Prokofiev é um compositor de obras para crianças. Sergeevich Prokofiev

russo compositor soviético pianista, maestro, escritor musical

Curta biografia

Sergei Sergeevich Prokofiev(23 de abril de 1891, Sontsovka - 5 de março de 1953, Moscou) - Compositor soviético russo, pianista, maestro, escritor musical. Artista do Povo da RSFSR (1947). Laureado com o Prêmio Lenin (1957) e seis Prêmios Stalin (1943, 1946 - três vezes, 1947, 1952).

Prokofiev escreveu em todos os gêneros contemporâneos. É dono de 11 óperas, 7 balés, 7 sinfonias, 7 concertos para instrumento solista e orquestra, 9 sonatas para piano, oratórios e cantatas, composições vocais e instrumentais de câmara, música para cinema e teatro.

Prokofiev criou seu próprio estilo inovador. Recursos inovadores composições dos períodos inicial, estrangeiro e soviético são anotadas. Muitas de suas composições (mais de 130 obras no total) entraram no tesouro da cultura musical mundial, como a Primeira, Quinta e Sétima Sinfonias, o Primeiro, Segundo e Terceiro Concertos para Piano, as óperas O Amor pelas Três Laranjas (1919) e The Fiery Angel ( 1927), conto de fadas sinfônico "Pedro e o Lobo" (1936), balé "Romeu e Julieta" (1935), cantata "Alexander Nevsky" (1939), música para o filme "Tenente Kizhe" (1934 ), "Fleeting", "Delusion ”, Sétima Sonata e outras peças para piano. Prokofiev é um dos compositores mais significativos e de repertório do século XX.

De acordo com a tradição estabelecida, os musicólogos e escritores musicais russos definiram S. S. Prokofiev como um “compositor russo” ou como um “compositor soviético”. Na literatura de referência da URSS, por exemplo, na 2ª edição do TSB (1955), na 3ª edição do TSB (1975) e outros, Prokofiev foi definido como um “compositor soviético”, além disso, no Enciclopédia Musical (1978) - como uma figura importante da cultura soviética. Na biografia pós-soviética de Prokofiev, o escritor I. G. Vishnevetsky (2009), o herói do livro é definido como um “compositor russo”. No BDT para figuras culturais que tinham cidadania do Império Russo, a Rússia Soviética (URSS), que tinha ou tem cidadania da Federação Russa, introduziu solteiro atributo - "russo". Pela primeira vez, de acordo com esta regra, Prokofiev é definido na definição do artigo biográfico BDT (2015) como um “compositor russo”.

Nas enciclopédias da Europa Ocidental e dos Estados Unidos, Prokofiev é geralmente definido como um compositor "russo" ou "russo" (inglês russo, alemão russisch, espanhol. russo etc). Menos comuns são as definições nas quais o compositor é definido como “soviético” (soviético inglês, sowjetisch alemão, soviétique francês, etc.). Na biografia de Lina Prokofieva V.N. Chemberdzhi (2008) a frase o famoso compositor russo(Inglês), publicado "por uma semana inteira em todos os jornais da América" ​​​​e citado em uma carta de Prokofiev datada de 1º de janeiro de 1933, é traduzido em nota de rodapé como "o famoso compositor russo".

Em um artigo do musicólogo S.A. Petukhova, Prokofev é referido como “compositor russo”, enquanto o adjetivo “russo” denota cidadania ou afiliação territorial: “Violoncelistas russos” refere-se a violoncelistas da Rússia. No artigo de Yu. N. Kholopov no site da Filarmônica de São Petersburgo, S. S. Prokofiev é listado como um “grande compositor russo”, no artigo “O trabalho de Prokofiev na musicologia teórica soviética” (1972) como um “compositor soviético ” e como um “grande músico russo ". Na monografia "Modern Features of Prokofiev's Harmony" (1967), o mesmo autor caracterizou a obra de Prokofiev como "orgulho música soviética”, embora ao mesmo tempo tenha descrito objetivamente a harmonia inovadora de Prokofiev na sua totalidade seus escritos (incluindo aqueles fora do período "soviético" de criatividade).

Reitor do Conservatório de Moscou A. S. Sokolov em suas saudações aos participantes da Conferência Científica Internacional e Festival de Música dedicado ao 120º aniversário do nascimento de S. S. Prokofiev, disse: “O nome do grande compositor russo é conhecido em todo o mundo. A atividade de Prokofiev ocorreu na Rússia, Europa e América.

Na coleção de artigos "Leituras de Prokofiev" (2016), sobre Prokofiev e outros compositores russos, as combinações "compositor russo" e "compositores russos" são usadas 10 vezes e "compositores russos" - apenas 1 vez. Nos últimos anos, uma combinação estável de "compositor russo" em relação a S. S. Prokofiev é dada no artigo de O. L. Devyatova "Sergey Prokofiev na Rússia Soviética: um conformista ou um artista livre?" (2013), na Literaturnaya Gazeta (2016) e no Regulamento do Concurso Aberto de Compositores Tempo dos Prokofievs (2017). O. L. Devyatova citou as palavras de S. M. Slonimsky sobre a continuação de S. S. Prokofiev da “linha criativa dos clássicos russos do século XIX” e escreveu que o compositor se sentia “uma pessoa e músico verdadeiramente russo, criado pela cultura russa, sua nação tradições”. Assim, Prokofiev atua como portador e inovador da tradição nacional russa na música clássica mundial.

Contemporâneos falaram de Prokofiev como um compositor russo, o que decorre da entrada no "Diário" da crítica de Stravinsky, expressa na Itália em 1915: "Tendo ouvido meu 2º Concerto, Toccata e 2ª Sonata, Stravinsky ficou extremamente convencido de que sou um verdadeiro russo compositor e que não há compositores russos na Rússia além de mim. O próprio Prokofiev se autodenominava um “compositor russo”, o que é confirmado por sua autoidentificação em um diário de 1915 sobre a criação do balé “Jester”: “A sombra nacional refletia-se claramente neles. Quando compus, sempre pensei que era um compositor russo e meus bobos da corte eram russos, e isso abriu uma área completamente nova e fechada para eu compor.

Infância

Sergei Prokofiev nasceu na vila de Sontsovka, distrito de Bakhmut, província de Yekaterinoslav (agora vila do distrito de Pokrovsky, região de Donetsk, na Ucrânia). Ao contrário da data de nascimento indicada por muitas fontes como 11 de abril, 15 de abril de 1891 está registrada em uma cópia da certidão de nascimento. Sergei Svyatoslavovich Prokofiev, neto do compositor, que coloca o nome Sergei Prokofiev Jr. em suas publicações, insistiu que "Prokofiev não nasceu em 27 de abril". O compositor indicou repetidamente no "Diário" que nasceu no dia 23 de abril: "Ontem foi meu aniversário (27 anos)". "<…>fiz vinte e nove ontem<…>". “Lembrei que hoje fiz trinta e três anos (“Que barulho foi esse no quarto ao lado? Completou trinta e três anos para mim”). Apesar de o próprio Prokofiev chamar o local de seu nascimento à maneira do pequeno russo - "Sontsevka", o biógrafo do compositor I. G. Vishnevetsky citou documentos do início dos anos 1900 usando o nome da aldeia "Solntsevka".

Pai, Sergei Alekseevich Prokofiev (1846-1910), veio de uma família de comerciantes, estudou em Moscou na Petrovsky Agricultural Academy (1867-1871). Mãe, Maria Grigoryevna (nee Zhitkova, 1855-1924), nasceu em São Petersburgo e se formou no ginásio com uma medalha de ouro. Seu pai era servo dos Sheremetevs, em meados do século 19 mudou-se para São Petersburgo, casou-se com uma mulher da cidade origem sueca. O pai administrou a propriedade de seu ex-colega na academia D. D. Sontsov.

O amor pela música foi instilado em sua mãe, que frequentemente tocava música e executava principalmente obras de Beethoven e Chopin. Sergei primeiro ouviu e depois começou a se sentar ao lado do instrumento e bateu nas teclas. Maria Grigorievna era uma boa pianista e se tornou a primeira mentora musical do futuro compositor. As habilidades musicais de Sergei se manifestaram na primeira infância, quando aos cinco anos e meio compôs a primeira minúscula peça para piano "Galope indiano". Esta composição foi anotada por Maria Grigorievna, e Seryozha aprendeu a gravar as peças subsequentes (rondos, valsas e as chamadas "canções" da criança prodígio) por conta própria. Mais tarde, o pai começou a dar aulas de matemática ao filho e a mãe ensinou-lhe francês e alemão.

Em janeiro de 1900, em Moscou, Sergei Prokofiev ouviu pela primeira vez as óperas Fausto e Príncipe Igor e esteve no balé A Bela Adormecida, sob a impressão de que concebeu sua própria obra semelhante. Em junho de 1900, a ópera O Gigante foi composta. O ano de 1901 foi gasto na composição da segunda ópera Nas Ilhas Desertas, mas apenas o primeiro ato foi concluído. As possibilidades de Maria Grigoryevna para a educação musical posterior de seu filho se esgotaram.

Em janeiro de 1902, em Moscou, Sergei Prokofiev foi apresentado a S. I. Taneyev, a quem tocou trechos da ópera O Gigante e a abertura de Desert Shores. O compositor ficou impressionado com as habilidades do jovem músico e pediu a R. M. Gliere para estudar teoria da composição com ele. No verão de 1902 e 1903, Gliere veio a Sontsevka para dar aulas a Prokofiev.

O compositor descreveu em detalhes seus anos de infância antes de entrar no conservatório em sua "Autobiografia" na primeira parte "Infância".

Conservatório

Com a mudança para Petersburgo, começou um novo, nas palavras do próprio Sergei Prokofiev, o período da vida de Petersburgo. Ao ingressar no Conservatório de São Petersburgo, apresentou à comissão duas pastas com suas composições, contendo quatro óperas, duas sonatas, uma sinfonia e peças para piano. Essas obras não estão incluídas na lista de obras do compositor por opus. Desde 1904, ele estudou no Conservatório de São Petersburgo na aula de instrumentação de N. A. Rimsky-Korsakov, com A. K. Lyadov na aula de composição, com J. Vitol - em disciplinas musicais e teóricas, com A. N. Esipova - no piano, com N. N. Cherepnin - na regência. Formou-se no conservatório como compositor em 1909, como pianista - em 1914, quando venceu o concurso entre os cinco melhores alunos da graduação com a execução de seu Primeiro Concerto para Piano, op. 10, recebeu uma medalha de ouro e um prêmio honorário com o nome de A. G. Rubinstein - um piano da fábrica Schroeder. No jovem graduado do Conservatório de São Petersburgo "desde o início da década de 1910, muitos viram um grande compositor russo". Até 1917, inclusive, continuou seus estudos no conservatório na classe de órgão.

Durante os anos de estudo no conservatório, começou relações amigáveis com os compositores Nikolai Myaskovsky e Boris Asafiev, conheceu Sergei Rachmaninov. Em abril de 1910, Sergei Prokofiev conheceu Igor Stravinsky. Durante a rivalidade de longa data entre os dois compositores, "cada um deles inevitavelmente mediu o que foi feito com o trabalho e o sucesso do outro".

A formação de habilidades performáticas foi facilitada pela reaproximação com o círculo de São Petersburgo "Noites de Música Moderna", em um concerto do qual em 18 de dezembro de 1908 ocorreu a primeira apresentação pública como compositor e pianista. Originalidade, talento indiscutível, imaginação criativa, extravagância, jogo desenfreado de fantasia e engenhosidade de Sergei Prokofiev foram notados na crítica da estreia. O crítico atribuiu o jovem autor à "direção extrema dos modernistas", que "vai muito mais longe na sua ousadia e originalidade francês moderno". Segundo o musicólogo I. I. Martynov, a crítica exagerou a ousadia de Prokofiev, que na época não superava o “francês moderno”. Após o primeiro sucesso, atuou como solista, interpretando principalmente suas próprias obras. Em 1911, pela primeira vez na Rússia, interpretou as peças de A. Schoenberg, op. 11, e em 1913 ele falou à noite na presença de C. Debussy durante sua chegada a São Petersburgo.

Para fortalecer a reputação do compositor, Prokofiev sentiu a necessidade de executar e publicar suas obras, começou a estabelecer contatos com maestros famosos, enviou várias peças para a Russian Musical Publishing House e para a famosa editora musical P. I. Yurgenson, mas os editores recusaram. Em 1911, o jovem compositor obteve uma carta de recomendação de A.V. Ossovsky, insistiu em um encontro pessoal com Jurgenson, tocou suas composições para piano para ele e recebeu consentimento para sua publicação. A primeira obra publicada de Prokofiev foi a Sonata para Piano, op. 1, publicado em 1911 pela editora musical "P. Yurgenson". No final de fevereiro de 1913, Prokofiev conheceu S. A. Koussevitsky, que já lamentava que Yurgenson publicasse as obras de um compositor promissor. Desde 1917, as obras de Prokofiev começaram a aparecer na editora musical "A. Gutheil”, que na época pertencia a Koussevitzky. Prokofiev manteve contatos comerciais com Kusevitsky por quase um quarto de século. Quase todas as obras de Prokofiev período estrangeiro foram publicados sob as marcas de suas empresas “A. Gutheil" ou "Russian Musical Publishing House", algumas das obras orquestrais de Prokofiev foram executadas pela primeira vez sob sua direção.

Apresentações em São Petersburgo, Moscou e na sala de concertos da estação ferroviária Pavlovsky fortaleceram a fama e fama do jovem compositor e pianista. Em 1913, a estreia do Segundo Concerto para Piano causou escândalo, o público e a crítica dividiram-se em admiradores e detratores. Em uma das críticas, Prokofiev foi chamado de "piano cubista e futurista".

Durante a segunda viagem ao exterior em Londres em junho de 1914, S. S. Prokofiev conheceu S. P. Diaghilev. Desde então, iniciou-se uma colaboração de longo prazo entre o compositor e o empresário, que durou até a morte de Diaghilev em 1929. Prokofiev criou quatro balés para a empresa Russian Ballets: Ala and Lolly, The Jester, Steel Lope e The Prodigal Son, o primeiro dos quais não foi encenado.

Guerra e duas revoluções

Após a eclosão da Primeira Guerra Mundial, Prokofiev trabalhou na criação da ópera The Gambler e do balé Ala and Lolly. O jovem compositor não foi alistado no exército, por ser o único filho da família.

Para se familiarizar com o balé, Diaghilev chamou Prokofiev para a Itália, mas por vários motivos ele se recusou a encenar Ala e Lollia e fez um novo pedido para o compositor - o balé The Jester (o título completo é The Tale of the Jester Who Outsmarted the Seven bobos da corte). Em 22 de fevereiro (7 de março) de 1915, a primeira apresentação estrangeira de Prokofiev, organizada por Diaghilev, aconteceu em Roma, quando foi executado o Segundo Concerto para Piano com orquestra regida por Bernardino Molinari e várias peças para piano.

O material da partitura do primeiro balé "Ala and Lolly" foi retrabalhado na composição para a orquestra "Scythian Suite". Para trabalhar em uma nova ordem, Diaghilev contribuiu para a reaproximação entre Prokofiev e Stravinsky. Os críticos notaram a influência da música de Stravinsky na criação da Suite Scythian e do balé The Jester. A "Suíte Cita" foi considerada por Prokofiev e seus amigos mais próximos Myaskovsky e Asafiev "como a maior e mais significativa das obras orquestrais escritas por ele até agora", "mas o público ainda a percebia como uma manifestação de extremismo musical". A estreia da "Suíte Cita" em 16 (29) de janeiro de 1916 causou escândalo e protestos ainda mais barulhentos do que o Segundo Concerto para Piano, que foi como a explosão de uma bomba. Apesar de seus méritos, a suíte ainda não é uma das obras populares do compositor. Grandes dificuldades acompanharam a produção da ópera The Gambler, cuja primeira edição foi concluída em 1916, e a estreia mundial ocorreu na segunda edição em 1929.

As composições de pequenas formas deste período também não têm menos mérito artístico: o ciclo de peças para piano “Sarcasms”, o conto de fadas para voz e piano “O Patinho Feio”, o ciclo de romances para as palavras de Anna Akhmatova, op. 27, "Fuga". Apesar do halo da fama de vanguarda, antes de deixar a Rússia, Prokofiev criou obras significativas que continuaram as tradições clássicas europeias e russas - o Primeiro Concerto para Violino e a Sinfonia Clássica dedicada a B.V. Asafiev, como exemplo de uma partitura sinfônica de som transparente e um "sinfonismo de conceito anti-romântico em novas condições e em solo russo. No entanto, observando o conhecimento do jovem Shostakovich com a música de Stravinsky e do jovem Prokofiev ao criar o Es-dur Scherzo, Op. 7 (1923-1924), Krzysztof Meyer mencionou suas primeiras divergências com Steinberg: "O professor queria vê-lo como um continuador da tradição russa, e não apenas mais um - depois de Stravinsky e Prokofiev - seu destruidor, um compositor com suspeitas inclinações modernistas ."

período no exterior

No final de 1917, Prokofiev pensou em deixar a Rússia, escrevendo em seu Diário:

Vá para a América! Certamente! Aqui - azedar, ali - a vida é a chave, aqui - massacre e jogo, ali - vida cultural, aqui - concertos miseráveis ​​​​em Kislovodsk, ali - Nova York, Chicago. Não há hesitação. Eu vou na primavera. Se ao menos a América não sentisse inimizade contra os russos separados! E sob esta bandeira eu conheci Ano Novo. Ele falhará com meus desejos?

S. S. Prokofiev. Diário. 1907-1918.

Em 7 de maio de 1918, Prokofiev deixou Moscou pelo Siberian Express e chegou a Tóquio em 1º de junho. No Japão, atuou como pianista com dois shows em Tóquio e um em Yokohama, que, segundo o empresário A. D. Strok, foi inglório e rendeu pouco dinheiro. Durante dois meses, o compositor buscou um visto americano e, no dia 2 de agosto, embarcou para os Estados Unidos. Em 6 de setembro, Prokofiev chegou a Nova York, onde no outono de 1918 concluiu sua primeira obra do período estrangeiro, Tales of an Old Grandmother.

Convencionalmente, como o trabalho em algumas obras foi concebido ou iniciado antes, a estrutura cronológica do período de Prokofiev no exterior é determinada de 1918 a 1935 até sua mudança final para Moscou em 1936. Entre as principais obras desse período, as óperas O amor pelas três laranjas (1919), O anjo ardente (1919-1927), os balés The Steel Lope (1925), O filho pródigo (1928) e On the Dnieper "( 1930), segunda (1925), terceira (1928) e quarta (1930) sinfonias; terceiro (1917-1921), quarto (1931) e quinto (1932) concertos para piano. A lista das principais obras do compositor do período estrangeiro é completada pelo concerto para segundo violino (1935).

Na segunda metade da década de 1920 e na primeira metade da década de 1930, Prokofiev fez extensas turnês pela América e Europa como pianista (tocou principalmente próprias composições), ocasionalmente também como maestro (apenas composições próprias); em 1927, 1929 e 1932 - na URSS. Em 1932 gravou em Londres o seu Terceiro Concerto (com a Orquestra Sinfónica de Londres) e em 1935 em Paris - várias das suas próprias peças para piano e arranjos. Isso esgota o legado do pianista Prokofiev.

Na primavera de 1925, Prokofiev tornou-se próximo e logo se tornou amigo de Dukelsky, que ele havia conhecido na América. Por esta altura está escrito no "Diário" do compositor ditado famoso Diaghilev sobre Prokofiev como o segundo filho: “Eu, como Noé, tenho três filhos: Stravinsky, Prokofiev e Dukelsky. Você, Serge, desculpe-me por ter que ser o segundo filho!

Durante a longa estada de Prokofiev no exterior, o certificado de viagem emitido por A.V. Lunacharsky em 1918 expirou e o compositor perdeu cidadania soviética. Com base nesse fato, apesar de Prokofiev ter mostrado sua apatia e não ter aderido ao movimento branco, o compositor está classificado entre a emigração russa da primeira onda. Em 1927, os Prokofievs receberam passaportes soviéticos, necessários para sua primeira viagem à URSS. Simon Morrison mencionou que o casal Prokofiev tinha passaportes Nansen. Em 1929, em Paris, Prokofiev pediu novos passaportes soviéticos para ele e sua esposa para substituir os expirados de Nansen sem cancelamento e anotou no "Diário" as palavras de I. L. Arens, que alertou o compositor sobre possíveis problemas com documentos: "<…>não nós, é claro, vamos incomodá-lo, mas você pode ter dificuldades com a polícia estrangeira quando descobrirem que você tem dois passaportes. Igor Vishnevetsky destacou que Sergei e Lina Prokofiev guardaram os documentos de Nansen até 1938, que passaram a ser solicitados para as turnês do compositor no inverno de 1935/36 na Espanha, Portugal, Marrocos, Argélia e Tunísia.

NA URSS

Em 1936, Prokofiev e sua família finalmente se mudaram para a URSS e se estabeleceram em Moscou. No futuro, o compositor foi para o exterior apenas duas vezes: nas temporadas de 1936/37 e 1938/39. Em 1936, por iniciativa de Natalia Sats, escreveu um conto de fadas sinfônico para o Teatro Infantil Central Pedro e o Lobo ”(a estreia ocorreu em 2 de maio de 1936), cujo objetivo principal era didático - uma demonstração de ferramentas Orquestra Sinfónica.

Durante o Grande guerra patriótica Prokofiev trabalhou extensivamente no balé Cinderela, na 5ª sinfonia, nas sonatas para piano nº 7, 8, 9, na sonata para flauta e piano. Segundo Krzysztof Meyer, a Quinta Sinfonia de Prokofiev "entrou na lista das obras mais destacadas tematicamente relacionadas com a tragédia da Segunda Guerra Mundial". A obra mais importante do período de guerra foi a ópera "Guerra e Paz" de novela de mesmo nome Lev Tolstói. Prokofiev escreveu música para os filmes "Alexander Nevsky" (1938) e "Ivan, o Terrível" (em duas séries, 1944-1945), testemunhando sua habilidade composicional excepcionalmente alta.

Em fevereiro de 1948, o Comitê Central do Partido Comunista da União dos Bolcheviques emitiu uma resolução “Sobre a ópera A Grande Amizade de V. Muradeli”, na qual os principais compositores soviéticos (Prokofiev, Shostakovich, Myaskovsky, Popov, Shebalin, Khachaturian) foram duramente criticados por seu “formalismo”. Várias obras de Prokofiev foram proibidas para execução por uma ordem secreta do Comitê de Artes. Em 16 de março de 1949, por ordem pessoal de Stalin, essa ordem secreta foi cancelada e a imprensa oficial passou a avaliar as ações do Comitê de 1948 como "alguns excessos".

Na sequência do decreto, de 19 a 25 de abril de 1948, foi realizado o Primeiro Congresso do Sindicato dos Compositores da URSS, onde os principais perseguidores de Prokofiev eram seu ex-amigo íntimo B.V. Asafiev, o jovem compositor e secretário de a URSS IC T.N. com formalismo” foi o musicólogo B. M. Yarustovsky. No extenso relatório de Khrennikov no congresso, muitas das obras de Prokofiev foram criticadas, incluindo sua 6ª Sinfonia (1946) e a ópera O Conto de um Homem Real. Se a 6ª Sinfonia acabou ganhando reconhecimento como uma obra-prima de Prokofiev, então The Tale of a Real Man, uma ópera fora do padrão e experimental, permanece subestimada.

Desde 1949, Prokofiev quase não saiu de sua dacha, mas mesmo sob o mais estrito regime médico escreveu uma sonata para violoncelo e piano, o balé O Conto da Flor de Pedra, um concerto sinfônico para violoncelo e orquestra, o oratório On Guard of the World , e muito mais. o último ensaio, que o compositor ouviu na sala de concertos, foi a Sétima Sinfonia (1952). No final do filme “Sergei Prokofiev. Suíte da vida. Opus 2 (1991), Evgeny Svetlanov observou que Prokofiev se tornou um verdadeiro clássico durante sua vida, como Haydn e Mozart. O compositor trabalhou no dia de sua morte, como evidenciado pela data e hora do manuscrito com a conclusão do dueto de Katerina e Danila do balé "Flor de Pedra".

Prokofiev morreu em Moscou em um apartamento comunitário em Kamergersky Lane de uma crise hipertensiva em 5 de março de 1953. Como ele morreu no dia da morte de Stalin, sua morte passou quase despercebida e parentes e colegas do compositor enfrentaram grandes dificuldades para organizar o funeral. S. S. Prokofiev foi enterrado em Moscou no Cemitério Novodevichy (parcela nº 3). Em memória do compositor, uma placa memorial foi erguida na casa em Kamergersky Lane (escultor M. L. Petrova).

Em 11 de dezembro de 2016, em Moscou, na Kamergersky Lane, na inauguração do monumento ao compositor, programado para coincidir com o 125º aniversário de seu nascimento, Valery Gergiev disse que hoje em dia Prokofiev é percebido como Tchaikovsky, é o Mozart do século XX: “Não havia melodistas como Prokofiev, no século XX. Compositores iguais ao talento de Sergei Sergeevich não aparecerão tão cedo na terra.”

Criação

legado musical

Prokofiev entrou para a história como um inovador da linguagem musical. A originalidade do seu estilo é mais perceptível na área harmonia. Apesar do fato de Prokofiev permanecer um adepto da tonalidade maior-menor estendida e não compartilhar o radicalismo da escola de Nova Viena, o estilo de harmonia "Prokofiev" é inconfundivelmente reconhecível de ouvido. A especificidade da harmonia de Prokofiev desenvolveu-se já no decorrer das primeiras experiências: em Sarcasm (1914, op. 17 nº 5), por exemplo, ele usou um acorde dissonante como função tônica e uma métrica variável (segundo o próprio autor, a imagem do "riso maligno"), no final da peça para piano "Delusion" (op. 4 No. 4) - um agrupamento cromático (cis / d / dis / e), unindo os sons (pitch) do frase “obsessiva” sendo tocada. Ao longo de sua vida, Prokofiev usou uma forma especial de dominante, mais tarde chamada de "Prokofiev's", na forma principal e nas variedades. A nova tonalidade de Prokofiev também é caracterizada por acordes lineares (por exemplo, no primeiro "Fleeting"), que não são explicados pela relação acústica das harmonias conjugadas, mas são consequência da polifonia de diferentes tons do compositor.

Reconhecível e específico ritmo Prokofiev, o que é especialmente evidente em suas composições para piano, como Toccata op. 11, “Obsession”, a Sétima Sonata (com um final baseado no ostinato rítmico em 7/8), etc. Não menos reconhecível é a característica “anti-romântica” do ritmo - a famosa “motoridade” de Prokofiev característica de composições para piano antes período soviético(Scherzo do Segundo Concerto para Piano, Allegro do Terceiro Concerto para Piano, Toccata, etc.). A execução de tais composições "motoras" requer disciplina rítmica impecável, alta concentração de atenção e domínio técnico do pianista.

A originalidade do estilo de Prokofiev também se manifesta em orquestração. Algumas de suas composições são caracterizadas por sons superpoderosos baseados em metais dissonantes e padrões polifônicos complexos do grupo de cordas. Isso é especialmente sentido nas sinfonias 2ª (1924) e 3ª (1928), bem como nas óperas O Jogador, O Anjo de Fogo e O Amor pelas Três Laranjas.

A inovação de Prokofiev nem sempre encontrou compreensão entre o público. Desde o princípio Carreira musical e ao longo de Prokofiev, os críticos não economizaram avaliação negativa. Nas primeiras décadas do século 20, L. L. Sabaneev conseguiu isso. Durante a estréia da Suíte Cita (Petersburgo, 1916), a impressionante força elementar da música mergulhou o ouvinte em "horror e pavor" (V. G. Karatygin), parte do público deixou o salão, incluindo o então diretor do conservatório, compositor A. K. Glazunov.

Especialmente azarado melodias que os críticos de Prokofiev consideraram "intoleravelmente banal", enquanto o oposto era verdadeiro. Assim, nas obras de Prokofiev é quase impossível encontrar sequências típicas dos românticos, que personificavam a banalidade na estética "anti-romântica" do compositor. Exemplos de livros didáticos da melodia lírica de Prokofiev - o segundo tema do final do Terceiro Concerto para Piano (Cis-dur / cis-moll, c.110 e além), Valsa de Baile de Ano Novo da ópera "Guerra e Paz" (h-moll ; incluída na suite orquestral "Waltzes ”, op. 110), uma parte lateral da parte I da Sétima Sinfonia (Fá-dur, a partir do v.5 após o v.4), um complexo de pequenos temas relacionados com a lírica caracterização de Julieta (no balé Romeu e Julieta) e etc. É característico que Prokofiev raramente usasse protótipos folclóricos autênticos na melodia, e no caso em que era necessário apresentar a melodia em russo estilo, ele mesmo compôs fundamentalmente "melodias russas". Por exemplo, para criar a cor do romance urbano na música do filme "Tenente Kizhe", Prokofiev pegou o texto da canção russa mais popular "The Dove Dove is Moaning", mas ao mesmo tempo não pegou emprestado o poço -melodia conhecida, mas surgiu com a sua própria - não menos brilhante e memorável. Todos os temas da cantata "Alexander Nevsky" também são originais, não baseados em nenhum empréstimo "folclórico". No entanto, ao escrever a Abertura sobre Temas Judaicos, op. 34, o compositor não hesitou em usar as melodias dos judeus do leste europeu fornecidas pelo clarinetista S. Beilison. Prokofiev emprestou temas para o Segundo Quarteto de Cordas (o chamado Quarteto Kabardiano) da música dos povos do Cáucaso do Norte.

Prokofiev era sensível à sua própria música e, se possível, usou suas descobertas mais de uma vez. Quando reutilizado, o grau de mudança no material de origem variou de uma simples mudança no elenco (por exemplo, um arranjo para piano de March da ópera "The Love for Three Oranges") e reorquestração (The Departure of Convidados de "Romeu e Julieta" - uma Gavotte ligeiramente modificada do "Clássico" escrito 20 anos antes da sinfonia") a uma profunda revisão de partes e "conclusão" de novas músicas (como no caso do Primeiro Concerto para Violoncelo, que, depois de profunda revisão, foi consubstanciado na Sinfonia-Concerto para Violoncelo e Orquestra). O motivo da reutilização costumava ser o fracasso ou "recepção fria" da apresentação de estreia, que o compositor percebia como sua própria falha no material fundamentalmente de alta qualidade. Então, material musical a ópera "Fiery Angel" foi incluída na Terceira Sinfonia, o balé "Filho Pródigo" - na Quarta Sinfonia. Freqüentemente, Prokofiev compunha suítes orquestrais e/ou para piano de curta duração a partir da música de balés e óperas, cuja música (como suítes de Romeu e Julieta, O bobo da corte, Três laranjas, Sementes de Kotko, Cinderela, etc.) tal redução realmente se tornou repertório.

patrimônio literário

Prokofiev possuía excelentes habilidades literárias, que se manifestaram em Autobiografia, Diário, contos, libretos de ópera, com base nos quais o compositor é caracterizado como escritor musical. patrimônio literário Prokofiev testemunha o otimismo, a sagacidade e o brilhante senso de humor característicos da natureza criativa do compositor.

"Autobiografia", abrangendo o período da vida desde o nascimento até 1909, é, apesar do título modesto, uma obra literária totalmente acabada. Prokofiev trabalhou cuidadosamente no texto por 15 anos. A primeira parte do livro "Infância" foi concluída em 1939, a segunda parte "Conservatório" foi criada de 1945 a 1950 com uma pausa em 1947-1948. Na "Pequena Autobiografia", concluída em 1941, a biografia cobre o período até 1936.

O "Diário", que Prokofiev guardou do início de setembro de 1907 a junho de 1933, fornece um rico material para estudar a vida e a obra do compositor. Em 2002, Svyatoslav Prokofiev escreveu: “O diário de Prokofiev é uma obra única que tem direito total obtenha seu número de opus em seu catálogo".

Destaca-se o projeto único "Wooden Book" - um álbum com capa de duas pranchas, encomendado por Prokofiev em 1916. De 1916 a 1921, figuras culturais famosas, "os melhores representantes de quase todas as tendências da arte do início do século XX", registraram em um álbum suas respostas a uma única pergunta: "O que você acha do sol?" No “Livro de Madeira”, de um total de 48 celebridades, em particular, Balmont, Mayakovsky, Chaliapin, Stravinsky, Anna Dostoevskaya, Petrov-Vodkin, Burliuk, Remizov, Prishvin, Alekhine, Jose Raul Capablanca, Larionov, Goncharova, Arthur Rubinstein, Reinhold Glier, Mikhail Fokin.

Personalidade

Desde a época de seus estudos no conservatório, Prokofiev se esforçou para estar no centro das atenções e muitas vezes demonstrou sua ousadia. Os contemporâneos observaram que mesmo aparência Prokofiev, que se permitiu cores e combinações brilhantes e cativantes nas roupas. As fotografias sobreviventes testemunham a elegância do compositor e a capacidade de se vestir com bom gosto.

Em 1954, Shostakovich escreveu: "A disciplina de trabalho de S. S. Prokofiev era realmente incrível e, o que era incompreensível para muitos, ele trabalhou simultaneamente em várias obras". Além de estudar música, o compositor tinha grande interesse por xadrez e literatura. Possuindo o dom de uma rica imaginação, Prokofiev desde a juventude costumava mudar a atividade intelectual de compor música para resolver problemas de xadrez ou criatividade literária. Durante a Guerra Russo-Japonesa, a atenção jovem músico acorrentou a marinha, e o Grande Salão do Conservatório de São Petersburgo foi apresentado como uma doca marítima, "no qual um cruzador será agora introduzido para reparo". Na mesma época, Prokofiev escreveu o final do poema "O Conde". Se Prokofiev não tivesse se tornado um compositor, ele teria motivos suficientes para se tornar um escritor e não se separou do xadrez desde a infância até os últimos anos de sua vida.

Xadrez

O culto à precisão, que Prokofiev professou desde a infância até o fim de sua vida, encontrou expressão em sua paixão pelo xadrez. A "Autobiografia" do compositor contém o primeiro dos manuscritos do autor sobrevivente de livros infantis composições musicais, feito em 1898, no verso do qual a posição do inacabado jogo de xadrez. No mesmo local, Prokofiev descreve com orgulho o empate com Emanuel Lasker em 1909 em São Petersburgo e registra o jogo Lasker - Prokofiev em 1933 em Paris, que perdeu.

Prokofiev era um jogador de xadrez bastante forte, e sua partida com David Oistrakh em Moscou em 1937, vencida pelo violinista com uma margem mínima de 4:3, despertou grande interesse do público. Eduardo Winter ( Eduardo Winter) lista alguns dos encontros de Prokofiev no tabuleiro com enxadristas famosos:

• em maio de 1914, durante sessões simultâneas em São Petersburgo com José Raul Capablanca, o compositor venceu uma partida e perdeu duas
• em fevereiro de 1922 em um jogo simultâneo em Nova York com Capablanca
• em 1918 e 1931 com Misha Elman
• inverno 1921/22 em Chicago com Eduard Lasker
• em 1933 em Paris com Savely Tartakower
• 9 de novembro de 1937 em uma partida de xadrez em Moscou com David Oistrakh.

Os aforismos do compositor são conhecidos: "O xadrez para mim é um mundo especial, um mundo de luta de planos e paixões" e "O xadrez é a música do pensamento". A inovação caracterizou a natureza criativa de Prokofiev desde tenra idade, quando em janeiro de 1905 o jovem "correu com a ideia de transferir o xadrez de um tabuleiro quadrado para um hexagonal, que teria campos hexagonais". Apesar de “a invenção não ter sido pensada até o fim”, já que os movimentos da torre e do bispo eram inesperadamente semelhantes, e “o movimento do peão é completamente obscuro”, posteriormente a ideia foi concretizada na criação de “ nove xadrez” com um tabuleiro em 24x24 quadrados e regras do jogo com o uso de nove conjuntos de figuras.

Relações com outros compositores

D. B. Kabalevsky escreveu que músicos tão diferentes e notáveis ​​​​de nosso tempo N. Ya. Myaskovsky e S. S. Prokofiev estavam conectados por uma amizade profunda e longa.

Os estilos musicais de S. V. Rakhmaninov e S. S. Prokofiev também diferiram significativamente. No documentário "Gênios. Sergei Prokofiev” em 2003, Svyatoslav Prokofiev falou sobre a relação entre os dois compositores da seguinte forma: “Eles tinham uma relação completamente correta, mas não amavam mutuamente a música do outro. E o que é engraçado, ambos se trataram com leve condescendência. Prokofiev gravou o Prelúdio No. 5, Op. 23 g-moll Rachmaninov. Igor Stravinsky e Sergei Prokofiev sempre atuaram como rivais, o que é confirmado pelas palavras de Svyatoslav Prokofiev. No mesmo filme, o musicólogo Viktor Varunts observou que Prokofiev ficou ofendido com o reconhecimento da obra de Stravinsky em toda a Europa, o que Prokofiev não conseguiu.

A atitude de Prokofiev em relação a Shostakovich era geralmente cética, especialmente no período pré-guerra, como confirmam alguns dos comentários mordazes de Prokofiev sobre sua música. Um desses casos foi citado por D. B. Kabalevsky: “Após a primeira apresentação do Quinteto para Piano de Shostakovich, Prokofiev, na presença do autor, criticou duramente esta obra, da qual ele claramente não gostou, e, ao mesmo tempo, atacou todos que o elogiou.” Shostakovich acompanhou de perto o trabalho de seu colega sênior, um ano após cuja morte ele apreciou muito sua contribuição para o tesouro da arte musical russa: “ compositor genial, ele desenvolveu legado criativo deixados para nós pelos grandes luminares dos clássicos musicais russos - Glinka, Mussorgsky, Tchaikovsky, Borodin, Rimsky-Korsakov e Rakhmaninov.” Mstislav Rostropovich estudou com Shostakovich por três anos na aula de instrumentação, depois trabalhou em estreita colaboração com Prokofiev na criação do Concerto Sinfônico para Violoncelo, op. 125. Falando sobre a "cadeia mágica" dos compositores em seu destino criativo, o violoncelista observou que Shostakovich trabalhou no Concerto para violoncelo nº 1 Es-dur, op. 107 (1959), "inspirado, como se viu, pela música de Prokofiev em minha performance". Krzysztof Meyer observou que este concerto instrumental marcou a saída de Shostakovich da crise e, sem dúvida, foi uma nova palavra em sua obra: "De acordo com sua modesta confissão, ele escreveu sob a influência da Sinfonia-Concerto de Prokofiev, com a intenção de tentar sua mão neste novo gênero para ele mesmo."

Ciência Cristã

No início de junho de 1924, Sergei e Lina Prokofiev aprenderam sobre as curas milagrosas realizadas por adeptos da Ciência Cristã. A esposa do compositor decidiu recorrer a um curandeiro para melhorar sua condição após o parto. Prokofiev também recorreu à ajuda de adeptos da Ciência Cristã, pois ele próprio estava preocupado com o coração e as dores de cabeça. Posteriormente, como Prokofiev escreveu em seu Diário, os métodos da Ciência Cristã ajudaram ele e sua esposa a se livrarem do medo de falar. Leitura adicional do livro de Mary Baker Eddy "Ciência e Saúde" ( ciência e saúde) contribuiu para a formação da própria atitude de Prokofiev para com Deus, o homem, para os conceitos de bem e mal.

Segundo N. P. Savkina, a paixão de Prokofiev pela Ciência Cristã foi significativa e, em particular, explica sua decisão final de retornar à URSS. Savkina escreveu sobre o papel dos ensinamentos de M. Baker Eddy na vida de Prokofiev: “Você pode compartilhar as visões religiosas do compositor ou considerá-las ingênuas, concordar com as disposições da Ciência Cristã ou, como Mark Twain e Stefan Zweig, ironicamente sobre eles. No entanto, o trabalho espiritual constante do compositor, sua busca incansável pelo autoaperfeiçoamento, merece o mais profundo respeito. Ele fez sua escolha e assumiu a responsabilidade por ela."

De acordo com I. G. Vishnevetsky, Prokofiev escolheu a prática espiritual da Ciência Cristã na necessidade de explicar a estrutura do mundo com um design harmônico superior, para determinar um caminho claro e puro.

Apesar de antes da publicação do "Diário" em 2002, os biógrafos, possivelmente excluindo N. P. Savkina, não possuírem dados sobre o uso das técnicas de movimento de M. Baker Eddy pelo compositor, alguns músicos, em particular I. G. Sokolov, sobre o a influência da ciência cristã na personalidade de Prokofiev era conhecida nos tempos soviéticos. Uma avaliação mais completa da personalidade de Prokofiev poderá ser feita por pesquisadores após 2053, quando, por vontade do compositor, será aberto o acesso a todos os seus arquivos.

recepção

Notas e lugar na cultura

Prokofiev está classificado entre os autores mais atuantes do século 20. D. D. Shostakovich deu uma alta avaliação da obra de S. S. Prokofiev: “Estou feliz e orgulhoso por ter tido a sorte de testemunhar o brilhante florescimento do gênio de Prokofiev ... Eu nunca se cansará de ouvir sua música para estudar sua preciosa experiência.

Alfred Schnittke falou de Prokofiev como um dos os maiores compositores em russo história musical, citou o “par” de Prokofiev e Shostakovich como exemplo da competição de dois princípios na história da música. Segundo Schnittke, ambos os compositores pertenciam à família russa cultura musical: "Isso é indubitável, e para mim Shostakovich não é menos um compositor russo do que Prokofiev, que exteriormente carrega muito mais sinais da música russa." A composição de Schnittke "Dedicação a Igor Stravinsky, Sergei Prokofiev, Dmitry Shostakovich" para piano a 6 mãos de 1979 é conhecida.

Avaliação semelhante foi feita por Gennady Rozhdestvensky, para quem a música de Shostakovich, Prokofiev e Stravinsky representa um fenômeno russo: "E é precisamente porque é russa que é internacional."

2016 foi declarado o Ano de Prokofiev na Rússia.

Uso de música e plágio

No Ocidente, a música de Prokofiev às vezes é usada como pano de fundo para descrever o modo de vida russo e, de forma mais ampla, para a personificação simbólica da "alma russa". Nesse sentido, o cineasta americano (Love and Death, 1975) e o roqueiro inglês Sting utilizaram a música de Prokofiev para o filme Tenente Kizhe em sua canção The Russians (1985). Da mesma forma, a "Dança dos Cavaleiros" de "Romeu e Julieta" é usada na música de Robbie Williams. Festa como um russo.O realizador do filme "Conan, o Bárbaro" pediu ao compositor, ao criar o leitmotiv da personagem principal, que escrevesse música estilisticamente próxima de "Ala and Lollia", uma suite cita, Op. 20.

No filme Prokofiev is Ours de 2016, o musicólogo americano Simon Morrison afirmou sua confiança de que vários fragmentos da suíte Tenente Kizhe de Prokofiev, repetidos no filme Avatar, atestam não uma coincidência, mas 100% de plágio do único gênio do século XX sobre a melodia na música.

É improvável que a vizinhança entre as pessoas mencionadas fosse percebida positivamente e lisonjeada pelo compositor, que desde a infância decidiu compor apenas música séria. Notando a presença de dois diferentes profissões- "compositor" (compositor inglês) e "compositor de Hollywood" (compositor inglês de Hollywood) - Schnittke falou sobre a obra de Prokofiev no cinema nas seguintes palavras: “No Ocidente moderno, nem um único compositor decente e que se preze trabalha no cinema . O cinema não pode deixar de ditar suas condições ao compositor. O caso de S. Eisenstein e S. Prokofiev é o único, talvez ainda existam exceções individuais. Mas já D. Shostakovich obedecia aos ditames do diretor. Não há nada que você possa fazer - esses não são os ditames de um diretor malvado, mas as especificidades do gênero.

A música de S. S. Prokofiev foi usada em produções Teatro musical, em particular:

• "Soldado russo" - balé de um ato M. M. Fokina com a música da suíte "Tenente Kizhe", estreada em 23 de janeiro de 1942 em Boston
• "Scythian Suite (Ala and Lolly)" - um balé de um ato de G. D. Aleksidze, estreou em 6 de julho de 1969 no S. M. Kirov Theatre
• "Ivan, o Terrível" - um balé de dois atos do coreógrafo Y. N. Grigorovich com a música do compositor para o filme de mesmo nome de S. M. Eisenstein, revisado por M. I. Chulaki, exibido pela primeira vez em 20 de fevereiro de 1975 no Teatro Bolshoi em Moscou, ambientado design de S. B. Virsaladze
• "Concerto para violino nº 2" - um balé de um ato do coreógrafo Anton Pimonov ao som da obra do compositor de mesmo nome; a estreia aconteceu em 4 de julho de 2016 no Teatro Mariinsky em São Petersburgo, cenografia de Anastasia Travkina e Sergey Zhdanov, figurinos de Arina Bogdanova

Família

Em 1919, Prokofiev conheceu a cantora de câmara espanhola (catalã) Lina Kodina, em 1923 casou-se com ela na cidade alemã de Ettal, enquanto a esposa adotou o sobrenome do marido. Em 1936, Prokofiev, com sua esposa e filhos Svyatoslav e Oleg, finalmente se mudou para a URSS e se estabeleceu em Moscou.

S. S. Prokofiev e M. A. Mendelson. Nikolina Gora, 1946

Em 1938, Prokofiev conheceu uma estudante do Instituto Literário, Mira Alexandrovna Mendelson, que se ofereceu para ajudá-lo a traduzir Sheridan e preparar o libreto para a ópera Betrothal in a Monastery. A comunicação superou a estrutura da comunidade criativa do compositor e libretista e, a partir de março de 1941, Prokofiev começou a viver com Mendelssohn separadamente de sua família. Alguns anos depois, o governo soviético declarou inválidos os casamentos celebrados fora da URSS com estrangeiros não certificados pelos consulados. Em 15 de janeiro de 1948, Prokofiev casou-se formalmente com Mira Mendelssohn sem pedir o divórcio de Lina Prokofieva (de acordo com S. Morrison, 13 de janeiro). Posteriormente, como resultado do julgamento, ambos os casamentos foram reconhecidos como válidos e, segundo as declarações do filho do compositor Svyatoslav e V.N. Chemberdzhi, o termo "Incidente de Prokofiev". Em 1948, Lina Prokofieva foi condenada nos termos do Artigo 58 e sentenciada a 20 anos em campos de regime estrito; reabilitado somente após a morte de Prokofiev - em 1956. Durante os anos de prisão da mãe, os filhos de Prokofiev não foram levados para a família pelos noivos e, em sua maioria, foram deixados por conta própria.

• Esposa - Prokofieva, Lina Ivanovna (Lina Lubera, 1897-1989)
  • Filho - Prokofiev, Svyatoslav Sergeevich (1924-2010)
    • Neto - Prokofiev, Sergei Svyatoslavovich (nascido em 1954)
  • Filho - Prokofiev, Oleg Sergeevich (1928-1998)
    • Neto - Prokofiev, Sergei Olegovich (1954-2014)
    • Neto - Prokofiev, Gabriel (nascido em 1975)
• Esposa - Mendelssohn, Mira Alexandrovna (Mendelssohn-Prokofieva, 1915-1968)

composições

óperas

• "O Gigante" (escrita por um compositor de 9 anos, esta ópera é encenada em vários teatros até hoje).
• "On the Deserted Islands" (1901-1903, Abertura e Ato 1 escrito em três cenas)
• "Maddalena" (1911; 2ª edição 1913)
• The Gambler (após F. M. Dostoiévski, estreia na 2ª edição, em francês, 1929, Bruxelas)
• "Love for Three Oranges" (após K. Gozzi, 1921, Chicago; 1926, Leningrado)
• “Fiery Angel” (após V. Ya. Bryusov, fragmentos em concerto 1928, Paris; estreia mundial (em italiano) 1955, Veneza)
• "Semyon Kotko" (de acordo com V.P. Kataev, 1940, Moscou)
• “Noivado em um mosteiro”, outros nomes. Duenna (após R. Sheridan, 1946, Leningrado)
• "Guerra e Paz" (de acordo com L. N. Tolstoy), 1943; revisão final 1952; 1946, Leningrado; 1955, ibid.; 2012, Moscou)
• "The Tale of a Real Man" (de acordo com B.P. Polevoy, performance fechada em um ensaio de 1948, Leningrado; performance editada por M. Ermler e G. Rozhdestvensky 1960, Moscou; performance de concerto (com cortes) conduzida por V. Gergiev 2002, Rotterdam; estreia mundial versão completaóperas regidas por A. Lubchenko 2015, Vladivostok)

balés

• "O conto do bobo da corte que enganou sete bobos da corte" (1921, Paris)
• Trapézio (1925, Gotha), ao som do Quinteto para oboé, clarinete, violino, viola e contrabaixo g-moll, op. 39, com a adição de 2 partes adicionais
• "Steel lope" (1927, Paris)
• "O Filho Pródigo" (1929, ibid.)
• "On the Dnieper" (1932, Ópera de Paris),
• "Romeu e Julieta" (segundo W. Shakespeare; 1938, Brno, ao som da primeira e segunda suítes; estreia da versão completa - 1940, Leningrado)
• "Cinderela" (1945, Moscou)
• "O Conto da Flor de Pedra" (de acordo com P.P. Bazhov; 1954, Moscou)

Para coro e solistas com orquestra

• “Sete deles”, cantata. Subtítulo original de Prokofiev: "Feitiço caldeu para solista, coro e orquestra" (palavras de K. D. Balmont na alteração de Prokofiev, 1917-1918)
• Cantata para o 20º aniversário de outubro. Sobre os textos de K. Marx, V. I. Lenin e I. V. Stalin (1936-1937)
• "Alexander Nevsky", cantata (letra de Prokofiev e V. A. Lugovsky, 1939)
• "Toast", cantata para o 60º aniversário de Stalin (as palavras "folk", 1939)
• “Floresce, terra poderosa!”, cantata para coro e orquestra
• "A balada do menino que permaneceu desconhecido", cantata para coro, solistas e orquestra com letra de P. Antokolsky
• "Winter Bonfire", suite para orquestra e coro infantil(palavras de S. Ya. Marshak, 1949)
• "Canções dos Nossos Dias", cantata para solistas e orquestra
• “Em guarda do mundo”, oratório (palavras de S. Ya. Marshak, 1950)

para orquestra

• Sinfonia nº 1
• Sinfonia nº 2
• Sinfonia nº 3
• Sinfonia nº 4
• Sinfonia nº 5
• Sinfonia nº 6
• Sinfonia nº 7
• Ala e Lolly (suíte cita, 1915)
• "Peter and the Wolf" (subtítulo do autor: Conto Sinfônico para Crianças; 1936)
• Valsas Pushkin (1949)
• Três suítes ao som do balé "Romeu e Julieta" (1936, 1936, 1946)

música de filme

• "Tenente Kizhe" (1934)
• A Dama de Espadas (1936; o filme queimou no incêndio da Mosfilm)
• "Alexander Nevski" (1938)
• "Partidários nas estepes da Ucrânia" (1941)
• "Kotovsky" (1942)
• "Tonya" (da coleção "Our Girls", 1942)
• "Lermontov" (1943; junto com V. Pushkov)
• "Ivan, o Terrível" (1945)

Para instrumento com orquestra

• para piano e orquestra

Concerto para piano nº 1 Des-dur, op. 10 (1912) Concerto para piano nº 2 em g-moll, op. 16 (1913; 2ª edição, 1923) Concerto para piano nº 3 em Dó-dur, op. 26 (1921) Concerto para piano nº 4 em B-dur, op. 53 (1931; para a mão esquerda) Concerto para Piano No. 5 em Sol-dur, op. 55 (1932)

• para violino e orquestra

Concerto para violino nº 1 em Ré-dur, op. 19 (1917) Concerto para violino nº 2 em g-moll, op. 63 (1935)

• para violoncelo e orquestra

Concerto para violoncelo e orquestra, op. 58 (1938; 2ª ed. sob o título Sinfonia-Concerto para Violoncelo e Orquestra, op.125, 1952)

Para conjunto instrumental

• Abertura sobre Temas Judaicos em c-moll, op. 34 (1919)
• Quinteto para oboé, clarinete, violino, viola e contrabaixo g-moll, op. 39 (1924)
• Duas Sonatas para Violino e Piano (A segunda é um arranjo da Sonata para Flauta e Piano)
• Sonata para violino solo
• Sonata para dois violinos (1932)
• Sonata para violoncelo e piano
• sonata para flauta
• Dois quarteto de cordas

para piano

• Sonata nº 1 em fá menor - op. 1 (1907-1909)
• 4 estudos para piano - op. 2 (1909)
• 4 peças para piano - op. 3 (1907-1908)
• 4 peças para piano - op. 4 (1908)
• Tocata em ré menor - op. 11 (1912)
• 10 peças para piano - op. 12 (1906-1913)
• Sonata nº 2 em ré menor - op. 14 (1912)
• "Sarcasmos" - op. 17 (1912-1914; estreou em 1916)
• "Fugaz" - op. 22 (1915-1917)
• Sonata nº 3 em lá menor - op. 28 (1907-1917)
• Sonata nº 4 em dó menor - op. 29 (1908-1917)
• "Contos de uma velha avó" - op. 31 (1918)
• 4 peças para piano - op. 32 (1918)
• Sonata nº 5 em dó maior - op. 38 (1923)
• Divertimento - op. 43b (1938)
• 6 transcrições para piano - op. 52 (1930-1931)
• 2 sonatinas para piano - op. 54 (1931-1932)
• 3 peças para piano - op. 59 (1933-1934)
• "Música para Crianças" - op. 65 (1935)
• "Romeu e Julieta". 10 peças para piano - op. 75 (1937)
• Sonata nº 6 em lá maior - op. 82 (1939-1940)
• Sonata nº 7 em si bemol maior - op. 83 (1939-1942)
• Sonata nº 8 em si bemol maior - op. 84 (1939-1944)
• 3 peças para piano - op. 96 (1941-1942)
• "Cinderela" - 10 peças para piano - op. 97 (1943)
• "Cinderela" - 6 peças para piano - op. 102 (1944)
• Sonata nº 9 em dó maior - op. 103 (1947)

Também: romances, canções; música para apresentações teatrais e filmes.

Composições inacabadas

• Concerto nº 6 para dois pianos e orquestra
• Concertino para violoncelo e orquestra (1952, final concluído por M. Rostropovich, instrumentação executada por D. Kabalevsky)
• Ópera "Distant Seas" após V. A. Dykhovichny (a primeira pintura, escrita no verão de 1948, foi preservada; concerto: 2009, Moscou)
• Sonata para violoncelo solo, op. 133

Escritos literários

• Breve autobiografia. In: S. S. Prokofiev. Materiais, documentos, memórias. Comp., ed., nota. e introdução. artigos de S. I. Shlifshtein. 2ª ed. M., 1961
• Autobiografia. 2ª ed. M.: compositor soviético, 1982
  • Autobiografia. M.: Classics XXI, 2007 (2ª edição ampliada, com suplemento de áudio)
• Diário 1907-1933: em 3 volumes. Paris: sprkfv, 2002
• Histórias. Moscou: Compositor, 2003

Discografia

Um ciclo completo de todos os balés de Prokofiev foi registrado por G. N. Rozhdestvensky. O ciclo mais amplo das óperas de Prokofiev (6 óperas em 8) foi gravado sob a direção de V. A. Gergiev. Entre outros maestros que fizeram gravações significativas das óperas de Prokofiev estão D. Barenboim, G. Bertini, I. Kertes, E. Kolobov, A. N. Lazarev, A. Sh. Melik-Pashaev, K. Nagano, A. Rodzinsky, G N. Rozhdestvensky , M. L. Rostropovich, T. Sokhiev, B. Haitink, R. Hickox, M. F. Ermler, V. M. Yurovsky, N. Yarvi.

Um ciclo completo das sinfonias de Prokofiev foi gravado por V. Weller, V. A. Gergiev, D. Kitaenko, Z. Koshler, T. Kuchar, J. Martinon, S. Ozawa, G. N. Rozhdestvensky, M. L. Rostropovich, N. Yarvi .

Entre outros maestros que fizeram gravações significativas das sinfonias de Prokofiev estão N. P. Anosov, E. Ansermet, C. Ancherl (No. 1), V. D. Ashkenazy, L. Bernstein, A. Dorati (No. 5), K. K Ivanov, G. von Karajan, R. Kempe (No. 7), K. P. Kondrashin (No. 1, 3, 5), S. Koussevitzky (No. 1, 5), E. Leinsdorf (No. 2, 3, 5) , 6) , D. Mitropoulos, E. A. Mravinsky (No. 5, 6), D. F. Oistrakh (No. 5), Y. Ormandi, S. A. Samosud, E. F. Svetlanov, K. Tenstedt.

Gravações significativas das obras para piano de Prokofiev foram feitas pelos pianistas Svyatoslav Richter (sonatas, concertos), Vladimir Ashkenazy (todos os concertos com a orquestra dirigida por Andre Previn), John Browning (todos os concertos, maestro - Erich Leinsdorf), Vladimir Krainev (todos os concertos, maestro - Dmitry Kitayenko ), Victoria Postnikova (todos os concertos, maestro - Gennady Rozhdestvensky), Nikolai Petrov (sonatas), Alexander Toradze (todos os concertos com Valery Gergiev).

Em 2016, em comemoração ao 125º aniversário do nascimento de S. S. Prokofiev, a companhia Melodiya lançou um conjunto jubilar de gravações de sete balés do compositor regidos por G. N. Rozhdestvensky e uma rara gravação de 1938 da performance da Segunda Suíte do balé Romeu e Julieta, op. 64 ter sob o controle de S. S. Prokofiev.

Títulos, prêmios e prêmios

• Seis prêmios Stalin:
  • 1943 - II grau para a 7ª sonata
  • 1946 - Grau-me para a 5ª sinfonia e 8ª sonata
  • 1946 - Me formei em música para a 1ª série do filme "Ivan o Terrível"
  • 1946 - Me formei para o balé "Cinderela"
  • 1947 - Graduo-me em sonata para violino e piano
  • 1951 - II grau para a suíte vocal e sinfônica "Winter Bonfire" e o oratório "On Guard of the World" para os versos de S. Ya. Marshak
• 1933 - Professor Honorário do Conservatório Estadual de Moscou em homenagem a P. I. Tchaikovsky
• 1943 - Ordem da Bandeira Vermelha do Trabalho
• 1944 - Medalha de Ouro da Royal Philharmonic Society
• 1947 - Artista do Povo da RSFSR Consultado em 3 de junho de 2017.
• 1947 - Membro da Academia Real Sueca de Música
• 1957 - Prêmio Lenin concedido postumamente para a 7ª Sinfonia

Perpetuação da memória do compositor

Moeda do Jubileu da URSS, dedicada a S. S. Prokofiev, 1991, 1 rublo

Selo postal da URSS, dedicado a S. S. Prokofiev, 1991, 15 copeques (TsFA 6314, Scott 5993)

• O Museu de S. S. Prokofiev é o primeiro museu do compositor, inaugurado em 1966 na escola de música nº 1 em homenagem a S. S. Prokofiev em Moscou (Tokmakov lane, 8). A exposição fala sobre a vida e obra do compositor, apresenta as coisas que cercaram o compositor, livros e notas, pianos, móveis e fotografias da família Prokofiev.
• região de Severodonetsk escola de musica nomeado após S. S. Prokofiev - inaugurado em 1º de junho de 1966 em Severodonetsk, região de Luhansk.
• Colégio Regional de Música de Moscou em homenagem a S. S. Prokofiev em Pushkino.
• O Museu de S. S. Prokofiev - foi inaugurado em 24 de junho de 2008 em Moscou em Kamergersky Lane, 6/5 no apartamento nº 6. Está gravado na placa memorial: “Nesta casa em 1947-1953 o notável compositor soviético Sergei Sergeevich Prokofiev viveu e trabalhou ". O museu contém autógrafos musicais e literários do compositor, fotografias raras, documentos e pertences pessoais de Prokofiev.
• Em 11 de dezembro de 2016, um monumento a Prokofiev foi inaugurado em Kamergersky Lane, programado para coincidir com o 125º aniversário do nascimento do compositor.
• O Concurso Internacional Sergei Sergeevich Prokofiev em São Petersburgo, realizado anualmente em três especialidades: composição, regência sinfônica e piano.
• Monumento a Prokofiev perto da Escola de Música Prokofiev em Moscou (1991, escultor - V. Kh. Dumanyan, arquiteto - A. V. Stepanov).
• Monumento e Teatro nomeado após Prokofiev em Chelyabinsk.
• Sala de concertos com o nome de S. S. Prokofiev da Filarmônica de Donetsk.
• Donetsk State Music Academy nomeado após S. S. Prokofiev.
• Orquestra Sinfônica com o nome de S. S. Prokofiev da Filarmônica de Donetsk.
• Escola de arte infantil nº 1 com o nome de S. Prokofiev em Vladivostok
• infantil escola de musica Nº 10 em homenagem a S. S. Prokofiev em Azov.
• Rua Prokofiev em Sumy na Ucrânia.
• O Museu Prokofiev na terra natal do compositor na aldeia de Sontsovka (da década de 1920 até 2016 - Krasnoe) do distrito de Pokrovsky da região de Donetsk na Ucrânia foi inaugurado para o 100º aniversário de Prokofiev em 1991.
• Em 1991, foi emitida uma moeda comemorativa da URSS, dedicada ao centenário do nascimento de S. S. Prokofiev.
• Em 2012, o Aeroporto Internacional Sergei Prokofiev foi inaugurado na cidade de Donetsk, na Ucrânia.
• O Airbus A319 (VP-BWA) da Aeroflot é nomeado "S. Prokofiev.
• Em 6 de agosto de 2012, uma cratera em Mercúrio recebeu o nome de Prokofiev.

Documentários sobre Prokofiev

• "Compositor Prokofiev" - um documentário educacional para a 7ª série. Dirigido por Popova, roteiro de Rappoport, duração 26:36. Moscou, "Shkolfilm", URSS, 1975. O filme é baseado no filme "Compositor Sergei Prokofiev" produzido pelo estúdio Tsentrnauchfilm em 1960. Caso raro de demonstração documentários com duração de cerca de dois minutos e meio, filmado no verão de 1946 na dacha do compositor em Nikolina Gora: Prokofiev ao piano, depois fala sobre planos criativos. Em outros documentários, apenas breves trechos deste fragmento.
• Serguei Prokofiev. Suite of Life” é um documentário em duas partes. Encenador Viktor Okuntsov, roteiro: V. Okuntsov, E. Fradkina; produção "Lentelefilm", TPO "Soyuztelefilm", URSS, 1991:
  • Versão completa do filme Sergei Prokofiev. Suíte da vida. Opus 1 no YouTube - Nina Dorliak, Anatoly Vedernikov e Natalya Sats estão envolvidos na primeira parte do filme. Duração: 1:08:10.
  • Versão completa do filme Sergei Prokofiev. Suíte da vida. Opus 2 no YouTube - a segunda parte do filme com duração de 01:06:20 estrelou: Evgeny Svetlanov, Valery Gergiev, Boris Pokrovsky, Daniil Zhitomirsky, Anatoly Vedernikov, Nina Dorliak, Svyatoslav Richter, Natalya Sats.
• Gênios. Serguei Prokofiev. A Fundação Andrey Konchalovsky encomendada pela Kultura State Television and Radio Broadcasting Company. Canal estatal da Internet "Rússia". Recuperado 30 de novembro de 2016. - o primeiro documentário da série "Geniuses", Rússia, 2003. O autor da ideia é Andrey Konchalovsky, diretor Galina Ogurnaya, consultor Noel Mann. O filme é estrelado por Tikhon Khrennikov, Mstislav Rostropovich, filho do compositor Svyatoslav Prokofiev, musicólogos Viktor Varunts, Vladimir Zak, Marina Rakhmanova, diretor Boris Pokrovsky.

› Sergei Sergeevich Prokofiev

foto 1918
SS Prokofiev

Sergei Sergeevich Prokofiev nasceu em 23 de abril de 1891 na vila de Sontsovka, província de Yekaterinoslav (atual vila de Sontsovka na região de Donetsk, na Ucrânia). Pai - Sergei Alekseevich Prokofiev (1846-1910) - de uma família de comerciantes, na época do nascimento de seu filho era o administrador da propriedade de Dmitry Sontsov. Mãe - Maria Grigorievna Prokofieva (Zhitkova, 1855-1924).
Desde a infância, a mãe do futuro compositor incutiu nele o amor pela música. Ela se tornou a primeira professor de música Serguei Serguêevich. Compôs sua primeira música - uma peça para piano - aos cinco anos, cujas notas foram gravadas por Maria Grigoryevna. Prokofiev gravou ele mesmo todas as suas composições subsequentes. Sua mãe também lhe ensinou francês e alemão, e seu pai lhe ensinou matemática. Uma visita à ópera em 1900 o impressionou muito. Depois disso, Sergei Sergeevich decide escrever sua própria ópera e seis meses depois termina a ópera O Gigante. Em 1902, executou trechos de suas obras para Sergei Taneyev e, graças a seu pedido, Reinhold Gliere continuou a estudar Prokofiev.
Em 1904 ingressou no Conservatório de São Petersburgo. Um de seus professores na época era Nikolai Rimsky-Korsakov. Pela primeira vez, ele atua publicamente como compositor e intérprete no círculo de São Petersburgo "Noites de Música Moderna" em 31 de dezembro (18 de acordo com o estilo antigo) de dezembro de 1908. Em 1909 formou-se no conservatório como compositor, mas continuou seus estudos no conservatório em piano (se formou em 1914) e órgão (estudou até 1917). Após apresentações em São Petersburgo e Moscou, sua fama está crescendo. Em 1911 o primeiro edição impressa obras de Prokofiev. Em 1914, pela execução de seu Primeiro Concerto para Piano, recebeu uma medalha de ouro e um prêmio honorário com o nome de A.G. Rubinstein. Prokofiev era o único filho da família, pelo que não foi recrutado durante a Primeira Guerra Mundial (1914-1918), o que lhe permitiu continuar os seus estudos musicais. Em 1915 se apresentou pela primeira vez no exterior, na Itália.
No final de 1917, ele decide deixar a Rússia e, em maio de 1918, parte para o Japão. Em Tóquio, deu dois shows, que não tiveram sucesso. Em agosto de 1918, tendo recebido um visto americano, ele deixou o Japão. Em 1919, casa-se com a cantora espanhola Carolina Codina, que mudou seu nome para Lina Ivanovna após se mudar para a URSS. Desde a segunda metade dos anos 20, tem se apresentado muito na América e na Europa como pianista e regente, principalmente com obras de sua autoria. Em 1924 e em 1928, Sergei e Karolina tiveram dois filhos - Svyatoslav (1924-2010) e Oleg (1928-1998). Na segunda metade dos anos trinta, ele decide se mudar para a URSS com sua família.
Em 1936, Prokofiev mudou-se para Moscou com sua esposa e filhos. De 1936 a 1939, ele viajou duas vezes ao exterior com shows. Durante a Segunda Guerra Mundial, ele continuou a trabalhar em suas obras. A obra mais significativa do compositor neste período é a ópera "Guerra e Paz". Em 1941, Prokofiev deixou a família e se juntou a Mira Aleksandrovna Mendelssohn, com quem assinou em 1948. Em 1948, foi emitida uma resolução com duras críticas a vários compositores e a Prokofiev. Como resultado, é emitida uma ordem secreta que proíbe a execução de algumas das obras de Prokofiev. Todas as suas obras também são frequentemente criticadas. A situação muda em 1949, depois que Stalin cancelou a ordem secreta. Desde 1949, passa a maior parte do tempo na dacha, continuando a trabalhar.
Sergey Sergeevich Prokofiev morreu em 5 de março de 1953 em Moscou de um ataque cardíaco. Ele foi enterrado em Moscou no Cemitério Novodevichy.

Publicações da seção de música

7 obras de Prokofiev

Sergey Prokofiev é um compositor, pianista e maestro, autor de óperas, balés, sinfonias e muitas outras obras, conhecidas e populares em todo o mundo e em nosso tempo. Leia histórias sobre sete obras importantes de Prokofiev e ouça as ilustrações musicais de Melodiya.

Ópera "O Gigante" (1900)

As habilidades musicais do futuro clássico da música russa, Sergei Prokofiev, manifestaram-se na primeira infância, quando aos cinco anos e meio compôs sua primeira peça para piano - Indian Gallop. A mãe do jovem compositor Maria Grigorievna gravou em notas, e Prokofiev gravou todas as suas composições subsequentes por conta própria.

Na primavera de 1900, inspirado pelo balé A Bela Adormecida de Pyotr Tchaikovsky, bem como pelas óperas Fausto de Charles Gounod e Príncipe Igor de Alexander Borodin, Prokofiev, de 9 anos, compôs sua primeira ópera, O Gigante.

Apesar de, como o próprio Prokofiev lembrou, sua “capacidade de escrever” “não acompanhar seus pensamentos”, nessa ingênua composição infantil do gênero commedia dell'arte, a abordagem séria do futuro profissional ao seu trabalho foi já visível. A ópera tinha, como deveria ser, uma abertura, cada um dos personagens da composição tinha sua própria ária de saída - uma espécie de retrato musical. Em uma das cenas, Prokofiev chegou a usar polifonia musical e cênica - quando os personagens principais discutem um plano para lutar contra o Gigante, o próprio Gigante passa e canta: "Eles querem me matar".

Ouvindo trechos de O Gigante, o famoso compositor e professor do conservatório Sergei Taneyev recomendou que o jovem levasse a sério a música. E o próprio Prokofiev incluiu orgulhosamente a ópera na primeira lista de suas composições, que compilou aos 11 anos.

Ópera "Gigante"
Maestro - Mikhail Leontiev
O autor da restauração da versão orquestral é Sergey Sapozhnikov
Estreia no Teatro Mikhailovsky em 23 de maio de 2010

Primeiro Concerto para Piano (1911–1912)

Como muitos jovens autores, no período inicial de sua obra, Sergei Prokofiev não encontrou o amor e o apoio da crítica. Em 1916, os jornais escreveram: “Prokofiev senta-se ao piano e começa a limpar as teclas ou a tentar qual delas soa mais alta ou mais baixa”. E sobre a primeira apresentação da Suíte Cita de Prokofiev, regida pelo próprio autor, os críticos falaram o seguinte: “É simplesmente inacreditável que tal peça desprovida de qualquer sentido possa ser tocada em um concerto sério ... Esses são alguns sons atrevidos e atrevidos que expressam nada além de ostentação sem fim”.

No entanto, ninguém duvidou do talento performático de Prokofiev: naquela época ele havia conseguido se estabelecer como um pianista virtuoso. Prokofiev executou, no entanto, principalmente suas próprias composições, entre as quais os ouvintes se lembraram especialmente do Primeiro Concerto para Piano e Orquestra, que, graças ao enérgico caráter “percussivo” e ao motivo brilhante e memorável do primeiro movimento, recebeu o apelido não oficial “ Na Caveira!”.

Concerto para piano nº 1 em Ré bemol maior, Op. 10 (1911–1912)
Vladimir Krainev, piano
Orquestra Sinfônica Acadêmica MGF
Maestro - Dmitry Kitayenko
gravação de 1976
Engenheiro de som - Severin Pazukhin

1ª Sinfonia (1916–1917)

Igor Grabar. Retrato de Sergei Prokofiev. 1941. Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

Zinaida Serebryakova. Retrato de Sergei Prokofiev. 1926. Museu Central do Estado arte teatral eles. Bakhrushina, Moscou

Desafiando os críticos conservadores, desejando, como ele mesmo escreveu, “provocar os gansos”, no mesmo 1916, Prokofiev, de 25 anos, escreveu uma obra de estilo completamente oposto - a Primeira Sinfonia. Ela Prokofiev deu o subtítulo do autor "Clássico".

A composição modesta da orquestra de estilo Haydn e das formas musicais clássicas sugeriam que, se “Papa Haydn” tivesse vivido para ver aqueles dias, ele poderia muito bem ter escrito tal sinfonia, temperando-a com ousadas curvas melódicas e novas harmonias. Criada há cem anos "para despeito de todos", a Primeira Sinfonia de Prokofiev ainda soa fresca e está incluída no repertório das melhores orquestras do mundo, e Gavotte, seu terceiro movimento, tornou-se uma das peças clássicas mais populares do século XX.

O próprio Prokofiev posteriormente incluiu esta gavota como um número de inserção em seu balé Romeu e Julieta. O compositor também tinha uma esperança secreta (ele mesmo admitiu isso mais tarde) de que acabaria saindo vitorioso do confronto com a crítica, principalmente se com o tempo a Primeira Sinfonia realmente se tornasse um clássico. O que, de fato, aconteceu.

Sinfonia nº 1 "Clássica", em ré maior, Op. 25

Maestro - Evgeny Svetlanov
gravação de 1977

I. Allegro

III. Gavota. Non troppo allegro

Conto de fadas "Pedro e o Lobo" (1936)

Até o fim de seus dias, Prokofiev manteve o imediatismo de sua visão de mundo. Sendo um tanto infantil no coração, ele tinha um bom senso do infantil mundo interior e repetidamente escreveu música para crianças: do conto de fadas "O Patinho Feio" (1914) ao texto do conto de fadas de Hans Christian Andersen à suíte "The Winter Fire" (1949), composta já nos últimos anos de sua vida.

A primeira composição de Prokofiev após retornar à Rússia em 1936 de uma longa emigração foi o conto de fadas sinfônico para crianças "Pedro e o Lobo", encomendado por Natalia Sats para o Central Children's Theatre. Os jovens ouvintes se apaixonaram pelo conto de fadas e se lembraram dele graças aos brilhantes retratos musicais dos personagens, que ainda são familiares a muitos alunos não só na Rússia, mas também no exterior. Para as crianças, "Pedro e o Lobo" cumpre uma função educativa: o conto de fadas é uma espécie de guia para os instrumentos de uma orquestra sinfônica. Com esta obra, Prokofiev antecipou um guia para a orquestra sinfônica para jovens escrito quase dez anos depois e semelhante em conceito (Variações e Fuga sobre um Tema de Purcell) compositor inglês Benjamim Britten.

"Pedro e o Lobo", conto de fadas sinfônico para crianças, Op. 67
Orquestra Sinfônica Acadêmica do Estado da URSS
Maestro - Evgeny Svetlanov
gravação de 1970

Balé Romeu e Julieta (1935–1936)

Na reconhecida obra-prima do século XX, muitos números dos quais lideram as paradas internacionais música clássica, - O balé "Romeu e Julieta" de Sergei Prokofiev - teve um destino difícil. Duas semanas antes da estreia programada, a assembléia geral da equipe criativa do Teatro Kirov decidiu cancelar a apresentação para evitar, como todos acreditavam, um fracasso total. É possível que tais humores nos artistas tenham sido parcialmente inspirados pelo artigo “Confusão em vez de música”, publicado no jornal Pravda em janeiro de 1936, que criticava duramente a música teatral de Dmitri Shostakovich. Tanto a comunidade teatral quanto o próprio Prokofiev interpretaram o artigo como um ataque à arte contemporânea em geral e decidiram, como dizem, não pedir encrenca. Naquela época, uma piada cruel se espalhou até no ambiente teatral: “Não há história mais triste no mundo do que a música de Prokofiev no balé!”

Como resultado, Romeu e Julieta só estreou dois anos depois em Teatro nacional Cidade de Brno na Tchecoslováquia. E o público doméstico viu a produção apenas em 1940, quando o balé ainda foi encenado no Teatro Kirov. E apesar de mais uma luta do governo com o chamado "formalismo", o balé "Romeu e Julieta" de Sergei Prokofiev recebeu até o Prêmio Stalin.

Romeu e Julieta, balé em quatro atos (9 cenas), Op. 64
Orquestra Sinfônica do Teatro Bolshoi Acadêmico Estatal da URSS
Maestro - Gennady Rozhdestvensky
Gravado em 1959
Engenheiro de som - Alexander Grossman

Ato I. Cena um. 3. A rua acorda

Ato I. Cena dois. 13. Dança dos Cavaleiros

Ato I. Cena dois. 15. Mercúrio

Cantata para o 20º aniversário de outubro (1936-1937)

Em 1936, Sergei Prokofiev, um emigrante da primeira vaga pós-revolucionária, um compositor e pianista maduro, bem-sucedido e requisitado, regressou a Rússia soviética. Ele ficou muito impressionado com as mudanças no país, que havia se tornado completamente diferente. O jogo de acordo com as novas regras exigiu alguns ajustes na criatividade. E Prokofiev criou uma série de obras, à primeira vista, francamente de natureza "corte": Cantata para o 20º aniversário de outubro (1937), escrita sobre os textos dos clássicos do marxismo-leninismo, a cantata "Toast", composta para o 60º aniversário de Stalin (1939), e a cantata "Florescer, Terra Poderosa", dedicada já ao 30º aniversário da Revolução de Outubro (1947). É verdade, dado o peculiar senso de humor de Prokofiev, que de vez em quando se manifestava em sua linguagem musical, até agora críticos musicais não pode dar uma resposta inequívoca à questão de saber se o compositor escreveu essas obras com sinceridade e seriedade ou com certa ironia. Por exemplo, em uma das partes da cantata “No 20º aniversário de outubro”, que se chama “A crise está madura”, os sopranos cantam (ou melhor, guincham) no registro mais alto “A crise está madura!” , descendo em semitons. Esse som de um tópico tenso parece cômico - e essas soluções ambíguas são encontradas nas obras "pró-soviéticas" de Prokofiev a cada passo.

Cantata do 20º Aniversário de Outubro a Dois coros mistos, orquestras sinfônicas e militares, orquestra de acordeões e instrumentos sonoros, Op. 74 (versão abreviada)

Estado capela do coro
Diretor Artístico - Alexander Yurlov
Orquestra Sinfônica da Filarmônica de Moscou
Maestro - Kirill Kondrashin
gravação de 1967
Engenheiro de som - David Gaklin

Textos de Karl Marx e Vladimir Lenin:

Introdução. Um fantasma assombra a Europa, o fantasma do comunismo

filósofos

Revolução

Música para o filme "Alexander Nevsky" (1938)

Os compositores da primeira metade do século 20 tiveram que fazer muito pela primeira vez, e as amostras de novas artes que eles criaram agora são consideradas livros didáticos. Isso também se aplica totalmente à música de filme. Apenas sete anos após o aparecimento do primeiro filme sonoro soviético (Putevka v zhizn', 1931), Sergei Prokofiev juntou-se às fileiras dos cineastas. Entre suas obras no gênero da música cinematográfica destaca-se uma partitura sinfônica em grande escala escrita para o filme "Alexander Nevsky" (1938) de Sergei Eisenstein, posteriormente revisada em uma cantata com o mesmo título (1939). Muitas das imagens estabelecidas por Prokofiev nesta música (a cena triste do “campo morto”, o ataque dos cruzados, sem alma e mecânico no som, o alegre contra-ataque da cavalaria russa), ainda são um guia estilístico para filmes compositores de todo o mundo até hoje.

Alexander Nevsky, cantata para mezzo-soprano, coro e orquestra (com letra de Vladimir Lugovsky e Sergei Prokofiev), Op. 78

Larisa Avdeeva, mezzo-soprano (Campo dos Mortos)
Coro Acadêmico do Estado da Rússia nomeado após A. A. Yurlov
Maestro do Coro - Alexander Yurlov
Orquestra Sinfônica Acadêmica do Estado da URSS
Maestro - Evgeny Svetlanov
gravação de 1966
Engenheiro de som - Alexander Grossman

Canção sobre Alexander Nevsky

batalha no gelo

campo dos mortos

A principal vantagem (ou, se preferirem, desvantagem) da minha vida sempre foi a busca por uma linguagem musical própria e original. Odeio imitação, odeio clichês...

Você pode ficar o tempo que quiser no exterior, mas certamente deve retornar à sua terra natal de vez em quando para o verdadeiro espírito russo.
S. Prokofiev

Os anos de infância do futuro compositor passaram em uma família musical. Sua mãe era uma boa pianista, e o menino, adormecendo, muitas vezes ouvia os sons das sonatas de L. Beethoven vindos de longe, a vários quartos de distância. Quando Seryozha tinha 5 anos, compôs sua primeira peça para piano. Em 1902, S. Taneyev conheceu as experiências de composição de seus filhos e, a seu conselho, começaram as aulas de composição com R. Gliere. Em 1904-14 Prokofiev estudou no Conservatório de São Petersburgo com N. Rimsky-Korsakov (instrumentação), J. Vitols ( forma musical), A. Lyadov (composição), A. Esipova (piano).

No exame final, Prokofiev executou brilhantemente seu Primeiro Concerto, pelo qual recebeu o Prêmio. A. Rubinstein. O jovem compositor absorve avidamente as novas tendências da música e logo encontra seu próprio caminho como músico inovador. Falando como pianista, Prokofiev frequentemente incluía suas próprias obras em seus programas, o que causava forte reação do público.

Em 1918, Prokofiev partiu para os EUA, iniciando uma série de viagens a países estrangeiros - França, Alemanha, Inglaterra, Itália, Espanha. Em um esforço para conquistar o público mundial, ele dá muitos concertos, escreve grandes obras - as óperas O Amor pelas Três Laranjas (1919), O Anjo de Fogo (1927); balés "Steel lope" (1925, inspirado nos eventos revolucionários na Rússia), "Prodigal Son" (1928), "On the Dnieper" (1930); música instrumental.

No início de 1927 e no final de 1929, Prokofiev se apresentou com grande sucesso na União Soviética. Em 1927, seus concertos são realizados em Moscou, Leningrado, Kharkov, Kiev e Odessa. “A recepção que Moscou me deu foi fora do comum. ... A recepção em Leningrado acabou sendo ainda mais quente do que em Moscou”, escreveu o compositor em sua Autobiografia. No final de 1932, Prokofiev decide retornar à sua terra natal.

Desde meados dos anos 30. A criatividade de Prokofiev atinge seu auge. Ele cria uma de suas obras-primas - o balé Romeu e Julieta de W. Shakespeare (1936); a ópera lírico-cômica Betrothal in a Monastery (The Duenna, segundo R. Sheridan - 1940); cantatas Alexander Nevsky (1939) e Toast (1939); um conto de fadas sinfônico para seu próprio texto "Pedro e o Lobo" com personagens-instrumentos (1936); Sexta Sonata para Piano (1940); ciclo de peças para piano "Música Infantil" (1935). Nos anos 30-40. A música de Prokofiev é executada pelos melhores músicos soviéticos: N. Golovanov, E. Gilels, B. Sofronitsky, S. Richter, D. Oistrakh. A maior conquista da coreografia soviética foi a imagem de Julieta, criada por G. Ulanova. No verão de 1941, em uma dacha perto de Moscou, Prokofiev estava pintando encomendado pelo Teatro de Ópera e Balé de Leningrado. Conto de balé S. M. Kirov "Cinderela". A notícia da eclosão da guerra com a Alemanha fascista e os trágicos eventos subsequentes causaram um novo surto criativo no compositor. Ele criou uma grandiosa ópera épica heróico-patriótica "Guerra e Paz" baseada no romance de L. Tolstoi (1943), com o diretor S. Eisenstein trabalhando no filme histórico "Ivan, o Terrível" (1942). Imagens perturbadoras, reflexos de acontecimentos militares e, ao mesmo tempo, vontade e energia indomáveis ​​são características da música da Sétima Sonata para Piano (1942). A confiança majestosa é capturada na Quinta Sinfonia (1944), na qual o compositor, em suas palavras, queria "cantar sobre um homem livre e feliz, sua força poderosa, sua nobreza, sua pureza espiritual".

No pós-guerra, apesar de uma doença grave, Prokofiev criou muitas obras significativas: a Sexta (1947) e a Sétima (1952) sinfonias, a Nona Sonata para Piano (1947), uma nova edição da ópera Guerra e Paz (1952) , a Sonata para violoncelo (1949) e o Concerto Sinfônico para violoncelo e orquestra (1952). Final dos anos 40-início dos anos 50. foram ofuscados por campanhas barulhentas contra a direção "formalista antinacional" da arte soviética, a perseguição de muitos de seus melhores representantes. Prokofiev acabou sendo um dos principais formalistas da música. A difamação pública de sua música em 1948 piorou ainda mais a saúde do compositor.

Prokofiev passou os últimos anos de sua vida em uma dacha na aldeia de Nikolina Gora entre a natureza russa que amava, continuou a compor continuamente, violando as proibições dos médicos. As difíceis circunstâncias da vida também afetaram a criatividade. Junto com obras-primas genuínas, entre as obras dos últimos anos estão obras de “concepção simplista” - a abertura “Encontro do Volga com o Don” (1951), o oratório “On Guard of the World” (1950), o suíte “Winter Bonfire” (1950), algumas páginas do balé “Conto sobre uma flor de pedra” (1950), Sétima Sinfonia. Prokofiev morreu no mesmo dia que Stalin, e despediu-se do grande compositor russo em último caminho foram ofuscados pela emoção popular em relação ao funeral do grande líder dos povos.

O estilo de Prokofiev, cuja obra abrange 4 décadas e meia do turbulento século XX, sofreu uma evolução muito grande. Prokofiev abriu caminho para a nova música do nosso século, junto com outros inovadores do início do século - C. Debussy. B. Bartok, A. Scriabin, I. Stravinsky, compositores da escola Novovensk. Ele entrou na arte como um ousado subversor dos cânones dilapidados da arte romântica tardia com sua requintada sofisticação. De forma peculiar desenvolvendo as tradições de M. Mussorgsky, A. Borodin, Prokofiev trouxe para a música energia desenfreada, investida, dinamismo, frescor das forças primordiais, percebidas como “barbárie” (“ Delírio” e Toccata para piano, “ Sarcasmos”; sinfônica "Suíte Cita" do balé "Ala e Lolly"; Primeiro e Segundo Concertos para Piano). A música de Prokofiev ecoa as inovações de outros músicos, poetas, pintores e trabalhadores do teatro russos. “Sergey Sergeevich toca nos nervos mais delicados de Vladimir Vladimirovich”, disse V. Mayakovsky sobre uma das apresentações de Prokofiev. A figuração mordaz e suculenta da aldeia russa através do prisma da estética requintada é característica do balé "O conto do bobo da corte que enganou os sete bobos da corte" (baseado nos contos de fadas da coleção de A. Afanasiev). Lirismo relativamente raro na época; em Prokofiev, ele é desprovido de sensualidade e sensibilidade - ele é tímido, gentil, delicado ("Fleeting", "Tales of the Old Grandmother" para piano).

Brilho, variegação, expressão aumentada são típicos do estilo dos quinze anos estrangeiros. Esta é a ópera “Love for Three Oranges”, espirrando alegria, entusiasmo, baseada no conto de fadas de K. Gozzi (“uma taça de champanhe”, segundo A. Lunacharsky); o esplêndido Concerto Terceiro com a sua vigorosa pressão motora, desencadeada pela maravilhosa melodia de flauta do início da 1ª parte, o lirismo penetrante de uma das variações da 2ª parte (1917-21); a tensão de fortes emoções em "The Fiery Angel" (baseado no romance de V. Bryusov); o poder heróico e alcance da Segunda Sinfonia (1924); urbanismo "cubista" de "Steel lope"; introspecção lírica "Pensamentos" (1934) e "Coisas em si mesmas" (1928) para piano. Período de estilo 30-40s. marcada pela sábia autocontenção inerente à maturidade, aliada à profundidade e solo nacional dos conceitos artísticos. O compositor busca ideias e temas universais, generalizando imagens da história, brilhantes, realisticamente concretas personagens musicais. Essa linha de criatividade foi especialmente aprofundada nos anos 40. em conexão com as severas provações que caíram no lote povo soviético durante os anos de guerra. A divulgação dos valores do espírito humano, as profundas generalizações artísticas tornam-se a principal aspiração de Prokofiev: “Tenho a convicção de que o compositor, como o poeta, escultor, pintor, é chamado a servir o homem e o povo. Deve cantar a vida humana e levar uma pessoa a um futuro melhor. Tal, a meu ver, é o código inabalável da arte.

Prokofiev deixou uma enorme herança criativa - 8 óperas; 7 balés; 7 sinfonias; 9 sonatas para piano; 5 concertos para piano (dos quais a Quarta é para a mão esquerda); 2 violinos, 2 concertos para violoncelo (Segundo - Concerto Sinfônico); 6 cantatas; oratório; 2 suítes vocais e sinfônicas; muitas peças para piano; peças para orquestra (incluindo Abertura Russa, Canção Sinfônica, Ode ao Fim da Guerra, 2 Valsas Pushkin); obras de câmara (Abertura sobre temas judaicos para clarinete, piano e quarteto de cordas; Quinteto para oboé, clarinete, violino, viola e contrabaixo; 2 quartetos de cordas; 2 sonatas para violino e piano; Sonata para violoncelo e piano; várias composições vocais para as palavras A. Akhmatova, K. Balmont, A. Pushkin, N. Agnivtsev e outros).

Criatividade Prokofiev recebeu reconhecimento mundial. O valor duradouro de sua música reside em sua generosidade e bondade, em seu compromisso com ideias humanísticas elevadas, na riqueza da expressão artística de suas obras.

Y. Kholopov

obras de arte

Em 1918, Sergei Sergeevich Prokofiev conseguiu um álbum no qual todos os seus amigos deveriam deixar notas sobre o mesmo assunto: “O que você acha do sol?” O compositor não o escolheu por acaso, porque o sol é a fonte da vida, e ele próprio sempre foi, em todas as suas obras, o cantor da vida.

Sobre o que Prokofiev era um compositor, sabemos por suas obras, mas sobre que tipo de pessoa ele era, o que amava, o que aspirava, podemos aprender melhor com sua Autobiografia.

“A propensão para gravar foi característica de mim desde a infância e foi incentivada por meus pais", relata Sergei Prokofiev nas primeiras páginas da Autobiografia. "Aos seis anos, eu já escrevia música. Aos sete anos, tendo aprendido a jogar xadrez, abriu um caderno e começou a anotar as partidas; o primeiro deles é o mate de "pastor" que recebi em três jogadas. Aos nove anos, as histórias de soldadinhos de chumbo de combate foram escritas, levando em consideração perdas e diagramas de movimentos. Aos doze anos, vi meu professor de música escrevendo um diário. Parecia absolutamente maravilhoso, e comecei a conduzir o meu próprio, sob um terrível segredo de todos.

Prokofiev nasceu e passou a infância na propriedade de Sontsovka (na atual região de Donetsk), onde seu pai, um erudito agrônomo, era gerente. Já um homem maduro, Prokofiev relembrou com prazer a liberdade da estepe de Sontsovo, brincadeiras no jardim com amigos - crianças da aldeia, o início das aulas de música sob a orientação de sua mãe, Maria Grigorievna.

Ainda sem saber as notas, segundo boatos, o menino tentou tocar algo de sua autoria no piano. E aprendeu as notas, principalmente para gravar esse “seu”. E aos nove anos, após uma viagem a Moscou e impressionado com a primeira ópera que ouviu (foi o Fausto de Gounod), Seryozha decidiu compor sua própria ópera, cujo enredo ele também inventou. Foi a ópera "O Gigante" em três atos com aventuras, lutas e muito mais.

Os pais de Prokofiev eram pessoas educadas e eles próprios assumiram a educação primária do menino em todas as disciplinas escolares. Mas eles, é claro, não podiam ensinar as regras de composição musical. Portanto, levando o filho em uma de suas habituais viagens de inverno a Moscou, Maria Grigorievna o levou ao conhecido compositor e professor Sergei Ivanovich Taneyev, que o aconselhou a convidar o jovem compositor Reinhold Moritsevich Gliere a Sontsovka para aulas com Serezha no verão .

Gliere passou dois verões consecutivos em Sontsovka, pairando com Seryozha e também jogando xadrez e croquet com ele - não mais no papel de professor, mas de um camarada mais velho. E quando, no outono de 1904, Sergei Prokofiev, de treze anos, veio a São Petersburgo para fazer um exame no conservatório, trouxe consigo uma bagagem extraordinariamente sólida de composições. Em uma pasta grossa havia duas óperas, uma sonata, uma sinfonia e muitas pequenas peças para piano - "Canções" - escritas sob a direção de Gliere. Algumas "músicas" eram tão originais e nítidas no som que um dos amigos de Serezha aconselhou chamá-las não de "músicas", mas de "cachorros", porque "mordem".

Anos de estudo no conservatório

No conservatório, Serezha era a mais nova entre as colegas. E, claro, era difícil para ele fazer amizade com eles, até porque, por travessura, às vezes contava o número de erros nas tarefas musicais de cada um dos alunos, deduzia a média de um determinado período - e os resultados para muitos foram decepcionantes...

Mas aí apareceu outro aluno no conservatório, com uniforme de tenente de batalhão de sapadores, sempre muito contido, rígido, esperto. Foi Nikolai Yakovlevich Myaskovsky, um conhecido compositor no futuro, que nos tempos soviéticos se tornou o chefe da escola de compositores de Moscou. Apesar da diferença de idade (Myaskovsky tinha vinte e cinco anos e Prokofiev quinze), uma amizade ao longo da vida começou entre eles. Eles sempre mostravam um ao outro suas composições, as discutiam - pessoalmente e por cartas.

Nas aulas de teoria da composição e composição livre, Prokofiev, em geral, caiu em desgraça - seu talento peculiar desrespeitava demais a tradição conservadora. Prokofiev nem se atreveu a mostrar as composições mais ousadas aos professores, sabendo que isso causaria perplexidade ou irritação. A atitude dos professores foi expressa em notas muito médias no diploma de composição de Prokofiev. Mas o jovem músico tinha mais uma especialidade reservada - piano - na qual se formou novamente no conservatório na primavera de 1914.

“Se eu era indiferente à má qualidade do diploma de compositor”, lembrou Prokofiev mais tarde, “desta vez fui tomado pela ambição e decidi terminar o piano primeiro”.

Prokofiev arriscou: em vez do concerto clássico para piano, decidiu tocar seu próprio Primeiro Concerto, recém-publicado, entregando antecipadamente as notas aos examinadores. A música jubilosa do concerto, cheia de entusiasmo juvenil, cativou o público, a atuação de Prokofiev foi um triunfo e ele recebeu um diploma com honras e o Prêmio Anton Rubinstein.

Resultados da atividade criativa

A energia criativa do jovem compositor Prokofiev era verdadeiramente vulcânica. Ele trabalhou com rapidez, ousadia e incansavelmente, esforçando-se para cobrir uma ampla variedade de gêneros e formas. O primeiro concerto para piano foi seguido pelo segundo, seguido pelo primeiro concerto para violino, ópera, balé, romances.

Uma das obras de S.S. Prokofiev é especialmente característico do período inicial. Esta é a "Suíte Cita", criada com base na música do balé fracassado. A adoração dos deuses pagãos, a frenética "Dance of Evil", a imagem silenciosa e misteriosa da estepe cita adormecida e, finalmente, o final deslumbrante - "Sunrise" - tudo isso é transmitido em cores orquestrais incrivelmente brilhantes, aumentos espontâneos na sonoridade , ritmos energéticos. O otimismo inspirador da suíte, penetrando em sua luz, é ainda mais notável porque foi criada durante os anos difíceis da Primeira Guerra Mundial.

Sergei Prokofiev rapidamente entrou na primeira fila de compositores conhecidos não só em casa, mas também no exterior, embora sua música sempre tenha causado polêmica, e algumas obras, principalmente as de palco, esperam anos para serem executadas. Mas foi a cena que atraiu especialmente o compositor. Fui atraído pela oportunidade, seguindo o caminho de Mussorgsky, de expressar as nuances mais sutis e secretas dos sentimentos em entonações musicais, de criar personagens humanos vivos.

É verdade que ele também fez isso na música de câmara, por exemplo, no conto de fadas vocal "O Patinho Feio" (segundo Andersen). Cada um dos habitantes do galinheiro é dotado de um caráter único: uma mãe pata tranquila, patinhos entusiasmados e ele mesmo personagem principal, antes de se transformar em lindo cisne infeliz e desprezado por todos. Ao ouvir esta história de Prokofiev, A. M. Gorky exclamou: "Mas ele escreveu sobre si mesmo, sobre si mesmo!"

As composições do jovem Prokofiev são surpreendentemente variadas e, às vezes, fortemente contrastadas. Em 1918, sua "Sinfonia Clássica" foi executada pela primeira vez - uma obra elegante que brilha com diversão e humor sutil. Seu título, como se enfatizasse a estilização deliberada - uma imitação da maneira de Haydn e Mozart - agora é percebido por nós sem aspas: este é um verdadeiro clássico da música do período soviético. Na obra do compositor, a sinfonia iniciou uma linha brilhante e clara, que se estende até suas obras posteriores - o balé Cinderela, a Sétima Sinfonia.

E quase simultaneamente com a Sinfonia Clássica, a grandiosa obra vocal-sinfônica The Seven of Them surgiu, novamente, como a Suite Scythian, revivendo imagens da antiguidade mais profunda, mas ao mesmo tempo conectada com algumas associações complexas e obscuras com os eventos revolucionários que abalou o mundo. 1917 Rússia e o mundo inteiro. A "virada estranha" do pensamento criativo posteriormente surpreendeu o próprio Prokofiev.

Fora do país

Uma virada ainda mais estranha ocorreu na própria biografia do compositor. Na primavera de 1918, tendo recebido um passaporte estrangeiro, partiu para a América, sem ouvir os conselhos de amigos que o advertiram: "Quando você voltar, eles não vão te entender." Com efeito, uma longa permanência no estrangeiro (até 1933) teve um impacto negativo no contacto do compositor com o público, tanto mais que a sua composição se modificou e expandiu ao longo dos anos.

Mas os anos passados ​​​​no exterior não significaram uma separação completa de sua terra natal. Três viagens de shows à União Soviética foram uma ocasião para se comunicar com velhos amigos e novos públicos. Em 1926, a ópera Love for Three Oranges foi encenada em Leningrado, concebida em casa, mas escrita no exterior. No ano anterior, Prokofiev havia escrito o balé "Steel Hop" - uma série de pinturas da vida da jovem república soviética. Esquetes variados do cotidiano e retratos musicais e coreográficos do Comissário, Orador, Trabalhador, Marinheiro lado a lado com pinturas industriais ("Fábrica", "Martelos").

Este trabalho encontrou vida apenas no palco do concerto na forma de uma suíte sinfônica. Em 1933, Prokofiev finalmente retornou à sua terra natal, deixando-a por pouco tempo. Os anos após seu retorno foram talvez os mais frutíferos de sua vida e, em geral, muito produtivos. As obras são criadas uma após a outra, e cada uma delas marca um novo e alto estágio em um determinado gênero. A ópera "Semyon Kotko", o balé "Romeu e Julieta", a música para o filme "Alexander Nevsky", com base na qual o compositor criou um oratório - tudo isso entrou no fundo dourado da música do período soviético.

Transmitir o enredo da tragédia de Shakespeare por meio da dança e da música para dançar - tal tarefa parecia impossível para muitos e até antinatural. Prokofiev se aproximou dela como se não houvesse convenções de balé.

Em particular, ele se recusou a construir o balé como uma série de números completos, nas pausas entre as quais os dançarinos se curvam e agradecem os aplausos do público. A música e a ação coreográfica de Prokofiev desenvolvem-se continuamente, seguindo as leis do drama. Este balé, encenado pela primeira vez em Leningrado, revelou-se um acontecimento artístico marcante, principalmente porque Galina Ulanova se tornou a insuperável Julieta.

E uma tarefa totalmente inédita foi resolvida pelo compositor na “Cantata para o 20º Aniversário de Outubro”. A música é baseada em um texto documental: nela são utilizados artigos, discursos e cartas de K. Marx e V. I. Lenin. A obra era tão inédita que a cantata teve que esperar 20 anos para ser executada...

Histórias diferentes, gêneros diferentes...

Obras do período maduro

Mas, dando uma olhada geral nas obras período maduro e comparando-os com os primeiros, pode-se ver claramente a tendência geral: a fervura irreprimível do pensamento criativo é substituída por uma postura sábia, o interesse pelo incrível, fabuloso, lendário é substituído pelo interesse pelo real destinos humanos("Semyon Kotko" - uma ópera sobre jovem soldado), ao passado heróico do país natal ("Alexander Nevsky", a ópera "Guerra e Paz"), ao tema eterno amor e morte ("Romeu e Julieta").

Ao mesmo tempo, o humor sempre característico de Prokofiev não desapareceu. No conto (para um leitor e uma orquestra sinfônica), dirigido aos ouvintes mais jovens, muitas informações interessantes são dadas de forma jocosa. Cada personagem é caracterizado por alguma ferramenta. Acabou sendo uma espécie de guia da orquestra e ao mesmo tempo música alegre e engraçada. - uma das obras em que o compositor alcançou uma "nova simplicidade", como ele mesmo chamou, ou seja, uma tal forma de apresentar o pensamento que chega facilmente ao ouvinte, sem reduzir ou empobrecer o próprio pensamento.

O auge da obra de Prokofiev é sua ópera Guerra e Paz. O enredo da grande obra de L. Tolstoi, recriando as páginas heróicas da história russa, foi percebido durante os anos da Guerra Patriótica (ou seja, quando a ópera foi criada) invulgarmente agudo e moderno.

Este trabalho reuniu as melhores e mais típicas características de seu trabalho. Aqui Prokofiev é um mestre de um retrato entonacional característico e um muralista que compõe livremente cenas folclóricas de massa e, finalmente, um letrista que criou uma imagem incomumente poética e feminina de Natasha.

Certa vez, Prokofiev comparou a criatividade com atirar em alvos em movimento: "Apenas mirando para frente, para o amanhã, você não ficará para trás, no nível dos requisitos de ontem."

E durante toda a sua vida ele levou a “ponta para a frente” e, provavelmente, justamente por isso, todas as suas obras - escritas durante os anos de seu auge criativo e durante os anos de sua última doença grave - permaneceram conosco e continuam a trazer alegria aos ouvintes.

Principais composições:

Óperas:

"Jogador" (1916)
"O amor por três laranjas" (1919).
"Anjo de Fogo" (1927),
"Semyon Kotko" (1939)
"Noivado em um mosteiro" (1940)
"Guerra e Paz" (1943)
"O conto de um homem real" (1948)

Balés:

"O conto do bobo da corte que enganou sete bobos da corte" (1915)
"Steel lope" (1925)
"Filho Pródigo" (1928)
Romeu e Julieta (1936)
"Cinderela" (1944)
"O Conto da Flor de Pedra" (1950)

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