heim › Licht und Glas › Kristina Krasnyanskaya: „Wenn sie mir gesagt hätten, dass es SO passieren würde, hätte ich es nie geglaubt. Haben diese Möbel einen Sammlerwert?

Kristina Krasnyanskaya: „Wenn sie mir gesagt hätten, dass es SO passieren würde, hätte ich es nie geglaubt. Haben diese Möbel einen Sammlerwert?

Das Sammeln von Kunstwerken ist ein Elite-Hobby, das nicht nur eine ernsthafte Ausbildung im Bereich der Kunstgeschichte, sondern auch einen tadellosen Geschmack erfordert.
Die Kunstkritikerin, korrespondierendes Mitglied der Internationalen Akademie für Kultur und Kunst und Inhaberin der Moskauer Heritage Gallery, Kristina Krasnyanskaya, erzählte uns, ob es möglich ist, selbst einen guten Geschmack zu entwickeln und wie man lernt, Kunstsammlungen zu erstellen.

Christina, was ist für dich „guter Geschmack“?
Guter Geschmack ist die Kunst, im Einklang mit der Welt um Sie herum zu sein. Geleitet vom Geschmack können wir entscheiden, was Teil unseres Lebens werden soll und was nicht. Es ist, als würde man eine gute Sammlung erstellen. Die Fähigkeit, Übereinstimmungen auszuwählen und zu finden, bestimmt die Gestaltung unseres persönlichen Lebenskontexts. Ein Mensch mit gutem Geschmack existiert und fühlt sich immer am Ort und in der Zeit, da er nach Harmonie zwischen Außen- und Innenwelt strebt.
Lässt sich guter Geschmack Ihrer Meinung nach kultivieren?
Natürlich ist guter Geschmack eine Eigenschaft, die in der Kindheit vermittelt wird. Wenn eine Person von sehr junges Alter Wer das Schöne und den ewigen Schönheitskanon kennenlernt, dem fällt es viel leichter, einen guten Geschmack zu entwickeln. Guter Geschmack ist keine angeborene Eigenschaft, sondern das Ergebnis der Arbeit an sich selbst. Den Horizont ständig erweitern und Neues entdecken, wir verbessern uns dein Geschmack. Guter Geschmack wird oft mit Sinn für Stil in Verbindung gebracht, obwohl es sich dabei um zwei völlig unterschiedliche Konzepte handelt, wie Mode und Kunst.
Was ist bei der Erstellung privater Kollektionen wichtiger – Geschmack oder Mode?
Die Gesetze der Mode gelten in allen Arten menschlicher Aktivitäten. Aber Mode ist immer bedingt. Auch wenn Modekunst zu einem bestimmten Zeitpunkt unglaublich gefragt ist, macht sie das aus Sicht der Sammlungsbildung nicht attraktiver. Es gibt viel wichtigere Kriterien bei der Auswahl von Werken zum Sammeln, und zwar zunächst einmal der künstlerische Wert des Werkes. Heutzutage ist es äußerst in Mode, zeitgenössische Kunst zu sammeln, aber das bedeutet nicht, dass Sammler Kunst des 19. Jahrhunderts Jahrhunderte haben einen schlechten Geschmack...
Der Geschmack eines professionellen Sammlers und eines unerfahrenen Sammlers stimmen oft nicht überein. Wie verhalten Sie sich in solchen Situationen? Bringen Sie den Kunden Geschmack bei oder versuchen Sie, sich daran zu halten? ihre Wünsche?
Ich versuche immer, auf die Wünsche und Visionen meiner Kunden einzugehen, ohne ihnen jedoch meine Meinung zu verheimlichen. In der Regel beginnt jeder mit dem Sammeln von Klassikern und orientiert sich dabei an Ideen aus Anthologien und Museumskatalogen. Aber Konservatismus beim Sammeln - nicht immer ein Zeichen guter Geschmack. Abstrakte Kunst- Das ist die Entwicklung, die zuerst der Künstler und dann der Betrachter durchläuft. Diese Kunst erfordert eine besondere Ausbildung, Erfahrung und Ausbildung. Sie müssen dorthin gelangen und Ihre Vision schrittweise erweitern, sonst werden Sie es vielleicht nie schaffen.
Wie moderne Kunst Beeinflusst es den öffentlichen Geschmack?
Die bildende Kunst hat zu allen Zeiten sowohl den Schönheitskanon als auch den Modestil geprägt. Zeitgenössische Kunst tut dies auf eine intensivere und vielseitigere Art und Weise, indem sie über so viele Dinge gleichzeitig spricht. Heutzutage gibt es eine Tendenz zum Gesamtkunstwerk, wenn Theater mit Musik, Malerei mit Design, Videoinstallationen kombiniert wird und Kino. Kunst zeigt uns ihre Einstellung zu den in der Gesellschaft ablaufenden Prozessen und hilft uns, unsere eigene Einstellung dazu zu bestimmen. Wie hell und interessant es wird, hängt vom Talent und Können des Künstlers ab.
Schlechter Kunstgeschmack ist...?
Schockierend. Wenn es einem Künstler an Inspiration oder Schule mangelt, um sich der Welt bekannt zu machen, greift er zu schockierendem Verhalten. Dank der Aktivitäten einiger kreative Assoziationen, modern Russische Kunst wird sehr oft mit Unverschämtheit in Verbindung gebracht. Glücklicherweise gibt es in Russland neben dem Schockierenden auch viele interessante Dinge zeitgenössische Künstler, basierend auf den reichen Traditionen der russischen Malschule. Zweifellos werden ihre Werke eines Tages der breiten Öffentlichkeit bekannt werden, aber schon jetzt sind ihre Werke Sammlerstücke.
Welches Künstlerwerk ist für Sie ein Beispiel für tadellosen Geschmack?
Dies ist eine sehr umfassende Frage. Künstler wie Van Gogh, Marc Chagall und Konstantin Korovin hatten ein unglaublich ausgeprägtes Stilgefühl. Für mich persönlich ist das Werk des Grafen der russischen Avantgarde Andrei Lansky, eines russischen Künstlers, der im Laufe der Jahre seine Heimat verließ, eine unendliche Quelle der Bewunderung Oktoberrevolution und erlangte im Westen große Anerkennung. Seine lyrischen Abstraktionen sind raffinierte intellektuelle Malerei, voller Energie des „Farblichts“. Heute erlangt Lanskys Werk endlich die wohlverdiente Anerkennung in seinem Heimatland, was auch von der Entwicklung des öffentlichen Geschmacks in Russland zeugt ...
(Von der Galerie-Website):
Die Haupttätigkeitsbereiche der internationalen Kunstgalerie „Heritage“ sind die Kunst der russischen Emigration der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts und zeitgenössische russische Kunst.
Im Bewusstsein der Verantwortung, die die Arbeit der Galerie auferlegt mit Werken Kunst auf einem solchen Niveau wie „Russisch im Ausland“ streben wir danach, bei der Arbeit mit zeitgenössischer Kunst so anspruchsvoll wie möglich zu sein. Zeitgenössische russische und westliche Kunst wird in der Heritage-Galerie von Künstlern präsentiert, deren Werke sich in den Sammlungen zahlreicher Museen auf der ganzen Welt befinden.
Viele Teilnehmer unserer Ausstellungsprojekte sind Mitglieder der Union der Künstler der UdSSR und Russlands, Schüler solcher Kolosse moderne Malerei, wie Warwara Bubnowa (Mitglied der „Union der Jugend“, „Karo-Bube“, „Eselsschwanz“, ausgestellt zusammen mit Malewitsch, Tatlin und Rodtschenko), Wassili Sitnikow (Vertreter der „inoffiziellen Kunst, Gründer seiner eigenen Schule“) ), Heinrich Ludwig (Vertreter der Avantgarde Sowjetische Architektur 20er Jahre).
Jede des Präsentierten Die Werke in unserer Galerie haben einen unbestreitbaren künstlerischen Wert, machen zeitgenössische Kunst würdig für die Elite-Sammlung und bereiten uns ausnahmslos Freude aus Kontakt mit dem Schönen.
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Kristina Krasnyanskaya (38 Jahre alt): Tochter des Miteigentümers der Eurocement Group Georgy Krasnyansky (Nettovermögen 1,5 Milliarden Dollar).
Heritage Gallery

Vom 21. Februar bis 30. April in der Moskauer Galerie "Erbe" es wird eine Ausstellung geben „Postkonstruktivismus oder die Geburt des sowjetischen Art Deco: Paris – New York – Moskau“, zieht Parallelen und sucht nach Schnittpunkten und Einflüssen in Kunst, Architektur und Design in Russland, Amerika und Frankreich in den 1920er und 30er Jahren. Mit dieser Ausstellung feiert die Galerie ihr 10-jähriges Jubiläum, am Vorabend ihres Gründers Kristina Krasnyanskaya sprach mit ARTANDHOUSES über die Unterschiede zwischen Sammlern und Investoren, den Glauben an Mundpropaganda und die Vorteile von Kunstberatern.

In den letzten Jahren haben Sie mehrere Museumsprojekte in Russland durchgeführt, aber Nachrichten über die Arbeit der Galerie kamen hauptsächlich aus dem Ausland – über die Teilnahme an. Warum?

Es gab eine Zeit, in der es viele Projekte gab – ich habe alles übernommen und es war mir wichtig, dass ständig aktive Ausstellungsaktivitäten durchgeführt wurden. Dies ist jetzt aus mehreren Gründen weniger relevant. Mit der Zeit entwickelt sich Quantität jedoch zu Qualität und man greift nicht mehr nach allem. Wir führen recht komplexe Projekte durch, die eine recht lange Vorbereitung erfordern, insbesondere was die Materialsammlung betrifft. Deshalb klappt es oft einfach nicht, viele davon zu machen, und ich habe kein Interesse daran, etwas Einfaches zu machen.

So kam es, dass die Aktivitäten der Galerie, die sich auf russische Künstler im Ausland konzentrierten – obwohl ich betonen möchte, dass wir diese Richtung nicht vergessen und Werke in Ausstellungen einbeziehen – reibungslos auf das Thema des sowjetischen Designs übergingen. Doch die jüngsten Ausstellungen sind dennoch viel umfassender: Sie umfassen nicht nur Design, sondern auch Malerei, Grafik und Architektur. Mir gefällt, dass sie reichhaltig und vielseitig sind, und ich sehe, dass dieser Ausstellungstrend von anderen unterstützt wird. Denn wenn man eine solche Ausstellung hat, kann man nicht nur etwas aus dem Kontext gerissen sehen, sondern den gesamten Kontext auf einmal.

Deshalb haben Sie begonnen, den Trends folgend, mit zeitgenössischen Künstlern zusammenzuarbeiten?

Natürlich muss die richtige Galerie einen bestimmten Schwerpunkt haben, aber auch wenn wir uns auf die erste Hälfte des 20. Jahrhunderts konzentrieren, unterstütze ich gerne zeitgenössische Künstler. Einigen helfe ich sogar bei der Promotion im Westen: Vorletztes Jahr betreute ich das Projekt des Bildhauers Alexei Morozov im Archäologischen Museum von Neapel. Und letztes Jahr war sie Co-Kuratorin der Ausstellung von Oksana Mas im MAGA-Museum in der Nähe von Mailand, wo ihre Werke in die Ausstellung der Meister der Arte Povera – Fontana, Castellani und andere – aufgenommen wurden. Schirmherr dieses Museums ist übrigens die Familie Missoni, und ich habe jetzt die Idee, eine Ausstellung über ihr Modehaus in Moskau zu machen.

William Klein
„Tatiana, Mary Rose und Kamele, Picknick, Marokko“
1958

Ihre Galerie ist zehn Jahre alt. Denken Sie, dass das viel oder wenig für eine Galerie in Russland ist?

Angesichts der Markt- und politischen Bedingungen halte ich das für angemessen. Im globalen Kontext reicht das natürlich nicht aus, aber für unseren russischen Kontext reicht es. Besonders in Erinnerung daran, dass wir in dieser Zeit mehrere Krisen erlebt haben.

Wie hat Ihre Galerie die Krise überstanden?

Der erste ist sehr einfach. Es wirkte sich eher international aus Auktionshäuser, weil die Krise wirklich global war und die Menschen keine Dinge zum öffentlichen Verkauf anbieten wollten. Das zweite ist schwieriger, da es mit unseren Sammlern, mit unseren politischen und wirtschaftlichen Ereignissen zusammenhängt. Daher kam es zu einer Art Rotation: Menschen, die aus dem einen oder anderen Grund aktiv viel Kunst gekauft haben, hören auf zu kaufen, aber es tauchen neue Käufer auf. Unser Geschäft ist so strukturiert, dass die Galerie ein flexibler Organismus sein und sich den Gegebenheiten anpassen muss. Es war mir schon immer wichtig, die Balance zwischen kommerziellen und kuratorischen Aspekten zu wahren.

Ich erinnere mich, dass Sie sich vor ein paar Jahren darüber beschwert haben, dass es in der Galerie keinen Art Director gibt. Haben Sie es gefunden oder machen Sie weiterhin alles selbst?

Leider bin ich selbst weiterhin einer, obwohl ich regelmäßig an das Auftauchen einer solchen Person denke.

Zurück in die Vergangenheit... Sie verfügen über eine Ausbildung in Wirtschaftswissenschaften und Kunstgeschichte. Haben Sie gezielt Kunsthistoriker studiert, um später eine Galerie zu eröffnen?

Ja. Dann habe ich bereits in einer privaten Galerie gearbeitet geschlossener Typ von deinen Freunden. Sie spezialisierte sich auf klassische Malerei und mit meiner Ankunft begann sie, sich mit zeitgenössischer Kunst zu beschäftigen. Es war eine großartige Zeit! Ein solches Handlungsfeld, in dem ich von innen studieren konnte, wie die Galerie und dieses Geschäft im Allgemeinen funktionieren. Irgendwann kam es dort sogar dazu, dass ich mich aktiv im Verkauf engagieren und die finanziellen Belange der Galerie verwalten musste. Es war also eine so gute Schule.

Ib Kofod Larsen, Sessel, 1950 / Borge Mogensen, Sofa, 1962

Warum haben Sie sich auch dafür entschieden, zunächst eine geschlossene Galerie zu schaffen?

Ich glaube einfach nicht, dass wir Sammler haben, die die Straße entlanggehen und in die Fenster schauen. Es scheint mir, dass das Thema Sammeln in unserem Land immer noch verschlossen ist, und was hier am besten funktioniert, ist „Mundpropaganda“, eine etablierte Autorität unter Sammlern, wenn sie zu Ihnen zurückkommen und Sie weiterempfehlen. Das ist wahrscheinlich die beste Werbung.

Das heißt, unsere Galeristen selbst bewahren beim Sammeln weiterhin die Aura des Elitismus und erzeugen eine Art Magie um sie herum?

Ich glaube, dass Sammeln Magie ist. Und ich sage immer, dass der Sammlerclub ein geschlossener Club ist und tatsächlich der Elite angehört. Denn es reicht nicht aus, viel Geld zu haben und die Möglichkeit zu haben, teure Kunstgegenstände zu kaufen; es reicht nicht einmal aus, nur Bücher zu lesen, Ausstellungen und Messen zu besuchen oder sich irgendetwas anderes zu besorgen besondere Bildung. Verstehen Sie schließlich, dass nicht alle Menschen bereit sind und nicht jeder von diesem Geist des Zusammenseins angesteckt ist. Auch wer etwas kauft, wird nicht zwangsläufig zum Sammler. Echte Sammler sind sehr komplexe Menschen. Und, um ehrlich zu sein, in gewisser Weise sogar besessen. Sie leben es und nehmen Kunst ganz anders wahr. Denn Kunst ist eine bedingte Kategorie. Es gehört nicht zu den Grundbedürfnissen, nicht einmal dazu Luxusgüter B. ein Luxusauto, große Diamanten, eine Yacht oder ein Haus an der Côte d'Azur. Das ist etwas, das Sie mit Ihrem Herzen spüren müssen, etwas, für das Sie ein „Auge“ und einen Geschmack haben müssen. Ja, Sie können sich beim Besuch von Ausstellungen Namen und Namen merken beliebte Reiseziele, aber nicht jeder ist daran interessiert, Kunst und Sammeln zu verstehen und sich eingehend mit ihren Feinheiten zu befassen. Und nicht jeder ist dazu in der Lage. Also ein Club dieser Leute, infiziert vom „Bazillus“ des Sammelns, die sich gerne darin suhlen, die auf die Einkäufe anderer neidisch sind und jahrelang ein Auge auf die Dinge haben, die ihre Werke gerne an Museen verschenken, um das zu tun Sie „leben“ eine Art Eigenleben und sammeln Provenienz, verschlossen. Um daran teilzunehmen, reicht es nicht aus, nur Geld zu haben. Darüber hinaus gibt es bekannte Sammlungen, in denen die Leute Werke nicht für exorbitante Summen kauften, sondern einfach über ein gutes Gespür und Wissen und gute Berater verfügten.

Sie haben gerade die Figur des wohl kanonischen leidenschaftlichen Sammlers beschrieben. Es stellt sich heraus, dass Sie diejenigen, die zu Anlagezwecken sammeln, nicht als Sammler betrachten?

Ich sage immer: Es gibt Käufer und es gibt Sammler. Käufer sind diejenigen, die Kunst für zu Hause oder als Geschenk kaufen, manchmal unter dem Einfluss von Emotionen, was besonders häufig auf Messen der Fall ist. Und es gibt Sammler, eine andere Kategorie, überhaupt nicht mythologisch. In unserem Land gibt es beispielsweise zehn solcher Menschen.

Diejenigen, die zu Investitionszwecken kaufen, sind einfach Anleger. Natürlich steckt in der Kunst viel Geld und viele Menschen wollen darin investieren, um später ein zusätzliches Einkommen zu erzielen. Dazu müssen Sie diesen Markt jedoch entweder sehr gut kennen, ihm nicht weniger folgen als dem Aktienmarkt oder einen erfahrenen Berater in der Nähe haben. Besser noch, das eine und das andere gleichzeitig. Nun, im Allgemeinen glaube ich, dass es profitablere und weniger riskantere Geschäftsarten gibt als Investitionen in Kunst.

Es war einmal, als Matthew Stevenson, damals Leiter der russischen Filiale von Christie’s, und ich einen Vortrag darüber hielten, wie man sammelt, damit die Kunst immer flüssig war. Es gab fünf Grundprinzipien.

Kannst du sie aussprechen?

Der erste ist der Name. Wir sprechen jetzt nicht über Investitionen in aufstrebende Kunst(junge Kunst), sondern wir reden davon, dass jemand sein Geld anlegen und es, wenn nicht mehr, so doch zumindest sparen möchte. Dies sollte die erste Namensreihe sein.

Der zweite ist der Punkt. Denn jeder Künstler hat eine Blütezeit, und es gibt weniger interessante – den Anfang, wenn er sich noch nicht gebildet hat, den Niedergang der Kreativität. Es ist wichtig zu verstehen, dass Sie die beste Periode dieses Autors kaufen.

Drittens ist die Handlung. Es muss eine erkennbare Handlung vorhanden sein, die diesen Künstler charakterisiert, und das Werk muss sozusagen alle seine Tricks aufweisen. Wenn Sie ein Picasso-Werk vor sich haben und nicht erkennen, dass es sich um seine Hand handelt, besteht aus Investitionssicht kein Grund zum Kauf.

Der vierte ist sehr interessanter Parameter. Es gibt ein solches Konzept: Wallpower. Das bedeutet, dass die Arbeit spektakulär sein muss. Auch wenn es sich zum Beispiel um ein Gemälde aus der späten Magritte-Zeit handelt, nicht um die beste Periode, aber wenn es spektakulär ist, kann es in der Zukunft gut umgesetzt werden.

Und der letzte Punkt ist der Stand der Arbeit und der Provenienz. Hier muss auf die Sicherheit der Arbeiten geachtet werden, unabhängig davon, ob Restauratoren eingegriffen haben oder nicht. Und seine Herkunft: wem es gehörte, wo es ausgestellt wurde oder von welcher renommierten Galerie es gekauft wurde.

Wenn Sie diese einfachen Regeln befolgen, ist meiner Meinung nach der Erfolg Ihrer Investition garantiert.

David Dubois
„Gurttisch“
2014

Warum werden dann Kunstberater benötigt?

Nun ja, es ist gar nicht so einfach, diese Regeln anzuwenden (lacht). Sie müssen viel Zeit damit verbringen, sich mit den Themen auseinanderzusetzen, und zwar für jeden Künstler einzeln. Und um die erforderliche Menge an Informationen zu erhalten, müssen Sie sich wahrscheinlich vollständig von Ihrem Hauptgeschäft trennen.

Wie ist der Name Ihrer Galerie entstanden?

Es ist ganz einfach: Ich wollte einen Namen geben, der einerseits international ist und andererseits eine Bedeutung hat. Und das Wort „Erbe“ schien universell, wie man sagt, mit gutem Karma.

Sie haben mit russischen Künstlern im Ausland angefangen, jetzt sind Sie auf sowjetisches Design umgestiegen – unser gesamtes Erbe, ja. Warum haben sie angefangen, Dinge von ausländischen Designern hierher zu bringen?

Schon als ich anfing, wurde mir klar, dass in unserem Land die Nische namens „Sammlerdesign“ überhaupt nicht besetzt war. Und vor vielen Jahren habe ich eine Ausstellung ausschließlich mit westlichen Dingen dieser Art gemacht. Sie zeigte dort die besten Lehrbuchobjekte sowohl antiker als auch aus dem gesamten 20. Jahrhundert den modernen Designern Martin Bas und Fabio Novembre. Ich war daran interessiert, die Reaktionen der Leute zu sehen, aber nur wenige waren dazu bereit. Glücklicherweise tun heute bereits mehrere Menschen solche Dinge.

Bei dieser Ausstellung zum Jubiläum der Galerie konzentrieren wir uns besonders auf sowjetisches Design in einem breiten internationalen Kontext – wir versuchen zu zeigen, wie Amerika und Frankreich die UdSSR beeinflusst haben, was von dort zu uns kam und was im sowjetischen Design authentisch ist.

Sie zeigen aktiv sowjetisches Design im Westen. Wie reagieren lokale Sammler?

Westliche Museen sind sehr interessiert und ich führe mehrere Verhandlungen über die Ausstellung. Und Sammler mögen es, verhalten sich aber vorsichtig – darüber gibt es im Ausland nur sehr wenig Literatur. Allerdings haben wir neben russischen Käufern mittlerweile auch Kunden aus Deutschland und der Schweiz, einen Franzosen mit russischen Wurzeln und hoffentlich auch einige aus Italien.

Topmodel, TV-Moderatorin und Schauspielerin. Nachdem sie laut Fashion TV den Titel „Bestes Mädchen Russlands“ erhalten hatte, flog sie los, um Paris zu erobern. Und es gelang ihr: Polina unterzeichnete Verträge mit den Häusern Dior, Roberto Cavalli, Jitrois und Levi’s. Und als Beauty-Model gelang es Polina, mit L’Oreal und Feraud zusammenzuarbeiten und zum Gesicht erfolgreicher Werbekampagnen berühmter Marken zu werden.

Vor ein paar Monaten war ich bei einer Veranstaltung zur Eröffnung der Ausstellung des berühmten Künstlers der russischen Diaspora Georgy Artemov im Heritage. In dieser Galerie versammelten sich alle Moskauer Künstler und einflussreiche Persönlichkeiten der Hauptstadt. Wir wurden vom Besitzer der Galerie begrüßt, dessen Name in Geschäfts- und Modekreisen weithin bekannt ist. schönes Mädchen mit einem bezaubernden Lächeln, - Kristina Krasnyanskaya. Noch am selben Abend hatte ich die Idee, ein Interview mit Christina aufzunehmen, mit ihr über ihre Galerie zu sprechen, wie schwierig es ist, eine Berufung zu finden und natürlich über die Arbeit russischer Künstler.

: Christina, ich freue mich, dich zu sehen. Jeder kennt die Übersetzung des Galerienamens „Heritage“, was „Erbe“ bedeutet. Ich weiß, dass in der Galerie nur Ausstellungen russischer Künstler stattfinden. Was ist der Grund für diese Wahl?

Kristina Krasnyanskaya: Weil die Galerie ein offizielles Konzept hat. Der Punkt ist, dass wir mit Künstlern aus der russischen Diaspora zusammenarbeiten, mit solchen, die während der Revolution oder davor eingewandert sind. Natürlich ist ihre Kreativität unser Erbe. Leider ging es vor einer bestimmten Zeit verloren. Die Aufgabe unserer Galerie ist es, dies wiederherzustellen und der Welt zu zeigen, dass es sich um russische Künstler handelt. Beispielsweise signierte Marc Chagall bis 1985 in allen Galerien als Französischer Künstler. Damals war vergessen, dass er aus Russland stammte. Heutzutage werden Chagalls Gegenstände aus der russischen Zeit auf dem Markt viel höher geschätzt als solche aus Frankreich. Er lebte langes Leben berühmter Künstler, fast 100 Jahre alt, und arbeitete bis ans Ende seiner Tage. Man sollte immer daran denken, dass unser russisches „Erbe“ eine riesige Liste berühmter Namen wie Marc Chagall, Wassily Kandinsky, Natalia Goncharova, Mikhail Larionov, Konstantin Korovin, Boris Grigoriev und weniger ist berühmte Künstler: Georgy Artemov, Boris Anisfeld, Andre Lanskoy, Serge Polyakov, Georgy Pozhedaev, Leopold Survage, Serge Charchoun und viele andere, die vor relativ kurzer Zeit zu einer Entdeckung für Sammler wurden. Im Allgemeinen gibt es ein Konzept der Kunst des ethnischen Marktes. Diese Künstlergruppe geht darüber hinaus. Es ist jedoch eine weithin bekannte Tatsache, dass Russen versuchen, russische Kunst zu kaufen, Skandinavier - Skandinavier, Amerikaner - Amerikaner und so weiter.

: Was ist der Grund dafür?

Kristina Krasnyanskaya: Der Wunsch, Werke von Künstlern, die die Nation verkörpern, Kunst, die man aus der Kindheit kennt, mehr als einmal zu sehen Nationalmuseen. Auch hier ist ein Element einer Art Patriotismus am Werk. Jeder Sammler beginnt meistens damit, das zu kaufen, was zu seinem Erbe gehört Heimatland. Die Künstler, mit denen sich die Galerie beschäftigt, sind interessant, weil sie eine russische Schule und russische Wurzeln haben, aber gleichzeitig in den Sammlungen von Museen auf der ganzen Welt vertreten sind. Diese Namen befinden sich nicht nur in den Sammlungen russischer, sondern auch westlicher Sammler. Dies sind russische Künstler mit weltweitem Ruf. Wassily Kandinsky, Marc Chagall, Naum Gabo und Alexey Jawlensky werden seit langem auf impressionistischen Auktionen verkauft, und nirgendwo auf der Welt positioniert sie jemand als russische Künstler. Daher war es für die Galerie zunächst wichtig, unser Erbe nach Russland zurückzugeben. Zweitens dürfen wir nicht vergessen, dass auch diese Künstler ein integraler Bestandteil des Welterbes sind. Daher sind ihre Werke auch für Sammler eine sehr gute Wertanlage. Nehmen wir zum Beispiel die Ausstellung von Artemov, die derzeit im Heritage stattfindet. Ich lernte seine Werke erstmals in einer französischen Galerie kennen. Als ich seine dort ausgestellte Holztafel sah, war ich begeistert. Nachdem ich den Preis herausgefunden hatte, dachte ich, dass der genannte Preis für russische Käufer gedacht sei, aber ich habe mich geirrt. Die Paneele wurden von den Franzosen gekauft, und das in sehr kurzer Zeit. Wenn man sich die Arbeitsgeschichte von Georgy Artemov anschaut, erkennt man, dass er viel für französische Kunden wie Andre Lanskoy gearbeitet hat. Die französische Galerie la Carré machte Lansky unter anderem einen Namen berühmte Künstler, wie Fernand Léger und Raoul Dufy.

: Verlassen Sie sich als Profi bei der Auswahl Ihrer Kollektionen auf Ihren Geschmack?

Kristina Krasnyanskaya: Ja. Ich habe keinen Art Director, also übernehme ich diese Rolle. Mein Traum ist es, dass alles von selbst funktioniert, ohne mich ständige Teilnahme. Leider ist dies praktisch unmöglich. Das ist einerseits natürlich wunderbar, andererseits aber auch schwierig. Sie befinden sich in einem Zustand ständiger Anspannung und Verantwortung für Ihr Unternehmen und die Menschen, die mit Ihnen zusammenarbeiten. Früher dachte ich, dass der Besitz eines Unternehmens Freiheit bedeutet. Das ist ein großes Missverständnis.

: Beim Besuch Ihrer Veranstaltungen ist mir aufgefallen, dass Ihre Kunden und Freunde aufmerksam auf Ihre Meinung hören. Das ist großartig, weil Sie dabei helfen können, aus allen Blickwinkeln die richtige Kollektion zu erstellen. Von der materiellen Seite, als gute Investition, und von der spirituellen und energetischen Seite. Spüren Sie nicht eine Art Stolz, dass Ihnen zugehört wird?

Kristina Krasnyanskaya: Während dieser ganzen Zeit wurde mir klar, dass die Arbeit eines Galeristen gewissermaßen auch die Arbeit eines Psychologen ist. War andere Zeit, und ein langer Weg bis dorthin, wo ich jetzt bin. Als ich anfing, Kunst zu verkaufen, wollten nicht viele Leute bei mir kaufen. Wer sich ernsthaft damit beschäftigt, gibt viel Geld aus, hat eigene Berater und natürlich ist das Thema Vertrauen in Erfahrung und Professionalität sehr wichtig. Ich habe zwei Postulate für mich verstanden: Erstens sollte ich mich nie für das schämen, was ich verkaufe, ein Mensch sollte nicht enttäuscht werden und zurückkommen, und zweitens übe ich niemals Druck auf Menschen aus, ich „schiebe“ nichts hinein und Auch beim Kauf über andere Kunsthändler oder Galerien berate ich meine Kunden. Ihre Ehrlichkeit und Professionalität liegt darin, einen Menschen kompetent zu führen und ihm etwas zu geben guter Rat. Unser Geschäft ist sehr heikel, denn der Verkauf einer Yacht bzw gutes Auto einfacher als der Verkauf von Kunst, da Kunst keine nützliche Funktion hat. In Russland entscheidet sich die Mehrheit der Sammler immer noch dafür klassische Kunst. Die Situation ist bei abstrakter, nichtfigurativer Malerei viel komplizierter und bei tatsächlicher, konzeptueller zeitgenössischer Kunst sehr schwierig. Das ist sehr interessante Arbeit, denn indem man einer Person Informationen erzählt und übermittelt, beginnt man, sie zu erziehen, zu entwickeln, ihre ästhetische Wahrnehmung zu verändern und sie beispielsweise zu erweitern. Die „beobachtete Reihe“ ist sehr wichtig. Denn wer sich Ausstellungen nicht anschaut, erhält neben dem, was er gesehen hat, auch nicht neue Informationen, es entwickelt sich nicht. Im Allgemeinen gibt es für einen Sammler einen Standardweg: von klassischen Landschaften zur zeitgenössischen Kunst ...

: Das stimmt, aber die meisten Menschen gehen leider an zeitgenössische Kunst nach dem Grundsatz heran: „Warum kostet das so viel, weil ich es auch kann.“

Kristina Krasnyanskaya: Dies liegt meist an mangelnder Information und Vorbereitung. Wenn Sie sich nach und nach in ein Thema vertiefen, beginnen Sie, es besser zu verstehen. Es ist wirklich einfach. Ein Künstler verfügt über zwei Werkzeuge – Form und Inhalt. Und das Spielen mit diesen beiden Instrumenten und ihren Variationen dauert 500 Jahre. Unter Form verstehen wir „wie sie gemacht wird“: Malerei, Grafik, Skulptur, Relief, Gegenrelief, Installation usw. bis hin zu Performance und Videokunst. Der Inhalt ist das Thema, die Botschaft des Künstlers an die Gesellschaft. Kunst sollte einen Dialog mit dem Betrachter führen. Nehmen wir zum Beispiel den Expressionismus. Es scheint, dass die Bewegung als Folge des Ersten Weltkriegs entstanden ist, als Emotionen wie Schmerz, Enttäuschung und Verzweiflung vorherrschten. Die Aufgabe der Künstler bestand darin, diese Zeit zu reflektieren, diese Emotionen durch die Leinwand zu vermitteln und nicht zu zeigen schönes Bild mit einer fröhlichen Farbgebung, wie die Impressionisten. Zu dieser Zeit traten Künstler wie Egon Schiele und Edvard Munch auf. Gemälde, die auf ihre Art schön sind, sich aber von der üblichen Vorstellung von Schönheit unterscheiden.

: In den Bildern dieser Künstler steckt wirklich viel Schmerz. Immer wenn in meinem Leben etwas Schlimmes passiert, taucht Edvard Munchs Gemälde „Der Schrei“ in meinem Kopf auf.

Kristina Krasnyanskaya: Heute brauchen wir in der Kunst einen Kurator, der zum Übersetzer wird, der dem Betrachter die Ideen des Künstlers erklärt. Allerdings sollte Kunst meiner Meinung nach den Betrachter direkt ansprechen.

: Ich bin mit dir einverstanden. Nehmen wir zum Beispiel „Schwarzes Quadrat“ von Kasimir Malewitsch. Nachdem er das Publikum mit einem solchen Werk schockiert hatte, öffnete er den Weg für Fantasie und Gedankenfreiheit darüber, was er dem Betrachter vermitteln wollte.

Kristina Krasnyanskaya: Malewitsch ist ein ganz anderes Thema. Dies ist die russische Avantgarde, eines der gefragtesten und daher am meisten gefälschten Themen in der Kunstwelt. Künstler, die zur Ungegenständlichkeit gelangt sind, beherrschen alle Ebenen, alle Stile, alle Richtungen. Nachdem Malewitsch diesen Weg eingeschlagen hatte, wurde er im Wesentlichen zum Begründer des Minimalismus. Er hat das Formular zurückgesetzt.

: Ihre Galerie ist bereits sechs Jahre alt. Haben Sie das Gefühl, dass Sie Ihr ganzes Leben lang in diese Richtung arbeiten möchten?

Kristina Krasnyanskaya: Wissen Sie, mir gefällt wirklich, was ich jetzt mache. Vielleicht werde ich in Zukunft die Form dieser Richtung ändern, mich irgendwie weiterentwickeln, wachsen und über die Galerie hinausgehen. Ich gehöre nicht zu denen, die zehn Jahre vorausdenken. Die Welt der Kunst ist vielfältig und die Galerie ist eine davon. Dies ist ein sehr teures Geschäft, bietet aber für viele eine Chance interessante Projekte, Kreativität, kuratorische Arbeit und Förderung auf dem internationalen Markt, Teilnahme an internationalen Projekten. Wir waren die erste und bislang einzige russische Galerie, die auf der Design Miami Basel ausstellte. Wir stellen einen weiteren Bereich vor, mit dem ich mich seit mehreren Jahren leidenschaftlich beschäftige – das Kollektionsdesign. Wir waren sowohl in Miami als auch in Basel. Ich bringe Designstücke westlicher Autoren nach Russland und sowjetisches Design nach Basel. Als ich anfing, sagten mir alle, dass es niemand brauchte. Ich ging viele Risiken ein und machte mir Sorgen darüber, wie unser Projekt von Weltklasse-Sammlern und den westlichen Medien wahrgenommen werden würde. Aber alles ist so gut gelaufen. Heute sind wir mit den Museen der Welt befreundet und haben hervorragende Reaktionen in der westlichen Presse.

: Zu Beginn Ihrer Reise haben viele über die Unterstützung Ihrer Eltern bei der Erstellung der Galerie gesprochen. Du bist großartig und jedes Jahr beweist du, dass du ein Profi auf deinem Gebiet bist und nicht nur die Tochter deiner Eltern. War es nicht beleidigend, dass sie das gesagt haben?

Kristina Krasnyanskaya: Ich habe immer verstanden, dass Menschen eine Verbindung zu meiner Familie haben würden, und das ist ein gewisses Axiom. Ich bin sehr stolz auf meinen Nachnamen, wenn ich meinen Vornamen verwenden muss, tue ich das immer. Aber trotz alledem bin ich auf mich allein gestellt. Natürlich hatte ich Startkapital. Als ich einen Platz für eine Galerie fand und ihn meinem Vater anbot, sagte er mir, das sei verrückt. Nach all den Verhandlungen habe ich gesagt, dass ich nicht weiß, wie erfolgreich die Galerie sein wird, aber die Seite ist liquide, das heißt, wir werden nichts verlieren. Er stimmte mir zu. Davor habe ich 1,5 Jahre lang in einer geschlossenen Galerie gearbeitet, und das war ein guter Start für die Gründung meines eigenen Unternehmens. Da ich auch Erfahrung als Händler hatte, verstand ich schon etwas von dieser Tätigkeit. Die Enttäuschung lag woanders. Als ich damit anfing, dachte ich, dass meine Bekannten und Freunde, die Kunst sammeln, sofort anfangen würden, bei mir zu kaufen. Aber die Leute kamen, lächelten und kauften nicht wirklich etwas ... Jetzt verstehe ich warum. Menschen, die Geld in Kunst investieren, haben bereits vertrauenswürdige Personen, Berater, und ich bin ein Mädchen, das gerade erst damit begonnen hat und dessen Erfahrung nicht das nötige Vertrauen geweckt hat.

Mein erster ernsthafter Deal kam so zustande. Eines Tages ging ich verärgert durch eine andere Ausstellung in Paris und traf einen Bekannten von mir. Er kaufte zu diesem Zeitpunkt bereits aktiv Kunst und hatte ein gutes Verständnis dafür. Er fragte, was in meiner Galerie interessant sei, und ich hatte damals zwei sehr gute, ernsthafte Werke. Er bat darum, sie in sein Büro bringen zu dürfen, und als er die Gemälde sah, beschloss er, sie zu kaufen, ohne zu viel zu feilschen. Das war mein erster Erfolg und nach und nach begannen die Menschen, meiner Meinung zu vertrauen.

: Wie bewerben Sie die Galerie?

Kristina Krasnyanskaya: Was PR betrifft, arbeite ich nie mit Agenturen, sondern nur mit Menschen. Das ist richtig, denn PR ist ein Punktesystem. Ich erinnere mich an mein erstes Hochglanz-Fotoshooting für Harper's Bazaar. Es war ein toller Fotograf da, das Shooting dauerte 6 Stunden. Als ich ein paar Tage später das Ergebnis sah, war ich ein wenig schockiert. Mein Gesicht wurde durch Photoshop bis zur Unkenntlichkeit verändert. Dies war mein erster Auftritt in Glanz. Danach kam noch viel mehr... Ich bin sehr stolz auf das Interview im Wallpaper* Magazine. Die Ausgabe war Russland gewidmet und stellte die besten Fachleute ihres Fachs vor. Arkady Novikov für seinen Beitrag zu Catering-Unternehmen, Daria Zhukova für das beste Zentrum zeitgenössischer Kunst, Olga Sviblova als eine mit Fotografie verbundene Person und ich als Personifikation des Designs in Russland. Es war sehr schön und wichtig für mich.

: Okay, und was gefällt dir in Bezug auf die Schwächen von Frauen?

Kristina Krasnyanskaya: Ich werde nicht originell sein, wenn ich sage, dass ich Taschen, Schuhe und Mäntel liebe. Bei alledem habe ich eine sehr entspannte Haltung gegenüber Schmuck, ich bevorzuge Kleidung. Wenn mir jemand etwas schenkt, ist es für mich lieber KUNST als Schmuck. Also ersetze ich Graff durch Pablo Picasso.

Rückkehr der Verlorenen kulturelles Erbe Russland ist die Hauptrichtung in der Arbeit der Heritage-Galerie. Seit 2011 baut die Galerie eine Sammlung original westlicher und sowjetischer Designs auf. 2012 und 2011 wurde sie als erste und einzige russische Galerie zur Teilnahme an der Design Miami / Basel eingeladen. Februar-Ausstellung im Architekturmuseum „Sowjetisches Design. „Vom Konstruktivismus zur Moderne 1920 – 1960“ ist das Ergebnis einer grandiosen kuratorischen Arbeit. Zum ersten Mal in der Geschichte präsentiert die Ausstellung dem Publikum nicht nur sowjetisches Design, sondern auch antike Objekte von Museumsqualität.

Kristina Krasnyanskaya, Kunstkritikerin, Sammlerin, Inhaberin und Art Director der internationalen Kunstgalerie „Heritage“, Kuratorin des Ausstellungsprojekts „Soviet Design. Vom Konstruktivismus zur Moderne 1920 – 1960er Jahre“.

Christina, bitte erzähle unseren Lesern etwas über das kuratorische Konzept. Was ist das Hauptkonzept des Projekts?

In den fünf Enfilade-Sälen des Museums werden insgesamt etwa zweihundert Einrichtungsgegenstände präsentiert, darunter Möbel, Kunststoffe, Geschirr, Stoffe usw. Mit einer konzeptionellen kuratorischen Entscheidung haben wir die Ausstellung in Stile und Richtungen unterteilt: fünf Säle – fünf Epochen – fünf Stile. Als wir mit der Arbeit an dem Projekt begannen, war ich mit der Tatsache konfrontiert, dass im Westen neben der russischen Avantgarde und Sowjetischer Konstruktivismus Niemand weiß etwas über sowjetisches Design. Leider passiert hier jedoch größtenteils das Gleiche. Leider ist unsere Mentalität so aufgebaut: Als wir, wie man sagt, Meilensteine veränderten, wurde alles zerstört, alle materiellen Denkmäler der vergangenen Ära. Vom Erbe des sowjetischen Designs sind nur noch wenige Überreste übrig geblieben. Die Architektur hatte mehr Glück. Im Laufe der vier Jahre, in denen ich an dem Projekt arbeitete, entdeckte ich völlig unerwartet eine ganze Reihe von Stilen, Epochen und Trends. Einige existierten parallel. Einige ersetzten sich gegenseitig. Unsere Ausstellung hat einen absolut historischen und kulturellen Schwerpunkt.

Wo beginnt die Ausstellung?

Die Ausstellung beginnt mit einem Saal, der dem Konstruktivismus gewidmet ist. Hier sind seltene Beispiele von Möbeln, die Boris Iofan für sein berühmtes „Haus am Ufer“ (1927-1931) entworfen hat, bei dem der Architekt alle Innenräume komplett entworfen hat. Auch Propagandamöbel (1930er Jahre) werden hier präsentiert, beispielsweise ein vom Architekten Igor Krestovsky entworfenes Set für das Smolensker Gemeinschaftshaus „Brot des Kommunismus“. Natürlich hängen alle Stile und Trends mit den Prozessen im Staat zusammen. Wie man so schön sagt, kann man die Wörter nicht aus dem Lied entfernen. Kommen neue Persönlichkeit Seit jeher beeinflusst ein Kurswechsel den Alltag, die Architektur und das Design. Mittlerweile sind Propagandamöbel eine Rarität geworden und mehrere authentische Gegenstände aus dem Haus der Kommune sind ausgestellt - großes Glück! Die im Projekt präsentierten Objekte stammen nicht nur aus unserer Galeriesammlung, sondern auch aus Privat- und Museumssammlungen, darunter dem Museum für dekorative und angewandte Kunst und dem Museum für Architektur. In MUARE haben wir, wie man so sagt, eine Aufklärungsarbeit durchgeführt und sehr interessante Dinge gefunden, wie zum Beispiel Fotos.

Sofa aus dem Möbelset „Brot des Kommunismus“. Igor Krestovsky und Artel „Leninets“ – 1937

Zweiter Saal?

Der zweite Saal ist dem sowjetischen Art Deco gewidmet. Der Art-Deco-Stil, seine sowjetische Version, hat seine Wurzeln im Konstruktivismus. Hier gibt es hervorragende Beispiele, zum Beispiel Möbel, die in den 1930er Jahren nach dem Entwurf von Nikolai Lanceray für das Museum von V.I. angefertigt wurden. Lenin herein
Leningrad, im Marmorpalast gelegen. Besonders interessant ist, dass Lanceray dieses Möbelset entworfen hat, während er im Gulag, in der „Sharashka“, im „Special Design and Technical Bureau“ saß. Dieser Raum zeigt auch großartige Beispiele der sowjetischen Propaganda Wedgwood, was sehr interessant ist.

Drittes Zimmer?

Das dritte Zimmer verfügt über atemberaubende Designstücke aus den 30er Jahren, wie zum Beispiel einen Kühlschrank. Heute ist es schwer zu verstehen, dass es sich um einen Kühlschrank handelt. Auf diesem Kühlschrank steht übrigens sogar die Aufschrift, dass er einem gewissen Sicherheitsbeamten Morozov geschenkt wurde. Im selben Raum werden auch Zeichnungen von Stalins Lieblingsarchitekt und Designer Boris Smirnow präsentiert.

Der vierte Saal?

In diesem Raum gibt es einen sowjetischen Empire-Stil. Hier erscheinen die Dinge von Karen Alabyan, der Schöpferin des Theaters der Roten Armee, in ihrer ganzen Pracht. Auch die Möbel im stalinistischen Empire-Stil werden in Einzelstücken gezeigt: ein umwandelbarer Stuhl und ein Radio, die im Auftrag des Leningrader Kirow-Opern- und Balletttheaters (Mariinski-Theater) als Geschenk an Michail Iwanowitsch Kalinin angefertigt wurden. Die Dinge sind anders, interessant, alles begleitet von Grafiken und Fotos.

Radiola. 1940

Und der letzte, fünfte Saal?

Der letzte Raum ist dem immer beliebter werdenden, mittlerweile modischen sowjetischen Modernismus und Funktionalismus der 1960er Jahre gewidmet. Hier Hauptthema ist Raum. Dies ist die Zeit lakonischer, funktionaler Möbel, die in Chruschtschow-Gebäude eingebaut werden sollten. Sowjetischer Modernismus, repräsentiert durch die Werke von Designern der 1950er-1960er Jahre
Jahre, führte die Traditionen der Avantgarde fort. Ein Beispiel sind die Möbelzeichnungen von Yuri Sluchevsky mit seinem ursprünglichen Modulsystem, das die Höhe und Breite der Struktur reguliert und sich auf das menschliche Wachstum konzentriert.
Nachdem wir eng mit der Strogonov-Akademie zusammengearbeitet hatten, mit Yuri Sluchevsky, der Ende der 1950er Jahre eine experimentelle Produktion in Strogonovka hatte, konnten wir deutlich sehen, wie sich Designer während der Thaw-Zeit von der Avantgarde der 10-20er Jahre inspirieren ließen. Es gab auf jeden Fall Kontinuität! Das ist das Konzept.

Regal (1960er Jahre, Eiche, 125 x 90 x 24 cm, aus einer Möbelserie, die speziell für eine Musterwohnung im Moskauer Stadtteil Tscherjomuschki angefertigt wurde)

Was lässt sich sonst noch über die Ausstellung sagen, auch über ihre Gestaltung?

Die Ausstellung vereint eine einzige künstlerische Lösung. Auf dem Boden platzierten wir suprematistische Figuren aus Teppich, die alle fünf Räume zu einer gemeinsamen Komposition verbinden. Der Schwerpunkt der Ausstellung liegt natürlich auf Möbeln, es gibt aber auch Palech, Porzellan, Glas und Propagandatextilien. Aber die Hauptfigur sind natürlich die Möbel. Wir präsentieren einzigartige, Sammlerstücke, die heutzutage äußerst schwer zu finden sind. Das sind Designermöbel. Dies ist eine große Rarität mit Herkunft und Geschichte. Um den Besuchern den Besuch der Ausstellung zu erleichtern, haben wir einen Leitfaden veröffentlicht.

Wie nützlich ist die Ausstellung für Fachleute?

Es ist sehr nützlich für Designer, Architekten und Dekorateure. Es zerstört einen weißen Fleck in der Geschichte des russischen Designs. Die Ausstellung ist eine echte Inspirationsquelle, das Verständnis der Basis... Ich muss sagen, dass unsere Kunden endlich keine Angst mehr vor alten Dingen im Innenraum haben. Und die Ausstellung trägt einmal mehr dazu bei. Ein lebendiger Innenraum ist ein vielseitiger Innenraum, aus dem Stühle hergestellt werden verschiedene Epochen neben moderner Kunst und einer antiken Kommode. Wenn ich mich wie ein Dekorateur auf Innenräume spezialisieren würde, würde ich genau solche Innenräume schaffen, mit besonderem Schwerpunkt auf sowjetischem Design.

Nikolai Lansere. Sessel. 1932

Christina, erzähl mir, wie begann deine Sammlung von Galeriedesign? Es ist immer interessant.

Ich muss sagen, dass wir bereits eine Sammlung für ein kleines, aber hochwertiges Museum gesammelt haben; wir sammeln sie seit vier Jahren! Mit Iofan fing alles sehr lustig an. Als wir für Basel ein Projekt zur Avantgarde und Postavantgarde machten, stießen wir auf den Stuhl von Iofanov. Eine Amerikanerin kam zu unserem Stand und fing fürchterlich an, darauf herumzuspringen. Mein Herz sank, wir haben den Stuhl umzäunt und ein Schild aufgehängt: Setz dich nicht! Nicht berühren! nicht zu verkaufen! So begann unsere Sammlung. Alles verlief sehr konzeptionell. Ein Stuhl ist Architektur!

Sessel (

Die Ausstellung findet in statt Landesmuseum Architektur benannt nach A.V. Shchuseva. (Enfilade des Hauptgebäudes) bis 22. März.

Die Heritage Gallery feiert im Februar ihr 7-jähriges Jubiläum mit der Ausstellung „Soviet Design. Vom Konstruktivismus zur Moderne“ im Architekturmuseum: Designmöbel Nikolai Lansere, Boris Iofan, Karo Alabyan— nun ein neues Profil der Galerie, die sich bisher auf Künstler aus Russland im Ausland und deren Ausstellungen, auch museale, spezialisiert hatte, — Andre Lansky, Boris Grigoriev. Die Inhaberin von Heritage erzählte, was sie sonst noch von ihrer Galerie – und von ihr persönlich – erwarten kann.

Warum haben Sie aufgehört, Auktionen durchzuführen?

Aus zwei Gründen. Erstens ist dies eine sehr arbeitsintensive und kostspielige Aufgabe. Zweitens haben wir noch nicht die Kultur des Auktionierens. Meine Kollegen und ich versuchen, so etwas zu vermitteln, aber es ist schwierig. Es sind vor allem Händler, die an Auktionen teilnehmen – und Auktionshäuser richten sich an Händler. Aber bei der breiten Öffentlichkeit, nicht bei Sammlern, sondern einfach bei Käufern, bei denjenigen, die von Zeit zu Zeit kaufen, ist dies noch nicht zur Gewohnheit geworden – der Besuch von Auktionen, Flohmärkten, Experimente mit der organischen Kombination von Alt und Neu … Alle sind sehr zufrieden abhängig von ihrem Designer. Und Designer haben ihre eigenen Vorlieben und Prinzipien. Das Ergebnis sind weit hergeholte „schlüsselfertige“ Innenräume, die moralisch bald überholt sind. Ein paar Jahre – und ein Mensch versteht, dass er darin nicht mehr leben kann. Ich gestalte jetzt meine eigene Wohnung, in der es eine Mischung aus allem gibt. Eklektizismus als Prinzip – wir haben versucht, dies unseren Kunden zu erklären, angefangen bei der ersten Ausstellung von Sammlermöbeln hier in Moskau (einer Ausstellung unter Beteiligung berühmter Pariser Galerien). Didier Aaron Und Yves Gastou erstreckte sich vom 18. bis 20. Jahrhundert Jean-François Ebena Vor Ettore Sottsassa. — TANR). Ich werde also skandinavische Möbel aus den 1960er Jahren und sowjetische und russische Kunst sowie moderne und nicht so moderne haben.

Aber zeitgenössische Kunst ist für Sie ein neues Betätigungsfeld.

Dies ist ein separates Projekt, bei dem ich eher wie ein Kunstmanager agiere. Es gibt ein paar Russische Künstler, die ich sozusagen in den internationalen Kontext integrieren möchte – für mich ist das eine interessante Aufgabe, ein Grund, bereits erprobte, bekannte Technologien zu nutzen. Wir werden sehen, was dabei herauskommt. Bisher habe ich zwei Stationen. Alexey Morozov Ich mag ihn, weil er eine Schule hat, aber mit einer akademischen Uniform hat er auch eine zeitgenössische Note: Trotz seines Akademismus wirkt seine Kunst nicht salonmäßig. Ich mag Morozov sehr und bin bereit, ihn zu betreuen Alessandro Romanini, der mehr als eine Ausstellung gemacht hat Botero, einschließlich des jüngsten Jubiläums. Eine Tour ist in Vorbereitung: zunächst eine Ausstellung von Morozov im Nationalen Archäologischen Museum Neapel im Dezember 2015, dann im März 2016 in Moskau MMOMAüber Gogolevsky. Wir verhandeln mit Venedig – wir möchten vorstellen Marmorskulptur Morozov auf einem der Stadtplätze während der Biennale.

Ein anderer Künstler - Oksana Mas. Oksana ist eine kreative Person. Sie kam zu mir, als ihr klar wurde, dass die Umsetzung ihrer Projekte die Arbeit eines ganzen Teams erfordert. Einer von ihr Altar Was ist es wert (wir werden es im März im Gorki-Park zeigen)! Der Kurator und Kunstkritiker interessierte sich für sie Janet Zwingenberger, der ihre Arbeit vor einigen Jahren gesehen hat, beobachtet sie seitdem und wird nun eine Monographie über Oksana schreiben. Oksana ist auch auf Tour: Ausstellung Gefühl von Licht findet vom 5. Juli bis 5. September in Baku statt, danach in Astana, Berlin, und jetzt verhandeln wir über Istanbul.

Aber das ist keine Galerie, das bin ich; Die Galerie ist immer noch eine Einschränkung des Formats. Die Galerie befasst sich mit Künstlern aus Russland im Ausland sowie mit Sammlerdesign. Und ich möchte mich wie jeder Mensch weiterentwickeln. Dazu brauche ich einige Perspektiven, bei denen ich nicht mehr als Galerie, sondern als Christina auftrete.

Und wenn Sie sich für eine Sache entscheiden würden, welche würden Sie wählen?

Natürlich zum Thema Design. Aber warum? Ich beschloss, dass ich mir mehrere unabhängige Projekte leisten konnte. Im Westen sind wir als Galerie bekannt, die sich mit Design beschäftigt; Kollektionsdesign – in Russland sind wir in dieser Nische zu Pionieren geworden; Die Galerie hat eine bedeutende Sammlung aufgebaut, die Unikate vom Konstruktivismus bis zum Modernismus umfasst – in ein paar Jahren könnte diese Sammlung durchaus zu einem Museum werden. In Moskau und in Russland sind wir vor allem deshalb bekannt, weil wir uns in der russischen Diaspora engagieren: Wir haben viele wertvolle Projekte auf Museumsebene durchgeführt, wir arbeiten mit Museen zusammen und sind Teil der Gesellschaft der Freunde des Russischen Museums Wir haben unsere Sammler, deren Sammlungen wir pflegen und mit neuen Werken auffüllen, die wir beraten... Aber zum 7. Jahrestag der Galerie möchte ich im Architekturmuseum eine Ausstellung machen, die speziell dem Design gewidmet ist – eine Retrospektive der Sowjetunion Design, das fast alle Richtungen in diesem Bereich abdeckt, ein historischer Ausflug, der mit Möbeln beginnt Boris Iofan für das Government House und endete in den 1960er Jahren. Bei der Arbeit an Katalogen, insbesondere für internationale Messen, wurde mir klar, dass jeder neben rein technischen und begleitenden Informationen immer auch an allgemeinen Informationen interessiert ist. Ich dachte, dass ein Bildungsprogramm nötig sei. Ich hatte die Idee, es zu tun Dokumentarfilm, wo man sich eine Epoche gerade durch die Dinge vorstellen kann – durch spektakuläre Dinge, pompöse Dinge, tragisch sterbende und vergessene Dinge ... Ich möchte einen Film so ernst machen, dass ich damit zum Beispiel an einem Dokumentarfilmfestival teilnehmen könnte. Ich habe vor, den Film im Sommer in Basel zu präsentieren – für Februar haben wir keine Zeit.

Du warst letzten Sommer nicht in Basel...

...Aber in nächstes Jahr gehen. Sofern die politische Lage es zulässt. Wir haben ein bestimmtes Material – sowjetisches Design. Und jetzt mit sowjetischen Propagandamöbeln nach Europa zu gehen, wäre lächerlich. Also lehnten wir ab. Die Organisatoren waren verärgert. Sie sagten, dass sich bereits ein Kreis derjenigen gebildet hat, die sich für uns interessieren, und für die Veranstalter ist eine solche Situation, wenn eine Galerie drei Jahre lang teilnimmt und dann plötzlich nicht mehr teilnimmt, nicht ganz klar, Kunst sollte außerhalb der Politik sein und über die Grenzen hinaus. Natürlich – aber was ist mit Kunst, die inhaltlich politisch ist? Dann erhält die Basler Messe ein breites Medienecho. Wer hat nicht über uns geschrieben: Wallpaper, Guardian, Daily Telegraph! Nun stellt sich die Frage: Warum sollte man das alles tun und es nach Basel mitnehmen, obwohl man im Voraus wusste, dass man Gefahr läuft, auf alles Russische eine programmierte negative Reaktion zu stoßen? Davor hatte ich einen ausgezeichneten Ruf – den wollte ich nicht verderben.

Aber werden Sie auf der Design Miami weiterhin sowjetisches Design fördern?

Kürzlich erzählten mir meine Sammler bei einem Abendessen in Italien, dass die 1950er und 1960er Jahre so cool seien, dass ich dieses Thema niemals aufgeben würde. Rem Koolhaas kontaktierte uns, als wir in Basel waren, weil er gerade an einem der zukünftigen Garagengelände arbeitete, die zu gegebener Zeit erstellt wurden. Aber wir sind nicht nur auf diesen Zeitraum beschränkt. Es ist nur so, dass Dinge aus den 1920er-, 1930er- und 1940er-Jahren seltener und sammelwürdiger sind, sagen wir mal so; obwohl auch von den 1960er-Jahren kaum noch etwas übrig ist. Aber diese Dinge sind gefragter denn je, und tatsächlich scheint diese Ära wieder relevant zu werden. Unser Material lockt Museen. Ich freundete mich mit dem Museum of Decorative Arts in New York an, das kürzlich eine Abteilung der Smithsonian Institution wurde. Sie zeigten Interesse an gemeinsamen Ausstellungen: Ihr Leiter der Ausstellungsabteilung, stellvertretender Direktor, beschäftigt sich mit Propagandatextilien. Danke Craig Robins, Gründer und Miteigentümer Design Miami, was der russischen Galerie die Möglichkeit bot, auf einer solchen Messe sowjetisches Design zu zeigen – und sich gebührend zu deklarieren.

Woher kam die Idee, an sowjetischen Möbeln zu arbeiten?

Die Idee kam mir in dem Moment, als ich es bemerkte und fleißig dabei war Design Miami Von Jahr zu Jahr begann der Anteil des modischsten, teuersten und begehrtesten Art-Déco-Stils zu sinken und machte nach und nach den Möbeln der 1950er- und 1960er-Jahre Platz. Außerdem spielten irgendwo Erinnerungen an die sowjetische Kindheit. Craig Robins führte mich einmal zum Stand einer Galerie, die sich mit skandinavischem Design beschäftigt, und als ich diese minimalistischen, asketischen Möbel sah, war ich überrascht, als ich vom Galeristen erfuhr, dass ich gerade den gesamten Stand von ihm gekauft hatte Roman Abramowitsch. Ja, es gibt wenige Sammler, aber es gibt sie. Nur wenige wissen, dass Abramovich ein Haus hat, das mit historischen Gegenständen im Stil der 1930er Jahre eingerichtet ist. Was hat Abramowitsch gekauft? Speck- Sie wissen das.

Sie wollten Sammlermöbel nicht nur verkaufen, sondern offenbar auch herstellen.

Als ich vor einem Jahr darüber sprach, glaubte ich, dass wir uns inzwischen an einem etwas anderen Punkt befinden würden, als wir uns befanden. Ich schätze immer noch die Idee, sowjetische Designs zu reproduzieren, aber das Projekt wurde noch nicht gestartet. Das Gute an Repliken: Nicht jeder ist bereit, alte, antike Möbel zu erwerben – selbst einen restaurierten und neu gepolsterten Stuhl, der aber immer noch in einem respektablen Alter ist – und eine Replik ist eine andere Sache. Ich habe das Rad nicht neu erfunden, sondern erst vor ein paar Jahren in Paris in einer Galerie Yves Gastou Ich habe Wiederholungen gesehen Ettore Sottsassa, limitierte Auflage, beschränkte Auflage. Evelina Chromtschenko sagte: „Ich werde Ihr erster Kunde für eine Replik sein.“ Und sie ist nicht allein. Wird es hier oder im Ausland hergestellt? Angesichts der aktuellen Realität höchstwahrscheinlich hier.

Aber ohne sowjetische Qualität zu reproduzieren?

Sprechen Sie über Materialien? Ja, die Qualität ließ nach und die meisten Möbel der damaligen Zeit wurden genau aus diesem Grund später weggeworfen. Aber die Ausgangsmaterialien waren normal. Als wir begannen, diese Zeit zu studieren Juri Wassiljewitsch Sluchevsky(Der 86-jährige Professor der Möbelabteilung, der geehrte Künstler Yuri Sluchevsky, unterrichtet immer noch den Hauptfachkurs „Möbeldesign“ an der Moskauer Staatlichen Akademie der Künste und Wissenschaften S. G. Stroganov. - TANR) sprach über Ausstellungen bei VDNKh in den späten 1950er und frühen 1960er Jahren, als in der Versuchswerkstatt von Stroganovka Prototypen aus hochwertigen, langlebigen Materialien hergestellt wurden. Bei der Massenproduktion kamen natürlich auch andere Materialien zum Einsatz. Und die Prototypen wurden an Datschen und Wohnungen verteilt.

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