Cubismo. Sviluppo del cubismo

CUBISMO Il cubismo è la rivoluzione artistica più completa e radicale dal Rinascimento J.Golding

Il cubismo (cubisme francese, da cubo - cubo) è una direzione nell'arte del primo quarto del XX secolo. Il linguaggio plastico del cubismo si basava sulla deformazione e scomposizione degli oggetti in piani geometrici, sullo spostamento plastico della forma. Molti artisti russi sono passati attraverso la passione per il cubismo, spesso combinando i suoi principi con le tecniche di altre tendenze artistiche moderne: futurismo e primitivismo. futurismo del primitivismo Il cubo-futurismo divenne una variante specifica dell'interpretazione del cubismo sul suolo russo. kybofutypism

La nascita del cubismo cade nell'anno - la vigilia della prima guerra mondiale. La nuova tendenza nell'arte modernista provocò una naturale frenesia tra i filistei. Oltre il cubismo belle arti un tempo c'era una cerchia di poeti e critici che seguivano la filosofia di Bergson, anch'essi chiamati in modo molto condizionale cubisti. Il leader indiscusso di questa direzione fu il poeta e pubblicista G, Apollinaire G, Apollinaire Nel 1912 fu pubblicato il primo libro della teoria cubista degli artisti Gleizes e Metzinger On Cubism. Nel 1913 apparve una raccolta di articoli di Apollinaire, The Cubist Artists. Fu solo nel 1920 che fu creata l'opera classica di Kahnweiler, The Rise of Cubism.

Delaunay, Robert (Delaunay, Robert) (1885-1941), artista francese, creatore dello stile dell'orfismo. Nato a Parigi il 12 aprile 1885 in una famiglia aristocratica. Lasciato il college nel 1902, frequentò lezioni private di pittura, decidendo di diventare pittore di teatro. Fu influenzato dal neoimpressionismo di J. Seurat, nonché dalla teoria del colore sviluppata dal fisico M. Chevreil. Nel 1910 sposò l'artista S. Turco (S. Delone), che divenne suo fedele compagno d'arte. Nel 1911 partecipò alla mostra di Monaco della Blue Rider Society. Ha vissuto principalmente a Parigi, e nel primo guerra mondiale e negli anni del dopoguerra (fino al 1920) - in Spagna e Portogallo. Dal primo post-impressionismo, all'inizio degli anni '10, passò a una serie di paesaggi urbani generalizzati e colorati che divennero la prova della sua maturità artistica. Dal 1910 sono dominate dal motivo della Torre Eiffel, come se fluttuasse liberamente tra i frammenti vorticosi dello spazio. La cristallinità delle strutture compositive rende queste tele legate al cubismo, e le dinamiche spaziali al futurismo, ma lo spirito di pura contemplazione, incline a maggiori armonie “musicali” di colore, conferisce alle opere di Delaunay un carattere del tutto particolare. I suoi dipinti assumevano spesso il carattere di pannelli decorativi (Città di Parigi, 1910-1912, Museo Nazionale arte contemporanea, Parigi). L'artista ha delineato la sua comprensione delle possibilità decorative e dinamiche del colore, il sistema dei suoi contrasti ottimali nel saggio Sul colore (1912), che divenne il manifesto dell'orfismo (la nuova tendenza deve il suo nome a G. Apollinaire). Nello stesso anno realizza dipinti non oggettivi (Simultaneously Open Windows, Tate Modern Gallery, Londra; ecc.), tra cui i cosiddetti. forme circolari, nate da osservazioni sulla natura concentrico-circolare della radiazione luminosa e dello spettro cromatico. Negli anni '20 Delaunay torna all'arte figurativa, continuando, in particolare, una serie di "Torri Eiffel" e scrivendo molti ritratti espressivi (F. Soupault, 1922, Centre J. Pompidou, Parigi). Quindi, a cavallo del decennio successivo, si rivolse nuovamente all'astrazione (il ciclo di dipinti Infinite Rhythms - del 1933 - composizioni allungate orizzontalmente, molto più sobrie nel colore). Insieme alla moglie realizza alcuni grandi pannelli per i padiglioni ferroviari e aeronautici dell'Esposizione Universale di Parigi (1937). Con lo scoppio della seconda guerra mondiale si trasferisce in Alvernia. Delaunay morì a Montpellier il 25 ottobre 1941.

LEGER, Fernand (Léger, Fernand) (1881-1955), pittore francese, scultore, grafico, ceramista e decoratore, campione del cosiddetto. "estetica delle forme delle macchine" e "arte meccanica". Nato il 4 febbraio 1881 ad Argentan, nella famiglia di un contadino normanno; all'età di 16 anni iniziò a lavorare in uno studio di architettura a Caen, e nel 1900 fu disegnatore in uno studio di architettura a Parigi. Dopo aver prestato servizio nell'esercito, si stabilì in una pittoresca e attraente casa per artisti con i laboratori "La Ruche" ("Alveare"), dove incontrò maestri come A. Archipenko, A. Laurent, J. Lipchitz, Delaunay, M. Chagall e X. Sutin. Nel 1910 conosce P. Picasso e J. Braque. Leger dipinse le sue prime tele sotto l'influenza della pittura di P. Cezanne, in particolare le Nozze (1910), la celebre Dama in blu (1912) e la serie Elementi geometrici (1913-1914). Dopo la prima guerra mondiale, Léger si interessò teorie moderne movimento e meccanica. Questo interesse è stato espresso nella creazione di opere come City (1919), Mechanics (1920), Big Breakfast (altro nome Three Women, 1921) e Station (1923). In essi, gli elementi del corpo umano ricordano le forme di tubi, motori, aste e ingranaggi. Léger ha realizzato importanti progetti decorativi all'Esposizione arte decorativa a Parigi (1925), sulla Bruxelles esposizione internazionale(1935) e al palazzo delle Nazioni Unite a New York (1952). Dal 1931 al 1939 Léger visitò più volte gli Stati Uniti. Durante la seconda guerra mondiale (dal 1940) ricevette asilo lì e insegnò all'Università di Yale. Tornato a Parigi nel dicembre 1945, completò una serie di importanti composizioni Goodbye New York (1946), Entertainment (1949), Constructors (1950), Country Company (1953), Grand Parade (1954). Leger era interessato a diverse aree dell'arte: mosaico, vetro colorato, illustrazione del libro, produzione di cartoni per tappeti, scenografie teatrali. Ovunque ha cercato di trasmettere movimento. Nel cinema, Léger ha creato il primo film senza sceneggiatura, Mechanical Ballet (1924). Nel 1934 A. Korda gli chiese di realizzare le scenografie per un film basato sulla sceneggiatura di H. Wells The Form of the Future. Insieme ad A. Calder, M. Duchamp, M. Ernst e M. Ray, ha lavorato al film Dreams that money can buy ("Hans Richter Film", 1948). Léger morì a Giff-sur-Yvette (Seine-et-Oise) il 17 agosto 1955.

Picasso Pablo (Picasso, Pablo) (gg.), artista francese, spagnolo di origine. Scultore, grafico, pittore, ceramista e designer, il più famoso, versatile e prolifico tra i suoi contemporanei. Pablo Picasso è nato il 25 ottobre 1881 a Malaga (Spagna) nella famiglia dell'artista Jose Ruiz Blasco e Maria Picasso Lopez. Nella sua giovinezza, Picasso decise di prenderne di più cognome raro madre invece del comune Ruiz. Era un bambino insolitamente dotato e all'età di quattordici anni entrò nella scuola belle arti a Barcellona, ​​completando in un giorno carta d'esame per il quale è stato dato un mese. Ha studiato all'Accademia Reale delle Arti di San Fernando a Madrid. Nel 1899 Picasso tornò a Barcellona, ​​​​dove divenne un frequentatore abituale del famoso caffè Four Cats, che riuniva artisti e scrittori. Gli anni dal 1901 al 1904 nella biografia creativa del maestro furono chiamati " periodo blu"a causa della predominanza del tono blu nei suoi dipinti di quel tempo. Durante questi anni visse a Parigi oa Barcellona. Fu allora che iniziò la sua lunga amicizia con il poeta Max Jacob e lo scultore Julio Gonzalez. Nel 1904 Picasso si stabilì a Parigi in Rue Ravignon, nella famosa casa di Bato Lavoir ("Lavanderia galleggiante"), dove vissero molti artisti.Nel 1904 conobbe Fernanda Olivier, che divenne la sua amante e ispiratrice della sua arte.Nel 1905, il "periodo blu" è sostituito da "rosa", Picasso incontra il critico Guillaume Apollinaire e gli americani Leo e Gertrude Stein. , nel giro di pochi anni, il collezionista russo Sergei Shchukin acquisì una cinquantina delle sue opere. A quel tempo, Shchukin possedeva la migliore collezione di dipinti di Picasso in Europa. Opere come Ginnaste itineranti, Ragazza al ballo, Ritratto di Vollard furono acquisite in la collezione Morozov. Nel 1907 Picasso dipinse il dipinto Le fanciulle di Avignone, considerato un punto di svolta nelle belle arti del XX secolo. Nello stesso anno conosce J. Braque. Braque e Picasso divennero i fondatori e i leader del cubismo. Del 1917 è la prima esperienza di Picasso come artista teatrale. Ha creato schizzi di costumi e scenografie per la produzione del balletto Parade for "Russian Seasons" di Sergei Diaghilev. IN l'anno prossimo sposò una delle ballerine della compagnia di Diaghilev, Olga Khokhlova.

Negli anni '20 Picasso continuò a lavorare per il teatro e dipinse anche in una varietà di stili, dal neoclassico al cubista e al surrealismo. In Picasso, insieme al suo vecchio amico Gonzalez, ha creato opere da strutture metalliche saldate. Nei primi anni Trenta l'artista realizza diverse serie grafiche, tra cui 30 acqueforti per le Metamorfosi di Ovidio per la casa editrice Skira e per il Capolavoro sconosciuto di Balzac commissionate dal collezionista Ambroise Vollard. Alcuni dei motivi principali che solitamente vengono associati all'opera di Picasso - il Minotauro, l'artista e il modello, ecc. il matrimonio si è rotto; la sua nuova amante era Marie-Thérèse Walter. Nel 1936, quando iniziò la Spagna Guerra civile, Picasso si schierò dalla parte del governo repubblicano e, a conferma della sua lealtà, accettò l'offerta di assumere l'incarico onorario di direttore del Museo del Prado. Alla fine di aprile 1937, il mondo venne a conoscenza del bombardamento di Guernica, a seguito del quale la cittadina basca fu cancellata dalla faccia della terra. Picasso ha espresso il suo atteggiamento nei confronti di quanto accaduto nel pannello di Guernica. Era destinato al padiglione spagnolo all'Esposizione Universale di Parigi, e poi conservato al Museum of Modern Art di New York. Nel 1981, sei anni dopo la morte di Franco, il dipinto fu trasferito al Prado. Durante la seconda guerra mondiale, Picasso visse a Parigi con Françoise Gilot, che gli diede due figli. Nel 1946 il maestro si dedicò all'arte della ceramica e, praticamente da solo, fece rivivere l'artigianato ceramico che un tempo fioriva lì, nel comune di Vallauris in Riviera. Picasso è sempre stato interessato alle nuove tecnologie e ha sviluppato una tecnica speciale di litografia. Nel 1944 l'artista aderisce al Partito Comunista Francese. Le convinzioni politiche di Picasso, riflesse in Guernica, riappaiono nel dipinto La guerra di Corea (1951) e in due grandi pannelli Guerra e Pace (1952) realizzati per decorare il Tempio della Pace a Vallauris. Gli anni '50 videro diverse mostre retrospettive di Picasso; parallelamente all'incontro con Jacqueline Roque, che sposerà negli anni Cinquanta, l'artista entra in dialogo con i grandi maestri del passato: in scrive diverse variazioni sul tema del dipinto Donne di Algeri di Delacroix, nel Menin di Velasquez, e in Colazione sull'erba di Manet. Negli anni '60 Picasso creò un monumentale composizione scultorea 15 m di altezza per un centro comunitario a Chicago. Nel 1970, l'artista ha donato oltre ottocento delle sue opere al Museo del Palazzo Aguilar di Barcellona. Picasso muore a Mougins (Francia) l'8 aprile 1973.

PABLO PICASSO. VASO CON BALLERINE. Ok Museo Nazionale d'Arte Moderna, Parigi.

GRIS, Juan (Gris, Juan) (1887-1927), artista spagnolo, uno dei fondatori del cubismo. Nato a Madrid il 23 marzo 1887, vero nome - José Victoriano Gonzalez (Jos Victoriano Gonz lez). Inizialmente si guadagnava da vivere disegnando per pubblicazioni umoristiche e allo stesso tempo studiava pittura. Nel 1906 Gris arrivò a Parigi e si stabilì a Montmartre, non lontano dal suo connazionale Pablo Picasso. Durante i suoi anni di formazione, all'inizio del periodo parigino (1906-1912), Gris rimase affascinato dal cubismo. Il suo primi lavori(1911-1912) sono realizzati in maniera "analitica", risalenti sia a Cézanne che a Picasso e Braque. In rapido sviluppo, Gris già nel 1913-1914 sviluppa la sua versione del cubismo "sintetico". Definisce la sua pittura “una variante dell'architettura planare, colorata”, o meglio, la sua “premonizione”, un'armonica disposizione di forme e colori. Credeva che “l'essenza della pittura sia un'interazione espressiva tra l'artista e mondo esterno”, ma ha definito i dipinti, privi di un inizio pittorico, un “esercizio tecnico imperfetto”. La versione del cubismo di Gris era più severa e classica, meno spontanea di quella di Braque o di Picasso. Nelle tele del 1920-1927 l'artista coltiva "un lato raffinato ed estetizzato della pittura, per il quale prima non aveva trovato posto nel suo lavoro". Di conseguenza, il suo stile ha acquisito una straordinaria libertà, lirismo e allo stesso tempo audacia e completezza. Gris morì a Boulogne-Billancourt (Francia) l'11 maggio 1927.

JUAN GRIS. FUMATORE Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

MATRIMONIO, GEORGE (Braque, Georges) (1882-1963), pittore, grafico, scultore e decoratore francese; insieme a Picasso è il creatore del cubismo. Nato il 13 maggio 1882 ad Argenteuil (dipartimento della Senna e dell'Oise) nella famiglia di un artista decoratore. Nel 1900-1901 studiò alla Scuola Tecnica di Parigi. Nel 1902-1904 frequentò i corsi della Scuola di Belle Arti e dell'Accademia d'Ambra, musei e collezioni private, studiò pittura impressionista e post-impressionista, pittura egizia e Scultura greca, così come opere di Corot e Cézanne. A Braque dipinge diverse serie di paesaggi, in cui si avverte l'influenza della pittura dei Fauves e di Cézanne. Le fanciulle di Avignone di Picasso (1907) gli fecero una forte impressione. L'estate successiva, Braque ha prodotto una serie di paesaggi rivoluzionari, in cui ha seguito l'invito di Cézanne: "Rappresentare la natura nelle forme di cilindri, sfere e coni". Questi paesaggi non sono stati accettati dal Salon d'Automne. Henri Matisse disse che erano fatti di cubi, da qui la parola "cubismo". Nel 1908-1914, Braque e Picasso lavorarono a stretto contatto, sviluppando i principi del nuovo direzione artistica. All'inizio hanno distrutto analiticamente le immagini abituali degli oggetti, come se le "smontassero" in forme e strutture spaziali separate. Nel 1912 iniziarono a lavorare nella tecnica del collage e dell'appliqué e si interessarono al processo inverso: la sintesi di oggetti da elementi dissimili. Un contributo significativo di Braque al processo creativo è stato l'uso di iscrizioni e varie tecniche decorative. La grande composizione Il musicista (1917-1918, Basilea, Collezione d'arte pubblica) è il risultato della fase del cubismo sintetico nell'opera di Braque e segna punto di partenza nelle sue nuove attività creative. Negli anni '20, gli elementi del cubismo scompaiono gradualmente dalle opere di Braque, utilizza motivi più pittorici. Il riconoscimento pubblico gli giunse nel 1922 dopo una mostra in cui l'artista presentò una serie di dipinti scritti in maniera riccamente pittorica: Camini, Tavole e Canephors (ragazze che trasportano ceste con utensili sacrificali). Alla fine degli anni '20, Braque abbandonò gli sgargianti effetti pittorici e continuò a sperimentare forme e colori; dipinse marine, bagnanti, motivi neoclassici e teste a doppio profilo. Negli anni '30 e '40, Braque dipinse nature morte e composizioni di interni, a volte con musicisti, soggetti e pittori, a volte completamente privi di figure umane. Dopo la guerra, l'opera di Braque assunse un carattere più contemplativo ed esoterico, come evidenziato dalla serie di 8 dipinti Workshop (1949–1956). Nel 1952-1953, l'artista dipinse i plafoni del Louvre. I grandi uccelli neri raffigurati su di essi contro il cielo blu divennero uno dei motivi più frequenti nelle opere successive del maestro. Braque ha prodotto molti disegni, stampe e opere scultoree, ma il posto principale nel suo lavoro era occupato dalla pittura. Braque morì a Parigi il 31 agosto 1963. 31

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Le principali tendenze e stili nell'arte del primo Novecento cubismo fauvismo futurismo espressionismo dadaismo surrealismo astrattismo

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Cubi zm (fr. Cubisme) è una tendenza modernista nelle arti visive, principalmente nella pittura, che ha avuto origine all'inizio del XX secolo ed è caratterizzata dall'uso di forme condizionali enfaticamente geometrizzate, il desiderio di "scindere" oggetti reali in primitive stereometriche. L'emergere del cubismo è tradizionalmente datato al 1906-1907.Il termine "cubismo" è apparso nel 1908, dopo che il critico d'arte Louis Vaucelles ha definito i nuovi dipinti di Georges Braque "capricci cubici".

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Kubi zm è una direzione artistica fondata nel primo quarto del XX secolo nella pittura, i cui rappresentanti raffigurano il mondo oggettivo sotto forma di combinazioni di volumi geometrici regolari: un cubo, una sfera cubica, un cilindro cubico, un cono cubico, per esprimere più pienamente le idee delle cose, gli artisti usano la prospettiva tradizionale come Illusione Ottica e si sforzano di dare loro un'immagine completa scomponendo la forma e combinando molti dei suoi tipi all'interno della struttura di un'immagine. Un crescente interesse per la forma porta a una distinzione nell'uso dei colori. colori caldi per elementi sporgenti del motivo della trama, colori freddi per elementi remoti o distanti dell'immagine. In architettura e scultura, è caratterizzato dall'uso di forme condizionali enfaticamente geometrizzate, dal desiderio di dividere oggetti reali in primitive stereometriche, dal desiderio di identificare le forme geometriche più semplici sottostanti agli oggetti.

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Nello sviluppo del cubismo si distinguono tre periodi: Cezanov, analitico, sintetico. 1. Il periodo "Cezanovsky" o altrimenti "Negro" è associato alla scoperta e al ripensamento dell'arte primitiva, iniziata da Paul Cezan. Questo periodo è caratterizzato da dipinti che raffigurano nette rotture di forme, grandi volumi, che, per così dire, sono disposti su un piano, creando una sensazione di sollievo nell'immagine. La combinazione di colori ha enfatizzato e schiacciato il volume. Le composizioni sono create principalmente sulla base di paesaggi, figure, nature morte dipinte dalla natura. 2. Il periodo analitico è caratterizzato dal fatto che l'oggetto raffigurato è stato completamente schiacciato nelle sue parti costitutive, stratificate in piccole facce separate l'una dall'altra. La tavolozza dei colori è stata ridotta al bianco e nero. Questo periodo nello sviluppo del cubismo fu più transitorio che indipendente. 3. La fase sintetica durò dal 1912 al 1914. Durante questo periodo prevale la decorazione, i dipinti diventano più simili a pannelli.

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Rappresentanti Pittura Pablo Picasso, Georges Braque, Aristarkh Lentulov Scultura Alexander Archipenko, Konstantin Brancusi Fotografia Iosif Badalov

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Maggior parte rappresentanti di spicco Il cubismo ei suoi fondatori sono considerati due grandi artisti: Pablo Picasso e Georges Braque. Gli artisti nelle loro opere hanno confrontato le superfici geometriche con una somiglianza minima con gli oggetti raffigurati, credevano che la forma dovesse essere lontana dall'oggetto raffigurato. Non c'era ricchezza emotiva nelle opere. Linee e forme hanno sostituito i sentimenti. Al colore nelle opere dei cubisti veniva dato un valore minimo, gli artisti cercavano di usarlo il meno possibile. Erano per lo più grigi, neri, colori marroni. Le immagini nelle opere dei cubisti non avevano prototipi nella vita, perdevano la loro realtà, diventavano astratte, comprensibili solo all'autore stesso. I pittori rappresentavano l'oggetto come se da più punti di vista dall'alto, dal basso, dall'interno, di lato, collocassero queste immagini su una tela, sovrapposte l'una all'altra. Il desiderio di ritrarre l'inimmaginabile ha portato a una semplificazione dei generi pittorici.

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I cubisti non suddividevano le opere per genere (ritratto, paesaggio, natura morta), ma davano loro un nome comune: pittura. La principale conquista dei cubisti, gli storici dell'arte considerano la libertà illimitata. Per espandere le possibilità della loro direzione, i cubisti hanno combinato una varietà di tecniche e materiali nella foto: carta colorata, sfondi, ecc. Uno dei nuovi mezzi di espressioneè diventato un collage, un montaggio di un'immagine da adesivi. Nel tempo, la nuova direzione si è fermata. Alla ricerca di nuovi mezzi espressivi, gli artisti hanno incollato giornali al quadro e dipinto sopra la carta da pacchi. Credevano che questo permettesse loro di creare spazio.

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Pablo Picasso Pablo Picasso (1861-1973)- artista eccezionale Pittore, disegnatore, incisore, scultore del XX secolo, uno dei fondatori del cubismo. Pablo Picasso ha ricevuto le basi delle belle arti da suo padre, un insegnante di disegno. Poi, dall'età di 14 anni, ha studiato all'Accademia delle arti di Barcellona, ​​​​all'età di 16 anni è entrato all'Accademia reale di San Fernado a Madrid. Nel 1904 l'artista si trasferì a Parigi.

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Una delle prime opere nello stile del cubismo fu il dipinto "Avignon Girls" (1907). In questa tela la trama è visibile, ma il realismo sta già scomparendo. Le figure delle donne sono raffigurate con forme geometriche e piani concavo-convessi del motivo. Parzialmente si avverte ancora la presenza della modellazione di luci e ombre con l'uso dell'ombreggiatura, ma il tratto è già utilizzato attivamente.

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Gli eventi in Spagna hanno trovato risposta nell'opera di P. Picasso, ha dipinto il dipinto "Guernica" (1937). Qui puoi vedere alcuni elementi di realismo. L'immagine è diventata un monito per l'umanità sull'imminente guerra, sugli orrori del fascismo, ha causato uno scoppio emotivo nella società. L'autore ha espresso la sua protesta e ansia con l'aiuto di linee fragili che tagliano i volti dei personaggi nella foto.

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Georges Braque Georges Braque (1882-1963) - Pittore, scultore, incisore francese, uno dei fondatori del cubismo. J. Braque è nato ad Argenteuil. Ha studiato belle arti prima con il padre, poi nello studio di un artista-decoratore. Nel 1902 entrò all'Accademia d'Ambra di Parigi. All'inizio del suo lavoro, Braque era associato al fauvismo, dipingendo principalmente paesaggi utilizzando complesse combinazioni di colori. Primo periodo la sua opera coincide con il periodo del cubismo analitico. Lavora su nature morte e paesaggi, utilizzando una gamma quasi monocromatica. Durante la prima guerra mondiale, Braque fu chiamato al fronte, fu ferito e subì una grave operazione. Dopo il recupero, torna di nuovo alla creatività. A poco a poco, Braque si allontana dal cubismo, passando alla creazione di dipinti planari di colori più diversi. Dal 1930, l'artista inizia a utilizzare nelle composizioni figure umane all'interno, molto vicino nello stile all'arte astratta. I dipinti successivi di J. Braque diventano laconici. Le trame delle pianure desertiche e della costa marittima della Normandia si combinano armoniosamente con i motivi di una barca abbandonata e di un aratro su un campo autunnale. Le composizioni sono armoniose e molto vicine al classicismo.

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Nel 1949-1956. Braque ha creato la serie "Workshops", una delle sue opere più significative, che comprende otto tele di grande formato raffiguranti oggetti d'arte, dove è presente l'immagine scintillante di un uccello bianco, simbolo del volo creativo. Gli oggetti diventano più riconoscibili, la combinazione di colori è diventata più versatile. Successivamente, l'immagine dell'uccello si sviluppa nel suo lavoro in un tema indipendente ("Black Birds", 1956-1957).

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Aristarkh Lentulov (1882-1943) Nato nel 1882 nel villaggio di Vorona, provincia di Penza, nella famiglia di un prete. La madre di Aristarkh Lentulov rimase presto vedova con quattro figli, il più giovane dei quali era il futuro artista. Dopo la Scuola Teologica di Penza, Lentulov si trasferì in seminario. Tuttavia, a Penza è stata aperta una scuola d'arte e Aristarkh Lentulov è entrato nel primo set. Ulteriore educazione artistica Lentulov ricevuto a Kiev scuola d'arte, nello studio di San Pietroburgo di D. Kardovsky. Dal 1909 visse a Mosca.

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Al suo ritorno da Parigi, l'artista realizza una serie di pannelli raffiguranti i monumenti architettonici di Mosca. Queste opere collegano l'impressione naturale di architettura medievale, splendore folcloristico tradizionale e trasformazione cubo-futuristica della forma. In molte opere degli anni '10 Lentulov usava l'appliqué. " Nizhny Novgorod» (1915)

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Alexander Archipenko (1887-1964) scultore ucraino-americano, nato a Kiev. Nel 1906 si trasferì a Mosca e nel 1908 a Parigi. Lì, nella biografia di Archipenko, fu posato lo sviluppo della sua tecnica cubica nella scultura, dove presto si unì ai cubisti e nel 1923 si trasferì negli Stati Uniti. La scultura di Archipenko si basa su una netta deformazione e stilizzazione geometrica della forma plastica, conservando solo un lontano legame con la realtà. Le sue opere si distinguono per la deliberata distorsione delle proporzioni e il ritmo lineare tagliente.

• Cubismo(fr. Cubismo) è una tendenza d'avanguardia nelle arti visive, principalmente nella pittura, che ha avuto origine all'inizio del XX secolo ed è caratterizzata dall'uso di forme condizionali enfaticamente geometrizzate, il desiderio di "scindere" oggetti reali in primitive stereometriche.

LA NASCITA DEL CUBISMO

• L'emergere del cubismo è tradizionalmente datato al 1906-1907 ed è associato al lavoro di Pablo Picasso e Georges Braque. Il termine "cubismo" fu coniato nel 1908 dopo che il critico d'arte Louis Vaucelle definì i nuovi dipinti di Braque "stranezze cubiche".
• A partire dal 1912 nacque un nuovo ramo del cubismo, che i critici d'arte chiamarono "cubismo sintetico" È piuttosto difficile dare una semplice formulazione dei principali obiettivi e principi del cubismo; in pittura si possono distinguere tre fasi di questa tendenza, che riflettono differenti concezioni estetiche, e ognuna può essere considerata separatamente: il cubismo di Cézanne (1907-1909), analitico (1909-1912) e sintetico (1913-1914).

• Le opere cubiste più famose dell'inizio del XX secolo furono i dipinti di Picasso " Avignone ragazze”, “Guitar”, opere di artisti come Juan Gris, Fernand Leger, Marcel Duchamp, sculture di Alexander Archipenko, ecc.

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CUBISMO DI CEZANNE

• Questo è solitamente il nome della prima fase del cubismo, che è caratterizzata da una tendenza all'astrazione e alla semplificazione delle forme degli oggetti. Seguendo il trascendentalismo della fine del XIX secolo, lo sostenevano realtà reale possiede l'idea, non il suo riflesso nel mondo materiale.

• Un'influenza diretta sulla formazione del cubismo ha avuto esperimenti con la forma nella pittura di Paul Cezanne. Nel 1904 e nel 1907 si tengono a Parigi mostre del suo lavoro. Nel ritratto di Gertrude Stein, realizzato da Picasso nel 1906, si avverte già la passione per l'arte di Cézanne. Quindi Picasso dipinse il dipinto Le fanciulle di Avignone, che è considerato il primo passo verso il cubismo.

Ritratto di Gertrude Stein

• Durante il 1907 e l'inizio del 1908, Picasso continuò a utilizzare forme di scultura negra nelle sue opere (in seguito questo periodo iniziò a essere chiamato il periodo "negro" nelle sue opere).
• Nell'autunno del 1907 due eventi importanti: mostra retrospettiva di Cézanne e la conoscenza di Braque e Picasso. L'estate del 1907 Matrimonio trascorso a Estaca, dove si interessa alla pittura di Cézanne. Dalla fine del 1907, Braque e Picasso iniziarono a lavorare in stile cubista.

"DONNA CON UN VENTAGLIO". 1909 PABLO PICASSO

"BIDON E CIOTOLE". 1908 PABLO PICASSO

CUBISMO ANALITICO

• Il cubismo analitico, la seconda fase del cubismo, è caratterizzato dalla scomparsa delle immagini degli oggetti e dal graduale offuscamento della distinzione tra forma e spazio. La disposizione delle forme nello spazio e il loro rapporto con le grandi masse compositive è in continua evoluzione. Il risultato è un'interazione visiva di forma e spazio.

"RITRATTO DI DANIEL-HENRY CAWEILER". 1910 PABLO PICASSO

"RITRATTO DI AMBROISE VOLLARD". 1915 G. PABLO PICASSO

CUBISMO SINTETICO

• Il cubismo sintetico ha segnato un cambiamento radicale percezione artistica movimento. Ciò si manifestò per la prima volta nelle opere di Juan Gris, che divenne un attivo sostenitore del cubismo dal 1911. Questa fase dello stile è caratterizzata dalla negazione del significato della terza dimensione nella pittura e dall'enfasi sulla superficie pittorica. Se nel cubismo analitico ed ermetico tutto mezzi artistici dovevano servire a creare un'immagine della forma, quindi nel cubismo sintetico il colore, la trama della superficie, il motivo e la linea sono usati per costruire (sintetizzare) un nuovo oggetto

UOMO IN UN CAFFÈ, 1914 JUAN GRIS

"NATURA MORTA CON SEDIA DI VIMINI"(1911-1912) PABLO PICASSO

"VIOLINO E CHITARRA" (1913). PABLO PICASSO

Cubismo. Avanguardia: una direzione nella pittura all'inizio del XX secolo. I fondatori sono gli artisti francesi Pablo Picasso e Georges Braque. I contemporanei vedevano nel cubismo un rivoluzionario rifiuto delle "convenzioni del realismo ottico" a favore di una nuova visione artistica della realtà attraverso il prisma delle forme geometriche (cubo, cono, cilindro). Il nome "cubismo" nasce da una valutazione negativa delle opere di questa direzione, chiamate dai critici "un mucchio di cubi". Pablo Picasso. Strumenti musicali.

diapositiva 15 dalla presentazione « arte straniera 20 ° secolo". La dimensione dell'archivio con la presentazione è di 8291 KB.

MHK grado 11

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"Pittura dell'impressionismo e del postimpressionismo" - Pane e uova. Boulevard Montmantre in una mattina nuvolosa. Lilla in vetro. Donne tahitiane. Casa a Rueli. Boulevard Montmantre di notte. Autoritratto con orecchio bendato. Pittura dell'impressionismo e del post-impressionismo. Simbolismo. Pastorella. Impressione. Paolo Gauguin. Danza. Impressionismo. La stanza di Vincent ad Arles. Cantante con un guanto. Cattedrale di Rouen In serata. Artisti. Ballerini blu. Caratteristica di direzione. Folies Bergère.

"Storia della fotografia" - Le persone hanno cercato a lungo di trovare un modo per ottenere immagini. Foto. Fotocamera stenopeica ( forma generale). Il francese Joseph Nicephore Niepce (1765 - 1833), Louis-Jacques Mande Daguerre. Fotocamera stenopeica. Sotto l'influenza della luce solare, le soluzioni di sali di ferro cambiano colore. Schema di una camera oscura. È noto che gli occhiali furono inventati già nel XIII secolo. nipote. Nel 1827 Niépce incontrò Louis Daguerre. Storia della fotografia. La fotografia prima della fotografia.

"Classicismo nell'arte russa" - Classicismo dell'architettura di San Pietroburgo. Ritratto di PA Demidov. Classicismo in Russia. Classicismo nella pittura russa del XVIII secolo. Vladimir e Rogneda. AN Voronikhin. Reperto architettonico di A. Zakharov. Andrei Nikiforovich Voronikhin, architetto della cattedrale. Ritratto di Strujskaja. Classicismo nell'arte russa. AD Edificio dell'Ammiragliato di Zakharov. Le opere dei classicisti sono state presentate in modo chiaro. Cambiamenti significativi nelle arti visive.

"Caratteristiche dell'arte primitiva" - Campioni di ceramica. Rituale misterioso. Arte neolitica. Rito primitivo. Età della pietra. Primitivo. Rituale della magia. Posizione centrale a arte rock. IN Regione di Sverdlovsk trovato un insediamento mesolitico. La pratica della magia. Condizioni climatiche. Centri di civiltà. Paleo Venere. Insediamento mesolitico. Utensili. Opere d'arte. Immagine generalizzata di una donna.

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Se i fauvisti sognavano di creare un'arte che piacesse alla vista e calmasse i sensi, allora i cubisti volevano "disturbare le anime umane". La nuova direzione è stata in gran parte dettata dal desiderio di continuare le ricerche sperimentali nel campo della forma. “Molti credono che il cubismo”, ha scritto P. Picasso, “sia un tipo speciale di arte di transizione, un esperimento, ei suoi risultati si faranno sentire solo in futuro. Pensarlo significa fraintendere il cubismo. Il cubismo non è un “seme” o un “embrione”, ma un'arte per la quale la forma è la cosa più importante, e la forma, una volta creata, non può scomparire e vive una vita indipendente.

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Una caratterizzazione simile fu ripresa dal giornalista Louis Vexel in una recensione di una mostra di quadri di Georges Braque (1882-1963), che ebbe luogo a Parigi nel novembre 1908 e divenne un grande evento in vita artistica Europa. E sebbene gli stessi artisti considerassero il termine "cubismo" troppo ristretto rispetto alla loro arte, tuttavia mise radici e iniziò a designare una delle nuove tendenze della pittura. Inoltre, il cubismo ha avuto un impatto significativo su altre arti: scultura, architettura, arti e mestieri, balletto, scenografia e persino letteratura.

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Giorgio Braque. Violino e tavolozza. 1910 Museum of Modern Art, New York Colore e soggetto nel cubismo eseguito ruolo secondario, i principali erano il disegno, la costruzione statica e la composizione. Pablo Picasso ha osservato: “Il cubismo non differisce dalle solite tendenze nell'arte. Gli stessi principi ed elementi si applicano qui come altrove. Il fatto che il cubismo sia rimasto a lungo frainteso e che ci siano ancora persone che non ne capiscono niente non significa che sia insostenibile. Il fatto che non leggo il tedesco... non significa questo lingua tedesca non esiste".

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L'immagine è diventata un vero piantagrane Artista spagnolo Pablo Picasso (1881-1973) Ragazze di Avignone. Pablo Picasso. Ragazze di Avignone. 1907 Museo d'Arte Moderna, New York

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È stata lei a segnare l'inizio di una nuova direzione nell'arte del cubismo. Matisse vedeva in lei una caricatura delle tendenze moderne della pittura e la considerava solo un brutto scherzo del suo amico. J. Braque, uno dei primi a vedere quest'opera, dichiarò indignato che Picasso vuole fargli "mangiare stoppa e bere cherosene". Il famoso collezionista russo e grande ammiratore del talento dell'artista S. I. Shchukin, vedendola in bottega, esclamò con le lacrime agli occhi: “Che perdita per pittura francese!" Fortunatamente, i numerosi attacchi della critica si sono rivelati solo un incentivo per ulteriori ricerche creative di Picasso. L'enorme tela fu il risultato di lunghe riflessioni dell'artista, che evidentemente trascurava i canoni della classica bellezza femminile. Picasso ha spiegato: “Ho fatto metà della foto, ho sentito che non era così! L'ho fatto diversamente, mi sono chiesto se dovevo rifare tutto. Poi ha detto: no, capiranno quello che volevo dire.

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Cosa "voleva dire" l'artista e cosa ha confuso così tanto il pubblico in lei? cinque nudi figure femminili, catturato da diverse angolazioni, riempiva quasi l'intera superficie della tela. Figure congelate simili a idoli sono scolpite con noncuranza da legno massiccio o pietra. I volti delle strane maschere sono pesantemente distorti e deformati. Privi di ogni sentimento ed emozione, spaventano e affascinano allo stesso tempo... La ragazza a destra guarda con indifferenza attraverso la tenda aperta. La figura, seduta con la schiena, si voltò e fissò intensamente lo spettatore. In ogni aspetto - un muto rimprovero e rimprovero alla società, che ha rifiutato le donne e le ha condannate alla malattia e alla morte. Così, secondo l'autore, l'immagine avrebbe dovuto svegliare la coscienza addormentata dei contemporanei, e quindi era percepita come la voce appassionata dell'artista in difesa della bellezza oltraggiata, una donna umiliata e impotente.

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La seconda fase nello sviluppo di una nuova direzione nella pittura è considerata il cubismo sintetico, usando vari oggetti vita reale. Pablo Picasso. Natura morta con sedia di paglia. 1912 Museo Picasso, Parigi

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Pablo Picasso. Natura morta con sedia di paglia. 1912 Museo Picasso, Parigi Il manico di una chitarra, il bordo di una tovaglia, la gamba cilindrica di un bicchiere, il collo di una bottiglia, l'ansa di una pipa fumante, un mazzo di carte da gioco: tutto poteva servire da pretesto per decifrare i dipinti. Lettere e numeri, frammenti di parole, frammenti di righe telegrafiche o di giornali, iscrizioni sulle vetrine di negozi e caffè, numeri di auto, segni di identificazione sui lati degli aerei venivano spesso introdotti ... Inoltre, nei dipinti venivano usati materiali che erano estranei a pittura ad olio: sabbia, segatura, ferro, vetro, gesso, carbone, assi, carta da parati. Questo fu l'inizio dell'arte del collage (incollaggio di materiali diversi da esso per colore e consistenza su una base).

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Un giorno Picasso prese una tela cerata, che raffigurava la griglia di una sedia di vimini. Ritagliando un pezzo della forma di cui aveva bisogno, lo ha incollato alla tela. Nasce così la "Natura morta con sedia di paglia". Il piccolo dipinto di forma ovale era ricco di dettagli che andavano contro le norme pittoriche esistenti. Elementi disparati, collegati in un certo modo, creavano comunque un tutto unico. Pablo Picasso. Natura morta con sedia di paglia. 1912 Museo Picasso, Parigi "Picasso viola deliberatamente percezione armonica dipinti, combinando oggetti su una tela, la cui realtà è percepita in misura diversa. Ma sono uniti in modo tale da creare un gioco di sentimenti contraddittori e allo stesso tempo complementari ”(R. Penrose).

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Oltre alla natura morta, i cubisti si sono spesso rivolti al genere del ritratto. La figura di un uomo, presentata in forme geometriche, riproduceva molto lontanamente il modello reale. La testa sembrava una palla, le braccia un rettangolo, la schiena un triangolo. Il volto si scomponeva in tanti elementi separati, secondo i quali era difficile restituire l'aspetto della persona ritratta. Tuttavia, è noto un caso in cui un critico americano ha riconosciuto in un caffè parigino un uomo che gli era familiare solo da un ritratto cubista di Picasso. Pablo Picasso. Ritratto di Ambroise Vollard, 1909-1910 Museo Pushkin im. AS Pushkin, Mosca

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Una sorprendente "somiglianza" è stata raggiunta dall'artista nel famoso "Ritratto di Ambroise Vollard". Creato su uno sfondo di intricati cristalli, trasmette vagamente il naso un po' schiacciato di un noto collezionista. La fronte alta e dritta si distingue dalla gamma prevalente di colori grigi con l'aiuto di toni tenui. I tratti del viso appena distinguibili sono assorbiti dalle forme cubiche. Lo stesso Vollard ha affermato che, sebbene molti non potessero riconoscerlo sulla tela, il figlio di quattro anni di uno dei suoi amici, quando ha visto per la prima volta il ritratto, ha subito esclamato: "Questo è lo zio Ambroise!" Pablo Picasso, Ritratto di Ambroise Vollard, 1909-1910, Museo Statale di Belle Arti Puskin, Mosca

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Il suo nome era già circondato da leggende durante la sua vita. Lo ammiravano e discutevano su di lui. Fu rovesciato e di nuovo eretto sulle cime dell'Olimpo. Su di lui sono stati scritti centinaia di studi. Secondo Pablo Picasso, l'arte del XX secolo, in cui ha fatto le sue brillanti scoperte, sarà misurata per molto tempo a venire. Le parole aforistiche del suo contemporaneo Andre Breton (1898-1966) conservano ancora il loro significato e significato: "Non c'è niente da fare dove è passato Picasso".