Progetti di città ideali nell'Italia del Rinascimento. Insiemi architettonici di Parigi
Sergej Khromov
Sebbene nessuna città ideale fosse incarnata nella pietra, le loro idee trovarono vita nelle vere città del Rinascimento...
Cinque secoli ci separano dal periodo in cui gli architetti affrontarono per la prima volta i temi della ricostruzione della città. E queste stesse domande sono acute per noi oggi: come creare nuove città? Come ricostruire quelli vecchi - per adattarli a gruppi separati o demolire e ricostruire tutto? E, soprattutto, quale idea posare in una nuova città?
I maestri del Rinascimento incarnavano quelle idee che avevano già risuonato nella cultura e nella filosofia antiche: le idee dell'umanesimo, l'armonia della natura e dell'uomo. Le persone si rivolgono di nuovo al sogno di Platone di uno stato ideale e di una città ideale. La nuova immagine della città nasce anzitutto come immagine, come formula, come idea, che è un'audace rivendicazione di futuro - come tante altre invenzioni del Quattrocento italiano.
La costruzione della teoria della città era strettamente connessa con lo studio del patrimonio dell'antichità e, soprattutto, l'intero trattato "Dieci libri sull'architettura" di Marco Vitruvio (seconda metà del I secolo a.C.), architetto e ingegnere nell'esercito di Giulio Cesare. Questo trattato fu scoperto nel 1427 in una delle abbazie. L'autorità di Vitruvio fu sottolineata da Alberti, Palladio, Vasari. Il più grande conoscitore di Vitruvio fu Daniele Barbaro, che nel 1565 pubblicò il suo trattato con i suoi commenti. In un'opera dedicata all'imperatore Augusto, Vitruvio riassunse l'esperienza dell'architettura e dell'urbanistica in Grecia ea Roma. Considerò le già classiche questioni della scelta di un'area favorevole alla fondazione della città, della collocazione delle principali piazze e strade cittadine, della tipologia degli edifici. Da un punto di vista estetico, Vitruvio consigliava l'adesione all'ordinamento (seguendo gli ordini architettonici), una pianificazione ragionevole, osservando l'uniformità del ritmo e dell'ordine, la simmetria e la proporzionalità, la conformità della forma allo scopo e la distribuzione delle risorse. |
Nell'urbanistica del Rinascimento, teoria e pratica si sviluppano parallelamente. Si costruiscono nuovi edifici e si ricostruiscono quelli vecchi, si formano insiemi architettonici e contemporaneamente si scrivono trattati, dedicata all'architettura, pianificazione e fortificazione delle città. Tra loro opere famose Alberti e Palladio, schemi città ideali Filarete, Scamozzi e altri. L'idea degli autori è molto più avanti delle esigenze della costruzione pratica: non descrivono progetti già pronti che possono essere utilizzati per pianificare una città specifica, ma un'idea rappresentata graficamente, il concetto di città. Si ragiona sull'ubicazione della città dal punto di vista economico, igienico, difensivo, estetico. Sono in corso ricerche per planimetrie ottimali di aree residenziali e centri urbani, giardini e parchi. Vengono studiate questioni di composizione, armonia, bellezza, proporzione. In queste costruzioni ideali, la pianificazione della città è caratterizzata da razionalismo, chiarezza geometrica, composizione centrica e armonia tra il tutto e le parti. E, infine, ciò che distingue l'architettura del Rinascimento dalle altre epoche è la persona che sta al centro, al centro di tutte queste costruzioni. attenzione al personalità umana era così grande che anche strutture architettoniche paragonato corpo umano come standard di perfette proporzioni e bellezza.
Teoria
Negli anni '50 del XV sec. Appare il trattato "Dieci libri sull'architettura" di Leon Alberti. Era, in sostanza, il primo lavoro teorico della nuova era su questo argomento. Si occupa di molte questioni di pianificazione urbana, che vanno dalla selezione del sito e dall'urbanistica alla tipologia e all'arredamento degli edifici. Di particolare interesse sono i suoi argomenti sulla bellezza. Alberti scriveva che "la bellezza è un'armonia strettamente proporzionata di tutte le parti, unite da ciò a cui appartengono - tale che nulla può essere aggiunto, sottratto o cambiato senza peggiorarlo". L'Alberti, infatti, fu il primo a proclamare i principi fondamentali dell'insieme urbano rinascimentale, legando l'antico senso delle proporzioni con l'inizio razionalista di una nuova era. Il dato rapporto tra l'altezza dell'edificio e lo spazio ad esso antistante (da 1:3 a 1:6), la coerenza delle scale architettoniche degli edifici principali e secondari, l'equilibrio della composizione e l'assenza di contrasti dissonanti: questi sono i principi estetici degli urbanisti rinascimentali.
La città ideale ha entusiasmato molti grandi personaggi dell'epoca. Ho pensato a lui e a Leonardo da Vinci. La sua idea era quella di creare una città a due livelli: il livello superiore era destinato a strade pedonali e di superficie, e quello inferiore a gallerie e canali collegati con i sotterranei delle case, attraverso i quali si muove il trasporto merci. Noto per i suoi piani per la ricostruzione di Milano e Firenze, nonché per il progetto di una città del fuso.
Un altro importante teorico della città fu Andrea Palladio. Nel suo trattato Four Books on Architecture, riflette sull'integrità dell'organismo urbano e sull'interconnessione dei suoi elementi spaziali. Dice che "la città non è altro che un certo grande casa, e viceversa, la casa è una specie di cittadina. A proposito dell'insieme urbano, scrive: “La bellezza è il risultato di bella forma e la corrispondenza del tutto alle parti, delle parti tra loro, e anche delle parti al tutto. Un posto di rilievo nel trattato è dato all'interno degli edifici, alle loro dimensioni e proporzioni. Palladio sta cercando di collegare organicamente lo spazio esterno delle strade con l'interno delle case e dei cortili.
Verso la fine del XVI secolo. molti teorici sono stati attratti dalle questioni dello spazio commerciale e delle fortificazioni. Così, Giorgio Vasari Jr. nella sua città ideale presta molta attenzione allo sviluppo di piazze, gallerie commerciali, logge, palazzi. E nei progetti di Vincenzo Scamozzi e Buanayuto Lorrini, i temi dell'arte della fortificazione occupano un posto significativo. Questa fu una risposta all'ordine del tempo: con l'invenzione di proiettili esplosivi, le mura e le torri della fortezza furono sostituite da bastioni di terra, portati fuori dai confini della città, e la città iniziò ad assomigliare a una stella a più raggi nei suoi contorni . Queste idee furono incarnate nella fortezza di Palmanova effettivamente costruita, la cui creazione è attribuita a Scamozzi.
Pratica
Sebbene non una sola città ideale fosse incarnata nella pietra, ad eccezione delle piccole città fortezza, molti dei principi della sua costruzione furono incarnati nella realtà già nel XVI secolo. A quel tempo, in Italia e in altri paesi, furono posate strade larghe e diritte che collegavano elementi importanti dell'insieme urbano, furono create nuove piazze, ricostruite quelle vecchie e successivamente apparvero parchi e complessi di palazzi con una struttura regolare.
| Città Ideale di Antonio Filarete La città era a pianta ottagonale a stella, formata dall'intersezione ad angolo di 45° di due quadrati uguali con un lato di 3,5 km. Nelle sporgenze della stella c'erano otto torri rotonde e nelle "tasche" - otto porte della città. Le porte e le torri erano collegate al centro da strade radiali, alcune delle quali erano canali di navigazione. Nella parte centrale della città, su un'altura, si trovava la piazza principale rettangolare, sui cui lati corti dovevano trovarsi il palazzo del principe e la cattedrale cittadina, e sui lati lunghi le istituzioni giudiziarie e cittadine. Al centro della piazza c'era uno stagno e una torre di avvistamento. Altri due erano attigui alla piazza principale, con le case dei più eminenti abitanti della città. Altre sedici piazze erano situate all'incrocio delle strade radiali con la circonvallazione: otto commerciali e otto per centri parrocchiali e chiese. |
Nonostante il fatto che l'arte del Rinascimento fosse sufficientemente contraria all'arte del Medioevo, si inseriva facilmente e organicamente nelle città medievali. Nelle loro attività pratiche, gli architetti del Rinascimento usavano il principio di "costruirne uno nuovo senza distruggere il vecchio". Riuscirono a creare insiemi sorprendentemente armoniosi non solo da edifici dello stesso stile, come si può vedere nelle piazze dell'Annuziata a Firenze (progettate da Filippo Brunelleschi) e del Campidoglio a Roma (progettate da Michelangelo), ma anche a combinare edifici di tempi diversi in un'unica composizione. Così, sulla piazza di S. Marco a Venezia, gli edifici medievali sono combinati in un insieme architettonico e spaziale con i nuovi edifici del XVI secolo. E a Firenze, da piazza della Signoria con il medievale Palazzo Vecchio, segue armoniosamente via degli Uffizi, disegnata da Giorgio Vasari. Inoltre, l'insieme della Cattedrale fiorentina di Santa Maria del Fiore (ricostruzione di Brunelleschi) combina perfettamente tre stili architettonici contemporaneamente: romanico, gotico e rinascimentale.
La città del Medioevo e la città del Rinascimento
La città ideale del Rinascimento è apparsa come una sorta di protesta contro il Medioevo, espressa nello sviluppo di antichi principi urbanistici. A differenza della città medievale, percepita come una sorta, seppur imperfetta, somiglianza della "Gerusalemme celeste", incarnazione di un piano non umano, ma divino, la città del Rinascimento è stata creata da un creatore umano. L'uomo non si è limitato a copiare ciò che già esisteva, ha creato qualcosa di più perfetto e lo ha fatto secondo la "matematica divina". La città del Rinascimento è stata creata per l'uomo e doveva corrispondere all'ordine terreno del mondo, alla sua reale struttura sociale, politica e quotidiana.
La città medievale è circondata da possenti mura, recintata dal mondo, le sue case sono più simili a fortezze con poche feritoie. Renaissance City è aperta, non è protetta da mondo esterno, lo controlla, lo subordina. I muri degli edifici, delimitando, uniscono gli spazi di strade e piazze con cortili e stanze. Sono permeabili: hanno molte aperture, portici, colonnati, passi carrai, finestre.
Se la città medievale è la collocazione dei volumi architettonici, allora la città del Rinascimento è in misura maggiore la distribuzione degli spazi architettonici. Il centro della città nuova non è l'edificio della cattedrale o del municipio, ma lo spazio libero della piazza principale, aperto sia in alto che ai lati. Entrano nell'edificio ed escono sulla strada e sulla piazza. E se la città medievale è compositivamente attratta dal suo centro - è centripeta, allora la città del Rinascimento è centrifuga - è diretta al mondo esterno.
| La città ideale di Platone In pianta, la parte centrale della città era un'alternanza di anelli d'acqua e di terra. L'anello d'acqua esterno era collegato al mare da un canale lungo 50 stadi (1 stadia - ca. 193 m). Gli anelli di terra che separavano gli anelli d'acqua avevano canali sotterranei vicino ai ponti adatti al passaggio delle navi. Il più grande anello d'acqua di circonferenza era largo tre stadi, così come quello di terra che lo seguiva; i due anelli successivi, acqua e terra, erano larghi due stadi; infine, l'anello d'acqua che circondava l'isola situata al centro era largo uno stadio. |
La città medievale segue il paesaggio naturale, utilizzandolo per i propri scopi. La città del Rinascimento è piuttosto un'opera d'arte, un "gioco di geometrie". L'architetto modifica il terreno sovrapponendovi una griglia geometrica di spazi disegnati. Una tale città ha una forma chiara: un cerchio, un quadrato, un ottagono, una stella; anche i fiumi vi si raddrizzano.
La città medievale è verticale. Qui tutto è diretto verso l'alto, verso il cielo, lontano e inaccessibile. La città del Rinascimento è orizzontale, la cosa principale qui è la prospettiva, l'aspirazione in lontananza, verso nuovi orizzonti. Per una persona medievale, il cammino verso il Cielo è un'ascensione, realizzabile attraverso il pentimento e l'umiltà, la rinuncia a tutto ciò che è terreno. Per le persone del Rinascimento, questa è un'ascesa attraverso l'acquisizione della propria esperienza e la comprensione delle leggi divine.
Il sogno di una città ideale ha dato slancio alle ricerche creative di molti architetti non solo del Rinascimento, ma anche di epoche successive, ha guidato e illuminato il cammino verso l'armonia e la bellezza. La città ideale esiste sempre all'interno della città reale, tanto diversa da essa quanto il mondo del pensiero dal mondo dei fatti, come il mondo dell'immaginazione dal mondo della fantasia. E se sai sognare come facevano i maestri del Rinascimento, allora puoi vedere questa città: la Città del Sole, la Città dell'Oro.
L'articolo originale è sul sito della rivista "Nuova Acropoli".
Classicismo nell'architettura dell'Europa occidentale
Lasciamo fare agli italiani
Orpello vuoto con la sua finta lucentezza.
Totale il significato è più importante ma per venire da lui,
Dovremo superare ostacoli e percorsi,
Segui rigorosamente il percorso segnalato:
A volte la mente ha un solo modo...
Devi pensare al significato e solo allora scrivere!
N.Boileau. "Arte poetica".
Traduzione di V. Lipetskaya
Così insegnava ai suoi contemporanei uno dei principali ideologi del classicismo, il poeta Nicolas Boileau (1636-1711). Le rigide regole del classicismo erano incarnate nelle tragedie di Corneille e Racine, le commedie di Molière e le satire di La Fontaine, la musica di Lully e la pittura di Poussin, l'architettura e la decorazione dei palazzi e complessi di Parigi...
Il classicismo si manifestava più chiaramente nelle opere di architettura, incentrate sulle migliori conquiste della cultura antica: un sistema di ordini, una rigida simmetria, una chiara proporzionalità delle parti della composizione e la loro subordinazione all'idea generale. Lo "stile austero" dell'architettura classicista sembrava destinato a incarnare visivamente la sua formula ideale di "nobile semplicità e calma grandezza". Le strutture architettoniche del classicismo erano dominate da forme semplici e chiare, una calma armonia di proporzioni. La preferenza è stata data alle linee rette, all'arredamento discreto, alla ripetizione del contorno dell'oggetto. La semplicità e la nobiltà della lavorazione, la praticità e l'opportunità hanno influenzato tutto.
Sulla base delle idee degli architetti rinascimentali sulla "città ideale", hanno creato gli architetti del classicismo nuovo tipo un grandioso complesso di palazzo e parco, rigorosamente subordinato a un unico piano geometrico. Una delle strutture architettoniche eccezionali di questo periodo era la residenza dei re francesi alla periferia di Parigi: il Palazzo di Versailles.
"Sogno fatato" di Versailles
Mark Twain, che visitò Versailles a metà del XIX secolo.
“Ho rimproverato Luigi XIV, che ha speso 200 milioni di dollari per Versailles quando la gente non aveva abbastanza per il pane, ma ora l'ho perdonato. È straordinariamente bello! Fissi, apri gli occhi e cerca di capire che sei sulla terra e non nei giardini dell'Eden. E sei quasi pronto a credere che questa sia una bufala, solo un sogno favoloso.
In effetti, il "sogno da favola" di Versailles stupisce ancora per la scala della pianta regolare, il magnifico splendore delle facciate e lo splendore della decorazione decorativa degli interni. Versailles divenne un'incarnazione visibile dell'architettura grandiosa del classicismo, esprimendo l'idea di un modello del mondo razionalmente organizzato.
Cento ettari di terreno in maniera estremamente poco tempo(1666-1680) furono trasformate in un angolo di paradiso destinato all'aristocrazia francese. Gli architetti Louis Leveaux (1612-1670), Jules Hardouin-Mansart (1646-1708) e André Le Notre(1613-1700). Nel corso di un certo numero di anni, hanno ricostruito e cambiato molto nella sua architettura, tanto che attualmente è una complessa fusione di diversi strati architettonici, assorbendo i tratti caratteristici del classicismo.
Il centro di Versailles è il Grand Palace, al quale conducono tre viali convergenti. Posto su una certa elevazione, il palazzo occupa una posizione dominante sull'area. I suoi creatori hanno diviso la facciata lunga quasi mezzo chilometro in una parte centrale e due ali laterali - risalit, conferendole una speciale solennità. La facciata è rappresentata da tre piani. Il primo, che svolge il ruolo di un massiccio basamento, è decorato a bugnato sul modello dei palazzi-palazzi rinascimentali italiani. Sulla seconda, frontale, si aprono alte finestre ad arco, tra le quali si aprono colonne ioniche e lesene. La gradinata che corona l'edificio conferisce monumentalità all'aspetto del palazzo: si accorcia e termina con gruppi scultorei che conferiscono all'edificio una particolare eleganza e leggerezza. Il ritmo delle finestre, dei pilastri e delle colonne della facciata ne sottolinea la classica austerità e magnificenza. Non è un caso che Molière abbia detto del Gran Palazzo di Versailles:
"La decorazione artistica del palazzo è così in armonia con la perfezione che la natura gli conferisce che può essere definito un castello magico."
Interni Gran Palazzo decorati in stile barocco: abbondano di decorazioni scultoree, ricche decorazioni sotto forma di stucchi dorati e intagli, molti specchi e mobili raffinati. Le pareti ei soffitti sono ricoperti da lastre di marmo colorato con chiari motivi geometrici: quadrati, rettangoli e cerchi. Pannelli pittoreschi e arazzi su temi mitologici glorificano il re Luigi XIV. I massicci lampadari in bronzo con dorature completano l'impressione di ricchezza e lusso.
Le sale del palazzo (ce ne sono circa 700) formano infinite infilate e sono destinate a processioni cerimoniali, magnifiche feste e balli in maschera. Nella più grande sala cerimoniale del palazzo - la Galleria degli Specchi (lunga 73 m) - è chiaramente dimostrata la ricerca di nuovi effetti spaziali e luminosi. Le finestre su un lato della sala erano accompagnate da specchi sull'altro. Sotto la luce del sole o con l'illuminazione artificiale, quattrocento specchi creavano un eccezionale effetto spaziale, trasmettendo un magico gioco di riflessi.
Le composizioni decorative di Charles Lebrun (1619-1690) a Versailles e al Louvre colpivano per il loro splendore cerimoniale. Il "metodo di rappresentazione delle passioni" da lui proclamato, che comportava pomposi elogi di persone di alto rango, portò all'artista un successo vertiginoso. Nel 1662 divenne il primo pittore del re, e poi il direttore della manifattura reale di arazzi (quadri di tappeti tessuti a mano, o arazzi) e il capo di tutti i lavori decorativi nella Reggia di Versailles. Nella Galleria degli Specchi del Palazzo, Lebrun dipinse
un soffitto dorato con molte composizioni allegoriche su temi mitologici che glorificavano il regno del "Re Sole" Luigi XIV. Allegorie e attributi pittoreschi ammucchiati, colori vivaci ed effetti decorativi del barocco contrastavano chiaramente con l'architettura del classicismo.
La camera da letto del re si trova nella parte centrale del palazzo e si affaccia verso Alba. Fu da qui che si aprì la vista di tre autostrade che si irradiavano da un punto, che simbolicamente ricordavano il centro principale del potere statale. Dal balcone, la vista del re ha aperto tutta la bellezza del parco di Versailles. Il suo creatore principale, Andre Le Nôtre, è riuscito a legare insieme gli elementi dell'architettura e arte del giardinaggio paesaggistico. A differenza dei parchi paesaggistici (inglesi), che esprimevano l'idea di unità con la natura, i parchi regolari (francesi) subordinavano la natura alla volontà e alle intenzioni dell'artista. Il parco di Versailles colpisce per la sua chiarezza e organizzazione razionale dello spazio, il suo disegno è accuratamente verificato dall'architetto con l'ausilio di compasso e righello.
I vicoli del parco sono percepiti come una continuazione delle sale del palazzo, ognuna delle quali termina con un serbatoio. Molte piscine hanno il corretto forma geometrica. I lisci specchi d'acqua nelle ore prima del tramonto riflettono i raggi del sole e le ombre stravaganti proiettate da cespugli e alberi tagliati a forma di cubo, cono, cilindro o palla. Il verde forma a volte muri solidi e impenetrabili, a volte ampie gallerie, in nicchie artificiali di cui sono poste composizioni scultoree, erme (pilastri tetraedrici coronati da una testa o un busto) e numerosi vasi con cascate di sottili getti d'acqua. Scultura allegorica di fontane realizzate maestri famosi, progettato per glorificare il regno di un monarca assoluto. Il "Re Sole" appariva in loro o sotto le spoglie del dio Apollo, o Nettuno, che cavalcava fuori dall'acqua su un carro o riposava tra le ninfe in una fresca grotta.
Tappeti lisci di prati stupiscono con colori vivaci e colorati con un bizzarro ornamento floreale. Nei vasi (ce n'erano circa 150mila) c'erano fiori freschi, che venivano cambiati in modo tale che Versailles fosse in costante fioritura in qualsiasi periodo dell'anno. I sentieri del parco sono cosparsi di sabbia colorata. Alcuni di loro erano rivestiti con scaglie di porcellana scintillanti al sole. Tutto questo splendore e splendore della natura era completato dagli odori di mandorle, gelsomino, melograno e limone, che si diffondevano dalle serre.
C'era natura in questo parco
Come se fosse inanimato;
Come con un alto sonetto,
Stavano scherzando con l'erba.
Niente balli, niente lamponi dolci,
Le Notre e Jean Lully
Nei giardini e nelle danze del disordine
Non potrei sopportarlo.
I tassi si congelarono, come in trance,
I cespugli allineati,
E fece un inchino
Fiori appresi.
V. Hugo Traduzione di E. L. Lipetskaya
N. M. Karamzin (1766-1826), che visitò Versailles nel 1790, parlò delle sue impressioni nelle Lettere di un viaggiatore russo:
“L'immensità, la perfetta armonia delle parti, l'azione del tutto: questo è ciò che il pittore non può rappresentare con un pennello!
Andiamo ai giardini, creazione di Le Nôtre, che ovunque il genio audace pose sul trono dell'arte orgogliosa, e l'umile Na-tura, come un povero schiavo, lo gettò ai suoi piedi ...
Quindi, non cercare la Natura nei giardini di Versailles; ma qui, ad ogni passo, l'Arte cattura lo sguardo... "
insiemi architettonici Parigi. Impero
Dopo il completamento dei principali lavori di costruzione a Versailles, a cavallo tra il XVII e il XVIII secolo, André Le Nôtre lanciò vigorosa attività per la riqualificazione di Parigi. Ha eseguito la scomposizione del Parco delle Tuileries, fissando chiaramente l'asse centrale sulla continuazione dell'asse longitudinale dell'insieme del Louvre. Dopo Le Nôtre, il Louvre fu finalmente ricostruito, fu creata Place de la Concorde. Il grande asse di Parigi ha dato un'interpretazione completamente diversa della città, che ha soddisfatto i requisiti di grandezza, grandiosità e splendore. La composizione degli spazi urbani aperti, il sistema di strade e piazze progettate architettonicamente divennero il fattore determinante nella pianificazione di Parigi. La nitidezza del disegno geometrico delle strade e delle piazze unite in un unico insieme diventerà per molti anni un criterio per valutare la perfezione dell'impianto urbanistico e l'abilità dell'urbanista. Molte città in tutto il mondo sperimenteranno successivamente l'influenza del classico modello parigino.
Una nuova comprensione della città come oggetto di influenza architettonica su una persona trova una chiara espressione nel lavoro sugli insiemi urbani. Nel processo della loro costruzione sono stati delineati i principi principali e fondamentali dell'urbanistica del classicismo: libero sviluppo nello spazio e connessione organica con l'ambiente. Superando il caos dello sviluppo urbano, gli architetti hanno cercato di creare complessi progettati per una visione libera e senza ostacoli.
I sogni rinascimentali di creare una “città ideale” si concretizzarono nella formazione di un nuovo tipo di piazza, i cui confini non erano più le facciate di certi edifici, ma lo spazio delle strade e dei quartieri ad essa adiacenti, parchi o giardini, un argine del fiume. L'architettura cerca di collegare in una certa unità d'insieme non solo edifici direttamente vicini, ma anche punti molto remoti della città.
Seconda metà del XVIII secolo e il primo terzo del XIX secolo. festeggiato in Francia nuovo stadio sviluppo del classicismo e sua diffusione nei paesi europei - neoclassicismo. Dopo la Grande Rivoluzione Francese e la Guerra Patriottica del 1812, nella pianificazione urbana apparvero nuove priorità, in sintonia con lo spirito del loro tempo. Hanno trovato l'espressione più sorprendente nello stile Impero. Era caratterizzato dalle seguenti caratteristiche: pathos cerimoniale di grandezza imperiale, monumentalità, richiamo all'arte della Roma imperiale e antico Egitto, l'uso di attributi della storia militare romana come principali motivi decorativi.
L'essenza del nuovo stile artistico è stata trasmessa in modo molto accurato nelle significative parole di Napoleone Bonaparte:
"Amo il potere, ma come artista... mi piace estrarne suoni, accordi, armonia."
Stile impero divenne la personificazione del potere politico e della gloria militare di Napoleone, servì come una sorta di manifestazione del suo culto. La nuova ideologia incontrava pienamente gli interessi politici e i gusti artistici del nuovo tempo. Ovunque furono creati grandi complessi architettonici di piazze aperte, ampie strade e viali, furono eretti ponti, monumenti ed edifici pubblici, a dimostrazione della grandezza imperiale e del potere del potere.
Ad esempio, il ponte Austerlitz ricordava la grande battaglia di Napoleone ed è stato costruito con le pietre della Bastiglia. In piazza Carruzel fu costruito Arco di Trionfo in onore della vittoria ad Austerlitz. Due piazze (Consenso e Stelle), separate l'una dall'altra a notevole distanza, erano collegate da prospettive architettoniche.
Chiesa di Santa Genoveffa, eretto da J. J. Soufflot, divenne il Pantheon, il luogo di riposo del grande popolo francese. Uno dei monumenti più spettacolari dell'epoca è la colonna della Grande Armata in Place Vendôme. Simile all'antica colonna romana di Traiano, doveva, secondo il progetto degli architetti J. Gonduin e J. B. Leper, esprimere lo spirito del Nuovo Impero e la sete di grandezza di Napoleone.
Nella decorazione interna luminosa di palazzi ed edifici pubblici, la solennità e la maestosa pomposità erano particolarmente apprezzate, il loro arredamento era spesso sovraccarico di accessori militari. I motivi dominanti erano combinazioni contrastanti di colori, elementi di ornamenti romani ed egizi: aquile, grifoni, urne, ghirlande, torce, grottesche. Lo stile Impero si manifestava più chiaramente negli interni delle residenze imperiali del Louvre e della Malmaison.
L'era di Napoleone Bonaparte terminò nel 1815 e ben presto iniziarono a sradicare attivamente la sua ideologia e i suoi gusti. Dall'Impero "scomparso come un sogno", c'erano opere d'arte in stile Impero, che testimoniavano chiaramente la sua antica grandezza.
Domande e compiti
1. Perché Versailles può essere attribuita a opere eccezionali?
Come idee urbanistiche del classicismo del XVIII secolo. hanno trovato la loro implementazione pratica negli insiemi architettonici di Parigi, ad esempio Place de la Concorde? Cosa la distingue dalle piazze barocche italiane della Roma del XVII secolo, come Piazza del Popolo (vedi p. 74)?
2. Come si è espressa la connessione tra barocco e classicismo? Quali idee ha ereditato il classicismo dal barocco?
3. Quali sono i retroscena storici dell'emergere dello stile Impero? Quali nuove idee del suo tempo cercava di esprimere nelle opere d'arte? Quale principi artistici si affida?
laboratorio creativo
1. Offri ai tuoi compagni di classe una visita guidata di Versailles. Per la sua preparazione, puoi utilizzare materiali video da Internet. I parchi di Versailles e Peterhof vengono spesso confrontati. Quale pensi sia la base per tali confronti?
2. Prova a confrontare l'immagine della "città ideale" dell'era rinascimentale con gli insiemi classicisti di Parigi (San Pietroburgo o la sua periferia).
3. Confronta il design della decorazione interna (interni) della galleria di Francesco I a Fontainebleau e della Galleria degli specchi di Versailles.
4. Conosci i dipinti dell'artista russo A. N. Benois (1870-1960) dal ciclo “Versailles. Cammino del Re” (vedi p. 74). Come trasmettono l'atmosfera generale della vita di corte del re francese Luigi XIV? Perché possono essere considerati come immagini-simboli peculiari?
Argomenti di progetti, abstract o messaggi
"La formazione del classicismo nell'architettura francese dei secoli XVII-XVIII"; "Versailles come modello di armonia e bellezza del mondo"; "A spasso per Versailles: il legame tra la composizione del palazzo e la sistemazione del parco"; "Capolavori dell'architettura del classicismo dell'Europa occidentale"; "L'impero napoleonico nell'architettura della Francia"; "Versailles e Peterhof: esperienza caratteristiche comparative»; « Scoperte artistiche negli insiemi architettonici di Parigi”; "Le piazze di Parigi e lo sviluppo dei principi di pianificazione regolare della città"; "Chiarezza di composizione ed equilibrio di volumi della cattedrale degli Invalides a Parigi"; "Concord Square è una nuova tappa nello sviluppo delle idee urbanistiche del classicismo"; “La dura espressività dei volumi e l'avarizia dell'arredamento della chiesa di St. Genevieve (Pantheon) di J. Soufflot”; "Caratteristiche del classicismo nell'architettura dei paesi dell'Europa occidentale"; "Eccezionali architetti del classicismo dell'Europa occidentale".
Libri per ulteriori letture
Arkin D. E. Immagini di architettura e immagini di scultura. M., 1990. Kantor A. M. e altri Arte del XVIII secolo. M., 1977. (Piccola storia delle arti).
Classicismo e Romanticismo: Architettura. Scultura. Pittura. Disegno / ed. R.Toman. M., 2000.
Kozhina E.F. Arte della Francia del XVIII secolo. L., 1971.
LenotrJ. La vita quotidiana di Versailles sotto i re. M., 2003.
Miretskaya N. V., Miretskaya E. V., Shakirova I. P. Cultura dell'Illuminismo. M., 1996.
Watkin D. Storia dell'architettura dell'Europa occidentale. M., 1999. Fedotova E.D. Impero napoleonico. M., 2008.
Nella preparazione del materiale, il testo del libro di testo "World cultura artistica. Dal XVIII secolo ad oggi” (Autore Danilova G. I.).
Il Rinascimento è uno dei periodi più importanti in sviluppo culturale umanità, perché è in questo momento che sorgono le basi di una cultura fondamentalmente nuova, che nasce la ricchezza di idee, pensieri, simboli che saranno utilizzati attivamente dalle generazioni successive in futuro. Nel XV sec. in Italia sta nascendo una nuova immagine della città, che si sviluppa più come un progetto, un modello futuro che una vera e propria incarnazione architettonica. Certo, nell'Italia rinascimentale hanno abbellito molto le città: hanno raddrizzato strade, livellato facciate, speso molti soldi per creare marciapiedi, ecc. Gli architetti hanno anche costruito nuove case, adattandole a spazi vuoti o, in rari casi , li ha eretti invece di demolire i vecchi edifici. Su tutto città italiana in realtà è rimasta medievale nel suo paesaggio architettonico. Non era un periodo di sviluppo urbano attivo, ma fu in questo momento che le questioni urbane iniziarono ad essere riconosciute come una delle aree più importanti della costruzione culturale. Sono apparsi molti trattati interessanti su cosa sia una città e non solo come fenomeno politico, ma anche socioculturale. Come appare agli occhi degli umanisti rinascimentali una città nuova, diversa da quella medievale?
In tutti i suoi modelli urbanistici, progetti e utopie, la città si è innanzitutto liberata dal suo prototipo sacro: la Gerusalemme celeste, l'arca, simbolo dello spazio della salvezza umana. Nel Rinascimento sorse l'idea di una città ideale, creata non secondo il prototipo divino, ma come risultato dell'attività creativa individuale dell'architetto. Il famoso L. B. Alberti, autore del classico Dieci libri sull'architettura, sosteneva che le idee architettoniche originali gli vengono spesso di notte, quando la sua attenzione è distratta e fa sogni in cui appaiono cose che non si rivelano durante la veglia. Questa descrizione secolarizzata del processo creativo è molto diversa dai classici atti di vedere cristiani.
Nuova città apparso nelle opere degli umanisti italiani corrispondente non alle norme celesti, ma a quelle terrene nel suo scopo sociale, politico, culturale e domestico. Fu costruito non sul principio della contrazione sacro-spaziale, ma sulla base di una delimitazione spaziale funzionale, del tutto laica, ed era suddiviso in spazi di piazze, strade, che si raggruppavano attorno a importanti edifici residenziali o pubblici. Tale ricostruzione, sebbene effettivamente realizzata in una certa misura, ad esempio, a Firenze, ma in misura maggiore si è rivelata realizzata a belle arti, nella realizzazione di dipinti rinascimentali e nei progetti architettonici. La città rinascimentale simboleggiava la vittoria dell'uomo sulla natura, la convinzione ottimistica che la "separazione" della civiltà umana dalla natura nel suo nuovo mondo creato dall'uomo avesse motivi ragionevoli, armoniosi e belli.
L'uomo del Rinascimento è un prototipo della civiltà della conquista dello spazio, che ha completato con le proprie mani ciò che si è rivelato incompiuto dal creatore. Ecco perché, quando progettavano le città, gli architetti amavano creare bei progetti, basati sul significato estetico di varie combinazioni di forme geometriche, in cui era necessario collocare tutti gli edifici necessari alla vita della comunità urbana. Le considerazioni utilitaristiche passarono in secondo piano e il libero gioco estetico delle fantasie architettoniche soggiogò la coscienza degli urbanisti dell'epoca. L'idea della libera creatività come base dell'esistenza dell'individuo è uno degli imperativi culturali più importanti del Rinascimento. creatività architettonica in questo caso incarnava anche questa idea, che si esprimeva nella creazione di progetti edilizi che assomigliavano più ad intricate fantasie ornamentali. In pratica, queste idee si sono rivelate attuate principalmente nella realizzazione di vari tipi di pavimentazioni in pietra, che sono state rivestite con lastre di forma regolare. Erano loro, come le principali innovazioni, di cui i cittadini erano orgogliosi, chiamandoli "diamante".
La città era originariamente concepita come un prodotto artificiale, opposto alla naturalezza del mondo naturale, perché, a differenza della città medievale, soggiogava e dominava lo spazio abitativo e non si limitava a inserirsi nel terreno. Pertanto, le città ideali del Rinascimento avevano una forma geometrica rigorosa a forma di quadrato, croce o ottagono. Secondo l'appropriata espressione di I. E. Danilova, i progetti architettonici di quel tempo erano, per così dire, sovrapposti al terreno dall'alto come sigillo del dominio della mente umana, a cui tutto è soggetto. Nell'era della New Age, l'uomo ha cercato di rendere il mondo prevedibile, ragionevole, per sbarazzarsi dell'incomprensibile gioco del caso o della fortuna. Così L. B. Alberti, nella sua opera “Sulla famiglia”, sosteneva che la mente gioca nelle vicende civili e nelle vita umana ruolo molto più importante della fortuna. Il celebre teorico dell'architettura e dell'urbanistica parlò della necessità di mettere alla prova e conquistare il mondo, estendendo ad esso le regole della matematica applicata e della geometria. La città rinascimentale, da questo punto di vista, era la forma più alta di conquista del mondo, dello spazio, perché i progetti urbanistici comportavano la riorganizzazione del paesaggio naturale per effetto dell'imposizione su di esso di una griglia geometrica di spazi delimitati. Esso, a differenza del Medioevo, era un modello aperto, il cui centro non era la cattedrale, ma lo spazio libero della piazza, che si apriva su tutti i lati con strade, con vedute in lontananza, oltre le mura cittadine.
Specialisti moderni Nel campo della cultura, sempre più attenzione viene prestata ai problemi dell'organizzazione spaziale delle città rinascimentali, in particolare, il tema della piazza cittadina, la sua genesi e semantica sono discussi attivamente in vari simposi internazionali. Scriveva R. Barthes: “La città è un tessuto costituito non da elementi equivalenti in cui si possono elencare le loro funzioni, ma da elementi significativi e insignificanti ... Inoltre, devo notare che stanno cominciando ad attaccare sempre più importanza al vuoto significativo invece che al vuoto di significato. In altre parole, gli elementi diventano sempre più significativi non in se stessi, ma a seconda della loro collocazione.
La città medievale, i suoi edifici, la chiesa incarnavano il fenomeno della vicinanza, la necessità di superare qualche barriera fisica o spirituale, che fosse una cattedrale o un palazzo simile a una piccola fortezza, questo è uno spazio speciale separato dal mondo esterno. La penetrazione lì simboleggiava sempre la familiarizzazione con qualche segreto nascosto. La piazza, invece, era simbolo di un'epoca completamente diversa: incarnava l'idea di apertura non solo verso l'alto, ma anche ai lati, attraverso strade, vicoli, finestre, ecc. La gente entrava sempre nella piazza da uno spazio chiuso. Al contrario, qualsiasi piazza creava la sensazione di uno spazio immediatamente aperto e aperto. Le piazze cittadine, per così dire, simboleggiavano il processo stesso di liberazione dai segreti mistici e incarnavano lo spazio apertamente desacralizzato. L. B. Alberti scriveva che la decorazione più importante delle città era data dalla posizione, direzione, corrispondenza, collocazione delle strade e delle piazze.
Queste idee furono rafforzate dalla pratica concreta della lotta per la liberazione degli spazi urbani dal controllo dei singoli clan familiari, svoltasi a Firenze nei secoli XIV e XV. F. Brunelleschi in questo periodo progetta tre nuove piazze della città. Le lapidi di vari nobili vengono rimosse dalle piazze, i mercati vengono ricostruiti di conseguenza. L'idea di spazio aperto è incarnata da L. B. Alberti in relazione alle pareti. Consiglia di utilizzare i colonnati il più spesso possibile per enfatizzare la convenzionalità delle pareti come ostacolo. Ecco perché l'arco dell'Alberti è percepito come l'opposto delle porte chiuse della città. L'arco è sempre aperto, come se servisse da cornice per aprire le viste e quindi collegare lo spazio urbano.
L'urbanizzazione rinascimentale non implica la vicinanza e l'isolamento dello spazio urbano, ma, al contrario, la sua distribuzione al di fuori della città. Il pathos offensivo aggressivo del "conquistatore della natura" è dimostrato dai progetti di Francesco di Giorgio Martini. Yu. M. Lotman ha scritto di questo impulso spaziale, caratteristico dei suoi trattati. Le fortezze Martini hanno nella maggior parte dei casi la forma di una stella, che è scoperta in tutte le direzioni dagli angoli delle mura con bastioni fortemente estesi verso l'esterno. Questa soluzione architettonica è stata in gran parte dovuta all'invenzione della palla di cannone. I cannoni, montati su bastioni molto avanzati nello spazio, permettevano di contrastare attivamente i nemici, colpirli a grande distanza e impedire loro di raggiungere le mura principali.
Leonardo Bruni, nelle sue opere elogiative dedicate a Firenze, appare davanti a noi piuttosto che città reale, ma una dottrina socio-culturale incarnata, poiché sta cercando di "correggere" l'assetto urbano e descrivere l'ubicazione degli edifici in un modo nuovo. Di conseguenza, il Palazzo Signoria risulta essere al centro della città, da cui, come simbolo del potere urbano, divergono cinte murarie, fortificazioni, ecc., più ampie che in realtà.In questa descrizione, Bruni si discosta dal modello chiuso di una città medievale e cerca di incarnare nuova idea l'idea di espansione urbana, che è una sorta di simbolo di una nuova era. Firenze si impadronisce delle terre vicine e soggioga vasti territori.
Così, la città ideale nel XV secolo. è concepito non in una proiezione verticale sacralizzata, ma in uno spazio socio-culturale orizzontale, inteso non come sfera di salvezza, ma come confortevole ambiente di vita. Ecco perché la città ideale è rappresentata dagli artisti del XV secolo. non come una meta lontana, ma dall'interno, come una sfera bella e armoniosa della vita umana.
Tuttavia, è necessario notare alcune contraddizioni originariamente presenti nell'immagine della città rinascimentale. Nonostante in questo periodo siano apparse magnifiche e confortevoli dimore di un nuovo tipo, create principalmente “per il bene del popolo”, la città stessa comincia già a essere percepita come una gabbia di pietra, che non consente lo sviluppo di una personalità umana libera e creativa. Il paesaggio urbano può essere percepito come qualcosa che contraddice la natura e, come sapete, è la natura (sia umana che non umana) oggetto di ammirazione estetica per artisti, poeti e pensatori dell'epoca.
L'inizio dell'urbanizzazione dello spazio socio-culturale, anche nelle sue forme primarie, rudimentali ed entusiasticamente percepite, suscitava già un sentimento di solitudine ontologica, di abbandono nel mondo nuovo, “orizzontale”. In futuro, questa dualità si svilupperà, trasformandosi in un'acuta contraddizione della coscienza culturale dei tempi moderni e portando all'emergere di scenari utopici antiurbani.
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Culturologia
Teoria della cultura. La culturologia nel sistema dei saperi socio-umanitari. Teorie culturali di base e scuole del nostro tempo. Le dinamiche della cultura. Storia della cultura. Civiltà antica - la culla cultura europea. Cultura del Medioevo europeo. Problemi reali cultura moderna. Volti nazionali della cultura in un mondo in via di globalizzazione. Lingue e codici della cultura.
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L'unità di storico e logico nella comprensione della cultura
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Morfologia della cultura
Norme e valori della cultura
Funzioni della cultura
Arte rinascimentale
Rinascimento- questo è il periodo di massimo splendore di tutte le arti, compreso il teatro, la letteratura e la musica, ma, senza dubbio, la principale tra esse, che esprimeva più pienamente lo spirito del suo tempo, erano le belle arti.
Non a caso esiste una teoria secondo cui il Rinascimento ebbe inizio con il fatto che gli artisti non si accontentarono più del quadro dello stile "bizantino" dominante e, alla ricerca di modelli per il loro lavoro, furono i primi a rivolgersi a all'antichità. Il termine "Rinascimento" (Rinascimento) fu introdotto dal pensatore e artista dell'epoca stessa, Giorgio Vasari ("Biografia di famosi pittori, scultori e architetti"). Così chiamò il tempo dal 1250 al 1550. Dal suo punto di vista, questo era il momento della rinascita dell'antichità. Per Vasari l'antichità appare in modo ideale.
In futuro, il contenuto del termine si è evoluto. La rinascita cominciò a significare l'emancipazione della scienza e dell'arte dalla teologia, un raffreddamento verso l'etica cristiana, la nascita delle letterature nazionali, il desiderio dell'uomo di libertà dalle restrizioni della Chiesa cattolica. Cioè, il Rinascimento, in sostanza, cominciò a significare umanesimo.
RISVEGLIO, RINASCIMENTO(Francese renais sance - rinascita) - una delle più grandi epoche, punto di svolta nello sviluppo dell'arte mondiale tra il Medioevo e il nuovo tempo. Il Rinascimento copre i secoli XIV-XVI. in Italia, secoli XV-XVI. negli altri paesi europei. Questo periodo nello sviluppo della cultura ha ricevuto il suo nome: Rinascimento (o Rinascimento) in connessione con il risveglio dell'interesse per l'arte antica. Tuttavia, gli artisti di quel tempo non solo copiavano vecchi schemi, ma vi inserivano anche un contenuto qualitativamente nuovo. Il Rinascimento non dovrebbe essere considerato uno stile o una direzione artistica, poiché in quest'epoca c'erano vari stili, tendenze, correnti artistiche. L'ideale estetico del Rinascimento si è formato sulla base di una nuova visione del mondo progressista: l'umanesimo. Il mondo reale e l'uomo sono stati proclamati il valore più alto: l'uomo è la misura di tutte le cose. Il ruolo della persona creativa è particolarmente aumentato.
Il pathos umanistico dell'epoca si incarnava al meglio nell'arte, che, come nei secoli precedenti, mirava a dare un'immagine dell'universo. La novità era che cercavano di unire il materiale e lo spirituale in un tutt'uno. Era difficile trovare una persona indifferente all'arte, ma la preferenza era data alle belle arti e all'architettura.
Pittura italiana del XV secolo per lo più monumentali (affreschi). La pittura occupa un posto di primo piano tra i tipi di belle arti. Corrisponde nel modo più completo al principio rinascimentale di "imitare la natura". Un nuovo sistema visivo si forma sulla base dello studio della natura. L'artista Masaccio ha dato un degno contributo allo sviluppo della comprensione del volume, della sua trasmissione con l'ausilio del chiaroscuro. Scoperta e fondamento scientifico delle leggi del lineare e prospettiva aerea influenzò in modo significativo l'ulteriore destino della pittura europea. Si sta formando un nuovo linguaggio plastico della scultura, il suo fondatore è stato Donatello. Ha fatto rivivere la statua rotonda indipendente. La sua opera migliore è la scultura del David (Firenze).
In architettura vengono resuscitati i principi dell'antico sistema di ordine, viene aumentata l'importanza delle proporzioni, si formano nuovi tipi di edifici (palazzo cittadino, villa di campagna, ecc.), la teoria dell'architettura e il concetto di città ideale sono in fase di sviluppo. L'architetto Brunelleschi costruì edifici in cui unì l'antica comprensione dell'architettura e le tradizioni del tardo gotico, raggiungendo una nuova spiritualità figurativa dell'architettura, sconosciuta agli antichi. Durante l'alto Rinascimento, la nuova visione del mondo si incarnava al meglio nell'opera di artisti giustamente chiamati geni: Leonardo da Vinci, Raffaello, Michelangelo, Giorgione e Tiziano. Gli ultimi due terzi del XVI secolo chiamato tardo rinascimentale. In questo momento, la crisi riguarda l'arte. Diventa regolato, cortese, perde il suo calore e la sua naturalezza. Tuttavia, singoli grandi artisti - Tiziano, Tintoretto continuano a creare capolavori durante questo periodo.
Il Rinascimento italiano ha avuto un enorme impatto sull'arte di Francia, Spagna, Germania, Inghilterra e Russia.
L'aumento dello sviluppo dell'arte dei Paesi Bassi, della Francia e della Germania (secoli XV-XVI) è chiamato il Rinascimento settentrionale. L'opera dei pittori Jan van Eyck, P. Brueghel il Vecchio è l'apice di questo periodo nello sviluppo dell'arte. In Germania, A. Dürer è stato il più grande artista del Rinascimento tedesco.
Le scoperte fatte durante il Rinascimento nel campo della cultura spirituale e dell'arte furono di grande importanza storica per lo sviluppo dell'arte europea nei secoli successivi. L'interesse per loro continua ancora oggi.
Il Rinascimento in Italia ha attraversato diverse fasi: primo Rinascimento, alto Rinascimento, tardo Rinascimento. Firenze divenne la culla del Rinascimento. Le basi della nuova arte furono sviluppate dal pittore Masaccio, dallo scultore Donatello e dall'architetto F. Brunelleschi.
Il primo a creare dipinti invece di icone fu il più grande maestro del Proto-Rinascimento Giotto. Fu il primo a sforzarsi di trasmettere idee etiche cristiane attraverso la rappresentazione di sentimenti ed esperienze umane reali, sostituendo il simbolismo con la rappresentazione dello spazio reale e di oggetti specifici. Sui famosi affreschi di Giotto in Cappella dell'Arena a Padova puoi vedere personaggi abbastanza insoliti accanto ai santi: pastori o filatori. Ogni singola persona in Giotto esprime esperienze ben definite, un carattere definito. 
Nell'era del primo Rinascimento nell'arte avviene lo sviluppo dell'antico patrimonio artistico, si formano nuovi ideali etici, gli artisti si rivolgono alle conquiste della scienza (matematica, geometria, ottica, anatomia). Il ruolo principale nella formazione dei principi ideologici e stilistici dell'arte del primo Rinascimento è svolto da Firenze. Nelle immagini create da maestri come Donatello, Verrocchio, la statua equestre del condottiero Gattamelata David di Donatello domina i principi eroici e patriottici ("San Giorgio" e "David" di Donatello e "David" di Verrocchio). 
Masaccio fu il fondatore della pittura rinascimentale.(murales nella Cappella Brancacci, "Trinità"), Masaccio è stato in grado di trasmettere la profondità dello spazio, ha collegato la figura e il paesaggio con un'unica idea compositiva e ha dato agli individui l'espressività del ritratto.
Ma la formazione e l'evoluzione del ritratto pittorico, che riflette l'interesse della cultura rinascimentale per l'uomo, sono associate ai nomi degli artisti della scuola Umrbi: Piero della Francesca, Pinturicchio.
Il lavoro dell'artista si distingue nel primo Rinascimento Sandro Botticelli. Le immagini che ha creato sono spiritualizzate e poetiche. I ricercatori notano l'astrazione e il raffinato intellettualismo nelle opere dell'artista, il suo desiderio di creare composizioni mitologiche dal contenuto complicato e crittografato ("Primavera", "La nascita di Venere"). Uno dei biografi di Botticelli ha affermato che le sue Madonne e Veneri danno l'impressione di perdita, provocandoci una sensazione di tristezza indelebile... Alcuni di loro hanno perso il cielo, altri - la terra. 
"Primavera" "Nascita di Venere"
Il culmine nello sviluppo dei principi ideologici e artistici del Rinascimento italiano è Alto Rinascimento. Il fondatore dell'arte dell'Alto Rinascimento è Leonardo da Vinci - grande artista e scienziato.
Ha creato una serie di capolavori: "Mona Lisa" ("La Gioconda") A rigor di termini, il volto stesso della Gioconda si distingue per moderazione e calma, il sorriso che ha creato la sua fama mondiale e che in seguito è diventato una parte indispensabile delle opere della scuola di Leonardo è appena percettibile in esso. Ma nella foschia dolcemente fondente che avvolge il viso e la figura, Leonardo è riuscito a far sentire l'infinita variabilità delle espressioni facciali umane. Sebbene gli occhi della Gioconda guardino attentamente e con calma lo spettatore, a causa dell'ombreggiatura delle sue orbite, si potrebbe pensare che siano leggermente accigliati; le sue labbra sono compresse, ma vicino ai loro angoli si delineano ombre appena percettibili, che fanno credere che ogni minuto si apriranno, sorrideranno, parleranno. Il contrasto stesso tra il suo sguardo e il mezzo sorriso sulle sue labbra dà un'idea della natura contraddittoria delle sue esperienze. Non invano Leonardo ha torturato il suo modello con lunghe sessioni. Come nessun altro, è riuscito a trasmettere ombre, sfumature e mezzitoni in questa immagine, che danno origine a una sensazione di vita tremante. Non c'è da stupirsi che Vasari abbia pensato che sul collo della Gioconda si vede come batte una vena.
Nel ritratto della Gioconda, Leonardo non solo ha trasmesso perfettamente il corpo e l'ambiente aereo che lo avvolge. Ci mise anche la comprensione di ciò di cui l'occhio ha bisogno affinché un quadro produca un'impressione armoniosa, motivo per cui tutto sembra che le forme nascano naturalmente l'una dall'altra, come accade nella musica quando si risolve una dissonanza tesa da un accordo armonioso. La Gioconda è perfettamente inscritta in un rettangolo rigorosamente proporzionale, la sua mezza figura forma qualcosa di intero, le mani giunte conferiscono completezza alla sua immagine. Ora, ovviamente, non si poteva parlare dei bizzarri riccioli della prima Annunciazione. Tuttavia, per quanto ammorbiditi tutti i contorni, la ciocca ondulata dei capelli della Gioconda è in sintonia con il velo trasparente, e il tessuto sospeso gettato sulla spalla trova un'eco nelle sinuose curve della strada lontana. In tutto questo Leonardo mostra la sua capacità di creare secondo le leggi del ritmo e dell'armonia. “In termini di tecnica, Monna Lisa è sempre stata considerata qualcosa di inspiegabile. Ora penso di poter rispondere a questo indovinello", dice Frank. Secondo lui, Leonardo ha usato la tecnica che ha sviluppato "sfumato" (italiano "sfumato", letteralmente - "scomparso come il fumo"). Il trucco è che gli oggetti nei dipinti non dovrebbero avere confini chiari, tutto dovrebbe passare agevolmente dall'uno all'altro, i contorni degli oggetti sono ammorbiditi con l'aiuto della foschia leggera e aerea che li circonda. La principale difficoltà di questa tecnica risiede nei tratti più piccoli (circa un quarto di millimetro) che non sono accessibili per il riconoscimento né al microscopio né ai raggi X. Pertanto, ci sono volute diverse centinaia di sessioni per dipingere un dipinto da Vinci. L'immagine della Gioconda è composta da circa 30 strati di pittura ad olio liquida, quasi trasparente. Per tali lavori di gioielleria, apparentemente l'artista doveva usare una lente d'ingrandimento. Forse l'uso di una tecnica così laboriosa spiega il lungo tempo impiegato a lavorare sul ritratto - quasi 4 anni. 
, "L'ultima Cena" fa un'impressione duratura. Sul muro, come per superarlo e portare lo spettatore nel mondo dell'armonia e delle visioni maestose, si svolge l'antico dramma gospel della fiducia ingannata. E questo dramma trova la sua risoluzione in un impulso generale diretto al personaggio principale: un marito dal volto addolorato, che accetta quanto sta accadendo come inevitabile. Cristo aveva appena detto ai suoi discepoli: "Uno di voi mi tradirà". Il traditore siede con gli altri; gli antichi maestri raffiguravano Giuda seduto separato, ma Leonardo metteva in risalto in modo molto più convincente il suo cupo isolamento, avvolgendo i suoi lineamenti con un'ombra. Cristo è sottomesso al suo destino, pieno di coscienza del sacrificio della sua impresa. La sua testa inclinata con gli occhi abbassati, il gesto delle sue mani sono infinitamente belli e maestosi. Un incantevole paesaggio si apre attraverso la finestra dietro la sua figura. Cristo è il centro di tutta la composizione, di tutto quel vortice di passioni che imperversano intorno. La sua tristezza e calma sono, per così dire, eterne, naturali - e questo è il significato profondo del dramma mostrato: cercava nella natura le fonti delle forme d'arte perfette, ma N. Berdyaev lo considera responsabile del processo in arrivo di meccanizzazione e meccanizzazione della vita umana, che ha strappato una persona dalla natura.
La pittura raggiunge l'armonia classica nella creatività Raffaello. La sua arte si evolve dalle prime fredde immagini umbre delle Madonne (Madonna Conestabile) al mondo del "cristianesimo felice" delle opere fiorentine e romane. "Madonna con cardellino" e "Madonna in poltrona" sono morbidi, umani e persino ordinari nella loro umanità. 
Ma l'immagine della "Madonna Sistina" è maestosa, collegando simbolicamente il mondo celeste e quello terreno. Soprattutto, Raffaello è conosciuto come il creatore di dolci immagini di Madonne. Ma nella pittura incarnava sia l'ideale dell'uomo universale rinascimentale (ritratto di Castiglione), sia il dramma degli eventi storici. La Madonna Sistina (1513 circa, Dresda, Pinacoteca) è una delle opere più ispirate dell'artista. Scritto come pala d'altare per la chiesa del monastero di S. Sisto a Piacenza, questo dipinto, per disegno, composizione e interpretazione dell'immagine, si discosta notevolmente dalle Madonne del periodo fiorentino. Invece di un'immagine intima e terrena di una bella fanciulla che segue con condiscendenza i divertimenti di due bambini, qui abbiamo una visione meravigliosa apparsa improvvisamente nel cielo a causa di una tenda tirata su da qualcuno. Circondata da un fulgore dorato, solenne e maestoso, Maria cammina tra le nuvole, tenendo davanti a sé il Cristo bambino. Sinistra e destra si inginocchiano davanti a lei S. Sisto e S. Barbara. La composizione simmetrica, rigorosamente equilibrata, la chiarezza della silhouette e la monumentale generalizzazione delle forme conferiscono alla Madonna Sistina una grandezza speciale.
In questo quadro Raffaello, forse in misura maggiore che altrove, riuscì a coniugare la veridicità realistica dell'immagine con i tratti della perfezione ideale. L'immagine della Madonna è complessa. La commovente purezza e l'ingenuità di una giovanissima donna si uniscono in lui alla ferma determinazione e all'eroica prontezza al sacrificio. Questo eroismo rende l'immagine della Madonna legata alle migliori tradizioni dell'umanesimo italiano. La combinazione dell'ideale e del reale in questa immagine richiama alla mente le note parole di Raffaello in una lettera all'amico B. Castiglione. "E ti dirò", ha scritto Raphael, "che per scrivere una bellezza, ho bisogno di vedere molte bellezze ... ma a causa della mancanza ... nelle belle donne, uso un'idea che mi viene in mente . Non so se abbia una qualche perfezione, ma mi sforzo molto di raggiungerla. Queste parole fanno luce sul metodo creativo dell'artista. Partendo dalla realtà e facendo affidamento su di essa, si sforza allo stesso tempo di elevare l'immagine al di sopra di tutto ciò che è accidentale e transitorio.
Michelangelo(1475-1564) - senza dubbio uno degli artisti più ispirati nella storia dell'arte e, insieme a Leonardo da Vinci, la figura più potente dell'alto rinascimento italiano. Come scultore, architetto, pittore e poeta, Michelangelo ebbe un'enorme influenza sui suoi contemporanei e sulla successiva arte occidentale in generale.
Si considerava fiorentino, sebbene fosse nato il 6 marzo 1475 nel piccolo villaggio di Caprese vicino alla città di Arezzo. Michelangelo amava profondamente la sua città, la sua arte, la sua cultura e portò questo amore fino alla fine dei suoi giorni. Trascorse la maggior parte dei suoi anni maturi a Roma, lavorando per i papi; lasciò però testamento, secondo il quale il suo corpo fu sepolto a Firenze, in una bella tomba nella chiesa di Santa Croce.
Michelangelo completò la scultura in marmo Pietà(Compianto su Cristo) (1498-1500), che si trova ancora nella sua collocazione originaria - nella Cattedrale di San Pietro. Questa è una delle opere più famose nella storia dell'arte mondiale. La pietà fu probabilmente completata da Michelangelo prima che avesse 25 anni. Questa è l'unica opera che ha firmato. La giovane Maria è raffigurata con il Cristo morto sulle ginocchia, immagine mutuata dall'arte nordeuropea. Lo sguardo di Mary non è tanto triste quanto solenne. Questo è il punto più alto della creatività del giovane Michelangelo. 
L'opera non meno significativa del giovane Michelangelo era un'immagine di marmo gigante (4,34 m). Davide(Accademia, Firenze), eseguito tra il 1501 e il 1504, dopo essere tornato a Firenze. Eroe Vecchio Testamento raffigurato da Michelangelo sotto forma di un giovane bello, muscoloso e nudo che guarda in lontananza con ansia, come se stesse valutando il suo nemico - Golia, con il quale deve combattere. L'espressione vivace e tesa del volto di David è caratteristica di molte delle opere di Michelangelo: questo è un segno del suo modo scultoreo individuale. Il David, la scultura più famosa di Michelangelo, è diventato un simbolo di Firenze ed era originariamente collocato in Piazza della Signoria di fronte a Palazzo Vecchio, il municipio fiorentino. Con questa statua, Michelangelo dimostrò ai suoi contemporanei di aver superato non solo tutti gli artisti contemporanei, ma anche i maestri dell'antichità.
Dipinto sulla volta della Cappella Sistina Nel 1505 Michelangelo fu convocato a Roma da papa Giulio II per adempiere a due ordini. Il più importante fu l'affresco della volta della Cappella Sistina. Lavorando sdraiato su un'alta impalcatura proprio sotto il soffitto, Michelangelo realizzò le più belle illustrazioni per alcune storie bibliche tra il 1508 e il 1512. Sulla volta della cappella papale, ha raffigurato nove scene del Libro della Genesi, iniziando con la separazione della luce dalle tenebre e includendo la creazione di Adamo, la creazione di Eva, la tentazione e la caduta di Adamo ed Eva e il diluvio universale . Intorno ai dipinti principali si alternano immagini di profeti e sibille su troni marmorei, altri personaggi dell'Antico Testamento e gli antenati di Cristo.
Per preparare questa grande opera, Michelangelo realizzò un numero enorme di schizzi e cartoni, sui quali raffigurò le figure dei soggetti in una varietà di pose. Queste immagini regali e potenti dimostrano la magistrale comprensione dell'artista dell'anatomia e del movimento umano, che ha dato slancio a una nuova direzione nell'arte dell'Europa occidentale. 
Altre due eccellenti statue, Prigioniero legato e Morte di uno schiavo(entrambi c. 1510-13) sono al Louvre, Parigi. Dimostrano l'approccio di Michelangelo alla scultura. A suo avviso le figure sono semplicemente racchiuse all'interno del blocco di marmo, ed è compito dell'artista liberarle asportando la pietra in eccesso. Spesso Michelangelo lasciava le sculture incompiute, o perché non servivano più o semplicemente perché perdevano interesse per l'artista. 
Biblioteca di San Lorenzo Il progetto della tomba di Giulio II richiese uno studio architettonico, ma il serio lavoro di Michelangelo in campo architettonico iniziò solo nel 1519, quando gli fu commissionata la facciata della Biblioteca di San Lorenzo a Firenze, dove l'artista tornò nuovamente ( questo progetto non è mai stato realizzato). Negli anni Venti del Cinquecento progettò anche l'elegante atrio della Biblioteca annessa alla chiesa di San Lorenzo. Queste strutture furono completate solo pochi decenni dopo la morte dell'autore.
Michelangelo, aderente alla fazione repubblicana, partecipò negli anni 1527-29 alla guerra contro i Medici. Le sue responsabilità includevano la costruzione e la ricostruzione delle fortificazioni di Firenze. 
Cappelle Medicee. Dopo aver vissuto a Firenze per un periodo piuttosto lungo, Michelangelo portò a termine tra il 1519 e il 1534 l'incarico della famiglia Medici di erigere due sepolcri nella nuova sacrestia della chiesa di San Lorenzo. In una sala dall'alta volta a cupola, l'artista fece erigere addossate alle pareti due magnifiche tombe, destinate a Lorenzo De Medici, duca di Urbino ea Giuliano De Medici, duca di Nemours. Due tombe complesse sono state concepite come rappresentazioni di tipi opposti: Lorenzo - una persona chiusa in se stessa, una persona riflessiva, ritirata; Giuliano, invece, è attivo, aperto. Sopra la tomba di Lorenzo, lo scultore ha collocato sculture allegoriche del Mattino e della Sera, e sopra la tomba di Giuliano - allegorie del Giorno e della Notte. I lavori sulle tombe medicee continuarono dopo che Michelangelo tornò a Roma nel 1534. Non ha mai più visitato la sua amata città.
Giudizio Universale
Dal 1536 al 1541 Michelangelo lavorò a Roma per dipingere la parete dell'altare della Cappella Sistina in Vaticano. Il più grande affresco del Rinascimento raffigura il giorno del Giudizio Universale: Cristo, con un fulmine infuocato in mano, divide inesorabilmente tutti gli abitanti della terra nei giusti salvati, raffigurati sul lato sinistro della composizione, e i peccatori che scendono in Inferno di Dante (lato sinistro dell'affresco). Seguendo rigorosamente la propria tradizione, Michelangelo originariamente dipinse tutte le figure nude, ma un decennio dopo alcuni artisti puritani le "vestirono" man mano che il clima culturale diventava più conservatore. Michelangelo ha lasciato il proprio autoritratto sull'affresco: il suo volto è facilmente intuibile sulla pelle strappata dal Santo Martire Apostolo Bartolomeo.
Sebbene in questo periodo Michelangelo avesse altre commissioni pittoriche, come la pittura della cappella di San Paolo Apostolo (1940), prima di tutto cercò di dedicare tutte le sue forze all'architettura.
Cupola della Cattedrale di San Pietro. Nel 1546 Michelangelo fu nominato capo architetto della Cattedrale di San Pietro in Vaticano, che era in costruzione. L'edificio fu costruito secondo il progetto di Donato Bramante, ma Michelangelo si occupò infine della costruzione dell'abside dell'altare e dello sviluppo della soluzione ingegneristica e artistica per la cupola della cattedrale. Il completamento della costruzione della Cattedrale di San Pietro fu il più alto traguardo del maestro fiorentino nel campo dell'architettura. Durante la sua lunga vita, Michelangelo fu intimo amico di principi e papi, da Lorenzo de Medici a Leone X, Clemente VIII e Pio III, oltre che di molti cardinali, pittori e poeti. Il carattere dell'artista, la sua posizione nella vita è difficile da comprendere in modo inequivocabile attraverso le sue opere: sono così diverse. Tranne forse nella poesia, nelle sue stesse poesie, Michelangelo si è rivolto più spesso e più profondamente a questioni di creatività e al suo posto nell'arte. Un posto importante nelle sue poesie è dato ai problemi e alle difficoltà che ha dovuto affrontare nel suo lavoro e ai rapporti personali con i rappresentanti più importanti di quell'epoca. poeti famosi Rinascimento Lodovico Ariosto ha scritto un epitaffio per questo famoso artista: "Michele è più che mortale, è un angelo divino". 
