Artisti stranieri del Rinascimento. Grandi artisti del Rinascimento italiano

Sandro Botticelli(1 marzo 1445 -- 17 maggio 1510) -- profondo uomo religioso, ha lavorato in tutte le principali chiese di Firenze e nella Cappella Sistina del Vaticano, ma nella storia dell'arte è rimasto principalmente come autore di tele poetiche di grande formato su soggetti ispirati all'antichità classica - "Primavera" e "La nascita di Venere". .

Per molto tempo Botticelli è stato all'ombra dei giganti del Rinascimento che hanno lavorato dopo di lui, finché non è entrato metà del diciannovesimo secolo riscoperto dai preraffaelliti britannici, che veneravano la fragile linearità e la freschezza primaverile delle sue tele mature come il punto più alto nello sviluppo dell'arte mondiale.

Nato nella famiglia di un ricco cittadino Mariano di Vanni Filipepi. Ha ricevuto una buona educazione. Studiò pittura con il frate Filippo Lippi e da lui assunse quella passione nel raffigurare motivi toccanti che contraddistingue i dipinti storici di Lippi. Poi ha lavorato per il famoso scultore Verrocchio. Nel 1470 organizzò la propria bottega..

Ha adottato la sottigliezza e la precisione delle linee dal suo secondo fratello, che era un gioielliere. Per qualche tempo studiò con Leonardo da Vinci nella bottega del Verrocchio. La caratteristica originale del talento di Botticelli è la sua inclinazione verso il fantastico. Fu uno dei primi a introdurre il mito antico e l'allegoria nell'arte del suo tempo, e lavorò con particolare amore su soggetti mitologici. Particolarmente spettacolare è la sua Venere, che nuota nuda sul mare in una conchiglia, e gli dei dei venti la inondano di una pioggia di rose e spingono la conchiglia a riva.

La migliore creazione di Botticelli è considerata gli affreschi che iniziò nel 1474 nella Cappella Sistina in Vaticano. Ha completato molti dipinti commissionati dai Medici. In particolare dipinse lo stendardo di Giuliano Medici, fratello di Lorenzo il Magnifico. Negli anni 1470 e 1480 il ritratto diventa genere indipendente nell'opera di Botticelli ("Uomo con medaglia", c. 1474; "Giovane", 1480). Botticelli divenne famoso per il suo delicato gusto estetico e per opere come L'Annunciazione (1489-1490), L'abbandonata (1495-1500), ecc. l'anno scorso della sua vita, Botticelli, a quanto pare, ha lasciato la pittura ..

Sandro Botticelli è sepolto nella tomba di famiglia nella chiesa di Ognisanti a Firenze. Secondo il testamento, fu sepolto vicino alla tomba di Simonetta Vespucci, che ha ispirato di più belle immagini maestri.

Leonardo di Ser Piero da Vinci(15 aprile 1452, il villaggio di Anchiano, vicino alla città di Vinci, vicino a Firenze - 2 maggio 1519, - il grande artista italiano (pittore, scultore, architetto) e scienziato (anatomista, naturalista), inventore, scrittore, uno Di maggiori rappresentanti arte dell'Alto Rinascimento, primo esempio di "uomo universale". .

Leonardo è noto principalmente ai nostri contemporanei come artista. Inoltre, è possibile che da Vinci potesse essere uno scultore: i ricercatori dell'Università di Perugia - Giancarlo Gentilini e Carlo Sisi - affermano che la testa in terracotta da loro trovata nel 1990 è l'unica opera scultorea di Leonardo da Vinci pervenuta a noi. Tuttavia, lo stesso da Vinci in diversi periodi della sua vita si considerava principalmente un ingegnere o uno scienziato. Non dedicò molto tempo alle belle arti e lavorò piuttosto lentamente. Ecco perché patrimonio artistico Leonardo non è molto numeroso e molte delle sue opere sono andate perdute o gravemente danneggiate. Tuttavia, il suo contributo al mondo cultura artisticaè estremamente importante anche sullo sfondo della coorte di geni che ha dato il Rinascimento italiano. Grazie al suo lavoro, l'arte della pittura è passata a un livello qualitativo nuovo stadio del suo sviluppo. Gli artisti rinascimentali che hanno preceduto Leonardo abbandonarono decisamente molte delle convenzioni dell'arte medievale. È stato un movimento verso il realismo e molto è già stato realizzato nello studio della prospettiva, dell'anatomia, di una maggiore libertà nelle decisioni compositive. Ma in termini di pittoricità, lavoro con la pittura, gli artisti erano ancora piuttosto convenzionali e limitati. La linea nell'immagine delineava chiaramente il soggetto e l'immagine aveva l'aspetto di un disegno dipinto. Il più condizionale è stato il paesaggio, che ha giocato ruolo secondario. .

Leonardo ha realizzato e implementato un nuovo tecnica pittorica. La sua linea ha il diritto di sfocarsi, perché è così che la vediamo. Ha realizzato il fenomeno della dispersione della luce nell'aria e l'aspetto dello sfumato - foschia tra lo spettatore e l'oggetto raffigurato, che ammorbidisce i contrasti di colore e le linee. Di conseguenza, il realismo nella pittura è passato a un livello qualitativamente nuovo. . pittura rinascimentale botticelli rinascimento

Raffaele Santi(28 marzo 1483 - 6 aprile 1520) - il grande pittore, grafico e architetto italiano, rappresentante della scuola umbra ..

Il figlio del pittore Giovanni Santi ha avuto una prima formazione artistica ad Urbino con il padre Giovanni Santi, ma in giovane età è finito in studio artista eccezionale Pietro Perugino. Esattamente linguaggio artistico e la figuratività dei dipinti del Perugino, con la loro gravitazione verso una composizione simmetrica ed equilibrata, la chiarezza della risoluzione spaziale e la morbidezza nella risoluzione del colore e dell'illuminazione, ebbero un'influenza primaria sulla maniera del giovane Raffaello.

Occorre anche precisare che lo stile creativo di Raffaello comprendeva una sintesi di tecniche e reperti di altri maestri. Dapprima Raffaello fece affidamento sull'esperienza del Perugino, poi a sua volta sulle scoperte di Leonardo da Vinci, Fra Bartolomeo, Michelangelo. .

Primi lavori(“Madonna Conestabile” 1502-1503) sono intrise di grazia, di morbido lirismo. L'esistenza terrena dell'uomo, l'armonia dello spirituale e forza fisica glorificato nei murales delle stanze del Vaticano (1509-1517), avendo raggiunto un impeccabile senso di proporzione, ritmo, proporzioni, eufonia del colore, unità di figure e maestosi sfondi architettonici ..

A Firenze, entrato in contatto con le opere di Michelangelo e Leonardo, Raffaello apprese da loro l'immagine anatomicamente corretta del corpo umano. All'età di 25 anni l'artista si reca a Roma, e da quel momento inizia il periodo di massima fioritura della sua opera: esegue murales monumentali nei Palazzi Vaticani (1509--1511), tra cui il capolavoro indiscusso del maestro - l'affresco "La scuola di Atene", scrive composizioni d'altare e dipinti da cavalletto, contraddistinti dall'armonia del disegno e dell'esecuzione, lavora come architetto (per qualche tempo Raffaello sovrintende anche alla costruzione della Cattedrale di San Pietro). Nella ricerca instancabile del suo ideale, incarnato per l'artista nell'immagine della Madonna, crea la sua creazione più perfetta: la "Madonna Sistina" (1513), simbolo di maternità e abnegazione. I dipinti e gli affreschi di Raffaello furono riconosciuti dai suoi contemporanei e presto Santi divenne una figura centrale nella vita artistica di Roma. Molte persone nobili d'Italia volevano sposarsi con l'artista, incluso il cardinale Bibbiena, amico intimo di Raffaello. L'artista è morto all'età di trentasette anni per insufficienza cardiaca. I dipinti incompiuti della Villa Farnesina, delle Logge Vaticane e di altre opere furono completati dagli studenti di Raffaello secondo i suoi schizzi e disegni.

Uno dei maggiori rappresentanti dell'arte dell'Alto Rinascimento, i cui dipinti sono caratterizzati dall'enfatizzato equilibrio e armonia dell'insieme, dall'equilibrio della composizione, dalla regolarità del ritmo e dall'uso delicato delle possibilità del colore. L'impeccabile padronanza della linea e la capacità di generalizzare ed evidenziare la cosa principale hanno reso Raffaello uno dei maestri del disegno più eccezionali di tutti i tempi. L'eredità di Raffaello è stata uno dei pilastri nel processo di formazione dell'accademismo europeo. Gli aderenti al classicismo - i fratelli Carracci, Poussin, Mengs, David, Ingres, Bryullov e molti altri artisti - hanno esaltato l'eredità di Raffaello come il fenomeno più perfetto dell'arte mondiale.

Tiziano Vecellio(1476/1477 o 1480-1576) - Pittore del Rinascimento italiano. Il nome di Tiziano è alla pari di artisti del Rinascimento come Michelangelo, Leonardo da Vinci e Raffaello. Tiziano dipinse quadri su soggetti biblici e mitologici, divenne famoso come ritrattista. Fu commissionato da re e papi, cardinali, duchi e principi. Tiziano non aveva nemmeno trent'anni quando fu riconosciuto come il miglior pittore di Venezia.

Dal suo luogo di nascita (Pieve di Cadore in provincia di Belluno), viene talvolta chiamato da Cadore; noto anche come Tiziano il Divino.

Tiziano nacque nella famiglia di Gregorio Vecellio, statista e figura militare. All'età di dieci anni fu mandato con il fratello a Venezia per studiare con il famoso mosaicista Sebastian Zuccato. Pochi anni dopo entra come apprendista nello studio di Giovanni Bellini. Studiò con Lorenzo Lotto, Giorgio da Castelfranco (Giorgione) e numerosi altri artisti divenuti poi famosi.

Nel 1518 Tiziano dipinge il quadro "L'Ascensione della Madre di Dio", nel 1515 - Salome con la testa di Giovanni Battista. Dal 1519 al 1526 dipinge numerosi altari, tra cui l'altare della famiglia Pesaro.

Tiziano visse lunga vita. Prima Gli ultimi giorni non ha smesso di lavorare. Mio ultima immagine, "Compianto di Cristo", scrisse Tiziano per la propria lapide. L'artista morì di peste a Venezia il 27 agosto 1576, avendo contratto la malattia dal figlio mentre lo accudiva.

L'imperatore Carlo V convocò a sé Tiziano e lo circondò di onore e rispetto e disse più di una volta: "Posso creare un duca, ma dove posso trovare un secondo Tiziano". Quando un giorno l'artista lasciò cadere il pennello, Carlo V lo raccolse e disse: "È onorevole servire Tiziano anche all'imperatore". Sia il re spagnolo che quello francese invitarono Tiziano a casa loro, per stabilirsi a corte, ma l'artista, terminati gli ordini, tornava sempre nella sua nativa Venezia, in onore di Tiziano fu chiamato un cratere su Mercurio. .

L'Italia è un paese che è sempre stato famoso per i suoi artisti. I grandi maestri che un tempo vissero in Italia glorificarono l'arte in tutto il mondo. Possiamo dire con certezza che se non fosse per gli artisti, scultori e architetti italiani, il mondo oggi sarebbe molto diverso. Il più significativo in Arte italiana, ovviamente, conta come . L'Italia nel Rinascimento o nel Rinascimento raggiunse un'ascesa e una prosperità senza precedenti. Artisti di talento, scultori, inventori, veri geni apparsi in quei giorni sono ancora noti a tutti gli scolari. La loro arte, creatività, idee, sviluppi oggi sono considerati classici, il nucleo su cui sono costruite l'arte e la cultura mondiale.

Una delle più geni famosi il Rinascimento italiano è, ovviamente, un grande Leonardo Da Vinci(1452-1519). Da Vinci era così dotato che ottenne un grande successo in molte aree di attività, incluso belle arti oh e la scienza. Un altro artista famoso che è un maestro riconosciuto è Sandro Botticelli(1445-1510). I dipinti di Botticelli sono un vero dono per l'umanità. Oggi i suoi densi sono in più famosi musei mondo e sono davvero inestimabili. Non meno famoso di Leonardo da Vinci e Botticelli Raffaele Santi(1483-1520), che visse 38 anni, e durante questo periodo riuscì a creare un intero strato di pittura sbalorditiva, che divenne uno degli esempi più brillanti del primo Rinascimento. Un altro grande genio Rinascimento italianoè senza dubbio Michelangelo Buonarroti(1475-1564). Oltre alla pittura, Michelangelo si dedicò alla scultura, all'architettura e alla poesia e ottenne grandi risultati in queste arti. La statua di Michelangelo detta "David" è considerata un capolavoro insuperabile, un esempio della più alta realizzazione dell'arte della scultura.

Oltre agli artisti sopra menzionati, i più grandi artisti dell'Italia del Rinascimento furono maestri come Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Tiziano, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi e altri. . Lo erano tutti un ottimo esempio delizioso scuola veneziana pittura. Alla Scuola Fiorentina pittura italiana appartengono ad artisti come: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Beato Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto.

Per elencare tutti gli artisti che hanno lavorato durante il Rinascimento, così come durante il tardo Rinascimento e secoli dopo, che sono diventati noti in tutto il mondo e hanno glorificato l'arte della pittura, hanno sviluppato i principi e le leggi di base che sono alla base di tutti i tipi e generi di belle arti, forse ci vorranno diversi volumi per scriverne, ma basta questo elenco per capire che i Grandi Artisti Italiani sono proprio l'arte che conosciamo, che amiamo e che apprezzeremo per sempre!

Dipinti di grandi artisti italiani

Andrea Mantegna - Affresco nella Camera degli Sposi

Giorgione - Tre filosofi

Leonardo da Vinci - Gioconda

Nicolas Poussin - La magnanimità di Scipione

Paolo Veronese - Battaglia di Lepanto

Il Rinascimento iniziò in Italia. Ha acquisito il suo nome a causa della forte fioritura intellettuale e artistica che iniziò nel XIV secolo e influenzò notevolmente la società e la cultura europea. Il Rinascimento si espresse non solo nella pittura, ma anche nell'architettura, nella scultura e nella letteratura. I rappresentanti più importanti del Rinascimento sono Leonardo da Vinci, Botticelli, Tiziano, Michelangelo e Raffaello.

Durante questi tempi, l'obiettivo principale dei pittori era immagine realistica corpo umano, quindi dipingevano principalmente persone, raffiguravano vari soggetti religiosi. È stato anche inventato il principio della prospettiva, che ha aperto nuove opportunità per gli artisti.

Firenze divenne il centro del Rinascimento, seguita da Venezia e successivamente, più vicino al XVI secolo, da Roma.

Leonardo ci è noto come talentuoso pittore, scultore, scienziato, ingegnere e architetto del Rinascimento. Per la maggior parte della sua vita, Leonardo ha lavorato a Firenze, dove ha creato molti capolavori conosciuti in tutto il mondo. Tra questi: "Mona Lisa" (altrimenti - "Gioconda"), "Dama con l'ermellino", "Madonna Benois", "Giovanni Battista" e "S. Anna con Maria e Gesù Bambino.

Questo artista è riconoscibile per lo stile unico che ha sviluppato nel corso degli anni. Dipinse anche le pareti della Cappella Sistina su richiesta personale di Papa Sisto IV. Botticelli dipinse quadri famosi su temi mitologici. Tali dipinti includono "Primavera", "Pallade e il centauro", "La nascita di Venere".

Tiziano era il capo della scuola fiorentina degli artisti. Dopo la morte del suo maestro Bellini, Tiziano divenne l'artista ufficiale e generalmente riconosciuto della Repubblica di Venezia. Questo pittore è noto per i suoi ritratti su temi religiosi: "L'Ascensione di Maria", "Danae", "Amore terreno e Amore celeste".

Il poeta, scultore, architetto e artista italiano ha raffigurato molti capolavori, tra cui la famosa statua del "David" in marmo. Questa statua è diventata una delle principali attrazioni di Firenze. Michelangelo dipinse la volta della Cappella Sistina in Vaticano, che fu grande ordine Papa Giulio II. Durante il periodo del suo lavoro, ha prestato maggiore attenzione all'architettura, ma ci ha regalato la "Crocifissione di San Pietro", "La sepoltura", "La creazione di Adamo", "L'indovino".

Il suo lavoro si è formato sotto la grande influenza di Leonardo da Vinci e Michelangelo, grazie ai quali ha acquisito un'esperienza e un'abilità inestimabili. Dipinse le sale cerimoniali in Vaticano, rappresentando attività umana e raffigurante varie scene della Bibbia. Tra dipinti famosi Raffaele - " Madonna Sistina”, “Tre Grazie”, “San Michele e il Diavolo”.

Ivan Sergeevich Tseregorodtsev

I popoli d'Europa hanno cercato di far rivivere i tesori e le tradizioni perdute a causa delle infinite guerre di sterminio. Le guerre hanno portato via le persone dalla faccia della terra e le grandi cose che le persone hanno creato. L'idea di far rivivere l'alta civiltà mondo antico ha dato vita alla filosofia, alla letteratura, alla musica, al sorgere delle scienze naturali e, soprattutto, al fiorire dell'arte. L'era richiedeva persone forti e istruite che non avessero paura di alcun lavoro. Fu in mezzo a loro che divenne possibile l'emergere di quei pochi geni che sono chiamati i "titani del Rinascimento". Quelli che chiamiamo solo per nome.

Il Rinascimento fu principalmente italiano. Non sorprende quindi che sia stato in Italia che l'arte in questo periodo ha raggiunto la sua massima ascesa e fioritura. È qui che ci sono dozzine di nomi di titani, geni, artisti grandi e semplicemente talentuosi.

LEONARDO DELLA MUSICA.

Che uomo fortunato! molti diranno di lui. Era dotato di una salute rara, bello, alto, con gli occhi azzurri. In gioventù portava riccioli biondi, con una statura orgogliosa che ricordava il San Giorgio di Donatella. Possedeva una forza inaudita e coraggiosa, un'abilità maschile. Ha cantato meravigliosamente, davanti al pubblico ha composto melodie e poesie. giocato su qualsiasi strumento musicale Inoltre, li ha creati lui stesso.

Per l'arte di Leonardo da Vinci, contemporanei e discendenti non trovarono mai altre definizioni che "geniale", "divino", "grande". Le stesse parole si applicano alle sue rivelazioni scientifiche: ha inventato un carro armato, un escavatore, un elicottero, un sottomarino, un paracadute, un'arma automatica, un casco da sub, un ascensore, ha deciso i problemi più difficili acustica, botanica, medicina, cosmografia, ideato un progetto per un teatro rotondo, inventato un orologio a pendolo un secolo prima di Galileo, disegnato gli attuali sci d'acqua, sviluppato la teoria della meccanica.

Che uomo fortunato! - molti diranno di lui e inizieranno a ricordare i suoi amati principi e re, che cercavano conoscenti con lui, spettacoli e vacanze che ha inventato come artista, drammaturgo, attore, architetto e si è divertito con loro come un bambino.

Tuttavia, era felice l'instancabile Leonardo dal fegato lungo, il cui ogni giorno dava alle persone e al mondo provvidenza e intuizione? Prevedeva il terribile destino delle sue creazioni: la distruzione dell '"Ultima Cena", l'abbattimento del monumento a Francesca Sforza, il basso commercio e il vile furto dei suoi diari, cartelle di lavoro. In totale, fino ad oggi sono sopravvissuti solo sedici dipinti. Poche sculture. Ma molti disegni, disegni codificati: come gli eroi della fantascienza moderna, ha cambiato i dettagli del suo disegno, come se così non fosse possibile usarlo per l'altro.

Vi ha lavorato Leonardo da Vinci tipi diversi e generi d'arte, ma la pittura gli ha portato la più grande fama.

Uno dei primi dipinti di Leonardo è Madonna con fiore o Madonna Benois. Già qui l'artista appare come un vero innovatore. Supera i confini della trama tradizionale e conferisce all'immagine un significato più ampio e universale, che è gioia e amore materni. In quest'opera si manifestavano chiaramente molte caratteristiche dell'arte dell'artista: una chiara composizione di figure e volume di forme, un desiderio di concisione e generalizzazione ed espressività psicologica.

Il dipinto "Madonna Litta" era una continuazione del tema iniziato, in cui si manifestava chiaramente un'altra caratteristica del lavoro dell'artista: il gioco dei contrasti. Il tema si completa con il dipinto “Madonna nella grotta”, che segna la soluzione compositiva ideale, grazie alla quale le figure raffigurate della Madonna, Cristo e angeli si fondono con il paesaggio in un tutt'uno, dotato di pacato equilibrio e armonia.

Uno dei vertici dell'opera di Leonardo è l'affresco " ultima cena» nel refettorio del monastero di Santa Maria Della Grazie. Questo lavoro colpisce non solo per la sua composizione complessiva, ma anche per la sua accuratezza. Leonardo non solo trasmette lo stato psicologico degli apostoli, ma lo fa nel momento in cui lo raggiunge punto critico, si trasforma in un'esplosione psicologica e in un conflitto. Questa esplosione è causata dalle parole di Cristo: "Uno di voi mi tradirà". In quest'opera Leonardo ha sfruttato appieno il metodo della giustapposizione concreta delle figure, grazie alla quale ogni personaggio appare come un'individualità e una personalità uniche.

Il secondo apice del lavoro di Leonard è stato famoso ritratto Mona Lisa, o "La Gioconda". Questo lavoro ha segnato l'inizio del genere ritratto psicologico v Arte europea. Quando è stato creato Grande maestro ha utilizzato brillantemente l'intero arsenale di mezzi espressività artistica: contrasti netti e sfumature morbide, immobilità congelata e fluidità e variabilità generali, le più sottili sfumature e transizioni psicologiche. L'intero genio di Leonardo risiede nell'aspetto incredibilmente vivace di Mona Lisa, il suo misterioso e sorriso enigmatico, foschia mistica che copre il paesaggio. Quest'opera è uno dei più rari capolavori d'arte.

Tutti coloro che hanno visto la Gioconda portata dal Louvre di Mosca ricordano i minuti della loro completa sordità vicino a questa piccola tela, la tensione di tutto il meglio in se stessi. Gioconda sembrava essere un "marziano", un rappresentante dell'ignoto - deve essere il futuro, e non il passato della tribù umana, l'incarnazione dell'armonia, di cui il mondo non si è stancato e non si stancherà mai di sognare .

C'è molto altro da dire su di lui. Sorpreso che questa non sia finzione o fantasia. Qui, ad esempio, possiamo ricordare come propose di spostare la Cattedrale di San Giovanni: un lavoro del genere stupisce noi abitanti del Novecento.

Leonardo ha detto: bravo artista deve saper scrivere due cose principali: una persona e una rappresentazione della sua anima. O si dice di "Colombina" dall'Ermitage di San Pietroburgo? Alcuni ricercatori la chiamano, e non la tela del Louvre, "La Gioconda".

Il ragazzo Nardo, così si chiamava a Vinci: figlio illegittimo di un notaio, che considerava uccelli e cavalli le migliori creature della Terra. Amata da tutti e solitaria, piega spade d'acciaio ed estrae uomini impiccati. Inventore del ponte sul Bosforo e città perfetta, più belli di quelli di Corbusier e Niemeyer. Cantare con una dolce voce baritonale e far sorridere la Gioconda. In uno degli ultimi quaderni, questo uomo fortunato ha scritto: "Mi sembrava che stavo imparando a vivere, ma stavo imparando a morire". Tuttavia, ha poi riassunto: "Una vita ben vissuta è una lunga vita".

È possibile non essere d'accordo con Leonardo?

SANDRO BOTTICELLI.

Sandro Botticelli nasce a Firenze nel 1445 nella famiglia di un conciatore di pelli.

La prima opera originale di Botticelli è considerata L'Adorazione dei Magi (circa 1740), dove la proprietà principale del suo modo originale, sognante e sottile poesia, ha già pienamente influenzato. Era dotato di un innato senso della poesia, ma un chiaro tocco di tristezza contemplativa traspariva letteralmente in ogni cosa. Anche San Sebastiano, tormentato dalle frecce dei suoi aguzzini, lo guarda pensieroso e distaccato.

Alla fine degli anni '70 del Quattrocento Botticelli si avvicinò alla cerchia dell'attuale sovrano di Firenze, Lorenzo Medici, soprannominato il Magnifico. Nei lussuosi giardini di Lorenzo si riunì una società di persone, probabilmente le più illuminate e talentuose di Firenze. C'erano filosofi, poeti, musicisti. Regnava un'atmosfera di ammirazione per la bellezza, e non solo la bellezza dell'arte, ma anche la bellezza della vita era apprezzata. L'antichità, percepita, tuttavia, attraverso il prisma degli strati filosofici successivi, era considerata il prototipo dell'arte ideale e della vita ideale. Senza dubbio, sotto l'influenza di questa atmosfera, la prima quadro generale Botticelli "Primavera". Questa è un'allegoria onirica, raffinata, meravigliosamente bella del ciclo eterno, il costante rinnovamento della natura. È permeato dal ritmo musicale più complesso e stravagante. La figura di Flora, addobbata di fiori, grazie danzanti nel Giardino dell'Eden, erano immagini di bellezza che a quel tempo non si erano ancora viste e quindi facevano un'impressione particolarmente accattivante. Il giovane Botticelli occupò subito un posto di rilievo tra i maestri del suo tempo.

Fu l'alta reputazione del giovane pittore che gli assicurò un ordine per gli affreschi biblici per la Cappella Sistina Vaticana, che realizzò all'inizio degli anni Ottanta del Quattrocento a Roma. Ha dipinto "Scene della vita di Mosè", "La punizione di Korah, Dathan e Aviron", mostrando una straordinaria abilità compositiva. La classica calma degli antichi edifici, contro i quali Botticelli dispiegava l'azione, contrasta nettamente con il ritmo drammatico dei personaggi e delle passioni raffigurati; il movimento dei corpi umani è complesso, intricato, saturo di potenza esplosiva; si ha l'impressione di scuotere l'armonia, l'indifferenza del mondo visibile davanti al rapido assalto del tempo e della volontà umana. Gli affreschi della Cappella Sistina esprimono per la prima volta l'inquietudine profonda che abitava l'animo di Botticelli, che si è rafforzata nel tempo. Lo straordinario talento di Botticelli come ritrattista si rifletteva in questi affreschi: ognuno dei tanti volti dipinti è del tutto originale, unico e indimenticabile...

Negli anni Ottanta del Quattrocento, tornato a Firenze, Botticelli continuò a lavorare instancabilmente, ma la serena chiarezza degli "Esempi" era già molto indietro. A metà del decennio scrisse il suo famoso La nascita di Venere. I ricercatori notano nelle opere successive del maestro un moralismo, un'esaltazione religiosa che prima era insolita per lui.

Forse più significativi della tarda pittura, i disegni di Botticelli degli anni '90 sono illustrazioni per " Divina Commedia» Dante. Dipinse con evidente e palese gioia; le visioni del sommo poeta sono amorevolmente e accuratamente trasmesse dalla perfezione delle proporzioni di numerose figure, dall'organizzazione ponderata dello spazio, dall'inesauribile intraprendenza nella ricerca di equivalenti visivi della parola poetica...

Nonostante le tempeste e le crisi mentali, Botticelli fino alla fine (morì nel 1510) rimase un grande artista, il maestro della sua arte. Ciò è chiaramente evidenziato dalla nobile scultura del volto nel "Ritratto giovanotto”, caratteristica espressiva del modello, che non lascia dubbi sulla sua altezza dignità umana, il solido disegno del maestro e il suo sguardo benevolo.

7 agosto 2014

Gli studenti delle università d'arte e le persone interessate alla storia dell'arte sanno che a cavallo tra il XIV e il XV secolo si verificò una brusca svolta nella pittura: il Rinascimento. Intorno al 1420, tutti divennero improvvisamente molto più bravi a disegnare. Perché le immagini sono diventate improvvisamente così realistiche e dettagliate, e perché i dipinti avevano luce e volume? A proposito per molto tempo nessuno pensava. Finché David Hockney non prese in mano una lente d'ingrandimento.

Scopriamo cosa ha scoperto...

Un giorno stava osservando i disegni di Jean Auguste Dominique Ingres, caposcuola della scuola accademica francese del XIX secolo. Hockney si interessò a vedere i suoi piccoli disegni su una scala più grande e li ingrandì su una fotocopiatrice. È così che si è imbattuto nel lato segreto della storia della pittura fin dal Rinascimento.

Dopo aver realizzato delle fotocopie dei piccoli disegni di Ingres (circa 30 centimetri), Hockney è rimasto stupito di quanto fossero realistici. E gli sembrava anche che le battute di Ingres significassero qualcosa per lui.
ricordare. Si è scoperto che gli ricordano il lavoro di Warhol. E Warhol ha fatto questo: ha proiettato una foto su una tela e l'ha delineata.

A sinistra: dettaglio di un disegno di Ingres. A destra: Disegno di Mao Zedong Warhol

Casi interessanti, dice Hockney. Apparentemente, Ingres ha utilizzato Camera Lucida, un dispositivo che è una costruzione con un prisma, che è attaccato, ad esempio, a un supporto per tablet. Pertanto, l'artista, guardando il suo disegno con un occhio, vede l'immagine reale e con l'altro il disegno reale e la sua mano. Si scopre un'illusione ottica che consente di trasferire con precisione le proporzioni reali sulla carta. Ed è proprio questa la "garanzia" del realismo dell'immagine.

Disegno di un ritratto con una macchina fotografica lucida, 1807

Quindi Hockney si interessò seriamente a questo tipo di disegni e dipinti "ottici". Nel suo studio, insieme al suo team, ha appeso alle pareti centinaia di riproduzioni di dipinti realizzati nel corso dei secoli. Opere che sembravano "reali" e altre che non lo erano. Organizzato per tempo di creazione e regioni - nord in alto, sud in basso, Hockney e il suo team hanno visto una brusca svolta nella pittura a cavallo tra il XIV e il XV secolo. In generale, tutti quelli che conoscono almeno un po 'di storia dell'arte lo sanno: il Rinascimento.

Forse hanno usato la stessa camera-lucida? Fu brevettato nel 1807 da William Hyde Wollaston. Sebbene, in effetti, un tale dispositivo sia descritto da Johannes Kepler nel 1611 nella sua opera Dioptrice. Quindi forse hanno usato un altro dispositivo ottico: una camera oscura? Del resto è noto fin dai tempi di Aristotele ed è una stanza buia in cui la luce entra attraverso un piccolo foro e quindi in una stanza buia si ottiene una proiezione di ciò che sta davanti al foro, ma capovolto. Andrebbe tutto bene, ma l'immagine che si ottiene proiettando una camera oscura senza obiettivo, per usare un eufemismo, non è di alta qualità, non è nitida, richiede molta luce intensa, per non parlare delle dimensioni di la proiezione. Ma obiettivi di alta qualità erano quasi impossibili da realizzare fino al XVI secolo, perché a quel tempo non c'era modo di realizzare vetri di così alta qualità. Cose, pensò Hockney, che ormai era già alle prese con il problema con il fisico Charles Falco.

Esiste però un dipinto di Jan van Eyck, maestro di Bruges, pittore fiammingo del primo Rinascimento, in cui si nasconde un indizio. Il dipinto si chiama "Ritratto della Cheta Arnolfini".

Jan Van Eyck "Ritratto degli Arnolfini" 1434

L'immagine brilla semplicemente con un'enorme quantità di dettagli, il che è piuttosto interessante, perché è stata dipinta solo nel 1434. E un suggerimento su come l'autore sia riuscito a fare un così grande passo avanti nel realismo dell'immagine è lo specchio. E anche un candelabro: incredibilmente complesso e realistico.

Hockney era pieno di curiosità. Ha ottenuto una copia di un tale lampadario e ha cercato di disegnarlo. L'artista si è trovato di fronte al fatto che una cosa così complessa è difficile da disegnare in prospettiva. Un altro punto importante era la materialità dell'immagine di questo oggetto metallico. Quando si raffigura un oggetto in acciaio, è molto importante posizionare i punti salienti nel modo più realistico possibile, in quanto ciò conferisce un enorme realismo. Ma il problema con questi punti salienti è che si muovono quando l'occhio dello spettatore o dell'artista si muove, il che significa che non è affatto facile catturarli. E anche un'immagine realistica di metallo e bagliore caratteristica distintiva dipinti del Rinascimento, prima di allora, gli artisti non ci provavano nemmeno.

Ricreando un accurato modello 3D del lampadario, il team di Hockney ha fatto in modo che il lampadario de I Arnolfini fosse disegnato in una vera prospettiva con un unico punto di fuga. Ma il problema era che strumenti ottici così precisi come una camera oscura con un obiettivo non esistevano fino a circa un secolo dopo la creazione del dipinto.

Frammento del dipinto di Jan van Eyck "Ritratto della coppia Arnolfini" 1434

Il frammento ingrandito mostra che lo specchio nel dipinto "Ritratto degli Arnolfini" è convesso. Quindi c'erano specchi al contrario: concavi. Ancora di più, a quei tempi tali specchi venivano realizzati in questo modo: veniva presa una sfera di vetro e il suo fondo era ricoperto d'argento, quindi tutto tranne il fondo veniva tagliato. Il lato posteriore dello specchio non era oscurato. Quindi lo specchio concavo di Jan van Eyck potrebbe essere lo stesso specchio mostrato nella foto, solo con rovescio. E qualsiasi fisico sa cos'è uno specchio, quando viene riflesso proietta un'immagine del riflesso. È qui che il suo amico, il fisico Charles Falco, ha aiutato David Hockney con calcoli e ricerche.

Uno specchio concavo proietta sulla tela l'immagine della torre fuori dalla finestra.

La dimensione della parte chiara e focalizzata della proiezione è di circa 30 centimetri quadrati - e questa è solo la dimensione delle teste in molti ritratti rinascimentali.

Hockney disegna una proiezione di una persona su tela

Questa è la dimensione, ad esempio, del ritratto del doge Leonardo Loredan di Giovanni Bellini (1501), del ritratto di un uomo di Robert Campin (1430), del ritratto di Jan van Eyck di un "uomo con un turbante rosso" e di molti altri primi ritratti olandesi.

Ritratti rinascimentali

La pittura era un lavoro ben pagato e, naturalmente, tutti i segreti dell'attività erano tenuti con la massima riservatezza. Era vantaggioso per l'artista che tutte le persone non iniziate credessero che i segreti fossero nelle mani del maestro e non potessero essere rubati. L'attività era chiusa agli estranei - gli artisti erano nella corporazione, comprendeva anche una varietà di artigiani - da quelli che facevano le selle a quelli che facevano gli specchi. E nella Corporazione di San Luca, fondata ad Anversa e menzionata per la prima volta nel 1382 (poi corporazioni simili si aprirono in molti città del nord, e una delle più grandi era la corporazione di Bruges, la città in cui visse Van Eyck) c'erano anche maestri che fabbricavano specchi.

Così Hockney ha ricreato il modo in cui si può trarre un lampadario complesso da un dipinto di Van Eyck. Non a caso, le dimensioni del lampadario proiettato da Hockney corrispondono esattamente alle dimensioni del lampadario nel dipinto "Ritratto dei Arnolfini". E, naturalmente, i punti salienti sul metallo - sulla proiezione stanno fermi e non cambiano quando l'artista cambia posizione.

Ma il problema non è ancora del tutto risolto, perché prima della comparsa dell'ottica di alta qualità, necessaria per utilizzare la camera oscura, mancavano 100 anni e la dimensione della proiezione ottenuta con l'aiuto di uno specchio è molto piccola . Come dipingere immagini più grandi di 30 centimetri quadrati? Sono stati creati come un collage: da una varietà di punti di vista, si è rivelata una sorta di visione sferica con molti punti di fuga. Hockney se ne rese conto perché lui stesso era impegnato in tali immagini: realizzò molti collage di foto che ottengono esattamente lo stesso effetto.

Quasi un secolo dopo, nel 1500, divenne finalmente possibile ottenere e lavorare bene il vetro: apparvero lenti di grandi dimensioni. E potrebbero finalmente essere inseriti in una camera oscura, il cui principio di funzionamento è noto fin dall'antichità. La camera oscura con un obiettivo è stata un'incredibile rivoluzione nelle arti visive, poiché ora la proiezione poteva essere di qualsiasi dimensione. E ancora una cosa, ora l'immagine non era "grandangolare", ma su un aspetto normale, cioè più o meno come lo è oggi quando si fotografa con un obiettivo con una lunghezza focale di 35-50 mm.

Tuttavia, il problema con l'utilizzo di una camera oscura con un obiettivo è che la proiezione diretta dall'obiettivo è speculare. Ciò ha portato a molti mancini nella pittura durante le prime fasi dell'uso dell'ottica. Come in questo dipinto del 1600 del Frans Hals Museum, dove una coppia mancina balla, un vecchio mancino li minaccia con un dito e una scimmia mancina scruta sotto il vestito della donna.

Tutti in questa foto sono mancini.

Il problema si risolve installando uno specchio in cui viene orientata la lente, ottenendo così la corretta proiezione. Ma a quanto pare, uno specchio buono, uniforme e grande costava un sacco di soldi, quindi non tutti ce l'avevano.

Un altro problema era la messa a fuoco. Il fatto è che alcune parti dell'immagine in una posizione della tela sotto i raggi della proiezione erano sfocate, non nitide. Nelle opere di Jan Vermeer, dove l'uso dell'ottica è abbastanza chiaramente visibile, le sue opere sembrano generalmente fotografie, si notano anche luoghi fuori “fuoco”. Puoi persino vedere lo schema che dà l'obiettivo: il famigerato "bokeh". Come ad esempio qui, nel dipinto "The Milkmaid" (1658), il cesto, il pane in esso contenuto e il vaso blu sono sfocati. Ma l'occhio umano non può vedere "sfocato".

Alcuni dettagli dell'immagine non sono a fuoco

E alla luce di tutto ciò, non c'è da stupirsi buon amico Jan Vermeer era anche Anthony Phillips van Leeuwenhoek, scienziato e microbiologo maestro unico che ha creato i propri microscopi e obiettivi. Lo scienziato è diventato il manager postumo dell'artista. E questo suggerisce che Vermeer abbia raffigurato esattamente il suo amico su due tele: "Geografo" e "Astronomo".

Per vedere qualsiasi parte a fuoco, è necessario modificare la posizione della tela sotto i raggi di proiezione. Ma in questo caso sono comparsi errori nelle proporzioni. Come si vede qui: l'enorme spalla di Anthea del Parmigianino (1537 circa), la piccola testa di "Lady Genovese" di Anthony van Dyck (1626), i piedi enormi di un contadino in un dipinto di Georges de La Tour.

Errori nelle proporzioni

Naturalmente, tutti gli artisti hanno utilizzato le lenti in modi diversi. Qualcuno per gli schizzi, qualcuno composto da parti diverse - dopotutto, ora era possibile fare un ritratto e finire tutto il resto con un modello diverso, o anche con un manichino.

Non ci sono quasi disegni lasciati da Velasquez. Tuttavia, il suo capolavoro è rimasto: un ritratto di papa Innocenzo X (1650). Sul manto del Papa - ovviamente di seta - c'è un bel gioco di luci. Bagliore. E per scrivere tutto questo da un punto di vista, è stato necessario impegnarsi molto. Ma se fai una proiezione, tutta questa bellezza non scapperà da nessuna parte: il bagliore non si muove più, puoi scrivere esattamente con quei tratti ampi e veloci come quelli di Velazquez.

Hockney riproduce un dipinto di Velasquez

Successivamente, molti artisti hanno potuto permettersi la camera oscura, che ha cessato di esistere grande segreto. Canaletto ha utilizzato attivamente la macchina fotografica per creare le sue vedute di Venezia e non l'ha nascosta. Questi dipinti, grazie alla loro accuratezza, ci permettono di parlare di Canaletto come documentarista. Grazie a Canaletto si vede non solo bella immagine ma anche la storia stessa. Puoi vedere qual era il primo Westminster Bridge a Londra nel 1746.

Canaletto "Ponte di Westminster" 1746

L'artista britannico Sir Joshua Reynolds possedeva una camera oscura e apparentemente non ne ha parlato con nessuno, poiché la sua macchina fotografica si piega e sembra un libro. Oggi è al London Science Museum.

Camera oscura travestita da libro

Infine, all'inizio del XIX secolo, William Henry Fox Talbot, usando una macchina fotografica lucida - quella che devi guardare dentro con un occhio e disegnare con le mani, maledetto, decidendo che un tale inconveniente dovrebbe essere eliminato una volta e per tutti, e divenne uno degli inventori della fotografia chimica, e in seguito un divulgatore che ne fece una massa.

Con l'invenzione della fotografia è scomparso il monopolio della pittura sul realismo dell'immagine, ora la fotografia è diventata un monopolio. E qui, finalmente, la pittura si è liberata dall'obbiettivo, proseguendo il cammino da cui si era svolta nel 1400, e Van Gogh è diventato il precursore di tutta l'arte del Novecento.

Sinistra: Mosaico bizantino XII secolo. A destra: Vincent van Gogh "Ritratto di Mr. Trabuk" 1889

L'invenzione della fotografia è quanto di meglio sia capitato alla pittura in tutta la sua storia. Non era più necessario creare immagini esclusivamente reali, l'artista è diventato libero. Naturalmente, il pubblico ha impiegato un secolo per raggiungere gli artisti nella loro comprensione della musica visiva e smettere di pensare che persone come Van Gogh fossero "pazze". Allo stesso tempo, gli artisti iniziarono a utilizzare attivamente le fotografie come " materiale di riferimento". Poi c'erano persone come Wassily Kandinsky, l'avanguardia russa, Mark Rothko, Jackson Pollock. In seguito sono usciti pittura, architettura, scultura e musica. È vero, la scuola di pittura accademica russa è bloccata nel tempo, e oggi è ancora considerato un peccato nelle accademie e nelle scuole usare la fotografia per aiutare, e la capacità puramente tecnica di disegnare il più realisticamente possibile a mani nude è considerata l'impresa più alta .

Grazie a un articolo del giornalista Lawrence Weshler, che era presente alla ricerca di David Hockney e Falco, un altro fatto interessante: Il ritratto degli Arnolfini di Van Eyck è il ritratto di un mercante italiano a Bruges. Il signor Arnolfini è fiorentino e inoltre è un rappresentante del banco dei Medici (praticamente i maestri della Firenze rinascimentale, considerati mecenati dell'arte di quel tempo in Italia). Cosa significa questo? Il fatto che potesse facilmente portare con sé il segreto della Corporazione di San Luca - uno specchio - a Firenze, dove, secondo la storia tradizionale, iniziò il Rinascimento, e gli artisti di Bruges (e, di conseguenza, altri maestri) lo sono considerati "primitivi".

Ci sono molte controversie sulla teoria di Hockney-Falco. Ma c'è sicuramente un granello di verità in esso. Per quanto riguarda critici d'arte, critici e storici, è persino difficile immaginare quanti articoli scientifici sulla storia e sull'arte, infatti, si è rivelata una totale assurdità, ma questo cambia l'intera storia dell'arte, tutte le loro teorie e testi.

I fatti dell'uso dell'ottica non sminuiscono minimamente i talenti degli artisti - dopotutto, la tecnologia è un mezzo per trasmettere ciò che l'artista vuole. E viceversa, quello che c'è in queste immagini è il massimo realtà reale, aggiunge loro solo peso - dopotutto, questo è esattamente l'aspetto delle persone, delle cose, dei locali, delle città di quel tempo. Questi sono i veri documenti.