A evolução da tecnologia na indústria da música. Marketing da Indústria Musical: Métodos, Estratégia, Plano Público Alvo do Marketing Musical

Antes do advento das modernas fontes de som portáteis, sinal digital e música, o processo de gravação e reprodução de som percorreu um longo caminho. Na virada dos séculos XIX-XX. a indústria da música tinha um certo sistema, que incluía: atividades de concertos e turnês, venda de notas e instrumentos. No século XIX, a música impressa era a principal forma de bens musicais. EM final do século XIX século, o surgimento de dispositivos de gravação e reprodução de som e, como resultado, o surgimento de gravadoras, levou a uma mudança significativa na estrutura da indústria da música e ao surgimento de um fenômeno como o negócio da música no início do século o século 20.

A natureza humana é tal que ele não consegue imaginar a vida sem sons, harmonia e instrumentos musicais. Por vários milênios, os músicos aprimoraram suas habilidades em tocar lira, harpa judaica, alaúde ou cisterna. Mas, para agradar aos ouvidos dos clientes de alto escalão, sempre foi necessária a presença de uma trupe de músicos profissionais. Surgiu assim a necessidade de gravar música com possibilidade da sua posterior reprodução sem intervenção humana. Além disso, o surgimento do negócio da música se deve principalmente ao surgimento da gravação de som.

Acredita-se que o primeiro dispositivo de reprodução de som foi invenção do antigo inventor grego Ctesibius - "hidravlos" . As primeiras descrições deste design são encontradas nos manuscritos de escritores antigos tardios - Heron de Alexandria, Vitrúvio e Ateneu. Em 875, os irmãos Banu Musa, tendo emprestado a ideia dos manuscritos do antigo inventor grego, apresentaram ao mundo seu análogo de um dispositivo para reproduzir sons - "órgão de água" (Fig. 1.2.1.). Seu princípio de funcionamento era extremamente simples: um rolo mecânico de rotação uniforme com saliências habilmente colocadas batia nos vasos com diferentes quantidades de água, o que afetava o tom dos sons, fazendo soar os tubos cheios. Alguns anos depois, os irmãos também introduziram a primeira "flauta automática", que também se baseava no princípio do "órgão de água". Até o século 19, eram as invenções dos irmãos Banu Musa que eram a única forma disponível de gravação de som programável.

Arroz. 1.2.1. A invenção dos irmãos Banu Musa - "órgão de água"

A partir do século XV. A era renascentista foi coberta por uma moda de instrumentos musicais mecânicos. Abre o desfile de instrumentos musicais com o princípio de funcionamento dos irmãos Banu Musa - realejo. Em 1598 surge o primeiro relógio musical, em meados do século XVI. - caixas de música. Além disso, as primeiras tentativas de distribuição em massa de música foram as chamadas "folhetos de balada" - poemas impressos em papel com anotações no topo da folha, que apareceram pela primeira vez na Europa nos séculos XVI-XVII. Esse método de distribuição não era controlado por ninguém. O primeiro processo conscientemente controlado de distribuição em massa de música foi a replicação de notas.

Na primeira metade do século XIX, continuou a tendência para o desenvolvimento de instrumentos musicais mecânicos - caixas, caixas de rapé - todos estes dispositivos tinham um conjunto de melodias muito limitado e podiam reproduzir o motivo anteriormente "guardado" pelo mestre. Não foi possível gravar uma voz humana ou o som de um instrumento acústico com possibilidade de reprodução posterior até 1857.

O primeiro dispositivo de gravação de som do mundo é - fonoautógrafo (Fig. 1.2.2.), que foi inventado em 1857 por Edward Leon Scott de Martinville. O princípio de funcionamento do fonoautógrafo era registrar uma onda sonora captando vibrações por meio de uma buzina acústica especial, na ponta da qual havia uma agulha. Sob a influência do som, a agulha começou a vibrar, desenhando uma onda intermitente em um rolo de vidro rotativo, cuja superfície estava coberta com papel ou fuligem.

Arroz. 1.2.2.

Infelizmente, a invenção de Edward Scott não foi capaz de reproduzir o fragmento gravado. Alguns anos atrás, um trecho de 10 segundos da gravação foi encontrado em um arquivo de Paris canção popular"Moonlight", interpretada pelo próprio inventor em 9 de abril de 1860. No futuro, o design do fonoautógrafo serviu de base para a criação de outros dispositivos de gravação e reprodução de som.

Em 1877, o criador da lâmpada incandescente, Thomas Edison, concluiu o trabalho em um dispositivo de gravação de som completamente novo - fonógrafo (Fig. 1.2.3.), que um ano depois ele patenteou na agência americana relevante. O princípio de funcionamento do fonógrafo lembrava o fonoautógrafo de Scott: um rolo encerado atuava como portador do som, cuja gravação era realizada por meio de uma agulha conectada à membrana - o progenitor do microfone. Ao captar o som por meio de uma buzina especial, a membrana acionava uma agulha que deixava marcas no rolo de cera.

Arroz. 1.2.3.

Pela primeira vez, o som gravado pode ser reproduzido usando o mesmo dispositivo em que a gravação foi feita. No entanto, a energia mecânica não foi suficiente para obter o nível de volume nominal. Naquela época, o fonógrafo de Thomas Edison virou o mundo de cabeça para baixo: centenas de inventores começaram a experimentar o uso de vários materiais para cobrir o cilindro transportador e, em 1906, ocorreu o primeiro concerto de audição pública. O fonógrafo de Edison foi aplaudido por uma casa lotada. Em 1912 o mundo viu fonógrafo de disco , em que, em vez do usual rolo de cera, foi utilizado um disco, o que simplificou muito o projeto. O surgimento do disco fonógrafo, embora fosse de interesse público, ao mesmo tempo, do ponto de vista da evolução da gravação sonora aplicação prática não o encontrou.

Mais tarde, a partir de 1887, o inventor Emil Berliner desenvolveu ativamente sua própria visão de gravação de som usando seu próprio dispositivo - gramofone (Fig. 1.2.4.). Como alternativa ao tambor de cera, Emil Berliner preferiu o celulóide mais durável. O princípio da gravação permaneceu o mesmo: buzina, som, vibrações da agulha e rotação uniforme do disco.

Arroz. 1.2.4.

Experimentos realizados com as velocidades de rotação de uma placa de disco gravável possibilitaram aumentar o tempo de gravação de um lado da placa para 2-2,5 minutos a uma velocidade de rotação de 78 rotações por minuto. Os discos-placas gravados eram colocados em estojos de papelão especiais (com menos frequência estojos de couro), por isso mais tarde receberam o nome de "álbuns" - externamente se assemelhavam muito a álbuns de fotos com imagens de cidades vendidas em toda a Europa.

A substituição do volumoso gramofone foi o aparelho aprimorado e modificado em 1907 por Guillon Kemmler - gramofone (Fig. 1.2.5.).

Arroz. 1.2.5.

Esse aparelho tinha uma pequena buzina embutida no estojo, com possibilidade de colocar todo o aparelho em uma mala compacta, o que levou à rápida popularização do gramofone. Na década de 1940 surgiu uma versão mais compacta do aparelho - um mini-gramofone, que ganhou popularidade especial entre os soldados.

O surgimento dos discos ampliou significativamente o mercado fonográfico, pois eles, ao contrário das notas, podiam ser adquiridos por absolutamente qualquer ouvinte. longos anos Os discos de gramofone eram a principal mídia de gravação e a principal mercadoria musical. O disco de gramofone deu lugar a outras mídias de material musical apenas na década de 1980. Desde o início dos anos 1990 e até o presente, as vendas de discos respondem por poucos ou mesmo frações de um por cento do faturamento total de produtos de áudio. Mas, mesmo após tamanha queda nas vendas, os discos não desapareceram e mantiveram até hoje seu insignificante e pequeno público entre os amantes da música e colecionadores.

O advento da eletricidade marcou o início de uma nova etapa na evolução da gravação de som. A partir de 1925 - "era da gravação elétrica" usando um microfone e um motor elétrico (em vez de um mecanismo de mola) para girar o disco. O arsenal de dispositivos que permitem a gravação de som e sua posterior reprodução foi reabastecido com uma versão modificada do gramofone - eletrofone (Fig. 1.2.6.).

Arroz. 1.2.6.

O advento do amplificador possibilitou levar a gravação de som a um novo patamar: os sistemas eletroacústicos receberam alto-falantes e a necessidade de forçar o som através de uma buzina é coisa do passado. Todos os esforços físicos de uma pessoa passaram a ser realizados por energia elétrica. Todas essas e outras mudanças melhoraram as possibilidades acústicas, bem como aumentaram o papel do produtor no processo de gravação, o que mudou radicalmente a situação do mercado musical.

Paralelamente à indústria fonográfica, o rádio também começou a se desenvolver. A transmissão regular de rádio começou na década de 1920. No início, atores, cantores, orquestras eram convidados para popularizar as novas tecnologias no rádio, e isso contribuiu para o surgimento de uma grande demanda por rádios. O rádio tornou-se uma necessidade para grandes audiências e um concorrente da indústria fonográfica. No entanto, logo se descobriu uma dependência direta do som dos discos no ar e um aumento nas vendas desses discos nas lojas. Havia uma necessidade crescente de comentaristas musicais, os chamados "disk jockeys", que não apenas colocassem discos no player, mas também contribuíssem para a divulgação de novos discos no mercado musical.

Na primeira metade do século XX, o modelo básico da indústria fonográfica sofreu mudanças significativas. Gravação de som, rádio e outros avanços em ciência e tecnologia multiplicaram o público original do negócio da música e contribuíram para o surgimento e disseminação de novos estilos e tendências musicais, como a música eletrônica. Eles ofereciam ao público um produto mais atraente e se encaixavam organicamente nas formas que eram comuns no século XIX.

Um dos principais problemas dos dispositivos de gravação de som da época era a duração da gravação de som, que foi resolvida pela primeira vez pelo inventor soviético Alexander Shorin. Em 1930, ele propôs usar um filme de filme passando por uma unidade de escrita elétrica em velocidade constante como registro operacional. O dispositivo foi nomeado shorinofone , mas a qualidade da gravação permaneceu adequada apenas para posterior reprodução da voz, já foi possível colocar cerca de 1 hora de gravação em uma fita de filme de 20 metros.

O último eco da gravação eletromecânica foi o chamado "papel falante", proposto em 1931 pelo engenheiro soviético B.P. Skvortsov. As vibrações sonoras foram registradas em papel comum com caneta de tinta preta. Tal papel poderia ser facilmente copiado e transmitido. Para reproduzir o gravado, foram utilizadas uma lâmpada potente e uma fotocélula. Na década de 1940 do século passado já foram conquistados por um novo método de gravação de som - magnético.

A história do desenvolvimento da gravação de som magnético quase sempre correu paralelamente aos métodos de gravação mecânica, mas permaneceu nas sombras até 1932. No final do século XIX, o engenheiro americano Oberlin Smith, inspirado na invenção de Thomas Edison, estudava a questão da gravação de som. Em 1888, foi publicado um artigo sobre o uso do fenômeno do magnetismo na gravação de som. O engenheiro dinamarquês Valdemar Poulsen, após dez anos de experimentação, obteve a patente em 1898 para o uso do fio de aço como portador de som. Assim surgiu o primeiro dispositivo de gravação de som, baseado no princípio do magnetismo - telégrafo . Em 1924, o inventor Kurt Stille melhorou a ideia de Valdemar Poulsen e criou o primeiro gravador de voz baseado em fita magnética. A AEG interveio na evolução da gravação de som magnético, lançando um dispositivo em meados de 1932. Gravador-K 1 (Fig. 1.2.7.) .

Arroz. 1.2.7.

Ao usar óxido de ferro como revestimento de filme, a BASF revolucionou o mundo da gravação. Ao usar o viés AC, os engenheiros obtiveram uma qualidade de som completamente nova. De 1930 a 1970, o mercado mundial era representado por gravadores de fita bobina a bobina de uma ampla variedade de fatores de forma e com uma ampla variedade de recursos. A fita magnética abriu portas criativas para milhares de produtores, engenheiros e compositores que tiveram a oportunidade de experimentar a gravação de som não em escala industrial, mas em seu próprio apartamento.

Tais experimentos foram ainda mais facilitados pelo surgimento em meados da década de 1950. gravadores multipista. Tornou-se possível gravar várias fontes sonoras ao mesmo tempo em uma fita magnética. Em 1963, um gravador de 16 canais foi lançado, em 1974 - um de 24 canais e, após 8 anos, a Sony ofereceu um esquema de gravação digital no formato DASH aprimorado em um gravador de 24 canais.

Em 1963, a Philips introduziu o primeiro cassete compacta (Fig. 1.2.8.), que mais tarde se tornou o principal formato de reprodução de som em massa. Em 1964, a produção em massa de cassetes compactas foi lançada em Hannover. Em 1965, a Philips iniciou a produção de cassetes de música e, em setembro de 1966, os primeiros produtos dos experimentos industriais de dois anos da empresa foram colocados à venda nos Estados Unidos. A falta de confiabilidade do design e as dificuldades que surgiram com a gravação de música levaram os fabricantes a procurar mais por um meio de armazenamento de referência. Essa busca foi proveitosa para a Advent Corporation, que lançou um cassete de fita magnética em 1971 que usava óxido de cromo em sua produção.

Arroz. 1.2.8.

Além disso, o surgimento da fita magnética como meio de gravação de áudio deu aos usuários a oportunidade anteriormente indisponível de replicar gravações de forma independente. O conteúdo da fita cassete poderia ser reescrito em outro rolo ou fita cassete, obtendo-se assim uma cópia, embora não 100% precisa, mas bastante adequada para audição. Pela primeira vez na história, a mídia e seus conteúdos não são mais um produto único e indivisível. A capacidade de replicar discos em casa mudou a percepção e a distribuição da música para os usuários finais, mas as mudanças não foram radicais. As pessoas ainda compravam fitas cassete porque era muito mais conveniente e não muito mais caro do que fazer cópias. Nos anos 1980 o número de discos vendidos 3-4 vezes mais do que as fitas cassete, mas já em 1983 eles dividiram o mercado igualmente. As vendas de cassetes compactos atingiram o pico em meados da década de 1980, e um declínio perceptível nas vendas começou apenas no início da década de 1990. .

Mais tarde, as ideias de gravação de som, lançadas no final do século 19 por Thomas Edison, na segunda metade do século 20 levaram ao uso de um feixe de laser. Assim, a fita magnética foi substituída por "a era da gravação de som óptico a laser" . A gravação de som ótico é baseada no princípio da formação de trilhas em espiral em um CD, consistindo em seções suaves e cavidades. A era do laser tornou possível representar a onda sonora como uma combinação complexa de zeros (áreas suaves) e uns (depressões).

Em março de 1979, a Philips demonstrou o primeiro protótipo do CD e, uma semana depois, a empresa holandesa fechou um acordo com a empresa japonesa Sony, aprovando um novo padrão para CDs de áudio, que foram colocados em produção em 1981. O CD era um meio de armazenamento óptico na forma de um disco de plástico com um orifício no centro, o protótipo desse meio era um disco de gramofone. O CD continha 72 minutos de áudio de alta qualidade e também era significativamente menor do que os discos de vinil, medindo apenas 12 cm de diâmetro contra 30 cm de vinil, com quase o dobro da capacidade. Sem dúvida, isso tornou mais conveniente de usar.

Em 1982, a Philips lançou o primeiro CD player que superou todas as mídias apresentadas anteriormente em termos de qualidade de reprodução. O primeiro álbum comercial gravado em um novo meio digital foi o lendário "The Visitors" do ABBA, anunciado em 20 de junho de 1982. E em 1984, a Sony lançou primeiro CD player portátil - Sony Discman D-50 (Fig. 1.2.9.), cujo custo na época era de US $ 350.

Arroz. 1.2.9.

Já em 1987, as vendas de CDs ultrapassaram as vendas de discos fonográficos e, em 1991, os CDs já espremeram significativamente as cassetes compactas do mercado. Sobre Estado inicial O CD manteve a principal tendência no desenvolvimento do mercado musical - entre a gravação de áudio e a mídia, você poderia colocar um sinal de igual. Era possível ouvir música apenas de um disco gravado na fábrica. Mas esse monopólio não estava destinado a durar muito.

O desenvolvimento posterior da era dos CDs ópticos a laser levou ao surgimento do padrão DVD-Audio em 1998, a entrada no mercado de áudio com número diferente canais de som (de mono a cinco canais). A partir de 1998, a Philips e a Sony promoveram um formato de CD alternativo, o Super Audio CD. O disco de dois canais permitia armazenar até 74 minutos de som nos formatos estéreo e multicanal. Foi determinada uma capacidade de 74 minutos Cantor de ópera, maestrina e compositora Noria Oga, que na época também ocupava o cargo de vice-presidente da Sony Corporation. Paralelamente ao desenvolvimento dos CDs, a produção artesanal - mídia copiadora - também se desenvolveu de forma constante. As gravadoras pensaram primeiro na necessidade de proteção de dados digitais usando criptografia e marca d'água.

Apesar da versatilidade e facilidade de uso dos CDs, eles tinham uma lista impressionante de deficiências. Um dos principais era a fragilidade excessiva e a necessidade de manuseio cuidadoso. O tempo de gravação na mídia de CD também foi severamente limitado e a indústria fonográfica estava procurando uma alternativa. A aparição no mercado de um minidisco magneto-óptico passou despercebida pelos amantes da música comuns. minidisco(Fig. 1.2.10.)- desenvolvido pela Sony em 1992 e permaneceu propriedade de engenheiros de som, artistas e pessoas diretamente relacionadas às atividades de palco.

Arroz. 1.2.10.

Na gravação de um minidisco, foram utilizados um cabeçote magneto-óptico e um feixe de laser, cortando áreas com uma camada magneto-ótica em alta temperatura. A principal vantagem do MiniDisc em relação aos CDs tradicionais era sua maior segurança e vida útil mais longa. Em 1992, a Sony também lançou o primeiro reprodutor de mídia de minidisco. O modelo do player ganhou popularidade particular no Japão, mas fora do país, tanto o primogênito Sony MZ1 player quanto seus descendentes aprimorados não foram aceitos. De uma forma ou de outra, ouvir um CD ou minidisco era mais adequado exclusivamente para uso estacionário.

No final do século XX surgiu "era alta tecnologia" . O advento dos computadores pessoais e da Internet global abriu oportunidades completamente novas e mudou significativamente a situação no mercado musical. Em 1995, o Instituto Fraunhofer desenvolveu um revolucionário formato de compressão de dados de áudio - MPEG 1 Camada de Áudio 3 , que recebeu o nome abreviado de MP3. O principal problema do início dos anos 1990 no campo da mídia digital foi a inacessibilidade de espaço em disco suficiente para acomodar uma composição digital. O tamanho médio do disco rígido do computador pessoal mais sofisticado da época dificilmente ultrapassava várias dezenas de megabytes.

Em 1997, o primeiro reprodutor de software entrou no mercado - Winamp , desenvolvido pela Nullsoft. O advento do codec mp3 e seu suporte contínuo pelos fabricantes de CD players levaram a um declínio gradual nas vendas de CDs. Escolhendo entre a qualidade do som (que apenas uma pequena porcentagem dos consumidores realmente sentiu) e o número máximo possível de músicas que poderiam ser gravadas em um CD (em média, a diferença era de cerca de 6 a 7 vezes), o ouvinte escolheu o último.

Em poucos anos, a situação mudou drasticamente. Em 1999, Sean Fanning, de 18 anos, criou um serviço especializado chamado - "Napster" , que chocou toda a era do mundo da música. Com a ajuda desse serviço, tornou-se possível trocar músicas, discos e outros conteúdos digitais diretamente pela Internet. Dois anos depois, por violação de direitos autorais da indústria da música, esse serviço foi fechado, mas o mecanismo foi lançado e a era da música digital continuou a se desenvolver de forma incontrolável: centenas de redes ponto a ponto, muito difíceis de regular rapidamente.

Uma mudança radical na forma como a música é recebida e ouvida ocorreu quando três coisas se juntaram: o computador pessoal, a Internet e os flash players portáteis (dispositivos portáteis capazes de reproduzir faixas de música gravadas em um disco rígido embutido ou memória flash) . Em outubro de 2001, a Apple apareceu no mercado de música, apresentando ao mundo a primeira geração de um tipo completamente novo de reprodutor de mídia portátil - ipod (Fig. 1.2.11.), que estava equipado com uma memória flash de 5 GB, e também suportava a reprodução de formatos de áudio como MP3, WAV, AAC e AIFF. Era do tamanho de dois cassetes compactos empilhados juntos. Juntamente com o lançamento do conceito de um novo Flash player, CEO A empresa Steve Jobs desenvolveu um slogan intrigante - "1000 músicas no seu bolso" (traduzido do inglês - 1000 músicas no seu bolso). Naquela época, este dispositivo era verdadeiramente revolucionário.

Arroz. 1.2.11.

Além disso, em 2003, a Apple propôs sua própria visão de distribuição de cópias digitais legais de composições via Internet por meio de sua própria loja de música online - loja Itunes . Naquela época, o banco de dados total de composições nesta loja online era de mais de 200.000 faixas. Atualmente, esse número ultrapassa a marca de 20 milhões de músicas. Ao assinar acordos com líderes da indústria fonográfica, como Sony BMG Music Entertainment, Universal Music Group International, EMI e Warner Music Group, a Apple abriu um mercado totalmente nova página na história da gravação de som.

Assim, os computadores pessoais tornaram-se um meio de processar e replicar gravações de áudio, flash players - remédio universal ouvir, e a Internet tem funcionado como um meio único de distribuição de música. Como resultado, os usuários têm total liberdade de ação. Os fabricantes de equipamentos atenderam às necessidades do consumidor fornecendo suporte para reprodução do formato de áudio MP3 compactado não apenas em flash players, mas em todos os dispositivos AV, desde centros de música, home theaters e terminando com a transformação de CD players em CD / MP3 jogadoras. Por causa disso, o consumo de música começou a crescer a um ritmo incrível e os lucros dos detentores de direitos autorais começaram a cair com a mesma regularidade. A situação não poderia ser alterada pelos novos e mais avançados formatos de disco SACD, que foram projetados para substituir os discos compactos. A maioria das pessoas preferia o áudio compactado e outras inovações revolucionárias, como o reprodutor de música iPod e seus muitos análogos, a essas inovações.

Com a ajuda de sistemas da geração mais simples de sinais sonoros em computadores pessoais, a música de computador começou a ser criada em grandes quantidades. A Internet, junto com a tecnologia digital, possibilitou aos produtores criar e distribuir sua própria música. Os artistas usaram a rede para promoção e vendas de álbuns. Os usuários tiveram a oportunidade de receber uma gravação de quase qualquer peça de música e crie suas próprias coleções de música sem sair de casa. A Internet expandiu o mercado, aumentou a diversidade de material musical e impulsionou a digitalização do negócio da música.

A era da alta tecnologia teve um enorme impacto na cultura musical, contribuiu para o surgimento e desenvolvimento adicional indústria da música e, como resultado, o desenvolvimento do negócio da música. Desde então, surgiram alternativas para que os artistas entrassem no mercado fonográfico sem a participação das grandes gravadoras. Os antigos padrões de distribuição estão ameaçados. Nos últimos anos, 95% da música na Internet foi pirateada. A música não é mais vendida, mas trocada gratuitamente na Internet. A luta contra a pirataria está aumentando à medida que as gravadoras perdem lucros. A indústria da informática é mais lucrativa do que a indústria da música, e isso permitiu o uso da música como produto para promover as vendas digitais. A impessoalidade e a homogeneidade do material musical e dos intérpretes levaram a um excesso de mercado e à predominância de funções de fundo na música.

A situação que prevalece em início do século XXI século, em muitos aspectos reminiscente do que aconteceu na indústria da música na virada dos séculos 19 para 20, quando novas tecnologias quebraram tradições estabelecidas e discos e rádio foram ativamente introduzidos no negócio da música. Isso levou ao fato de que em meados do século a indústria da música formou uma estrutura básica quase nova, sobre a qual a "era das altas tecnologias" na virada dos séculos 20 para 21. teve um efeito prejudicial.

Assim, deve-se concluir que toda a história do desenvolvimento dos suportes de dados de áudio é baseada na hereditariedade das conquistas das etapas anteriores. Por 150 anos, a evolução da tecnologia na indústria da música percorreu um longo caminho de desenvolvimento e transformação. Nesse período, novos e mais avançados dispositivos de gravação e reprodução de som surgiram repetidamente, desde fonoautógrafos a discos compactos. Os primeiros brotos de gravações em CDs ópticos e o rápido desenvolvimento de unidades de disco rígido no final dos anos 1980. em apenas uma década, eles quebraram a concorrência de muitos formatos de gravação analógica. Apesar do fato de que os primeiros discos ópticos musicais não diferiam qualitativamente dos discos de vinil, sua compacidade, versatilidade e maior desenvolvimento da direção digital encerravam a era dos formatos analógicos para uso em massa. nova era A alta tecnologia está mudando significativa e rapidamente o mundo do negócio da música.

Palestra - Sergey Tynku

É incrível, mas muita gente ainda não sabe como funciona o mecanismo da indústria da música hoje. Portanto, tentarei explicar tudo em poucas palavras. Aliás, se você não entende o que é indústria, lá fora eles entendem como negócio. Ou seja, é sobre como o negócio da música, ou a indústria da música, funciona. Coloque na cabeça, de uma vez por todas, a indústria é um negócio.

Como qualquer outra indústria, a indústria da música fabrica e vende um produto. E este produto é um concerto. Anteriormente, o produto era recorde, mas em nosso tempo não é mais relevante. Agora o produto é apenas um concerto. Por que um concerto? Porque os músicos ganham dinheiro nos shows e os ouvintes pagam pelos shows.

Assim, o principal objetivo da indústria é entender a demanda do público (de um determinado território) por shows de determinado formato, estilo e preço. A própria indústria não se importa com que tipo de música e quais músicos vender. Só para vender melhor. É como estar em um bar. Um dono de bar adequado não se importa com que tipo de cerveja negociar, e ele serve aquele para o qual há mais demanda e com o qual você pode ganhar mais - compre mais barato e venda mais caro.

Para um artista entrar na indústria da música, ficar lá e ter sucesso... tudo que você precisa é ser requisitado. É como com qualquer produto em qualquer mercado. Se houver demanda para o seu show, você estará na indústria. Se não houver demanda, você não estará lá. A indústria está interessada em artistas que trazem dinheiro para as pessoas.

Essa lei vale tanto para grandes estádios nas Américas quanto para pequenos botecos na região de Samara. A indústria da música é a mesma em todos os lugares.

Observe que não é necessário ser bom, mas é necessário ser solicitado. E em nosso país as pessoas costumam pensar que se um produto (músico) é bom, então deve estar em demanda. E essas são coisas diferentes. E "bom" é muito subjetivo. Mas o conceito de "em demanda" pode ser sentido com as mãos e medido pelo número de espectadores e pelo dinheiro que eles trazem.

A indústria consiste em três participantes principais - Teatro, artista, espectador. E o principal é o espectador. Porque a coisa toda existe com o dinheiro do espectador. Ele paga tudo. Locais de shows e artistas vivem com seu dinheiro. Ele pede música em todos os sentidos e paga pelo banquete.

A indústria não se importa como um artista alcança popularidade e demanda (isso é um assunto pessoal e o custo do artista e de seu empresário). Boa música, escândalos, relações públicas competentes, moda, etc. A indústria não se importa com qual produto vender. Sua tarefa é vender o que está em demanda. Se as pessoas não forem ao seu clube (ou bar), você vai à falência. Portanto, a tarefa da indústria é entender o que as pessoas precisam - talvez seja a coisa mais importante da indústria.

Imagine por um segundo que você tem seu próprio clube de rock. Você gastou o dinheiro para comprá-lo, gasta o dinheiro para mantê-lo, paga a equipe e incorre em um monte de outras despesas. E agora imagine que você tenha que escolher um dos artistas para um show em seu clube. E pague-lhe uma taxa. Quem você quer ver no seu clube se precisa ganhar e não perder?

Tornar qualquer artista procurado e popular é tarefa do próprio artista (e de sua gestão). A indústria não se importa com quem vender. Ela simplesmente se concentra nos gostos atuais do público. Claro, esses gostos de alguma forma mudam constantemente. Como os gostos do público são heterogêneos, a indústria trabalha com artistas de diversos gêneros e estilos.

De acordo com a popularidade (demanda) do artista, a indústria oferece ao público shows em locais de maior ou menor capacidade, além de estabelecer preços de ingressos diferenciados. Mas a indústria é sempre impulsionada pela demanda. Pode-se dizer que esta é uma máquina sem alma, refletindo estupidamente o estado atual do mercado e da demanda. Grosso modo, a indústria são milhares de casas de shows, cujo número, tamanho e formato são determinados exclusivamente pelo mercado, ou seja, pela demanda de determinados artistas e gêneros em determinados territórios.

Lembre-se, em diferentes momentos em diferentes territórios, a demanda também é diferente!

Não faz sentido o artista ou o espectador estar insatisfeito com a indústria. Simplesmente mostra o estado do mercado, reagindo a ele, não moldando-o. Se algo não está na indústria, ou está mal representado, é apenas porque em este momento em um determinado território, existe tal demanda por este produto (zero ou pequeno).

Se um artista não entra na indústria (ou consegue, mas não na escala que gostaríamos), não é culpa da indústria. Ela só reage aos gostos da multidão. E ela não se importa com os nomes específicos dos artistas.

É assim que tudo funciona em poucas palavras.

Assim, o conceito de música exigida é diferente. Se você está fazendo música de acordo com seu gosto, não se surpreenda que a indústria da música não precise disso. O seu gosto não é necessariamente igual ao gosto do público que está pagando. E se for, não é fato que a qualidade do seu produto musical possa competir com a de outros artistas. Esteja sempre atento à concorrência. Hoje em dia, há muito mais músicos no mundo do que o público precisa. Portanto, nem todo mundo entra na indústria da música.

Se a demanda por música em uma aldeia é de um harmonista para uma festa de Ano Novo, dez harmonistas não caberão na indústria desta aldeia.

Existem gerentes de músicos no mundo. Eles são intermediários entre artistas e público, artistas e a indústria. Alguém (como em outros lugares) pode passar sem intermediários, mas alguém não consegue. Como qualquer intermediário, os gerentes se esforçam para ganhar. Portanto, é importante que eles vejam e entendam se um determinado artista poderá se tornar popular ou "não na forragem". Essa visão de compreensão distingue um bom gerente de um mau. Esta é a renda dele. Novamente, a indústria não se importa como um artista tenta se tornar popular - com ou sem empresários. A palavra "gerente" neste texto pode ser entendida não apenas como uma pessoa, mas como todo um escritório de promoção.

Muitos artistas têm grandes esperanças em gerentes que, em sua opinião, resolverão todos os problemas. Mas não é tão simples assim. Se o gestor for bom e entender o mercado, então ele só vai trabalhar com um artista que, na sua opinião, tem potencial. E o artista deve de alguma forma ser capaz de encantar o gerente, fazê-lo acreditar em si mesmo. E acontece que o gerente não é um mágico que vende um produto ruim, e o artista antes de tudo precisa distribuir um produto com as propriedades adequadas (que pode ser vendido).

Se o gerente for ruim, ele pode facilmente contratar um artista com perspectivas pouco claras. E aqui pode ser que um mau gerente não ajude em nada, ou pode ser que um bom artista do ponto de vista das perspectivas de mercado tenha sucesso mesmo com um mau gerente. Mas, de qualquer forma, se um artista decide se promover com a ajuda de um empresário, ele precisa fazer o empresário acreditar nesse artista.

E devemos lembrar que o gerente não é livre. Se um gerente (escritório) investe dinheiro (ou tempo/esforço) em promoção, significa que ele vê potencial no produto (artista) e planeja recuperar os custos e ganhar mais. E se nenhum dos gerentes inteligentes quiser fazer negócios com você, eles não verão potencial de mercado em você. Eles, como todo mundo, podem cometer erros - tente provar isso para eles e para o mercado.

Entenda que se o seu potencial for óbvio, um mar de pessoas se formará imediatamente ao seu redor, querendo ganhar dinheiro com você. Mas se não for óbvio, você terá que arrastar os miseráveis. É como com as mulheres. Se você é uma super garota, então há um mar de homens ao seu redor. E se você não é muito bom, a demanda por você no mercado masculino é muito menor. Tudo é muito simples neste mundo.

As mesmas leis se aplicam à indústria da música e ao mercado em geral. Imagine uma mercearia. São 10 embalagens de leite de marcas diferentes. Então, digamos que você decida fazer leite. Bom leite. Você vem na loja e fala - eu tenho leite bom, pega na prateleira. E eles te respondem, o leite pode ser bom, mas ninguém sabe e não vai comprar - já se desenvolveu a demanda do povo por certas marcas. Por que devemos comprar algumas ações potencialmente ilíquidas nas prateleiras? Então você começa a anunciar seu produto - você grava vídeos para uma caixa, pendura anúncios em outdoors pela cidade, distribui pacotes gratuitos para a população próxima ao metrô, contrata uma estrela para promoção. Todos! A demanda apareceu - eles levaram você à loja. Primeiro em um, depois em outro, depois em todo o país! Você está no negócio, cara!

Claro que, na realidade, a situação com a demanda e a loja pode ser mais complicada. Eles podem dizer que não se importam com o que negociar - as pessoas da região compram qualquer leite por esse preço e, portanto, não vão mudar nada no sortimento. Então será necessário motivar a loja - oferecer-lhes preços de compra abaixo dos concorrentes ou estupidamente empurrar um suborno. No caso das casas de shows, que não se importam com quem toca em sua taberna condicional, tudo é decidido pelos mesmos métodos - reduzindo os pedidos de honorários ao artista e, novamente, o bom e velho suborno. Este é o mercado.

Diagrama simples e claro. Mas um detalhe é importante aqui. Você deve produzir leite de uma qualidade que as pessoas gostem. E aos preços pelos quais as pessoas querem comprá-lo. Ou seja, o pacote não deve custar 200 reais. E não precisa ser leite de cachorro. Pelo menos na Rússia. Você mesmo pode gostar de leite de cachorro (ou rato), mas se entrar no mercado, tentar entrar na indústria do leite, ou seja, no negócio, então precisa levar em consideração a demanda de produtos de uma determinada área.

Ou seja, se falamos da indústria de laticínios, então tudo é igual aqui - um produto (artista), uma loja (sala de show), um comprador (espectador). E existem departamentos e agências de publicidade (gravadoras, gerentes intermediários) que promovem mercadorias por dinheiro.

Claro, muitos músicos em todo o planeta não querem pensar sobre o mercado, produto, clientes e outras coisas nada românticas. E muitos artistas de sucesso conseguiram viver em seu mundo excepcionalmente sublime, fazendo apenas trabalhos criativos (mas ao mesmo tempo pagando gerentes imersos na rotina e na vida cotidiana).

Mas se você não atingiu esse nível de iluminação, então precisa lidar sozinho com o mercado e sua popularidade ou tentar encantar algum gerente (escritório) que acredite em você. E esses gerentes, é claro, existem. Já que existem artistas de sucesso em qualquer país, e alguém está envolvido nos assuntos desses artistas. Mas se eles não acreditam em você, então, meu amigo, todos os problemas estão apenas em você. Em mais ninguém. É difícil admitir - olhe no espelho e diga a si mesmo "parece que não sou o que as pessoas precisam".

Claro, você pode contratar um gerente (como qualquer agência de publicidade) estupidamente pelo seu próprio dinheiro (e não por uma parte dos shows) ... mas é como sexo pago. Os caras certos são dados de graça. E se você não receber um brinde por amor, obviamente terá alguns problemas em ser procurado.

Muitas vezes, artistas não reclamados culpam a indústria, os gerentes intermediários e os espectadores por sua falta de demanda. É tão estúpido. A indústria e os gestores respondem às necessidades do telespectador, à demanda. E os espectadores são pessoas livres que decidem onde gastar seu dinheiro. Se eles não querem você, é um direito deles. Eles não te devem nada. Eles não te forçaram a fazer música.

E a maneira mais confiável de ingressar na indústria, e isso é conhecido por todos os músicos profissionais e empresários de todos os tempos e povos... é muito simples. Você tem que ser estúpido para escrever sucessos. E é isso! Músicas que as pessoas gostam. Escreva sucessos, cara, e com certeza você terá tudo! Preste atenção - todos os artistas que não conseguiram se encaixar na indústria - eles não têm um único sucesso.

Mas digamos que você não pode ou não quer escrever sucessos? Mas, afinal, você pode interpretar estranhos - isso também é procurado (em tabernas e festas corporativas), e com isso eles também entram na indústria - talvez não no nível em que alguém gostaria. E se você não toca nenhum hit, não há garantia de entrar na indústria. Pode funcionar na indústria, mas pode não.

OK está tudo acabado Agora. Espero que agora você entenda porque alguns artistas têm muitos shows e dinheiro, enquanto outros têm um gato chorando.

A indústria da música moderna é um fenômeno bastante estranho que não pára e está em constante evolução. Quem trabalha na “cozinha” musical há mais de um ano sabe que por vezes é muito difícil prever o que nos espera no futuro em musicalmente. No entanto, o sistema de lucro é sempre o mesmo, e qualquer pessoa que leve a sério a transformação de sua música em dinheiro vivo faria bem em pelo menos ter uma compreensão básica de como o negócio da música funciona.

Portanto, decidimos escrever um pequeno guia para os aventureiros que desejam e pretendem divulgar sua música e ganhar um bom dinheiro com isso. Esta é apenas informação suficiente para lhe dar uma compreensão básica de como a indústria da música vive e respira e para fazer você pensar sobre como você pode fazer parte dela.

Gravadoras

O caminho "tradicional" para o sucesso na indústria da música é quando seu disco é ouvido por uma gravadora conhecida, que então assina um contrato para promover seu trabalho. É ainda melhor se você já gravou algumas músicas que podem ser incluídas em seu mini-álbum, ou em um álbum completo, ou em vários álbuns na rede.

Na verdade, a gravadora atua como um investidor que investe seu dinheiro em você e em seu projeto. Esse dinheiro é usado para pagar o aluguel do estúdio, mixagem e masterização, além de pagar o seu adiantamento, que é pago à vista para que você possa viver até começar a receber sua parte nas vendas, referidas na indústria como royalties.

A gravadora também cuida de toda a papelada necessária para lançar uma faixa/álbum, que inclui um diagrama de como os royalties são divididos: qual porcentagem de cada moeda ganha vai para você, os colaboradores, e qual porcentagem vai para a gravadora para cobrir suas despesas iniciais investimento e receber mais lucros que a gravadora poderia investir em sua promoção novamente.

propinas musicais

A Copyright Protection Society (MCPS) paga royalties por cada cópia de sua faixa. Isso significa que quanto mais discos você vende, mais você ganha. Além disso, se sua música acabar em CDs ou DVDs, ou for usada de qualquer outra forma, você também receberá uma certa quantia por isso.
Por exemplo: são 20 músicas no acervo, e uma delas é sua. Isso significa que a Copyright Society pagará a você 5% de todas as vendas.

Muito aguardado lançamento de sua música

O lançamento de sua música significa o uso de sua faixa de qualquer forma, e todos os rendimentos recebidos após o lançamento de sua música podem vir de numerosos e várias fontes. Na verdade, o dinheiro vem de cada vez que uma música é tocada na TV, no rádio ou usada como trilha sonora de um filme, mesmo quando a faixa é tocada nos provadores da Topshop. A lista não tem fim.

Teoricamente, acontece que você ganha dinheiro por qualquer uso de sua pista. Esse sistema funciona por meio de agências de cobrança, como a PRS no Reino Unido ou a ASCAP (Composers, Writers and Publishers of America) nos Estados Unidos. Essas organizações rastreiam todas as maneiras pelas quais sua música é usada e, em seguida, coletam e distribuem o dinheiro de acordo.

TV, filmes e muito mais

Os principais canais de distribuição e fontes de lucro na indústria da música são a TV, o cinema e os videojogos, nomeadamente a distribuição da banda sonora da sua música através destes canais. Os benefícios de um fonograma são óbvios: você é pago para usar sua composição; com isso, você obtém uma nova receita pelo fato de sua música ser usada em projetos de filmes ou programas de TV, por exemplo, como trilha sonora. Esse uso de sua música permite que você aumente a visibilidade de você e de seu trabalho, pois será ouvido por um público potencialmente enorme que não estava familiarizado com sua música anteriormente.

Não é fácil conseguir faixas em projetos de TV e filmes, mas existem produtoras especializadas que agirão em seu nome para impulsionar sua música em uma direção ou outra. Assim, você pode cuidar de seus negócios enquanto agências como essa promovem suas faixas para pessoas envolvidas com cinema e televisão.

A necessidade de compilar um catálogo de músicas que estarão na biblioteca fonográfica das gravadoras (em Ultimamente referidas como Companhias de Produção Musical) é compreensível. Afinal, é esse catálogo que é potencialmente o mais lucrativo de tudo o que você fará. Via de regra, essa empresa receberá uma porcentagem pela promoção de sua música. Mas você não precisa pagá-los antecipadamente para representá-lo. O pagamento é feito no local. E o que é ainda melhor é que eles não são pagos até que sua música seja lançada, o que significa que eles trabalharão o máximo que puderem para garantir que todos saibam sobre você.

Pense na composição de Rembrandt "I'll Be There For You" - trilha sonora da série "Friends" - e quantas pessoas o conhecem pelo mundo...

Outras fontes de renda

E se você não escrevesse ou produzisse nada? Não se preocupe, você ainda pode ganhar dinheiro com música. O streaming PPL não é um canal de distribuição típico devido aos compositores. Esta é uma fonte adicional de royalties pagos pelas emissoras aos artistas pelo uso de suas músicas. Todos os envolvidos na criação da música (baixistas, backing vocals, etc.) também recebem uma pequena quantia em dinheiro por seu trabalho.

Distribuição

O distribuidor é responsável por levar sua música do depósito para a loja. Para fazer isso, se você criar conteúdo físico, precisará entrar em um contrato de distribuição.
Como sabemos, a música 'física' está ficando atrás da música digital em popularidade, o que é uma boa notícia se você está começando seu próprio selo, já que a distribuição não precisa exigir muito esforço ou despesa. Distribuição digital significa que suas gravações estarão disponíveis para venda digitalmente em todos os lugares que seus fãs estão esperando. Por exemplo, Amazon, Beatport, iTunes. Em outras palavras, a distribuição digital evita problemas desnecessários em todos os sentidos.

E finalmente

Tudo o que foi dito acima é bastante difícil de aceitar, mas se você deseja conectar sua vida com a música, deve entender os mecanismos básicos de uma máquina musical tão grande e deve estar pronto, se realmente deseja se expressar e sair uma marca no campo musical, assuma que é uma questão e vá até o fim, custe o que custar.
E desejamos-lhe boa sorte!

Quantas vezes ouvimos música de todos os lugares. A música torna-se o fundo sonoro da nossa vida. Você conhece a sensação de esquecer de levar seus fones de ouvido com você? Silêncio, não - até vazio. Excepcionalmente, e as mãos tendem a ligar algo. A música para de tocar - a voz interior é ativada, mas de alguma forma eu não quero ouvi-la. Nos lembra de negócios inacabados, nos censura algo, traz pensamentos sérios. Não, uma nova faixa teria começado o mais rápido possível. Acabamos nos acostumando com a música, nos acostumamos a não estar sozinhos o tempo todo, mas com esses alegres (ou nem tanto) ritmos musicais.

Provavelmente, todo mundo tem melodias favoritas, ao som das quais versos de canções familiares surgem em algum lugar lá no fundo. Ao mesmo tempo, muitas vezes acontece que uma pessoa sabe as letras de cor, mas nunca pensou no significado das palavras impressas em sua memória e até mesmo nas palavras faladas com frequência. Isso acontece porque a maioria das pessoas está acostumada a ouvir música em segundo plano ou em formato de descanso, ou seja, relaxar e não pensar em nada, curtir as emoções ou simplesmente mergulhar em pensamentos alheios.

Como resultado dessa escuta, a visão de mundo de uma pessoa é preenchida com textos e significados que não foram filtrados no nível da consciência. E como a informação é apresentada acompanhada de vários ritmos e melodias, ela é muito bem absorvida e, posteriormente, do nível do subconsciente, começa a influenciar o comportamento humano. Que programas de comportamento são transmitidos ao grande público pela música popular moderna - aquela que é tocada na TV e no rádio, e pode ser tratada inconscientemente, ou seja, sem pensar em sua influência? Vamos assistir alguns vídeos:

Depois de assistir a esses vídeos, é oportuno relembrar a citação do antigo filósofo chinês Confúcio: “A destruição de qualquer estado começa precisamente com a destruição de sua música. Um povo sem música pura e brilhante está condenado à degeneração”.

Observe que na última revisão, não se tratou apenas do conteúdo de canções específicas, mas também da direção geral do tema da música popular. Esta é uma nuance importante que deve ser levada em consideração. Afinal, a música deve refletir diferentes aspectos da nossa vida, e não elevar alguém a um tamanho e importância inapropriados.

A criatividade de uma pessoa, quando vem do coração, sempre reflete seu mundo interior, toca nas questões do desenvolvimento pessoal, na busca de respostas para questões instigantes. Se a criatividade for substituída pelos negócios e ganhar dinheiro em primeiro lugar, seu conteúdo será automaticamente preenchido com os significados e formas apropriados: primitivo, estereotipado, insípido, estúpido.

Ouvir o conteúdo que é tocado hoje na maioria das estações de rádio é um verdadeiro processo de programação das pessoas para implementar inconscientemente em suas vidas todos os comportamentos listados nos vídeos.

Ao mesmo tempo, nas revisões de vídeo apresentadas, apenas o conteúdo dos textos e a sequência de vídeo dos clipes foram analisados, mas o ritmo, a tonalidade, a melodia e o volume da música têm um grande impacto em uma pessoa. Afinal, qualquer música é, no fundo, vibrações que tanto podem estar em harmonia com Estado interno pessoa, ou literalmente agir de forma destrutiva.

O impacto da música na sociedade

Dissonância na música, mudanças bruscas de ritmo, som alto - tudo isso é percebido pelo corpo como estresse, como um fator poluidor que afeta não só o sistema nervoso, mas também o cardiovascular e o endócrino. Na Internet, você pode encontrar os resultados de muitos experimentos que mostram que, se a música clássica ou folclórica melhora as habilidades mentais, a música pop moderna, construída nos mesmos ritmos, ou a música pesada e irregular, ao contrário, deprime a psique humana, piorando memória, pensamento abstrato, atenção.

Você pode ver claramente a influência da música nestas fotos:

Estas fotografias foram tiradas pelo pesquisador japonês Masaru Emoto. Ele expôs a água a várias melodias e fala humana, após o que a congelou e fotografou os cristais de água congelada resultantes com alta ampliação. Como você pode ver no slide, sob a influência dos sons da música clássica, os cristais de água destilada adquirem graciosas formas simétricas, sob a influência de música pesada ou palavras negativas, emoções, a água congelada forma estruturas caóticas e fragmentadas.

Considerando que somos todos principalmente água, você pode imaginar a influência significativa que a música tem sobre nós. Por isso, a escolha daquelas composições que você costuma ouvir sozinho ou incluir para crianças deve ser consciente, avaliando o impacto da música e o efeito que você gostaria de obter.

A música afeta uma pessoa em 3 aspectos:

1. Mensagem significativa de letras e videoclipes
2. Vibrações musicais (ritmo, tonalidade, melodia, timbre de voz, etc.)
3. As qualidades pessoais de artistas populares cujas vidas estão em exibição

Como terceiro ponto deste slide, destacamos o aspecto pessoal associado à moralidade daqueles artistas que recebem fama e glória. Como o show business moderno se baseia no fato de trazer à discussão pública toda a vida pessoal das chamadas estrelas, impondo-as às gerações mais jovens como ídolos que personificam o "sucesso", ao avaliar as canções modernas, também é preciso levar em consideração o estilo de vida que eles transmitem pelo exemplo de seus artistas.

Todo mundo provavelmente já ouviu falar de um cantor ocidental tão popular quanto. Vamos ver que ideologia ela promove com seu trabalho e pelo exemplo pessoal.

Como parte do projeto Teach Good, críticas semelhantes foram feitas sobre outros artistas ocidentais mais populares: - e em todos os lugares a mesma coisa. A carreira deles se desenvolve como se seguisse um padrão: de meninas relativamente simples e modestas, tendo entrado na indústria do show business, vão se transformando naquelas cujas fotos e frutos da criatividade são até constrangedores de demonstrar durante uma palestra devido à vulgaridade e vulgaridade obsessiva.

Ao mesmo tempo, são essas estrelas que recebem constantemente os prêmios principais Prêmios de música, seus clipes são tocados em canais de TV e estações de rádio, mesmo aqui na Rússia suas músicas são ouvidas regularmente. Ou seja, o mesmo sistema é construído na indústria fonográfica, baseado em 3 ferramentas principais: instituições de premiação, fluxos financeiros e controle sobre a mídia central.

Onde encontrar boas músicas?

Através desta barreira bons artistas- é quase impossível para quem canta canções realmente significativas e tenta direcionar sua criatividade para o benefício das pessoas. A situação começa a mudar apenas hoje, quando com o advento da Internet, cada pessoa teve a oportunidade de, por meio de suas contas nas redes sociais, de blogs e da criação de sites, atuar como mídia de massa independente.

O surgimento do projeto Ensine Bem e de muitas outras associações de pessoas solidárias é um processo natural de destruição do antigo sistema construído sobre um controle estrito de pessoas admitidas na mídia. E é na Internet que você encontra as músicas daqueles intérpretes que você não vai ouvir na TV, mas cuja música é realmente agradável e útil de ouvir.

Eles também percorrem cidades, se apresentam em palcos, reúnem casas cheias, mas suas fotos não são impressas em revistas brilhantes e suas canções não são transmitidas em estações de rádio populares ou canais de TV de música. Porque para a indústria da música moderna, seu trabalho não se encaixa no “formato” definido e imposto a uma ampla audiência através da mesma mídia, ou melhor, os meios de formar e controlar a consciência pública.

Como exemplo de criatividade significativa, trazemos a sua atenção uma das músicas que foi inventada e gravada pelos leitores do projeto Ensina Bem.

Tabela número 9

PRINCIPAIS CARACTERÍSTICAS DO MERCADO MUSICAL RUSSO

O negócio da música russa depende diretamente das tendências gerais no desenvolvimento da economia doméstica. Exemplo disso é a crise de agosto de 1998, quando toda a indústria fonográfica estava praticamente

fisicamente paralisado. Como resultado, o número de gravadoras diminuiu três vezes, as vendas diminuíram 3-5 vezes (em alguns grupos de repertório - 10 vezes), os preços caíram 2-3 vezes em termos de moeda equivalente.

Um grande número de problemas que se acumularam ao longo últimos anos impede o desenvolvimento da indústria da música. Em primeiro lugar, são questões: direitos, dívidas mútuas e confiança entre empresas. Agora, muitas empresas ainda não possuem um conjunto completo de documentos confirmando seus direitos sobre determinados fonogramas ( nós estamos falando direitos autorais e direitos conexos). Os contratos foram celebrados sem observância das formalidades necessárias, pelo que se verifica actualmente uma grave redistribuição da titularidade dos projectos que foram publicados ao longo dos últimos dez anos. Muitos empresários perceberam que precisavam comprar direitos, não fonogramas.

Outro problema da época era a nova política de preços. Os maiores vendedores são guiados pelo mínimo, comparável aos preços dos piratas. Essa abordagem se tornou a única condição possível para a sobrevivência da indústria musical nacional e das empresas estrangeiras que fazem negócios na Rússia. No entanto, a decisão de trabalhar com preços baixos não foi fácil. As majors, por exemplo, temiam reexportar CDs baratos para o Ocidente. E a reexportação realmente foi e é até agora. A promoção em massa de discos baratos da Rússia estava fora de questão, já que nenhum distribuidor que se preze ou dono de uma rede de lojas venderia discos de “origem obscura”, sem códigos IFPI e outros

simbolismo confirmando sua natureza jurídica. As importações paralelas continuam sendo um grande problema.

Em 1999, o mercado de cassetes do país mostrou que seu potencial é bastante significativo, embora comece a perder espaço, obedecendo às tendências mundiais.

Além das vendas de mídias tradicionais como MC e CD, em 1999 o mercado de CD-R estava se desenvolvendo de forma bastante ativa. Os discos CD-RW e DVD-RAM foram adicionados aos já tradicionais CD-Rs. Em 2000, a primeira linha de produção de CD-R foi colocada em operação na Rússia na Ural Electronic Plant.

Um dos principais problemas de desenvolvimento de negócios é o alto índice de pirataria no país - 65-70%. Em alguns grupos de repertório, chega a 90%

Por isso, mercado russo em geral, fica assim (separação por tipo de mídia):

Mesa № 10

DADOS TOTAIS DE VENDAS LEGAIS E PIRATA EM MILHÕES. $

* Consequências da crise de 17 de agosto de 1998 Como pode ser visto na tabela e nas figuras, o compacto cassete continua sendo o principal veículo da produção musical.

Tabela nº 11

VENDAS POR REPERTÓRIO EM MILHÕES. EKZ. (MC+CD3).

Tabela nº 12

ESTRUTURA DE MERCADO POR REPERTÓRIO (% DO TOTAL DE VENDAS LEGAIS).

O QUE É A APK? O QUE É O NAP?

Para entender melhor o estado do mercado de vídeo dos Estados Unidos, considere a atividade da Motion Picture Producers Association of America (APCA). Esta é uma associação profissional das principais empresas de cinema, fotografia e televisão nos Estados Unidos. Seus membros incluem empresas como Buena Vista Pictures Distribution (Walt Disney Company, Hollywood Pictures Corporation, Sony Pictures Entertainment, Columbia, Trista), Twentys Century Fox Film Corporation, Universal City Studios e Warner Bros.

O APKA resolve muitos problemas: proteção de direitos autorais e interesses de empresas de cinema, vídeo e televisão, prevenção da pirataria de vídeo ao aumentar as penalidades para esse tipo de atividade ilegal. Os advogados da Associação auxiliam o Ministério Público na melhor forma de formular a denúncia; coletar evidências, garantir a participação de testemunhas e especialistas, realizar análises jurídicas e jurídicas, calcular o valor da indenização.

Aproximadamente 100 investigadores da APKA operam nos Estados Unidos, auxiliando a polícia na investigação de atividades de "pirataria" e punindo os responsáveis. Em 1998, 2022 tais investigações foram realizadas. De acordo com os resultados de 262 deles, processos criminais foram iniciados e decisões judiciais foram emitidas. 52 perpetradores foram condenados a penas de prisão.

Os membros da Associação contribuem para operações antipirataria em mais de 70 países do mundo, incluindo a Rússia. Eles alugam seus

filmes na Rússia por meio de organizações que possuem as licenças russas apropriadas, como Cascade, East-West, Jemmy e Premier.

Desde outubro de 1998, 32 filmes produzidos pelos estúdios membros da APKA foram legalmente lançados nos cinemas russos para exibição. Entre eles: "Shakespeare Apaixonado", "Armageddon", "Múmia", "Máscara do Zorro", "As Aventuras de Flick" e "Healer Adame". Além disso, uma série de filmes é apresentada em vídeo. Os filmes nos cinemas geralmente não estão sujeitos à distribuição simultânea em videocassetes. Normalmente, os últimos são colocados à venda após o término da distribuição do filme. Isso é feito para proteger os interesses dos distribuidores de filmes.

A APKA apoia a Organização Russa Antipirataria - RAPO. A administração da RAPO está localizada em Moscou, e a própria organização opera em grandes cidades da Rússia. Os membros da RAPO incluem não apenas estúdios de cinema dos EUA e seus detentores de licença na Rússia, mas também organizações russas independentes de distribuição de filmes, duas empresas de televisão russas, a União Russa de Cinematógrafos, a Sociedade Russa de Colecionadores e a Associação Russa de Vídeo.

Os funcionários da RAPO auxiliam as autoridades policiais e fiscais na investigação das origens dos produtos piratas, na realização de buscas para identificar seus fabricantes e vendedores. A RAPO representa especialistas que podem identificar itens de produtos "pirateados" e testemunhar em tribunal.

NAPA - Associação Nacional de Fabricantes

distribuidores de produtos de áudio na Rússia. A decisão de criar a Associação Nacional de Fabricantes de Produtos de Áudio da Rússia foi tomada na primeira reunião da IFPI da Comissão do Leste Europeu após a crise de agosto (setembro de 1998). Como resultado, o NAPA foi registrado em junho de 1999.

Os principais objetivos do NAPA são: preparação na Rússia com base no NAPA do grupo nacional do IFPI, que eventualmente se unirá à equipe do escritório de representação do IFPI em Moscou; protegendo os direitos e interesses legítimos dos produtores de produção de áudio - empresas de música russas, combatendo a reprodução e distribuição de produtos de áudio ilegais e coordenando as atividades dos detentores de direitos de produtos de áudio para cumprir a legislação existente no território da Federação Russa.

Atualmente, o NAPA inclui as maiores empresas russas e as principais empresas que possuem suas próprias filiais e afiliadas na Rússia, como Universal, BMG, EMI (S.B.A.), Gala Records, Real Records Art-stars, Studio Soyuz, Producer Igor Matvienko Center, FeeLee Records Company, NOX-MUSIC e outros.

Até o momento, o NAPA tem sete organizações operando como afiliadas na Rússia. As negociações estão em andamento com outras regiões. O NAPA está se expandindo ativamente "para o interior", ao mesmo tempo em que se concentra nas regiões de negócios do país, com mais de um milhão de cidades.

O NAPA inclui muitas empresas membros do NAPA que também são membros do IFPI. Para entender essa construção, vamos primeiro considerar a estrutura do IFPI em outros países e no mundo como um todo.

A Federação Internacional da Indústria Fonográfica (IFPI) reúne as gravadoras, que, por sua vez, estão unidas territorialmente em grupos nacionais. Ou seja, a federação consiste em grupos nacionais de vários países, por exemplo, grupos nacionais da Alemanha, EUA, etc. Até agora, não havia tal associação na Rússia. Nas áreas de negócios de risco, o IFPI inicia suas atividades abrindo escritórios de representação. Depois de algum tempo, dependendo da dinâmica de desenvolvimento de cada país individualmente, um grupo nacional do IFPI desse país é criado no local de representação ou com a ajuda deste. As funções da representação da federação em vários países (e também na Rússia) se resumem a explicar aos locais empresas de música o papel do IFPI no mundo da música internacional, convidá-los a se tornarem membros da federação e, eventualmente, criar um grupo nacional. Infelizmente, esse processo tomou um "caminho russo especial" em nosso país.

A conclusão da criação do grupo nacional IFPI na Rússia não está longe. O NAPA está totalmente preparado para isso - a Associação foi criada como o núcleo do grupo nacional do IFPI. Eles têm metas e objetivos comuns: a legalização do negócio da música, assistência legal e jurídica às empresas membros do IFPI, uma luta ativa contra a pirataria na Rússia em geral, mas especialmente em regiões com um milhão de habitantes. Claro, um lugar especial é ocupado pelo trabalho em Moscou e na região de Moscou.

A NAPA auxilia as estruturas estatais na melhoria da legislação no campo dos direitos autorais e direitos conexos, participa como entidade independente

especialistas independentes no desenvolvimento de decisões de autoridades estatais e gestão em questões do negócio da música.

Também estabelecemos e operamos a Associação Fonográfica Russa. Foi criada como uma organização reunindo gravadoras de som. Os principais objetivos eram a cobrança de remuneração pela reprodução pública e distribuição de dinheiro seguro entre as empresas detentoras de direitos autorais.

Qualquer empresa nacional operando legalmente no mercado, reconhecendo os documentos estatutários e atuando na área de gravação e reprodução de som, pode se tornar membro do NAPA. Para ingressar, você deve se inscrever no NAPA com um aplicativo, anexando um conjunto de documentos estatutários e de registro a ele. O procedimento é simples, mas impõe uma alta responsabilidade aos membros.

Entre julho de 1999 e julho de 200, o NAPA na Rússia examinou 62.076 cópias de mídia de áudio para falsificação. Foram apresentados 22 requerimentos para levar à justiça pessoas culpadas de uso ilegal de direitos autorais e direitos conexos, oito reclamações, cinco petições foram enviadas aos tribunais, cinco campanhas antipirataria foram realizadas em conjunto com órgãos de segurança pública e IFPI, e quinze campanhas foram realizadas em conjunto com o Ministério da Administração Interna.

A Associação está envolvida no estudo do mercado de produtos de áudio na Federação Russa, na criação de um banco de dados de produtos de áudio, fabricantes de áudio e uma rede comercial de revendedores e distribuidores - até informações sobre cada comércio

apontar. Ele aconselha órgãos estatais, empresas, associações públicas e cidadãos sobre o negócio da música, promove formas civilizadas de desenvolver o mercado da música, organiza seminários, simpósios e estágios na Rússia e no exterior. Num futuro próximo - a organização de competições nacionais na área da indústria musical.

A NAPA representa os produtores de áudio russos na Federação Internacional da Indústria Fonográfica (IFPI) e participa de suas atividades (interage com outros grupos nacionais).

Parceiros permanentes NAPA são, em primeiro lugar, os detentores dos direitos autorais e, em segundo lugar, várias organizações especializadas, incluindo o sistema de centros forenses do Ministério de Assuntos Internos da Federação Russa, o Centro de Exame Abrangente Independente de Sistemas e Tecnologias, que conduzem toda a gama possível de estudos e exames de produtos apreendidos. Em terceiro lugar, empresas envolvidas no transporte e armazenamento responsável de produtos falsificados.

Por meio de um conjunto de perícias, é possível comprovar o fato da produção de produtos falsificados em determinada empresa, ou, como dizem os especialistas, “amarrar” cassetes de áudio a uma máquina específica, a um aparelho de gravação de som específico. Em particular, uma fita magnética em movimento no processo de gravação de informações sonoras apresenta alterações na camada superficial que são características desse dispositivo de gravação de som, que

e é revelado de forma completamente inconfundível pelo exame investigativo.

A busca por detentores de direitos autorais é realizada em bancos de dados que contêm informações sobre álbuns nacionais (e o Anuário Musical Russo publicado pela agência Inter Media ajuda muito neste NAPA) e em publicações estrangeiras. Aqui, o NAPA conta com bancos de dados recebidos de parceiros estrangeiros. É importante determinar a data da primeira publicação da obra e fonograma para cada título. Um dos componentes essenciais do ato de exame ou pesquisa é a determinação da quantidade de dano causado aos titulares de direitos como resultado do uso ilegal de obras e fonogramas. Um ponto importante é o reconhecimento do titular dos direitos autorais como um autor civil.

Dinheiro, obtido após o processamento de produtos falsificados e a fabricação de produtos legais a partir dos materiais componentes liberados, são distribuídos em uma quantidade acordada entre os detentores de direitos, as empresas responsáveis ​​​​pelo armazenamento de produtos falsificados, o sistema de empresas para o processamento de falsificações produtos e a fabricação de produtos legais, e o orçamento.

O QUE É "NOX"?

"NOX" é a Associação Nacional comunidades culturais. As principais ideias de "Knox" são:

Preservação e desenvolvimento das culturas nacionais e étnicas;

Propaganda do património cultural;

Unir os povos por meio do intercâmbio cultural, fortalecendo os laços de amizade e fraternidade entre os povos;

Afirmação do orgulho de cada pessoa por sua nação;

Assistência no fortalecimento da Rússia como um estado multinacional em que todos os povos são iguais em seus direitos.

Há muitos anos venho propagando a ideia de que todas as pessoas devem viver em amizade e paz, manter contato nos negócios e enriquecer-se mutuamente por meio de laços culturais. Não deve haver guerras em nossa terra. Afinal, as mães dão à luz filhos para vida feliz, desenvolva diligentemente seus talentos, crie neles os melhores sentimentos e, sem falta, orgulho de sua nação, porque em cada nação existem pessoas de talento incomum.

Para resolver os problemas da nossa sociedade através da cultura, criei o NOX.

Agora é importante encontrar pessoas em quem se possa confiar plenamente na implementação dessas ideias. "NOX" deve se tornar uma verdadeira forja desse pessoal. Transfiro constantemente minhas ideias para os gerentes, educo uma nova geração de produtores, confio neles meus projetos e os ajudo a realizá-los.