Il segreto della grandezza delle principali opere d'arte giapponese. Lo sviluppo della pittura giapponese

Con questo articolo inizio una serie di articoli sulla storia del giapponese arti visive. Questi post si concentreranno principalmente sulla pittura a partire dal periodo Heian, e questo articolo è un'introduzione e descrive lo sviluppo dell'arte fino all'VIII secolo.

Periodo Jomon
La cultura giapponese ha radici molto antiche: i primi ritrovamenti risalgono al X millennio a.C. e. ma ufficialmente l'inizio del periodo Jomon è considerato il 4500 a.C. e. A proposito di questo periodo nekokit ha scritto un post molto bello.
L'unicità della ceramica Jemon è che di solito l'aspetto della ceramica, insieme allo sviluppo dell'agricoltura, indica l'inizio dell'era neolitica. Tuttavia, anche nell'era mesolitica, diverse migliaia di anni prima dell'avvento dell'agricoltura, i cacciatori-raccoglitori Jomon crearono ceramiche di forma piuttosto complessa.

Nonostante la primissima comparsa della ceramica, le persone dell'era Jomon svilupparono la tecnologia molto lentamente e rimasero al livello dell'età della pietra.

Durante il periodo Jōmon medio (2500-1500 a.C.) apparvero statuette in ceramica. Ma sia nel medio che nel tardo periodo (1000-300 aC) rimangono astratti e altamente stilizzati.

Da Ebisuda, Tajiri-cho, Miyagi.H. 36.0.
Periodo Jomon, 1000-400 a.C.
Museo Nazionale di Tokio

A proposito, gli ufologi credono che queste siano immagini di alieni. In queste figurine vedono tute spaziali, occhiali e maschere di ossigeno sui loro volti, e le immagini delle spirali sulle "tute spaziali" sono considerate mappe delle galassie.

Periodo Yayoi
Yayoi è un breve periodo della storia giapponese, che va dal 300 a.C. al 300 d.C., durante il quale si verificarono i cambiamenti culturali più drammatici nella società giapponese. Durante questo periodo, le tribù che provenivano dalla terraferma e sfollarono la popolazione indigena delle isole giapponesi portarono la loro cultura e nuove tecnologie, come la coltivazione del riso e la lavorazione del bronzo. Ancora una volta, la maggior parte dell'arte e della tecnologia del periodo Yayoi è stata importata dalla Corea e dalla Cina.

Periodo Kofun
Tra 300 e 500 anni, i capi tribali furono sepolti in tumuli chiamati "Kofun". Questo periodo è chiamato con questo nome.

Le cose di cui i morti potevano aver bisogno venivano deposte nelle tombe. Questi sono cibo, strumenti e armi, gioielli, ceramiche, specchi e le statuette di argilla più interessanti chiamate "haniwa".

Da Kokai, Oizumi-machi, Gunma.H.68.5.
Periodo Kofun, VI secolo.
Museo Nazionale di Tokio

Lo scopo esatto delle figurine rimane sconosciuto, ma si trovano in tutti i cimiteri dell'era Kofun. Da queste piccole figurine si può immaginare come vivevano le persone a quel tempo, poiché le persone sono raffigurate con strumenti e armi, e talvolta accanto alle case.

Queste sculture, essendo influenzate dalle tradizioni cinesi, hanno elementi indipendenti inerenti solo all'arte locale.

Danzatrice, dinastia Han occidentale (206 a.C.-9 d.C.), II secolo a.C.
Cina
Metropolitan Museum of Art, New York

Durante il periodo Kofun, le figurine diventano più raffinate e sempre più diverse. Queste sono immagini di soldati, cacciatori, cantanti, ballerini e così via.

Da Nohara, Konan-machi, Saitama, presenti H. 64.2, 57.3.
Periodo Kofun, VI secolo.
Museo Nazionale di Tokio

C'è un'altra caratteristica di queste sculture. Haniva rappresenta non solo una funzione sociale, ma anche l'umore della figura. Un guerriero, ad esempio, ha un'espressione severa sul viso. e sui volti dei contadini grandi sorrisi.

Da Iizuka-cho, Ota-shi, Gunma.H. 130,5.
Periodo Kofun, VI secolo.
Museo Nazionale di Tokio

Periodo Asuka
Dal periodo Yayoi, le arti visive giapponesi sono state inseparabili dal coreano o Arte cinese. Ciò diventa più evidente nel settimo e nell'ottavo secolo, quando l'arte giapponese iniziò a svilupparsi rapidamente in una varietà di generi visivi.

Nel VI secolo, nella società giapponese si verificarono cambiamenti cardinali: prese finalmente forma il primo stato giapponese di Yamato e inoltre, nel 552, il buddismo arrivò in Giappone, portando con sé la scultura buddista e il concetto di tempio, che causò la comparsa dei templi in Giappone - sia shintoista che buddista.
I santuari shintoisti seguivano l'architettura dei granai (i primi santuari shintoisti erano granai dove si tenevano le celebrazioni del raccolto. Durante le feste rituali, la gente credeva che gli dei festeggiassero con loro).
Dei shintoisti - prima di tutto forze naturali in modo che l'architettura di questi santuari sia integrata con la natura, come fiumi e foreste. Questo è importante da capire. Nell'architettura shintoista, le strutture create dall'uomo dovevano essere estensioni del mondo naturale.

Il primo tempio buddista, Shitennoji, fu costruito solo nel 593 a Osaka. Questi primi templi erano imitazioni dei templi buddisti coreani, costituiti da una pagoda centrale circondata da tre edifici e da un corridoio coperto.

La diffusione del buddismo ha facilitato i contatti tra Giappone e Corea con la Cina e l'integrazione della cultura cinese nella cultura giapponese.

Giappone? Come si è sviluppato? Risponderemo a queste e ad altre domande nell'articolo. La cultura giapponese si è formata come risultato di un movimento storico iniziato quando i giapponesi si trasferirono dalla terraferma all'arcipelago e nacque la civiltà del periodo Jomon.

Europa, Asia (soprattutto Corea e Cina) e Nord America hanno fortemente influenzato l'attuale illuminazione di questo popolo. Uno dei segni della cultura giapponese è il suo lungo sviluppo nell'era del completo isolamento dello stato (politica sakoku) da tutti gli altri paesi durante il regno dello shogunato Tokugawa, che durò fino alla metà del XIX secolo - l'inizio del epoca Meiji.

Influenza

Come ha fatto cultura artistica Giappone? La civiltà è stata significativamente influenzata dalla posizione regionale isolata del paese, climatica e caratteristiche geografiche, così come fenomeni naturali (tifoni e frequenti terremoti). Ciò si esprimeva nello straordinario atteggiamento della popolazione nei confronti della natura come essere vivente. caratteristica carattere nazionale Il giapponese è la capacità di ammirare l'attuale bellezza dell'universo, che si esprime in molti tipi di arte in un piccolo paese.

La cultura artistica del Giappone è stata creata sotto l'influenza del buddismo, dello shintoismo e del confucianesimo. Queste stesse tendenze hanno influenzato il suo ulteriore sviluppo.

tempi antichi

D'accordo, la cultura artistica del Giappone è magnifica. Lo shintoismo ha le sue radici in tempi antichi. Il buddismo, sebbene sia apparso prima della nostra era, iniziò a diffondersi solo dal V secolo. Il periodo Heian (VIII-XII secolo) è considerato l'epoca d'oro dello stato del Giappone. Nello stesso periodo, la pittoresca cultura di questo paese raggiunse il suo apice.

Il confucianesimo apparve nel XIII secolo. In questa fase, c'era una separazione della filosofia di Confucio e del buddismo.

Geroglifici

L'immagine della cultura artistica del Giappone è incarnata in una versificazione unica, che si chiama In questo paese, anche l'arte della calligrafia è molto sviluppata, che, secondo la leggenda, è nata da immagini divine celesti. Sono stati loro a dare vita alla scrittura, quindi la popolazione è gentile con ogni segno di ortografia.

Si dice che siano stati i geroglifici a dare la cultura giapponese, poiché le immagini che circondano l'iscrizione sono apparse da loro. Poco dopo, si iniziò a osservare una forte combinazione di elementi di pittura e poesia in un'opera.

Se studi un rotolo giapponese, scoprirai che l'opera contiene due tipi di simboli. Questi sono segni di scrittura: sigilli, poesie, kolofen e pittoreschi. Allo stesso tempo, il teatro Kabuki ha guadagnato una grande popolarità. Un diverso tipo di teatro - Ma - è preferito principalmente dal personale militare. la loro severità e crudeltà hanno avuto una forte influenza su No.

Pittura

La cultura artistica è stata studiata da molti specialisti. Un ruolo enorme nella sua formazione è stato svolto dalla pittura kaiga, che in giapponese significa disegno o pittura. Quest'arte è considerata il tipo più antico di pittura dello stato, che è determinato da un numero enorme di soluzioni e forme.

In esso, un posto speciale è occupato dalla natura, che determina il principio sacro. La divisione della pittura in sumi-e e yamato-e esiste dal X secolo. Il primo stile si sviluppò più vicino al XIV secolo. È una specie di acquerello monocromatico. Yamato-e sono rotoli piegati orizzontalmente che sono comunemente usati nella decorazione di opere letterarie.

Poco dopo, nel XVII secolo, apparve nel paese la stampa su tablet: ukiyo-e. I maestri raffiguravano paesaggi, geishe, attori famosi il teatro kabuki. Questo tipo di pittura nel XVIII secolo ha avuto una forte influenza sull'arte europea. La tendenza emergente si chiamava "giapponesismo". Nel Medioevo, la cultura del Giappone andò oltre i confini del paese: iniziò ad essere utilizzata nella progettazione di interni eleganti e alla moda in tutto il mondo.

Calligrafia

Oh, quanto è bella la cultura artistica del Giappone! La comprensione dell'armonia con la natura può essere vista in ciascuno dei suoi segmenti. Cos'è la calligrafia giapponese moderna? Si chiama shodo ("via delle notifiche"). La calligrafia, come la scrittura, è una disciplina obbligatoria. Gli scienziati hanno scoperto che quest'arte è arrivata lì contemporaneamente alla scrittura cinese.

A proposito, nei tempi antichi, la cultura di una persona veniva giudicata dal suo livello di calligrafia. Oggi c'è grande numero stili di scrittura e sono sviluppati dai monaci buddisti.

Scultura

Come è nata la cultura giapponese? Studieremo lo sviluppo e le tipologie di quest'area della vita umana nel modo più dettagliato possibile. La scultura è il tipo di arte più antico del Giappone. Nei tempi antichi, la gente di questo paese realizzava statuette di idoli e piatti di ceramica. Quindi le persone iniziarono a installare statue di khaniv, create da argilla cotta, sulle tombe.

Lo sviluppo dell'artigianato scultoreo nel moderno cultura giapponese associato alla diffusione del buddismo nello stato. Uno dei rappresentanti più antichi dei monumenti giapponesi è considerato la statua del Buddha Amitabha, realizzata in legno, collocata nel tempio Zenko-ji.

Le sculture erano molto spesso realizzate con travi, ma sembravano molto ricche: gli artigiani le ricoprivano di vernice, oro e colori vivaci.

Origami

Ti piace la cultura artistica del Giappone? La comprensione dell'armonia con la natura porterà un'esperienza indimenticabile. tratto caratteristico La cultura giapponese è diventata prodotti straordinari di origami ("carta piegata"). Questa abilità deve la sua origine alla Cina, dove, infatti, è stata inventata la pergamena.

All'inizio, la "carta piegata" veniva usata nelle cerimonie religiose. Quest'arte poteva essere studiata solo dalla classe superiore. Ma dopo la seconda guerra mondiale, l'origami lasciò le case dei nobili e trovò i suoi estimatori in tutta la Terra.

Ikebana

Tutti dovrebbero sapere qual è la cultura artistica dei paesi dell'est. Il Giappone ha investito molto lavoro nel suo sviluppo. Un altro componente di questa cultura paese meravigliosoè ikebana ("fiori vivi", "nuova vita dei fiori"). I giapponesi sono fan dell'estetica e della semplicità. Sono proprio queste due qualità che vengono investite nelle opere. La raffinatezza delle immagini si ottiene attraverso l'uso benefico della bellezza naturale della vegetazione. Anche l'ikebana, come l'origami, faceva parte di una cerimonia religiosa.

Miniature

Probabilmente, molti hanno già capito che la cultura artistica dell'antica Cina e del Giappone è strettamente intrecciata. E cos'è un bonsai? È un'abilità unica giapponese coltivare una replica in miniatura quasi esatta di un vero albero.

In Giappone è anche comune realizzare netsuke, piccole sculture che sono una specie di portachiavi. Spesso tali figurine in questa veste erano attaccate agli abiti dei giapponesi, che non avevano tasche. Non solo lo decoravano, ma fungevano anche da contrappeso originale. I portachiavi erano realizzati a forma di chiave, marsupio, cesto di vimini.

Storia della pittura

Cultura dell'arte giappone antico interessato a molte persone. La pittura in questo paese ebbe origine durante il Paleolitico giapponese e si sviluppò in questo modo:

• Periodo Yamato. Durante il periodo di Asuka e Kofun (IV-VII secolo), insieme all'introduzione dei geroglifici, alla creazione di un regime statale in stile cinese e alla divulgazione del buddismo, molte opere d'arte furono portate in Giappone dalla Cina. Successivamente, i dipinti in stile cinese iniziarono a essere riprodotti nella Terra del Sol Levante.
• Ora di Nara. Nei secoli VI e VII. Il buddismo ha continuato a svilupparsi in Giappone. A questo proposito iniziò a fiorire la pittura religiosa, utilizzata per decorare i numerosi templi costruiti dall'aristocrazia. In generale, durante l'era Nara, il contributo allo sviluppo della scultura e dell'arte fu maggiore che nella pittura. I primi dipinti di questo ciclo includono murales sulle pareti interne del tempio Horyu-ji nella prefettura di Nara, raffiguranti la vita del Buddha Shakyamuni.
• Era Heian. Nella pittura giapponese, a partire dal X secolo, si distingue la tendenza di yamato-e, come abbiamo scritto sopra. Tali dipinti sono i rotoli orizzontali usati per illustrare i libri.
• L'era di Muromachi. Nel XIV secolo apparve lo stile Supi-e (acquerello monocromatico) e nella prima metà del XVII secolo. gli artisti iniziarono a stampare incisioni su tavole: ukiyo-e.
• La pittura dell'era Azuchi-Momoyama è in netto contrasto con la pittura del periodo Muromachi. Ha uno stile policromo con largo uso dell'argento e in questo periodo l'istituzione educativa di Kano godette di grande prestigio e fama. Il suo fondatore fu Kano Eitoku, che dipinse soffitti e porte scorrevoli per separare le stanze. Tali disegni adornavano i castelli e i palazzi della nobiltà militare.
• epoca Maiji. Dalla seconda metà del XIX secolo, l'arte si è divisa in stili tradizionali ed europei concorrenti. Durante l'era Maiji, il Giappone ha subito grandi cambiamenti sociali e cambiamento politico nel processo di modernizzazione ed europeizzazione organizzato dalle autorità. Giovani artisti promettenti sono stati inviati all'estero per studiare e artisti stranieri sono venuti in Giappone per creare programmi artistici scolastici. Comunque sia, dopo l'iniziale ondata di curiosità per lo stile artistico dell'Occidente, il pendolo ha oscillato rovescio, e lo stile tradizionale giapponese è stato ripreso. Nel 1880, le pratiche artistiche occidentali furono bandite dalle mostre ufficiali e pesantemente criticate.

Poesia

La cultura artistica dell'antico Giappone è ancora oggetto di studio. La sua caratteristica è la versatilità, alcuni sintetici, poiché si è formata sotto l'influenza di diverse religioni. È noto che la poesia classica giapponese è emersa dalla vita di tutti i giorni, ha agito al suo interno, e questa sua terrosità è stata conservata in una certa misura nelle forme tradizionali della poesia odierna: haiku a tre versi e tanka a cinque versi, che si distinguono per un pronunciato carattere di massa. A proposito, è proprio questa qualità che li distingue dal "verso libero" che gravita verso l'elitarismo, apparso in Giappone all'inizio del XX secolo sotto l'influenza della poesia europea.

Hai notato che le fasi di sviluppo della cultura artistica del Giappone sono sfaccettate? La poesia nella società di questo paese ha svolto un ruolo speciale. Uno dei generi più famosi è l'haiku, puoi capirlo solo familiarizzando con la sua storia.

Apparve per la prima volta nell'era Heian, era simile allo stile renga, che era una sorta di sfogo per i poeti che volevano prendersi una pausa dai versi riflessivi del wah. Haikai è diventato genere indipendente nel XVI secolo, quando il renga divenne troppo serio e si fece affidamento sull'haiku colloquiale ed era ancora divertente.

Certo, la cultura artistica del Giappone è brevemente descritta in molte opere, ma proveremo a parlarne in modo più dettagliato. È noto che nel Medioevo uno dei generi letterari giapponesi più famosi era il tanka ("canto laconico"). Nella maggior parte dei casi si tratta di cinque versi, costituiti da una coppia di strofe con un numero fisso di sillabe: 5-7-5 sillabe in tre versi della prima strofa e 7-7 in due versi della seconda. Per quanto riguarda il contenuto, il tanka utilizza il seguente schema: la prima strofa rappresenta un'immagine naturale specifica e la seconda riflette il sentimento di una persona che riecheggia questa immagine:

• Nelle montagne lontane
  Fagiano dalla coda lunga che sonnecchia -
  Questa lunga, lunga notte
  Posso dormire da solo? ( Kakinomoto no Hitovaro, inizio VIII secolo, tradotto da Sanovich.)

drammaturgia giapponese

Molti sostengono che la cultura artistica di Cina e Giappone sia affascinante. Ti piacciono le arti dello spettacolo? La drammaturgia tradizionale del Sol Levante si divide in joruri (teatro delle marionette), drammaturgia del teatro Noh (kyogen e yokyoku), teatro kabuki e shingeki. I costumi di quest'arte comprendono cinque generi teatrali di base: kyogen no, bugaku, kabuki e bunraku. Tutte queste cinque tradizioni sono ancora presenti oggi. Nonostante le colossali differenze, sono collegati da principi estetici comuni che sono alla base dell'arte giapponese. A proposito, la drammaturgia del Giappone è nata sul palcoscenico del n.

Il teatro Kabuki apparve nel XVII secolo e raggiunse il suo apogeo verso la fine del XVIII. La forma delle esibizioni che si sono sviluppate nel periodo specificato è conservata sul palcoscenico moderno di Kabuki. Le produzioni di questo teatro, contrariamente ai palcoscenici del No, incentrate su una ristretta cerchia di estimatori dell'arte antica, sono pensate per il pubblico di massa. Le radici delle abilità di Kabuki provengono dalle esibizioni di comici - interpreti di piccole farse, scene che consistevano in balli e canti. L'abilità teatrale del Kabuki ha assorbito gli elementi di joruri e no.

L'aspetto del teatro Kabuki è associato al nome dell'operaio del santuario buddista O-Kuni a Kyoto (1603). O-Kuni si è esibito sul palco con danze religiose, che includevano i movimenti delle danze popolari del Nembutsu-odori. Le sue esibizioni erano intervallate da commedie comiche. In questa fase, le produzioni erano chiamate yujo-kabuki (kabuki delle cortigiane), o-kuni-kabuki o onna-kabuki (kabuki delle donne).

incisioni

Nel secolo scorso, gli europei, e poi i russi, hanno incontrato il fenomeno dell'arte giapponese attraverso l'incisione. Nel frattempo, nel Paese del Sol Levante, disegnare su un albero all'inizio non era affatto considerato un'abilità, sebbene avesse tutte le proprietà della cultura di massa: economicità, disponibilità, circolazione. Gli intenditori di Ukiyo-e sono stati in grado di ottenere la massima intelligibilità e semplicità sia nell'incarnazione delle trame che nella loro scelta.

Ukiyo-e era una scuola d'arte speciale, quindi è stata in grado di presentare un numero di maestri eccezionali. Pertanto, il nome di Hisikawa Moronobu (1618-1694) è associato alla fase iniziale dello sviluppo dell'incisione su trama. A metà del XVIII secolo, fu creato Suzuki Harunobu, il primo conoscitore dell'incisione multicolore. I motivi principali del suo lavoro erano scene liriche, in cui si prestava attenzione non all'azione, ma alla trasmissione di stati d'animo e sentimenti: amore, tenerezza, tristezza. Come la squisita arte antica dell'era Heian, i virtuosi ukiyo-e hanno fatto rivivere lo straordinario culto della squisita bellezza delle donne in un ambiente urbano rinnovato.

L'unica differenza era che invece degli orgogliosi aristocratici Heian, le stampe raffiguravano graziose geishe dei quartieri dei divertimenti di Edo. L'artista Utamaro (1753-1806) è, forse, un esempio unico di professionista nella storia della pittura, che ha dedicato completamente la sua creazione a raffigurare dame in varie pose e abiti, in varie circostanze della vita. Una delle sue opere migliori è l'incisione "Geisha Osama", che è conservata a Mosca, nel Museo di pittura Pushkin. L'artista ha trasmesso in modo insolitamente sottile l'unità del gesto e dell'umore, le espressioni facciali.

Manga e anime

Molti artisti cercano di studiare la pittura del Giappone. Cos'è l'anime (animazione giapponese)? Si differenzia da altri generi di animazione essendo più in sintonia con uno spettatore adulto. Qui c'è una divisione duplicativa in stili per un non ambiguo pubblico di destinazione. La misura dello schiacciamento è il genere, l'età o il ritratto psicologico dello spettatore. Molto spesso, l'anime è un adattamento cinematografico di fumetti manga giapponesi, anch'essi molto famosi.

La parte fondamentale del manga è pensata per uno spettatore adulto. Secondo i dati del 2002, circa il 20% dell'intero mercato del libro giapponese era occupato da fumetti manga.

Il Giappone ci è vicino geograficamente, ma, nonostante ciò, per lungo tempo è rimasto incomprensibile e inaccessibile al mondo intero. Oggi sappiamo molto di questo paese. Un lungo isolamento volontario ha portato al fatto che la sua cultura è completamente diversa dalle culture di altri stati.

Il Giappone è il paese più piccolo dell'Estremo Oriente: 372 mila chilometri quadrati. Ma il contributo che il Giappone ha dato alla storia della cultura mondiale non è inferiore al contributo dei grandi stati antichi.

Le origini dell'arte di questo antico paese risalgono all'VIII millennio a.C. Ma la fase più significativa in tutte le sue aree vita artistica ci fu un periodo che iniziò nel VI-VII secolo da R.Kh. e continuò fino alla metà del XIX secolo. Lo sviluppo dell'arte giapponese procedette in modo irregolare, ma non conobbe cambiamenti troppo bruschi o bruschi cali.

L'arte giapponese si è sviluppata in particolari condizioni naturali e storiche. Il Giappone si trova su quattro grandi isole (Honshu, Hokkaido, Kyushu e Shioku) e molte più piccole. Per molto tempo era inespugnabile e non conosceva guerre esterne. La vicinanza del Giappone alla terraferma ha influenzato l'instaurazione di contatti con Cina e Corea in tempi antichi. Ciò ha accelerato lo sviluppo dell'arte giapponese.

L'arte medievale giapponese è cresciuta sotto l'influenza delle culture coreana e cinese. Il Giappone ha adottato la scrittura cinese e le caratteristiche della visione del mondo cinese. Il buddismo divenne la religione di stato del Giappone. Ma i giapponesi si sono rifratti a modo loro idee cinesi e li ha adattati al loro modo di vivere.

Casa giapponese, interno giapponese
La casa giapponese è tanto chiara e semplice dentro quanto fuori. Era tenuto costantemente pulito. Il pavimento, lucidato a specchio, era ricoperto da stuoie di paglia leggera - tatami, che dividevano la stanza in rettangoli uniformi. Le scarpe venivano tolte sulla soglia, le cose venivano conservate negli armadi, la cucina era separata dall'abitazione. Nelle stanze, di regola, non c'erano cose permanenti. Sono stati portati dentro e portati via secondo necessità. Ma ogni cosa in una stanza vuota, sia essa un fiore in un vaso, un quadro o un tavolo laccato, ha attirato l'attenzione e ha acquisito un'espressività speciale.

Tutti i tipi di arte sono associati al design dello spazio di una casa, tempio, palazzo o castello nel Giappone medievale. Ognuno serviva da complemento all'altro. Ad esempio, un bouquet sapientemente selezionato ha completato e messo in risalto l'atmosfera trasmessa nella pittura di paesaggio.

La stessa precisione impeccabile, lo stesso senso del materiale, come nella decorazione di una casa giapponese, si sentiva nei prodotti dell'arte decorativa. Non senza motivo nelle cerimonie del tè, come il più grande gioiello, venivano usati gli utensili modellati dalle mani. Il suo coccio morbido e irregolare conservava la traccia delle dita che scolpivano l'argilla bagnata. Gli smalti rosa-perla, turchese-lilla o grigio-blu non erano accattivanti, ma sentivano lo splendore della natura stessa, con la vita a cui è associato ogni oggetto dell'arte giapponese.

Ceramica giapponese
Non smaltati, modellati a mano e cotti a bassa temperatura, i vasi di argilla ricordavano le ceramiche di altri popoli antichi. Ma avevano già caratteristiche uniche della cultura giapponese. I modelli di brocche e piatti di varie forme riflettevano idee sugli elementi di uragani, mari e montagne sputafuoco. La fantasia di questi prodotti sembrava suggerita dalla natura stessa.

Massicce brocche alte quasi un metro con un motivo incastrato di fasci di argilla convessi assomigliano a conchiglie sinuose, o barriere coralline ramificate, o grovigli di alghe o bordi frastagliati di vulcani. Questi vasi e ciotole maestosi e monumentali servivano non solo a scopi domestici, ma anche rituali. Ma a metà del I millennio a.C. entrarono in uso oggetti in bronzo e gli utensili in ceramica persero il loro scopo rituale.

Accanto alla ceramica apparvero nuovi prodotti di artigianato artistico: armi, gioielli, campane di bronzo e specchi.

Articoli per la casa giapponesi
Nel IX-XII secolo d.C., i gusti dell'aristocrazia giapponese si rivelarono nelle arti decorative. Oggetti laccati lisci e resistenti all'umidità, cosparsi di polvere d'oro e d'argento, leggeri ed eleganti, come se illuminassero il crepuscolo delle stanze giapponesi, e costituissero una vasta gamma di oggetti di uso quotidiano. La lacca veniva utilizzata per creare ciotole e cofanetti, cassapanche e tavoli, strumenti musicali. Ogni piccola cosa del tempio e della vita quotidiana - posate d'argento per il cibo, vasi per fiori, carta fantasia per lettere, cinture ricamate - rivelava l'atteggiamento poetico ed emotivo dei giapponesi nei confronti del mondo.

Pittura giapponese
Con lo sviluppo dell'architettura monumentale del palazzo, l'attività dei pittori della scuola di corte divenne molto più attiva. Gli artisti dovevano dipingere grandi superfici non solo di pareti, ma anche di paraventi pieghevoli di carta multipiega, che svolgevano il ruolo sia di quadri che di divisori portatili nella stanza. Una caratteristica del modo creativo degli artigiani di talento era la selezione di un grande dettaglio multicolore del paesaggio sul vasto piano di un pannello a parete o di uno schermo.

Le composizioni di fiori, erbe, alberi e uccelli, eseguite da Kano Eitoku su sfondi dorati splendenti con macchie spesse e succose, idee generalizzate sul potere e lo splendore dell'universo. Rappresentanti della scuola Kano, insieme a motivi naturali, inclusi nei dipinti e nuovi soggetti che riflettono la vita e la vita della città giapponese del XVI secolo.

C'erano anche paesaggi monocromatici sugli schermi del palazzo. Ma hanno un grande effetto decorativo. Tale è il paravento dipinto dal seguace di Sesshu, Hasegawa Tohaku (1539-1610). La sua superficie bianca opaca è interpretata dal pittore come un fitto velo di nebbia, da cui emergono improvvisamente, come visioni, le sagome di vecchi pini. Con poche gocce di inchiostro audaci, Tohaku crea un'immagine poetica di una foresta autunnale.

I rotoli paesaggistici monocromi, con la loro morbida bellezza, non potevano eguagliare lo stile delle stanze del palazzo. Ma hanno mantenuto il loro significato come parte indispensabile del padiglione del tè chashitsu, progettato per la concentrazione spirituale e la pace.

Le opere d'arte dei maestri giapponesi non solo rimangono fedeli agli stili antichi, ma hanno sempre qualcosa di nuovo in sé che nessun'altra opera d'arte ha. Nell'arte giapponese non c'è posto per cliché e modelli. In esso, come in natura, non ci sono due creazioni completamente identiche. E anche adesso, le opere d'arte di maestri giapponesi non possono essere confuse con opere d'arte di altri paesi. Nell'arte giapponese il tempo è rallentato, ma non si è fermato. Nell'arte giapponese, le tradizioni dei tempi antichi sono sopravvissute fino ad oggi.

« Una grande onda a Kanagawa" di Katsushika Hokusai (1760-1849) è una delle incisioni più famose e il primo foglio della serie Trentasei vedute del Fuji. All'inizio degli anni 1830, Katsushika Hokusai, commissionato dalla casa editrice Eijudo, iniziò a creare una serie di 46 fogli (36 principali e 10 aggiuntivi), e The Great Wave off Kanagawa era un'incisione che apre l'intera serie.

Tali raccolte di incisioni servivano come una sorta di "viaggio virtuale" per i cittadini dell'epoca, un modo comodo ed economico per soddisfare la curiosità. Le stampe simili a Fuji costano circa 20 mon, più o meno come una doppia porzione di noodles in un ristorante giapponese dell'epoca. Tuttavia, il successo fu così grande che nel 1838 il costo dei fogli di Hokusai era cresciuto fino a quasi 50 mon, e dopo la morte del maestro, la sola Wave fu ristampata da nuove tavole più di 1000 volte.

Sorprendentemente, nonostante il tema dichiarato dell'intera serie, Fuji in The Wave sembra avere un ruolo secondario. Il "personaggio" principale di questa incisione è un'onda, e in primo piano si svolge una scena drammatica della lotta di un uomo con gli elementi. I bordi della cresta di schiuma sembrano le dita contorte di un fantastico demone arrabbiato, e l'assenza di volto e l'inattività delle figure umane nelle barche non lasciano dubbi su chi sarà il vincitore in questa lotta. Tuttavia, non è questo confronto il conflitto che crea la trama dell'incisione.
Fermando il momento dopo il quale le barche si schiantano, Hokusai permette allo spettatore di vedere Fuji per un momento contro il cielo grigio, che si oscura verso l'orizzonte. Sebbene a quel tempo gli incisori giapponesi conoscessero già i principi della prospettiva lineare e aerea europea, non sentivano il bisogno di questa tecnica. Lo sfondo scuro, così come il lungo viaggio dell'occhio dal primo piano con le barche attraverso il movimento dell'onda fino al Fuji, convincono l'occhio che la montagna sacra è separata da noi dalla distesa del mare.

Fuji sorge lontano dalla riva come simbolo di stabilità e costanza, in contrasto con gli elementi tempestosi. L'unità e l'interdipendenza degli opposti sono alla base dell'idea di ordine cosmico e di assoluta armonia nella visione del mondo dell'Estremo Oriente, e furono loro a diventare il tema principale dell'incisione "The Great Wave off Kanagawa", che aprì la serie di Katsushika Hokusai.

"Bellezza Nanivaya Okita" di Kitagawa Utamaro, 1795-1796

Kitagawa Utamaro (1753-1806) può essere giustamente definito un cantante bellezza femminile in stampa giapponese ukiyo-e: ha creato una serie di immagini canoniche di bellezze giapponesi ( bijinga) - gli abitanti delle case da tè e il famoso quartiere dei divertimenti Yoshiwara nella capitale del Giappone, Edo edo — il nome di Tokyo prima del 1868..

Nell'incisione bijinga, tutto non è proprio come sembra allo spettatore moderno. Le nobildonne riccamente vestite erano, di regola, impegnate in un mestiere vergognoso e appartenevano alla classe inferiore, e le incisioni con ritratti di bellezze avevano una funzione apertamente pubblicitaria. Allo stesso tempo, l'incisione non dava un'idea dell'aspetto della ragazza, e sebbene Okita della casa da tè Nanivaya vicino al tempio di Asakusa fosse considerata la prima bellezza di Edo, il suo volto nell'incisione è completamente privo di individualità.

Dal X secolo, le immagini femminili nell'arte giapponese sono state soggette al canone del minimalismo. "Line-eye, hook-nose" - ricezione hikime-kagihana ha permesso all'artista solo di indicare che era raffigurata una certa donna: nella cultura tradizionale giapponese, il tema della bellezza fisica era spesso omesso. Nelle donne nobile nascita La "bellezza del cuore" e l'educazione erano molto più apprezzate, e gli abitanti dei quartieri allegri si sforzavano di imitare in tutto i più alti standard. Secondo Utamaro, Okita era veramente bella.

Il foglio "Beauty Nanivaya Okita" fu stampato nel 1795-1796 nella serie "Famous Beauties Likened to Six Immortal Poets", in cui a ciascuna bellezza corrispondeva uno degli scrittori del IX secolo. Sul foglio con il ritratto di Okita in alto a sinistra c'è l'immagine di Arivara no Narihira (825-880), uno dei poeti più venerati del Giappone, a cui è tradizionalmente attribuito il romanzo Ise Monogatari. Questo nobile nobile e geniale poeta divenne famoso anche per le sue storie d'amore, alcune delle quali costituirono la base del romanzo.

Questo foglio è un uso peculiare della tecnica mitare(confronti) nell'incisione giapponese. Le qualità di un "prototipo" autorevole vengono trasferite alla bellezza raffigurata, e l'elegante cortigiana, dal volto sereno che serve una tazza di tè all'ospite, è già letta dallo spettatore come una dama abile nella poesia e nelle gesta d'amore. Il paragone con Arivara no Narihira è stato davvero un riconoscimento della sua superiorità tra le bellezze di Edo.

Allo stesso tempo, Utamaro crea un'immagine sorprendentemente lirica. Bilanciando punti scuri e chiari sulla foglia e delineando la forma con linee melodiose ed eleganti, crea un'immagine davvero perfetta di grazia e armonia. La "pubblicità" si allontana e la bellezza catturata da Utamaro rimane senza tempo.

Paravento "Iris" di Ogata Korin, 1710

Una coppia di paraventi a iris a sei pannelli - ora un tesoro nazionale del Giappone - furono creati da Ogata Korin (1658-1716) intorno al 1710 per il tempio Nishi Hongan-ji a Kyoto.

Dal XVI secolo, la pittura su pannelli murali e schermi di carta è diventata uno dei principali generi di arte decorativa in Giappone e Ogata Korin, il fondatore della scuola d'arte Rinpa, è stato uno dei suoi più grandi maestri.

Gli schermi all'interno giapponese hanno svolto un ruolo importante. Gli spaziosi locali del palazzo non erano strutturalmente diversi dalle abitazioni di un semplice giapponese: non avevano quasi pareti interne e lo spazio era suddiviso in zone con paraventi. Alti poco più di un metro e mezzo, gli schermi sono stati progettati per la comune tradizione giapponese di tutte le classi di vivere sul pavimento. In Giappone, seggioloni e tavoli non sono stati utilizzati fino al XIX secolo e l'altezza dello schermo, così come la composizione del suo dipinto, è progettata per la vista di una persona seduta sulle sue ginocchia. È da questo punto di vista che nasce un effetto sorprendente: gli iris sembrano circondare la persona seduta - e una persona può sentirsi sulle rive del fiume, circondata dai fiori.

Le iridi sono dipinte in modo non contorno - quasi impressionistico, ampi tratti di tempera blu scuro, lilla e viola trasmettono la lussureggiante magnificenza di questo fiore. L'effetto pittoresco è esaltato dal luccichio opaco dell'oro, contro il quale sono raffigurate le iridi. Gli schermi non raffigurano altro che fiori, ma la loro linea spigolosa di crescita suggerisce che i fiori si pieghino attorno al corso tortuoso del fiume o agli zigzag dei ponti di legno. Sarebbe naturale per i giapponesi vedere mancare un ponte dallo schermo, uno speciale "ponte di otto assi" ( yatsuhashi), associato con iris in classico Letteratura giapponese. Il romanzo Ise Monogatari (IX secolo) descrive il triste viaggio di un eroe espulso dalla capitale. Dopo essersi sistemato con il suo seguito per riposare sulla riva del fiume vicino al ponte Yatsuhashi, l'eroe, vedendo gli iris, ricorda la sua amata e compone poesie:

il mio amato in abiti
Grazioso lì, nella capitale,
L'amore è rimasto...
E penso con desiderio quanto
sono lontano da lei... Traduzione di NI Konrad.

"Così ha piegato, e tutti hanno versato lacrime sul loro riso essiccato, in modo che si gonfiasse di umidità", aggiunge l'autore e eroe lirico narrazione, Arivara no Narihira.

Per un giapponese colto, la connessione tra gli iris del ponte e Ise monogatari, gli iris e il tema dell'amore separato era chiara, e Ogata Korin evita la verbosità e l'illustratività. Con l'aiuto della pittura decorativa, crea solo uno spazio ideale pieno di luce, colore e connotazioni letterarie.

Padiglione d'oro Kinkakuji, Kyoto, 1397

Il Tempio d'Oro è uno dei simboli del Giappone, che, ironia della sorte, fu glorificato più dalla sua distruzione che dalla sua costruzione. Nel 1950, un monaco mentalmente instabile del monastero di Rokuonji, a cui appartiene questo edificio, diede fuoco a uno stagno che si trovava sulla superficie del
padiglione Durante un incendio nel 1950, il tempio fu quasi distrutto. I lavori di restauro a Kinkaku-ji iniziarono nel 1955, nel 1987 la ricostruzione nel suo insieme fu completata, ma il restauro della decorazione interna completamente perduta continuò fino al 2003.. I veri motivi del suo atto sono rimasti poco chiari, ma nell'interpretazione dello scrittore Yukio Mishima, la colpa era dell'irraggiungibile, quasi mistica bellezza di questo tempio. In effetti, per diversi secoli, Kinkakuji è stato considerato l'epitome della bellezza giapponese.

Nel 1394, Shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), che soggiogò quasi tutto il Giappone alla sua volontà, si ritirò formalmente e si stabilì in una villa appositamente costruita nel nord di Kyoto. L'edificio a tre livelli sul lago artificiale Kyokoti ("lago-specchio") ha svolto il ruolo di una sorta di eremo, un padiglione appartato per il relax, la lettura e la preghiera. Conteneva una collezione di dipinti dello shogun, una biblioteca e una collezione di reliquie buddiste. Situato sull'acqua vicino alla riva, Kinkakuji aveva solo comunicazioni via barca con la riva ed era la stessa isola delle isole artificiali con pietre e pini sparsi intorno a Kyokoti. L'idea dell '"isola dei celestiali" è stata presa in prestito dalla mitologia cinese, in cui dimora celeste servito come l'isola di Penglai, l'isola degli immortali. Il riflesso del padiglione nell'acqua evoca già associazioni buddiste con idee sulla natura illusoria del mondo mortale, che è solo un pallido riflesso dello splendore del mondo della verità buddista.

Sebbene tutte queste sfumature mitologiche siano speculative, la posizione del padiglione gli conferisce un'incredibile armonia e armonia. La riflessione nasconde la tozza dell'edificio, rendendolo più alto e più snello; allo stesso tempo, è l'altezza del padiglione che permette di vederlo da qualsiasi sponda dello stagno, sempre su uno sfondo scuro di verde.

Resta, tuttavia, non del tutto chiaro quanto fosse dorato questo padiglione nella sua forma originaria. Probabilmente, sotto Ashikaga Yoshimitsu, era davvero ricoperto di foglia d'oro e uno strato protettivo di vernice. Ma se credi alle fotografie del XIX e dell'inizio del XX secolo e di Yukio Mishima, a metà del XX secolo la doratura si era quasi staccata ei suoi resti erano visibili solo sul livello superiore dell'edificio. In questo momento, ha piuttosto toccato l'anima con il fascino della desolazione, le tracce del tempo, inesorabile anche alle cose più belle. Questo fascino malinconico corrispondeva al principio estetico Sabi molto venerato nella cultura giapponese.

In un modo o nell'altro, lo splendore di questo edificio non era affatto in oro. La squisita severità delle forme di Kinkakuji e la sua impeccabile armonia con il paesaggio ne fanno uno dei capolavori dell'architettura giapponese.

Ciotola "Iris" nello stile del karatsu, secoli XVI-XVII

La parola meibutsu- una cosa con un nome. Questa ciotola ha davvero solo il nome, poiché nessuno dei due tempo esatto e il luogo della sua creazione, né il nome del maestro non sono stati conservati. Tuttavia, è elencato tra i tesori nazionali del Giappone ed è uno degli esempi più brillanti di ceramica in stile nazionale.

Alla fine del XVI secolo, la cerimonia del tè cha-no-yu abbandonate fini porcellane cinesi e ceramiche con smalti che ricordano materiali preziosi. La loro spettacolare bellezza sembrava troppo artificiale e schietta ai maestri del tè. Oggetti perfetti e costosi - ciotole, recipienti per l'acqua e contenitori per il tè - non corrispondevano ai canoni spirituali quasi ascetici del buddismo zen, nello spirito del quale si sviluppò la cerimonia del tè. Una vera rivoluzione nell'azione del tè fu l'appello alla ceramica giapponese, molto più semplice e senza arte in un momento in cui i laboratori del Giappone avevano appena iniziato a padroneggiare le tecnologie della ceramica continentale.

La forma della ciotola Iris è semplice e irregolare. La leggera curvatura delle pareti, le ammaccature del vasaio visibili su tutto il corpo conferiscono alla ciotola una facilità quasi ingenua. Il frammento di argilla è ricoperto da una leggera glassa con una rete di fessure - craquelure. Sul lato anteriore, che si rivolge all'ospite durante la cerimonia del tè, sotto lo smalto è applicata l'immagine di un iris: il disegno è ingenuo, ma eseguito con un pennello energico, esattamente, come in un unico movimento, nello spirito dello Zen calligrafia. Sembra che sia la forma che l'arredamento avrebbero potuto essere realizzati spontaneamente e senza l'applicazione di forze speciali.

Questa spontaneità riflette l'ideale wabi- semplicità e semplicità, che danno origine a un senso di libertà spirituale e armonia. Qualsiasi persona o anche un oggetto inanimato nelle opinioni dei seguaci giapponesi del buddismo zen ha la natura illuminata del Buddha, e gli sforzi dell'adepto mirano a scoprire questa natura in se stesso e nel mondo che lo circonda. Le cose usate nella cerimonia del tè, nonostante tutta la loro goffaggine, avrebbero dovuto evocare una profonda esperienza della verità, l'attualità di ogni momento, costretti a scrutare nelle forme più ordinarie e vedere in esse la vera bellezza.

Il contrasto con la trama ruvida della ciotola e la sua semplicità è il restauro con una piccola lacca dorata scheggiata (questa tecnica è chiamata kintsugi). Il restauro è stato eseguito nel XVIII secolo e dimostra la riverenza con cui i maestri del tè giapponesi trattavano gli utensili per la cerimonia del tè. Così la cerimonia del tè offre ai partecipanti un "modo" per scoprire la vera bellezza delle cose, come la ciotola dell'iride. L'implicitezza, la segretezza è diventata la base del concetto estetico di wabi e una parte importante della visione del mondo giapponese.

Ritratto del monaco Gandzin, Nara, 763

Nell'VIII secolo la scultura divenne la principale forma di espressione artistica dell'epoca, l'era Nara (710-794), associata alla formazione dello stato giapponese e al rafforzamento del buddismo. I maestri giapponesi hanno già superato la fase dell'apprendistato e dell'imitazione cieca di tecniche e immagini continentali e hanno iniziato a esprimere liberamente e vividamente lo spirito del loro tempo nella scultura. La diffusione e la crescita dell'autorità del buddismo hanno causato la comparsa di un ritratto scultoreo buddista.

Uno dei capolavori di questo genere è il ritratto di Gandzin, realizzato nel 763. Realizzata con la tecnica della laccatura a secco (costruendo strati di lacca su un telaio di legno ricoperto di tessuto), la scultura è quasi grandezza naturale era dipinto in modo realistico e, nella semioscurità del tempio, Ganjin sedeva in una posa di meditazione "come se fosse vivo". Questa verosimiglianza era la principale funzione di culto di tali ritratti: l'insegnante doveva essere sempre tra le mura del monastero Todaiji nella città di Nara ed essere presente ai più importanti servizi divini.

Successivamente, nell'XI-XIII secolo, i ritratti scultorei raggiunsero un illusionismo quasi spietato, raffigurando l'infermità senile di venerabili insegnanti, le loro bocche infossate, le guance cascanti e le rughe profonde. Questi ritratti guardano gli aderenti al buddismo con occhi vivi, intarsiati con cristallo di rocca e legno. Ma il viso di Gandzin sembra sfocato, non ci sono contorni chiari e forme chiare in esso. Le palpebre degli occhi semichiusi e non incrostati appaiono gonfie; la bocca tesa e le profonde pieghe naso-labiali esprimono l'abituale cautela piuttosto che la concentrazione della meditazione.

Tutte queste caratteristiche rivelano la drammatica biografia di questo monaco, la storia di incredibili ascesi e tragedie. Ganjin, un monaco buddista cinese, è stato invitato in Giappone per la cerimonia di consacrazione del più grande monastero di Nara, Todaiji. La nave fu catturata dai pirati, pergamene inestimabili e sculture buddiste destinate a un lontano tempio giapponese andarono perse nell'incendio, Ganjin si ustionò la faccia e perse la vista. Ma non ha lasciato il desiderio di predicare all'estrema periferia della civiltà, vale a dire come il Giappone era percepito dal continente in quel momento.

Diversi altri tentativi di attraversare il mare si sono conclusi nello stesso modo infruttuoso, e solo al quinto tentativo, il Ganjin già di mezza età, cieco e malaticcio raggiunge la capitale giapponese di Nara.

In Giappone, Ganjin non ha insegnato a lungo la legge buddista: i drammatici eventi della sua vita hanno minato la sua salute. Ma la sua autorità era così alta che, probabilmente, anche prima della sua morte, si decise di creare la sua scultura. Indubbiamente, i monaci-artisti hanno cercato di dare alla scultura la massima somiglianza possibile con il modello. Ma questo non è stato fatto per preservare l'aspetto esteriore di una persona, ma per catturare la sua esperienza spirituale individuale, il difficile percorso che ha attraversato Ganjin ea cui ha chiamato l'insegnamento buddista.

Daibutsu - Grande Buddha del tempio Todaiji, Nara, metà dell'VIII secolo

A metà dell'VIII secolo, il Giappone soffrì di disastri naturali ed epidemie, e gli intrighi dell'influente famiglia Fujiwara e la ribellione che sollevarono costrinsero l'imperatore Shomu a fuggire dalla capitale, la città di Nara. In esilio, giurò di seguire la via degli insegnamenti buddisti e nel 743 ordinò che iniziasse la costruzione del tempio principale del paese e la fusione di un colossale statua di bronzo Buddha Vairochana (Buddha Grande Sole o Tutta la Luce Illuminante). Questa divinità era considerata l'incarnazione universale del Buddha Shakyamuni, il fondatore degli insegnamenti buddisti, e avrebbe dovuto diventare il garante della protezione dell'imperatore e dell'intero paese durante il periodo di disordini e ribellioni.

I lavori iniziarono nel 745 e furono modellati sulla gigantesca statua del Buddha nei templi rupestri di Longmen vicino alla capitale cinese Luoyang. La statua di Nara, come ogni immagine del Buddha, avrebbe dovuto mostrare "grandi e piccoli segni del Buddha". Questo canone iconografico includeva lobi delle orecchie allungati, che ricordano il fatto che Buddha Shakyamuni proveniva da una famiglia principesca e fin dall'infanzia indossava orecchini pesanti, un'elevazione sulla sommità della testa (ushnisha), un punto sulla fronte (urna).

L'altezza della statua era di 16 metri, la larghezza del viso era di 5 metri, la lunghezza del palmo disteso era di 3,7 metri e l'urna era più grande di una testa umana. La costruzione ha richiesto 444 tonnellate di rame, 82 tonnellate di stagno e un'enorme quantità di oro, la cui ricerca è stata intrapresa appositamente nel nord del paese. Attorno alla statua fu eretta una sala, il Daibutsuden, per proteggere il santuario. Nel suo piccolo spazio, una figura di Buddha seduta leggermente arcuata riempie l'intero spazio, illustrando uno dei principali postulati del buddismo: l'idea che la divinità sia onnipresente e onnipervadente, abbraccia e riempie tutto. La calma trascendente del viso e il gesto della mano della divinità (mudra, il gesto di concedere protezione) completano la sensazione di calma grandezza e potere del Buddha.

Tuttavia, oggi rimangono solo pochi frammenti della statua originale: incendi e guerre hanno causato enormi danni alla statua nel XII e XVI secolo, e la statua moderna è principalmente un calco del XVIII secolo. Durante il restauro del XVIII secolo, la figura in bronzo non era più ricoperta d'oro. Lo zelo buddista dell'imperatore Shomu nell'VIII secolo praticamente svuotò il tesoro e dissanguò il paese già sconvolto, ei governanti successivi non potevano più permettersi una spesa così smodata.

Tuttavia, il significato di Daibutsu non risiede nell'oro e nemmeno nell'autenticità affidabile: l'idea stessa di un'incarnazione così grandiosa degli insegnamenti buddisti è un monumento a un'epoca in cui l'arte monumentale giapponese conobbe una vera fioritura, liberandosi da copiando alla cieca di campioni continentali e raggiungendo integrità ed espressività, che in seguito andarono perdute.

I giapponesi scoprirono la bellezza nascosta nelle cose nel IX-XII secolo, nell'era Heian (794-1185) e la designarono addirittura con lo speciale concetto di “mono no aware” (物の哀れ (もののあわれ)), che significa “ fascino triste delle cose. "Il fascino delle cose" è una delle prime definizioni di bellezza nella letteratura giapponese, è associato alla credenza shintoista che ogni cosa ha la sua divinità - kami - e il suo fascino unico. Avare è l'essenza interiore delle cose, ciò che provoca gioia, eccitazione.

- Washi (wasi) o wagami (wagami).
Fabbricazione manuale della carta. I giapponesi medievali apprezzavano il washi non solo per le sue qualità pratiche, ma anche per la sua bellezza. Era famosa per la sua sottigliezza, quasi trasparenza, che però non la privava di forza. Washi è fatto dalla corteccia dell'albero kozo (gelso) e di alcuni altri alberi.
La carta Washi si è conservata per secoli, ne sono testimonianza gli album e i volumi di antica calligrafia giapponese, dipinti, paraventi, incisioni giunti nei secoli fino ai giorni nostri.
La carta di Vasya è fibrosa, se guardi al microscopio vedrai delle crepe attraverso le quali penetrano aria e luce solare. Questa qualità viene utilizzata nella produzione di schermi e lanterne tradizionali giapponesi.
I souvenir Washi sono molto popolari tra gli europei. Con questa carta si ricavano tanti piccoli e utili oggetti: portafogli, buste, ventagli. Sono abbastanza resistenti ma leggeri.

-Gohei.
Talismano da strisce di carta. Gohei - un bastone rituale di un prete shintoista, a cui sono attaccate strisce di carta a zigzag. Le stesse strisce di carta sono appese all'ingresso di un santuario shintoista. Il ruolo della carta nello shintoismo è stato tradizionalmente molto importante e i prodotti di carta sono sempre stati dati significato esoterico. E la convinzione che ogni cosa, ogni fenomeno, persino le parole, contengano un kami - una divinità - spiega l'emergere di un tale tipo di arte applicata come il gohei. Lo shintoismo è in qualche modo simile al nostro paganesimo. Per gli shintoisti, il kami è particolarmente disposto a stabilirsi in tutto ciò che è fuori dall'ordinario. Ad esempio, su carta. E ancora di più in un gohei attorcigliato in un intricato zigzag, che pende oggi davanti all'ingresso dei santuari shintoisti e indica la presenza di una divinità nel tempio. Ci sono 20 modi per piegare il gohei, e quelli che sono piegati in modo particolarmente insolito attirano il kami. Gohei è prevalentemente di colore bianco, ma si trovano anche oro, argento e molte altre sfumature. Dal IX secolo, in Giappone esiste l'usanza di rafforzare il gohei sulle cinture dei lottatori di sumo prima dell'inizio del combattimento.

- Anesama.
Questa è la produzione di bambole di carta. Nel diciannovesimo secolo, le mogli dei samurai realizzavano bambole di carta con cui i bambini giocavano, vestendole con abiti diversi. In tempi in cui non esistevano i giocattoli, l'anesama era l'unico interlocutore dei bambini, "svolgendo" il ruolo di madre, sorella maggiore, bambina e amica.
La bambola è piegata con carta giapponese washi, i capelli sono fatti di carta increspata, tinti con inchiostro e ricoperti di colla, che gli conferisce lucentezza. Una caratteristica distintiva è un bel nasino su una faccia allungata. Oggi questo semplice giocattolo, che non richiede altro che mani abili, dalla forma tradizionale, continua a essere realizzato come prima.

- Origami.
L'antica arte di piegare la carta (折り紙, letteralmente: "carta piegata"). L'arte dell'origami ha le sue radici nell'antica Cina, dove è stata inventata la carta. Inizialmente, l'origami veniva utilizzato nelle cerimonie religiose. Per molto tempo questo tipo di arte era disponibile solo per i rappresentanti delle classi superiori, dove un segno di buon gusto era il possesso di tecniche di piegatura della carta. Solo dopo la seconda guerra mondiale l'origami oltrepassò l'Oriente e arrivò in America e in Europa, dove trovò subito i suoi estimatori. L'origami classico è piegato da un foglio di carta quadrato.
C'è un certo insieme di simboli convenzionali necessari per abbozzare lo schema di piegatura anche del prodotto più complesso. La maggior parte dei segni convenzionali sono stati messi in pratica a metà del XX secolo dal famoso maestro giapponese Akira Yoshizawa.
L'origami classico prescrive l'uso di un foglio di carta quadrato uniformemente colorato senza colla e forbici. Forme moderne le arti a volte deviano da questo canone.

-Kirigami.
Kirigami è l'arte di ritagliare varie forme da un foglio di carta piegato più volte con l'aiuto delle forbici. Un tipo di origami che consente l'uso di forbici e taglio della carta nel processo di realizzazione del modello. Questa è la principale differenza tra kirigami e altre tecniche di piegatura della carta, sottolineata nel nome: 切る (kiru) - taglio, 紙 (gami) - carta. Tutti amavamo tagliare i fiocchi di neve durante l'infanzia: una variante del kirigami, puoi tagliare non solo i fiocchi di neve, ma anche varie figure, fiori, ghirlande e altri simpatici oggetti di carta usando questa tecnica. Questi prodotti possono essere utilizzati come stencil per stampe, decorazioni per album, cartoline, cornici per foto, fashion design, interior design e altre decorazioni varie.

- Ikebana.
Ikebana, (jap 生け花 o いけばな) tradotto da lingua giapponese- ike" - vita, "bana" - fiori o "fiori che vivono". L'arte giapponese della disposizione dei fiori è una delle tradizioni più belle del popolo giapponese. Quando si compila l'ikebana, insieme ai fiori, vengono utilizzati rami tagliati, foglie e germogli.Il principio fondamentale è la squisita semplicità, per ottenere il quale cercano di enfatizzare la bellezza naturale delle piante. Ikebana è la creazione di una nuova forma naturale, in cui la bellezza di un fiore e la bellezza dell'anima del maestro che crea la composizione si combinano armoniosamente.
Oggi in Giappone ci sono 4 grandi scuole di ikebana: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Oltre a loro, ci sono circa mille direzioni e tendenze diverse che aderiscono a una di queste scuole.

- Oribana.
A metà del XVII secolo, due scuole di ohara (la forma principale di ikebana - oribana) e koryu (la forma principale - sek) partirono da ikenobo. A proposito, la scuola ohara studia ancora solo oribanu. Come dicono i giapponesi, è molto importante che l'origami non si trasformi in origami. Gomi significa spazzatura in giapponese. Dopotutto, guarda caso, hai piegato un pezzo di carta e poi cosa farne? Oribana offre molte idee per bouquet per decorare gli interni. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Errore.
Un tipo di belle arti nato dalla floristica. La floristica è apparsa nel nostro paese otto anni fa, sebbene esista in Giappone da più di seicento anni. Qualche volta nel Medioevo, i samurai comprendevano la via di un guerriero. E oshibana faceva parte di quel percorso, proprio come scrivere geroglifici e maneggiare una spada. Il significato dell'errore era che nello stato di totale presenza nel momento (satori), il maestro creava un'immagine di fiori secchi (fiori pressati). Allora questa immagine potrebbe servire da chiave, da guida per coloro che erano pronti ad entrare nel silenzio e sperimentare quello stesso satori.
L'essenza dell'arte di "oshibana" è che, raccogliendo ed essiccando fiori, erbe, foglie, corteccia sotto pressione e incollandoli sulla base, l'autore crea con l'aiuto delle piante una vera opera di "pittura". In altre parole, sbagliare è dipingere con le piante.
La creatività artistica dei fioristi si basa sulla conservazione della forma, del colore e della consistenza del materiale vegetale essiccato. I giapponesi hanno sviluppato una tecnica per proteggere i dipinti "oshibana" dallo sbiadimento e dall'oscuramento. La sua essenza è che l'aria viene pompata tra il vetro e l'immagine e viene creato un vuoto che impedisce alle piante di deteriorarsi.
Attrae non solo l'anticonformismo di quest'arte, ma anche l'opportunità di mostrare immaginazione, gusto, conoscenza delle proprietà delle piante. I fioristi creano ornamenti, paesaggi, nature morte, ritratti e dipinti di storie.

- Bonsai.
Il bonsai, come fenomeno, è apparso più di mille anni fa in Cina, ma questa cultura ha raggiunto il suo apice di sviluppo solo in Giappone. (bonsai - giapponese 盆栽 lett. "pianta in vaso") - l'arte di coltivare una copia esatta di un vero albero in miniatura. Queste piante furono coltivate dai monaci buddisti diversi secoli prima della nostra era e successivamente divennero una delle attività della nobiltà locale.
I bonsai adornavano case e giardini giapponesi. Nell'era Tokugawa, la progettazione del parco ricevette un nuovo impulso: la coltivazione di azalee e aceri divenne un passatempo per i ricchi. Si sviluppò anche la produzione di colture nane (hachi-no-ki - "albero in vaso"), ma i bonsai di quel tempo erano molto grandi.
Ora gli alberi ordinari vengono utilizzati per i bonsai, diventano piccoli a causa della potatura costante e di vari altri metodi. Allo stesso tempo, il rapporto tra le dimensioni dell'apparato radicale, limitato dal volume della ciotola, e la parte a terra del bonsai corrisponde alle proporzioni di un albero adulto in natura.

-Mizuhiki.
Analogo macramè. Questa è un'antica arte applicata giapponese di legare vari nodi da corde speciali e creare modelli da essi. Tali opere d'arte avevano una portata estremamente ampia: dalle carte regalo e lettere alle acconciature e alle borse. Attualmente, il mizuhiki è estremamente utilizzato nell'industria dei regali: per ogni evento della vita, un regalo dovrebbe essere incartato e legato in un modo molto specifico. Ci sono moltissimi nodi e composizioni nell'arte del mizuhiki, e non tutti i giapponesi li conoscono tutti a memoria. Certo, ci sono i nodi più comuni e semplici che vengono usati più spesso: per gli auguri per la nascita di un bambino, per un matrimonio o una commemorazione, un compleanno o l'ammissione all'università.

-Kumihimo.
Kumihimo è un cavo intrecciato giapponese. Quando si intrecciano fili, si ottengono nastri e pizzi. Questi lacci sono tessuti su macchine speciali: Marudai e Takadai. La macchina Marudai è utilizzata per tessere pizzi rotondi e Takadai per quelli piatti. Kumihimo in giapponese significa "intreccio di corde" (kumi - tessitura, piegatura insieme, himo - corda, pizzo). Nonostante il fatto che gli storici insistano ostinatamente sul fatto che tra gli scandinavi e gli abitanti delle Ande si possano trovare intrecci simili, l'arte giapponese del kumihimo è davvero uno dei più antichi tipi di tessitura. La prima menzione di esso risale al 550, quando il buddismo si diffuse in tutto il Giappone e cerimonie speciali richiedevano decorazioni speciali. Successivamente, i lacci kumihimo iniziarono ad essere usati come fissanti per la cintura obi su un kimono femminile, come corde per "imballare" l'intero arsenale di armi dei samurai (i samurai usavano il kumihimo per scopi decorativi e funzionali per legare la loro armatura e l'armatura del cavallo) e anche per legare oggetti pesanti.
Una varietà di motivi del moderno kumihimo viene tessuta molto facilmente su telai di cartone fatti in casa.

- Comono.
Cosa resta di un kimono dopo che ha scontato la sua pena? Pensi che venga buttato via? Niente del genere! I giapponesi non lo faranno mai. I kimono sono costosi. È impensabile e impossibile buttarlo via così... Insieme ad altri tipi di riciclaggio di kimono, le artigiane hanno realizzato piccoli souvenir da piccoli brandelli. Si tratta di piccoli giocattoli per bambini, bambole, spille, ghirlande, gioielli da donna e altri prodotti, il vecchio kimono viene utilizzato nella fabbricazione di piccole cose carine, che vengono chiamate collettivamente "komono". Piccole cose che prenderanno vita propria, continuando il cammino del kimono. Questo è ciò che significa la parola "komono".

-Kanzashi.
L'arte di decorare fermagli per capelli (il più delle volte decorati con fiori (farfalle, ecc.) In tessuto (principalmente seta). Il kanzashi giapponese (kanzashi) è una lunga forcina per un'acconciatura femminile tradizionale giapponese. Erano fatti di legno, lacca, argento, guscio di tartaruga utilizzato nelle acconciature tradizionali cinesi e giapponesi. Circa 400 anni fa, in Giappone, lo stile delle acconciature femminili è cambiato: le donne hanno smesso di pettinarsi nella forma tradizionale - taregami (lunghi capelli lisci) e hanno iniziato a modellarli in modo intricato e forme bizzarre - nihongami.usato vari oggetti - forcine, bastoncini, pettini.Fu allora che anche un semplice pettine kushi si trasforma in un accessorio elegante di straordinaria bellezza, che diventa una vera opera d'arte.Il costume tradizionale delle donne giapponesi no consentire gioielli da polso e collane, quindi le decorazioni per l'acconciatura erano la principale bellezza e campo per l'autoespressione, oltre a dimostrare il gusto e lo spessore della borsa come il proprietario. Sulle incisioni puoi vedere - se guardi da vicino - come le donne giapponesi appendono facilmente fino a venti costosi kanzashi nelle loro acconciature.
Ora c'è una rinascita nella tradizione dell'uso del kanzashi tra le giovani donne giapponesi che desiderano aggiungere raffinatezza ed eleganza alle loro acconciature, i moderni fermagli possono essere adornati solo con uno o due delicati fiori fatti a mano.

- Kinusaiga.
Un fantastico tipo di ricamo dal Giappone. Kinusaiga (絹彩画) è un incrocio tra batik e patchwork. L'idea principale è che i nuovi dipinti siano messi insieme da vecchi kimono di seta - vere opere d'arte.
Innanzitutto, l'artista fa uno schizzo su carta. Quindi questo disegno viene trasferito su una tavola di legno. Il contorno del motivo è tagliato con scanalature o scanalature, quindi piccoli brandelli, abbinati per colore e tono, vengono tagliati dal vecchio kimono di seta, ei bordi di questi brandelli riempiono le scanalature. Quando guardi un'immagine del genere, hai la sensazione di guardare una fotografia, o anche solo di guardare il paesaggio fuori dalla finestra, sono così realistici.

- Temari.
Si tratta di palline ricamate geometriche tradizionali giapponesi realizzate con punti semplici che un tempo erano un giocattolo per bambini e ora sono diventate una forma d'arte con molti fan non solo in Giappone ma in tutto il mondo. Si ritiene che molto tempo fa questi prodotti fossero realizzati dalle mogli dei samurai per l'intrattenimento. All'inizio erano davvero usati come palla per un gioco con la palla, ma gradualmente hanno iniziato ad acquisire elementi artistici, trasformandosi in seguito in ornamenti decorativi. La delicata bellezza di queste palle è conosciuta in tutto il Giappone. E oggi, i prodotti colorati e realizzati con cura sono uno dei tipi di artigianato popolare in Giappone.

- Yubinuki.
Ditali giapponesi, quando si cuce o si ricama a mano, vengono messi sulla falange media del dito medio della mano che lavora, con l'aiuto della punta delle dita viene data all'ago la direzione desiderata e l'ago viene spinto attraverso l'anello al centro dito nel lavoro. Inizialmente, i ditali yubinuki giapponesi erano realizzati in modo abbastanza semplice: una striscia di tessuto denso o pelle larga circa 1 cm in più strati era strettamente avvolta attorno al dito e fissata insieme con alcuni semplici punti decorativi. Dal momento che gli yubinuk lo erano soggetto necessario in ogni casa iniziarono ad essere decorati con ricami geometrici con fili di seta. Dall'intreccio di punti sono stati creati motivi colorati e complessi. Yubinuki da semplice oggetto per la casa si è trasformato anche in oggetto da “ammirare”, decorazione della vita quotidiana.
Gli yubinuki sono ancora usati nel cucito e nel ricamo, ma si possono trovare anche semplicemente indossati sulle mani su qualsiasi dito, come anelli decorativi. Il ricamo in stile Yubinuki viene utilizzato per decorare vari oggetti a forma di anello: portatovaglioli, braccialetti, supporti temari, decorati con ricami yubinuki, e ci sono anche letti ad aghi ricamati nello stesso stile. I motivi Yubinuki possono essere una grande ispirazione per il ricamo temari obi.

- Suibokuga o sumie.
Pittura a inchiostro giapponese. Questo stile di pittura cinese fu adottato dagli artisti giapponesi nel XIV secolo e alla fine del XV secolo. divenne la corrente principale della pittura in Giappone. Suibokuga è monocromatico. È caratterizzato dall'uso dell'inchiostro nero (sumi), una forma solida carbone o fatto dalla fuliggine dell'inchiostro cinese, che viene macinato in un calamaio, diluito con acqua e applicato con un pennello su carta o seta. Monochrome offre al maestro una scelta infinita di opzioni tonali, che i cinesi hanno riconosciuto molto tempo fa come i "colori" dell'inchiostro. Suibokuga a volte consente l'uso di colori reali, ma lo limita a tratti sottili e trasparenti che rimangono sempre subordinati alla linea dell'inchiostro. La pittura a inchiostro condivide con l'arte della calligrafia caratteristiche essenziali come l'espressione strettamente controllata e la padronanza tecnica della forma. La qualità della pittura a inchiostro si riduce, come nella calligrafia, all'integrità e alla resistenza allo strappo della linea tracciata con l'inchiostro, che, per così dire, trattiene l'opera d'arte su se stessa, così come le ossa trattengono su se stesse i tessuti.

- Etegami.
Cartoline disegnate (e - immagine, etichettate - lettera). La creazione di cartoline fai-da-te è generalmente un'attività molto popolare in Giappone e prima delle vacanze la sua popolarità aumenta ancora di più. I giapponesi adorano inviare cartoline ai loro amici e adorano anche riceverle. Questo è un tipo di lettera veloce su spazi vuoti speciali, può essere inviato per posta senza busta. Non in etegami regole speciali o un tecnico, può essere qualsiasi persona senza una formazione specifica. Etagami aiuta a esprimere con precisione lo stato d'animo, le impressioni, questa è una cartolina fatta a mano composta da un'immagine e una breve lettera, che trasmette le emozioni del mittente, come calore, passione, cura, amore, ecc. Mandano queste cartoline per le vacanze e proprio così, raffiguranti le stagioni, le attività, la verdura e la frutta, le persone e gli animali. Più semplice è disegnata questa immagine, più interessante sembra.

- Furoshiki.
Tecnica giapponese di avvolgimento o arte della piegatura del tessuto. Furoshiki è entrato a lungo nella vita dei giapponesi. Antichi rotoli del periodo Kamakura-Muromachi (1185 - 1573) sono stati conservati con immagini di donne che portano sulla testa fagotti di vestiti avvolti in stoffa. Questa interessante tecnica ebbe origine già nel 710 - 794 d.C. in Giappone. La parola "furoshiki" si traduce letteralmente in "tappeto da bagno" ed è un pezzo di stoffa quadrato che veniva utilizzato per avvolgere e trasportare oggetti di ogni forma e dimensione.
Ai vecchi tempi, era consuetudine camminare nei bagni giapponesi (furo) in kimono di cotone leggero, che i visitatori portavano con sé da casa. Il bagnante portava anche un tappeto speciale (shiki) su cui stava in piedi mentre si spogliava. Dopo essersi trasformato in un kimono "da bagno", il visitatore ha avvolto i suoi vestiti in un tappeto e, dopo il bagno, ha avvolto un kimono bagnato in un tappeto per portarlo a casa. Così, il tappetino da bagno è diventato una borsa multifunzionale.
Furoshiki è molto facile da usare: il tessuto prende la forma dell'oggetto che avvolgi e le maniglie facilitano il trasporto del carico. Inoltre, un regalo avvolto non in carta dura, ma in un tessuto morbido e multistrato, acquisisce un'espressività speciale. Esistono molti schemi per piegare il furoshiki per ogni occasione, quotidiana o festiva.

- Amigurumi.
L'arte giapponese di lavorare a maglia o all'uncinetto piccoli animali imbalsamati e creature umanoidi. Gli amigurumi (編み包み, lett.: “avvolti a maglia”) sono spesso simpatici animali (come orsi, coniglietti, gatti, cani, ecc.), omini, ma possono anche essere oggetti inanimati dotati di proprietà umane. Ad esempio, cupcakes, cappelli, borse e altri. Amigurumi è lavorato a maglia o lavorato a maglia o all'uncinetto. Recentemente, gli amigurumi all'uncinetto sono diventati più popolari e più comuni.
lavorato a maglia con filato in un semplice metodo di lavorazione a maglia - a spirale e, a differenza del metodo di lavorazione a maglia europeo, i cerchi di solito non sono collegati. Sono anche lavorati all'uncinetto su una dimensione più piccola rispetto allo spessore del filato per creare un tessuto molto denso senza spazi vuoti per la fuoriuscita dell'imbottitura. Gli amigurumi sono spesso composti da parti e poi assemblati, ad eccezione di alcuni amigurumi, che non hanno arti, ma hanno solo una testa e un busto, che sono un tutt'uno. Gli arti a volte sono riempiti con pezzi di plastica per dare loro peso vivo, mentre il resto del corpo è riempito con fibra.
La diffusione dell'estetica degli amigurumi è facilitata dalla loro dolcezza ("kawaii").