Coro Folclórico Russo M.E. Pyatnitsky

De arafans ao chão, kokoshniks e arte musical. Coros folclóricos russos com o título de "acadêmicos" - em reconhecimento ao nível superior encenação. Mais sobre o caminho dos "populistas" para o grande palco - Natalia Letnikova.

Coro Cossaco Kuban

200 anos de história. As canções dos cossacos são uma marcha a cavalo ou uma surtida a pé sob "Marusya, um, dois, três ..." com um apito valente. 1811 - o ano da criação do primeiro coro na Rússia. Um monumento histórico vivo que carregou a história de Kuban e as tradições de canto ao longo dos séculos exército cossaco. Nas origens estavam o iluminador espiritual do Kuban, o arcipreste Kirill Rossinsky e o regente Grigory Grechinsky. A partir de meados do século 19, a equipe não só participou de serviços divinos, mas também deu concertos seculares no espírito dos imprudentes homens livres cossacos e, segundo Yesenin, "feliz saudade".

Coro Mitrofan Pyatnitsky

Uma equipa que se autodenomina orgulhosamente "camponesa" há um século. E mesmo que hoje artistas profissionais se apresentem no palco, e não camponeses vociferantes comuns da Grande Rússia de Ryazan, Voronezh e outras províncias, o coro apresenta uma canção folclórica em incrível harmonia e beleza. Cada performance é admirável, como há cem anos. O primeiro concerto do coro camponês aconteceu no salão da Assembleia Nobre. O público, incluindo Rachmaninov, Chaliapin, Bunin, ficou chocado após a apresentação.

Coro Folclórico do Norte

Uma simples professora rural Antonina Kolotilova morava em Veliky Ustyug. Amantes reunidos para bordados sobre músicas nativas. Numa noite de fevereiro costuraram linho para o orfanato: “A luz suave e suave que caia da lâmpada do relâmpago criava um conforto especial. E fora da janela o mau tempo de fevereiro rugia, o vento assobiava na chaminé, sacudia as tábuas do telhado, jogava flocos de neve pela janela. A partir dessa discrepância entre o calor de uma sala aconchegante e o uivo de uma nevasca, fiquei um pouco triste na alma. E de repente uma música soou, triste, persistente ... "É assim que soa a música do norte - 90 anos. Já fora do palco.

Ryazan Folk Choir nomeado após Evgeny Popov

As canções de Yesenin. Na terra natal do principal cantor da terra russa, seus poemas são cantados. Melódico, comovente, emocionante. Onde uma bétula branca não é uma árvore, nem uma menina, congelada na margem alta do Oka. E o álamo é certamente "prateado e brilhante". O coro foi criado com base no conjunto de folclore rural da aldeia de Bolshaya Zhuravinka, que se apresentava desde 1932. O coro Ryazan teve sorte. O próprio chefe do grupo, Yevgeny Popov, escreveu música para os poemas de um compatriota que tinha um incrível senso de beleza. Eles cantam essas músicas como se estivessem falando sobre suas vidas. Quente e gentil.

coro folclórico da Sibéria

Coro, balé, orquestra, estúdio infantil. coro siberiano multifacetado e em sintonia com o vento gelado. O programa do concerto "Yamshchitsky skaz" é baseado no material musical, musical e coreográfico da região da Sibéria, como muitos esboços de palco do grupo. A criatividade dos siberianos foi vista em 50 países do mundo - da Alemanha e Bélgica à Mongólia e Coréia. Sobre o que eles vivem, eles cantam. Primeiro na Sibéria e depois em todo o país. Como aconteceu com a música de Nikolai Kudrin "Bread is the head of everything", que foi interpretada pela primeira vez pelo Siberian Choir.

Voronezh Russian Folk Choir nomeado após Konstantin Massalitinov

Músicas na linha de frente naqueles dias difíceis, quando, ao que parece, não há tempo para criatividade. O coro Voronezh apareceu no assentamento de Anna no auge da Grande Guerra Patriótica - em 1943. Os primeiros a ouvir as músicas da nova banda foram nas unidades militares. Primeiro grande concerto- com lágrimas nos olhos - passou em Voronezh, libertado dos alemães. No repertório - canções líricas e cantigas, que são conhecidas e amadas na Rússia. Inclusive graças à solista mais famosa do coro Voronezh - Maria Mordasova.

Volga Folk Choir nomeado após Pyotr Miloslavov

“Um vento de estepe percorre o palco do teatro Châtelet e traz-nos o aroma de canções e danças originais”,- escreveu o jornal francês L'Umanite em 1958. Samara-gorodok apresentou aos franceses a herança musical da região do Volga. O intérprete é o Volga Folk Choir, criado por decisão do governo da RSFSR em 1952 por Pyotr Miloslavov. Vida sem pressa e sincera às margens do grande Volga e no palco. Ekaterina Shavrina começou sua carreira na equipe. O Volga Choir cantou a música "Snow-White Cherry" pela primeira vez.

coro folclórico de Omsk

Tenha paciência com balalaica. O emblema da famosa equipe é bem conhecido na Rússia e no exterior. “Amor e orgulho da terra siberiana”, como os críticos apelidaram a equipe durante uma de suas viagens ao exterior. “O Omsk Folk Choir não pode ser chamado apenas de restaurador e guardião de uma velha canção folclórica. Ele mesmo é uma personificação viva Arte folclórica nossos dias",- escreveu britânico o Telégrafo Diário. O repertório é baseado em canções siberianas gravadas pela fundadora da banda, Elena Kalugina, meio século atrás e imagens vívidas da vida. Por exemplo, a suíte "Winter Siberian Fun".

coro folclórico dos Urais

Apresentações nas frentes e nos hospitais. Os Urais não apenas deram ao country metal, mas também levantaram o moral com danças rodopiantes e circulares, o material folclórico mais rico da terra dos Urais. Sob a Filarmônica de Sverdlovsk, grupos amadores das aldeias vizinhas de Izmodenovo, Pokrovskoye, Katarach, Laya foram unidos. "Nosso gênero está vivo"- dizem na equipe hoje. E salvar esta vida é considerada a principal tarefa. Como o famoso Ural "Semyora". Drobushki e Barabushki estão no palco há 70 anos. Não uma dança, mas uma dança. Autêntico e remoto.

Coro folclórico de Orenburg

Um cachecol como parte de uma fantasia de palco. Rendas fofas entrelaçadas com canções folclóricas e dança redonda - como parte da vida dos cossacos de Orenburg. A equipe foi criada em 1958 para preservar a cultura e os rituais únicos que existem "à beira da vasta Rus', ao longo das margens dos Urais". Cada performance é como uma performance. Eles executam não apenas músicas que o povo compôs. Até no baile base literária. "Quando os cossacos choram" - uma composição coreográfica baseada na história de Mikhail Sholokhov da vida dos aldeões. No entanto, cada música ou dança tem sua própria história.

Coro folclórico do norte da Rússia - a alma do Mar Branco

Os Arkhangelsk Pomors são descendentes dos antigos novgorodianos que se estabeleceram nesta região nos tempos antigos. Sua arte ainda é preservada em sua forma original. Este mundo artístico peculiar com suas próprias leis e conceitos de beleza. Ao mesmo tempo, nas canções e danças do Norte, o humor, o entusiasmo e o temperamento interior característicos dos Pomors são claramente manifestados. A arte da música do norte é especial, distingue-se pela severidade do estilo, pureza casta e contenção, tudo isso é combinado com um épico corajoso e um começo obstinado.
O Coro do Norte é justamente chamado de pérola da cultura russa. Durante 85 anos de existência, nunca mudou de função. Cada apresentação é um mundo artístico especial e uma performance dinâmica brilhante: grandes apresentações de enredo, composições vocais e coreográficas, fotos de feriados folclóricos. Todas as sombras sonoras da natureza do norte são ouvidas na polifonia musical do coro: o dialeto pensativo da taiga, a castidade suave dos rios, a profundidade ecoante do oceano e o tremor transparente das noites brancas.

Antonina Yakovlevna KOLOTILOVA - fundadora e diretora artística da State Academic Northern Russian coro folclórico (1926 – 1960), artista do povo RSFSR, Artista Homenageado da RSFSR, laureado com o Prêmio do Estado da URSS

“Aquele que não ama sua canção nativa não ama seu povo nativo!”(A.Ya. Kolotilova)

Antonina Yakovlevna Kolotilova (Sherstkova) nasceu em 1890 na aldeia de Zhilino, não muito longe de cidade antiga Veliky Ustyug.
Em 1909, Kolotilova formou-se com louvor no Ginásio Feminino Veliky Ustyug e foi lecionar em uma escola rural na vila de Pelyaginets, distrito de Nikolsky, província de Vologda. Foi nesta aldeia que Antonina Kolotilova começou a mostrar o seu interesse profissional pelo folclore. Ela sempre observou com interesse as cerimônias do norte, ouviu canções, aprendeu a lamentar, engrandecer-se, dominou a maneira de se mover de meninas e mulheres em danças circulares, quadrilhas e reverências.
Kolotilova, nascida e criada no norte da Rússia, amava profundamente sua terra natal, especialmente a extensão de prados inundados na época das gramíneas floridas.
Em 1914, Antonina Yakovlevna casou-se e mudou-se para Nikolsk. Lá ela trabalha como professora em uma escola folclórica e continua coletando e gravando canções, contos e cantigas locais. O talento artístico inato ajudou a jovem a dominar facilmente a cultura e a forma de atuação.
Após 5 anos, os Kolotilovs mudaram-se para Veliky Ustyug. É nesta antiga cidade do norte da Rússia que começa a história do Coro do Norte. Aqui Antonina Yakovlevna organiza um conjunto feminino amador, que se apresenta em clubes, e um pouco mais tarde em uma emissora de rádio aberta na cidade. Devo dizer que os primeiros integrantes da equipe eram em sua maioria donas de casa. Eles vinham facilmente ao apartamento dela, organizavam ensaios coletivos, estudavam as músicas que os interessavam. Os shows dos jovens coristas foram recebidos com aprovação pelos ouvintes, e as apresentações de rádio tornaram o grupo muito popular. Naquela época, havia cerca de 15 pessoas no coro amador de Kolotilova.

“Antonina Yakovlevna mereceu plenamente o amor do povo e a glória de si mesma, porque deu todas as suas forças e pensamentos, energia inesgotável e paixão de sua alma ao canto folclórico e ao coro que ela criou ... Se esta mulher maravilhosa não tivesse sido no mundo, não haveria nosso coro folclórico do norte da Rússia!"(Nina Konstantinovna Meshko)

Nascimento do Coro do Norte

Em 1922, em Moscou, no estúdio de gravação, Antonina Yakovlevna conheceu Mitrofan Pyatnitsky. Foi esse encontro que se tornou um marco para Kolotilova. O conhecimento do trabalho do coro Pyatnitsky serviu de impulso para a criação de seu próprio coro folclórico de canções do norte. Em 8 de março de 1926, um pequeno grupo amador se apresentou pela primeira vez na Casa dos Trabalhadores da Educação. Este dia se tornou o aniversário do Coro Folclórico do Norte da Rússia.
No início, o coro era etnográfico, mas depois as condições de vida no palco exigiram uma reestruturação organizacional e criativa: surgiu um grupo de dança e acordeonistas. Em 1952, um grupo orquestral foi organizado como parte do coro através dos esforços do compositor V.A. laptev.
Na equipe então havia apenas 12 cantores. Os trajes das mães e avós serviam de fantasias - verdadeiros vestidos de verão e blusas camponesas. Os primeiros harmonistas foram os irmãos Tryapitsyn Boris e Dmitry, bem como o irmão mais novo de Antonina Yakovlevna Valery Sherstkov. As festas nos ensaios eram ministradas pela voz do diretor artístico. Antonina Yakovlevna não só mostrou como cantar, mas também como se mover corretamente, se curvar e se comportar no palco.
O coro recém-criado sempre foi muito bem recebido nos empreendimentos da cidade, em instituições educacionais, aldeias vizinhas. O status de grupo amador não impediu Kolotilova de trabalhar com seriedade, tratando cuidadosamente a canção do norte e reproduzindo com precisão a forma de sua atuação! Ela nunca mudou esses requisitos no futuro. Nos primeiros anos, o coro executava principalmente velhas canções folclóricas, que as cantoras - ex-camponesas, indígenas habitantes do Norte - conheciam desde a infância, possuíam não só habilidades de execução, mas também estilo folclórico de improvisação. Não é à toa que o Coro do Norte há muito é considerado o mais autêntico etnograficamente, consistente em sua linha criativa, preservando as tradições da canção do norte, e os cantores do coro sempre se distinguiram pela capacidade de penetrar nas profundezas da imagem musical e incorporar em beleza única.
Em 1931, Kolotilova organizou um coro em Arkhangelsk em maior escala, tanto pelo número de participantes quanto pelo volume do repertório. Os programas de concertos incluem canções de Pinezhye, norte da Pomerânia, danças e cenas do cotidiano. O material musical mais rico que Kolotilova coleta durante suas viagens a várias regiões da região de Arkhangelsk. Paralelamente, foram adquiridos trajes para os integrantes do coral.
Em 1935, enquanto viajava por Pomorie, Antonina Yakovlevna conheceu Marfa Semyonovna Kryukova, uma famosa contadora de histórias. Kolotilova garantiu que Kryukova participasse do primeiro All-Union Radio Festival (1936). No futuro, Marfa Kryukova viajou com o Coro do Norte para Moscou, onde, junto com Antonina Yakovlevna, trabalhou nos primeiros contos.
Além dos épicos, os programas do coro sempre incluíram canções-bufões engraçadas, dançantes e cômicas, que conduzem da arte dos músicos-bufões itinerantes, e canções líricas prolongadas, que os cantores interpretaram de maneira comovente e sincera.
Durante a guerra, a equipe deu muitos shows. Eles viajavam em vans, viviam na miséria, não dormiam e, de vez em quando, escapavam dos bombardeios. Eles foram para a Frota do Norte, para Murmansk, o Ártico, para a frente careliana-finlandesa, para os Urais. Em 1944 partiram por seis meses para o Extremo Oriente.

Antonina Kolotilova: “Eu amo meu norte natal e canto canções para ele!”

Até 1960, Antonina Yakovlevna permaneceu como diretora artística do grupo. Todos os anos da obra de Kolotilova foram repletos de trabalho incansável e árduo e ardor criativo, um desejo sincero de preservar e transmitir aos contemporâneos a profundidade da originalidade e beleza da arte popular do Território do Norte, busca constante sempre novas formas cênicas e meios performáticos. A vida de Kolotilova foi um verdadeiro feito criativo, e as tradições por ela estabelecidas estão vivas na equipe.

Fonte: Proeminentes residentes de Vologda: esboços biográficos/
Ed. conselho "Vologda encyclopecia" - Vologda:
VSPU, editora "Rus", 2005. - 568 p. - ISBN 5-87822-271-X

Em 1960, a Artista do Povo da RSFSR, laureada com o Prêmio Estadual Antonina Yakovlevna Kolotilova, entregou a liderança da equipe a um graduado do Conservatório Estadual Tchaikovsky de Moscou, professor experiente e a maestrina Nina Konstantinovna Meshko. novo período na vida da equipe é marcada pelo crescimento do profissionalismo e cultura de palco.

Nina Konstantinovna Meshko - Artista do Povo da URSS, laureada com o Prêmio Estadual da RSFSR em homenagem a Glinka, diretora artística do coro folclórico do norte de 1960 a 2008, acadêmica da IAU, professora do departamento da Academia Russa de Ciências. Gnesinas

“As pessoas são baseadas em sua cultura indígena tradicional!”(Nina Meshko)

Nina Meshko nasceu em 1917 na aldeia de Malakhovo, distrito de Rzhevsky, região de Tver, em uma família de professores, onde gostava muito de canções. A mãe, Alexandra Vasilievna, tinha uma voz maravilhosa, e seu pai, Konstantin Ivanovich, não apenas liderava o coro da escola, mas também adorava cantar na igreja local.

Das memórias de N.K. Meshko: “Não me lembro quantos anos eu tinha, talvez até menos de um ano ... Eu estava enrolado em um lenço felpudo e alguém me segurava nos braços. Na cozinha, as pessoas estavam sentadas ao redor de uma grande mesa de madeira e todos cantavam. E ao mesmo tempo experimentei uma felicidade completamente inexplicável ... "

A pequena Nina dominou independentemente o piano, estudou teoria musical elementar, solfejo. E ficou tão arrebatada pelo mundo da música que decidiu: só música e nada mais! E, portanto, sem dúvida, Nina Meshko entra na escola de música com o nome da Revolução de Outubro, e depois de se formar no Conservatório de Moscou como maestro e corpo docente coral. Foi lá que Nina Konstantinovna ouviu pela primeira vez o Coro do Norte. Ele causou uma impressão muito forte nela.
E então Nina Meshko foi oferecida para criar um coro folclórico da região de Moscou. Foi depois desse trabalho que Nina Konstantinovna finalmente decidiu: só canto folclórico e nada mais.

Das memórias de N.K. Meshko: “Uma espécie de obsessão literalmente explodiu em mim para reviver cultura popular cantoria. Porque ela era a melhor! Esta é uma habilidade e tanto! Isso é evidenciado pelos registros, especialmente os do norte.

Depois do Coro de Moscou, Nina Meshko trabalhou com o Coro de Canções Folclóricas Russas da Rádio All-Union, e então um convite para liderar o Coro do Norte se seguiu. O Norte a conquistou e a fez se apaixonar por si mesma.

Das memórias de N.K. Meshko: “Executar uma música como no Norte pode ser feito por pessoas notavelmente familiarizadas com a cultura do canto, com vozes bonitas, flexíveis e livres.”

Por quase 50 anos, Nina Konstantinovna Meshko liderou o Coro Folclórico Acadêmico do Norte da Rússia, conhecido não apenas na Rússia, mas também muito além de suas fronteiras. Ela assumiu este bastão de sua professora Antonina Kolotilova. Sob Nina Meshko, o coro foi laureado em vários concursos internacionais. Meshko foi o fundador da Escola Gnessin de Canto Folclórico. "School Meshko" trouxe uma galáxia de professores, mestres de coro e cantores folclóricos. Entre eles estão Tatyana Petrova, Nadezhda Babkina, Lyudmila Ryumina, Natalya Boriskova, Mikhail Firsov e muitos outros. Lyudmila Zykina a considerava sua professora. Meshko desenvolveu sua própria técnica coral, que agora é usada por seus numerosos alunos.

Das memórias de N.K. Meshko: “A arte da música é uma crônica da vida de todo o povo russo. É único, extraordinariamente rico, pois a língua russa é insuperavelmente rica. E então está vivo, continuamente se desenvolvendo, renovando, renascendo das cinzas ... O povo é baseado em sua cultura indígena tradicional.

Confissão

Perdoe-me, perdoe-me Senhor
Pelo que eu não pude fazer
E na agitação do dia
Não tive tempo de saldar minhas dívidas.
não consegui dar
Alguém olha, alguém acaricia,
Um não aliviou a dor,
Eu não contei a história para os outros.
Na frente de parentes em uma hora triste
não se arrependeu
E o mendigo na bolsa mais de uma vez
Não deu esmola.
Amigos amorosos, muitas vezes eles
Eu me ofendo involuntariamente
E vendo as tristezas dos outros,
Eu fujo do sofrimento.
Corro ansiosamente para o céu,
Mas o fardo das preocupações atrai para a terra.
Eu quero dar um pedaço de pão -
E eu esqueço em cima da mesa.
eu sei tudo o que devo
Mas não cumpriu a aliança...
Você vai me perdoar Senhor
Por tudo, por tudo, por tudo por isso?

N. Meshko

Irina Lyskova,
Secretária de Imprensa do Coro do Norte

A originalidade do repertório e a atenção à riqueza musical da região

Grupo líder da equipe - coro feminino cativa o ouvinte com seu timbre único, a beleza dos cantos originais, a pureza do som das vozes femininas a cappella. O coro mantém a continuidade da tradição cantante. O coro do norte, que se distingue por uma alta cultura de canto e originalidade única, preserva de forma estável as tradições e a prioridade da alta espiritualidade na performance.
Os trajes do Coro do Norte merecem atenção especial. Criado por figurinistas profissionais, com base nas melhores amostras de coleções de museus Arkhangelsk, Moscou, São Petersburgo, eles são uma imagem coletiva do russo costume nacional nortistas. Durante o show, os artistas trocam de figurino várias vezes - apresentando-se diante do público em trajes festivos, cotidianos ou estilizados criados especificamente para números de shows.
O grupo é composto por três grupos - coral, dança e orquestra de instrumentos folclóricos russos. Em 1952, um grupo orquestral foi organizado como parte do coro por meio dos esforços do compositor V.A. laptev. No som dos instrumentos folclóricos russos da orquestra, há uma sinceridade e calor surpreendentes. A originalidade do repertório e a atenção à riqueza musical da região, a modernidade e o alto nível de execução trazem ao coro um sucesso merecido!
A atenção do espectador está constantemente voltada para o palco: bufões alegres alternam com canções líricas prolongadas, quadrilhas fervorosas substituem danças circulares calmas, cantos a cappella alternam com obras musicais.
O Coro do Norte dá especial atenção à formação do seu ouvinte, do seu telespectador, pelo que muitos dos seus programas são dedicados a crianças, adolescentes e estudantes. O coro continua ativamente sua atividade de concerto na Rússia e no exterior.
Em 1957, a equipe foi laureada no festival de jovens e estudantes de Moscou. Este evento abriu caminho para o coro no exterior. Começou uma nova etapa nas atividades do coletivo, para alcançar o reconhecimento no exterior, o coral deve ser especial.
Desde 1959, o coro viajou para a Polônia, Bulgária, França, Alemanha, Itália, China, Índia, Afeganistão, Japão, Tunísia e Estados Unidos. A equipe foi várias vezes à Finlândia com shows, visitou a Suécia e a Noruega. Preparou o programa "Arctic Rhapsody" junto com o grupo de dança folclórica "Rimpparemmi" na Finlândia (Rovaniemi). Ele trabalhou em 2004 e 2007 em Damasco (Síria), onde os Dias da Rússia foram realizados no centro russo-sírio. Em 2005, a equipa é convidada pela associação museológica da cidade de Varde (Noruega) para celebrar o aniversário da cidade. No outono de 2005, a equipe participa do festival de cultura e cinematografia russa em Nice. “Os cantos mais íntimos da alma francesa foram tocados por artistas - nortistas da Rússia, tendo recebido uma resposta emocional poderosa, o público não deixou os artistas irem por muito tempo, aplaudindo com lágrimas nos olhos. Este é o triunfo da arte folclórica nacional russa!” - foi assim que as apresentações do coro foram avaliadas pela mídia francesa. Em 2007, o Coro do Norte foi oficialmente convidado pelo Ministério da Cultura da Síria, pelo Escritório de Representação do Roszarubezhcenter na República Árabe da Síria e pela Centro Cultural em Damasco para o festival folclórico na cidade de Bosra.
O Coro do Norte participa regularmente de grandes eventos na Rússia, por isso, na primavera de 2004, a equipe participou do Festival de Páscoa em Moscou, em 2005, junto com o Artista Homenageado da Rússia, aluno de N.K. Meshko T. Petrova e Nacional orquestra acadêmica instrumentos folclóricos da Rússia com o nome de N.P. Osipova participou da celebração do 250º aniversário da Universidade Estadual de Moscou.
O Coro do Norte combina com sucesso a música de autor de compositores modernos com melodias folclóricas tradicionais, alcançando a verdade do palco e o sabor do norte na performance dos artistas. O repertório do coro inclui canções baseadas em poemas de: Sergei Yesenin, Olga Fokina, Larisa Vasilyeva, Alexander Prokofiev, Viktor Bokov, poetas de Arkhangelsk Dmitry Ushakov e Nikolai Zhuravlev, Oleg Dumansky.

Prêmios e títulos do coro do norte

Por seus 85 anos de vida criativa, a equipe recebeu altos títulos e prêmios.

1940
A equipe recebeu o status de equipe estadual profissional.

1944
1 prêmio na revisão de coros de toda a Rússia (Moscou)

1957
Laureado e Grande Medalha de Ouro do VI Festival Mundial da Juventude e dos Estudantes (Moscou).
Laureado e Diploma de 1º grau (secundário) no segundo All-Union Festival teatros musicais, conjuntos, coros (Moscou).

1967
Diploma da revisão All-Union de grupos de arte profissionais.

1971
Laureado do VI Festival Internacional de Folclore em Tunis.

1975
Laureado e Diploma de 1º grau na Revista Pan-Russa de Coros Folclóricos Russos Profissionais.

1976
Por despacho do Ministro da Cultura, foi-lhe atribuído o título - "Académico".

1977
Laureado e Medalha de Ouro do Festival de Magdeburg da Amizade Soviético-Alemã.
Laureado do concurso de grupos artísticos da Rússia.

1999
Laureado do IV festival "Folklore Spring" e 1 Festival de toda a Rússia cultura nacional.

ano 2001
Laureado do Festival Internacional de Folclore em Saint-Ghislain (Bélgica).

2002
Laureado do Festival Internacional de Folclore em Rovaniemi (Finlândia).
Laureado do All-Russian Moscow Festival culturas nacionais.

2003
Laureado do Festival Russo de Culturas Nacionais (São Petersburgo).
Vencedor do congresso e festival de culturas nacionais dos povos da Rússia (Nizhny Novgorod).

2007
Laureado do festival de arte popular na cidade de Bosra (República Árabe Síria).

2010
Laureado do I Festival Pan-Russo de Arte do Canto Folclórico "Origens Eternas" (Moscou).

2011
8 de março programa de concerto"Northern Choir for All Seasons" marcou o 85º aniversário do Coro do Norte.
O Coro do Norte recebeu o status de "Objeto especialmente valioso do patrimônio cultural da região de Arkhangelsk".
Laureado do Festival Internacional de Natal na Itália. No âmbito da competição, a equipa recebeu dois diplomas de ouro nas nomeações "Folclore de Palco" e "Canto Espiritual".

ano 2012
Laureado do festival de coros profissionais "Dança redonda eslava" (Ryazan).
Organizadora do II Festival Pan-Russo em memória do Artista do Povo da URSS, diretora artística do grupo Nina Konstantinovna Meshko.

Líderes do Coro do Norte

Diretor do coro: Natália GeorgievnaAsadchik.

Diretor artistico: Artista Homenageado da Rússia, Professora da Academia Gnessin de Música Svetlana Konopyanovna Ignatieva.

Maestro Principal: Artista Homenageado da Rússia Alexander Mikhailovich Kachaev.

Coreógrafo principal: Artista Homenageado da Rússia Selivanov Alexander Petrovich.

O coletivo remonta à sua história em 2 de março de 1911, quando aconteceu o primeiro concerto do coro camponês liderado por Mitrofan Efimovich Pyatnitsky no pequeno palco da Assembleia Nobre. O programa do primeiro concerto incluiu 27 canções das regiões russas de Voronezh, Ryazan e Smolensk. Sergei Rachmaninoff, Fyodor Chaliapin e Ivan Bunin ficaram chocados com a arte de cantar primitiva e inspirada dos camponeses e deram a mais alta avaliação aos cantores e músicos camponeses. Essa avaliação contribuiu muito para a formação da equipe como uma unidade criativa. palco russo aqueles anos. Até 1917, a equipe era "amadora". Após a Revolução de Outubro, a atividade do coro foi apoiada pelo governo soviético. Todos os participantes se mudam para residência permanente em Moscou. E desde o início da década de 1920, o coro realiza uma grande atividade de concertos não apenas em Moscou, mas em todo o país.

Desde o início da década de 1930, o grupo foi dirigido como diretor musical pelo Artista do Povo da URSS, laureado com os Prêmios Estaduais V. G. Zakharov, cujas canções de autor "E quem sabe", "Ao longo da aldeia", "Beleza Russa", glorificaram o Coro Pyatnitsky em todo o país.

No final dos anos 30, uma orquestra e grupo de dança chefiado pelo Artista do Povo da Federação Russa V.V. Khvatov e Artista do Povo da URSS, laureado com Prêmios Estaduais, Professor T.A. Ustinova. Isso possibilitou expandir significativamente os meios expressivos do palco, e essa base estrutural foi preservada até os dias de hoje, e muitos coletivos estaduais foram criados nessa imagem.

Durante a Segunda Guerra Mundial, o coro com o nome de M.E. Pyatnitsky conduziu uma grande atividade de concerto como parte das brigadas de concerto da linha de frente. E a música “Oh, fogs” de V.G. Zakharova se tornou o hino do movimento partidário. Em 9 de maio de 1945, o coro foi um dos principais grupos nas comemorações da Grande Vitória em Moscou. Além disso, foi uma das primeiras equipes que foi incumbida de representar o país no exterior. Em todas as décadas subsequentes, o coro com o nome de M.E. Pyatnitsky liderou uma grande turnê e atividade de concertos. Ele apresentou sua arte a todos os cantos do país, visitou mais de 40 países do mundo. A equipe criou obras-primas da arte popular mundial.

Uma página significativa na história do grupo é a obra do Artista do Povo da URSS, vencedor do Prêmio Estadual do compositor V.S. Levashov. As canções de V.S. Levashov "Pegue um sobretudo - vamos para casa", "Meus subúrbios nativos" - e hoje são um adorno do palco da música moderna.

Sobre o coro com o nome de M.E. Pyatnitsky criou artístico e documentários, como "Singing Russia", "Russian Fantasy", "All life is in dance", "You, my Russia", Os livros "State Russian Folk Choir nomeado após M.E. Pyatnitsky" foram publicados sobre o M.E. Pyatnitsky Choir, "Memories de V.G. Zakharov", "danças folclóricas russas"; um grande número de coleções musicais “Do repertório do coro com o nome de M.E. Pyatnitsky”, publicações de jornais e revistas, muitos discos foram lançados.

Coro moderno com o nome de M.E. Pyatnitsky é um organismo criativo complexo, composto por corais, orquestrais, grupo de balé com aparato artístico e administrativo.

Fonte - http://www.pyatnitsky.ru/action/page/id/1194/?sub=kolektiv

imagem artística peça de música no coro, é criado e revelado através da melodia e da palavra. Portanto, os principais requisitos técnicos da sonoridade coral são, em primeiro lugar, a precisão da entonação aguda do som de cada cantor em uma parte separada e cada parte no som coral geral; em segundo lugar, a unidade tímbrica e o equilíbrio dinâmico das vozes individuais dentro de cada parte e de todas as partes do conjunto coral geral; em terceiro lugar, uma pronúncia clara das palavras.
Mas uma sonoridade harmoniosa, entoacionalmente pura, equilibrada em força, unida em timbre coral é apenas um pré-requisito para a criação de uma imagem artística que transmita o conteúdo da obra. Portanto, antes de iniciar o aprendizado de uma música, o regente deve, por meio da análise da obra, compreender seu conteúdo e a forma como ela é revelada pelo compositor. Pelo conhecimento do texto literário, pode-se compreender o tema e a ideia da obra e seu caráter: heróico, lírico, cômico etc. , coloração timbre do som, a natureza do movimento da melodia são determinadas , seleção semântica artística de frases.

Após esta análise da obra, é elaborado um plano de execução, ao qual está sujeito todo o trabalho vocal e coral subsequente. O líder determina as dificuldades de domínio do trabalho, traça caminhos para superá-las, desenvolve alguns exercícios e traça um plano de ensaio detalhado.
Trabalhe com o coro nova música geralmente começa com um aprendizado grosseiro - memorizar a melodia, construir intervalos, consonâncias, trabalhar o lado rítmico da obra e a dicção.
À medida que os elementos técnicos são dominados, o diretor passa a dar mais atenção ao acabamento artístico da obra. Chega um momento em que as notas nuas começam a ganhar corpo artístico.
Damos como exemplo uma análise artística e um plano de atuação para trabalhar com o coro na música “Polyushko Kolkhoznoe”, letra e melodia de G. Savitsky, arranjada para composição feminina coro folclórico I. Ivanova. (A música está impressa nesta edição da coleção na página 13).

O texto literário da canção revela a imagem de um amplo e dividido campo de fazenda coletiva.

Ah, você é meu querido
Fazenda coletiva Polyushko,
Você é meu amplo
Você é minha extensão.
Ondas densas de centeio
O vento balança.
polyushko anual
A colheita é famosa.
Ah, você é meu querido
Fazenda coletiva Polyushko,
Você é minha namorada.
Você é minha extensão.

O poema se distingue por sua extraordinária concisão e ao mesmo tempo expressividade da imagem. Apesar de consistir em apenas três quadras, e a terceira ser uma repetição literal da primeira, a imagem do "kolkhoz polyushka" se destaca de forma convexa e forte. Que grande e amplo em seu escopo temático o significado que o autor dá às palavras "campo de fazenda coletiva"! Há um subtexto profundo neles: neste “polyushka” está toda a vida de um trabalhador, uma vida nova e feliz, como um “polyushka”, amplo e espaçoso.
Esse significado interior, ou ideia, do poema já está delineado na primeira quadra, onde a majestosa imagem da “polyushka” começa a se desdobrar através de um sentimento profundamente emocional, cheio de amor Apelo: "Oh, você é meu pequeno campo."

Se na primeira quadra a imagem do “pólo kolkhoz” se revela em caráter lírico-épico, na segunda quadra vem à tona o som heróico da imagem, que adquire um conteúdo dinâmico cada vez maior. Assim, o início energético da segunda quadra -

Ondas densas de centeio
O vento balança.

transmite o movimento impetuoso, a dinâmica no desenvolvimento da imagem do “campo-fazenda coletiva”. Não é mais apenas “largo e espaçoso”, mas também “famoso pela colheita”. Aqui vem a revelação adicional do subtexto do poema. O mar agitado de centeio é fruto do trabalho criativo do homem soviético, o criador de todas as bênçãos terrenas. Portanto, na terceira quadra, que é uma repetição literal da primeira, o apelo à “polushka” soa com vigor renovado: não mais como uma reflexão, mas como um hino à sua fertilidade, como um hino ao trabalho criativo de povo soviético.
Assim, a imagem do "pólo da fazenda coletiva" no poema é revelada em desenvolvimento dinâmico da majestade lírico-épica a um poderoso som heróico. A técnica de enquadramento confere ao poema uma integridade temática e ao mesmo tempo abre espaço para a criatividade do compositor e do autor de arranjos corais.

Analisando a música da música " Fazenda coletiva Polyushko”, é fácil notar que a entonação é muito precisa, à maneira de uma canção folclórica transmite o personagem imagem literária. A melodia da música é ampla, melodiosa e, graças à diversidade da organização métrica e rítmica, cria uma atmosfera de excitação emocional e movimento interior. Cada verso da música, transmitindo o clima da quadra correspondente, é, por assim dizer, um certo estágio no desenvolvimento da imagem musical da música.
Na música do primeiro verso, há um apelo suave e amoroso ao "pólo kolkhoz". Mas, ao mesmo tempo, não se trata de uma conversa no sentido literal, mas sim de uma reflexão profunda, onde o “campo agrícola coletivo” e o destino de uma pessoa, toda a sua vida se fundem em um único conceito. A partir daqui vem o clima definidor do primeiro verso - suavidade, sinceridade e significado.

O andamento é lento, o movimento da melodia é suave, o tom geral é pianíssimo (muito quieto).
Todos os elementos expressividade artística(melodia, metro-ritmo, textura, fraseado) estão em constante movimento, como se revelassem cada vez mais novos aspectos da imagem, graças aos quais a obra se torna um material fértil para a performance artística.

O primeiro verso, assim como os versos subsequentes, consiste em quatro frases, cada uma com seu próprio pico dinâmico. Os sons que seguem até o topo são tocados com sonoridade aumentada, e os sons que seguem após o topo são tocados com enfraquecimento. Assim, o pico é enfatizado dinamicamente e organiza os sons anteriores e subsequentes em torno de si. Na música que está sendo analisada, o topo de cada frase é a primeira batida do segundo compasso. Mas as frases não são equivalentes em seu significado. EM este caso a frase de vértice principal é a terceira. O crescimento emocional ascende a ela, a melodia expande o alcance, o movimento interno acelera reduzindo o número de compassos na segunda frase, a textura está saturada: primeiro uma cantora canta, na segunda frase a segunda se junta a ela e na terceira frase já soa um coro polifônico. Na quarta frase, ao contrário, já há um enfraquecimento da tensão emocional, dinamicamente ela soa mais fraca que a terceira, seu padrão rítmico muda, o alcance é encurtado e a textura é simplificada: o uníssono vem substituir o quádruplo.
Tal distinção entre frases valor artístico chamado fraseado. (Exemplo nº 1) Se o tom geral do verso é pianíssimo, então no topo das frases o som pode aumentar um pouco, atingindo o piano, e no final da frase retornar ao tom original.

A terceira frase (topo) soa um pouco mais forte que todas as outras (dentro do piano).

O desenvolvimento da imagem musical no segundo e terceiro versos segue o caminho do crescimento dinâmico - do piano ao forte, complicação textural, desenvolvimento variante de vozes, mudanças no timbre, a natureza do movimento da melodia e a pronúncia das palavras. Todas essas mudanças são baseadas no princípio da injeção - um aumento gradual e contínuo, expansão. Em apoio ao que foi dito, vamos considerar o plano dinâmico e as mudanças de textura da música.

plano dinâmico
O primeiro verso é pianíssimo.
A segunda estrofe é piano.
O terceiro verso vai de mezzo forte a fortissimo.

As mudanças na dinâmica estão intimamente relacionadas à complicação textural: a primeira estrofe é cantada por um cantor, a segunda por dois, e a terceira estrofe começa com todo o coro. Aqui vemos não apenas um aumento no número de leads, mas também um aumento no número de partes de voz, bem como uma variação na linha melódica do próprio lead. (Exemplo #2)

A música atinge seu clímax no último verso com as palavras: “Você é meu amplo, você é meu espaçoso”. Todos os elementos de expressão artística neste local atingem o seu mais alto nível. Aqui está o som mais alto do coro, a natureza do movimento da melodia (em contraste com os versos anteriores, não se distingue mais pela formação suave e calma do som, mas pela pronúncia arrebatadora, brilhante e cativante de o som e a palavra, a partir de uma combinação de acento e duração máxima dos sons), a textura chega ao seu limite de desenvolvimento (5 vozes, subtons), por fim, a melodia atinge seu ponto mais alto, enfatizando o clímax emocional e o final de toda a música. (Exemplo #3)

Então, como resultado análise artística o líder esclareceu o conteúdo da música e os meios pelos quais o compositor a revela. Mas isso não se limita ao trabalho preliminar no trabalho.
Cada tipo de arte tem sua própria técnica, ou seja, um conjunto de certas habilidades necessárias para criar uma imagem artística. Na arte coral, este é o sistema, conjunto, dicção, habilidades vocais - respiração, produção de som e ressonância. Portanto, fica claro que a próxima etapa do trabalho preliminar do líder é a análise do trabalho já do ponto de vista de suas dificuldades técnicas.
Considere os principais pontos de trabalho na formação do coro.
Cantar sem acompanhamento exige muito dos intérpretes em termos de entonação de intervalos e acordes. A linha melódica muito desenvolvida da canção, repleta de intervalos largos, apresenta grande dificuldade para a entonação intervalar. É preciso ficar atento aos segmentos melódicos que o coro pode cantar desafinado: aos sons da segunda proporção

a uma sequência de sons do mesmo tom, muitas vezes causando uma diminuição na entonação e, portanto, exigindo “puxar para cima” o tom de cada som subsequente, para entonação de semitons.
Para alcançar um som entoacionalmente puro, o líder do coro deve conhecer os padrões de entonação de vários graus de maior e escala menor de acordo com seu significado modal.
entonação escala maior.

O som do primeiro passo (tom básico) é entoado de forma constante. Os sons do segundo, terceiro, quinto, sexto e sétimo passos são entoados x.o pelo desejo de subir. Com um desejo particularmente forte de subir, os sons do terceiro e sétimo passos (o terceiro da tríade tônica e o tom introdutório) são entoados. O som do quarto passo é entoado com o desejo de diminuir.

Deve-se notar que na música russa geralmente há um modo maior com um sétimo passo rebaixado. Nesse caso, é entoado com o desejo de diminuir.

O Exemplo nº 5 mostra a natureza da entonação de vários graus da escala maior. Setas apontando para cima indicam que o som deve ser entoado com tendência a subir, seta horizontal indica entonação estável e seta apontando para baixo indica entonação com tendência a cair.

Entonação de escala menor (natural).

Os sons do primeiro, segundo e quarto passos são entoados com o desejo de subir.
Sons do terceiro, sexto e sétimo passos - com desejo de diminuir.
No menor harmônico e melódico, o som do sétimo passo é entoado com forte tendência a subir. Na menor melódica, o som do sexto passo também é entoado com desejo de subir.

O exemplo nº 6 mostra a natureza da entonação dos sons da escala "Si bemol menor", na qual está escrita a música "Polyushko Kolkhoznoe".
A entonação precisa depende em grande parte da respiração cantada. A respiração lenta com vazamento de ar causa uma diminuição no som, a respiração sobrecarregada com pressão de ar muito forte, ao contrário, leva a forçar e aumentar a entonação. A formação lenta do som (com uma entrada) também causa imprecisão de entonação. Uma posição baixa, que causa sobrecarga da laringe, acarreta uma diminuição da entonação do som, a sobreposição do som no registro superior leva ao mesmo resultado (para vozes folclóricas, isso acontece em canções calmas). Com uso insuficiente de ressonadores torácicos, a entonação muda para cima.
A "posição alta" do som tem um efeito particularmente benéfico na entonação, cuja essência é direcionar o som para os ressonadores superiores e liberar a laringe da tensão. Uma posição alta deve ser alcançada em qualquer registro.

Ao trabalhar nesta música, isso deve ser levado em consideração especialmente ao praticar com segundos contraltos, que cantam em um registro muito baixo. Exercícios vocais, cantando frases individuais com boca fechada ou na sílaba "li", "le".
Assim, o canto entoacionalmente puro em um coro depende muito do nível de todo o trabalho vocal, que deve ser realizado no sentido de educar várias habilidades de canto e corrigir certas deficiências na voz dos cantores (aperto do som, forçamento, tremor, nasal tom, etc.). ).
A habilidade vocal mais importante é a respiração correta e inclinada." Freqüentemente, diz-se que um cantor que possui respiração cantada canta "em um suporte" ou "som inclinado". A respiração inclinada é caracterizada pelo fato de que todo o ar durante o canto vai completamente à produção sonora sem vazamentos e é consumido de forma suave e econômica. Nesse caso, surge o chamado "som suportado". Tem muita saturação, densidade, elasticidade. Um som não suportado, ao contrário, é monótono, solto , fraco, com rouquidão, o que indica vazamento de ar inútil. É possível uma grande economia de ar e, consequentemente, o canto de grandes estruturas musicais em uma respiração. frase musical.

Para obter um som oposto, é necessário manter uma “configuração de inalação”, ou seja, ao cantar, o cantor não deve permitir o abaixamento e o estreitamento do peito. Depois de inspirar, é necessário “segurar” a respiração por um momento e depois proceder à produção do som. Esse momento de “atraso”, por assim dizer, põe em alerta todo o aparato cantante. Você precisa respirar com facilidade e naturalidade, sem tensão indevida, quase da mesma forma que durante a respiração normal. discurso coloquial. O cantor deve tomar tanto ar quanto necessário para realizar uma determinada tarefa. O volume do ar inalado depende do tamanho da frase musical e do registro em que soa, bem como da intensidade do som. Cantar em um registro agudo requer mais ar. Inalar muito ar resulta em som tenso e entonação imprecisa. A duração da respiração depende do andamento do trabalho e deve ser igual à duração de uma batida do compasso. Para a execução contínua de longas construções musicais, e mesmo de toda a obra, é utilizada a chamada "respiração em cadeia". A sua essência reside na renovação sucessiva da respiração pelos cantores do coro. No exemplo do nº 7, é dada a parte coral da segunda estrofe, que é executada na "respiração em cadeia".

Cada cantor individualmente não pode cantar todo este segmento sem uma renovação da respiração, mas no coro, como resultado da renovação sucessiva da respiração dos cantores, esta frase soa desarticulada. Normal respiração cantando um cantor seca na virada do quarto e quinto compassos, mas mesmo um cantor não é recomendado para respirar neste local. Com a "respiração em cadeia", é melhor respirar não na junção de duas construções musicais, mas antes ou depois de algum tempo. Você precisa se desconectar do canto e reentrá-lo imperceptivelmente, respirar brevemente e principalmente no meio de uma palavra ou em um som sustentado. (Exemplo #7).

A importância da natureza da expiração deve ser enfatizada mais uma vez. Deve ser econômico e uniforme em todo o seu comprimento. Somente essa exalação pode criar um canto suave e elástico. Não permita que todo o ar se esgote durante a expiração. É prejudicial cantar em um suprimento de ar muito usado.
No canto, o processo respiratório está intimamente ligado ao momento da origem do som, ou ataque. Existem três tipos de ataque - duro, aspirado e suave. Com um ataque forte, os ligamentos se fecham antes que o ar seja fornecido. Então o jato de ar abre os ligamentos com pouco esforço. O resultado é um som áspero.
Um ataque aspirado é o oposto de um forte. Com ele, o aparecimento do som é precedido por uma expiração silenciosa, após a qual os ligamentos se fecham com calma. Nesse caso, a vogal "A" parece ganhar o caráter do som "xx-a", mas a consoante "x" não deve ser ouvida.

Com um ataque suave, o fechamento dos ligamentos começa simultaneamente com o início do som.
Um ataque firme no canto é raro (em exclamações sonoras, na formação sonora alta após uma pausa).
Os exercícios de ataque firme são de grande benefício, trazem a sensação de um som “apoiado” e são um meio de combater a formação lenta do som que causa “entrada”. Tais exercícios (exemplo nº 8) devem ser cantados em ritmo lentoà vogal "A"

A base do canto é um ataque suave. Aspirado - usado para sonoridade quieta e muito quieta.
Com cantores com vozes agudas, é útil cantar pequenas ratazanas ou segmentos da frase musical da obra que está sendo aprendida nas vogais “I”, “E”, “E”, “Yu” ou a sílaba “LA”, “ LE”, “LE”, “LU”.
imagem artística em arte vocal executa na unidade de música e palavras. Não só a qualidade da comunicação do texto literário da canção ao ouvinte, mas também todo o processo de canto depende do método de pronúncia das palavras, ou dicção. Como você sabe, a palavra consiste na unidade de vogais e consoantes. Sine qua non dicção correta ao cantar, o som mais longo das vogais e a pronúncia curta e ativa das consoantes é baseado em uma interação clara da língua, lábios, dentes e palato com uma expiração uniforme e em nenhum caso espasmódica. É útil calcular a clareza da pronúncia das consoantes em um som silencioso, dobrando-as. Ao mesmo tempo, para fixar toda a atenção nas consoantes, é útil lançar brevemente, mas não abruptamente, cada sílaba, calculando mentalmente a duração das notas sustentadas. (Exemplo #9)

De particular dificuldade na pronúncia são as combinações de várias consoantes (país), uma consoante no início de uma palavra (encontrar, não encontrar) e uma consoante no final de uma palavra (cor, não cor).
Para preservar a continuidade final do som da melodia, as consoantes no final de uma sílaba devem ser conectadas com a próxima sílaba.
"U—ro—zha—e—ms l a—v e—ts I."
A dicção clara geralmente é identificada com a pronúncia clara das consoantes, esquecendo que as vogais também desempenham um papel importante na pronúncia das palavras e na unidade geral do som do coral.
As vogais são sons puros sem mistura de ruído. Alguns deles soam brilhantes, abertos - "A", outros são cobertos - "O", "U", o terceiro - "close" - "I". O grau de tensão, ou brilho, das vogais é diferente, depende da posição da boca e do lugar da vogal na palavra (as vogais tônicas soam mais intensas, mais brilhantes que as átonas).

No canto, para criar uma linha vocal suave, todas as vogais são neutralizadas de alguma forma, ou seja, a linha aguda entre elas é apagada. Isso ocorre como resultado de manter aproximadamente a mesma posição da boca para todas as vogais. Sabe-se que a mesma vogal disposições diferentes a boca adquire diferentes qualidades sonoras: com a boca bem aberta soa aberta, brilhante, com a entreaberta - coberta, macia, ao cantar com os cantos dos lábios entreabertos (em um sorriso) - soa leve, fácil " fechar". Portanto, fica bem claro que no som de uma única frase ou de toda a obra, marcada por um determinado humor, todas as vogais devem soar no mesmo tom emocional, com uma posição predominante da boca. A forma unificada de formar as vogais no coro é de importância decisiva, pois é a base da unidade tímbrica das vozes. Para desenvolver uma única ressonância vocálica, é útil cantar uma sequência de sons do mesmo tom nas sílabas MI-ME-MA-MO-MU (a consoante "M" é usada para suavizar o ataque. Exemplo nº 10) . Nesse caso, é necessário garantir que todas as vogais sejam executadas com o mesmo grau de abertura de boca.

Para evitar a "entrada" ao cantar as vogais "A", "O", "U", "E", "I" seguindo qualquer outra ou a mesma vogal, principalmente na junção de duas palavras, é necessário estique a primeira vogal o máximo possível e passe instantaneamente para a segunda, atacando o som com um pouco mais de força. Por exemplo: "...polyushko é famosa por sua colheita."
Já dissemos acima que a vogal tônica soa mais forte e brilhante do que a átona. Mas, às vezes, nas canções folclóricas, a batida forte do compasso não coincide com a ênfase da palavra. Nesses casos, a vogal que soa na batida forte do compasso deve ser executada com menos destaque do que a vogal em que as palavras são enfatizadas (Exemplo 11)

Aqui vemos que na palavra "My" a vogal átona "O" corresponde a uma batida relativamente forte do compasso e, portanto, destacando-se, distorcerá a palavra. Para evitar que isso aconteça, a sílaba "MO" deve ser executada um pouco mais silenciosa do que a vogal "Yo".
O trabalho com as vogais no coro folclórico adquire especial grande importância em conexão com a visão errônea de alguns músicos sobre o timbre da voz folclórica. Eles acreditam que apenas um som branco e aberto é característico do canto folclórico. A falha em entender a base vocal do canto folclórico leva à orientação errada desse maravilhoso gênero de arte coral. É a riqueza de gênero da canção folclórica russa de um refrão calmo e suave, uma cantiga afiada para telas largas canções líricas monótonas e moscas-pedras vociferantes não falam de sua mais ampla gama emocional?! Como você pode cantar todas essas músicas com um som?! É absolutamente claro que o som de um coro folclórico, como qualquer outro coro, depende do conteúdo da música, do seu tom emocional.

A base de qualquer coletivo arte musical, incluindo o coro, é a unidade e uma certa coordenação de ações de todos os membros da equipa. Todos os elementos da sonoridade coral: estrutura, dicção, força, timbre, velocidade de movimento, etc. existem apenas de forma coletiva, ensemble. Portanto, o trabalho em conjunto permeia todas as etapas do trabalho coral.
Já falamos sobre uma única maneira de formar vogais e consoantes. Agora vamos considerar o conjunto rítmico e dinâmico. Em "Polyushka Kolkhozny" cada voz tem seu próprio padrão rítmico independente. Com uma apresentação única, existe o perigo de violar o conjunto rítmico. Para evitar isso, é preciso educar os cantores para que sintam a pulsação da melodia. Para esse fim, é bom cantar passagens musicais em voz alta, dividindo cada quarto, meia e nota inteira em colcheias (exemplo N2 12).

Graças a este exercício, o coro resistirá com precisão a durações complexas e passará para os sons subsequentes no tempo. Normalmente, em sons de longa duração, os cantores perdem o sentido preciso do movimento e passam para os sons subsequentes atrasados ​​ou adiantados.
O conjunto dinâmico do coro assenta no equilíbrio da força das vozes de uma das partes e numa certa coordenação das partes entre si: ou a parte superior, conduzindo a voz principal, soa mais alto que as outras partes, depois o a voz média ou baixa vem à tona, então todas as partes soam com a mesma força. Assim, na música “Polyushko Kolkhoznoye”, primeiro a voz superior soa mais alta, depois as mudanças melódicas em várias vozes começam a ser enfatizadas dinamicamente, no clímax da música todas as vozes soam com igual força.

A maioria das canções folclóricas russas são executadas com cantores principais. Nesses casos, é muito importante o conjunto entre o líder e o coro, que assume do líder todo o caráter da execução da música. Isso deve ser levado em consideração ao aprender esta música. A base de um bom conjunto no coro é a seleção correta das vozes e sua igualdade quantitativa em cada parte. O resultado é um conjunto natural. Mas às vezes as vozes que compõem o acorde têm diferentes condições de tessitura. Nesse caso, o equilíbrio sonoro é obtido artificialmente, como resultado de uma distribuição especial da intensidade do som entre as vozes: a voz secundária escrita em um registro agudo deve soar mais baixa e a voz principal escrita em um registro grave deve ser executada mais alto. Se todas as vozes em uma determinada situação forem executadas com a mesma força, a voz secundária abafará a principal e, é claro, não haverá conjunto.
Para criar um conjunto artisticamente completo, é necessário que cada cantor não apenas cante com precisão sua parte, mas também, ouvindo seus vizinhos de festa, se funda com eles. Além disso, ele deve ouvir a voz principal e medir a força de sua voz com ela.