asal usul dalam "lukisan aksi": dalam "percikan titisan" J. Pollock, dalam sapuan "tegang" De Kooning, dalam persembahan bergambar berkostum oleh J. Mathieu.

seni yang merosakkan diri sendiri- ini adalah salah satu fenomena aneh pascamodenisme. Lukisan yang dilukis dengan cat yang semakin pudar di hadapan penonton. Buku "Nothing", diterbitkan di Amerika Syarikat pada tahun 1975 dan dicetak semula di England. Ia mempunyai 192 muka surat, dan tiada satu pun daripadanya mempunyai satu baris. Penulis mendakwa bahawa dia menyatakan pemikiran: Saya tidak mempunyai apa-apa untuk memberitahu anda. Semua ini adalah contoh seni yang merosakkan diri. Ia juga mempunyai ekspresinya dalam muzik: persembahan sekeping pada piano yang runtuh atau pada biola yang mereput, dan sebagainya.

Konseptualisme- adalah hala tuju seni seni barat, yang, dalam konsep artistiknya, mengesahkan seseorang yang terlepas daripada makna langsung (segera) budaya dan yang dikelilingi oleh produk estetik aktiviti intelektual.

Karya konseptualisme tidak dapat diramalkan berbeza dalam tekstur dan penampilan mereka: foto, salinan foto dari teks, telegram, pengeluaran semula, grafik, lajur nombor, skema. Konseptualisme tidak menggunakan produk intelektual aktiviti manusia untuk tujuan yang dimaksudkan: penerima tidak seharusnya membaca dan mentafsir makna teks, tetapi menganggapnya sebagai produk estetik semata-mata, menarik dalam penampilannya.

Wakil konseptualisme; Artis Amerika T. Atkinson, D. Bainbridge, M. Baldwin, X. Harrell, Joseph Kossuth, Lawrence Weiner, Robert Berry, Douglas Huebler dan lain-lain.

Realisme kritikal abad ke-19,- arah artistik” yang mengemukakan konsep: dunia dan manusia tidak sempurna; keluar- tidak menentang kejahatan dengan keganasan dan memperbaiki diri.

M realisme sosialis- arah artistik yang mengesahkan konsep artistik: seseorang aktif secara sosial dan termasuk dalam penciptaan sejarah dengan cara yang ganas"

realisme petani- hala tuju seni yang menegaskan bahawa petani adalah pembawa utama akhlak dan tunjang kehidupan negara.

Realisme petani (prosa kampung) - arah sastera prosa Rusia (60-an - 80-an); tema pusat - kampung moden, watak utama ialah seorang petani - satu-satunya wakil rakyat yang sebenar dan pembawa cita-cita.

neorealisme- arah artistik realisme abad ke-20, yang menunjukkan dirinya dalam pawagam Itali pasca perang dan sebahagiannya dalam kesusasteraan. Ciri-ciri: neorealisme menunjukkan minat yang rapat terhadap seorang lelaki dari rakyat, dalam kehidupan orang biasa: perhatian akut terhadap perincian, pemerhatian dan penetapan unsur-unsur yang memasuki kehidupan selepas Perang Dunia Kedua. produk-

Ajaran neorealisme menegaskan idea-idea humanisme, kepentingan nilai kehidupan yang sederhana, kebaikan dan keadilan dalam hubungan manusia, kesaksamaan manusia dan maruah mereka, tanpa mengira status harta mereka.

Realisme ajaib- arah artistik realisme, yang mengesahkan konsep: seseorang hidup dalam realiti yang menggabungkan kemodenan dan sejarah, alam ghaib dan semula jadi, paranormal dan biasa.

Keanehan realisme ajaib- episod hebat berkembang mengikut undang-undang logik setiap hari sebagai realiti setiap hari.

realisme psikologi- pergerakan artistik abad ke-20, mengemukakan konsep: individu bertanggungjawab; dunia rohani harus dipenuhi dengan budaya yang menggalakkan persaudaraan sesama manusia dan mengatasi keegoan dan kesunyian mereka.

realisme intelek- Ini adalah arah artistik realisme, dalam karya-karya yang drama idea terungkap dan watak-watak di wajah "melakonkan" pemikiran pengarang, menyatakan pelbagai aspek konsep artistiknya. Realisme intelektual mengandaikan pemikiran konseptual dan falsafah artis. Jika realisme psikologi berusaha untuk menyampaikan keplastikan pergerakan pemikiran, mendedahkan dialektik jiwa manusia, interaksi dunia dan kesedaran, maka realisme intelektual berusaha menyelesaikan masalah sebenar secara artistik dan meyakinkan, untuk menganalisis keadaan dunia.

Maklumat yang serupa.

Rancang

pengenalan

Soalan 1. Estetika Zaman Baru dan estetika moden

Soalan 2. Kekhususan Protestantisme, sebagai salah satu hala tuju agama Kristian

Kesimpulan

Senarai sumber yang digunakan

pengenalan

Subjek kajian dalam kerja kawalan adalah subjek etika, estetika dan pengajian agama.

Objek kajian adalah aspek individu disiplin.

Perkaitan kajian itu disebabkan, pertama sekali, oleh fakta bahawa setiap agama adalah pandangan dunia dan pemikiran sosial, berpakaian dalam bentuk pemujaan. Terutama menarik untuk penyelidikan adalah kes-kes apabila agama tidak tetap tidak berubah, tetapi ditambah dengan kehidupan dan perubahan di dalamnya. Pada masa yang sama, setiap tempoh pembangunan manusia, mengikut pandangan moral, etika dan falsafahnya, membentuk etika dan estetika tingkah laku dan aktiviti manusia yang tersendiri dalam masyarakat. Proses perkembangan agama selalunya berkaitan secara langsung dengan piawaian etika masyarakat dan perwujudan estetika. Kadangkala etika dan estetika bertentangan dengan pemujaan agama, mendahului dan memperkenalkan idea falsafah baharu.

Tujuan kerja berdasarkan metodologi yang dipelajari dan sastera pendidikan mencirikan objek kajian dalam kerja kawalan.

Untuk mencapai matlamat ini, ia dirancang untuk menyelesaikan tugas utama berikut:

Pertimbangkan ciri-ciri estetika Zaman Baru dan estetika moden;

Huraikan proses kemunculan Protestantisme dan prinsip-prinsip agama ini, kemukakan ciri-ciri utama pemujaan kepercayaan ini;

Meringkaskan hasil penyelidikan dalam kerja.

Soalan 1. Estetika Zaman Baru dan estetika moden

Asas ideologi Zaman Baru adalah humanisme, dan kemudian falsafah semula jadi.

Humanisme- dari lat. manusia - pengiktirafan nilai seseorang sebagai seseorang, haknya untuk pembangunan bebas dan manifestasi kebolehannya. Kelulusan terhadap kebaikan manusia sebagai kriteria untuk menilai hubungan sosial. DALAM pengertian falsafah- pemikiran bebas sekular, menentang skolastik dan penguasaan rohani gereja. Dalam era ini, sejenis pendewaan manusia berlaku - "mikrokosmos", makhluk yang setara dengan tuhan yang mencipta dan mencipta dirinya sendiri. Pandangan ini adalah antroposentrisme. Ini adalah istilah falsafah yang berakar pada separuh kedua abad ke-19 untuk merujuk kepada ajaran idealistik yang melihat dalam diri manusia matlamat utama dan tertinggi alam semesta. Tetapi asasnya diletakkan pada zaman Renaissance.

Panteisme- dari bahasa Yunani. theos, yang bermaksud tuhan. Ini adalah ajaran agama dan falsafah yang mengenal pasti Tuhan dan seluruh dunia. Kecenderungan panteistik menampakkan diri dalam mistisisme sesat pada Zaman Pertengahan. Panteisme adalah ciri falsafah semula jadi Renaissance dan sistem materialistik Spinoza, yang mengenal pasti konsep "tuhan" dan "alam".

Sikap sedemikian terhadap seseorang menandakan kemunculan bentuk baru kesedaran diri dan individualisme Renaissance. Penekanan diberikan kepada isu-isu etika, doktrin kehendak bebas individu, diarahkan ke arah kebaikan dan kebaikan bersama. Terdapat semacam pemulihan manusia dan fikirannya. Ia menolak sikap teologi zaman pertengahan kepada manusia sebagai kapal berdosa, ditakdirkan untuk menderita dalam hidup. Kegembiraan dan keseronokan telah diisytiharkan sebagai tujuan kewujudan duniawi. Kemungkinan kewujudan harmoni manusia dan dunia sekeliling telah diumumkan. Humanis menyumbang kepada pembangunan cita-cita keperibadian yang sempurna, dibangunkan secara menyeluruh, yang kebajikannya ditentukan bukan oleh bangsawan sejak lahir, tetapi oleh perbuatan, kecerdasan, bakat, dan jasa kepada masyarakat. Dalam Humanisme, sejak awal lagi, kecenderungan falsafah semula jadi telah disimpulkan, yang menerima perkembangan istimewa pada abad ke-16. masalah utama, yang menduduki ahli falsafah semula jadi - nisbah Tuhan dan alam semula jadi. Mempertimbangkannya, mereka berusaha untuk mengatasi dualisme pemikiran zaman pertengahan, mereka memahami dunia sebagai hubungan organik antara jirim dan roh. Menyedari kebendaan dan ketakterhinggaan dunia, mereka menganugerahkan bahan dengan keupayaan untuk menghasilkan semula dirinya, dan pada masa yang sama kehidupan, mencipta doktrin ruang hidup. Oleh itu, dalam sistem falsafah Renaissance, gambaran panteistik dunia telah terbentuk. Idea animasi universal alam semesta mempersoalkan kewujudan alam ghaib, dunia lain, kerana segala-galanya yang ajaib diisytiharkan semula jadi, semula jadi, berpotensi untuk dikenali: sebaik sahaja ia ditemui dan dijelaskan, bagaimana ia tidak lagi menjadi ajaib. Penghakiman sedemikian bertentangan dengan dogma gereja. Skolastikisme zaman pertengahan, berdasarkan pengetahuan buku dan pihak berkuasa, ditentang oleh humanisme dan falsafah semula jadi kepada rasionalisme, kaedah eksperimen untuk mengetahui dunia, berdasarkan persepsi dan eksperimen deria. Pada masa yang sama, animasi kosmos membawa kepada idea hubungan misteri antara manusia dan alam semula jadi, pengiktirafan sains ghaib. Sains difahami sebagai sihir semula jadi, astronomi dikaitkan dengan astrologi, dan sebagainya. Secara umum, pemahaman alam semula jadi sebagai tuan dalaman, bertindak secara bebas, hidup mengikut undang-undangnya sendiri, bermakna pemecahan dengan idea-idea zaman pertengahan yang telah ditetapkan tentang tuhan pencipta dan membawa kepada kemunculan agama semula jadi yang baru. Pergolakan ideologi ini adalah berdasarkan kebangkitan daya produktif, pengeluaran bahan, sains dan teknologi. Semua ini membawa kepada perkembangan progresif Eropah.

Ciri membezakan pandangan dunia Renaissance yang paling penting ialah tumpuannya pada seni. Jika tumpuan zaman dahulu adalah kehidupan semula jadi-kosmik, pada Zaman Pertengahan ia adalah Tuhan dan idea keselamatan yang dikaitkan dengannya, maka dalam Renaissance, tumpuannya adalah pada manusia. Oleh itu, pemikiran falsafah pada zaman ini boleh disifatkan sebagai antroposentrik.

Dalam Renaissance, individu memperoleh kemerdekaan yang lebih besar, dia semakin mewakili bukan kesatuan ini atau itu, tetapi dirinya sendiri. Dari sini tumbuh kesedaran diri baru seseorang dan kedudukan sosialnya yang baru: kebanggaan dan pengesahan diri, kesedaran tentang kekuatan dan bakat sendiri menjadi kualiti tersendiri seseorang.

Serba boleh adalah ideal seorang lelaki renaissance. Teori seni bina, lukisan dan arca, matematik, mekanik, kartografi, falsafah, etika, estetika, pedagogi - ini adalah bulatan kajian, contohnya, artis Florentine dan humanis Alberti.

Mari kita beralih kepada alasan salah seorang humanis abad ke-15, Giovanni Pico (1463-1494), dalam Oration on the Dignity of Man yang terkenal. Setelah menciptakan manusia dan "menempatkannya di tengah-tengah dunia," Tuhan, menurut ahli falsafah ini, memanggilnya dengan kata-kata ini: "Kami tidak memberikan kepadamu, wahai Adam, sama ada tempat tertentu, atau imejmu sendiri, atau kewajipan khusus, supaya kedua-dua tempat dan Anda mempunyai kewajipan atas kehendak anda sendiri, mengikut kehendak dan keputusan anda.

Pico mempunyai idea tentang seorang lelaki yang diberi Tuhan kehendak bebas dan yang sendiri mesti menentukan nasibnya, menentukan tempatnya di dunia. Manusia di sini bukan hanya makhluk semula jadi, tetapi pencipta dirinya sendiri.

Dalam Renaissance, apa-apa aktiviti - sama ada aktiviti artis, pengukir, arkitek atau jurutera, pelayar atau penyair - dilihat secara berbeza daripada pada zaman dahulu dan Zaman Pertengahan. Di kalangan orang Yunani kuno, kontemplasi diletakkan di atas aktiviti (dalam bahasa Yunani, kontemplasi adalah teori). Pada Zaman Pertengahan, kerja dilihat sebagai sejenis penebusan dosa. Walau bagaimanapun, bentuk aktiviti tertinggi diiktiraf di sini sebagai yang membawa kepada keselamatan jiwa, dan dalam banyak hal ia serupa dengan renungan: ia adalah doa, ritual liturgi. Dan hanya dalam Renaissance, aktiviti kreatif memperoleh sejenis watak suci. Dengan bantuannya, seseorang bukan sahaja memenuhi keperluan terestrialnya; dia mencipta dunia baru, mencipta kecantikan, mencipta perkara tertinggi di dunia, dirinya sendiri. Dan bukan kebetulan bahawa pada zaman Renaissance garis yang sebelum ini wujud antara sains, aktiviti praktikal-teknikal, dan fantasi artistik telah kabur buat kali pertama. Jurutera dan artis kini bukan sahaja "tukang", "juruteknik", kini dia adalah seorang pencipta. Mulai sekarang, artis meniru bukan sahaja ciptaan Tuhan, tetapi kreativiti yang sangat ilahi. Dalam dunia sains, kita dapati pendekatan sedemikian di Kepler, Galileo, Navanieri.

Seseorang berusaha untuk membebaskan dirinya daripada akar rohaninya, mencari pijakan bukan sahaja di alam semesta, dari mana dia, seolah-olah, tumbuh pada masa ini, tetapi dalam dirinya sendiri, dalam cahaya baru - badan yang melaluinya mulai sekarang. dia melihat jasmani dengan cara yang berbeza secara umum. Walaupun nampaknya paradoks, justru doktrin zaman pertengahan tentang kebangkitan manusia dalam daging yang membawa kepada "pemulihan" manusia dengan semua jasmani materialnya, yang merupakan ciri Renaissance.

Kultus ciri kecantikan Renaissance dikaitkan dengan antroposentrisme, dan bukan secara kebetulan bahawa lukisan, yang digambarkan terutamanya cantik muka manusia Dan badan manusia menjadi bentuk seni yang dominan pada era ini. Artis hebat - Botticelli, Leonardo da Vinci, Raphael, pandangan dunia Renaissance menerima ekspresi tertingginya.

Dalam Renaissance, tidak pernah sebelum ini, nilai individu meningkat. Baik pada zaman dahulu mahupun pada Zaman Pertengahan tidak ada minat yang begitu membara terhadap manusia dalam semua kepelbagaian manifestasinya. Di atas segalanya, pada era ini, keaslian dan keunikan setiap individu diletakkan.

Perkembangan personaliti yang kaya dalam abad XV-XVI sering disertai dengan keterlaluan individualisme: nilai keperibadian yang wujud bermakna kemutlakan pendekatan estetik kepada manusia.

Soalan 2. Kekhususan Protestantisme, sebagai salah satu hala tuju agama Kristian

Protestantisme adalah salah satu daripada tiga arah utama agama Kristian, bersama-sama dengan Katolik dan Ortodoks, yang merupakan koleksi banyak gereja dan mazhab bebas yang berkaitan dengan asal usul Reformasi, sebuah gerakan anti-Katolik yang luas pada abad ke-16. di Eropah. Gerakan ini bermula di Jerman pada tahun 1517, apabila M. Luther menerbitkan "95 tesis" beliau, dan ia berakhir pada separuh kedua abad ke-16. pengiktirafan rasmi Protestantisme. Semasa Zaman Pertengahan, banyak percubaan dibuat untuk mereformasi Gereja Katolik. Walau bagaimanapun, istilah "reformasi" pertama kali muncul pada abad ke-16; ia diperkenalkan oleh para reformis untuk menyatakan idea tentang keperluan bagi gereja untuk kembali kepada asal-usul alkitabiahnya. Sebaliknya, Gereja Roman Katolik melihat Reformasi sebagai pemberontakan, revolusi. Konsep "Protestan" timbul sebagai nama umum untuk semua penyokong Reformasi.

Perkembangan sains estetik di negara-negara Eropah Barat dan Amerika Syarikat pada separuh pertama abad kita menyatakan tempoh yang bercanggah ini dalam banyak konsep dan teorinya, terutamanya bersifat tidak realistik, untuk kebanyakannya istilah "modernisme" telah ditubuhkan.

Modenisme (dari bahasa Perancis moden - terkini, moden) adalah simbol umum untuk trend seni abad ke-20, yang dicirikan oleh penolakan kaedah tradisional perwakilan artistik dunia.

Modernisme sebagai sistem seni telah disediakan oleh dua proses perkembangannya: kemerosotan (iaitu, penerbangan, penolakan kehidupan sebenar, pemujaan kecantikan sebagai satu-satunya nilai, penolakan masalah sosial) dan avant-garde (yang manifestonya menyeru untuk berpecah dengan warisan masa lalu dan mencipta sesuatu yang baru, bertentangan dengan sikap artistik tradisional).

Semua aliran utama dan arus modenisme - kubisme, ekspresionisme, futurisme, konstruktivisme, khayalan, surealisme, abstraksionisme, seni pop, hiperrealisme, dan lain-lain, sama ada menolak atau mengubah sepenuhnya keseluruhan sistem cara dan teknik artistik. Secara khusus, dalam pelbagai jenis seni, ini dinyatakan: dalam perubahan dalam imej spatial dan penolakan corak artistik dan kiasan dalam seni visual; dalam semakan organisasi melodi, berirama dan harmoni dalam muzik; dalam kemunculan "aliran kesedaran", monolog dalaman, montaj bersekutu dalam kesusasteraan, dan lain-lain. Idea-idea voluntarisme tidak rasional A. Schopenhauer dan F. Nietzsche, doktrin gerak hati oleh A. Bergson dan N. Lossky, psikoanalisis 3 mempunyai pengaruh yang besar terhadap amalan modenisme.Freud dan C. G. Jung, eksistensialisme M. Heidegger, J.-P. Sartre dan A. Camus, teori falsafah sosial Sekolah Frankfurt T. Adorno dan G. Marcuse.

Suasana emosi umum karya seniman moden boleh dinyatakan dalam frasa berikut: kekacauan kehidupan moden, perpecahannya menyumbang kepada gangguan dan kesunyian seseorang, konfliknya tidak dapat diselesaikan dan tidak ada harapan, dan keadaan di mana dia berada. diletakkan tidak dapat diatasi.

Selepas Perang Dunia Kedua, kebanyakan aliran modernis dalam seni kehilangan jawatan avant-garde mereka dahulu. Di Eropah dan Amerika selepas perang, budaya "massa" dan "elit" mula aktif menampakkan diri, dengan pelbagai trend dan trend estetik yang sepadan dengannya, dan juga mengisytiharkan diri mereka. sekolah estetik watak bukan Marxis. Secara umumnya, peringkat pasca perang dalam pembangunan estetika asing boleh ditakrifkan sebagai pascamoden.

Pascamodenisme ialah satu konsep yang menunjukkan tahap baru, yang terakhir setakat ini, super dalam rantaian aliran budaya yang secara semula jadi mengubah satu sama lain sepanjang sejarah. Postmodernisme sebagai paradigma budaya moden adalah hala tuju umum pembangunan budaya Eropah terbentuk pada tahun 70-an. abad ke-20

Kemunculan aliran pascamoden dalam budaya dikaitkan dengan kesedaran tentang batasan kemajuan sosial dan ketakutan masyarakat bahawa hasilnya mengancam kemusnahan masa dan ruang budaya. Pascamodenisme, seolah-olah, harus menetapkan had campur tangan manusia dalam pembangunan alam, masyarakat dan budaya. Oleh itu, postmodernisme dicirikan oleh pencarian bahasa seni universal, penumpuan dan penggabungan pelbagai gerakan artistik, lebih-lebih lagi, "anarkisme" gaya, kepelbagaian mereka yang tidak berkesudahan, eklektikisme, kolaj, alam montaj subjektif.

Ciri-ciri postmodernisme ialah:

Orientasi budaya pascamoden dan "massa" dan "elit" masyarakat;

Pengaruh seni yang ketara pada bidang bukan seni aktiviti manusia (pada politik, agama, sains komputer, dll.);

Pluralisme gaya;

Nukilan luas dalam ciptaan karya seni era terdahulu mereka;

ironi berakhir tradisi seni budaya lampau;

Menggunakan teknik permainan semasa mencipta karya seni.

Dalam penciptaan seni pascamoden, terdapat orientasi semula secara sedar daripada kreativiti kepada kompilasi dan petikan. Bagi postmodernisme, kreativiti tidak sama dengan penciptaan. Jika sistem "artis - karya seni" berfungsi dalam budaya pra-postmodern, maka dalam pascamodenisme penekanan dialihkan kepada hubungan "karya seni - penonton", yang menunjukkan perubahan asas dalam kesedaran diri artis. Dia tidak lagi menjadi "pencipta", kerana makna karya itu dilahirkan secara langsung dalam tindakan persepsinya. Sebuah karya seni pascamoden mesti dilihat, dipamerkan, ia tidak boleh wujud tanpa penonton. Kita boleh mengatakan bahawa dalam pascamodenisme terdapat peralihan daripada "karya seni" kepada "pembinaan seni".

Postmodernisme sebagai teori mendapat justifikasi yang ketara dalam karya J. Baudrillard "The System of Things" (1969), J. F. Lyotard "Postmodern Knowledge" (1979) dan "Dispute" (1984), P. Sloterdijk "Magic Tree" (1985). ) dan lain-lain

Dalam bahagian ini, hanya aliran estetik yang paling penting dan aliran orientasi bukan Marxis, serta masalah utama sains estetik abad ke-20, akan dianalisis.