Progetti di città ideali nell'Italia del Rinascimento. Città ideale

introduzione

Il Rinascimento come nuova visione del mondo e nuovo stile artistico emerse in Italia alla fine del XIV secolo. Le prime idee urbanistiche rappresentavano la città come un'unità architettonica secondo un piano prestabilito. Sotto l'influenza di queste idee, invece di vicoli medievali stretti e tortuosi, iniziarono ad apparire nelle città italiane strade dritte e più larghe costruite con grandi edifici.

La disposizione e l'architettura delle piazze durante il Rinascimento presero forma nei secoli XV-XVI. a Roma e altri principali città Italia.

Durante questo periodo, diverse città furono ricostruite qui utilizzando nuovi principi di pianificazione urbana. Nella maggior parte dei casi, i palazzi di tali città erano situati nelle piazze centrali, che a volte rappresentavano l'inizio di composizioni a tre travi.

Le città rinascimentali acquisirono gradualmente nuove caratteristiche sotto l'influenza dei cambiamenti sociali. Tuttavia, a causa della proprietà privata della terra e della tecnologia arretrata, era impossibile spostarsi rapidamente dalla città vecchia a quella nuova. In tutti i periodi del Rinascimento, gli sforzi principali degli urbanisti furono diretti allo sviluppo del centro cittadino: la piazza e i quartieri più vicini. Durante il periodo di massimo splendore degli stati monarchici nel XVIII secolo. gli insiemi delle piazze centrali delle città hanno avuto un'importanza eccezionale come decorazioni principali. Le piazze cittadine avevano per lo più contorni geometricamente corretti.

Se l'architettura delle antiche piazze greche e romane era caratterizzata da colonne e portici, allora per le piazze del periodo rinascimentale i portici divennero elementi nuovi, sviluppandosi parallelamente allo sviluppo di interi sistemi di piazze.

Nella maggior parte delle città medievali, la vegetazione decorativa era assente. I frutteti venivano coltivati ​​​​nei giardini dei monasteri; frutteti o vigneti dei cittadini erano dietro le fortificazioni della città. a Parigi nel XVIII secolo. compaiono vicoli, vegetazione tagliata, parterre di giardini fioriti. Tuttavia, i parchi di palazzi e castelli erano di proprietà privata. I giardini pubblici nella maggior parte delle città europee compaiono solo alla fine del XVIII secolo.

I bacini idrici nel medioevo, in sostanza, costituivano un ostacolo allo sviluppo della città, dividendone i rioni, e servivano a ristretti scopi pratici. Dal 18 ° secolo i fiumi iniziarono ad essere usati come elementi di collegamento delle città e, in condizioni favorevoli, come assi compositivi. Un vivido esempio è il saggio uso urbanistico dei fiumi Neva e Nevka a San Pietroburgo. La costruzione di ponti e la costruzione di argini ha consolidato questa direzione nella pianificazione urbana.

Durante il periodo medievale, lo skyline della città era in gran parte definito dalle guglie appuntite sulle amministrazioni cittadine, sulle chiese e sugli edifici pubblici. La sagoma della città era definita da tante piccole verticali e da alcune dominanti. In connessione con la nuova comprensione artistica della sagoma della città, furono gradualmente eliminati gli alti tetti medievali, gli edifici rinascimentali furono completati con tetti con solai e balaustre.

Con l'aumento della scala degli edifici e delle nuove tipologie di coperture, la sagoma della città è ammorbidita da cupole dai contorni levigati, che hanno ricevuto un ruolo dominante nei panorami delle città. Il loro cambiamento è stato fortemente influenzato da giardini e parchi, i cui alberi nascondono in gran parte gli edifici.

Gli architetti del Rinascimento usarono rigorosi mezzi espressivi nella pianificazione urbana: proporzioni armoniche, la scala di una persona come misura dell'ambiente architettonico circostante.

La lotta ideologica dell'emergente borghesia italiana contro le forme medievali di religione, moralità e diritto si tradusse in un ampio movimento progressista: l'umanesimo. L'umanesimo si basava su principi che affermano la vita civile: il desiderio di liberare la personalità umana dalla costrizione spirituale, la sete di conoscenza del mondo e della persona stessa e, di conseguenza, il desiderio di forme secolari di vita sociale, il desiderio di conoscenza delle leggi e della bellezza della natura, per il miglioramento armonico a tutto tondo dell'uomo. . Questi cambiamenti nella visione del mondo hanno portato a una rivoluzione in tutte le sfere della vita spirituale: arte, letteratura, filosofia, scienza. Nelle loro attività, gli umanisti si basavano in gran parte su antichi ideali, spesso facendo rivivere non solo le idee, ma anche le forme stesse e i mezzi espressivi delle opere antiche. A questo proposito, il movimento culturale dell'Italia nei secoli XV-XVI. chiamata rinascita o risurrezione

La visione umanistica del mondo ha stimolato lo sviluppo dell'individuo, aumentandone l'importanza nella vita pubblica. Lo stile individuale del maestro ha svolto un ruolo crescente nello sviluppo dell'arte e dell'architettura. La cultura dell'umanesimo ha proposto un'intera galassia di brillanti architetti, scultori, artisti, come Brunellesco, Leonardo da Vinci, Bramante, Raffaello, Michelangelo, Palladio e altri.

Sforzarsi di creare immagine perfetta uomo" in combinazione con la ricerca di metodi di sviluppo artistico del mondo ha portato a una sorta di realismo cognitivo del Rinascimento, basato su una stretta unione dell'arte con una scienza in rapido sviluppo. In architettura, la ricerca di forme "ideali" di edifici, basate su una composizione completa e completa, è diventata una delle sue tendenze distintive. Insieme allo sviluppo di nuovi tipi di edifici civili e religiosi, è in corso lo sviluppo del pensiero architettonico, c'è un urgente bisogno di generalizzazioni teoriche dell'esperienza moderna, soprattutto storica e, soprattutto, antica.

Tre periodi del Rinascimento italiano

L'architettura rinascimentale in Italia è divisa in tre periodi principali: primo, alto e tardo. centro architettonico Primo Rinascimento era la Toscana con la città principale - Firenze. Questo periodo copre il secondo quarto e la metà del XV secolo. L'inizio del Rinascimento in architettura è considerato il 1420, quando iniziò la costruzione della cupola sopra il Duomo fiorentino. I risultati costruttivi, che hanno portato alla creazione di un'enorme forma centrica, sono diventati una sorta di simbolo dell'architettura della New Age.

1. Primo Rinascimento

Il primo Rinascimento in architettura è caratterizzato, prima di tutto, dalle forme degli edifici creati dal famoso architetto ingegnere Filippo Brunellesco (prima metà del XV secolo). In particolare, nell'Orfanotrofio di Firenze utilizzò un semicircolare leggero al posto di un arco a sesto acuto. Volta a crociera caratteristica di architettura gotica, iniziò a lasciare il posto a un nuovo design: un caveau a scatola modificato. Tuttavia, le forme ogivali dell'arco continuarono ad essere utilizzate fino alla metà del XVI secolo.

Uno degli edifici eccezionali del Brunellesco era l'enorme cupola della Cattedrale di Santa Maria del Fiore a Firenze, rimasta incompiuta dal XIV secolo.

Nella forma di una grande cupola creata dall'architetto, si nota un'eco dell'arco ogivale gotico. La campata della cupola di questa cattedrale è grande - 42 m. Le volte della cupola, in laterizio, poggiano su una base ottagonale di tronchi rivestiti con lastre di ferro. Grazie alla fortunata collocazione della cattedrale su un colle e alla sua elevata altezza (115 m), la sua parte superiore, in particolare la cupola, conferisce solennità e originalità al panorama architettonico di Firenze.

L'architettura civile occupava un posto significativo nell'architettura del Rinascimento italiano. Comprende principalmente grandi palazzi cittadini (palazzo), che, oltre alle abitazioni, erano destinati ai ricevimenti cerimoniali. I palazzi medievali, abbandonando gradualmente i loro aspri abiti romanici e gotici con l'aiuto di rivestimenti e sculture in marmo, acquisirono un aspetto allegro.

Le caratteristiche delle facciate rinascimentali sono enormi aperture di finestre ad arco separate da colonne, bugnato dei primi piani con pietre, lastre superiori, grandi cornici aggettanti e dettagli finemente tracciati. A differenza delle facciate austere, l'architettura degli interni ben illuminati ha un carattere allegro.

Per la decorazione delle facciate dei palazzi del primo Rinascimento veniva spesso utilizzato il bugnato. Le pietre per bugnato di solito avevano una superficie frontale non lavorata (scheggiata) con un percorso di confine ben tagliato. Il rilievo del bugnato diminuisce con l'aumentare del numero dei piani. Successivamente la decorazione a bugnato si è conservata solo nella lavorazione degli zoccoli e agli angoli degli edifici.

Nel XV sec. Gli architetti italiani usavano spesso l'ordine corinzio. Spesso si sono verificati casi di combinazione di più ordini in un unico edificio: per i piani inferiori - un ordine dorico, e per i piani superiori - una composizione di capitelli, vicina per proporzioni e disegno al tipo ionico.

Uno degli esempi di architettura del palazzo della metà del XV secolo. a Firenze può servire il Palazzo Medici-Ricardi a tre piani, costruito secondo il progetto dell'architetto Michelozzo di Bartolomeo nel periodo 1444-1452, per ordine di Cosimo Medici, sovrano di Firenze. Secondo lo schema della facciata del Palazzo Medici, centinaia di palazzi furono successivamente costruiti in altre città.

Un ulteriore sviluppo della composizione del palazzo è il palazzo Rucchelai a Firenze costruito nel 1446-1451 progettato da Leon Battista Alberti (1404–1472). Come l'antico Colosseo romano, la sua facciata è divisa in piani da ordini con un passaggio dal più semplice ordine dorico nell'ordine inferiore al più sottile e ricco ordine corinzio in quello superiore.

L'impressione di alleggerire l'edificio verso l'alto, creata in Palazzo Medici-Riccardi con l'ausilio del bugnato delle pareti, si esprime qui sotto forma di un sistema di ordini a gradoni che si alleggeriscono verso l'alto. Allo stesso tempo, il grande cornicione di coronamento è correlato non con l'altezza dell'ordine superiore, ma con l'altezza dell'intero edificio, motivo per cui la composizione ha acquisito caratteristiche di completezza e staticità. Nello sviluppo della facciata si conservano ancora motivi tradizionali: bifore derivanti dalla forma medievale delle finestre, bugnato delle pareti, monumentalità generale della nuvola, ecc.

Cappella Pazzi (1430-1443) - un edificio a cupola, situato nel cortile del monastero. Nella composizione della facciata si mostrava una struttura interna sezionata da un ordine su cui dominava il volume dell'aula con cupola su vele. Al colonnato, tagliato lungo l'asse da un arco e completato da un attico finemente sezionato, fanno riscontro lesene a cartello sulla parete interna della loggia, e snodi aggettanti di archi sulla volta.

La corrispondenza degli ordini e la ripetizione di cupolette nella loggia e nella parte dell'altare contribuiscono al collegamento organico della facciata con l'interno. Le pareti interne sono sezionate da paraste piatte, ma evidenziate in colore, che, proseguendo nelle partizioni delle volte, danno un'idea della logica dello spazio edilizio, del sistema tettonico. Sviluppandosi tridimensionalmente, l'ordine sottolinea l'unità e la subordinazione delle parti principali. La "cornice" visiva caratterizza anche lo scollamento della cupola dall'interno, che ricorda in qualche modo la struttura delle volte gotiche nervose. Tuttavia, l'armonia delle forme dell'ordine e la chiarezza della struttura tettonica, l'equilibrio e la commensurabilità con l'uomo parlano del trionfo dei nuovi ideali architettonici sui principi del Medioevo.

Insieme a Brunellesco e Michelozzo da Bartolomeo, anche altri maestri (Rosselino, Benedetto da Maiano, ecc.), La cui opera era principalmente associata alla Toscana e al Nord Italia, giocarono un ruolo importante nello sviluppo della nuova architettura. L'Alberti, che realizzò, oltre al Palazzo Ruccellai, alcune grandi strutture (la facciata della Chiesa di Santa Maria Novella, la Chiesa di Sant'Andrea a Mantova, ecc.), completa questo periodo.

2. Il periodo dell'Alto Rinascimento

Il periodo dell'Alto Rinascimento copre la fine del XV - la prima metà del XVI secolo. A questo punto, a causa dello spostamento delle principali rotte commerciali dal Mediterraneo all'Oceano Atlantico, l'Italia stava vivendo un noto declino economico e una riduzione della produzione industriale. Spesso la borghesia acquistava terreni e si trasformava in usurai e proprietari terrieri. Il processo di feudalizzazione della borghesia è accompagnato da una generale aristocratizzazione della cultura, il baricentro si trasferisce nella cerchia di corte della nobiltà: duchi, principi, papi. Roma diventa il centro della cultura - la residenza dei papi, spesso eletti tra i rappresentanti dell'aristocrazia di mentalità umanistica. A Roma sono in corso enormi lavori di costruzione. In questa impresa, intrapresa dalla corte pontificia per elevare il proprio prestigio, la comunità umanistica visse l'esperienza di far rivivere la grandezza dell'antica Roma, e con essa la grandezza dell'Italia intera. Alla corte, salito al trono nel 1503. L'umanista di Papa Giulio II fu opera degli architetti più importanti - tra cui Bramante, Raffaello, Michelangelo, Antonio da Sangallo e altri.

Nell'architettura di questo periodo, le principali caratteristiche e tendenze del Rinascimento ricevono la loro espressione compiuta. Vengono create le composizioni centriche più perfette. Sta finalmente prendendo forma la tipologia del palazzo urbano, che in questo periodo acquista i connotati di edificio non solo privato, ma anche pubblico, e quindi, in una certa zona, diventa prototipo di molti successivi edifici pubblici. Viene superato il contrasto caratteristico del primo Rinascimento (tra le caratteristiche architettoniche dell'aspetto esterno del palazzo e il suo cortile). Sotto l'influenza di una conoscenza più sistematica e archeologicamente accurata dei monumenti antichi, le composizioni degli ordini diventano più rigorose: insieme a e ordini corinzi, sono ampiamente utilizzati ordini più semplici e monumentali - dorico romano e toscano, e un porticato finemente disegnato su colonne lascia il posto a un porticato di ordine più monumentale.In generale, le composizioni dell'Alto Rinascimento acquistano maggiore significato, rigore e monumentalità.Il problema di creare un insieme urbano regolare è posto su una base reale.Ville di campagna vengono costruite come complessi architettonici integrali.

L'architetto più importante di questo periodo fu Donato d'Angelo Bramante (1444-1514). L'edificio della Cancelleria attribuito al Bramante (il principale ufficio papale) a Roma - uno degli eccezionali edifici del palazzo - è un enorme parallelepipedo con un cortile rettangolare circondato da portici. La composizione armonica delle facciate sviluppa i principi dettati nel Palazzo Ruccellai, ma la struttura ritmica complessiva crea un'immagine più complessa e solenne. Il primo piano, trattato come un seminterrato, ha intensificato il contrasto con un piano leggero. Gli accenti di plastica disposti ritmicamente creati da grandi aperture e plateau che li incorniciano hanno acquisito grande importanza nella composizione. Il ritmo delle articolazioni orizzontali è diventato ancora più chiaro.

Tra gli edifici religiosi del Bramante, spicca una piccola cappella nel cortile del monastero di San Pietro in Montrrio, detta Tempietto. (1502) - un edificio situato all'interno di un cortile piuttosto angusto, che doveva essere circondato da un porticato circolare in pianta.

La cappella è una rotonda a cupola circondata da un colonnato dorico romano. L'edificio si distingue per la perfezione delle proporzioni, l'ordine è interpretato in modo rigoroso e costruttivo. Rispetto agli edifici centrici del primo Rinascimento, dove prevale lo sviluppo murario lineare-planare (Cappella dei Pazzi), il volume del Tempietto è plastico: la sua ordinata plasticità corrisponde all'integrità tettonica della composizione. Il contrasto tra il nucleo monolitico della rotonda e del colonnato, tra la levigatezza del muro e la plasticità di profonde nicchie e lesene sottolinea l'espressività della composizione, la completa armonia e completezza. Nonostante le sue piccole dimensioni, Tempietto dà l'impressione di monumentalità. Già dai contemporanei del Bramante, questo edificio era riconosciuto come uno dei capolavori dell'architettura.

Essendo il capo architetto alla corte di Papa Giulio II, Bramante dal 1505. lavori per ricostruire il Vaticano. Fu concepito un grandioso complesso di edifici cerimoniali e solenni cortili dislocati a diversi livelli, subordinati ad un unico asse, chiuso dalla maestosa esedra del Belvedere. In questo, in sostanza, il primo così grandioso nel design, l'ensemble rinascimentale è stato magistralmente utilizzato tecniche compositive antichi fori romani. residenza papale doveva collegarsi con un altro grandioso edificio di Roma: la Cattedrale di Pietro, per la cui costruzione fu adottato anche il progetto del Bramante. La perfezione della composizione centrica e la grandiosa portata del progetto della Cattedrale di Pietro Bramante danno motivo di considerare quest'opera l'apice dello sviluppo dell'architettura rinascimentale. Il progetto però non era destinato ad essere realizzato in natura: durante la vita del Bramante fu solo iniziata la costruzione della cattedrale, che dal 1546, 32 anni dopo la morte dell'architetto, fu trasferita a Michelangelo.

Partecipò al concorso per la progettazione della Basilica di San Pietro, nonché alla costruzione e tinteggiatura degli edifici del Vaticano, insieme al Bramante grande artista e l'architetto Raffaello Santi, che costruì e dipinse le famose logge del Vaticano, che ricevettero il suo nome ("le logge di Raffaello"), nonché una serie di strutture notevoli, sia nella stessa Roma che fuori di essa (la costruzione e dipinto di Villa Madama a Roma, Palazzo Pandolfini a Firenze ecc.).

Uno dei migliori allievi del Bramante - l'architetto Antonio da Sangallo Jr. - possiede il progetto di Palazzo Farnese a Roma , in una certa misura completò l'evoluzione del palazzo rinascimentale.

Nello sviluppo della sua facciata, non ci sono bugnato tradizionale e articolazioni verticali. Sulla liscia superficie muraria intonacata in laterizio spiccano chiaramente ampie fasce orizzontali che corrono lungo tutta la facciata; come addossate ad esse si aprono finestre con architravi sbalzati a forma di antica “edicola”. Le finestre del primo piano, a differenza dei palazzi fiorentini, hanno le stesse dimensioni delle finestre dei piani superiori. L'edificio fu liberato dall'isolamento della fortezza, ancora insito nei palazzi del primo Rinascimento. In contrasto con i palazzi del XV secolo, dove il cortile era circondato da leggere gallerie ad arco su colonne, qui appare un porticato di ordine monumentale con semicolonne. L'ordine della galleria è in qualche modo più pesante, acquisendo le caratteristiche di solennità e rappresentatività. Lo stretto passaggio tra il cortile e la strada è stato sostituito da un "vestibolo" aperto, che rivela il prospetto del cortile anteriore.

3. Periodo tardo Rinascimento

Il periodo tardo del Rinascimento è solitamente considerato la metà e la fine del XVI secolo. In questo momento, la recessione economica è continuata in Italia. Il ruolo della nobiltà feudale e delle organizzazioni cattoliche della Chiesa è aumentato. Per combattere la riforma e tutte le manifestazioni di uno spirito antireligioso, fu istituita l'Inquisizione. In queste condizioni, gli umanisti iniziarono a sperimentare la persecuzione. Una parte significativa di loro, perseguita dall'Inquisizione, si è trasferita città del nord L'Italia, soprattutto a Venezia, che conservava ancora i diritti di una repubblica indipendente, dove l'influenza della controriforma religiosa non era così forte. A questo proposito, durante il periodo del tardo Rinascimento, le più sorprendenti furono due scuole: quella romana e quella veneziana. A Roma, dove la pressione ideologica della controriforma influenzò fortemente lo sviluppo dell'architettura, insieme allo sviluppo dei principi dell'Alto Rinascimento, c'è un allontanamento dai classici verso composizioni più complesse, una maggiore decoratività, una violazione del chiarezza di forme, scala e tettonicità. A Venezia, nonostante la parziale penetrazione delle nuove tendenze nell'architettura, la base classica della composizione architettonica era più conservata.

Rappresentante di spicco della scuola romana fu il grande Michelangelo Buonarroti (1475-1564). Nelle sue opere architettoniche si pongono le basi di una nuova comprensione della forma, caratteristica di questo periodo, contraddistinta da grande espressività, dinamica ed espressività plastica. La sua opera, svoltasi a Roma ea Firenze, riflette con particolare forza la ricerca di immagini capaci di esprimere la crisi generale dell'umanesimo e l'intima ansia che gli ambienti progressisti della società allora provavano di fronte alle incombenti forze della reazione. Come brillante scultore e pittore, Michelangelo ha saputo trovare mezzi plastici luminosi per esprimere nell'arte la forza interiore dei suoi eroi, il loro conflitto irrisolto. pace della mente, sforzi titanici nella lotta. Nella creatività architettonica, ciò corrispondeva all'accentuata identificazione della plasticità delle forme e della loro intensa dinamica. L'ordine di Michelangelo perdeva spesso il suo significato tettonico, trasformandosi in un mezzo per decorare le pareti, creando masse ingrandite che stupiscono una persona con la loro scala e plasticità. Violando audacemente i principi architettonici familiari al Rinascimento, Michelangelo in una certa misura ne fu il fondatore maniera creativa, successivamente ripreso nell'architettura del barocco italiano opera architettonica Michelangelo si riferisce al completamento dopo la morte del Bramante della Cattedrale di Pietro a Roma. Michelangelo, prendendo come base uno schema centrico vicino alla pianta del Bramante, introdusse nella sua interpretazione nuovi tratti: semplificò la pianta e generalizzò lo spazio interno, rese più massicci i sostegni e le pareti, aggiunse un portico con un solenne colonnato dal lato occidentale facciata. Nella composizione tridimensionale, il pacato equilibrio e la subordinazione degli spazi del progetto bramantesco si traducono nell'accentuato predominio della cupola principale e dello spazio sottocupola. Nella composizione delle facciate, chiarezza e semplicità sono state sostituite da forme plastiche più complesse e ampie, le pareti sono sezionate da cenge e lesene di un grande Ordine corinzio con possente trabeazione e alto attico; tra i pilastri, le aperture delle finestre, le nicchie e vari elementi decorativi (cornici, mensole, sandriks, statue, ecc.) sono posti, per così dire, schiacciati nei pilastri, conferendo alle pareti una plasticità quasi scultorea.

Nella composizione delle Cappelle Medicee la chiesa di San Lorenzo a Firenze (1520), l'interno e le sculture realizzate da Michelangelo si fusero in un unico insieme. Le forme scultoree e architettoniche sono piene di tensione interiore e drammaticità. La loro acuta espressività emotiva prevale sulla base tettonica, l'ordine è interpretato come un elemento della concezione scultorea generale dell'artista.

Uno dei massimi architetti romani del tardo Rinascimento è anche Vignola, autore del trattato "La regola dei cinque ordini di architettura". Le sue opere più significative sono il castello di Caprarola e la villa di papa Giulio II. . In epoca rinascimentale la tipologia della villa conosce un notevole sviluppo legato ad un mutamento del suo contenuto funzionale. Anche all'inizio del XV secolo. era una tenuta di campagna, spesso cinta da mura, e talvolta dotata anche di torri difensive. Entro la fine del XV secolo. la villa diviene luogo di villeggiatura per cittadini facoltosi (Villa Medici presso Firenze), e dal XVI secolo. diventa spesso residenza di grandi feudatari e di alto clero. La villa perde la sua intimità e assume il carattere di una struttura frontale-assiale frontale, aperta alla natura circostante.

La villa di Papa Giulio II è un esempio di questo tipo. La sua composizione rigorosamente assiale e rettangolare scende in cenge lungo il fianco della montagna, creando un complesso gioco di spazi aperti, semiaperti e chiusi situati a diversi livelli. La composizione è influenzata dagli antichi fori romani e dalle corti vaticane.

I maestri eccezionali della scuola veneziana del tardo Rinascimento furono il Sansovino, che costruì l'edificio della Biblioteca di San Marco a Venezia (iniziata nel 1536) - una componente importante del notevole complesso del centro veneziano, e più brillante rappresentante scuola classica Rinascimento - architetto Palladio.

L'attività di Andrea Palladio (1508 - 1580) proseguì principalmente nella città di Vicenza, non lontano da Venezia, dove costruì palazzi e ville, così come a Venezia, dove costruì principalmente edifici ecclesiastici. Il suo lavoro in numerosi edifici fu una reazione alle tendenze anticlassiche del tardo Rinascimento. Cercando di mantenersi pulito principi classici, Palladio fa affidamento sulla ricca esperienza acquisita nel processo di studio del patrimonio antico. Sta cercando di far rivivere non solo forme d'ordine, ma interi elementi e persino tipi di edifici del periodo antico. Il portico dell'ordine strutturalmente veritiero diventa il tema principale di molte delle sue opere.

A Villa Rotonda , costruito vicino a Vicenza (iniziato nel 1551), il maestro raggiunse un'eccezionale integrità e armonia della composizione. Poste su un colle e ben visibili da lontano, le quattro facciate della villa porticata su tutti i lati, insieme alla cupola, formano una chiara composizione centrica.

Al centro c'è una sala rotonda a cupola, da cui le uscite conducono sotto i portici. Ampie scalinate porticate collegano l'edificio con la natura circostante. La composizione centrica riflette le aspirazioni generali degli architetti rinascimentali per l'assoluta completezza della composizione, la chiarezza e la geometricità delle forme, la connessione armoniosa delle singole parti con il tutto e la fusione organica dell'edificio con la natura.

Ma questo schema di composizione "ideale" è rimasto unico. Nella realizzazione vera e propria di numerose ville, Palladio prestò maggiore attenzione allo schema cosiddetto tripartito, costituito dal volume principale e da ballatoi di ordine ad un piano che si estendevano da esso ai lati, che servivano a comunicare con i servizi della tenuta e organizzando il cortile antistante la facciata della villa. Fu questo schema di una casa di campagna che in seguito ebbe numerosi seguaci nella costruzione di palazzi padronali.

In contrasto con il libero sviluppo dei volumi delle ville di campagna, i palazzi urbani del Palladio hanno solitamente una composizione austera e laconica con un fronte principale monumentale e di grandi dimensioni. L'architetto utilizza ampiamente un grande ordine, interpretandolo come una sorta di sistema "colonna - parete". Un esempio lampante– palazzo Capitanio (1576), le cui pareti sono trattate con colonne di grande ordine composito con trabeazione possente e sciolta. Il piano superiore, ampliato sotto forma di sovrastruttura (piano sottotetto), conferiva all'edificio completezza e monumentalità,

Palladio utilizzò largamente nei suoi palazzi cittadini anche la suddivisione in due ordini delle facciate con ordini, nonché un ordine posto su un alto basamento bugnato, tecnica utilizzata prima dal Bramante e poi largamente utilizzata nell'architettura classicista.

Conclusione

L'architettura moderna, nella ricerca delle forme della propria manifestazione stilistica, non nasconde di utilizzare il patrimonio storico. Il più delle volte si riferisce a quei concetti teorici e principi di modellatura che in passato hanno raggiunto la massima purezza stilistica. A volte sembra addirittura che tutto ciò che il XX secolo ha vissuto prima stia tornando in una nuova forma e si ripeta rapidamente.

Gran parte di ciò che una persona apprezza in architettura fa appello non tanto a un'analisi scrupolosa delle singole parti di un oggetto, ma alla sua immagine sintetica, integrale, alla sfera della percezione emotiva. Ciò significa che l'architettura è arte o, comunque, contiene elementi d'arte.

A volte l'architettura è chiamata la madre delle arti, nel senso che la pittura e la scultura si sono sviluppate per lungo tempo in un legame organico inscindibile con l'architettura. L'architetto e l'artista hanno sempre avuto molto in comune nel loro lavoro, e talvolta andavano d'accordo in una persona. L'antico scultore greco Fidia è giustamente considerato uno dei creatori del Partenone. Il grazioso campanile della cattedrale principale di Firenze, Santa Maria del Fiore, fu costruito "su disegno" del grande pittore Giotto. Michelangelo, che fu altrettanto grande come architetto, scultore e pittore. Raffaello ha anche agito con successo nel campo dell'architettura. Il loro contemporaneo, il pittore Giorgio Vasari, costruì la via degli Uffizi a Firenze. Una tale sintesi del talento dell'artista e dell'architetto si è trovata non solo tra i titani del Rinascimento, ma ha anche segnato il nuovo tempo. Gli artisti applicati, l'inglese William Morris e il belga Van de Velde, hanno dato un grande contributo allo sviluppo architettura moderna. Corbusier era un pittore di talento e Alexander Vesnin un brillante artista teatrale. artisti sovietici K. Malevich e L. Lissitzky hanno sperimentato in modo interessante la forma architettonica, e il loro collega e contemporaneo Vladimir Tatlin è diventato l'autore del leggendario progetto della 111 International Tower. L'autore del famoso progetto del Palazzo dei Soviet, l'architetto B. Iofan, è giustamente considerato il coautore della scultura "Worker and Collective Farm Girl" insieme alla straordinaria artista sovietica Vera Mukhina.

La rappresentazione grafica e l'impaginazione tridimensionale sono i mezzi principali con cui l'architetto cerca e difende le sue decisioni. La scoperta della prospettiva lineare nel Rinascimento ha influenzato attivamente il concetto spaziale dell'architettura di questo tempo. In definitiva, la comprensione della prospettiva lineare ha portato al collegamento della piazza, delle scale, dell'edificio in un'unica composizione spaziale, e successivamente all'emergere di giganteschi complessi architettonici di barocco e alto classicismo. Molti anni dopo, gli esperimenti degli artisti cubisti hanno avuto una grande influenza sullo sviluppo della creazione di forme architettoniche. Hanno cercato di rappresentare un oggetto da diversi punti di vista, di ottenere la sua percezione tridimensionale sovrapponendo più immagini, di espandere le possibilità della percezione spaziale introducendo una quarta dimensione: il tempo. Questa percezione tridimensionale è servita come punto di partenza per la ricerca formale dell'architettura moderna, che ha opposto allo schermo piatto della facciata un intricato gioco di volumi e piani liberamente collocati nello spazio.

La scultura e la pittura non si sono subito indipendenti dall'architettura. All'inizio erano solo elementi struttura architettonica. Ci è voluto più di un secolo perché il dipinto si separasse dal muro o dall'iconostasi. Alla fine del Rinascimento, in Piazza della Signoria a Firenze, le sculture si affollano ancora timidamente intorno ai palazzi, come se temesse di rompere completamente con le facciate. Michelangelo è il primo a erigere una statua equestre al centro di Piazza del Campidoglio a Roma. L'anno è il 1546. Da allora, il monumento, la scultura monumentale acquisisce i diritti di un elemento indipendente della composizione, organizzando lo spazio urbano. È vero, la forma scultorea continua ancora per qualche tempo a vivere sulle pareti della struttura architettonica, ma queste ultime tracce del "lusso antico" scompaiono gradualmente da esse.

Corbusier afferma questa composizione dell'architettura moderna con la sua caratteristica certezza: “Non riconosco né la scultura né la pittura come decorazione. Ammetto che entrambi possono evocare emozioni profonde nello spettatore nello stesso modo in cui la musica e il teatro ti influenzano - tutto dipende dalla qualità del lavoro, ma sono decisamente contrario alla decorazione. D'altra parte, guardando un'opera architettonica, e in particolare la piattaforma su cui è eretta, vedi che certi luoghi dell'edificio stesso e attorno ad esso sono certi intensi luoghi matematici che risultano essere, per così dire, la chiave alle proporzioni dell'opera e del suo ambiente. Questi sono i luoghi della massima intensità, ed è in questi luoghi che può essere realizzato lo scopo definito dell'architetto - sia sotto forma di una piscina, o di un blocco di pietra, o di una statua. Possiamo dire che in questo luogo si riuniscono tutte le condizioni perché si pronunci un discorso, il discorso di un artista, il discorso plastico.

L'urbanistica e la città come oggetto di particolare studio attirarono l'interesse di molti importanti architetti. Meno significativo è considerato il contributo dell'Italia nel campo dell'urbanistica concreta. All'inizio del XV secolo. le città-comuni dell'Italia centro-settentrionale erano già organismi architettonici consolidati. Inoltre, le repubbliche e le tirannie del XV e XVI secolo. (escludendo i più grandi - come Firenze, Milano, Venezia e, ovviamente, la Roma papale) non disponeva di fondi sufficienti per creare nuovi grandi complessi, tanto più che tutta l'attenzione continuava a essere rivolta alla costruzione o al completamento delle cattedrali, come principale centro religioso della città. Pochi sviluppi urbani integrali, come il centro di Pienza, combinano le nuove tendenze con le tradizioni costruttive medievali.

Tuttavia, il punto di vista generalmente accettato sottovaluta in qualche modo i cambiamenti avvenuti nei secoli XV-XVI. nelle città italiane. Insieme ai tentativi di comprendere teoricamente ciò che è già stato praticamente fatto nel campo dell'urbanistica, si possono notare anche i tentativi di mettere in pratica le idee teoriche urbanistiche esistenti. Così, ad esempio, è stato costruito a Ferrara nuova zona con una rete stradale regolare; un tentativo di creare contemporaneamente un organismo urbano integrale è stato fatto nelle città di Bari, Terra del Sole, Castro, e anche in alcune altre.

Se nel Medioevo l'aspetto architettonico della città si formava nel processo di creatività e attività edilizia dell'intera popolazione della città, allora nel Rinascimento l'edilizia urbana rifletteva sempre più le aspirazioni dei singoli committenti e architetti.

Con la crescente influenza delle famiglie più ricche, le loro esigenze e gusti personali influenzarono sempre più l'aspetto architettonico della città nel suo insieme. Di grande importanza nella costruzione di palazzi, ville, chiese, tombe, logge era il desiderio o di perpetuare e glorificare se stessi, o la competizione in ricchezza e splendore con i vicini (Gonzaga - d'Este, d'Este - Sforza, ecc.) e l'invariabile desiderio di vivere lussuosamente. Insieme a questo, i clienti hanno mostrato una certa preoccupazione per il miglioramento della città, stanziando fondi per la ricostruzione dei suoi complessi, per la costruzione di edifici pubblici, fontane, ecc.

Una parte significativa della costruzione del palazzo e del tempio cadde durante gli anni della crisi economica associata alla perdita dei mercati orientali e fu realizzata a scapito della ricchezza già raccolta, apparsa durante il periodo del declino dell'artigianato e commercio di capitale improduttivo. Nella costruzione furono coinvolti i più famosi e famosi architetti, artisti, scultori, che ricevettero ingenti fondi per la realizzazione del lavoro loro affidato e poterono, soddisfacendo le esigenze personali dei clienti, mostrare maggiormente la loro individualità creativa.

Ecco perché le città italiane del Rinascimento sono ricche di complessi architettonici originali e dissimili. Tuttavia, trattandosi di opere della stessa epoca con visioni estetiche consolidate, questi insiemi si basavano su principi generali di composizione.

Le nuove esigenze dell'organizzazione volumetrica e spaziale della città e dei suoi elementi poggiavano su una percezione significativa e critica delle tradizioni medievali, sullo studio dei monumenti e delle composizioni dell'antichità. I criteri principali erano la chiarezza dell'organizzazione spaziale, la combinazione logica del principale e del secondario, l'unità proporzionale delle strutture e degli spazi che le circondano, l'interconnessione dei singoli spazi e tutto questo su una scala commisurata a una persona. nuova cultura del Rinascimento, dapprima leggermente, e poi sempre più attivamente penetrato nell'urbanistica. La città medievale, che era la base delle città del Rinascimento, non poteva essere modificata in modo significativo, quindi sul suo territorio furono eseguiti solo lavori di ricostruzione, furono costruiti edifici pubblici e privati ​​​​separati, che a volte richiedevano alcuni lavori di pianificazione; la crescita della città, che subì un certo rallentamento nel XVI secolo, avvenne solitamente a scapito dell'espansione del suo territorio.

Il Rinascimento non introdusse cambiamenti evidenti nella pianificazione delle città, ma ne modificò significativamente l'aspetto volumetrico e spaziale, risolvendo in modo nuovo una serie di problemi urbanistici.

Fig. 1. Ferrara. Pianta schematica della città: 1 - Castello d'Este; 2 - Piazza Ariosto; 3 - Certosa; 4 - Chiesa di Santa Maria Nuova degli Aldigieri; 5 - Chiesa di San Giuliano; c - Chiesa di San Benedetto; 7 - Chiesa di San Francesco; 8 - Palazzo dei Diamanti; 9 - cattedrale

Fig.2. Verona. Pianta schematica della città: 1 - Chiesa di San Zeno; 2 - Chiesa di San Bernardino; 3 - zona degli ospedali e Forte San Spirito; 4 - Gran Guardia Vecchia; 5 - Castello Vecchio; 6 - Palazzo Malfatti; 7 - zona delle Erbe; 8 - Piazza dei Signori; 9 - Piazza Santa Anastasia; 10 - cattedrale; 11 - palazzo vescovile; 12 - antico anfiteatro; 13 - il palazzo di Pompei; 14 - Palazzo Bevilacqua

Uno dei primi esempi di un nuovo assetto a cavallo dei secoli XV-XVI. Ferrara può servire (Fig. 1). La sua parte settentrionale fu edificata secondo il progetto di Biagio Rossetti (menzionato 1465-1516). Le linee principali della nuova rete viaria collegavano le porte d'ingresso delle fortificazioni da lui costruite. Gli incroci delle strade erano punteggiati da palazzi (Palazzo dei Diamanti, ecc.) e chiese eretti dallo stesso architetto o sotto la sua diretta supervisione. Rimase intatto il centro medievale con il castello d'Este cinto da fossato, il Palazzo del Comune e altri edifici dei secoli XII-XV, nonché l'attigua parte commerciale e artigianale della città. La parte nuova della città, edificata in direzione d'Este con case di un certo numero di piani, assunse un carattere più laico, aristocratico, e le sue strade larghe e diritte con palazzi e chiese rinascimentali diedero a Ferrara un aspetto diverso dalla città medievale. Non c'è da stupirsi che Burckhardt abbia scritto che Ferrara è la prima città moderna d'Europa.

Ma anche senza la progettazione di nuove aree, i costruttori del Rinascimento con la più grande arte utilizzarono tutti gli elementi di miglioramento e le piccole forme architettoniche della città, dai canali ai portici, fontane e lastricati ( Un esempio caratteristico, risalente al XV secolo, è un pozzo nella piazza del duomo di Pienza; nel XVI secolo si complica il ruolo della fontana negli insiemi (ad esempio, le fontane installate dal Vignola a Roma, Viterbo e nelle ville situate nelle loro vicinanze ) - per il miglioramento generale e l'arricchimento estetico dell'aspetto architettonico anche di piccoli centri o singoli complessi. In diverse città, come Milano, Roma, le strade furono raddrizzate e allargate.

I canali venivano costruiti non solo per l'irrigazione dei campi, ma anche nelle città (per la difesa, il trasporto, l'approvvigionamento idrico, la protezione dalle inondazioni, per la produzione - lavaggio della lana, ecc.), dove costituivano un sistema ben pianificato (Milano), spesso includendo dighe e chiuse, e associati a strutture difensive urbane (Verona, Mantova, Bologna, Livorno, ecc., Fig. 2, 3, 5, 21).

I portici stradali, rinvenuti anche nel Medioevo, si estendevano talvolta lungo intere strade (Bologna, Fig. 4) o lungo i lati della piazza (Firenze, Vigevano, Fig. 7).

Il Rinascimento ci ha lasciato meravigliosi complessi urbani e insiemi, che possono essere suddivisi in due gruppi principali: insiemi che si sono sviluppati storicamente (appartengono principalmente al XV secolo) e insiemi creati in un'epoca o in più periodi di costruzione, ma secondo il progetto di un architetto , a volte completamente completato nel Rinascimento (principalmente nel XVI secolo).

Un notevole esempio di ensemble del primo gruppo è l'ensemble di Piazza San Marco e Piazzetta a Venezia.

Nella prima metà del XV sec. furono costruite parti del Palazzo Ducale, affacciate sia sulla Piazzetta che sul Canale San Marco. All'inizio dello stesso secolo risale la pavimentazione marmorea di Piazza San Marco, che successivamente la unì alla Piazzetta. All'inizio del XVI sec. i lavori di ricostruzione della piazza centrale della città attirarono gli architetti più in vista: Bartolomeo Bon aumentò l'altezza del campanile da 60 a 100 m e lo incoronò con una copertura a tenda; Pietro Lombardo ed altri costruiscono le Procure Antiche e Torre dell'orologio; nel 1529 vengono tolti gli stalli dalla Piazzetta, che apre una veduta della laguna e del monastero di San Giorgio Maggiore. La Piazzetta svolge un ruolo importante come passaggio spaziale dalla vastità della laguna alla piazza centrale, sottolineandone le dimensioni e il significato compositivo nella struttura della città. Poi il Sansovino allarga la piazza verso sud, collocando l'edificio della Biblioteca da lui costruita sulla Piazzetta, a 10 metri dal campanile, e costruisce ai piedi della torre della Loggetta. Entro la fine del XVI secolo. Scamozzi erige Nuove Procurazioni. Tuttavia, il lato occidentale della piazza fu completato solo all'inizio del XIX secolo.

Lo sviluppo di Piazza San Marco sulle sponde della laguna all'imbocco del Canal Grande è dovuto sia funzionalmente - alla comodità di consegnare le merci nel luogo delle principali fiere veneziane sia allo sbarco degli ospiti d'onore davanti al palazzo e la cattedrale - e artisticamente: la piazza principale, antistante la città, si apre solennemente a chi si avvicina dal mare ed è come il salone dei ricevimenti della città; Come l'insieme delle piazze dell'antica Mileto, Piazza San Marco mostrava agli arrivi quanto fosse ricca e bella la capitale della Serenissima.

Un nuovo atteggiamento nei confronti della costruzione come parte del tutto, la capacità di collegare gli edifici con lo spazio circostante e trovare una combinazione contrastante e reciprocamente vantaggiosa di diverse strutture ha portato alla creazione di uno dei migliori complessi non solo del Rinascimento, ma anche dell'architettura mondiale.

L'alta cultura architettonica di Venezia si manifesta anche negli insiemi via via emergenti di piazza Santi Giovanni e Paolo (con il monumento Colleoni del Verrocchio) e del centro commerciale della città.

Piazza della Signoria a Firenze, così come il complesso delle piazze centrali a Bologna, dove a quel tempo si erano sviluppate interessanti tradizioni urbanistiche, possono servire da esempio del coerente sviluppo dell'insieme.

Fig.5. Bologna. Pianta schematica della città: 1 - Zona Malpighi; 2 - Piazza Ravenyan; 3 - Piazza Maggiore; 4 - area di Nettuno; 5 - Piazza dell'Arcijinnacio; 6 - Chiesa di San Petronio; 7 - Palazzo Pubblico; 8 - Palazzo Legata; 9 - Palazzo del Podestà; 10 - portico dei Banki; 11 - Palazzo dei Notai; 12 - Palazzo dell'Arciginnasio; 13 - Palazzo del Re Enzo; 14 - Mercanzia; 15 - Palazzi Isolani; 16 - Chiesa di San Giacomo; 17 - casa Grassi; 18-Palazzo Fava; 19 - Palazzo Armorini; 20-Collegio di Spagna; 21 - Palazzo Bevilacqua; 22 - Palazzo Tanari

La planimetria di Bologna ha conservato le impronte della sua storia secolare (Fig. 5). Il centro cittadino risale all'epoca dell'accampamento militare romano. Le strade radialmente divergenti delle regioni orientale e occidentale si svilupparono nel Medioevo, collegando le antiche porte (non conservate) con le porte delle nuove fortificazioni (XIV secolo).

Il primo sviluppo della produzione corporativa di pregiati mattoni rosso scuro e dettagli costruttivi in ​​terracotta, e la diffusione di portici lungo i lati di molte strade (furono costruiti prima del XV secolo), diedero agli edifici cittadini una notevole comunanza. Queste caratteristiche si svilupparono anche nel Rinascimento, quando il Comune dedicò grande attenzione all'edilizia (vedi i progetti modello di case per le periferie sviluppate per decisione del Consiglio, con primitivi portici che dovevano ripiegarsi in arcate stradali - Fig. 6) .

Piazza Maggiore, situata nel cuore della città vecchia, su cui si affacciano l'imponente Palazzo Pubblico a forma di castello, che unisce una serie di edifici pubblici del comune medievale, e la cattedrale - nei secoli XV e XVI. ricevette un collegamento organico con la via principale attraverso Piazza Nettuno (la fontana che le diede il nome fu realizzata da G. da Bologna nel XVI secolo) e mutò notevolmente il suo aspetto nello spirito del nuovo stile: nel XV secolo. Qui lavorò Fioravante, ricostruì il Palazzo del Podestà, e nel XVI secolo. - Vignola, unendo gli edifici sul lato orientale della piazza con una facciata comune con porticato monumentale (portico dei Banki).

Il secondo gruppo di insiemi, completamente subordinato a un unico disegno compositivo, comprende principalmente complessi architettonici del XVI secolo e successivi.

Piazza Santissima Annunziata a Firenze, nonostante il carattere uniforme del suo sviluppo, è un esempio di insieme di tipo intermedio, poiché non è stato concepito da un maestro. Tuttavia, il porticato semplice, leggero e insieme monumentale dell'Orfanotrofio del Brunellesco (1419-1444) determinò l'aspetto della piazza; analogo porticato si ripeteva sul lato ovest davanti al monastero dei Servi di Maria (Sangallo il Vecchio e Baccio d'Agnolo, 1517-1525). Il successivo portico antistante la Chiesa della Santissima Annunziata (Giovanni Caccini, 1599-1601) sopra i due laterali e insieme al monumento equestre di Ferdinando I (G. da Bologna, 1608) e alle fontane (1629) testimonia un nuovo tendenza negli insiemi edilizi: sottolineare il ruolo della chiesa e identificare l'asse compositivo dominante.

Con l'accumularsi della ricchezza, i rappresentanti più influenti della giovane borghesia cercarono di guadagnarsi il riconoscimento dei propri concittadini abbellendo la propria città natale, e allo stesso tempo esprimere il proprio potere attraverso l'architettura, costruendo per sé magnifici palazzi, ma anche donando denaro per la ricostruzione e anche il completo rifacimento della loro chiesa parrocchiale, e poi la costruzione di altri edifici della parrocchia. Così, ad esempio, intorno ai palazzi dei Medici e dei Rucellai a Firenze sorsero peculiari gruppi di edifici; la prima comprendeva, oltre al palazzo, la chiesa di S. Pancrazio.

Dall'erezione di un gruppo di edifici di questo tipo, mancava solo un passo alla creazione, a spese del "padre della città", di un intero insieme che decorava la città natale.

Un esempio di tale ricostruzione è il Centro di Fabriano, dove papa Niccolò V si trasferì con il suo entourage durante la peste a Roma. La ricostruzione di Fabriano fu affidata nel 1451 a Bernardo Rosselino. Senza modificare la configurazione della piazza centrale, rimasta ancora chiusa in epoca medievale, Rosselino cerca di razionalizzarne un po' lo sviluppo, chiudendo i lati con portici. L'inquadratura della piazza con loggiati, focalizzando l'attenzione del pubblico sul severo Palazzo Podestà coronato da merli, indica che questo antico edificio civile rimane il principale su di esso, nonostante l'arrivo del papa in città. La ricostruzione del Centro Fabriano è uno dei primi tentativi urbanistici del Rinascimento di organizzare lo spazio della piazza secondo il principio della regolarità.

Altro esempio di ricostruzione una tantum della piazza centrale e dell'intera città è Pienza, dove fu realizzata solo una parte dei lavori previsti dallo stesso Bernardo Rosselino.

Piazza Pienza, con una netta divisione degli edifici ivi collocati, in principali e secondari, con un tracciato regolare e un voluto allargamento del territorio della piazza verso il duomo per creare spazio libero attorno ad esso, con pavimentazione a disegno che separa l'attuale trapezio piazza dalla strada che la costeggia, con un'accurata cromia di tutti gli edifici che la incorniciano, è uno degli insiemi più caratteristici e conosciuti del XV secolo.

Un esempio interessante è la costruzione regolare della piazza a Vigevano (1493-1494). La piazza su cui sorge il duomo e si trovava l'ingresso principale del Castello Sforzesco era circondata da un porticato continuo, sul quale si stendeva un'unica facciata, decorata con pitture e terrecotte colorate (Fig. 7).

L'ulteriore sviluppo degli insiemi andava nella direzione di aumentare il loro isolamento dalla vita pubblica della città, poiché ciascuno di essi era subordinato a un compito particolare e risolto con una spiccata individualità, separandolo dall'ambiente. Piazze del XVI secolo non erano più le piazze pubbliche delle città comuni del primo Rinascimento, destinate a sfilate, processioni e feste. Nonostante la complessità delle composizioni spaziali, le prospettive molto aperte, hanno svolto principalmente il ruolo di un vestibolo aperto di fronte all'edificio principale. Come nel Medioevo, anche se con diversa organizzazione spaziale e modalità compositive di costruzione, la piazza è stata nuovamente subordinata all'edificio, l'edificio principale dell'insieme.

Tra i primi insiemi del Cinquecento, in cui le tecniche compositive precedentemente delineate furono consapevolmente applicate in un unico progetto, sono il complesso del Belvedere nel Vaticano papale, poi il piazzale antistante Palazzo Farnese a Roma (la pianta dell'insieme prevedeva un ponte non realizzato sul Tevere), il Campidoglio romano e il complesso dell'ampliamento di Palazzo Pitti con il Giardino di Boboli a Firenze.

La rettangolare piazza Farnese, completata a metà del XVI secolo, così come il palazzo, iniziato da Antonio de Sangallo il Giovane e completato da Michelangelo, sono interamente sottoposti al principio della costruzione assiale, che non è stata ancora completata nel Complesso Santissima Annunziata.

Tre brevi strade parallele da Campo di Fiori conducono a Piazza Farnese, la cui parte centrale è più ampia di quelle laterali, il che, per così dire, predetermina la simmetria dell'insieme. Il portale di Palazzo Farnese coincide con l'asse del portale del giardino e con il centro della loggia posteriore. La composizione dell'insieme fu completata dalla collocazione di due fontane (il Vignola prese per esse vasche in bronzo dalle terme di Caracalla), poste simmetricamente rispetto all'ingresso principale e alquanto spostate sul lato orientale della piazza. Una tale disposizione delle fontane, per così dire, libera spazio davanti al palazzo, trasformando la piazza del paese in una sorta di atrio davanti alla residenza di una potente famiglia (cfr. la piazza centrale di Vigevano).

Uno degli esempi più notevoli di complesso architettonico non solo cinquecentesco. in Italia, ma anche in tutta l'architettura mondiale, c'è la Piazza del Campidoglio a Roma, realizzata secondo il progetto di Michelangelo ed esprimendo il significato socio-storico di questo luogo (Fig. 9).

La posizione centrale del Palazzo dei Senatori con la sua torre e la doppia scalinata, la forma trapezoidale della piazza e la rampa di accesso ad essa, la simmetria dei palazzi laterali, infine, il disegno pavimentale della piazza e la posizione centrale del scultura equestre - tutto ciò ha rafforzato il significato dell'edificio principale e dell'asse dominante dell'insieme, ha sottolineato l'importanza e la posizione autosufficiente di questa piazza nella città, da cui un'ampia veduta di Roma si estendeva ai piedi del collina aperta. La divulgazione di un lato della piazza, il suo orientamento chiaramente espresso verso la città, subordinando contemporaneamente lo spazio della piazza all'edificio principale: questa è una nuova caratteristica introdotta da Michelangelo nell'architettura degli insiemi urbani.

Le opere che modificarono significativamente Roma, resuscitandola dalle rovine del Medioevo, ebbero un impatto significativo sull'architettura d'Italia e di tutta Europa. Gli insiemi del Rinascimento, sparsi nel territorio dell'antica capitale, furono molto più tardi coperti dalla città e inclusi come suoi elementi in un unico sistema, ma furono l'ossatura che determinò l'ulteriore organizzazione architettonica e spaziale di Roma nel suo insieme .

Le rovine dell'antica città hanno predeterminato la scala e la monumentalità delle strade e degli edifici posati dei principali complessi. Gli architetti hanno studiato e padroneggiato i principi delle regolari composizioni urbanistiche antiche. I nuovi modi nella pianificazione urbana si basavano su una ricerca consapevole di layout migliori, più convenienti e razionali, su ricostruzioni ragionevoli di vecchi edifici, su una sintesi ponderata di belle arti e architettura (Fig. 9, 10).

Gli eccezionali architetti del Rinascimento - Brunellesco, Alberti, Rosselino, Leonardo da Vinci, Bramante, Michelangelo - concepirono una serie di grandiose trasformazioni delle città. Ecco alcuni di questi progetti.

Nel 1445, ricorrendo l'anniversario del 1450, furono programmati a Roma importanti lavori di ricostruzione del Borgo. Gli autori del progetto (Rosselino e, forse, Alberti) avrebbero provveduto alle strutture difensive e al miglioramento della città, alla ricostruzione dei rioni del Borgo e di alcune chiese. Ma il progetto ha richiesto molti soldi ed è rimasto insoddisfatto.

Leonardo da Vinci fu testimone della disgrazia che colpì Milano: la peste del 1484-1485, che uccise più di 50mila abitanti. La diffusione della malattia è stata facilitata dal sovraffollamento, dal sovraffollamento e dalle condizioni antigeniche della città. L'architetto propose un nuovo assetto di Milano all'interno della cinta muraria ampliabile, dove sarebbero rimasti solo i cittadini importanti, obbligati a ricostruire i propri possedimenti. Contemporaneamente, secondo Leonardo, nei pressi di Milano avrebbero dovuto essere fondate venti città minori con 30.000 abitanti e 5.000 case ciascuna. Leonardo lo riteneva necessario: "Per separare questa immensa folla di persone che, come pecore in un gregge, diffondono un cattivo odore e sono terreno fertile per epidemie e morte". Gli schizzi di Leonardo comprendevano strade su due livelli, viadotti sugli accessi dalla campagna, un'estesa rete di canali che assicuravano un costante rifornimento di acqua dolce alle città e molto altro ancora (Fig. 11).

Negli stessi anni Leonardo da Vinci lavorò ad un progetto per la ricostruzione, o meglio, la radicale ristrutturazione di Firenze, racchiudendola in un decaedro regolare di mura e disponendo lungo il suo diametro, utilizzando un fiume, un grandioso canale, di pari larghezza all'Arno (Fig. 12). Il progetto di questo canale, che comprendeva una serie di dighe e piccoli canali di deviazione che servivano a irrigare tutte le strade della città, era chiaramente di natura utopica. Nonostante l'insediamento sociale (immobiliare) proposto da Leonardo in città, l'architetto cercò di creare condizioni di vita salubri e confortevoli per tutti gli abitanti di Firenze.

Dopo un incendio che distrusse il mercato vicino al Ponte di Rialto a Venezia nel 1514, Fra Giocondo creò un progetto per la ricostruzione di quest'area. L'isola quadrangolare, incorniciata da canali, aveva forma quadrangolare e doveva essere edificata lungo il perimetro con botteghe a due piani. Al centro c'era una piazza con quattro porte ad arco ai lati. La centralità della composizione è stata sottolineata dalla chiesa di San Matteo posta al centro.

Le proposte di Fra Giocondo dal punto di vista urbanistico erano interessanti e nuove, ma rimasero insoddisfatte.

Michelangelo, difendendo la libertà della sua amata Firenze e volendo, a quanto pare, preservare lo spirito di democrazia, così insito in essa in precedenza, propose un progetto per la ricostruzione del suo centro. Con ogni probabilità, i centri pubblici dell'antichità, che erano i peristili della politica, servirono da prototipo per la nuova piazza.

Michelangelo intendeva circondare la piazza della Signoria di gallerie nascondendo tutti i palazzi, le camere di commercio, le corporazioni e le officine precedentemente costruiti e sottolineando con la loro uniformità la grandiosità del palazzo della Signoria. La scala gigantesca della loggia dei Lanzi, che avrebbe dovuto servire da motivo per il porticato di queste gallerie, e le monumentali volte ad arco delle strade che si affacciano sulla piazza, corrispondevano all'ambito dei fori romani. I duchi di Firenze non avevano bisogno di tale ristrutturazione, più importante fu la costruzione degli Uffizi con passaggi dall'amministrazione del ducato - Palazzo Vecchio - agli alloggi personali dei regnanti - Palazzo Pitti. Anche il progetto del grande maestro non è stato realizzato.

Gli esempi di progetti sopra riportati, così come il lavoro svolto, indicano che stava gradualmente maturando una nuova idea di città nel suo insieme: un insieme in cui tutte le parti sono interconnesse. Il concetto di città si sviluppò parallelamente all'affermarsi dell'idea di uno stato centralizzato, di autocrazia, che potesse, nelle nuove condizioni storiche, dar vita ad una ragionevole riqualificazione delle città. Nello sviluppo dell'urbanistica si esprimeva chiaramente la specificità della cultura rinascimentale, dove arte e scienza erano indissolubilmente saldate insieme, il che predeterminava il realismo dell'arte della nuova era. Essendo uno dei tipi più importanti di attività sociale, l'urbanistica richiedeva agli architetti del Rinascimento significative conoscenze scientifiche, tecniche e artistiche specifiche. La riqualificazione delle città fu in gran parte associata alla mutata tecnica di combattimento, all'introduzione delle armi da fuoco e dell'artiglieria, che costrinse alla ricostruzione delle strutture difensive di quasi tutte le città medievali. Una semplice cinta muraria, che solitamente seguiva il terreno, fu sostituita da mura con bastioni, che determinarono il perimetro stellare della cinta muraria.

Città di questo tipo compaiono a partire dal secondo terzo del XVI secolo, e testimoniano il felice sviluppo del pensiero teorico.

Il contributo dei maestri del Rinascimento italiano alla teoria dell'urbanistica è molto significativo. Nonostante l'inevitabile utopismo nella formulazione di questi problemi nelle condizioni di allora, furono comunque sviluppati con grande coraggio e completezza in tutti i trattati e documenti teorici del XV secolo, per non parlare delle fantasie urbane nelle arti visive. Tali sono i trattati del Filarete, dell'Alberti, di Francesco di Giorgio Martini e persino il romanzo fantastico di Polifilo Hypnerotomachia (pubblicato nel 1499) con i loro schemi di una città ideale; tali sono i numerosi appunti e disegni di Leonardo da Vinci.

I trattati rinascimentali di architettura e urbanistica nascevano dall'esigenza di soddisfare le esigenze di riorganizzazione urbana e si appoggiavano alle conquiste tecnico-scientifiche e alle visioni estetiche del loro tempo, nonché allo studio delle opere di recente scoperta di pensatori antichi, in primis Vitruvio.

Vitruvio considerava la pianificazione e lo sviluppo delle città in termini di comfort, salute e bellezza, coerente con le nuove visioni del Rinascimento.

Le ricostruzioni attuate ei progetti non realizzati di trasformazioni urbane stimolarono anche lo sviluppo della scienza urbanistica. Tuttavia, le difficoltà di trasformazioni fondamentali nelle città già costituite d'Italia hanno dato alle teorie urbane un carattere utopico.

Teorie e progetti urbani città ideali Il Rinascimento può essere suddiviso in due fasi principali: dal 1450 al 1550 (da Alberti a Pietro Cataneo), quando i problemi dell'urbanistica furono considerati in modo molto ampio ed esaustivo, e dal 1550 al 1615 (da Bartolomeo Ammanati a Vincenzo Scamozzi), quando cominciarono a prevalere questioni difensive e allo stesso tempo estetiche.

Trattati e progetti di città nel primo periodo hanno prestato molta attenzione alla selezione delle aree per l'ubicazione delle città, ai compiti della loro riorganizzazione generale: il reinsediamento dei residenti lungo linee professionali e sociali, pianificazione, miglioramento e sviluppo. Altrettanto importante in questo periodo fu la soluzione dei problemi estetici e l'organizzazione architettonica e spaziale sia dell'intera città nel suo insieme che dei suoi elementi. A poco a poco, verso la fine del XV secolo, fu data sempre più importanza alle questioni di difesa generale e alla costruzione di fortificazioni.

Giudizi ragionevoli e convincenti sulla scelta dell'ubicazione delle città erano del tutto inapplicabili nella pratica, poiché raramente venivano costruite nuove città, inoltre, in luoghi predeterminati dallo sviluppo economico o dalla strategia.

I trattati degli architetti ei loro progetti esprimono la nuova visione del mondo dell'epoca che li ha partoriti, dove l'importante è prendersi cura di una persona, ma una persona eletta, nobile e ricca. La stratificazione di classi della società rinascimentale diede quindi origine a una scienza che serviva a vantaggio della classe possidente. Per il reinsediamento dei "nobili" furono assegnate le zone migliori della città ideale.

Il secondo principio dell'organizzazione dell'area urbana è l'insediamento di gruppo professionale del resto della popolazione, che indica una significativa influenza delle tradizioni medievali sui giudizi degli architetti del XV secolo. Gli artigiani di professioni affini dovevano vivere molto vicini l'uno all'altro e la loro residenza era determinata dalla "nobiltà" del loro mestiere o professione. Nella zona centrale vicino alla piazza principale potevano abitare mercanti, cambiavalute, gioiellieri, usurai; i costruttori navali e gli operai dei cavi avevano il diritto di stabilirsi solo nei quartieri periferici della città, dietro la tangenziale; muratori, fabbri, sellai, ecc. dovevano essere costruiti vicino alle porte d'ingresso della città. Gli artigiani, necessari per tutti i segmenti della popolazione, come parrucchieri, farmacisti, sarti, dovevano essere distribuiti uniformemente in tutta la città.

Il terzo principio dell'organizzazione della città era la distribuzione del territorio in complessi residenziali, industriali, commerciali, pubblici. Hanno previsto la loro ragionevole connessione tra loro, e talvolta una combinazione, per il servizio più completo della città nel suo insieme e l'uso dei suoi dati economici e naturali. Questo è il progetto della città ideale del Filarete - "Sforzinda".

La pianificazione delle città, secondo i teorici dell'urbanistica, doveva essere necessariamente regolare. A volte gli autori hanno scelto una radiale-circolare (Filarete, F. di Giorgio Martini, Fra Giocondo, Antonio da Sangallo Jr., Francesco de Marchi, Fig. 13), talvolta ortogonale (Martini, Marchi, Fig. 14), e una serie di di autori hanno proposto progetti combinando entrambi i sistemi (Peruzzi, Pietro Cataneo). Tuttavia, la scelta del layout di solito non era un evento meccanico puramente formale, poiché la maggior parte degli autori lo determinava principalmente dalle condizioni naturali: terreno, presenza di corpi idrici, un fiume, venti prevalenti, ecc. (Fig. 15).

Solitamente la piazza principale si trovava al centro della città, prima con il castello, poi con al centro il municipio e la cattedrale. Le aree commerciali e religiose di importanza distrettuale nelle città radiali erano situate all'intersezione di strade radiali con una delle tangenziali o tangenziali della città (Fig. 16).

Il territorio della città doveva essere paesaggistico, secondo gli architetti che hanno creato questi progetti. Il sovraffollamento e le condizioni antigeniche delle città medievali, il dilagare di epidemie che distrussero migliaia di cittadini, fecero pensare al riordino degli edifici, all'approvvigionamento idrico di base e alla pulizia della città, al suo massimo recupero, almeno all'interno delle mura cittadine. Gli autori di teorie e progetti proponevano di disinnescare gli edifici, di raddrizzare le strade, di posare canali lungo quelli principali, consigliavano di inverdire in ogni modo strade, piazze e argini.

Così, nell'immaginaria “Sforzinda” del Filarete, le strade dovevano avere una pendenza verso la periferia della città per il deflusso dell'acqua piovana e lo scarico con l'acqua del bacino del centro cittadino. Furono previsti canali di navigazione lungo le otto strade radiali principali e attorno alle piazze, che assicuravano il silenzio della parte centrale della città, dove doveva essere vietato l'ingresso ai veicoli su ruote. Le strade radiali dovevano essere sistemate, mentre quelle principali (larghe 25 m) erano incorniciate da gallerie lungo i canali.

Le idee urbane di Leonardo da Vinci, espresse nei suoi numerosi schizzi, parlano di un approccio eccezionalmente ampio e audace ai problemi della città e allo stesso tempo indicano soluzioni tecniche specifiche a questi problemi. Stabilì quindi il rapporto tra l'altezza degli edifici e gli spazi tra loro per la migliore insolazione e ventilazione, sviluppò strade con traffico a diversi livelli (inoltre, quelle superiori - illuminate dal sole e libere dal traffico - erano destinate alla "ricco").

Antonio da Sangallo il Giovane nel suo progetto proponeva uno sviluppo perimetrale di quartieri con uno spazio interno paesaggistico ben ventilato. Qui, a quanto pare, sono state sviluppate le idee di miglioramento e miglioramento del territorio urbano, espresse da Leonardo da Vinci.

Gli schizzi delle case nella città ideale di Francesco de Marcha sono chiaramente influenzati da epoche precedenti, o meglio, conservano il carattere dell'edificio che prevale nelle città del Rinascimento, ereditato dal Medioevo - stretto, case a più piani con i piani superiori spostati in avanti (vedi Fig. 16).

Insieme ai problemi funzionali e utilitaristici indicati, gli architetti del XV e dell'inizio del XVI secolo hanno avuto un posto considerevole nei progetti di città ideali. sono anche occupati da questioni estetiche dell'organizzazione volume-spaziale della città. Nei trattati gli autori tornano ripetutamente sul fatto che la città dovrebbe essere decorata con belle strade, piazze e singoli edifici.

Parlando di case, strade e piazze, l'Alberti ha più volte ricordato che dovrebbero essere coordinate tra loro sia nelle dimensioni che nell'aspetto. F. di Giorgio Martini scriveva che tutte le parti della città dovrebbero essere organizzate con prudenza, che dovrebbero essere in relazione tra loro, simili a parti del corpo umano.

Le strade delle città ideali erano spesso incorniciate da portici con complessi passaggi ad arco ai loro incroci, che, oltre ad essere funzionali (riparo dalla pioggia e dal sole cocente), avevano un aspetto pulito valore artistico. Lo testimoniano le proposte dell'Alberti, il progetto di una città ovale e la piazza rettangolare centrale della città di F. de Marchi e altri (vedi Fig. 14).

A partire dalla fine del XV secolo, la tecnica della composizione centrica delle città (Fra Giocondo) acquistò via via sempre più importanza nell'opera degli architetti che lavoravano agli schemi delle città ideali. L'idea della città come un unico organismo, soggetto a un piano comune, entro il XVI secolo. domina la teoria dell'urbanistica.

Un esempio di tale soluzione è la città ideale del Peruzzi, cinta da due mura e costruita secondo uno schema radiale, con una circonvallazione autostradale dal disegno particolare a forma di quadrato. Le torri difensive, poste sia agli angoli che al centro della composizione, esaltano la centralità del luogo non solo dell'edificio principale, ma dell'intera città nel suo insieme.

Il quadro della città ideale di Antonio da Sangallo il Giovane, con le sue mura stellate e le strade radiali con una comune strada ad anello, ricorda la città del Filarete. Tuttavia, la piazza rotonda con un edificio rotondo al centro è un ulteriore sviluppo delle idee dei predecessori di Antonio da Sangallo jr. e, per così dire, continua l'idea di una composizione centrica in relazione alla città. Questo non era né nella città radiale di Filaret (il centro è un complesso di piazze rettangolari disposte asimmetricamente), né nelle città radiali e serpentine di Francesco di Giorgio Martini.

L'ultimo rappresentante dei teorici del Rinascimento, che coprì esaurientemente tutte le questioni dell'urbanistica, fu Pietro Cataneo, famoso costruttore fortificazioni, dal 1554 iniziò a pubblicare in parti il ​​suo trattato di architettura. Cataneo elenca cinque condizioni fondamentali che, a suo avviso, devono essere considerate nella progettazione e costruzione della città: il clima, la fertilità, la comodità, la crescita e la migliore difesa. Dal punto di vista della difesa, l'autore del trattato considera le città poligonali le più appropriate, sostenendo che la forma della città è un derivato della dimensione del territorio che occupano (più piccola è la città, più semplice è la sua configurazione ). Tuttavia, lo spazio interno della città, indipendentemente dalla sua configurazione esterna, Cataneo si compone di blocchi residenziali rettangolari e quadrati. Domina anche su di lui l'idea dell'autocrazia: per il sovrano della città, Cataneo prevedeva la creazione di un castello tranquillo e ben protetto, sia dai nemici interni che esterni.

Dalla metà del XVI sec. i temi dell'urbanistica e delle città ideali non furono più oggetto di opere speciali, ma furono oggetto di trattati sull'argomento problemi generali architettura. In questi trattati variano i metodi già noti di pianificazione e composizione volumetrica. Nella seconda metà del XVI sec. il lato puramente esteriore del disegno del progetto e del disegno dei dettagli diventa quasi fine a se stesso (Buonayuto Lorini, Vasari). A volte sono stati sviluppati solo singoli elementi della città senza tener conto del suo schema generale (Ammanati). Le stesse tendenze sono delineate dalla metà del XVI secolo. e nella pratica della pianificazione urbana.

Il trattato di architettura del Palladio (1570) è l'ultima opera teorica del Quattrocento, che contiene molti giudizi interessanti e profondi anche sull'urbanistica. Come l'Alberti, Palladio non si è lasciato alle spalle un progetto di città ideale, e nel suo trattato esprime solo auspici su come debbano essere progettate e costruite le strade, come debbano essere le piazze della città e che impressione ne abbiano i singoli edifici e gli ensemble dovrebbero fare.

Gli ultimi rappresentanti degli urbanisti italiani furono Vasari il Giovane e Scamozzi.

Giorgio Vasari il Giovane, nella creazione del suo progetto di città (1598), mise in primo piano i compiti estetici. Nella sua pianta generale spiccano in rilievo i principi di regolarità e stretta simmetria (Fig. 17).

All'inizio del XVII secolo. (1615) Vincenzo Scamozzi si dedicò al disegno delle città ideali. Si può presumere che nel progettare la città, a differenza del Vasari, sia partito da considerazioni di fortificazione. L'autore regola in una certa misura sia l'insediamento della città che la sua organizzazione commerciale e artigianale. Tuttavia l'impianto dello Scamozzi è ancora meccanicistico, non organicamente connesso né con la forma della pianta dodecagonale né con lo schema delle strutture difensive. Questo è solo uno schema ben disegnato del piano generale. Il rapporto tra le dimensioni delle aree, ciascuna separatamente e in confronto tra loro, non è stato trovato. Il disegno manca del sottile proporzionamento che Vasari ha nel progetto. Le piazze della città di Scamozzi sono troppo grandi, per cui l'intero schema perde la sua scala, contro la quale Palladio ha messo in guardia, dicendo che la piazza della città non dovrebbe essere troppo spaziosa. Va notato che nel comune di Sabbioneta, alla cui progettazione e sviluppo partecipò attivamente Scamozzi, per conto del Gonzago, la scala delle strade e delle piazze fu scelta in modo molto convincente. Scamozzi aderisce allo stesso metodo di composizione della piazza centrale, delineato da Lupicini e Lorini. Non la edifica, ma colloca gli edifici principali sul territorio dei quartieri attigui alla piazza, in modo che si affacciano sulla piazza con le loro facciate principali. Tale tecnica è tipica del Rinascimento ed è legittimata dai teorici urbani e negli schemi delle città ideali.

Durante il periodo di generale declino economico e crisi sociale della metà del XVI secolo. problemi secondari cominciano a prevalere nella teoria della pianificazione urbana. Una considerazione globale dei problemi della città sta gradualmente uscendo dal campo visivo dei maestri. Hanno risolto problemi particolari: la composizione delle aree periferiche (Ammanati), nuovo sistema sviluppo del centro (Lupicini, Lorini), attento sviluppo del disegno delle strutture difensive e dell'impianto generale (Maggi, Lorini, Vasari), ecc. scienza e pratica urbana, si sta preparando anche il declino professionale, espresso nel formalismo estetico e nell'arbitrarietà di alcune decisioni progettuali.

Gli insegnamenti teorici del Rinascimento sull'urbanistica, nonostante la loro natura utopica, ebbero tuttavia una certa influenza sulla pratica dell'urbanistica. Era particolarmente evidente durante la costruzione di fortificazioni in piccoli porti e città-fortezze di confine, che furono costruite in Italia nel XVI e anche nel XVII secolo. in un lasso di tempo estremamente breve.

Alla costruzione di queste fortezze parteciparono quasi tutti i più importanti architetti di questo periodo: Giuliano e Antonio da Sangallo il Vecchio, Sanmicheli, Michelangelo e molti altri. Tra le numerose fortezze erette da Antonio da Sangallo il Giovane, si segnala la città di Castro sul Lago di Bolsena, edificata nel 1534-1546. per ordine di Papa Paolo III (Alessandro Farnese). Il Sangallo progettò e realizzò l'intera città, mettendo in risalto e collocando soprattutto i palazzi del papa e del suo entourage, edifici pubblici con ampi loggiati, una chiesa, una zecca. Per il resto, secondo Vasari, riuscì anche a creare amenità sufficienti. Castro fu distrutto nel 1649 ed è noto principalmente dai bozzetti del maestro.

La composizione centrica delle città ideali non fu ignorata dagli architetti che crearono grandi complessi architettonici, dove doveva dominare la residenza del feudatario. Così la città di Caprarola fu creata dal Vignola, infatti - solo l'approccio al Palazzo Farnese. Strade strette, case basse, piccole chiese - come ai piedi del magnifico castello di Farnese. L'angustia e la modestia della città sottolineano l'imponenza e la monumentalità del palazzo. Questo schema logicamente semplice esprime con la massima chiarezza l'intenzione dell'autore, che è riuscito a mostrare il principale e il secondario sulla combinazione contrastante, così comune nell'architettura del Rinascimento.

Quasi contemporaneamente a Malta, che apparteneva all'Ordine dei Cavalieri di Malta dal 1530, gli italiani costruirono la città fortificata di La Valletta, fondata in onore della vittoria sui Turchi (1566). La città fu fondata su un promontorio bagnato da baie profondamente incise nel territorio dell'isola e protetto da forti che incorniciavano gli ingressi al porto. Dal punto di vista della difesa, il territorio della città è stato ragionevolmente scelto al massimo grado. La cinta di fortificazioni era costituita da possenti mura e alti bastioni, circondati da profondi fossati scavati nella roccia su cui poggiava la città. Nelle strutture difensive furono predisposte uscite direttamente a mare e fu creato un porto interno artificiale nella parte nord-orientale, racchiuso in una cinta muraria. La pianta rettangolare inizialmente concepita non fu pienamente attuata, poiché la città aveva un fondamento roccioso, che rendeva difficile tracciare le strade e costruire le case stesse (Fig. 18).

Da nord-est a sud-ovest, la città era attraversata dalla principale strada longitudinale che andava dalla porta principale sulla terraferma alla piazza antistante la cittadella di La Valletta. Parallelamente a questa strada principale, su entrambi i lati erano disposte simmetricamente altre tre strade longitudinali, intersecate da strade trasversali poste perpendicolarmente a quelle principali; non erano percorribili, in quanto scale scavate nella roccia. La disposizione delle strade è stata realizzata in modo tale che dalle autostrade longitudinali fosse possibile osservare da ogni incrocio lungo quattro strade che si intersecano ad angolo retto l'aspetto del nemico, cioè uno dei principi fondamentali alla base del disegno dell'ideale città è stata qui pienamente osservata, in particolare espressa dall'Alberti.

La rigidità geometrica della pianta è stata ammorbidita dalla forma complessa delle strutture difensive e dalla collocazione di alcuni piccoli blocchi, la cui dimensione dipendeva dallo spazio libero nelle aree periferiche della città, a causa della complessità del rilievo costiero e la posizione delle mura della città. La Valletta fu costruita quasi contemporaneamente con edifici residenziali molto simili di uguale altezza, con un piccolo numero di finestre a forma di feritoia. L'edificio correva lungo il perimetro dei quartieri e il resto del territorio dei blocchi residenziali era paesaggistico. Le case d'angolo avevano necessariamente torri residenziali, dotate di piattaforme difensive, dove veniva immagazzinata una scorta di pietre e altri mezzi di protezione contro l'irruzione nemica in città.

Infatti, La Valletta è stata una delle prime città ideali del Rinascimento, quasi completamente realizzate. Il suo aspetto generale indica che le condizioni naturali specifiche, gli obiettivi di una strategia specifica, la comoda comunicazione con i porti e molte altre condizioni direttamente dettate dalla vita, hanno reso necessario costruire una città non sotto forma di uno schema astratto con uno schema bizzarro di piazze e incroci, ma sotto forma di uno schema razionale ed economico, significativamente adeguato alle esigenze della realtà in corso di costruzione.

Nel 1564 Bernardo Buontalenti costruì al confine settentrionale della Romagna (vicino a Forlì) la città fortificata di Terra del Sole, esempio di realizzazione di una città ideale rinascimentale a pianta regolare. I contorni delle fortificazioni, la pianta stessa della città, l'ubicazione del centro sono vicini ai disegni del Cataneo (Fig. 19).

Bernardo Buontalenti fu uno dei più importanti urbanisti e fortificatori del suo tempo, che riuscì a risolvere in modo completo il problema della costruzione di una città fortificata. La sua visione complessiva della città come un unico organismo è confermata anche dal suo lavoro a Livorno.

La forma a stella della fortezza, i canali di circonvallazione, la pianta ortogonale, la costruzione assiale della piazza principale, incorniciata da loggiati e soglia del duomo, tutto ciò indica che Livorno è la realizzazione della città ideale del Rinascimento. Solo la presenza di una linea tortuosa della costa e il dispositivo del porto violano in qualche modo la correttezza geometrica dello schema ideale (Fig. 20, 21).

Fig.22. A sinistra - Palma Nuova, 1595; a destra - Grammikele (fotografia aerea)

Una delle ultime città ideali del Rinascimento realizzate in natura è la città fortificata veneziana nord-orientale di Palma Nuova. L'autore del progetto è sconosciuto (presumibilmente Lorini o Scamozzi). Secondo Merian, un geografo tedesco del XVII secolo, Palma Nuova fu fondata dai veneziani nel 1593 e completata nel 1595.

La pianta generale della città, circondata da possenti strutture difensive, è uno schema radiale delle città ideali del Rinascimento (Fig. 22) e, secondo il disegno, è la più vicina al progetto Lorini del 1592.

La pianta di Palma Nuova è a nove angoli con diciotto strade radiali che conducono ad una circonvallazione situata molto vicino al centro; sei di esse si affacciano sulla piazza esagonale principale. L'abilità dell'autore del progetto è evidente nel posizionamento delle strade, grazie alle quali l'accostamento dell'esagono del perimetro esterno delle mura e dell'esagono della piazza centrale della città sembra del tutto organico.

Davanti a ciascun bastione e porta d'ingresso sono state progettate dodici piazze e, all'incrocio della terza circonvallazione con strade radiali che non conducono alla piazza centrale, sono state create altre sei piazze intracomunali.

Se il tracciato delle strade di Palma Nuova fu eseguito quasi esattamente secondo il progetto, allora furono erette strutture difensive molto più potenti del previsto. Lo sviluppo della città non è del tutto regolare e molto vario, ma ciò non viola l'ordine interno insito in Palma Nuova.

La centralità della composizione è sottolineata dai mezzi più semplici: la piazza esagonale è fiancheggiata dal verde e ha al centro un pennone al posto dell'edificio principale non edificato, sul quale erano orientati gli assi di tutte le strade radiali che si affacciano sulla piazza.

Sotto l'influenza delle teorie urbanistiche del Rinascimento, fu creato il tracciato di Grammikele in Sicilia, posato a forma di esagono nel 1693 (Fig. 22).

In generale, la storia dell'urbanistica italiana dei secoli XV-XVI, che ci ha lasciato numerosi complessi architettonici di importanza mondiale e molti complessi minori e centri urbani ricchi di fascino unico, presenta ancora un quadro piuttosto variegato.

Fino alla seconda metà del XV secolo, mentre le città godevano ancora di una certa indipendenza, le tradizioni del Medioevo erano forti nell'urbanistica, sebbene gli architetti cercassero di dare alle città esistenti un aspetto nuovo, solitamente più regolare.

Dalla metà del XV secolo. Accanto al cliente pubblico, rappresentato dalla città, sta assumendo sempre più importanza il cliente individuale, che ha i mezzi, il potere, il gusto e le esigenze individuali. L'esecutore testamentario non era più un'officina, ma un architetto. Ancor più del cliente, aveva la sua individualità, un talento particolare, un certo credo creativo e poteri significativi da parte del cliente. Pertanto, nonostante una maggiore unità economica, sociale e culturale rispetto al Medioevo, le città d'Italia di quel periodo sono molto individuali e dissimili.

Dal secondo quarto del XVI secolo. Con lo sviluppo degli stati centralizzati, con lo snellimento dell'idea di autocrazia, si delineano sempre più chiaramente i requisiti per la città come organismo integrale.

Per tutto questo tempo, parallelamente alle attività pratiche degli architetti che costruivano solo per ordine degli anziani, si sviluppava la scienza dell'urbanistica, espressa, di regola, nei trattati sulle città ideali, sulle loro fortificazioni, sulla bellezza della loro composizione , e su molte altre questioni correlate. Tuttavia, queste idee non sono state sempre tradotte in realtà, quindi l'urbanistica si è praticamente sviluppata in due direzioni: la costruzione di numerosi grandi complessi nelle città esistenti e la costruzione di città fortezza nei territori più vulnerabili dei singoli stati e ducati d'Italia.

Fin dall'inizio del Rinascimento, ogni elemento della città e dell'insieme è stato pensato in modo complesso, non solo dal punto di vista funzionale, ma anche artistico.

Semplicità e chiarezza dell'organizzazione spaziale - quadrati rettangolari, spesso di rapporti multipli, incorniciati da gallerie (Carpi, Vigevano, Firenze - Piazza Santissima Annunziata); selezione logica della cosa principale, quando, senza perdere la loro individualità, tutti gli edifici dell'insieme si sono formati in una composizione integrale (Pienza, Bologna, Venezia); uniformità proporzionale e su larga scala delle strutture e degli spazi che le circondano, sottolineando il significato di una particolare struttura (messa in scena della cattedrale di Pienza, una piazza trapezoidale di fronte alla cattedrale di Venezia); divisione e combinazione di singoli spazi, tra loro interconnessi e subordinati (le piazze centrali di Bologna, Piazza della Signoria a Firenze, Piazzetta, Piazza San Marco a Venezia); la diffusione di fontane, sculture e piccole forme (colonne in Piazzetta, pennoni davanti al duomo e il monumento al Colleoni a Venezia, il monumento al Gattamelate a Padova, la fontana del Nettuno a Bologna, il monumento a Marco Aurelio sul il Campidoglio a Roma) - questi sono i principali metodi di composizione dell'insieme architettonico, ampiamente utilizzati durante il Rinascimento in Italia. E, sebbene la vita non consentisse un radicale crollo e ristrutturazione delle città esistenti, gli insiemi centrali di molte di esse ricevettero un nuovo aspetto veramente rinascimentale.

A poco a poco, i maestri del Rinascimento iniziarono a tendere all'uniformità nello sviluppo di interi complessi (Firenze, Vigevano, Carpi, Venezia, Roma) e andarono oltre, complicando la composizione architettonica e spaziale e risolvendo i complessi problemi di includere nuovi insiemi rappresentativi in l'edificio della città (Campidoglio, Cattedrale di San Pietro).

Nella seconda metà del XVI sec. è apparsa una nuova comprensione dell'insieme: nasce attorno a una struttura, di regola, con una costruzione simmetrica. La semplicità e la chiarezza delle vecchie composizioni vengono gradualmente sostituite da sofisticati metodi di organizzazione architettonica e spaziale. La piazza è sempre più interpretata come un vestibolo aperto, come uno spazio subalterno, che si apre davanti agli edifici rappresentativi della nobiltà feudale o alla chiesa. Infine, c'è il desiderio di tenere conto del movimento dello spettatore e, di conseguenza, di introdurre nuovi elementi di sviluppo dinamico nell'ensemble (Campidoglio a Roma) - una tecnica sviluppata già nell'era successiva.

Anche nelle teorie urbane sviluppate dagli architetti del Rinascimento sono in atto cambiamenti. Se nel XV e nella prima metà del XVI sec. queste teorie coprirono il problema della città in modo completo, poi nella seconda metà del XVI secolo. gli autori si soffermano prevalentemente su temi particolari, senza perdere, però, l'idea della città come organismo unico.

Vediamo che il Rinascimento ha dato slancio non solo allo sviluppo di idee urbanistiche, ma anche alla costruzione pratica di città più convenienti e sane, città preparate per un nuovo periodo di esistenza, per un periodo di sviluppo capitalista. Ma la breve durata di quest'era, il rapido declino economico e l'intensificarsi della reazione feudale, l'instaurazione di un regime monarchico in numerose aree e le conquiste straniere interruppero questo sviluppo.

Capitolo “Esiti dello sviluppo dell'architettura italiana nei secoli XV-XVI”, sezione “Architettura rinascimentale in Italia”, enciclopedia “Storia generale dell'architettura. Volume V. Architettura dell'Europa occidentale secoli XV-XVI. Rinascimento". Caporedattore: V.F. Marcuson. Autori: V.F. Markuzon (Risultati dello sviluppo dell'architettura), T.N. Kozina (Urbanistica, città ideali), A.I. Opochinskaya (Ville e giardini). Mosca, Stroyizdat, 1967

All'inizio del XV secolo ci furono enormi cambiamenti nella vita e nella cultura in Italia. Dal XII secolo i cittadini, i mercanti e gli artigiani d'Italia hanno condotto un'eroica lotta contro la dipendenza feudale. Sviluppando il commercio e la produzione, i cittadini si arricchirono gradualmente, abbandonarono il potere dei signori feudali e organizzarono città-stato libere. Queste libere città italiane divennero molto potenti. I loro cittadini erano orgogliosi delle loro conquiste. L'enorme ricchezza delle città italiane indipendenti le fece fiorire. La borghesia italiana guardava il mondo con occhi diversi, credeva fermamente in se stessa, nella propria forza. Erano estranei al desiderio di sofferenza, umiltà, rifiuto di tutte le gioie terrene che finora erano state loro predicate. Crebbe il rispetto per la persona terrena che gode delle gioie della vita. Le persone hanno iniziato ad assumere un atteggiamento attivo nei confronti della vita, esplorare con entusiasmo il mondo, ammirarne la bellezza. Durante questo periodo nascono varie scienze, si sviluppa l'arte.

In Italia sono stati conservati molti monumenti dell'arte dell'antica Roma, quindi l'era antica è stata nuovamente venerata come modello, l'arte antica è diventata oggetto di ammirazione. Imitazione dell'antichità e ha dato motivo di chiamare questo periodo nell'arte - rinascita che significa in francese "Rinascimento". Certo, questa non era una ripetizione cieca ed esatta dell'arte antica, era già arte nuova, ma basata su modelli antichi. Il Rinascimento italiano si divide in 3 fasi: VIII - XIV secolo - Pre-rinascimento (proto-rinascimento o Trecento- con esso.); XV secolo - Primo Rinascimento (Quattrocento); fine 15° - inizio 16° secolo - alto rinascimento.

Scavi archeologici sono stati effettuati in tutta Italia, alla ricerca di monumenti antichi. Le statue, le monete, gli utensili, le armi appena scoperte sono state accuratamente conservate e raccolte in musei appositamente creati per questo scopo. Gli artisti hanno studiato su questi campioni dell'antichità, li hanno disegnati dalla natura.

Trecento (pre-rinascimento)

Il vero inizio del Rinascimento è associato al nome Giotto di Bondone (1266? - 1337). È considerato il fondatore della pittura rinascimentale. Il fiorentino Giotto ha dato grandi contributi alla storia dell'arte. Era un rinnovatore, l'antenato di tutta la pittura europea dopo il Medioevo. Giotto ha dato vita alle scene evangeliche, ha creato immagini di persone reali, spiritualizzate, ma terrene.

Giotto per la prima volta crea volumi con l'ausilio del chiaroscuro. Gli piacciono i colori puliti e chiari in tonalità fredde: rosa, grigio perla, viola pallido e lilla chiaro. Le persone negli affreschi di Giotto sono tozze, dal passo pesante. Hanno grandi tratti del viso, zigomi larghi, occhi stretti. Il suo uomo è gentile, premuroso, serio.

Delle opere di Giotto, gli affreschi nei templi di Padova sono meglio conservati. Ha presentato le storie del Vangelo qui come esistenti, terrene, reali. In queste opere racconta i problemi che preoccupano le persone in ogni momento: la gentilezza e la comprensione reciproca, l'inganno e il tradimento, la profondità, il dolore, la mansuetudine, l'umiltà e l'eterno amore materno divorante.

Invece di singole figure disparate, come nella pittura medievale, Giotto è riuscito a creare una storia coerente, un'intera narrazione sulla complessa vita interiore dei personaggi. Invece di uno sfondo dorato convenzionale mosaici bizantini, Giotto introduce uno sfondo paesaggistico. E se nella pittura bizantina le figure, per così dire, si libravano, erano sospese nello spazio, allora gli eroi degli affreschi di Giotto trovavano un terreno solido sotto i loro piedi. La ricerca di Giotto per il trasferimento dello spazio, la plasticità delle figure, l'espressività del movimento hanno reso la sua arte un intero palcoscenico nel Rinascimento.

Uno di maestri famosi pre-risveglio -

Simone Martini (1284 - 1344).

Nella sua pittura si sono conservate le caratteristiche del gotico settentrionale: le figure di Martini sono allungate e, di regola, su fondo dorato. Ma Martini crea immagini con l'aiuto del chiaroscuro, conferisce loro un movimento naturale, cerca di trasmettere un certo stato psicologico.

Quattrocento (primo Rinascimento)

L'antichità ha svolto un ruolo enorme nella formazione della cultura secolare del primo Rinascimento. Apre a Firenze l'Accademia Platonica, la biblioteca Laurenziana contiene la più ricca collezione di manoscritti antichi. Il primo musei d'arte pieno di statue, frammenti di architetture antiche, marmi, monete, ceramiche. Nel Rinascimento spiccavano i principali centri della vita artistica d'Italia: Firenze, Roma, Venezia.

Uno dei centri più grandi, culla di un'arte nuova e realistica, fu Firenze. Nel XV secolo vi abitarono, studiarono e lavorarono molti famosi maestri del Rinascimento.

Architettura del primo Rinascimento

Gli abitanti di Firenze avevano un'alta cultura artistica, parteciparono attivamente alla creazione di monumenti cittadini e discussero le opzioni per la costruzione di splendidi edifici. Gli architetti abbandonarono tutto ciò che somigliava al gotico. Sotto l'influenza dell'antichità, gli edifici coronati da una cupola iniziarono a essere considerati i più perfetti. Il modello qui era il Pantheon romano.

Firenze è una delle città più belle del mondo, una città-museo. Ha conservato quasi intatta la sua architettura dall'antichità, i suoi edifici più belli sono stati per lo più costruiti durante il Rinascimento. Sopra i tetti di mattoni rossi degli antichi edifici di Firenze si erge l'enorme edificio del Duomo della città Santa Maria del Fiore, spesso chiamato semplicemente Duomo di Firenze. La sua altezza raggiunge i 107 metri. Una magnifica cupola, la cui armonia è sottolineata da nervature di pietra bianca, incorona la cattedrale. La cupola colpisce per le dimensioni (il suo diametro è di 43 m), corona l'intero panorama della città. La cattedrale è visibile da quasi tutte le strade di Firenze, chiaramente incombente contro il cielo. Questa magnifica struttura è stata costruita dall'architetto

Filippo Brunelleschi (1377 - 1446).

L'edificio a cupola più magnifico e famoso del Rinascimento era Basilica di San Pietro a Roma. È stato costruito in 100 anni. I creatori del progetto originale erano architetti Bramante e Michelangelo.

Gli edifici rinascimentali sono decorati con colonne, pilastri, teste di leone e "putti"(bambini nudi), ghirlande di fiori e frutti in gesso, foglie e molti dettagli, campioni dei quali sono stati trovati tra le rovine di antichi edifici romani. Torna di moda arco semicircolare. Le persone ricche iniziarono a costruire case più belle e più confortevoli. Invece che strette l'una all'altra, le case apparivano lussuose palazzi - palazzo.

Scultura del primo Rinascimento

Nel XV secolo lavorarono a Firenze due famosi scultori: Donatello e Verrocchio.Donatello (1386? - 1466)- uno dei primi scultori in Italia, che ha utilizzato l'esperienza dell'arte antica. Ha creato una delle opere più belle del primo Rinascimento, la statua del David.

Secondo leggenda biblica, un semplice pastore, il giovane Davide sconfisse il gigante Golia, salvando così gli abitanti della Giudea dalla schiavitù e in seguito divenne re. David era una delle immagini preferite del Rinascimento. È raffigurato dallo scultore non come un umile santo della Bibbia, ma come un giovane eroe, vincitore, difensore della sua città natale. Nella sua scultura, Donatello canta l'uomo come l'ideale di una bella personalità eroica nata nel Rinascimento. David è incoronato con la corona d'alloro del vincitore. Donatello non aveva paura di introdurre un dettaglio come il cappello di un pastore, segno della sua semplice origine. Nel Medioevo la chiesa proibiva di raffigurare un corpo nudo, considerandolo un vaso del male. Donatello fu il primo maestro che violò coraggiosamente questo divieto. Afferma con ciò che il corpo umano è bello. La statua del David è la prima scultura rotonda di quell'epoca.

È nota anche un'altra bellissima scultura di Donatello: la statua di un guerriero , comandante del Gattamelata. Fu il primo monumento equestre del Rinascimento. Creato 500 anni fa, questo monumento si erge ancora su un alto piedistallo, decorando la piazza della città di Padova. Per la prima volta non un dio, non un santo, non un uomo nobile e ricco è stato immortalato nella scultura, ma un nobile, coraggioso e formidabile guerriero con una grande anima, che meritava fama per grandi imprese. Vestito con un'armatura antica, Gattemelata (questo è il suo soprannome, che significa "gatto maculato") siede su un possente cavallo in una posa calma e maestosa. I lineamenti del volto del guerriero sottolineano un carattere deciso e deciso.

Andrea Verrocchio (1436 -1488)

Il più famoso allievo di Donatello, che realizzò il famoso monumento equestre al condottiero Colleoni, che fu collocato a Venezia sulla piazza vicino alla chiesa di San Giovanni. La cosa principale che colpisce nel monumento è il movimento energetico congiunto del cavallo e del cavaliere. Il cavallo, per così dire, si precipita oltre il piedistallo di marmo su cui è eretto il monumento. Il Colleoni, in piedi sulle staffe, disteso, alzando la testa, scruta lontano. Una smorfia di rabbia e tensione gli si gelò sul viso. Nella sua postura si sente un'enorme volontà, il suo viso ricorda un rapace. L'immagine è piena di forza indistruttibile, energia, dura autorità.

Pittura del primo Rinascimento

Il Rinascimento ha aggiornato anche l'arte della pittura. I pittori hanno imparato a trasmettere correttamente lo spazio, la luce e l'ombra, le pose naturali, i vari sentimenti umani. Era il primo Rinascimento che era il momento dell'accumulo di queste conoscenze e abilità. I dipinti di quel tempo sono intrisi di luce e buon umore. Lo sfondo è spesso dipinto con colori chiari, mentre edifici e motivi naturali sono delineati con linee nette, predominano i colori puri. Con ingenua diligenza vengono raffigurati tutti i dettagli dell'evento, i personaggi sono spesso allineati e separati dallo sfondo da contorni netti.

La pittura del primo Rinascimento mirava solo alla perfezione, tuttavia, grazie alla sua sincerità, tocca l'anima dello spettatore.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, detto col nome Masaccio (1401 - 1428)

È considerato un seguace di Giotto e il primo maestro della pittura del primo Rinascimento. Masaccio ha vissuto solo 28 anni, ma in una vita così breve ha lasciato un segno nell'arte difficile da sopravvalutare. Riuscì a portare a termine le rivoluzionarie trasformazioni della pittura iniziate da Giotto. La sua pittura si distingue per un colore scuro e profondo. Le persone negli affreschi di Masaccio sono molto più dense e potenti che nei dipinti dell'era gotica.

Masaccio fu il primo a disporre correttamente gli oggetti nello spazio, tenendo conto della prospettiva; iniziò a raffigurare le persone secondo le leggi dell'anatomia.

Ha saputo unire figure e paesaggio in un'unica azione, trasmettere la vita della natura e delle persone in modo drammatico e allo stesso tempo del tutto naturale - e questo è il grande merito del pittore.

Si tratta di una delle poche opere da cavalletto commissionate da Masaccio nel 1426 per la cappella della chiesa di Santa Maria del Carmine a Pisa.

La Madonna siede su un trono costruito rigorosamente secondo le leggi della prospettiva giottesca. La sua figura è scritta con tratti sicuri e chiari, che creano l'impressione di un volume scultoreo. Il suo viso è calmo e triste, il suo sguardo distaccato non è diretto da nessuna parte. Avvolta in un manto blu scuro, la Vergine Maria tiene tra le braccia il Bambino, la cui figura dorata si staglia netta su uno sfondo scuro. Le profonde pieghe del mantello permettono all'artista di giocare con il chiaroscuro, che crea anche un particolare effetto visivo. Il bambino mangia l'uva nera, simbolo di comunione. Gli angeli disegnati in modo impeccabile (l'artista conosceva perfettamente l'anatomia umana) che circondano la Madonna conferiscono all'immagine un ulteriore suono emotivo.

L'unica fascia dipinta da Masaccio per un trittico bifacciale. Dopo la morte prematura del pittore, il resto dell'opera, commissionata da papa Martino V per la chiesa di Santa Maria in Roma, fu completata dall'artista Masolino. Raffigura due figure di santi rigorose e monumentalmente eseguite vestite di rosso. Girolamo tiene in mano un libro aperto e un plastico della basilica, ai suoi piedi giace un leone. Giovanni Battista è raffigurato nella sua forma abituale: è scalzo e tiene in mano una croce. Entrambe le figure colpiscono per la precisione anatomica e un senso del volume quasi scultoreo.

L'interesse per una persona, l'ammirazione per la sua bellezza erano così grandi nel Rinascimento che questo portò all'emergere di un nuovo genere nella pittura: il genere del ritratto.

Pinturicchio (variante di Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)

Originario di Perugia in Italia. Per qualche tempo dipinse miniature, aiutò Pietro Perugino a decorare con affreschi la Cappella Sistina a Roma. Matura esperienza nella forma più complessa di pittura murale decorativa e monumentale. Pochi anni dopo, Pinturicchio divenne un muralista indipendente. Ha lavorato agli affreschi negli appartamenti Borgia in Vaticano. Ha realizzato pitture murali nella biblioteca del duomo di Siena.

L'artista non solo trasmette una somiglianza di ritratto, ma cerca di rivelare lo stato interiore di una persona. Davanti a noi c'è un adolescente, vestito con un rigoroso abito da città rosa, con un berretto blu in testa. I capelli castani cadono sulle spalle, incorniciando un viso delicato, lo sguardo attento degli occhi castani è pensieroso, un po' ansioso. Alle spalle del ragazzo un paesaggio umbro con alberi sottili, un fiume argenteo, un cielo che si tinge di rosa all'orizzonte. La tenerezza primaverile della natura, come eco del carattere dell'eroe, è in armonia con la poesia e il fascino dell'eroe.

L'immagine del ragazzo è data in primo piano, grande e occupa quasi l'intero piano del quadro, e il paesaggio è dipinto sullo sfondo e molto piccolo. Ciò crea l'impressione del significato dell'uomo, il suo dominio sulla natura circostante, afferma che l'uomo è la creazione più bella della terra.

Qui viene presentata la solenne partenza del cardinale Kapranik verso il duomo di Basilea, durata quasi 18 anni, dal 1431 al 1449, prima a Basilea e poi a Losanna. Anche il giovane Piccolomini era al seguito del cardinale. In un'elegante cornice ad arco semicircolare è presentato un gruppo di cavalieri, accompagnati da paggi e servitori. L'avvenimento non è così reale e attendibile, ma cavallerescamente raffinato, quasi fantastico. In primo piano, un bellissimo cavaliere su un cavallo bianco, con un vestito e un cappello lussuosi, girando la testa, guarda lo spettatore: questo è Enea Silvio. Con piacere l'artista dipinge abiti ricchi, bellissimi cavalli in coperte di velluto. Le proporzioni allungate delle figure, i movimenti leggermente manierati, le leggere inclinazioni della testa sono vicine all'ideale di corte. La vita di papa Pio II fu ricca di eventi luminosi, e Pinturicchio parlò degli incontri del papa con il re di Scozia, con l'imperatore Federico III.

Filippo Lippi (1406 - 1469)

C'erano leggende sulla vita di Lippi. Lui stesso era un monaco, ma lasciò il monastero, divenne un artista errante, rapì una suora dal monastero e morì avvelenato dai parenti di una giovane donna di cui si innamorò in età avanzata.

Dipinse immagini della Madonna col Bambino, piene di sentimenti ed esperienze umane viventi. Nei suoi dipinti raffigurava molti dettagli: oggetti per la casa, l'ambiente, quindi i suoi soggetti religiosi erano simili ai dipinti secolari.

Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)

Dipinse non solo soggetti religiosi, ma anche scene della vita della nobiltà fiorentina, della loro ricchezza e del loro lusso, ritratti di nobili.

Davanti a noi c'è la moglie di un ricco fiorentino, amico dell'artista. In questa giovane donna non molto bella, lussuosamente vestita, l'artista ha espresso calma, un momento di quiete e silenzio. L'espressione sul volto della donna è fredda, indifferente a tutto, sembra che preveda la sua morte imminente: poco dopo aver dipinto il ritratto, morirà. La donna è raffigurata di profilo, tipico di molti ritratti dell'epoca.

Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)

Uno dei nomi più significativi della pittura italiana del Quattrocento. Compì numerose trasformazioni nei metodi di costruzione della prospettiva di uno spazio pittoresco.

Il quadro è stato dipinto su una tavola di pioppo con tempera all'uovo - ovviamente, a questo punto l'artista non aveva ancora padroneggiato i segreti della pittura a olio, nella tecnica con cui sarebbero state dipinte le sue opere successive.

L'artista ha colto la manifestazione del mistero della Santissima Trinità al momento del Battesimo di Cristo. Colomba bianca, spiegando le ali sopra la testa di Cristo, simboleggia la discesa dello Spirito Santo sul Salvatore. Le figure di Cristo, Giovanni Battista e gli angeli in piedi accanto a loro sono dipinte con colori sobri.
I suoi affreschi sono solenni, sublimi e maestosi. Francesca credeva nell'alto destino dell'uomo e nelle sue opere si fanno sempre cose meravigliose. Ha usato transizioni di colori sottili e delicate. Francesca è stata la prima a dipingere en plein air (nell'aria).

Nel Rinascimento, gli architetti hanno gradualmente formato un atteggiamento nei confronti della struttura come parte del tutto, che deve essere in grado di connettersi con lo spazio circostante, essere in grado di trovare una combinazione contrastante e reciprocamente vantaggiosa di diverse strutture. La cultura dell'urbanistica del Rinascimento prese forma gradualmente e in vari insiemi - in Piazza San Marco a Venezia, nell'insieme della Casa Educativa della Bottega del Baco da Seta, architetto. Brunelleschi e altri Di grande importanza fu l'uso di portici e colonnati lungo le strade, che conferirono allo sviluppo urbano notevoli caratteri di comunanza (via degli Uffizi a Firenze, architetto Vasari).

Un contributo significativo alla formazione di esempi di un insieme architettonico èPiazza del Campidoglio a Roma,progettato da Michelangelo. L'apertura della piazza alla città, subordinando contemporaneamente lo spazio della piazza all'edificio principale, è una novità introdotta da Michelangelo nell'architettura degli insiemi urbani.

A poco a poco, nella comprensione degli architetti, è maturata l'idea della città come un tutto unico, in cui tutte le parti sono interconnesse. Le nuove armi da fuoco resero indifese le fortificazioni medievali in pietra. Ciò ha predeterminato l'aspetto di muri con muri di terra lungo il perimetro delle città.bastionie determinò la forma a stella della linea delle fortificazioni cittadine. Città di questo tipo compaiono nei 2/3 del XVI secolo. Si sta formando un'idea rinascimentale"città ideale"la città più comoda in cui vivere.

Nell'organizzazione dell'area urbana, gli architetti rinascimentali seguirono 3 principi fondamentali:
1. insediamento di classe (per i nobili - le parti centrali e migliori della città);
2. reinsediamento del gruppo professionale del resto della popolazione (artigiani di professioni affini sono nelle vicinanze);
3. suddivisione del territorio cittadino in complessi residenziali, industriali, commerciali e pubblici.
Il layout delle "città ideali" deve essere necessariamente regolare o radiale-circolare, ma la scelta del layout dovrebbe essere determinata dalle condizioni naturali: rilievo, serbatoio, fiume, venti, ecc.

Palma Nuova, 1593

Solitamente nel centro della città vi era una piazza pubblica principale con un castello o con al centro un municipio e una chiesa. Le aree commerciali o di culto di importanza distrettuale nelle città radiali erano situate all'incrocio di strade radiali con una delle tangenziali della città.
Questi progetti includevano anche miglioramenti significativi: rendere verdi le strade, creare canali per il deflusso dell'acqua piovana e fognature. Le case dovevano avere determinati rapporti di altezza e distanza tra loro per la migliore insolazione e ventilazione.
Nonostante la loro natura utopica, gli sviluppi teorici delle "città ideali" del Rinascimento hanno avuto una certa influenza sulla pratica dell'urbanistica, soprattutto quando si costruiscono piccole fortificazioni in breve tempo(Valletta, Palma Nuova, Granmichele- a 16-17 secoli).

L'aspetto del termine "Rinascimento" (Rinascimento, Rinascimento) cade nel XVI secolo. Di cui ho scritto Rinascimento"arte d'Italia - il primo storiografo dell'arte italiana, un grande pittore, autore delle famose "Vite dei più famosi pittori, scultori e architetti" (1550) - Giorgio Vasari.

Questo concetto nasce alla base del concetto storico, diffuso a quel tempo, secondo il quale l'era del Medioevo era caratterizzata da una costante barbarie, ignoranza, che seguì la caduta del grande civiltà arcaico classico.

Se parliamo del periodo del Medioevo come di una sorta di semplice nello sviluppo della cultura, allora è necessario tenere conto delle ipotesi degli storici dell'epoca sull'arte. Si credeva che l'arte, che in vecchi tempi fiorita nel mondo antico, trova la sua prima rinascita a nuova esistenza proprio nel loro tempo.

Primavera/Sandro Botticelli

Nella consapevolezza iniziale, il termine "revival" è stato interpretato non tanto come il nome dell'intera era, ma piuttosto tempo esatto(di solito l'inizio del XIV secolo) l'emergere di una nuova arte. Solo dopo un certo periodo questo concetto acquisì un'interpretazione più ampia e iniziò a designare in Italia e in altri paesi l'epoca della formazione e del fiorire di una cultura opposta al feudalesimo.

Ora il Medioevo non è considerato una rottura nella storia della cultura artistica dell'Europa. Nel secolo scorso è iniziato uno studio approfondito dell'arte del Medioevo, che si è notevolmente intensificato nell'ultimo mezzo secolo. Ha portato alla sua rivalutazione e lo ha persino dimostrato arte rinascimentale deve molto al Medioevo.

Ma non si dovrebbe parlare del Rinascimento come di una banale continuazione del Medioevo. Alcuni storici moderni dell'Europa occidentale hanno tentato di offuscare il confine tra Medioevo e Rinascimento, ma non hanno trovato conferma nei fatti storici. In effetti, l'analisi dei monumenti culturali rinascimentali indica il rifiuto della maggior parte delle credenze fondamentali della visione del mondo feudale.

Allegoria dell'amore e del tempo/Agnola Bronzino

L'ascetismo medievale e l'intuizione di tutto ciò che è mondano vengono sostituiti da un insaziabile interesse per il mondo reale con la grandezza e la bellezza della natura e, naturalmente, per l'uomo. Credere nei superpoteri mente umana come il più alto criterio di verità, ha portato alla posizione precaria del primato intoccabile della teologia sulla scienza, così caratteristica del Medioevo. La subordinazione della personalità umana alle autorità ecclesiastiche e feudali è sostituita dal principio del libero sviluppo dell'individualità.

I membri della neonata intellighenzia secolare prestavano tutta l'attenzione agli aspetti umani in contrapposizione a quelli divini e si definivano umanisti (dal concetto del tempo di Cicerone "studia hmnanitatis", ovvero lo studio di tutto ciò che è connesso con la natura umana e il suo mondo spirituale ). Questo termine riflette un nuovo atteggiamento nei confronti della realtà, l'antropocentrismo della cultura del Rinascimento.

Durante il periodo del primo eroico assalto al mondo feudale, si aprì un'ampia gamma di impulsi creativi. Le persone di quest'epoca hanno già rinunciato alle reti del passato, ma non ne hanno ancora trovate di nuove. Credevano che le loro possibilità fossero infinite. Fu da questo che la nascita dell'ottimismo, che è così caratteristico di cultura rinascimentale.

venere dormiente/ Giorgione

Il carattere allegro e la fede infinita nella vita hanno dato origine alla fede nell'illimitatezza delle possibilità per la mente e nella possibilità di sviluppare la personalità in modo armonioso e senza barriere.
arte rinascimentale per molti aspetti contrasta con il medievale. La cultura artistica europea ottiene il suo sviluppo nella formazione del realismo. Ciò lascia il segno sia sulla diffusione di immagini di carattere laico, sullo sviluppo di paesaggi e ritratti, vicini all'interpretazione di genere di soggetti talvolta religiosi, sia sul rinnovamento radicale di un'intera organizzazione artistica.

L'arte medievale si basava sull'idea della struttura gerarchica dell'universo, il cui culmine era al di fuori del cerchio dell'esistenza terrena, che occupava uno dei ultimi posti. C'è stata una svalutazione delle connessioni e dei fenomeni reali terreni nel tempo con lo spazio, poiché il compito principale dell'arte era l'incarnazione visiva della scala di valori creata dalla teologia.

Nel Rinascimento svanisce il sistema dell'arte speculativa e al suo posto subentra un sistema basato sulla conoscenza e sull'immagine oggettiva del mondo che si presenta all'uomo. Ecco perché uno dei compiti principali degli artisti del Rinascimento era la questione della riflessione dello spazio.

Nel XV secolo questa domanda era compreso ovunque, con la sola differenza che il nord Europa (Paesi Bassi) andò alla costruzione oggettiva dello spazio per fasi a causa di osservazioni empiriche, e la fondazione dell'Italia nella prima metà del secolo si basava sulla geometria e sull'ottica.

Davide/Donatella

Questa ipotesi, che dà la possibilità di costruire un'immagine tridimensionale su un piano, orientata allo spettatore, tenendo conto del suo punto di vista, è servita come vittoria sul concetto di Medioevo. La rappresentazione visiva di una persona mostra l'orientamento antropocentrico della nuova cultura artistica.

La cultura del Rinascimento dimostra chiaramente la caratteristica connessione tra scienza e arte. Un ruolo speciale è stato assegnato al principio cognitivo per rappresentare il mondo e l'uomo in modo abbastanza veritiero. Naturalmente, la ricerca di un sostegno per gli artisti nella scienza ha portato allo stimolo dello sviluppo della scienza stessa. Nel Rinascimento apparvero molti artisti-scienziati, guidati da Leonardo da Vinci.

Nuovi approcci all'arte hanno dettato un nuovo modo di rappresentare figura umana e trasferimento di atti. La precedente idea del Medioevo sulla canonicità dei gesti, delle espressioni facciali e dell'arbitrarietà ammissibile nelle proporzioni non corrispondeva a una visione obiettiva del mondo che ci circonda.

Per le opere del Rinascimento è insito il comportamento umano, soggetto non a rituali o canoni, ma al condizionamento psicologico e allo sviluppo delle azioni. Gli artisti stanno cercando di avvicinare le proporzioni delle figure alla realtà. Ci vanno in modi diversi, quindi nei paesi del nord Europa questo avviene empiricamente, e in Italia lo studio delle forme reali avviene in concomitanza con la conoscenza dei monumenti dell'antichità classica (il nord Europa viene attaccato solo più tardi) .

Gli ideali dell'umanesimo permeano arte rinascimentale, creando l'immagine di una persona bella e armoniosamente sviluppata. Per l'arte rinascimentale sono caratteristici: titanismo di passioni, personaggi ed eroismo.

I maestri del Rinascimento creano immagini che incarnano l'orgogliosa consapevolezza dei loro poteri, l'infinito capacità umane nel campo della creatività e della vera fede nella libertà della sua volontà. Molte creazioni dell'arte rinascimentale sono in sintonia con questa espressione del famoso umanesimo italiano Pico della Mirandola: "Oh, lo scopo meraviglioso e sublime di una persona a cui è dato di ottenere ciò a cui aspira ed essere ciò che vuole".

Leda e il cigno/ Leonardo Da Vinci

Se la determinazione per la natura delle belle arti era in misura maggiore il desiderio di mostrare la realtà in modo veritiero, allora l'appello alla tradizione classica ha svolto un ruolo importante nella formazione di nuove forme architettoniche. Ciò consisteva non solo nel ricreare l'antico sistema di ordine e nella rinuncia alle configurazioni gotiche, ma anche nella proporzionalità classica, nella natura antropocentrica della nuova architettura e nella progettazione di edifici centrici nell'architettura del tempio, dove lo spazio interno era facilmente visibile.

Nel campo dell'architettura civile sono state create molte nuove creazioni. Così, nel Rinascimento, gli edifici pubblici cittadini a più piani: municipi, università, case delle corporazioni mercantili, case educative, magazzini, mercati, magazzini ricevono decorazioni più eleganti. Appare una specie di palazzo cittadino, o meglio un palazzo - dimora di un ricco borghese, oltre che una specie di villa di campagna. Si stanno formando nuovi sistemi di decorazione della facciata, si sta sviluppando un nuovo sistema costruttivo di un edificio in mattoni (conservato nell'edilizia europea fino al XX secolo), che combina pavimenti in mattoni e legno. I problemi urbanistici vengono risolti in modo nuovo, i centri urbani vengono ricostruiti.

Il nuovo stile architettonico è stato portato in vita con l'aiuto di avanzate tecniche di costruzione artigianale preparate dal Medioevo. Fondamentalmente, gli architetti del Rinascimento furono direttamente coinvolti nella progettazione dell'edificio, dirigendone l'attuazione nella realtà. Di norma, avevano anche una serie di altre specialità legate all'architettura, come: scultore, pittore, a volte decoratore. La combinazione di competenze ha contribuito alla crescita della qualità artistica degli edifici.

Rispetto al medioevo, quando i principali committenti delle opere erano i grandi feudatari e la chiesa, ora la cerchia dei committenti si allarga con un mutamento della composizione sociale. Associazioni di corporazioni di artigiani, corporazioni mercantili e persino privati ​​​​(nobiltà, borghesi), insieme alla chiesa, molto spesso danno ordini ad artisti.

Anche lo status sociale dell'artista cambia. Nonostante gli artisti siano alla ricerca e entrino nelle botteghe, spesso ricevono premi e alte onorificenze, occupano seggi nei consigli comunali e svolgono missioni diplomatiche.
C'è un'evoluzione dell'atteggiamento di una persona verso le belle arti. Se prima era al livello del mestiere, ora è alla pari delle scienze e le opere d'arte per la prima volta iniziano a essere considerate il risultato dell'attività creativa spirituale.

Giudizio Universale/ Michelangelo

L'emergere di nuove tecniche e forme d'arte è provocato dall'espansione della domanda e dalla crescita del numero di clienti secolari. Le forme monumentali si accompagnano al cavalletto: pittura su tela o tavola, scultura lignea, maiolica, bronzo, terracotta. La domanda sempre crescente di opere d'arte ha portato alla nascita di incisioni su legno e metallo, la forma d'arte più economica e più popolare. Questa tecnica, per la prima volta, ha permesso di riprodurre le immagini in un gran numero di copie.
Una delle caratteristiche principali del Rinascimento italiano è l'uso diffuso delle tradizioni dell'antico patrimonio che non muoiono nella regione mediterranea. Qui, l'interesse per l'antichità classica è apparso molto presto, anche nelle opere di artisti proto-rinascimentali italiani da Piccolo e Giovanni Pisano ad Ambrogio Lorsnzetti.

Lo studio dell'antichità nel XV secolo diventa uno dei compiti chiave degli studi umanistici. C'è una significativa espansione delle informazioni sulla cultura del mondo antico. Nelle biblioteche di antichi monasteri sono stati trovati molti manoscritti di opere precedentemente sconosciute di autori antichi. La ricerca di opere d'arte ha permesso di scoprire molte statue antiche, rilievi e infine affreschi dell'Antica Roma. Sono stati costantemente studiati dagli artisti. Gli esempi includono le notizie sopravvissute di un viaggio a Roma di Donatello e Brunelleschi per misurare e disegnare monumenti dell'antica architettura e scultura romana, le opere di Leon Battista Alberti, sullo studio di Raffaello di rilievi e dipinti appena scoperti, il modo in cui il giovane Michelangelo copiava scultura antica. L'arte d'Italia si arricchì (a causa del costante richiamo all'antichità) di una massa di tecniche, motivi e forme nuove per quel tempo, dando allo stesso tempo un tocco di idealizzazione eroica, che era del tutto assente nelle opere del artisti del Nord Europa.

C'era un'altra caratteristica principale del Rinascimento italiano: la sua razionalità. Molte persone hanno lavorato alla formazione delle basi scientifiche dell'arte. artisti italiani. Si formò così, nella cerchia di Brunelleschi, Masaccio e Donatello, la teoria della prospettiva lineare, che fu poi esposta nel trattato del 1436 di Leon Battista Alberti "Il libro della pittura". Allo sviluppo della teoria della prospettiva parteciparono numerosi artisti, in particolare Paolo Uccello e Piero della Francesca, che nel 1484-1487 scrissero il trattato Della prospettiva pittoresca. È in esso, infine, che sono visibili i tentativi di applicare la teoria matematica alla costruzione della figura umana.

Vale anche la pena notare altre città e regioni d'Italia che hanno svolto un ruolo di primo piano nello sviluppo dell'arte: nel XIV secolo - Siena, nel XV secolo - Umbria, Padova, Venezia, Ferrara. Nel Cinquecento la varietà delle scuole locali si estingue (l'unica eccezione è l'originaria Venezia), e per un certo periodo si concentrano a Roma le principali forze artistiche del paese.

Le differenze nella formazione e nello sviluppo dell'arte delle singole regioni d'Italia non interferiscono con la creazione e la subordinazione di un modello generale, che ci consente di delineare le principali fasi di sviluppo Rinascimento italiano. La storia dell'arte moderna divide la storia del Rinascimento italiano in quattro fasi: il Proto-Rinascimento (fine del XIII - prima metà del XIV secolo), il Primo Rinascimento (il XV secolo), l'Alto Rinascimento (la fine del XV - primi tre decenni del XVI secolo) e tardo rinascimentale (metà e seconda metà del XVI secolo).

Rinascimento italiano (25:24)

Un meraviglioso film di Vladimir Ptashchenko, pubblicato come parte della serie Masterpieces of the Hermitage