Kristina Krasnyanskaya: „Guter Geschmack ist die Fähigkeit zu wählen.“ Warum haben Sie sich auch entschieden, zunächst eine geschlossene Galerie zu machen

1. Juli 2013, 12:36 Uhr

Bildungsprogramm zu Gossip geht weiter) Heute beginnen wir mit Anastasia Ragozina, die oft in den Klatschspalten zu sehen ist, aber für mich persönlich waren ihre Aktivitäten ein Rätsel. Vor Heute. In Hochglanzmagazinen wird über sie geschrieben: "Der Besitzer des Schmuckgeschäfts (Stephen Webster) und jetzt auch der Filmfirma."

Es stellte sich heraus, dass Anastasia eine Produzentin ist, in deren Clip die Filme von Nikolai Khomeriki und Ivan Vyrypaev zu sehen sind. In ihren eigenen Worten (aus einem Interview für Sobaki ru) ist sie „nicht daran interessiert, Filme zu machen, die nur darauf abzielen kommerzieller Erfolg. Was bringt es, einen Film mit Dmitry Dyuzhev und Vera Brezhneva zu machen und Namen für die Einspielergebnisse und die Bewertung zu addieren, wenn ich ein Unternehmen habe, das einen viel höheren Prozentsatz an Investitionen bringt? Aber für mich ist Arthouse kein Gebiet der Wohltätigkeit oder Mäzenatentums. Ich bin ein ziemlich geschäftsorientierter Mensch und finde Schemata, die es mir erlauben, ein Budget so zu gestalten, dass der Film nicht unrentabel wird.

Anastasia war zweimal verheiratet. Der erste Ehemann, Cyril, starb auf tragische Weise: Er fiel durch das Eis und fuhr mit einem Schneemobil entlang des Finnischen Meerbusens. Kirill Ragosin

Der zweite Ehemann ist Eduard Boyakov, der Schöpfer der Goldenen Maske und Gründer des Praktika-Theaters, in dessen Kuratorium Anastasia noch immer Mitglied ist.

Die Ehe mit Edward löste sich auf, aber die ehemaligen Ehepartner bleiben Freunde

Übrigens traf sich Eduard nach einer Scheidung von Anastasia einige Zeit mit Ksenia Sobchak:

Als nächstes auf der Liste Christina Krasnjanskaja.Alles, was ich über sie wusste, war, dass sie mit Ksenia Chilingarova (siehe unten) befreundet war. Warum ist Christina berühmt? Google gibt an: „Kunstkritiker, Kunstsammler der russischen „goldenen“ Emigration, Art Director der internationalen Kunstgalerie ‚Heritage‘, Kurator von Ausstellungsprojekten zur Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts“ und „Ökonom mit Diplom der MGIMO Tochter eines Minenbesitzers."

Vater - Georgy Krasnyansky, ehemaliger Mitinhaber von Eurocement. Ehemann - Matvey Urin.

Mein Mann und ich haben eine interessante Geschichte, sie schreiben über ihn: „Ehemaliger Bankier, Geschäftsmann. Bis 2005 leitete er die Brizbank, 2009-2010 wurde er vermutlich der eigentliche Eigentümer einer Reihe von Banken. . Matvey Urin

Ob Christina und Matvey jetzt zusammen sind – ich weiß es nicht.

Nun ein paar Worte zu Christinas Freund, Ksenia Chilingarova (geb. 1982). Über sie auf der Website wissen sie, dass ihr Vater ein berühmter Polarforscher ist. Damit waren die Leistungen des Mädchens (bisher) erschöpft. Wofür wurde Xenia außer den Verdiensten ihres Vaters für das Vaterland noch berühmt?

Xenia ist mit "Journalistin" signiert. Folgendes im Internet gefunden:

Xenia erhielt Hochschulbildung an der Fakultät für Internationalen Journalismus bei MGIMO des Außenministeriums der Russischen Föderation

2007 erschien ihre erste Sammlung schöner Gedichte, denen sie den Namen „Reflection“ gab.

In Zukunft träumt Ksenia davon, ihr eigenes Buch zu schreiben.

Sie ist die PR-Direktorin von Lublu Kira Plastinina (aber nicht sicher, ob sie noch aktiv ist oder nicht)

Ein Beispiel für einen Artikel unserer Heldin (über eine mit Diamanten besetzte Uhr, wenn Sie sich erinnern, haben wir das irgendwie besprochen).

Ehemann (ehemaliger?) Violinvirtuose Dmitry Kogan

Das war's für heute, wir sehen uns auf Sendung :)

Aktualisiert am 01.07.13 14:26:

Ich füge die richtigen Informationen hinzu:

Kristina ist seit langem geschieden, Ksenia schreibt für Elle und ist die "Direktor-Botschafterin" der Krasnyanskaya-Galerie, sie sind eigentlich Partner. Außerdem ist Chiligarova bereits seit 4 Jahren Nicht-PR-Direktorin von Kira Plastinina.

Vom 21. Februar bis 30. April in der Moskauer Galerie Erbe findet eine Ausstellung statt "Postkonstruktivismus oder die Geburt des sowjetischen Art Deco: Paris - New York - Moskau" Parallelen ziehen und nach Schnittpunkten und Einflüssen in Kunst, Architektur und Design in Russland, Amerika und Frankreich der 1920er und 30er Jahre suchen. Mit dieser Ausstellung feiert die Galerie ihr 10-jähriges Bestehen, am Vorabend ihres Gründers Christina Krasnjanskaja erzählte ARTANDHOUSES über die Unterschiede zwischen Sammlern und Investoren, über den Glauben an „Mundpropaganda“ und die Vorteile von Kunstberatern.

In den letzten Jahren haben Sie mehrere Museumsprojekte in Russland durchgeführt, aber Nachrichten über die Arbeit der Galerie kamen hauptsächlich aus dem Ausland - über die Teilnahme an. Warum?

Es gab eine Zeit, in der es viele Projekte gab – ich habe alles übernommen, und es war mir wichtig, dass ständig eine aktive Ausstellungstätigkeit durchgeführt wurde. Dies ist jetzt aus mehreren Gründen weniger relevant. Denn aus Quantität wird mit der Zeit Qualität, und man schnappt sich nicht alles. Wir machen ziemlich komplexe Projekte, die eine ziemlich lange Vorbereitung erfordern, insbesondere bei der Materialsammlung. Daher funktioniert es einfach nicht, viele von ihnen zu machen, und etwas Einfaches zu tun, ist für mich nicht interessant.

So kam es, dass die Aktivitäten der Galerie von einem Schwerpunkt auf russische Künstler im Ausland – obwohl ich betone, dass wir diese Richtung nicht vergessen und Werke in Ausstellungen einbeziehen – nahtlos in das Thema sowjetisches Design übergingen. Aber die Ausstellungen der letzten Zeit sind dennoch viel breiter: Sie umfassen nicht nur Design, sondern auch Malerei, Grafik und Architektur. Ich mag, dass sie gesättigt und vielseitig sind, ich sehe, dass dieser Ausstellungstrend von anderen unterstützt wird. Denn wenn Sie diese Art von Belichtung haben, können Sie nicht nur etwas aus dem Zusammenhang gerissen sehen, sondern den gesamten Kontext auf einmal.

Deshalb haben Sie begonnen, den Trends folgend, mit zeitgenössischen Künstlern zu arbeiten?

Natürlich sollte die richtige Galerie einen gewissen Fokus haben, aber trotz der Tatsache, dass wir uns auf die erste Hälfte des 20. Jahrhunderts konzentrieren, unterstütze ich gerne zeitgenössische Künstler. Einigen von ihnen helfe ich sogar bei der Promotion im Westen: Vorletztes Jahr betreute ich ein Projekt des Bildhauers Alexei Morozov im Archäologischen Museum von Neapel. Und letztes Jahr war sie Co-Kuratorin der Ausstellung von Oksana Mas im MAGA-Museum in der Nähe von Mailand, wo ihre Werke in die Ausstellung von Meistern der Arte Povera - Fontana, Castellani und anderen - aufgenommen wurden. Die Schirmherren dieses Museums sind übrigens die Familie Missoni, und jetzt habe ich die Idee, eine Ausstellung über ihr Modehaus in Moskau zu machen.

Wilhelm Klein
"Tatiana, Mary Rose und Kamele, Picknick, Marokko"
1958

Ihre Galerie ist 10 Jahre alt. Finden Sie das zu viel oder zu wenig für eine Galerie in Russland?

In Anbetracht der Markt- und politischen Situation finde ich das angemessen. Im Weltkontext ist das natürlich nicht genug, aber für unser Russisch ist es genug. Besonders daran zu erinnern, dass wir in dieser Zeit mehrere Krisen erlebt haben.

Wie hat Ihre Galerie die Krise überstanden?

Das erste ist sehr einfach. Er berührte eher das Internationale Auktionshäuser, weil die Krise wirklich global war und die Menschen die Dinge nicht öffentlich verkaufen wollten. Der zweite ist schwieriger, weil er mit unseren Sammlern, mit unseren politischen und wirtschaftlichen Ereignissen verbunden war. Daher fand eine Art Rotation statt: Menschen, die viel und aktiv Kunst gekauft haben, hören aus dem einen oder anderen Grund auf zu kaufen, aber es tauchen neue Käufer auf. Unser Betrieb ist so angelegt, dass die Galerie ein flexibler Organismus sein und sich den Gegebenheiten anpassen muss. Es war für mich schon immer interessant, die Balance zwischen kommerziellen und kuratorischen Aspekten zu halten.

Ich erinnere mich, dass Sie sich vor ein paar Jahren über das Fehlen eines künstlerischen Leiters in der Galerie beschwert haben. Hast du es gefunden oder machst du weiterhin alles selbst?

Leider bin ich selbst weiterhin einer, obwohl ich regelmäßig denke, dass so ein Mensch auftauchen wird.

Zurück in die Vergangenheit ... Sie haben eine wirtschafts- und kunstgeschichtliche Ausbildung. Haben Sie gezielt Kunstkritik studiert, um später eine Galerie zu eröffnen?

Ja. Dann habe ich mit meinen Freunden schon in einer privaten Galerie geschlossener Art gearbeitet. Sie spezialisierte sich auf klassische Malerei, und mit meiner Ankunft begannen sie sich auch mit moderner Kunst zu beschäftigen. Es war eine großartige Zeit! So ein Spielfeld, wo ich studieren konnte, wie die Galerie und überhaupt dieses Geschäft von innen funktioniert. Irgendwann haben sich dort sogar Umstände ergeben, dass ich mich aktiv um den Verkauf kümmern musste, um die finanziellen Angelegenheiten der Galerie zu regeln. Es war also eine so gute Schule.

Ib Kofod Larsen, leichter Stuhl, 1950 / Borge Mögensen, Sofa, 1962

Warum haben Sie sich auch entschieden, zunächst eine geschlossene Galerie zu machen?

Ich glaube einfach nicht, dass wir Sammler haben, die die Straße hinuntergehen und durch die Fenster schauen. Mir scheint, dass in unserem Land das Thema Sammeln noch verschlossen ist und „Mundpropaganda“, die gewonnene Autorität unter Sammlern, hier am besten funktioniert, wenn sie zu Ihnen zurückkehren und Sie weiterempfehlen. Das ist wahrscheinlich die beste Werbung aller Zeiten.

Das heißt, unsere Galeristen selbst pflegen weiterhin eine elitäre Aura des Sammelns und schaffen eine Art Magie um sich herum?

Ich glaube, dass Sammeln magisch ist. Und ich sage immer, dass der Club der Sammler ein geschlossener Club ist und eigentlich das Los der Elite. Denn es reicht nicht aus, viel Geld und die Möglichkeit zu haben, teure Kunstgegenstände zu kaufen, es reicht nicht einmal aus, nur Bücher zu lesen, Ausstellungen und Messen zu besuchen oder sich so etwas zu besorgen besondere Bildung. Verstehen Sie schließlich, dass nicht alle Menschen bereit sind und nicht alle von diesem Geist der Zusammenkunft angesteckt werden. Auch wer etwas kauft, wird nicht zwangsläufig zum Sammler. Echte Sammler sind sehr komplexe Menschen. Und, um ehrlich zu sein, in gewisser Weise sogar besessen. Sie leben es und nehmen Kunst ganz anders wahr. Denn Kunst ist eine bedingte Kategorie. Es gehört nicht zu den Essentials, nicht einmal zu den Luxusgüter, wie ein Luxusauto, große Diamanten, eine Yacht oder ein Haus an der Cote d'Azur. Das muss man mit dem Herzen fühlen, das „Auge“ und den Geschmack haben. Ja, das können Sie, durch Ausstellungen gehen, sich Namen merken und beliebte Ausflugsziele, aber nicht jeder ist daran interessiert, Kunst und Sammeln zu verstehen und ihre Feinheiten zu studieren. Und nicht jeder ist dazu in der Lage. Also der Klub dieser vom „Bazillus“ des Sammelns befallenen Menschen, die gerne darin kochen, die gegenseitig auf ihre Einkäufe neidisch sind und die Dinge jahrelang verfolgen, die ihre Arbeit gerne Museen schenken, damit sie „leben ” eine Art Eigenleben und Provenienz gewinnen, geschlossen. Um es zu betreten, reicht es nicht aus, nur Geld zu haben. Außerdem gibt es bekannte Sammlungen, in denen die Leute Werke nicht für sagenhaftes Geld gekauft haben, sondern nur ein gutes Gespür und Wissen und gute Berater hatten.

Sie haben gerade die Figur des wohl kanonisch leidenschaftlichen Sammlers beschrieben. Es stellt sich heraus, dass Sie diejenigen, die zu Anlagezwecken sammeln, nicht als Sammler betrachten?

Ich sage immer: Es gibt Käufer und es gibt Sammler. Käufer sind diejenigen, die Kunst für zu Hause kaufen, zum Verschenken, manchmal unter dem Einfluss von Emotionen, was besonders oft auf Messen passiert. Und es gibt Sammler, eine andere Kategorie, überhaupt nicht mythologisch. In unserem Land gibt es zum Beispiel zehn solcher Leute.

Wer zu Anlagezwecken kauft, ist einfach Investor. Natürlich dreht sich in der Kunst viel Geld, und viele Menschen wollen darin investieren, um später ein zusätzliches Einkommen zu erzielen. Aber dazu muss man diesen Markt entweder sehr gut kennen, ihn genauso verfolgen wie die Börse oder einen erfahrenen Berater in der Nähe haben. Besser noch, das eine und das andere. Nun, im Allgemeinen glaube ich, dass es rentablere und weniger riskante Arten von Geschäften gibt, als in Kunst zu investieren.

Einmal hielten wir mit Matthew Stevenson, dem damaligen Leiter der russischen Niederlassung von Christie's, einen Vortrag darüber, wie man so sammeln kann, dass Kunst immer flüssig ist. Es gab fünf Grundprinzipien.

Kannst du sie aussprechen?

Das erste ist der Name. Wir sprechen jetzt nicht über Investitionen in entstehende Kunst(Junge Kunst), sondern wir sprechen davon, dass der Mensch sein Geld gerne anlegen und wenn nicht mehren, dann wenigstens sparen möchte. Dies sollte die erste Reihe von Namen sein.

Die zweite ist die Periode. Denn jeder Künstler hat eine Blütezeit, aber es gibt weniger interessante - den Beginn, wenn er sich noch nicht gebildet hat, den Niedergang der Kreativität. Es ist wichtig zu verstehen, dass Sie die beste Zeit dieses Autors kaufen.

Drittens die Handlung. Es sollte eine erkennbare Handlung geben, die diesen Künstler charakterisiert, und alle seine, sagen wir, Chips sollten in der Arbeit stecken. Wenn Sie das Werk von Picasso vor sich haben und nicht wissen, dass es sich um seine Handschrift handelt, müssen Sie nicht investieren.

Viertens - sehr interessanter Parameter. Es gibt ein solches Konzept: Wandstärke. Das bedeutet, dass die Arbeit effektiv sein muss. Auch wenn das zum Beispiel ein Gemälde des späten Magritte ist, nicht die beste Zeit, aber wenn es spektakulär ist, dann kann es in Zukunft gut realisiert werden.

Und der letzte Punkt ist der Arbeitsstand und die Provenienz. Hier müssen Sie die Sicherheit der Arbeit, das Eingreifen oder Nichteingreifen der Restauratoren betrachten. Und seine Herkunft: wem es gehörte, wo es ausgestellt wurde oder in welcher maßgeblichen Galerie es erworben wurde.

Wenn Sie diese einfachen Regeln befolgen, dann scheint mir der Erfolg Ihrer Investitionen garantiert.

David Dubois
Riementisch
2014

Warum werden dann Kunstberater benötigt?

Nun, es ist nicht so einfach, diese Regeln anzuwenden (lacht). Sie müssen viel Zeit damit verbringen, Probleme zu studieren, und zwar für jeden Künstler separat. Und um die notwendige Menge an Informationen zu erhalten, müssen Sie sich wahrscheinlich vollständig von Ihrem Hauptgeschäft lösen.

Wie ist der Name Ihrer Galerie entstanden?

Ganz einfach: Ich wollte einen Namen geben, der einerseits international ist und andererseits Bedeutung hat. Und das Wort "Erbe" schien universell zu sein, wie sie sagen, mit gutem Karma.

Sie haben mit russischen Künstlern im Ausland angefangen, jetzt haben Sie sich dem sowjetischen Design zugewandt – unser ganzes Erbe, ja. Und warum haben sie angefangen, Sachen von ausländischen Designern hierher zu bringen?

Schon als ich anfing, merkte ich, dass in unserem Land die Nische namens „Kollektionsdesign“ überhaupt nicht besetzt ist. Und vor vielen Jahren habe ich eine Ausstellung nur mit westlichen Dingen dieser Art gemacht. Sie zeigte dort die besten Lehrbuchobjekte, sowohl antik als auch quer durch das 20. Jahrhundert bis hin zu den modernen Designern Martin Bas und Fabio Novembre. Ich war daran interessiert, die Reaktion der Leute zu sehen, aber nur wenige waren dazu bereit. Heute gibt es zum Glück schon ein paar Leute, die so etwas machen.

Wir konzentrieren uns, insbesondere in dieser Ausstellung, die dem Jubiläum der Galerie gewidmet ist, auf sowjetisches Design in einem breiten internationalen Kontext - wir versuchen zu zeigen, wie Amerika und Frankreich die UdSSR beeinflusst haben, was von dort zu uns kam und was in der Sowjetunion authentisch ist Design.

Sie zeigen aktiv sowjetisches Design im Westen. Wie reagieren lokale Sammler?

Westliche Museen sind sehr interessiert, und ich bin in einer Reihe von Gesprächen über eine Ausstellung. Und Sammler mögen es, aber sie verhalten sich vorsichtig – darüber gibt es im Ausland sehr wenig Literatur. Obwohl wir neben russischen Käufern Kunden aus Deutschland und der Schweiz haben, wird ein Franzose mit russischen Wurzeln und hoffentlich aus Italien erscheinen.

Die Heritage Gallery feiert im Februar ihr 7-jähriges Bestehen mit der Ausstellung Soviet Design. Vom Konstruktivismus zur Moderne“ im Architekturmuseum: Designmöbel Nikolai Lansere, Boris Iofan, Karo Alabyan– jetzt ein neues Profil der Galerie, die sich zuvor auf russische Künstler im Ausland und ihre Ausstellungen, einschließlich Museumsausstellungen, spezialisiert hat, – Andre Lansky, Boris Grigorjew. Die Besitzerin von „Heritage“ erzählte, was sie sonst noch von ihrer Galerie – und von ihr persönlich – zu erwarten hat.

Warum haben Sie aufgehört, Auktionen abzuhalten?

Aus zwei Gründen. Erstens ist es eine sehr arbeitsintensive und kostspielige Aufgabe. Zweitens haben wir immer noch keine solche Kultur - auf Auktionen zu kaufen. Meine Kollegen und ich versuchen, so etwas zu vermitteln, aber es geht schwer. Auktionen werden hauptsächlich von Händlern besucht - und Auktionshäuser sind händlerorientiert. Und in der breiten Öffentlichkeit, nicht Sammlern, sondern einfach Käufern, die von Zeit zu Zeit kaufen, ist dies noch nicht zur Gewohnheit geworden - Auktionen, Flohmärkte besuchen, mit der organischen Kombination von Alt und Neu experimentieren ... Jeder ist sehr abhängig von ihrem Designer. Und Designer haben ihre eigenen Vorlieben und Prinzipien. Im Ergebnis führt alles zu weit hergeholten schlüsselfertigen Interieurs, die bald moralisch überholt sind. Ein paar Jahre - und ein Mensch merkt, dass er damit nicht mehr leben kann. Ich mache jetzt meine eigene Wohnung, wo alles gemischt ist. Eklektizismus als Prinzip – das versuchen wir seit der ersten Messe den Kunden zu erklären Sammlermöbel hier in Moskau (Ausstellung mit Beteiligung berühmter Pariser Galerien Didier Aaron Und Yves Gastou erstreckte sich über das 18. und 20. Jahrhundert Jean-François Eben Vor Ettore Sottsassa. — TANR). Also werde ich skandinavische Möbel der 1960er Jahre haben und sowjetische und und Russische Kunst sowohl modern als auch nicht so modern.

Aber moderne Kunst Sie haben einen neuen Geschäftszweig.

Dies ist ein separates Projekt, bei dem ich eher als Art Manager tätig bin. Es gibt ein paar Russische Künstler die ich, sagen wir mal, in den internationalen Kontext einbinden möchte - das ist für mich eine interessante Aufgabe, ein Grund, bereits erprobte, bekannte Technologien einzusetzen. Was daraus wird, werden wir sehen. Bisher habe ich zwei Stationen. Alexey Morozov Ich mag die Tatsache, dass er eine Schule hat, aber mit einer akademischen Uniform gibt es sie auch zeitgemäßer Touch: Trotz des Akademismus wirkt seine Kunst nicht wie ein Salon. Morozov mag es sehr und ist bereit, ihn zu beaufsichtigen Alessandro Romanini die mehr als eine Ausstellung gemacht haben Botero, einschließlich des jüngsten Jahrestages. Eine Tour ist in Vorbereitung: zunächst Morozovs Ausstellung im Neapolitanischen Nationalen Archäologischen Museum im Dezember 2015, dann im März 2016 in Moskau MMOMA auf Gogolevsky. Wir verhandeln mit Venedig – wir wollen präsentieren Marmorskulptur Morozov auf einem der Stadtplätze während der Biennale.

Ein anderer Künstler - Oksana Mas. Oksana ist eine kreative Person. Sie kam zu mir, als sie merkte, dass die Arbeit eines ganzen Teams nötig war, um ihre Projekte umzusetzen. Einer von ihr Altar was ist es wert (wir zeigen es im März im Gorki-Park)! Kurator und Kunstkritiker interessierten sich für sie Janet Zwingberger, die ihre Arbeit vor einigen Jahren gesehen hat, beobachtet sie seitdem und wird nun eine Monografie über Oksana schreiben. Oksana hat auch eine Tour: eine Ausstellung Gefühl von Licht wird vom 5. Juli bis 5. September in Baku stattfinden, danach - Astana, Berlin, und jetzt verhandeln wir über Istanbul.

Aber das ist keine Galerie, das bin ich; Die Galerie ist immer noch eine Art Formatbeschränkung. Die Galerie befasst sich mit russischen Künstlern im Ausland sowie Sammlungsdesign. Und ich möchte mich wie jeder Mensch weiterentwickeln. Dazu brauche ich einige Perspektiven, wo ich nicht als Galerie, sondern als Christina auftreten werde.

Und wenn du dich für eine Sache entscheidest, welche würdest du wählen?

Im Design natürlich. Aber warum? Ich beschloss, dass ich mir ein paar unabhängige Projekte leisten konnte. Im Westen sind wir als Designgalerie bekannt; Kollektionsdesign - in Russland ist dies die Nische, in der wir zu Pionieren wurden; Die Galerie hat eine bedeutende Sammlung aufgebaut, die Unikate vom Konstruktivismus bis zur Moderne umfasst - in einigen Jahren könnte diese Sammlung ein Museum werden. In Moskau und Russland sind wir immer noch vor allem dadurch bekannt, dass wir uns für das russische Ausland engagieren: Wir haben viele wertvolle Projekte auf Museumsebene durchgeführt, wir kooperieren mit Museen, wir sind Teil der Gesellschaft der Freunde des Russischen Museums , wir haben unsere Sammler, deren Sammlungen wir pflegen - wir ergänzen neue Werke, wir beraten ... Aber bis zum 7. Jahrestag der Galerie möchte ich eine Ausstellung im Architekturmuseum machen, die speziell dem Design gewidmet ist - eine Retrospektive der Sowjetunion Design, das fast alle Bereiche in diesem Bereich abdeckt, ein historischer Exkurs beginnend mit Möbeln Boris Iofan für das Regierungshaus und endete in den 1960er Jahren. Bei der Arbeit an Katalogen, insbesondere für internationale Messen, habe ich festgestellt, dass neben rein technischen und begleitenden Informationen jeder immer an Informationen interessiert ist allgemeine Ordnung. Ich dachte, ich brauche ein Bildungsprogramm. Ich habe die Idee zu machen Dokumentarfilm, wo man sich die Ära nur durch Dinge vorstellen kann - durch spektakuläre Dinge, pompöse Dinge, tragisch zugrunde gehende und vergessene Dinge ... Ich möchte den Film so ernst machen, dass man damit zum Beispiel an einem Dokumentarfilmfestival teilnehmen kann. Ich plane, den Film im Sommer in Basel zu präsentieren - bis Februar haben wir dafür keine Zeit.

Du bist letzten Sommer nicht nach Basel gefahren...

…Aber in nächstes Jahr gehen. Wenn es die politische Lage zulässt. Schließlich haben wir ein bestimmtes Material - sowjetisches Design. Und mit sowjetischen Propagandamöbeln nach Europa zu gehen, sehen Sie, jetzt wäre es lächerlich. Daher lehnten wir ab. Die Organisatoren waren verärgert. Sie sagten, dass sich schon ein Kreis von denen gebildet hat, die sich für uns interessieren, und für die Organisatoren eine solche Situation, wenn die Galerie drei Jahre mitmacht, dann plötzlich nicht mehr mitmacht, das ist nicht ganz klar, Kunst sollte außerhalb der Politik sein und über die Grenzen hinaus. Natürlich, aber was ist mit inhaltlich politischer Kunst? Dann erhält die Basler Messe ein umfangreiches Medienecho. Wer hat gerade nicht über uns geschrieben: Tapete, Guardian, Daily Telegraph! Nun fragt man sich, warum das alles mit nach Basel nehmen, wenn man im Voraus weiß, dass man Gefahr läuft, auf alles Russische eine programmierte negative Reaktion zu bekommen? Davor hatte ich einen hervorragenden Ruf – den möchte ich nicht verderben.

Aber werden Sie weiterhin für sowjetisches Design auf der Design Miami werben?

Kürzlich haben mir meine Sammler beim Abendessen in Italien gesagt, dass die 1950er und 1960er Jahre so cool sind, dass ich dieses Thema niemals aufgeben würde. Rem Koolhaas er kontaktierte uns, als wir in Basel waren, weil er gerade an einem der zukünftigen Räumlichkeiten der Garage arbeitete, die zu gegebener Zeit geschaffen wurden. Aber wir sind nicht auf diesen Zeitraum beschränkt. Es ist nur so, dass Dinge aus den 1920er, 1930er, 1940er Jahren seltener und sammelbarer sind, sagen wir mal; obwohl die 1960er auch wenige sind. Aber diese Dinge sind mehr denn je gefragt, und tatsächlich scheint diese Ära wieder aktuell zu werden. Unser Material zieht Museen an. Ich freundete mich mit dem New York Museum of Arts and Crafts an, das kürzlich eine Abteilung der Smithsonian Institution wurde; Sie zeigten Interesse an gemeinsamen Ausstellungen: Sie haben den Leiter der Ausstellungsabteilung, den stellvertretenden Direktor, der sich mit Kampagnentextilien beschäftigt. Danke Craig Robins, Gründer und Mitinhaber Entwerfen Sie Miami, die der russischen Galerie die Möglichkeit bot, sowjetisches Design auf einer solchen Messe zu zeigen - und sich gebührend zu deklarieren.

Woher kam die Idee, sowjetische Möbel zu machen?

Die Idee kam in dem Moment, als ich es bemerkte und fleißig dabei war Entwerfen Sie Miami von Jahr zu Jahr, dass der Anteil des modischsten, teuersten, begehrtesten Art-déco-Stils zu sinken begann und allmählich den Möbeln der 1950er und 1960er Jahre Platz machte. Außerdem spielten irgendwo Erinnerungen an die sowjetische Kindheit. Craig Robins nahm mich einmal mit zum Stand einer Galerie, die sich mit skandinavischem Design beschäftigt, und als ich diese minimalistischen, asketischen Möbel sah, war ich überrascht, vom Besitzer der Galerie zu erfahren, dass ich ihm gerade den gesamten Stand abgekauft hatte Roman Abramowitsch. Ja, es gibt wenige Sammler, aber sie sind es. Nur wenige wissen, dass Abramovich ein Haus hat, das mit historischen Dingen im Stil der 1930er Jahre eingerichtet ist. Was Abramovich gekauft hat Speck- sie wissen es.

Sie wollten Sammlermöbel nicht nur handeln, sondern auch produzieren.

Als ich vor einem Jahr darüber sprach, dachte ich, dass wir jetzt an einem etwas anderen Punkt stehen würden, als wir es waren. Ich schätze diese Idee immer noch - sowjetische Muster zu reproduzieren, aber bisher wurde das Projekt nicht gestartet. Warum Nachbildungen gut sind: Nicht jeder ist bereit, alte, antike Möbel zu erwerben – auch wenn restauriert und neu bezogen, aber dennoch einen Sessel von ehrwürdigem Alter – und eine andere Sache ist eine Nachbildung. Ich habe das Rad nicht neu erfunden, aber erst vor ein paar Jahren in Paris in einer Galerie Yves Gastou Wiederholung gesehen Ettore Sottsassa, limitierte Auflage, beschränkte Auflage. Evelina Chromtschenko sagte: "Ich werde Ihr erster Kunde für eine Replik sein." Und sie ist nicht allein. Wird es hier oder im Ausland produziert? Angesichts der aktuellen Realitäten höchstwahrscheinlich hier.

Aber ohne sowjetische Qualität zu reproduzieren?

Reden Sie von Materialien? Ja, die Qualität ließ nach, und die meisten Möbel von damals wurden genau aus diesem Grund dann weggeschmissen. Aber die Ausgangsmaterialien waren normal. Als wir also anfingen, uns mit dieser Zeit auseinanderzusetzen Juri Wassiljewitsch Slutschewski(Der 86-jährige Professor der Abteilung für Möbel, Verdienter Kunstarbeiter Yuri Sluchevsky leitet immer noch den Hauptprofilierungskurs „Möbeldesign“ an der Moskauer Staatlichen Kunstakademie, die nach S. G. Stroganov benannt ist. — TANR) sprach über Ausstellungen bei VDNKh in den späten 1950er und frühen 1960er Jahren, als in der Versuchswerkstatt von Stroganovka Prototypen hergestellt wurden - aus hochwertigen, soliden Materialien. In der Massenproduktion wurden natürlich auch schon andere Materialien verwendet. Und die Prototypen gingen an Cottages und Apartments.

Kristina Krasnyanskaya ist die Tochter eines bekannten Unternehmers Georgy Krasnyansky (ehemaliger Partner von Filaret Galchev, er leitet jetzt den Verwaltungsrat des Kohleunternehmens Karakan Invest). Sie betreut drei Sammlungen gleichzeitig – Familie, Persönlich und Galerie. „Die Familienkollektion nahm vor 15 Jahren Gestalt an. Wir sind irgendwie in den allgemeinen Trend geraten, als alle anfingen, Kunst zu kaufen, - sagt Christina Krasnyanskaya. - Aber es gibt einige Dinge, die ich jetzt für mich selbst kaufe. Es ist kein einfacher Prozess, weil man sich als Sammler ständig von sich selbst als Galerist trennen muss."

Die Krasnyanskys begannen, wie viele russische Sammler, mit der klassischen russischen Malerei des 19.-20. Jahrhunderts - Aivazovsky, Zhukovsky, Meshchersky, Konchalovsky, Kustodiev. Die Galerie "Heritage", die Kristina im Februar 2008 in Petrovka eröffnete, war zunächst auf russische Künstler im Ausland spezialisiert. Aber vor etwa fünf Jahren interessierte sich das Mädchen für Design. „Eltern interessieren sich weniger für Design, obwohl sie auch skandinavische Moderne haben. Es scheint mir, dass die Menschen in Russland gerade erst begonnen haben, sich mit diesem Thema zu befassen “, sagt Christina.

Sie selbst ging in ihrer Leidenschaft noch weiter und fügte dem europäischen Design Objekte hinzu, die in der UdSSR geschaffen wurden. Als wir uns bei Heritage in der Ausstellung „Soviet Modernism – a Phenomenon of Culture and Design of the 20th Century“ trafen, wurden dort Dinge aus ihrer persönlichen Sammlung gezeigt.

Laut Krasnyanskaya haben sich russische Sammler vor ihr praktisch nicht mit sowjetischen Möbeln als solchen befasst.

die Aufgabe ihrer Museumsprojekte Das Mädchen sieht darin, "den Sowjet nicht auf sowjetische Weise zu zeigen". Sie integriert gerne sowjetisches Design in einen internationalen Kontext.

Zu diesem Zweck bringt Krasnyanskaya seit einigen Jahren Dinge aus ihrer Sammlung zur renommierten internationalen Messe Art Basel Miami. Viele der Exponate sind eine echte Rarität, und westliche Kuratoren wissen das zu schätzen, sagt sie: „Ich habe 23 Objekte aus dem Gemeindehaus in Smolensk Ende der 1930er Jahre, hergestellt vom Leningrader Bildhauer Krestovsky, das ist so ein Übergang vom Konstruktivismus zum Späten Art Deco. Ich habe sie kürzlich auf der Art Miaimi Basel ausgestellt – es war ein Projekt, das sich dem widmete kulturelles Phänomen Gemeinschaftshäuser. Danach wurde ich vom Victoria and Albert Museum in London mit einem Vorschlag angesprochen ein gemeinsames Projekt. Bei allem, was mit Propagandadesign zu tun hat, reagieren Ausländer sofort.“

Ihre Designsammlung umfasst bereits mehrere Hundert Stücke. „Es gibt eine ziemlich beeindruckende Sammlung von Möbeln – Boris Iofans konstruktivistische Objekte von 1929, insbesondere sein berühmter Stuhl aus dem Haus am Embankment, einzigartige Propagandagegenstände des Autors aus dem Gemeindehaus von 1937; da sind die Sachen des Autors im stalinistischen Empire-Stil, da ist der sowjetische Art Deco von Nikolai Lansere, der im Mai bei uns ausgestellt wird - und das Finale Guter Geschmack, die jetzt ausgestellt wird: die sogenannte sowjetische Moderne, von 1955 bis 1985, führt Christina Listen entlang Ausstellungsraum. - Gerade zu Beginn dieser Periode erscheinen die von vielen so unbeliebten Chruschtschows - und mit ihnen ein neuer Stil. Zuallererst sind es kleine Möbel, die in kleinen Wohnungen praktisch wären.“

Es muss gesagt werden, dass sowjetisches modernistisches Design auf dem Markt selten ist - laut Krasnyanskaya wurden Möbel aus den 1960er Jahren mit Ausnahme von Raritäten auf Museumsniveau oft auf Mülldeponien geworfen, verbrannt und in Sommerhäuser geschickt. Doch mit ihren Partnern hatte sie Glück: „Als wir anfingen, an diesem Thema zu arbeiten, arbeiteten wir sehr eng mit der Stroganov-Akademie zusammen, auf deren Grundlage einst eine experimentelle Werkstatt entstand. Dort stellten sie Muster her, die auf drei großen Ausstellungen für neues Design ausgestellt wurden - 1958, 1964 und 1967.

„Als wir zum ersten Mal zur Art Miami Basel gingen, halfen sie uns in Stroganovka, Dinge aus diesen Ausstellungen zu finden, die nach den Shows an die Datschen und Wohnungen derer verteilt wurden, die es sich leisten konnten. So landeten wir bei Dingen aus diesen Wohnungen – Prototypen, die aus besseren Materialien hergestellt wurden als in der Massenproduktion. Aber wir lehnen Massenmöbel nicht ab, weil sie heute praktisch nicht mehr erhalten sind.“

Sowjetische Möbel in Krasnyanskaya sehen nicht sowjetisch aus, was hauptsächlich auf die hochwertige Restaurierung zurückzuführen ist. „Wir haben nicht die Aufgabe, die Stoffe, die im Original verwendet wurden, eins zu eins zu wiederholen“, sagt sie. - Natürlich wählen wir es so, dass der Zeitgeist, das Gefühl der Ära erhalten bleibt - aber diese Dinge bekommen dank einiger Spielmomente schon eine neue Lesart. Diese Stühle aus den späten 1960er und frühen 1970er Jahren sind beispielsweise mit Loro Piana-Stoff bezogen, was in der Sowjetunion kaum vorstellbar wäre.“ Die Stühle sind Teil ihrer eigenen Sammlung und haben bereits an mehreren Ausstellungen teilgenommen.

IN neue Wohnung Krasnyanskaya hat auch ein Paar sowjetische Sessel - sie sieht in ihnen "einen gewissen Chic". Viele der in ihrer Galerie ausgestellten modernistischen Möbelstücke können leicht mit skandinavischem Design verwechselt werden, das in letzter Zeit auf dem Kunstmarkt sehr gefragt ist.

In den vier Jahren, in denen sie Möbel und Einrichtungsgegenstände sammelt, hat sich der Wert des skandinavischen Designs der 1950er und 1960er Jahre verdreifacht.

Investitionspotenzial sieht Kristina auch in Dingen, die mit „Made in the UdSSR“ gekennzeichnet sind: „Zweifellos wächst das Interesse an sowjetischem Design. Sammelbare Superdinge, die es auf dem Markt praktisch nicht gibt, sind immer gefragt und teuer. Aber ich bin mir sicher, dass Dinge, die in Serie produziert wurden und auf dieser Ausstellung nur als Zeitspiegel präsent sind, früher oder später auch geschätzt werden.“

Die vielleicht beeindruckendsten Objekte aus Krasnyanskayas persönlicher Sammlung, die hier präsentiert werden, sind sowjetisches Kunstglas. „Ich glaube, dass diese Nische im Gegensatz zu Porzellan noch nicht so populär ist. Beginnen wir mit der Tatsache, dass Kunstglas von Vera Mukhina, der Autorin von „Worker and Collective Farm Woman“, und einem facettierten Glas nachgebildet wurde. Seit 1934 leitete sie die Versuchswerkstatt der Leningrader Spiegelfabrik. Ich habe ihre absolut atemberaubende Plexiglasvase aus den späten 1940er Jahren“, sagt sie.

In Heritage zeigte Christina eine Glasvase aus den späten 1960er Jahren mit einem Sockel in Form von Leitungsisolatoren und Stromleitungen, die in einem Kreis eingraviert sind. Autorin ist die estnische Künstlerin Helen Pyld, die in der sehr experimentellen Werkstatt der Leningrader Spiegelfabrik arbeitete. „Erstaunliche Sache – filigrane Arbeit und gleichzeitig eine Produktionsbotschaft“, kommentiert Christina. - Die Auflage war sehr gering, solche Dinge gibt es nur in wenigen Museen. reine Kunst!" In die gleiche Kategorie stellt sie das Triptychon der späten 1970er Jahre mit dem unerwartet aktuellen Titel „Ukrainian Uprising“ – ausdrucksstarke Vasen aus experimentellem zweischichtigem Rot-Weiß-Glas, die an die Werke von Emile Galle erinnern. Krasnyanskaya fand sie in einer Privatsammlung in der Ukraine: „Sie wurden im Alltag nicht benutzt – sie standen als Kunstobjekt. Es gab mehrere Glasfabriken in der Ukraine, in Kiew und anderswo.“

Kristina selbst wurde wie ihre Mutter in Kiew geboren, und das Erste in der Kunstsammlung ihrer Familie stammt von dort: ein Aquarell von Taras Shevchenko mit einer Kiewer Ansicht ist das Wichtigste Ukrainischer Dichter war auch Künstler. Anderthalb Jahrzehnte lang gelang es ihnen, eine Sammlung russischer Gemälde und Zeichnungen zu sammeln, wie Krasnyanskaya sagt, auf Museumsniveau. Sie träumt davon, eines Tages die ganze Familie bei einem Treffen zu zeigen große Museen. Der Raum ihrer Galerie reicht dafür einfach nicht aus: Die Sammlung der Familie Krasnyansky wird in vier Tresoren aufbewahrt - drei in Moskau und einer in Genf.

Krasnyanskaya nennt weder den geschätzten Wert der Sammlung noch die Kosten ihrer Entstehung. Ihre Galerie beschäftigt fünf Mitarbeiter, aber als ausgebildete Kunstkritikerin trifft sie alle Entscheidungen über den Kauf oder Verkauf von Objekten selbst. Es sei denn, es wird im Zweifelsfall mit anderen Sammlern über die Echtheit oder den Preis gesprochen. Und neuerdings nimmt er an Auktionen nur noch über Vertreter und nicht persönlich teil – er sagt, die emotionale Atmosphäre dort sei wie in einem Casino, was es leicht mache, aus einem vorgeplanten Budget herauszufliegen.

Bis zu einer großen Familienausstellung zeigt Krasnyanskaya Exponate aus ihrer eigenen Sammlung von Designgegenständen und den Sammlungen ihrer Freunde allen in Heritage. Eintrittsgelder erhebt sie nicht.

Ein weiteres Merkmal der Krasnyanskaya-Galerie sind Abendessen für Sammler. „Das wird oft im Westen gemacht, und wir waren unter den ersten in Russland. Ziel ist es, dass Privatsammler ihre Errungenschaften in einem angenehmen Umfeld präsentieren können“, sagt sie zum Abschluss unserer Führung. - Wir haben eine ernsthafte Musikprogramm für diese Treffen. Yuri Bashmet, Denis Matsuev, Lyubov Kazarnovskaya, Vladimir Spivakov und meine guter Freund Yuri Rozum. Es gab keine kommerziellen Zwecke - nur eine Geste der Galerie. Jeder Sammler, egal was er sagt, will mit seinen Errungenschaften angeben.

Foto: ANTON ZEMLYANOY Stil: KATYA KLIMOVA

Den Sieg im Ziel zu genießen ist einfach - viel schwieriger ist es, als Erster ins Rennen zu gehen. Aber die Schwierigkeiten von Christina Krasnyanskaya störten nie. Wir haben uns mit der Gründerin von Heritage getroffen, die kürzlich das zehnjährige Bestehen ihrer Galerie feierte und längst der ganzen Welt bewiesen hat, dass es Design in der UdSSR gibt.

„Design in der Sowjetunion? Machst du Witze?" – der überraschte Ausruf des Gründers und Kurators von Design Miami / Basel Craig Robins, der Besitzer der Galerie „Heritage“, an den er sich ein Leben lang erinnerte. Als sie vor sechs Jahren beschloss, sowjetisches Design in Basel zu zeigen, gab es andere Fragen, die auf das berüchtigte hinausliefen: „Warum brauchst du das?“ Aber Christina wusste immer warum. Überhaupt gehört sie zu den Menschen, die zuerst Material aufnehmen, und sich erst dann mit dem Kopf in den Pool werfen, also könnte sich selbst ein Skeptiker diese Erfolgsgeschichte nicht mit purem Glück erklären. „Ich hatte keine Ahnung, wie sie auf uns reagieren würden“, erinnert sich der Galerist. „Ich erinnere mich, dass wir eine anderthalb Meter große Skulptur russischer und europäischer Arbeiter mitgebracht haben, die sich leidenschaftlich küssen, unter einem roten Banner mit der Aufschrift: „Proletarier aller Länder, vereinigt euch!“ Sie fragten mich: „Was ist das, zeitgenössische Kunst?“ Nein, sage ich, nicht zeitgenössisch - das 37. Jahr. Krasnyanskaya ist sich sicher, dass während der Vorbereitung des ersten Basler Projekts ohne die Hilfe von Yuri Vasilyevich Sluchevsky nichts passiert wäre: Der Professor von Stroganov und der Schöpfer der ersten Schrankmöbel in der UdSSR wurde ihr treuer Assistent und Berater. „Uns war klar, dass wir fast keine Avantgarde-Objekte mehr hatten. Aber es gibt den Konstruktivismus, der eigentlich die späte Avantgarde ist. Es entstand die Idee eines Dialogs zwischen dem Konstruktivismus und der Ästhetik der 1960er Jahre, einer Zeit, in der sich Designer und Architekten derselben Avantgarde und dem Bauhaus zuwandten.“ Der Plan ging nicht nur auf, sondern schoss mit ohrenbetäubender Wucht – und der Galerist kehrte mit lobenden Kritiken von The Guardian, Wallpaper und The Daily Telegraph nach Russland zurück, die unisono das Schicksal von „Heritage“ fast als Hauptereignis der Messe bezeichneten. „Wenn sie mir gesagt hätten, dass es so sein würde, hätte ich das nie geglaubt“, schmunzelt der Gesprächspartner. „Wir waren Pioniere und bewegten uns mit geschlossenen Augen im Dunkeln.“

Mit der Rolle einer Pionierin kommt Christina geschickt zurecht. Und alles begann mit russischen Künstlern im Ausland. „Natürlich haben wir Amerika nicht entdeckt, entschuldigen Sie das Wortspiel. Vor uns gab es Galerien "Unsere Künstler", "Elysium", "Aquarell". 1995 veranstaltete die Tretjakow-Galerie eine wichtige Ausstellung "Sie nahmen Russland mit" - Gemälde, Zeichnungen und Archivmaterialien, die vom französischen Professor Rene Guerra gesammelt wurden. Eine ganze Reihe von Namen stieg auf: Isaev, Pozhedaev, Polyakov, de Stael. Aber es ist eine Sache – eine Ausstellung in einem Museum und eine ganz andere – eine private Galerie, die man verdienen muss. Heute suchen Sammler nach den Leinwänden emigrierter Künstler, aber damals kannten sie nur wenige. Sie kannten Chagall, Kandinsky, Yavlensky, Goncharova und Larionov. Aber es hat sich gelohnt, einen Schritt zur Seite zu gehen - völlig weiße Flecken. Wir hatten also viele Aufgaben vor uns, und die wichtigste davon war pädagogisch: zu erklären, wer all diese Menschen sind und warum ihre Arbeit die richtige Investition ist. Und so haben wir die Ausstellung von Andrey Mikhailovich Lansky eröffnet. Klein, aber sehr voluminös: Frühes, Mosaik, Collage, lyrische Abstraktion. Die Reaktion war einfach wow! Dies ist eines meiner Lieblingsprojekte: Erstens ist es ein Debüt, und Zweitens, sehr aufschlussreich - wir haben uns in zehn Jahren viele solcher synkretistischen Ausstellungen ausgedacht.

Übrigens, über das Jahrzehnt: Heritage feierte es mit einem Abendessen, das von Vladimir Mukhin aufgeführt wurde, und einer Ausstellung, die dem sowjetischen Art Deco gewidmet war. „Die Kuratorin Sasha Selivanova und ich haben einen winzigen Zeitraum gewählt – von 1932 bis 1937“, erklärt die Galeristin. „Wir haben uns entschieden, einen Quasi-Stil zu zeigen: keine Avantgarde mehr, aber noch kein Empire-Stil.“ Auch die Vorbereitungen für den Juni Basel laufen auf Hochtouren. Krasnyanskaya wird mit der Propagandakunst der 20-30er Jahre Glück haben: Möbel, Porzellan, Teppiche, Glas. Geplant sind auch Repliken sowjetischer Möbel und Projekte mit berühmten Kunstinstitutionen. „Ich möchte mit der Prada Foundation zusammenarbeiten“, sagt sie verträumt. Es klingt laut, aber für Christina ist nichts unmöglich. Seine Exponate werden von Norman Foster bewundert, und die besten Moskauer Museen vertrauen Heritage mit ihren Sammlungen. Sie kuratiert eine Ausstellung im Mailänder Museo MAGA und verhilft unseren Künstlern zu internationalen Stars. Auch außerhalb der Werksmauern schafft das zerbrechliche Mädchen so viel, dass man sie der Teleportation verdächtigt: Heute studiert sie Kabakovs Retrospektive in London, morgen applaudiert sie Currentzis in Moskau. Man möchte die höllische Banalität fragen: „Entspannen Sie sich wenigstens manchmal? Du musst deinen Kopf frei bekommen!" „Natürlich muss man“, sagt sie. Dafür sind Flugzeuge da. Neulich habe ich noch einmal For Whom the Bell Tolls gelesen. Und weisst du was? Das Buch passte perfekt zu unserem jüngsten Projekt on Bürgerkrieg in Spanien. Oh, ich glaube, ich rede wieder von der Arbeit, richtig?