Produção teatral de Romeu e Julieta. A peça "Romeu e Julieta" no teatro do Sudoeste

Encenação: V.Spesivtsev

Vyacheslav Spesivtsev é, talvez, talvez o rebelde mais consistente no campo teatral russo. O inconformismo da famosa figura se manifestou nesta produção. A performance é tradicional no conteúdo e moderna na forma. A sombria Verona, acima de tudo, se assemelha a uma reunião noturna de motociclistas com uma folia desenfreada de paixões. Motivos da moda na música para a performance também lhe dão um destaque tópico. O MET apresenta sua versão de Romeu e Julieta tanto para o espectador inexperiente quanto para o ávido espectador. As paredes do MET já estão acostumadas com a emoção que acompanha esta produção. Um ingresso extra é solicitado em um raio de quarteirão ao redor do teatro. E as passagens para o corredor estão abarrotadas de cadeiras laterais e espectadores apenas sentados nos degraus.

Essa demanda é justificada por vários fatores. Em primeiro lugar, a tragédia de Shakespeare sobre jovens amantes tem sido infalivelmente popular entre os jovens há quatrocentos anos, porque nessa idade todo amor parece ser um e apenas (qualquer que seja o número). Em segundo lugar, junto com artistas profissionais, muitos papéis importantes na peça foram desempenhados por membros do estúdio, de quem os jovens espectadores sentiam muita falta. Em terceiro lugar, este projeto teatral é apresentado em uma nova interpretação no espírito do século XXI, saturado de ritmos e materiais modernos e, claro, de novas relações humanas. As expectativas do público serão totalmente justificadas. Direção vanguardista, cenografia inusitada, figurino rico em jeans, couro e metal, moderno, muito sucesso arranjo musical e, finalmente, a peça inspirada dos artistas encontra compreensão e uma resposta calorosa do público. Na performance, a ascese cênica do teatro estúdio se mistura com uma comitiva moderna. Em um palco quase vazio, atores vestidos com trajes modernos fechar-se dê uma palavra shakespeariana. Vestidos modernos mudam significativamente a problemática da peça hoje.

Os criadores da performance poderão, sem dúvida, tocar algum nervo invisível nas almas do Romeu e Julieta modernos, que evocaram neles uma gama complexa de sentimentos: compaixão, ternura, ironia, admiração e Deus sabe o que mais! O mundo frio da inimizade sem sentido dá origem a uma frágil flor de sentimento. A triste história de dois jovens corações, que desde o primeiro encontro começaram a bater em uníssono, se desenrola no contexto de um relacionamento difícil e juvenil. Impulsos inspiradores e brigas de rua, abnegação e assassinato, perda e sofrimento, humilhação e medo que se abateram sobre o destino de dois jovens os fazem ser fortes, buscar uma saída, escolher entre o bem-estar e o amor, junto com o que vem morte. Ação concentrada e tensa vida íntima heróis são exibidos em melodias perturbadoras e pungentes, incendiárias e líricas. Em uma obra, o enredo de Shakespeare e o ecletismo musical apresentado por motivos modernos. velho, tudo história famosa contada na linguagem da juventude de hoje, e a música torna o mundo dos sentimentos dos personagens de Shakespeare compreensível e próximo.

Provavelmente, esta obra foi encenada um número recorde de vezes, mesmo que a retrógrada Hollywood sentisse a atualidade desta enredo eterno. Alguns acreditam que a ideia da peça e sua forma foram emprestadas pelo teatro de Hollywood. Essas afirmações se baseiam na falta de informação sobre o teatro: nosso espetáculo está em funcionamento há mais de 25 anos e, portanto, é claro, primordial. Temos até suspeitas específicas sobre plágio reverso e uma pessoa é conhecida (não vamos citar nomes, apenas “ bom homem”), que provavelmente levou a explicação moderna da peça de Shakespeare para o oeste. Mas não estamos reclamando - deixe-os usar, temos ideias suficientes para todos.

William Shakespeare

Duração: 3 horas com intervalo

nova cena

O Artista do Povo da Rússia, Mark Rozovsky, apresenta sua visão sobre a tragédia imortal de Shakespeare. Será uma leitura clássica da peça: com trajes medievais, lutas de espadas, danças. Um dos personagens principais será a música: a performance será decorada com fragmentos de P.I. Tchaikovsky "Romeu e Julieta". Mark Rozovsky falou sobre a ideia da performance: “Eles disseram que quando Vysotsky interpretou Hamlet, ele falou não apenas em nome de seu eu atuante, mas também “em nome da geração”. Aqui está o que devemos tentar fazer. Ao representar Romeu e Julieta, devemos nos lembrar do que está acontecendo hoje em nossa rua, e principalmente não na nossa. Nunca antes a humanidade precisou tanto da cultura do Renascimento! Eu gostaria de fazer de "Romeu e Julieta" uma performance que tropeçou em nosso tempo - para que Shakespeare fosse ouvido ... "

Comentários sobre a peça ROMEU E JULIETA

Romeu e Julieta| Comentário deixado: Objeto não encontrado (19/04/2019 às 17:50)

A trágica e emocionante história de "Romeu e Julieta" faz o espectador mergulhar de cabeça e sentir as emoções vivas dos personagens principais... atuações em geral! Como cada papel foi interpretado de forma soberba por atores tão talentosos e MUITO carismáticos
Pessoalmente, fiquei incrivelmente impressionado com o desempenho!! Isso é exatamente o que se chama - profissionalismo!

"Amor para todas as idades..."| Comentário deixado: Maria Fedosova (06/01/2019 às 07:30)

Gostei MUITO! Em primeiro lugar, deve-se notar a atitude cuidadosa do teatro em relação ao texto de W. Shakespeare. Quanto à atuação, aqui é sempre 5+. Gostei especialmente de Mikhail Ozornin (Romeu) e Sandra Eliava (Julieta). Mark Rozovsky conseguiu enfatizar quase tangivelmente a extrema juventude dos personagens principais da tragédia, caso contrário, a frase usual: "Ela ainda não tem 14 anos" são apenas palavras e nada mais. Aqui, os personagens literalmente crescem diante de nossos olhos sob a influência do amor. A performance é assistida de uma só vez, apesar de durar mais de 3 horas. Apesar de tudo, eu realmente gostei!

Romeu e Julieta| Comentário deixado: Matalytskaya Anna (10/03/2018 às 22:18)

Visitei com toda a família pré estreia performance "Romeu e Julieta" no teatro do Portão Nikitsky.
O desempenho é ótimo! Há muito tempo não me divertia tanto com um clássico!
Pela primeira vez na vida, senti que Romeu e seus amigos eram garotos travessos de 16 anos e não homens experientes. Julieta é maravilhosa!
Cenário dinâmico muito interessante.
O desempenho parece muito fácil, em uma respiração!
Muito obrigado a Mark Rozovsky! Adoramos seu lindo e aconchegante teatro. Assistimos a muitas apresentações e todas deixam uma impressão inesquecível!

Romeu e Julieta| Comentário deixado: Mila_M (09/03/2018 às 10:54)

O dramaturgo inglês William Shakespeare, nascido em 1564, escreveu a brilhante tragédia Romeu e Julieta. No dia 5 de março, o ensaio geral desta apresentação aconteceu no teatro "At the Pokrovsky Gates". O chefe do teatro Mark Rozovsky apresentou ao público os criadores desta produção, observou que a música do grande Tchaikovsky seria tocada e desejou aos artistas e ao público um ensaio de sucesso.
Todo mundo sabe disso triste história louca paixão, amor e morte. Os artistas de teatro conseguiram mostrar toda a tempestade de sentimentos que fervia em Verona. O desempenho captura desde os primeiros minutos. Igor Klimov preparou lutas e esgrimas perfeitamente, os servos e os personagens principais mostraram um domínio incrível de técnicas de luta livre e espadas. Tudo no palco era real. O coreógrafo Anton Nikolaev adornou a apresentação com danças, dando-lhe um sabor do século IV. Evgenia Shults tornou a performance colorida, todos os figurinos dos personagens combinavam exatamente com o espírito desta história. Juliet mudou de roupa várias vezes, gostei muito. Alexey Porubin tornou a performance rica em som no nível dos sucessos de bilheteria modernos. O trabalho de Alexander Kuznetsov, a oficina de iluminação, era invisível, o que significa que tudo estava perfeito, harmonioso e com moderação. Bravo a todos os assistentes de Mark Rozovsky!
Os artistas foram maravilhosos. O jogo deles manteve o público em suspense por três horas. Nós dois rimos e choramos, preocupados e felizes. É impossível marcar um ou dois, todos excelentes pontos!

Mark Grigorievich, você belo teatro, interiores, mobiliário, equipe de serviço. Vida longa e mais prosperidade para sua prole.

Um hino de amor triunfante.

Amor vencendo a morte.

Tragédia de grande paixão.

Somente tais definições são capazes de incorporar de forma resumida o conteúdo que Shakespeare colocou em sua tragédia. É dedicado ao sentimento mais belo e bastante terreno, mas o poder do amor eleva os jovens heróis acima do nível da vida cotidiana. As pessoas amam de maneiras diferentes. Shakespeare retratado o mais alto grau este grande sentimento - amor sem limites e altruísta. Ele criou um modelo de amor ideal.

A atmosfera do sul abafado reina na tragédia que se desenrola entre as pessoas, propensas a paixões violentas, quentes e destemidas. Quase todos os participantes de eventos tendem a agir impulsivamente, obedecendo a humores e sentimentos instantaneamente. É verdade que também existem pessoas calmas e razoáveis ​​​​aqui, mas a sobriedade de pensamento e a prudência são impotentes contra surtos vulcânicos de amor e ódio.

Os jovens heróis cresceram e vivem em uma atmosfera de eterna inimizade entre suas famílias. (Este material ajudará a escrever corretamente a tragédia de Romeu e Julieta sobre o tema da peça. Resumo não deixa claro todo o significado da obra, portanto este material será útil para uma compreensão profunda da obra de escritores e poetas, bem como de seus romances, contos, contos, peças de teatro, poemas.) Montagues e Capuleti já se esqueceram de como começou a luta entre eles, mas lutam fanaticamente entre si, e toda a vida da cidade-estado de Verona passa sob o signo do ódio desumano.

Em um ambiente saturado de malícia venenosa, onde qualquer ninharia serve de pretexto para escaramuças sangrentas, uma maravilhosa flor do amor jovem cresce repentinamente, desprezando muitos anos de inimizade tribal.

Dois campos aparecem diante de nós na tragédia. Por um lado, são pessoas implacavelmente hostis, os Montecchios e os Capuletos. Esses e outros vivem de acordo com a lei da vingança tribal - olho por olho, dente por dente, sangue por sangue. Não são apenas os velhos que aderem a esta "moralidade" desumana. O seguidor mais violento do princípio da rixa de sangue é o jovem Tybalt, queimando de ódio por todos os Montagues, mesmo que eles não lhe tenham feito mal, ele é seu inimigo simplesmente porque eles pertencem a uma família hostil. É Tybalt, ainda mais do que o ancião Capulet, que adere à lei do local de sangue.

Outro grupo de personagens da tragédia já quer viver de acordo com leis diferentes. Este desejo não surge princípio teórico mas como um sentimento vivo natural. Então, de repente, o amor mútuo do jovem Montague e do jovem Capuleto se inflama. Ambos se esquecem facilmente da inimizade de suas famílias, pois o sentimento que se apoderou de ambos rompe instantaneamente o muro de inimizade e alienação que separava suas famílias. Julieta, tendo se apaixonado por Romeu, argumenta sabiamente que o fato de ele pertencer a uma família hostil não importa para ela. Por sua vez, Romeu está pronto para desistir facilmente do nome genérico se isso for um obstáculo ao seu amor por Julieta. O amigo de Romeu, Mercutio, também não está inclinado a apoiar a guerra civil que está dividindo Verona em dois campos irreconciliáveis. A propósito, ele é parente do duque e está constantemente tentando argumentar com os guerreiros, ameaçando puni-los por violar a paz e a tranquilidade de Verona.

O monge Lorenzo também é um oponente da inimizade. Ele se compromete a ajudar Romeu e Julieta, esperando que seu casamento sirva como o início da reconciliação do parto.

Assim, os seguidores da lei da rixa de sangue se opõem a pessoas que querem viver de maneira diferente - obedecendo aos sentimentos de amor e amizade.

Esse é um conflito. Outro ocorre na família Capuleto. Segundo o costume da época, a escolha do companheiro no casamento de um filho ou filha era feita pelos pais, independentemente dos sentimentos dos filhos. É assim na família Capuleto. O pai escolheu o conde Paris como marido de Julieta, sem pedir seu consentimento. Juliet tenta resistir à escolha do pai. Como o leitor sabe, ela busca evitar esse casamento por meio de um plano astuto arquitetado pelo monge Lorenzo.

A tragédia de Shakespeare em termos históricos e morais é de grande importância. Descreve a resistência da filha à vontade do pai. Capuleto procede de um cálculo prático: Páris é parente do duque de Verona e o casamento de Julieta com ele é benéfico para a exaltação da família. Juliet luta pelo direito de se casar por amor. O choque desses dois princípios refletiu uma ruptura nas relações pessoais e relações familiares que ocorreu durante o Renascimento. Na realidade, naquela época, o direito de casar por amor estava longe de ser triunfante. Mas Shakespeare se opôs ao casamento pela vontade dos pais e pelo cálculo, evocando na platéia de seu teatro uma clara simpatia pela ideia humanista da liberdade dos filhos de escolher com quem querem se relacionar,

Romeu e Julieta não é apenas uma bela e trágica história de amor. A obra de Shakespeare afirma os princípios vitais do humanismo na vida pública e privada que foram avançados para a época. O fim do conflito feudal, paz e ordem em um estado liderado por um governante sábio e justo - isso é base social tragédia. A afirmação do amor como base da vida familiar - tal é a ideia moral afirmada por Shakespeare.

O poder artístico da tragédia é determinado pela habilidade que Shakespeare mostrou na representação dos personagens. Por menor que seja o papel deste ou daquele personagem, Shakespeare o distingue dos outros, pelo menos nas características passageiras. Portanto, no personagem do ancião Montague, palavras poéticas sobre como seu filho ansioso passa o tempo soam inesperadamente. Esse recurso é completamente aleatório? Em vez disso, pode-se supor que o Padre Romeo tinha inclinações que recebiam mais desenvolvimento na personalidade poética do jovem Montecchi. Mas, claro, não é o menor, mas os personagens principais da tragédia que chamam a atenção devido à representação expressiva deles por Shakespeare.

Quanta verdade na vida e quanta poesia genuína na imagem da jovem Julieta! Apesar de sua juventude - e ela tem apenas treze anos - Julieta tem o mundo espiritual mais rico. Ela é inteligente além de sua idade, seu coração está aberto a grandes sentimentos. Ela é espontânea, como é natural para uma menina. Claro, ela fica envergonhada ao saber que Romeu ouviu seu discurso sobre seu amor por ele. Mas, certificando-se de que ele responde com o mesmo sentimento, ela é a primeira a perguntar quando eles se casam. Juliet é ousada e determinada. Dos dois, ela é mais ativa que Romeu. E as circunstâncias são tais que ela precisa encontrar uma saída para a situação em que se encontrou quando seu pai exigiu categoricamente seu consentimento para se casar com Paris.

Shakespeare surpreendentemente mostrou sutilmente que Julieta não é indiferente às questões de honra familiar. Quando ela descobre pela história idiota da enfermeira que seu primo Tybalt foi morto por Romeu, seu primeiro sentimento é de raiva do jovem Montecchi. Mas então ela mesma se repreende pelo fato de que quase imediatamente após o casamento já pode repreender o marido.

A coragem de Julieta fica especialmente evidente naquela cena fatal quando, a conselho de um monge, ela toma um remédio para dormir. Quão natural é o medo da jovem heroína quando ela pensa na visão terrível que ela verá quando o olho acordar na cripta da família entre os cadáveres. No entanto, superado o medo, ela bebe a bebida, pois somente passando por esse teste ela poderá se conectar com seu amado.

A determinação inerente a Julieta também se manifesta quando ela acorda na cripta e vê o Romeu morto. Sem hesitar, ela comete suicídio, pois não pode viver sem Romeu. Com que simplicidade, sem falso pathos, Julieta se comporta na hora da última escolha.

Surpreendentemente sólido imagem heroica Julieta é a personificação viva do amor jovem que não conhece concessões, amor que vence perigos e medos. Seu amor é verdadeiramente mais forte que a morte.

Romeu é digno de tal amor. Ele tem dezessete anos, mas embora seja mais velho que Julieta, sua alma é igualmente pura. O amor de repente tomou posse de Juliet. Romeo era um pouco mais experiente do que ela. Ele já sabia que havia um sentimento tão maravilhoso no mundo, mesmo antes de conhecer Juliet. Sua alma já ansiava por amor, estava aberta para recebê-lo. Antes de conhecer Julieta, Romeu já havia escolhido um objeto de adoração. Era, aliás, uma menina também do clã dos Capuletos - Rosalina. Romeu suspira por ela, mas esse amor é especulativo.

O teatro soviético em suas produções de "Romeu e Julieta" seguiu o caminho da superação de conceitos metafísicos e idealistas. Ele procurou revelar de forma realista e verdadeira o conteúdo histórico e social da tragédia de Shakespeare.

Uma análise da performance "Romeu e Julieta" no Teatro da Revolução de Moscou fornece um rico material para entender a trajetória de nossa teatro shakespeariano. Este desempenho foi muito marco no desenvolvimento do drama de Shakespeare no palco soviético, demonstrativo tanto em suas realizações quanto em alguns erros.

O que o diretor trouxe de novo para a interpretação da peça? Em primeiro lugar, percorreu o caminho do maior acirramento dos conflitos, revelando suas conotações sociais. Ele entendia as imagens da tragédia como um produto típico do tempo e das relações sociais. Foi isso que lhe deu a oportunidade, pronunciando-se contra a idealização pequeno-burguesa do amor, contra o "italianismo" operístico, de lançar um amplo imagem histórica era.

O Teatro da Revolução voltou-se para a tragédia "Romeu e Julieta" imediatamente após a encenação de peças soviéticas retratando uma liberdade vida criativa nossa juventude. Ele dedicou sua atuação Leninista Komsomol. Através dos olhos de nossos jovens e jovens, que têm a oportunidade de criar, amar e aproveitar a vida livremente, o teatro quis olhar para a tragédia do amor daqueles que na antiguidade exerceram heroicamente seu direito ao amor e à felicidade .

Para a nossa juventude, o amor de Romeu e Julieta continua a soar como o alto pathos da luta por uma nova pessoa, por novas relações de vida, se funde com a ideia de um novo vida maravilhosa em que tudo o que impede a realização da felicidade pessoal será destruído. Performance de encenação da tragédia de Shakespeare

Ver pelos olhos da nossa juventude a tragédia de Romeu e Julieta significava superar os clichês burgueses da história lírica dos amantes infelizes, que recebiam no palco um colorido sentimental ou fatal, místico. Para isso, foi necessário enfrentar a realidade com severidade, o que deu origem a uma triste história sobre um amor forte e apaixonado que se ergueu para lutar contra um ódio não menos forte e impiedoso.

O diretor da performance é A.D. Popov formulou sua tarefa da seguinte forma: "Acho que a principal coisa que alcançamos é que a representação de Romeu e Julieta soará bem em nosso teatro. Shakespeare não aparecerá em nossa interpretação nem como um "selvagem rude" nem como um um filósofo-raciocinador Acreditamos que seremos capazes de mostrar a verdadeira face de Shakespeare, o Shakespeare realista, o corajoso e puro Shakespeare, que com engenhosa sensibilidade e perspicácia refletiu em suas obras as contradições históricas da era da desintegração das relações feudais".

Segundo a interpretação do diretor, essas contradições residem no choque de sentimentos poderosos com um mundo cruel. força formidável a velha inimizade feudal se interpõe no caminho do grande amor humano. Nesse ambiente, a tragédia de pessoas com novos olhares, com caráter forte e muita vontade. Assim, sem idealizar os heróis de Shakespeare, o diretor mostra nas imagens de Romeu e Julieta pessoas originais, talentosas, intelectuais, verdadeiros representantes de sua época maravilhosa.

Essa concepção dos personagens da tragédia levou a uma interpretação inovadora de sua essência ideológica, na qual a modernidade se aliou à historicidade. Assim, surgiu a ideia da performance como uma tragédia social, que determinou a decisão de seu diretor. O diretor revelou a supertarefa da peça na alternância de duas linhas que percorrem toda a performance - as linhas da hostilidade destrutiva e do amor florescente, em contrastes gritantes do bem e do mal, da beleza e da feiúra.

"A pobreza grita contra o pano de fundo do luxo e da riqueza imprudentes.

Gritando feiura e feiúra de anões e aleijados vivendo ao lado do divino homem bonito e mulheres renascentistas.

A libertinagem e a licenciosidade gritam ao lado do amor de Petrarca, sua poesia e pinturas de Botticelli.

Grita libertinagem pagã, pensando que "não está em conflito" com o cristianismo.

Na concepção da performance, o artista I.Yu. Shlepyanov procurou criar um cenário de vida que enfatizasse essas contradições. Assim surgiu o contraste da bela cidade italiana e o esplendor cintilante da natureza com a severidade sombria da luta que aqui ocorre. A paisagem faz você sentir a beleza da natureza, o dia abafado de Verona, o frescor da noite do sul e a harmonia e harmonia das linhas arquitetônicas da cidade italiana.

Na performance do Teatro da Revolução, a rua de Verona com a escada subindo cria uma sensação de perspectiva profunda, abrindo uma visão da cidade italiana. Este design está longe das construções formalísticas que nossos artistas, incluindo Shlepyanov, pecaram. Recordemos seu desenho de "Hamlet" em uzbeque teatro acadêmico drama com o nome de Hamza em 1935, que é uma construção de plataformas e escadas, que não estava ligada ao conteúdo interno da tragédia. A composição arquitetônica da peça "Romeu e Julieta", feita com muito bom gosto, dá uma ideia vívida da vida da época.

Uma pesada cortina de veludo vermelho se ergue. As montanhas são visíveis na luz rosa do amanhecer da manhã. O sol está nascendo e a empregada da casa de Montecchi está com pressa para se despedir de seu amado, o servo dos Capuletos, que se atrasou com ela. E na casa dos Capuletos, uma garota com beijos afasta o criado de Montague.

Mas esta imagem idílica, ocorrendo sob o céu azul italiano, é abruptamente interrompida. Uma batalha impiedosa ocorre entre representantes de dois clãs em guerra, envolvendo numerosos representantes de ambas as famílias. Também inclui aqueles jovens que acabaram de deixar sua amada. Este primeiro episódio, em que a cena do gênero se desenvolve em um quadro histórico, é um prólogo expressivo que fala da inevitabilidade das tragédias em um mundo de cruéis lutas feudais.

Falando sobre a intenção de seu diretor, A.D. Popov deu início ao tema da rixa familiar e do conflito civil, que corre como um fio vermelho por toda a performance, começando com a cena "Fight". Já nesta cena, a psicologia dos participantes da luta foi claramente revelada, cujo ritmo aumentava continuamente. De uma disputa insignificante cresce uma luta não pela vida, mas pela morte. E agora a primeira vítima já está caindo - um jovem loiro, morto pela espada do inimigo.

As cenas de massa de confrontos de rua são uma grande conquista da arte do diretor. Com extraordinária expressão e dinamismo, transmitiam o verdadeiro pathos da luta.

As cenas tempestuosas da rua são contrabalançadas pelas cenas finais na cripta. Em primeiro plano, aqui estão os sarcófagos dos Capuletos mortos, mal iluminados pela luz fraca das tochas. Eles esmagam com sua monumentalidade. E no futuro, atrás das grades de ferro, o mesmo lindo céu azul italiano, chamando as alegrias da vida.

A velocidade do passo, a rapidez dos movimentos nos episódios de confrontos contrastam com a lentidão estática e severa das cenas de reconciliação; eventos que fazem você se preocupar com o destino dos heróis - com o final, uma impressionante sentença cruel do destino. Essa alternância de movimento e quietude, luz e escuridão, que percorre toda a performance, fala eloquentemente da época, sua intolerância e preconceitos sangrentos.

Mas as contradições da época são ainda mais enfatizadas nas imagens lindamente concebidas de Tybalt e Mercutio. O personagem do cruel e limitado Tybalt, de muito sucesso para o artista V.A. Latyshevsky, contrapôs na performance a imagem do nobre e corajoso, alegre e espirituoso Mercutio, talentosamente personificado por V.V. Belokurov. Vigilante, veloz, quente, apaixonado pela vida, suas alegrias, seus cheiros e cores, Mercutio e o sombrio e violento defensor dos antigos preconceitos tribais parecia vir de Tebaldo. séculos diferentes. A cena da colisão e da morte de Mercutio, que pertence aos melhores episódios da performance, é repleta de grande dramaticidade. Acima dos lados em guerra na peça está a figura majestosa do Duque de Escalus (ator A.I. Shchagin), um governante sábio, apontando a injustiça daquelas relações que levam a constantes confrontos internos.

Essas imagens do segundo plano, reproduzidas com grande conhecimento da época, além de belas cenas de massa, criam o pano de fundo público da performance. A tragédia, que durante séculos foi percebida como um conto sentimental de amantes, tornou-se uma peça de pensamento social aguçado. Popov leu a tragédia de forma inovadora e fez uma verdadeira revolução na tradição mundial de sua incorporação.

Porém, o conceito do diretor também continha um perigo que ele não podia evitar: a representação da crueldade das relações feudais tornou-se um tema independente e até certo ponto obscureceu o tema do amor de Romeu e Julieta. Os confrontos, apresentados no palco com muita força e convincentes com os próprios olhos, como viva e ativa a inimizade dos seniores italianos, absorvem toda a atenção do público. Outro perigo surgiu de uma má interpretação das inter-relações dos personagens, de um aguçamento injustificado dos personagens, feito para esclarecer sua posição social.

Para justificar seu conceito geral, o diretor teve que mostrar os velhos Montagues e especialmente os Capuletos como pessoas militantes e cruéis. A qualquer momento, eles estão prontos para desembainhar suas espadas e correr para o meio da luta.

Quando Capulet fica sabendo por Tybalt que Romeu está presente em seu baile, ele fica indignado, cheio de raiva. Enquanto isso, na tragédia de Shakespeare, Capulet reage calmamente a essa notícia e restringe Tybalt, que está pronto para correr para a batalha.

Para dar ainda mais militância aos Capuletos e Montecchios, suas características etárias também foram alteradas na performance. Não são velhos, mas idosos, bem conservados, que vêm ao baile mascarados, dançam com as senhoras. Enquanto isso, Capuleto diz:

Foi-se o tempo em que dançávamos...

Ele tinha vinte e cinco anos, estávamos usando máscaras.

Na tragédia de Shakespeare, Capulet é um velho de coração simples que acredita que "não é difícil para dois velhos não perturbar o mundo", e mantém inimizade contra Montague apenas por tradição. Na performance do Teatro da Revolução, essas palavras de Capuleto foram divulgadas, pois de acordo com o conceito geral da produção, era necessário retratá-lo como uma pessoa má e vingativa. Também é omitido todo o diálogo com Paris, no qual o lado bom personagem do Capuleto. Ao namoro de Paris, ele responde com bom humor:

Por favor, Paris, alcance a felicidade,

Meu desejo faz parte de seu consentimento,

Ao mesmo tempo, essa humanidade de estilo shakespeariano de Capuleto é complementada e combinada com a tirania do pai, que logo exigirá que sua filha se case com Paris contra sua vontade. No teatro, o desenvolvimento da imagem foi perdido, sua integridade e integridade foram violadas.

A representação suculenta e colorida da vida cotidiana às vezes levava a alguns detalhes cotidianos desnecessários que prejudicavam o desenvolvimento do palco das imagens.

Romeu chega ao baile vestindo uma pele de urso. Isso o torna desnecessariamente engraçado. Ele entrega todo o seu monólogo poético ao se aproximar da rampa, enquanto é ouvido por Tybalt, que apareceu entre o cenário atrás dele em uma fantasia de bobo da corte. A impressão do monólogo de Romeu é morta pelo fato de seu rosto, saindo de uma pele de urso, aparecer contra o fundo de uma grotesca caneca de máscaras.

Na cena antes do baile, foi criado um interlúdio, que, obviamente, também deveria ilustrar a vida, mas isso foi feito em detrimento de retratar o estado dos personagens principais. Mercúcio zomba dos humores amorosos de Romeu, que cai "sob o fardo do amor" - "e o fardo é pesado para este terno fardo". Romeu está pronto para responder ao ridículo, mas neste momento a cena está repleta de garotas fantasiadas. Todos se interessam por eles, olham por baixo das máscaras. As meninas ficam com medo e fogem. Só então Romeu responde a Mercutio: "O amor é terno? É áspero, afiado, pica ferozmente como espinhos." Mas o sentido dessas palavras se perde, porque elas são separadas da questão pelo episódio do aparecimento das meninas.

O cotidiano excessivo era característico da figura da enfermeira, embora de acordo com o plano do diretor, ela devesse enfatizar especialmente o colorido da época, para se tornar a personificação da afirmação renascentista das alegrias terrenas. Mas a vontade de retratar os costumes selvagens da época, comuns a todo o espetáculo, levou a uma simplificação da imagem da ama de leite. Portanto, no retrato de uma mulher bem-humorada do povo, com seu humor saudável, foram introduzidos os traços de um cliente grosseiro e ranzinza, sua gula e imperiosidade foram enfatizadas.

Essa interpretação do papel de babá é ainda mais irritante porque esse papel foi habilmente desempenhado por O.I. Pyzhov, não apenas cada palavra, mas cada aparência era invariavelmente acompanhada de risadas em auditório. Toda a sua figura, expressões faciais, gestos caracterizavam vividamente um simples, mas mulher inteligente com sua atitude deliberadamente zombeteira em relação às experiências humanas mais sutis e complexas de pessoas que não entendem as simples alegrias da vida. Com suculentas cores flamengas, a artista pintou essa vitalidade orgânica de uma mulher do povo nunca desanimada, sua fé na superação de todas as adversidades da vida. E ao mesmo tempo, Pyzhova acrescentou um toque de algum tipo de experiência profissional às palavras que a enfermeira pronuncia com desdém: "Sim, não importa o que você escolha, você não sabe escolher um homem." E naquele momento, quando Julieta estava desesperada porque Romeu havia matado Tybalt, a reação da ama de leite soou indisfarçável "moralidade" filisteu. Assim, às vezes, a vulgaridade obscurecia aquela profunda ternura e devoção que soa em cada apelo da ama a Julieta: "Ovelha! Pássaro! Senhora, Julieta ..."

Alguma unilateralidade das intenções do diretor se refletiu não apenas na caracterização do indivíduo, às vezes imagens menores. O diretor entrou em conflito com sua própria ideia na solução geral da tragédia.

INFERNO. Popov escreveu: “Romeu e Julieta morrem, como se não tivessem futuro histórico próprio, e sobre seus cadáveres há uma reconciliação de dois clãs em guerra, cujos descendentes históricos - os burgueses do futuro - continuam dilacerados por contradições intraclasses até hoje. O teatro burguês interpretou invariavelmente esta cena como tocante e comovente, querendo enfatizar que o amor é uma força reconciliadora. Vemos no amor de Romeu e Julieta uma força que não reconcilia, mas decompõe os laços feudais. Sem recorrer a nenhuma violência contra o autor, ajudando apenas a ele, como brilhante artista, contra suas limitações como político, esperamos desmascarar a hipocrisia dessa reconciliação por meio do teatro."

O encenador fala aqui de forma muito convincente sobre a necessidade de superar a abordagem abstrato-idealista da tragédia e opor-se a ela com uma avaliação histórico-concreto dela. Mas o significado dos processos sócio-históricos nesses seus argumentos não é revelado com clareza suficiente e, em alguns aspectos, até simplificado.

A morte de Romeu e Julieta levou à reconciliação das famílias em guerra. A dialética do processo histórico foi precisamente tal que tal reconciliação foi o início da desintegração dos princípios feudais. Portanto, esses conceitos não podem ser comparados. A sociedade burguesa, é claro, "até hoje é dilacerada por contradições intraclasses" e, é claro, tem consignado ao esquecimento os princípios humanísticos proclamados no alvorecer de sua existência. Mas, em alguns estágios, essas visões avançadas influenciaram a vida e derrotaram a inércia de ideias obsoletas. As pessoas que perceberam a depravação de suas visões ultrapassadas não eram hipócritas quando, como resultado das duras lições da vida, as abandonaram. E não é aqui e nem nisso que se mostram as limitações de Shakespeare como político.

No esforço de contrapor sua interpretação ao teatro burguês, que viu o triunfo da virtude na reconciliação dos Montecchios e dos Capuletos, Popov quer impor a Shakespeare conceitos incomuns para sua época e, em essência, faz do grande dramaturgo um péssimo psicólogo , pois acontece que o próprio Shakespeare foi enganado ao aceitar a expressão de novos sentimentos Montagues e Capulets pelo valor de face. "Conhecendo a história subsequente do desenvolvimento das relações burguesas", Popov ainda não leva em consideração as peculiaridades desse fenômeno histórico.

Em "Romeu e Julieta" nós estamos falando sobre a hostilidade característica da sociedade feudal e alheia às relações burguesas, sobre a luta tribal, que pôs fim ao triunfo das relações burguesas, substituindo-a pela competição entre empresários e comerciantes, alheia a quaisquer preconceitos familiares. Afinal, o velho Grande em Balzac até empurra irmão em um loop quando se trata de uma carteira. É impossível identificar a luta do Renascimento contra os princípios feudais com as contradições intraclasses da emergente sociedade burguesa. Popov, argumentando isso, interpretou os fatos históricos de forma imprecisa.

A reconciliação entre os Montecchios e os Capuletos simboliza a derrota da moral feudal. Neste ato - o início da implementação daqueles novos princípios de vida que foram proclamados pelos humanistas no Renascimento, pelos quais houve uma luta durante o período das revoluções burguesas. Na época em que Shakespeare criou sua primeira tragédia, ele ainda estava longe da consciência da crise do humanismo, que se refletiu no período subsequente de sua obra. Em seus primeiros trabalhos, o grande dramaturgo cantou um hino altos princípios humanismo.

Se considerarmos que a reconciliação dos clãs em guerra foi hipócrita, a luta travada por Romeu e Julieta não teve sentido. Enquanto isso, na tragédia de Shakespeare, a morte de jovens amantes fala não de sua derrota, mas da vitória de novas visões humanísticas sobre a rigidez das relações feudais. Representantes das famílias em guerra renunciam sinceramente a suas visões desatualizadas, percebem o papel fatal que desempenharam em destino trágico seus filhos. Este é o significado profundamente otimista do final da peça. Se considerarmos que continuam a mentir e a hipocrisia, então o final da tragédia adquire um caráter puramente pessimista: visões e preconceitos ainda estão vivos, na luta contra a qual jovens cheios de força deram a vida; nada mudou. Com tal interpretação, nem tons brilhantes e alegres de design, nem risos e diversão no palco salvarão do pessimismo.

O defeito no conceito de Popov afetou principalmente a imagem de Romeu. MF Astangov procurou criar uma imagem de um Romeu sutil, espiritualizado e intelectual. Foi uma tarefa verdadeiramente inovadora, que ele conseguiu realizar com base no texto de Shakespeare. Astangov realmente conseguiu mostrar a riqueza do mundo espiritual de Romeu, a mente clara de um jovem que compreende a realidade de uma nova maneira. Mas isso ainda não deu motivos para a convergência das imagens de Romeu e Hamlet, sobre as quais Astangov construiu seu papel.

Sabe-se que Popov advertiu Astangov contra ser levado pelo Hamletismo ao encarnar a imagem de Romeu. Mas, ao mesmo tempo, todo o seu conceito de direção empurrou o ator para esse caminho.

A ideia da relação entre Romeu e Hamlet, como já mencionado, não é nova. Já foi expresso muitas vezes em literatura crítica. Vários pesquisadores insistiram na unidade interna das imagens de Romeu e Hamlet. Mas tal afirmação estava ligada ao desejo de fazer de Romeu, como Hamlet, a personificação da falta de vontade reflexiva. Graças a essa tendência profundamente falha, a crítica idealista modernizou os heróis de Shakespeare e fez deles os precursores dos românticos entristecidos e desiludidos, depois dos místicos e individualistas do final do século XIX. Tarefa ator soviético- para refutar essas visões ahistóricas.

Em primeiro lugar, é essencialmente falso que "a vontade de ambos seja minada", como afirma o pesquisador inglês E. Dowden. Em uma atmosfera de forte inimizade, Romeu não duvida por um momento que precisa unir sua vida com Julieta. Ele não se detém pelo fato de que agora "a vida é dada como penhor ao inimigo", ele é todo - determinação, sem saber de dúvidas.

Romeo procura subordinar o curso dos acontecimentos aos seus sentimentos. Sentir de uma vez por todas determinou a direção de sua vontade. Ele é ativo em seu desejo de destruir todas as barreiras que se interpõem entre ele e Julieta. Ele fica determinado ao saber da morte dela. Não há lacuna fatal entre suas intenções e sua execução. A morte de Romeu é determinada não pelo fato de sua "vontade ser minada", mas pelo fato de que a realidade acabou sendo mais forte do que ele.

"Um excesso de paixões e sentimentos" levou os heróis verterizados do início do século XIX ao "mundo da fantasia". Mas é o sentimento verdadeiro que faz Romeu sair do mundo dos sonhos em que vivia antes. O amor de Romeu aguça sua percepção da realidade.

Hamlet é um pensador, filósofo, cético, superestimando todos os valores e se esforçando para "colocar" o mundo no caminho da justiça e da humanidade. Romeu é um jovem que escapou prematuramente da rotina dos alicerces seculares do mundo feudal, que os protege severamente, e por isso morreu na luta pela felicidade que não lhe foi dada.

Romeu e Hamlet são imagens incomensuráveis. Eles representam estágios diferentes desenvolvimento do humanismo. O início da Renascença lutou pela libertação do indivíduo, glorificou o poder conquistador dos sentimentos terrenos. O auge do Renascimento traz a consciência de que as belas ideias humanísticas não estão destinadas a serem realizadas na vida.

Toda a história da personificação cênica da imagem de Romeu refuta claramente as teorias especulativas que levam à sua reaproximação com a imagem de Hamlet. Astangov foi seduzido por essas teorias rebuscadas. A prática teatral ao vivo vingou a racionalidade de seu plano. O que aconteceu com o performer que decidiu hamletizar Romeu? Em primeiro lugar, o próprio Hamletismo de Romeu - Astangov revelou-se muito reduzido e relativo.

Hamlet pensa em grande questões gerais. É por isso que as experiências pessoais levam à formulação de importantes problemas sócio-filosóficos. Romeo Astangov é privado do poder de tais generalizações. Hamlet expõe com muita energia as pessoas desprezadas e odiadas. Romeo-Astangov não tem essa forte hostilidade à realidade. Hamlet questiona tudo. Romeo-Astangov não tem o ceticismo de Hamlet. O que resta de Hamlet na interpretação de Romeu por Astangov? Melancólico? De fato, a melancolia o possui completamente. Mas mesmo em sua melancolia, Hamlet é profundamente diferente de Romeu no retrato de Astangov, pois ele sempre se sente o juiz do mundo, e não sua vítima.

Astangov conseguiu mostrar um Romeu pensante, que compreende toda a injustiça das fundações feudais que desfiguram as relações humanas. Mas ele enfatizou desnecessariamente que Romeo sente sua força e invencibilidade. O intérprete criou a imagem de um jovem da época, que atraiu atenção e reflexão, mas isso prejudicou sua alegria e alegria. Assim, o plano foi violado não só pelo dramaturgo, mas também pelo diretor da peça, que procurou enfatizar o otimismo de Romeu. Mas o Hamletismo do Romeu de Astangov não foi acidental, decorreu do conceito geral da performance, em que a crueldade do século foi tão fortemente enfatizada. É por isso que Romeo - Astangov invariavelmente sentiu que algum tipo de força fatal gravitava sobre ele. Ele estava deprimido e deprimido o tempo todo. Mas não ficou totalmente claro para o espectador o que obscureceu a luz e a alegria da vida deste belo jovem, por que ele se submete totalmente ao seu estado de espírito ansioso, não busca uma saída, não busca influenciar os acontecimentos. Eles pareciam fluir por ele. Ele viveu em seu mundo interior, no qual reina o sentimento da inevitabilidade de uma catástrofe. Portanto, a psicologização excessiva levou Astangov a uma complexidade racionalista da imagem.

Não é de surpreender que o desempenho de Astangov tenha sido emocionalmente monótono. A tristeza de um jovem apaixonado apenas pelo amor, como durante a paixão de Rosalina, não abandona Romeu, que encontrou em Julieta a verdadeira personificação de seu ideal. O próprio episódio do amor de Romeu e Rosalina foi amassado no teatro. Na peça, foi lançado um diálogo em que Lorenzo, ao saber do amor de Romeu por Julieta, o repreende por inconstância. Isso é totalmente natural na interpretação de Astangov, em que o amor ocupa pouco espaço. Portanto, todos os monólogos de Romeu em Astangov se transformam em uma recitação lírica. Em Shakespeare, porém, a recitação ocorre apenas nas primeiras cenas, quando Romeu fala com queixas incessantes sobre o terrível poder do amor. Essa declamação sem sentido se transforma em uma expressão apaixonada de sentimento vivo genuíno a partir do momento em que Romeu conhece Julieta.

Mas na boca de Astangov, palavras entusiasmadas ainda soavam monotonamente:

Ao seu redor, o brilho das tochas se apagou!

Na noite ela brilha como um diamante

Como um brinco brilhante na orelha do mouro;

Ela é preciosa demais para o mundo!

Como uma pomba da neve é ​​branca entre os corvos,

Sua beleza é prejudicial para todos os companheiros.

Ao saber que foi capturado pela filha de um inimigo, Romeu percebe imediatamente que conflito complexo e perigoso surgiu junto com um grande amor. Aqui está o começo da luta pelo direito humano à felicidade. Na atuação de Astangov, esse momento é apenas uma das manifestações daquela desesperança fatal que Romeu sentia antes.

Nos monólogos de amor de Romeu - Astangov na varanda de Julieta, há mais melancolia do que alegria. Quanto mais profundo seu sentimento, mais cheia sua alma, mais forte sua tristeza. Como se ele percebesse que tudo que é belo está fadado à destruição. Quando Romeu - Astangov apela para Julieta: "Oh, minha amante, meu amor!" - então essas palavras não soam prazer na frente do amado, mas a consciência de seu destino comum. A amargura, incomum da juventude, está imbuída de Romeo-Astangov em todos os seus sentimentos.

A natureza da performance não muda com Astangov, mesmo quando a atmosfera trágica se torna mais densa, quando mais e mais nuvens se acumulam sobre os amantes e os presságios de uma catástrofe iminente aparecem. A escalada de experiências trágicas se expressa apenas no fato de Romeu - Astangov ficar cada vez mais cansado e exausto.

Astangov superou os clichês de um amante lírico que existia no palco, mas na imagem que criou, as cores shakespearianas se desvaneceram. Não havia tons alegres na paleta do ator para descrever o personagem de um homem renascentista. A consciência do destino fatal obscurece o motivo do amor sem limites e da luta apaixonada pelo direito de amar, uma luta cujo resultado ainda é desconhecido para ele. Isso não deu a Astangov a oportunidade de subir em sua atuação às alturas da tragédia social, segundo a qual o diretor havia concebido a produção de Romeu e Julieta.

Portanto, surgiram dificuldades excepcionais para o intérprete do papel de Julieta. Ela precisava criar um dueto de amor com um parceiro que não revelasse o poder do amor de seu herói. Mas o papel de Julieta é um daqueles que exigem uma comunicação de palco particularmente sutil com um parceiro. Na produção do Teatro da Revolução, essa comunicação não foi, porque Romeu, interpretado por Astangov, poderia amortecer a Julieta mais amorosa. Enquanto isso, a unidade no amor é o motivo central da tragédia. Entre os amantes de Shakespeare, é impossível um sentimento de desconfiança mútua, orgulho falso ou orgulho insatisfeito e outros sentimentos egocêntricos egoístas, característicos de muitos heróis de romances e dramas dos tempos modernos.

Romeu não conhece sentimentos conflitantes, duvida se o novo amor será a mesma ilusão do anterior, e o encanto de Julieta é tão efêmero quanto o de Rosalina, que antes o admirava.

Tal sistema de pensamentos e experiências era típico do herói do drama dos séculos 19-20, construído sobre o conflito de amantes, que devem lutar não com obstáculos externos, mas superar colisões psicológicas internas.

Os amantes de Shakespeare não conhecem tais conflitos psicológicos. Nesse sentido, “Romeu e Julieta” é a obra de um artista que se encontra à beira de duas épocas. Esta é a última tragédia dos velhos tempos, em que os conflitos que levavam à morte de amantes eram determinados não por conflitos internos, mas exclusivamente por preconceitos de classe e religiosos, que causavam infortúnios a dois sem fim amigo amoroso amigo criatura.

Os críticos não apreciaram suficientemente a originalidade criada por M.I. A imagem de Julieta de Babanov, e alguns críticos até acreditaram que esse papel não pertence a sucesso criativo atriz talentosa. E, no entanto, é preciso dizer que foi a imagem de Julieta - Babanova que despertou grande interesse na atuação.

Entre as imagens femininas de Shakespeare, com algumas exceções, ainda não suficientemente desenvolvidas no palco soviético, a imagem de Juliet-Babanova se destaca pelo frescor e novidade da decisão. Essa imagem carrega a marca da individualidade criativa de uma artista em busca, que consegue entender o papel à sua maneira e não seguir a tradição geralmente aceita, mesmo que essa tradição venha de intérpretes famosos. Um dos espectadores falou com grande espontaneidade sobre o encanto especial da imagem de Julieta - Babanova: "Provavelmente existem outras Julietas, mas você não quer acreditar quando vê Babanova." A origem desse encanto fica clara ao olhar para a aquarela do artista A. Fonvizin, retratando Babanova. Vemos uma menina, quase uma menina, com uma redondeza especial de linhas inerentes apenas às crianças, um rosto oval suave. Mas a menina pensou profundamente em algo e, pensando profundamente, como um adulto, apoiou a cabeça na mão. Seu olhar está fixo na distância. Nesse olhar, a mente, o pensamento. Essa é a visão de uma criança que conhece o mundo, que não apenas conhece a realidade, mas também a compreende intensamente. Aqui foi capturado o típico que define a face criativa do artista. Ela está especialmente próxima do mundo espiritual de um jovem que entra na vida e a compreende. Tais eram suas jovens heroínas soviéticas, determinadas a participar ativamente da construção de uma nova vida. Essa atitude determina sua concepção da imagem shakespeariana.

Babanova não moderniza a imagem de Julieta. Observando as distâncias históricas, transmite o pathos de um verdadeiro homem do Renascimento, que não só terá de ver o mundo de uma nova forma, mas sobretudo de fazer valer a sua vontade desafiando este mundo. Assim, com essa ideia, Babanova enfatiza que a jovem Julieta ainda é uma criança, mas uma criança que sempre agirá à sua maneira, não obedecendo aos adultos que não entendem o que é o mais importante, o mais interessante da vida, porque os adultos têm suas próprias idéias estúpidas sobre o mundo. Tal criança não pode ser persuadida, não pode ser dobrada. Mesmo assim, é apenas uma criança que sente que está certa, e não um adulto que está ciente disso. Portanto, a determinação de Julieta em lutar por seu amor até o fim nasce mais da perseverança de uma criança do que da vontade de uma pessoa madura. Esses são os pontos fortes e fracos do desempenho de Babanova.

Para Julieta, chega um momento na vida em que ela deve reavaliar seu mundo anterior, tudo o que seu pai, sua mãe, todos ao seu redor vivem, para perceber que esse mundo está errado em relação a ela. Em Julieta - Babanova, em vez da consciência da injustiça do mundo, muitas vezes aparece um ressentimento infantil contra o mundo. Os gestos e movimentos bruscos e bruscos que a artista encontra para expressar os sentimentos de sua heroína só podem ser explicados pelo capricho da criança. Tudo isso impede Babanova de revelar a tragédia da imagem e às vezes obscurece o verdadeiro valor que ela contribuiu para o desempenho do papel.

Babanova criou uma personificação única do amor em sua poesia e sinceridade excepcionais. A atriz revela o amor de Julieta como um sentimento brilhante, puro e ao mesmo tempo completamente emocionante e excepcional. A ternura de Julieta, que tantas vezes soa falsa e fingida do palco, brilhava na voz da artista, como rajadas de um riacho, como o ressoar de um cristal. Vale a pena fechar os olhos por um minuto e imaginar mentalmente como ela disse: "Romeu, querido!" - e imediatamente uma imagem encantadora da heroína de Shakespeare surge na memória. As palavras de amor de Babanova soam como uma bela melodia. Exclusivamente voz musical, expressando os tons mais sutis de sentimentos e humores, deu ao artista excelentes oportunidades para incorporar os sentimentos trêmulos de Julieta.

Sem amor, não há Julieta. E retratar o amor da maneira que Babanova fez é um grande mérito do artista e uma grande contribuição para a história da criação da imagem de Julieta. Olhando para Julieta - Babanova, o espectador sentiu que ela foi criada "para o amor, para um momento completo e maravilhoso".

Quando Babanova, toda de branco, com bordados brancos nas mãos, voou para o palco, ela era a personificação da poesia e da juventude. A poesia que todo o ser de Julieta respira deve ser traduzida na poesia do amor. Este é o propósito da heroína de Shakespeare. Este é o sentido de sua vida. Para alcançá-lo, ela tem um longo caminho a percorrer. Uma menina submissa à vontade dos pais, uma menina que sentiu "o início de uma paixão fatal", uma mulher que decide que se "não houver como salvar meu amor, decidirei partir luz branca", - essas são as etapas que se tornam os pontos de referência da atriz para o papel. Babanova mostra como a mente de Julieta se desenvolve, como se manifesta em seu comportamento cada vez mais resoluto. Para Julieta, o amor não são suspiros e recitações, mas uma questão de vida. É por isso que a artista faz tanto sucesso com todas aquelas observações em que se manifesta o armazém realista do personagem de sua heroína.

Mais de uma vez, os intérpretes desse papel causaram risos no auditório ao proferir as palavras com que a jovem rejeitou os juramentos de seu amante: "Oh, não jure pela lua minguante, que muda de aparência todos os meses para que o amor não se torna mutável." Além disso, a abordagem quase profissional de Julieta para as relações com Romeu causou risos:

Quando sua inclinação para mim é séria

E se você quiser se casar - me avise

Com aqueles que vêm de mim pela manhã,

Onde e quando você quer se casar...

A pressa com que Julieta se adianta com suas perguntas não deixou de ter um toque de vulgaridade em algumas atrizes. Na boca de Julieta - Babanova, essas palavras soam muito naturais e ingênuas. É verdade que há uma pitada de astúcia neles, mas é a astúcia de uma criança que não percebe que as pessoas têm pensamentos ocultos, considerações estranhas. Esse imediatismo, associado à integridade da natureza e ainda pouco desenvolvida, mas uma mente clara, dá a Juliet a oportunidade de entender situações complexas e intrincadas.

Recordemos a cena em que ela fica sabendo pela enfermeira que Romeu matou Tebaldo. Por um momento, Julieta é uma menina, confusa com o inesperado do que aconteceu. Mas a ideia já está começando a funcionar. Como é possível uma pessoa próxima matar outra Amado? Como entender que aquele que parecia perfeito é na verdade o oposto do que parecia ser? As perguntas surgem uma após a outra. E de repente sua mão agarra a adaga. O sangue de Tybalt inflama nela. Mas a razão vence. Afinal, isso não é uma opção! E o sentimento diz: o que espera Romeu agora?

Uma mente clara encontra uma saída para contradições aparentemente insolúveis. Babanova cria uma mudança psicologicamente atraente e emocionante de humores conflitantes. Aqui está ela de joelhos, curvada, a cabeça quase tocando o chão. Ela não está apenas com o coração partido, mas deprimida com as coisas incompreensíveis e absurdas que estão acontecendo no mundo. De repente, ela levanta a cabeça e gradualmente se endireita. Ele abre bem os braços - para que seja fácil e livre respirar. Ela é a velha Julieta novamente. Solução encontrada.

Você matou seu irmão

Desperdício! Mas um irmão mau mataria

Minha esposa. Volte, lágrimas.

Para fonte. Vocês são tributários da tristeza

E por engano você derrama felicidade:

Marido vive! Tybalt queria matá-lo.

Tybalt é morto. Ele queria matar o marido dela.

Tudo está bem. Por que eu deveria chorar?

Neste raciocínio encontra uma explicação da essência das coisas. Julieta - Babanova tudo se esclarece, se ilumina para perceber em um minuto com horror a notícia da expulsão de Romeu. Babanova conseguiu interpretar essa uma das cenas mais difíceis com grande brilhantismo, pois percebeu que somente a mente liberada de uma pessoa poderia ditar tais discursos para Julieta.

Um tipo diferente de dificuldade é apresentado ao ator na próxima cena de um encontro noturno. Aqui o papel segue no mesmo registro: Julieta é amorosa e feliz. Babanova deveria transmitir a complexidade do sentimento que combina diferentes tons de egoísmo e sacrifício, o florescimento da personalidade e sua dissolução na personalidade do outro.

Julieta está feliz. Ela não quer deixar Romeu ir embora, embora saiba que ao amanhecer ele precisa ir embora. A artista põe todo o seu encanto nas palavras com que Julieta convence o seu amante:

Voce quer ir embora? Afinal, a manhã não está chegando;

Não uma cotovia, um rouxinol perfurado

Seus ouvidos estão alertas. à noite ele

Canta em uma árvore de romã.

Acredite, meu amor, é um rouxinol.

Mas o egoísmo do amor é rapidamente substituído pelo medo do amado, e imediatamente as notas do medo explodem na melodia única do amor.

Vá rápidamente!

Essa cotovia canta tão desafinada,

Puxando um som forte e agudo.

Todos esses momentos maravilhosos separados criam uma imagem peculiar e cativante, porém, às vezes muito infantil e, portanto, não recebeu um som heróico. Mas o artista transmitiu o encanto do amor e o brilho da mente ao jovem Capuleto - e essa nova compreensão do personagem de Shakespeare apoiou todo o conceito da peça, que fala sobre pessoas grandes e reais.

INFERNO. Popov conseguiu realizar a gratificante tarefa de dar uma interpretação atualizada da tragédia, que mudou radicalmente a interpretação cênica predominante dela. A ruptura total e incondicional com os clichês líricos se refletiu na sequência com que ele realiza o tema da luta trágica por uma nova compreensão da vida e do amor ao longo da performance. Ele conseguiu mostrar o drama do amor no palco como uma tragédia social. As imagens da tragédia foram compreendidas como criações típicas da época. O mérito de Popov está na reprodução historicamente concreta da época, alheia à estilização, no desenvolvimento psicológico profundo das relações sociais, na exacerbação dos conflitos sociais, no "ritmo borbulhante da performance" que transmite a estrutura trágica da peça, em geral - na luta pelo realismo de Shakespeare. Mas a posição polêmica de Popov às vezes o levava a simplificar a história e, portanto, a algumas conclusões incorretas, o que, ao contrário das intenções do diretor, afetou duramente sua produção.

Literatura

• 1. "Década teatral", 1935, nº 13, pp. 7-8.
• 2. Alexey Popov, Sobre a integridade artística da performance, M., "Arte", 1957, pp. 48-49.
• 3. E. Dowden, Shakespeare. Estudo crítico de seu pensamento e de sua obra, p. 103.
• 4. V.G. Belinsky, cartas selecionadas, vol. II, Moscou, Goslitizdat, 1955, p. 150.