Prova a confrontare l'immagine della città rinascimentale ideale. Rinascimento

L'età della città ha raggiunto il suo splendido periodo di massimo splendore, ma ci sono già segni che sta morendo. Il secolo è stato burrascoso e crudele, ma stimolante. Ha avuto origine dalle città-stato dell'antica Grecia (3mila anni prima del Rinascimento), che hanno dato origine all'ideale di un uomo libero che si governa da solo. Perché, in effetti, una città del genere era costituita da un gruppo di persone che, dopo molte generazioni di litigi e conflitti civili, svilupparono un efficace sistema di autogoverno. Questo sistema variava da città a città. In ognuna di esse, il numero di persone in grado di rivendicare la piena cittadinanza è sempre stato esiguo. La massa degli abitanti rimase in una posizione più o meno servile ed esercitò i propri diritti solo attraverso violente e crudeli insurrezioni contro gli strati superiori. Tuttavia, in tutta Europa, in Italia, Germania e Paesi Bassi in particolare, c'era un certo accordo sociale sugli scopi, se non sui metodi, del governo, vale a dire la struttura della società, in cui i governanti erano scelti da alcuni dei governati. Da questo concetto civico iniziarono infinite guerre sanguinose. Il prezzo che i cittadini pagarono per la loro libertà fu misurato dalla loro disponibilità a imbracciare le armi in difesa della loro città contro i suoi rivali.

La vera voce della città era la grande campana del municipio o della cattedrale, che suonava l'allarme all'avvicinarsi degli abitanti armati di una città nemica. Ha chiamato tutti coloro che erano in grado di tenere le armi alle mura e alle porte. Gli italiani trasformarono la campana in una specie di tempio mobile, una sorta di Arca laica, che conduceva gli eserciti in battaglia. In una battaglia con le città vicine per il possesso di un pezzo di terra coltivabile, in una battaglia contro un imperatore o un re per i diritti civili, in una battaglia contro orde di soldati erranti ... Durante queste battaglie, la vita in città si congelò. Tutti gli uomini validi, dai quindici ai settant'anni senza eccezioni, si staccavano dalle normali attività per combattere. Così alla fine, per motivi di sopravvivenza economica, iniziarono ad assumere professionisti che sapevano combattere, mentre il potere civile, nel frattempo, era concentrato nelle mani di uno dei cittadini di spicco. Poiché controllava denaro e armi, questo cittadino si trasformò gradualmente nel sovrano di una città un tempo libera. In quei paesi che riconobbero la monarchia centrale, la città fu riconciliata al trono (semplicemente per esaurimento). Alcune città, come Londra, conservarono una maggiore autonomia. Altri si trovarono completamente assorbiti dalla struttura della monarchia. Tuttavia, durante tutto il Rinascimento, le città continuarono ad esistere come entità viventi, svolgendo la maggior parte delle funzioni che nella società moderna ricadono sotto la giurisdizione del governo centrale. Non erano né quartieri industriali, dormitori, né parchi di divertimento, come molti di loro divennero in seguito, ma strutture organiche che combinavano carne umana e pietra da costruzione nel loro ritmo di vita riconoscibile.

forma della città

Città di cui l'Europa era costellata come abiti formali pietre preziose, dal Rinascimento erano già antichi. Passarono di secolo in secolo, mantenendo una forma sorprendentemente regolare e dimensioni costanti. Solo in Inghilterra non si sentivano simmetriche, perché, salvo rare eccezioni, le città inglesi non erano costruite secondo un piano prestabilito, ma crescevano da insediamenti modesti, e la loro struttura era informe, poiché l'edificio era attaccato all'edificio nel modo più disordinato modo. Nel continente è continuata la tendenza ad avviare nuove città piuttosto che espandere quelle vecchie a proporzioni ingestibili. Solo in Germania sono state fondate 2.400 città in 400 anni. È vero, per gli standard odierni è difficile dire se si trattasse di piccole città o di grandi villaggi. Orange in Francia contava solo 6.000 abitanti fino al XIX secolo. E una città con un quarto di milione di abitanti era considerata semplicemente un gigante, e ce n'erano pochi. La popolazione di Milano, capitale del ducato, era di 200mila persone, cioè il doppio della popolazione della sua principale rivale, Firenze (vedi Fig. 53, foto 17), quindi la dimensione non era affatto una misura del potere.

Riso. 53. Firenze alla fine del XV secolo Da una moderna xilografia

Reims, il luogo delle incoronazioni, un grande centro commerciale, contava 100mila abitanti, e Parigi qualcosa di circa 250mila. La popolazione della maggior parte delle città europee potrebbe essere stimata in 10-50 mila persone. Anche le perdite dovute alla peste non hanno colpito a lungo la popolazione. Il numero delle vittime della peste è sempre stato esagerato, anche se, forse, in pochi mesi si è portato via circa un quarto degli abitanti. Tuttavia, dopo una generazione, la città è tornata al suo solito livello di popolazione. Il surplus di abitanti affluì verso nuove città. Il modello italiano, quando sono unite più città, unite da legami militari o commerciali grande città, a vari livelli, possono essere rintracciati in tutta Europa. In una tale federazione, il sistema di governo e le usanze locali inerenti a ciascuna città erano osservati con zelo, ma la riscossione delle tasse e la protezione erano controllate dal centro città.

La città crebbe come un albero, mantenendo la sua forma ma crescendo di dimensioni, e le mura della città, come anelli tagliati, segnarono le pietre miliari della sua crescita. Appena fuori le mura della città vivevano i poveri, i mendicanti, i reietti di ogni genere, che costruivano le loro capanne intorno alle mura, creando un disgustoso pasticcio di miserabili strade. A volte venivano dispersi dall'energico comune, ma più spesso avevano il permesso di rimanere dov'erano finché non si profilava un piano. I ricchi residenti si stabilirono fuori città in ville al centro di grandi latifondi, protetti dalle proprie mura. Quando, finalmente, la necessità economica o l'orgoglio civico richiesero l'espansione della città, fu eretta tutt'intorno un'altra cinta muraria. Hanno preso il sopravvento terra Nuova e ha lasciato ulteriore spazio per lo sviluppo. E le vecchie mura continuarono a resistere per molti altri secoli, se non furono smantellate in modo predatorio per la costruzione di nuovi edifici. Le città ripresero la loro forma, ma non inseguirono nuovi materiali da costruzione, così che lo stesso pezzo di mattone o pietra squadrata poteva trovarsi in una mezza dozzina di edifici diversi in mille anni. Si possono ancora vedere tracce delle vecchie mura scomparse, perché successivamente si sono trasformate in circonvallazioni o, meno spesso, in viali.

Le mura della fortezza determinavano la forma e determinavano le dimensioni della città. Nel Medioevo fungevano da potente protezione per gli abitanti, che avevano scorte di acqua e cibo. Un capo militare che stava per assediare una città avrebbe dovuto prepararsi per molti mesi di attesa fino a quando il nemico non avesse esaurito i rifornimenti. Le mura erano tenute in ordine a spese della pubblica amministrazione e, quanto altro cadeva in rovina, si provvedeva prima di tutto a loro. Il muro crollato era un segno di una città in rovina, e il primo compito dell'invasore vittorioso era quello di cancellarlo dalla faccia della terra. A meno che non andasse a vivere lì. Tuttavia, gradualmente le mura della fortezza persero il loro significato, il che si rifletteva nel modo in cui le città iniziarono a essere rappresentate. Nel XVI secolo era ampiamente utilizzata la veduta dall'alto, la pianta, dove si attribuiva particolare importanza alle strade. Sono stati dipinti nel bordo delle case. Sono stati evidenziati edifici importanti. Ma a poco a poco tutto è stato formalizzato, appiattito e il piano è diventato più accurato, anche se meno spettacolare e pittoresco. Ma prima che il piano entrasse in uso, la città era raffigurata come se un viaggiatore, avvicinandosi, la vedesse da lontano. Era piuttosto un'opera d'arte, sulla quale la città appariva, come nella vita, con mura, torri, chiese, premute l'una contro l'altra, come un unico enorme castello (vedi Fig. 54).

Riso. 54. La cinta muraria come struttura militare. Norimberga nel 1493. Da una moderna incisione

Tali città esistono ancora oggi, come Verona, situata su una collina. Nella loro planimetria è ben visibile il disegno steso dai costruttori. Nel sud, soprattutto in Italia, dominavano le grandi case a forma di torre, che davano al paesaggio urbano l'aspetto di una foresta pietrificata. Queste case erano i resti di un'epoca più violenta, quando le faide tra famiglie e fazioni dilaniavano le città. Quindi coloro che potevano costruire più in alto, più in alto, ancora più in alto hanno guadagnato un vantaggio sui loro vicini. Abili amministrazioni cittadine riuscirono a ridurne il numero, ma molti cercarono ancora di elevarsi in questo modo, mettendo in pericolo la sicurezza interna della città e privando avidamente di aria e di luce le strette vie.

Riso. 55. Porta della città, dove vengono riscossi i dazi da tutte le merci che arrivano in città

Le porte cittadine che tagliavano le mura (vedi fig. 55) svolgevano un duplice ruolo. Svolgevano non solo una funzione difensiva, ma contribuivano anche al reddito della città. Le guardie furono poste intorno a loro, riscuotendo una tassa su tutto ciò che veniva portato in città. A volte si trattava di prodotti agricoli, raccolti raccolti dai campi circostanti, frutteti e frutteti. E a volte - spezie esotiche portate da migliaia di miglia - tutto al cancello era soggetto a controlli e dazi doganali. Un tempo, quando la dogana fiorentina era pericolosamente caduta, uno degli ufficiali suggerì di raddoppiare il numero delle porte e quindi raddoppiare la loro redditività. In una riunione del consiglio comunale fu ridicolizzato, ma questa proposta sconsiderata nasceva dalla convinzione che la città fosse un'entità indipendente. Gli abitanti del villaggio odiavano queste estorsioni, ricevendo per loro solo dubbie promesse di protezione armata. Sono andati a tutti i tipi di trucchi, solo per evitare di pagare. Sacchetti racconta una storia molto veritiera su un contadino che nascondeva delle uova di gallina nei pantaloni larghi per ingannare le guardie. Ma quelli, avvertiti dal nemico del contadino, lo costrinsero a sedersi mentre esaminavano il carico. Il risultato è chiaro.

Nelle città, le porte svolgevano il ruolo di occhi e orecchie. Erano l'unico punto di contatto con il mondo esterno. Fu dal mondo esterno che arrivò la minaccia e le guardie al cancello riferirono meticolosamente al sovrano dell'arrivo e della partenza di stranieri e di ogni sorta di estranei in generale. Nelle città libere, i cancelli chiusi erano un simbolo di indipendenza. Il viaggiatore in ritardo, arrivato dopo il tramonto, fu costretto a passare la notte fuori dalle mura della città. Da qui l'usanza di costruire alberghi all'esterno, al cancello principale. Il cancello stesso era come una piccola fortezza. Ospitavano una guarnigione a guardia della città. Enormi castelli che torreggiavano sulle città medievali erano, infatti, una semplice continuazione delle principali case-porta della fortezza.

Tuttavia, l'assenza di un piano edilizio nelle città medievali era più apparente che reale. È vero: le strade si attorcigliavano senza meta, giravano in cerchio, formavano anelli, si dissolvevano persino in alcuni cortili, ma in fondo non dovevano fornire un passaggio diretto da un punto all'altro della città, ma creare una cornice, uno scenario per vita pubblica. Lo straniero, varcato le porte cittadine, poteva facilmente orientarsi verso il centro della città, perché dalla piazza centrale si irradiavano le vie principali. "Piazza", "piazza", "piazza d'armi", "piazza", come si chiamava in lingua locale, era l'erede diretta del foro romano, luogo dove si riunivano gli ansiosi nei giorni di guerra e dove si aggiravano, divertirsi, in tempo di pace. . Ancora una volta, solo l'Inghilterra non aveva un tale luogo di incontro. Gli inglesi preferirono espandere la strada principale in un mercato. Serviva allo stesso scopo, ma mancava di un senso di coesione e unità, e con l'aumento del traffico perse la sua importanza come luogo di incontro centrale. Tuttavia, nel continente, questa eco dell'antica Roma ha continuato a esistere.

Riso. 56. Piazza San Marco, Venezia

Poteva essere una zona modesta, sterrata, ombreggiata da alberi, magari circondata da case malandate. E potrebbe essere enorme, sorprendente, come le piazze principali di Siena o Venezia (vedi Fig. 56), potrebbe essere progettato in modo tale da sembrare un'enorme sala senza tetto. Tuttavia, per quanto apparisse, rimaneva il volto della città, il luogo in cui si riunivano gli abitanti e intorno a lei si allineavano gli organi vitali della città, i centri di governo e di giustizia. Da qualche altra parte potrebbe esserci un altro centro di formazione naturale: ad esempio una cattedrale con edifici ausiliari, solitamente costruita su una piccola piazza. Dal cancello principale una strada dritta e pulita abbastanza larga conduceva alla piazza, quindi alla cattedrale. Allo stesso tempo, lontane dal centro, le strade sono diventate, per così dire, vene periferiche al servizio dei bisogni locali. Sono stati volutamente stretti, sia per proteggere i passanti dal sole e dalla pioggia, sia per risparmiare spazio. A volte i piani superiori degli edifici distavano solo pochi metri l'uno dall'altro. La ristrettezza delle strade fungeva anche da protezione durante le guerre, perché la prima azione degli assalitori era quella di attraversarle al galoppo prima che gli abitanti avessero il tempo di erigere barriere. Le truppe non potevano mantenere l'ordine militare marciando su di loro. In tali circostanze, una folla ostile, armata di semplici massi, potrebbe impedire con successo il passaggio di soldati professionisti. In Italia, le strade iniziarono ad essere lastricate già nel XIII secolo e nel XVI secolo furono lastricate tutte le strade principali della maggior parte delle città europee. Non c'era separazione tra marciapiede e marciapiede, perché tutti o cavalcavano o camminavano. Gli equipaggi iniziarono ad apparire solo nel XVI secolo. A poco a poco, il traffico su ruote è cresciuto, le strade si sono raddrizzate per facilitargli il passaggio, e poi ci si è presi cura dei pedoni, sottolineando ulteriormente la differenza tra ricchi e poveri.

Culto di Vitruvio

Le città dell'era rinascimentale avevano una cosa in comune: crescevano e si sviluppavano spontaneamente, secondo necessità. Fu progettata solo la cinta muraria, che fu posata e costruita nel suo insieme, e all'interno della città, solo la dimensione di un particolare edificio determinò l'assetto del territorio adiacente. La cattedrale determinò la struttura dell'intero quartiere con annesse strade e piazze, ma in altri luoghi comparvero case secondo necessità o furono ricostruite da quelle esistenti. Anche il concetto stesso di urbanistica era assente fino alla seconda metà del XV secolo, quando furono riprese le idee dell'architetto romano Vitruvius Polio. Vitruvio era l'architetto della Roma augustea e la sua opera Sull'architettura risale al 30 a.C. circa. Non era uno dei famosi architetti, ma il suo libro era l'unico su questo argomento, e piacque al mondo, ossessionato dall'antichità. Le scoperte in architettura sono state fatte allo stesso modo della geografia: l'antico autore ha dato slancio a menti capaci della propria creatività e ricerca. Le persone che credono di seguire Vitruvio hanno infatti usato il suo nome per inquadrare le proprie teorie. Vitruvio considerava la città un'unità autosufficiente, che dovrebbe essere progettata, come una casa, le cui parti sono tutte subordinate al tutto. Fognature, strade, piazze, edifici pubblici, proporzioni di cantieri: tutto ha il suo posto in questo piano. Il primo trattato basato sul concetto di Vitruvio fu scritto dal fiorentino Leon Battista Alberti. Fu pubblicato nel 1485, solo tredici anni dopo la sua morte, e guidò una lunga serie di opere che si protrassero fino al XIX secolo, opere che ebbero un enorme impatto sull'urbanistica. La maggior parte di queste opere erano illustrate in modo sorprendente, persino troppo squisito. Data la base matematica di questo culto, non sorprende che i seguaci abbiano portato tutto all'estremo. La città è stata inventata, proprio come un problema di geometria, senza prestare attenzione ai fattori umani e geografici. La perfezione teorica ha portato in pratica a un'aridità senza vita.

Riso. 57. Palma Nova, Italia: un rigoroso piano urbanistico

Solo fortunato che solo poche città furono costruite secondo i principi di Vitruvio. Ogni tanto c'era bisogno, più spesso militare, in una nuova città. A volte potrebbe essere costruito secondo questa nuova teoria (ad esempio, Palma Nova (vedi fig. 57) nello stato veneziano). Per la maggior parte, tuttavia, gli architetti dovettero accontentarsi di uno sviluppo parziale, poiché raramente ebbero l'opportunità di demolire completamente i vecchi edifici e ricostruirli al loro posto. L'architetto affrontò una resistenza passiva, basti ricordare come fu accolta la proposta di Leonardo da Vinci di costruire insediamenti satellite intorno a Milano. La terribile pestilenza del 1484 fece 50.000 abitanti, e Leonardo volle costruire dieci nuove città con 5.000 case e insediarvi 30.000 persone, "per disinnescare il troppo affollamento di gente che si è ammassata a mandrie come capre... riempiendo ogni angolo di spazio con puzza e semi di semina infezione e morte. Ma nulla del genere è stato fatto, perché in questo non erano previsti né guadagni monetari né vantaggi militari. E il sovrano di Milano scelse di spendere l'oro per decorare la propria corte. Questo è stato il caso in tutta Europa. Le città hanno già preso forma e non c'è più spazio per una pianificazione su larga scala. Roma era l'unica eccezione a questa regola.

La prima città della cristianità nel Medioevo cadde in rovina. L'apice delle sue disgrazie fu il trasferimento del papato nella residenza di Avignone nel 1305. Per più di cento anni, nella Città Eterna non c'è stato un potere abbastanza forte da frenare le ambizioni delle grandi famiglie e la ferocia brutale della folla. Altre città d'Italia divennero più belle e prospere, mentre Roma fu ricoperta di muffa e crollò. La città di Augusta fu edificata saldamente, sopravvisse e non soccombette agli attacchi del tempo e alle incursioni dei barbari, ma morì per mano dei suoi stessi cittadini. La colpa era in parte delle guerre, ma principalmente del fatto che i massicci edifici antichi erano una fonte di materiali da costruzione già pronti. Nel 1443 terminò il grande scisma e il papato fu nuovamente stabilito a Roma. Per la prima volta, papa Niccolò V attirò l'attenzione sullo stato deplorevole della Città Eterna e capì che per riconoscere Roma come capitale del mondo, doveva essere ricostruita (vedi Fig. 58). Un compito enorme! La città una volta ospitava circa un milione di persone, il maggior numero di abitanti fino a 19esimo secolo. Prima della rivoluzione industriale, che portò all'espansione edilizia, nessuna città europea poteva essere paragonata per dimensioni alla Roma di Augusto. E nel 1377 contava solo circa 20mila abitanti. Sette dei suoi colli furono abbandonati, la popolazione preferì vivere sulle sponde paludose del Tevere. Il bestiame vagava per le strade deserte fiancheggiate da case in rovina. Il foro perse il suo antico splendore e prese il soprannome di "Campo Vacchino", cioè "Campo delle mucche". Gli animali morti non venivano mai ripuliti e marcivano dove morivano, aggiungendo l'odore della combustione e del marciume alla fanghiglia sudicia sotto i piedi. Non c'era città in Europa che sprofondasse così in basso da così grandi altezze.

Riso. 58. Panorama di Roma nel 1493, con San Pietro (in alto). Da un'incisione moderna nel libro di Schedel "La cronaca del mondo"

Sono passati più di 160 anni da quando papa Niccolò V concepì la sua ricostruzione, e fino al momento in cui Bernini completò il colonnato della cattedrale di San Pietro, sono trascorsi più di 160 anni. E tutti i papi che hanno governato in questo secolo e mezzo, dai virtuosi ai viziosi, dal dottissimo Nicola al depravato Alessandro Borgia, hanno condiviso una passione che ha ridato vita alla prima di tutte le città del Rinascimento, un amore per l'arte e l'architettura, desiderio di trasformare l'antica città in una degna capitale di una pace cristiana.

L'elenco dei nomi degli architetti e degli artisti che vi lavorarono suona esattamente come un appello alla fama: Alberti, il primo dei Vitruviani, Bramante, Sangallo, Bernini, Raffaello, Michelangelo e tanti altri caduti nell'ombra dei grandi, ma sono in grado di decorare la corte di qualsiasi sovrano. Qualcosa di quanto è stato fatto è deplorevole: ad esempio, la distruzione dell'antica cattedrale di San Pietro per costruire al suo posto un nuovo tempio del Bramante ha provocato una tempesta di proteste. Ma bastò l'assoluta autorità papale per portare a compimento uno dei più grandi progetti urbanistici della storia. Il risultato non fu solo un magnifico monumento a qualche sovrano. Numerosi vantaggi sono andati ai comuni cittadini: l'approvvigionamento idrico è migliorato, l'antico sistema fognario è stato ripristinato, la minaccia di incendi e peste è diminuita drasticamente.

Vita di città

La città era un palcoscenico sul quale, davanti a tutte le persone oneste, si svolgeva quello che ora accadeva nel silenzio degli uffici. Colpivano i dettagli che colpivano per la loro variabilità: l'irregolarità degli edifici, gli stili eccentrici e la variegatura dei costumi, gli innumerevoli beni che venivano prodotti proprio per le strade: tutto ciò dava alla città rinascimentale una luminosità che è assente nella monotonia monotona delle città moderne . Ma c'era anche una certa omogeneità, una fusione di gruppi che proclamavano l'unità interna della città. Nel Novecento l'occhio si è abituato alle divisioni create dall'espansione urbana incontrollata: il traffico pedonale e quello automobilistico si svolgono in mondi diversi, l'industria è separata dal commercio, ed entrambi sono separati dallo spazio dalle aree residenziali, che a loro volta sono suddivisi in base alla ricchezza dei loro abitanti. Un cittadino può vivere tutta la sua vita senza vedere come viene cotto il pane che mangia o come vengono seppelliti i morti. Più la città diventava grande, più una persona si allontanava dai suoi concittadini, finché il paradosso della solitudine in mezzo alla folla diventava un fenomeno ordinario.

In una città fortificata di, diciamo, 50.000 persone, dove la maggior parte delle case erano miserabili baracche, la mancanza di spazio incoraggiava le persone a trascorrere più tempo in pubblico. Il negoziante vendeva merce quasi dalla bancarella, attraverso una piccola finestra. Le persiane dei primi piani erano realizzate su cardini in modo da reclinarsi rapidamente, formando una mensola o un tavolo, cioè un bancone (vedi Fig. 60). Viveva con la sua famiglia nelle stanze superiori della casa e, solo essendo diventato notevolmente più ricco, poteva tenere un negozio separato con impiegati e vivere in un sobborgo giardino.

Riso. 60. Commercianti cittadini, tra cui: un commerciante di abbigliamento e tessuti (a sinistra), un barbiere (al centro) e un pasticcere (a destra)

Un abile artigiano utilizzava anche il piano inferiore della casa come laboratorio, talvolta mettendo in vendita i suoi prodotti proprio lì sul posto. Artigiani e mercanti erano molto inclini a mostrare un comportamento da gregge: ogni città aveva la sua via Tkatskaya, Myasnitsky Ryad e la sua corsia Rybnikov. E se non c'era abbastanza spazio nei piccoli locali affollati, o anche solo con il bel tempo, il commercio si spostava in strada, che diventava indistinguibile dal mercato. I disonesti venivano puniti pubblicamente, in piazza, nello stesso luogo dove si guadagnavano da vivere, cioè in pubblico. Erano legati a una gogna e i beni senza valore venivano bruciati ai loro piedi o appesi al collo. Un vignaiolo che vendeva vino cattivo era costretto a berne una grande quantità, e il resto gli veniva versato sulla testa. Rybnik è stato costretto ad annusare il pesce marcio o addirittura a imbrattarsi il viso e i capelli.

Di notte, la città era immersa nel silenzio e nell'oscurità più completi. Anche dove non c'era "l'ora obbligatoria dello spegnimento degli incendi", il saggio cercava di non uscire tardi e dopo il tramonto si sedeva al sicuro dietro robuste porte con chiavistelli. Un passante, sorpreso di notte dalle guardie, ha dovuto prepararsi a spiegare in modo convincente il motivo della sua camminata sospetta. Non c'erano tentazioni del genere che potessero attirare un uomo onesto da casa la sera, perché i divertimenti pubblici terminavano al tramonto e la gente del paese aveva l'abitudine di andare a letto al tramonto. Le candele di sego erano disponibili, ma ancora piuttosto costose. E si usavano con parsimonia anche stoppini maleodoranti imbevuti di stracci di grasso, perché il grasso costava più della carne. La giornata lavorativa, che durava dall'alba al tramonto, lasciava poche forze per una burrascosa notte di divertimento. Con il diffuso sviluppo della stampa, in molte case divenne consuetudine leggere la Bibbia. Un altro divertimento domestico era fare musica per coloro che potevano permettersi di acquistare uno strumento musicale: un liuto, o una viola, o un flauto, così come cantare per coloro che non avevano soldi per farlo. La maggior parte delle persone trascorreva le brevi ore di svago tra la cena e l'ora di andare a letto conversando. Tuttavia, la mancanza di intrattenimento serale e notturno è stata più che compensata durante il giorno a spese pubbliche. Le frequenti festività religiose hanno ridotto il numero di giorni lavorativi all'anno a una cifra, forse inferiore a quella odierna.

Riso. 61. Processione religiosa

I giorni di digiuno erano rigorosamente osservati e sostenuti dalla forza della legge, ma le festività erano intese alla lettera. Non solo includevano la liturgia, ma si trasformavano in un divertimento sfrenato. In questi giorni, la solidarietà dei cittadini si è chiaramente manifestata in affollate processioni religiose e processioni religiose (vedi Fig. 61). Allora c'erano pochi osservatori, perché tutti volevano prenderne parte. Albrecht Dürer ha assistito a una processione simile ad Anversa, e il suo occhio di artista ha guardato con gioia l'infinita processione di colori e forme. Era il giorno dell'Assunzione della Vergine, “... e l'intera città, indipendentemente dal grado e dall'occupazione, si radunò lì, ciascuno vestito con l'abito migliore secondo il suo grado. Tutte le corporazioni e le tenute avevano i propri segni con cui potevano essere riconosciute. Negli intervalli portavano enormi candele costose e tre lunghe vecchie trombe franche d'argento. C'erano anche tamburi e flauti realizzati in stile tedesco. Soffiavano e battevano forte e rumorosamente... C'erano orafi e ricamatori, pittori, muratori e scultori, falegnami e carpentieri, marinai e pescatori, tessitori e sarti, fornai e conciatori... veramente operai di ogni genere, oltre a tanti artigiani e persone diverse, guadagnandosi da vivere. Erano seguiti da arcieri con fucili e balestre, cavalieri e fanti. Ma davanti a tutti c'erano gli ordini religiosi ... A questa processione ha preso parte anche una grande folla di vedove. Si sostenevano con il loro lavoro e osservavano regole speciali. Erano vestiti dalla testa ai piedi con abiti bianchi, cuciti appositamente per questa occasione, era triste guardarli ... Venti persone portavano l'immagine della Vergine Maria con nostro Signore Gesù, lussuosamente vestita. Nel corso della processione sono state mostrate molte cose meravigliose, magnificamente presentate. Furono trainati carri su cui si trovavano navi e altre strutture piene di persone mascherate. Sono stati seguiti da una troupe, che rappresentava i profeti in ordine e scene del Nuovo Testamento ... Dall'inizio alla fine, la processione è durata più di due ore fino a raggiungere la nostra casa.

I miracoli che tanto deliziavano Dürer ad Anversa lo avrebbero affascinato a Venezia e Firenze, perché gli italiani trattavano le festività religiose come una forma d'arte. Alla festa del Corpus Domini a Viterbo, nel 1482, l'intera processione era divisa in sezioni, ognuna delle quali era responsabile di qualche cardinale o il più alto dignitario della chiesa. E ciascuno si sforzava di superare l'altro decorando la sua trama con costosi drappeggi e dotandola di un palcoscenico su cui venivano rappresentati i misteri, in modo che, nel suo insieme, formasse una serie di spettacoli sulla morte e risurrezione di Cristo. Il palcoscenico utilizzato in Italia per la rappresentazione dei misteri era lo stesso che in tutta Europa: una struttura a tre piani, dove i piani superiore e inferiore servivano rispettivamente da Paradiso e Inferno, e la pedana principale centrale raffigurava la Terra (vedi Fig. 62).

Riso. 62. Scena per la presentazione dei misteri

Soprattutto l'attenzione è stata attratta dal complesso meccanismo scenico, che ha permesso agli attori di librarsi e nuotare nell'aria. C'era una scena a Firenze che consisteva in una palla sospesa, circondata da angeli, da cui, al momento giusto, un carro apparve e discese sulla terra. Leonardo da Vinci realizzò per i Duchi di Sforza una macchina ancora più complessa, che mostrava il movimento dei corpi celesti, ciascuno con il proprio angelo custode.

Le processioni secolari in Italia rievocavano i grandi trionfi della Roma classica e prendevano il nome da loro. A volte venivano organizzati in onore dell'arrivo di qualche capo militare sovrano o famoso, a volte solo per una vacanza. Rivivevano nella memoria i nomi gloriosi dei grandi romani, rappresentati in toghe e corone d'alloro e trasportati per la città su carri. A loro piaceva particolarmente raffigurare allegorie: la fede vinse l'idolatria, la virtù sterminò il vizio. Un'altra rappresentazione preferita sono le tre età dell'uomo. Ogni evento terreno o soprannaturale è stato riprodotto nei minimi dettagli. Gli italiani non lavorarono sul contenuto letterario di queste scene, preferendo spendere soldi per lo sfarzo dello spettacolo, cosicché tutte le figure allegoriche erano creature schiette e superficiali e si limitavano a proclamare frasi vuote altisonanti senza alcuna convinzione, passando così dalla rappresentazione alle prestazioni. Ma lo splendore della scenografia e dei costumi deliziava l'occhio, e tanto bastava. In nessun'altra città d'Europa l'orgoglio civico si manifestava così brillantemente e con tanta brillantezza come nel rito annuale delle nozze con il mare, che veniva celebrato dal sovrano di Venezia, uno strano miscuglio di arroganza commerciale, gratitudine cristiana e simbolismo orientale . Questa festa rituale inizia nel 997 dopo la nascita di Cristo, quando il Doge di Venezia prima della battaglia fece una libagione di vino, versandolo nel mare. E dopo la vittoria, è stata celebrata il prossimo giorno dell'Ascensione. Un'enorme chiatta statale, chiamata Bucentaur, fu remata fino allo stesso punto della baia, e lì il doge gettò un anello in mare, dichiarando che con questa azione la città era sposata con il mare, cioè con gli elementi che lo ha reso fantastico (vedi Fig. 63).

Riso. 63. "Bucentauro" veneziano

"Bucentaur" ha partecipato maestosamente a tutte le cerimonie civili. Solenni processioni in altre città si muovevano nella polvere nella calura, ei veneziani scivolavano lungo la superficie liscia della loro grande rotta marittima. Il Bucentaur è stato rimontato da una galea da battaglia, che ha spazzato via dall'Adriatico tutti i nemici di Venezia. Conservava la potente e feroce prua da speronamento di una nave da guerra, ma ora il ponte superiore era ornato di broccato scarlatto e oro, e una ghirlanda di foglie dorate tesa lungo il lato scintillava abbagliante al sole. A prua c'era una figura di giustizia a grandezza umana con una spada in una mano e una bilancia nell'altra. I sovrani che venivano in visita venivano scortati su questa nave fino alla città insulare, circondati da innumerevoli piccole imbarcazioni, anch'esse decorate con ricchi tessuti e ghirlande. L'ospite è stato condotto proprio sulla porta della residenza a lui assegnata. Non c'è da stupirsi che i carnevali veneziani, messi in scena con lo stesso splendido disprezzo per le spese, risplendenti dello stesso gusto sensuale, quasi selvaggio per i colori vivaci, attirassero visitatori da tutta Europa. In questi giorni la popolazione della città è raddoppiata. A quanto pare, la moda delle mascherate è passata da Venezia, che si è poi diffusa in tutti i cortili d'Europa. Altro città italiane nei misteri venivano introdotti attori mascherati, ma erano i veneziani amanti dello spettacolo con il loro acume commerciale che apprezzavano la maschera come piccante aggiunta al carnevale.

Le competizioni militari del Medioevo continuarono quasi invariate nel Rinascimento, sebbene lo status dei loro partecipanti diminuisse leggermente. Così, ad esempio, i pescivendoli di Norimberga organizzarono il proprio torneo. Le gare di tiro con l'arco erano molto popolari, anche se l'arco come arma scomparve dal campo di battaglia. Ma le più amate erano le feste, le cui radici risalivano all'Europa precristiana. Non riuscendo a sradicarli, la Chiesa, per così dire, ne battezzò alcuni, cioè se ne appropriò, mentre altri continuarono a vivere in forma immutata, sia nei paesi cattolici che protestanti. Il più grande di questi era il Primo Maggio, l'incontro pagano della primavera (vedi Fig. 64).

Riso. 64. Celebrazione del Primo Maggio

In questo giorno, sia i poveri che i ricchi viaggiavano e uscivano dalla città per raccogliere fiori, ballare e festeggiare. Diventare May Lord fu un grande onore, ma anche un costoso piacere, perché tutte le spese festive ricadevano su di lui: capitava che alcuni uomini scomparissero per un po' dalla città per sottrarsi a questo ruolo onorifico. La vacanza ha portato in città una particella di campagna, di vita nella natura, così vicina e così lontana. In tutta Europa, il cambio delle stagioni veniva celebrato con festeggiamenti. Differivano l'uno dall'altro nei dettagli e nei nomi, ma le somiglianze erano più forti delle differenze. Il Signore del Disordine regnava ancora in uno dei giorni invernali, l'erede diretto dei saturnali romani, che, a loro volta, erano una reliquia della festa preistorica del solstizio d'inverno. Più e più volte hanno cercato di sradicarlo, ma è stato rianimato nei carnevali locali con giullari, guerrieri e ballerini travestiti, che sono apparsi per la prima volta al mondo nei disegni rupestri. È giunto il momento e le vacanze di mille anni fa si adattano facilmente alla vita delle città, dove il rombo delle macchine da stampa e il rumore delle carrozze a ruote segnavano l'inizio di un nuovo mondo.

I viaggiatori

Le principali città d'Europa erano collegate da un sistema postale molto efficiente. Un semplice laico potrebbe usarlo liberamente ... se non avesse paura che le sue lettere venissero lette. Le autorità che organizzavano la posta erano interessate allo spionaggio quasi quanto a stabilire comunicazioni tra città e paesi. Nonostante il pessimo stato delle strade, il numero dei veicoli è aumentato. L'ondata di pellegrinaggio raggiunse un'altezza senza precedenti e quando il flusso di pellegrini iniziò a diminuire, i mercanti presero il loro posto, perché il commercio si stava sviluppando attivamente. I funzionari statali erano onnipresenti, il calpestio degli stivali dei soldati in marcia non si è placato per un minuto. I viaggiatori che si occupano dei loro affari non sono più una rarità. Gente come l'irrequieto Erasmo si spostava da un centro scientifico all'altro in cerca di un luogo e di mezzi di sussistenza. Alcuni vedevano persino il viaggio come un mezzo educativo unito al piacere. In Italia sorse una nuova scuola di scrittori di storia locale, che raccomandavano ai curiosi di visitare luoghi interessanti. Molti viaggiavano a cavallo, ma già cominciavano ad apparire le carrozze (vedi fig. 65), che si diceva fossero state inventate per la prima volta a Kotz o Kosice (Ungheria).

Riso. 65. Carrozza tedesca 1563. I viaggi a lunga distanza richiedevano almeno 4 cavalli

La maggior parte di queste carrozze erano fatte per lo spettacolo: erano estremamente scomode. Il corpo era appeso a delle cinture, che in teoria avrebbero dovuto fungere da molle, ma in pratica trasformavano il viaggio in una serie di nauseanti tuffi e oscillazioni. La velocità media era di venti miglia al giorno, a seconda della qualità delle strade. Ci sono voluti almeno sei cavalli per tirare la carrozza attraverso il denso fango invernale. Erano molto sensibili ai dossi che spesso incontravano lungo la strada. Una volta in Germania, si formò una tale buca che vi caddero dentro tre carrozze contemporaneamente, e questo costò la vita a uno sfortunato contadino.

Le strade romane erano ancora le principali arterie d'Europa, ma anche il loro splendore non poteva resistere alla predazione dei contadini. Quando serviva materiale per costruire una stalla o un fienile, o anche una casa, gli abitanti del villaggio con abituale prontezza si rivolgevano a grandi scorte di pietra già tagliata, che, appunto, era la strada. Non appena sono stati rimossi gli strati superiori del manto stradale, il tempo e il trasporto hanno completato il resto. In alcune regioni c'erano ordini di preservare e mantenere le strade fuori città. In Inghilterra, un mugnaio che aveva improvvisamente bisogno di argilla per le riparazioni scavò una buca larga 10 piedi e profonda otto piedi, e poi la gettò via. La fossa si riempì di acqua piovana, un viaggiatore vi cadde dentro e annegò. Chiamato a rendere conto, il mugnaio ha detto che non aveva intenzione di uccidere nessuno, semplicemente non c'era nessun altro posto dove prendere l'argilla. È stato rilasciato dalla custodia. Tuttavia, l'antica usanza prescriveva di realizzare strade di larghezza minima: in un punto si supponeva che due carri passassero l'uno contro l'altro, nell'altro - per far passare un cavaliere con una lancia a portata di mano. In Francia, dove le strade romane attraversavano le foreste, la loro larghezza fu aumentata da 20 piedi a circa settantotto, per precauzione contro i briganti, che divennero sempre più numerosi con l'aumentare del costoso traffico di merci. Un uomo saggio viaggiava sempre in compagnia e tutti erano armati. Il viaggiatore solitario era guardato con sospetto e poteva benissimo finire in una prigione locale se non avesse indicato motivi meritevoli per la sua permanenza in questa regione.

Viaggiare in tutta Europa, anche in circostanze favorevoli, potrebbe richiedere diverse settimane. Pertanto, gli hotel lungo la strada - locande (vedi Fig. 66) hanno acquisito una tale importanza.

Riso. 66. Casa sala comune albergo lungo la strada

Poteva trattarsi di un grande stabilimento, come il famoso Albergo del Toro di Padova, dove nelle stalle venivano ospitati fino a 200 cavalli, oppure poteva essere una minuscola e fetida osteria per gli sbadati e gli sprovveduti. In Austria è stato catturato un locandiere che, come è stato dimostrato, negli anni ha ucciso più di 185 ospiti e ne ha accumulato una notevole ricchezza. Tuttavia, la maggior parte dei contemporanei dipinge un'immagine abbastanza amichevole. La simpatica signora, ritratta da William Caxton nella prima guida, avrebbe dovuto fare una piacevole impressione sui viaggiatori dopo una faticosa giornata trascorsa in viaggio. Caxton fece stampare il suo libro nel 1483.

Tra le altre cose, fornì ai suoi connazionali monolingue frasi in francese sufficienti per informarsi su come uscire dalla città, noleggiare un cavallo e trovare un alloggio per la notte. La conversazione nell'albergo citata è più garbata che istruttiva, ma ci mostra quali situazioni si ripetevano ogni sera in tutte le città d'Europa.

«Dio ti benedica, signora.

- Benvenuto, ragazzo.

– Posso avere un letto qui?

- Sì, buono e pulito, [anche se] siete una dozzina.

No, siamo in tre. Puoi mangiare qui?

- Sì, in abbondanza, grazie a Dio.

"Portaci del cibo e dai fieno ai cavalli e asciugali bene con la paglia".

I viaggiatori mangiavano, controllavano prudentemente il conto del pasto e chiedevano di aggiungerne il costo al calcolo mattutino. Quindi segue:

“Portateci a letto, siamo stanchi.

«Jeanette, accendi una candela e accompagnali di sopra in quella stanza. Porta loro dell'acqua calda per lavarsi i piedi e coprili con un letto di piume».

A giudicare dalla conversazione, questo è un hotel di prima classe. Ai viaggiatori viene servita la cena in tavola, ovviamente non portavano cibo con sé, sebbene questa fosse l'usanza. Vengono scortati a letto con una candela e forniti di acqua calda. Forse, se fossero stati fortunati, avrebbero potuto avere un letto per ciascuno e non condividerlo con qualche estraneo. Ma che si trattasse di un lussuoso albergo, in cui agli ospiti veniva offerto anche intrattenimento, o di una semplice capanna vicino alle mura della città, il viaggiatore poteva riposarvi per diverse ore, protetto non solo dalle intemperie e dagli animali selvatici, ma anche dai suoi compagni umani.

All'inizio del XV secolo ci furono enormi cambiamenti nella vita e nella cultura in Italia. Dal XII secolo i cittadini, i mercanti e gli artigiani d'Italia hanno condotto un'eroica lotta contro la dipendenza feudale. Sviluppando il commercio e la produzione, i cittadini si arricchirono gradualmente, abbandonarono il potere dei signori feudali e organizzarono città-stato libere. Queste libere città italiane divennero molto potenti. I loro cittadini erano orgogliosi delle loro conquiste. L'enorme ricchezza delle città italiane indipendenti le fece fiorire. La borghesia italiana guardava il mondo con occhi diversi, credeva fermamente in se stessa, nella propria forza. Erano estranei al desiderio di sofferenza, umiltà, rifiuto di tutte le gioie terrene che finora erano state loro predicate. Crebbe il rispetto per la persona terrena che gode delle gioie della vita. Le persone hanno iniziato ad assumere un atteggiamento attivo nei confronti della vita, esplorare con entusiasmo il mondo, ammirarne la bellezza. Durante questo periodo nascono varie scienze, si sviluppa l'arte.

In Italia sono stati conservati molti monumenti dell'arte dell'antica Roma, quindi l'era antica è stata nuovamente venerata come modello, l'arte antica è diventata oggetto di ammirazione. Imitazione dell'antichità e ha dato motivo di chiamare questo periodo nell'arte - rinascita che significa in francese "Rinascimento". Certo, questa non era una ripetizione cieca ed esatta dell'arte antica, era già arte nuova, ma basata su modelli antichi. Il Rinascimento italiano si divide in 3 fasi: VIII - XIV secolo - Pre-rinascimento (proto-rinascimento o Trecento- con esso.); XV secolo - Primo Rinascimento (Quattrocento); fine 15° - inizio 16° secolo - alto rinascimento.

Scavi archeologici sono stati effettuati in tutta Italia, alla ricerca di monumenti antichi. Le statue, le monete, gli utensili, le armi appena scoperte sono state accuratamente conservate e raccolte in musei appositamente creati per questo scopo. Gli artisti hanno studiato su questi campioni dell'antichità, li hanno disegnati dalla natura.

Trecento (pre-rinascimento)

Il vero inizio del Rinascimento è associato al nome Giotto di Bondone (1266? - 1337). È considerato il fondatore della pittura rinascimentale. Il fiorentino Giotto ha dato grandi contributi alla storia dell'arte. Era un rinnovatore, l'antenato di tutta la pittura europea dopo il Medioevo. Giotto ha dato vita alle scene evangeliche, ha creato immagini di persone reali, spiritualizzate, ma terrene.

Giotto per la prima volta crea volumi con l'ausilio del chiaroscuro. Gli piacciono i colori puliti e chiari in tonalità fredde: rosa, grigio perla, viola pallido e lilla chiaro. Le persone negli affreschi di Giotto sono tozze, dal passo pesante. Hanno grandi tratti del viso, zigomi larghi, occhi stretti. Il suo uomo è gentile, premuroso, serio.

Delle opere di Giotto, gli affreschi nei templi di Padova sono meglio conservati. Ha presentato le storie del Vangelo qui come esistenti, terrene, reali. In queste opere racconta i problemi che preoccupano le persone in ogni momento: la gentilezza e la comprensione reciproca, l'inganno e il tradimento, la profondità, il dolore, la mansuetudine, l'umiltà e l'eterno amore materno divorante.

Invece di singole figure disparate, come nella pittura medievale, Giotto è riuscito a creare una storia coerente, un'intera narrazione sulla complessa vita interiore dei personaggi. Al posto del convenzionale sfondo dorato dei mosaici bizantini, Giotto introduce uno sfondo paesaggistico. E se nella pittura bizantina le figure, per così dire, si libravano, erano sospese nello spazio, allora gli eroi degli affreschi di Giotto trovavano un terreno solido sotto i loro piedi. La ricerca di Giotto per il trasferimento dello spazio, la plasticità delle figure, l'espressività del movimento hanno reso la sua arte un intero palcoscenico nel Rinascimento.

Uno di maestri famosi pre-risveglio -

Simone Martini (1284 - 1344).

Nella sua pittura si sono conservate le caratteristiche del gotico settentrionale: le figure di Martini sono allungate e, di regola, su fondo dorato. Ma Martini crea immagini con l'aiuto del chiaroscuro, conferisce loro un movimento naturale, cerca di trasmettere un certo stato psicologico.

Quattrocento (primo Rinascimento)

L'antichità ha svolto un ruolo enorme nella formazione della cultura secolare del primo Rinascimento. Apre a Firenze l'Accademia Platonica, la biblioteca Laurenziana contiene la più ricca collezione di manoscritti antichi. Il primo musei d'arte pieno di statue, frammenti di architetture antiche, marmi, monete, ceramiche. Nel Rinascimento spiccavano i principali centri della vita artistica d'Italia: Firenze, Roma, Venezia.

Uno di centri maggiori Firenze è stata la culla della nuova arte realistica. Nel XV secolo vi abitarono, studiarono e lavorarono molti famosi maestri del Rinascimento.

Architettura del primo Rinascimento

Gli abitanti di Firenze avevano un'alta cultura artistica, parteciparono attivamente alla creazione di monumenti cittadini e discussero le opzioni per la costruzione di splendidi edifici. Gli architetti abbandonarono tutto ciò che somigliava al gotico. Sotto l'influenza dell'antichità, gli edifici coronati da una cupola iniziarono a essere considerati i più perfetti. Il modello qui era il Pantheon romano.

Firenze è una delle città più belle del mondo, una città-museo. Ha conservato quasi intatta la sua architettura dall'antichità, i suoi edifici più belli sono stati per lo più costruiti durante il Rinascimento. Sopra i tetti di mattoni rossi degli antichi edifici di Firenze si erge l'enorme edificio del Duomo della città Santa Maria del Fiore, spesso chiamato semplicemente Duomo di Firenze. La sua altezza raggiunge i 107 metri. Una magnifica cupola, la cui armonia è sottolineata da nervature di pietra bianca, incorona la cattedrale. La cupola colpisce per le dimensioni (il suo diametro è di 43 m), corona l'intero panorama della città. La cattedrale è visibile da quasi tutte le strade di Firenze, chiaramente incombente contro il cielo. Questa magnifica struttura è stata costruita dall'architetto

Filippo Brunelleschi (1377 - 1446).

L'edificio a cupola più magnifico e famoso del Rinascimento era Basilica di San Pietro a Roma. È stato costruito in 100 anni. I creatori del progetto originale erano architetti Bramante e Michelangelo.

Gli edifici rinascimentali sono decorati con colonne, pilastri, teste di leone e "putti"(bambini nudi), ghirlande di fiori e frutti in gesso, foglie e molti dettagli, campioni dei quali sono stati trovati tra le rovine di antichi edifici romani. Torna di moda arco semicircolare. Le persone ricche iniziarono a costruire case più belle e più confortevoli. Invece che strette l'una all'altra, le case apparivano lussuose palazzi - palazzo.

Scultura del primo Rinascimento

Nel XV secolo lavorarono a Firenze due famosi scultori: Donatello e Verrocchio.Donatello (1386? - 1466)- uno dei primi scultori in Italia, che ha utilizzato l'esperienza dell'arte antica. Ha creato una delle opere più belle del primo Rinascimento: la statua del David.

Secondo la leggenda biblica, un semplice pastore, il giovane Davide sconfisse il gigante Golia, salvando così gli abitanti della Giudea dalla schiavitù e in seguito divenne re. David era una delle immagini preferite del Rinascimento. È raffigurato dallo scultore non come un umile santo della Bibbia, ma come giovane eroe, vincitore, difensore della città natale. Nella sua scultura, Donatello canta l'uomo come l'ideale di una bella personalità eroica nata nel Rinascimento. David è incoronato con la corona d'alloro del vincitore. Donatello non aveva paura di introdurre un dettaglio come il cappello di un pastore, segno della sua semplice origine. Nel Medioevo la chiesa proibiva di raffigurare un corpo nudo, considerandolo un vaso del male. Donatello fu il primo maestro che violò coraggiosamente questo divieto. Afferma con ciò che il corpo umano è bello. La statua del David è la prima scultura rotonda di quell'epoca.

È nota anche un'altra bellissima scultura di Donatello: la statua di un guerriero , comandante del Gattamelata. Fu il primo monumento equestre del Rinascimento. Creato 500 anni fa, questo monumento si erge ancora su un alto piedistallo, decorando la piazza della città di Padova. Per la prima volta non un dio, non un santo, non un uomo nobile e ricco è stato immortalato nella scultura, ma un nobile, coraggioso e formidabile guerriero con una grande anima, che meritava fama per grandi imprese. Vestito con un'armatura antica, Gattemelata (questo è il suo soprannome, che significa "gatto maculato") siede su un possente cavallo in una posa calma e maestosa. I lineamenti del volto del guerriero sottolineano un carattere deciso e deciso.

Andrea Verrocchio (1436 -1488)

Il più famoso allievo di Donatello, che realizzò il famoso monumento equestre al condottiero Colleoni, che fu collocato a Venezia sulla piazza vicino alla chiesa di San Giovanni. La cosa principale che colpisce nel monumento è il movimento energetico congiunto del cavallo e del cavaliere. Il cavallo, per così dire, si precipita oltre il piedistallo di marmo su cui è eretto il monumento. Il Colleoni, in piedi sulle staffe, disteso, alzando la testa, scruta lontano. Una smorfia di rabbia e tensione gli si gelò sul volto. Nella sua postura si può sentire grande volontà, la faccia ricorda un uccello da preda. L'immagine è piena di forza indistruttibile, energia, dura autorità.

Pittura del primo Rinascimento

Il Rinascimento ha aggiornato anche l'arte della pittura. I pittori hanno imparato a trasmettere correttamente lo spazio, la luce e l'ombra, le pose naturali, i vari sentimenti umani. Era il primo Rinascimento che era il momento dell'accumulo di queste conoscenze e abilità. I dipinti di quel tempo sono intrisi di luce e buon umore. Lo sfondo è spesso dipinto con colori chiari, mentre edifici e motivi naturali sono delineati con linee nette, predominano i colori puri. Con ingenua diligenza vengono raffigurati tutti i dettagli dell'evento, i personaggi sono spesso allineati e separati dallo sfondo da contorni netti.

La pittura del primo Rinascimento mirava solo alla perfezione, tuttavia, grazie alla sua sincerità, tocca l'anima dello spettatore.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, detto col nome Masaccio (1401 - 1428)

È considerato un seguace di Giotto e il primo maestro della pittura del primo Rinascimento. Masaccio ha vissuto solo 28 anni, ma in una vita così breve ha lasciato un segno nell'arte difficile da sopravvalutare. Riuscì a portare a termine le rivoluzionarie trasformazioni della pittura iniziate da Giotto. La sua pittura si distingue per un colore scuro e profondo. Le persone negli affreschi di Masaccio sono molto più dense e potenti che nei dipinti dell'era gotica.

Masaccio fu il primo a disporre correttamente gli oggetti nello spazio, tenendo conto della prospettiva; iniziò a raffigurare le persone secondo le leggi dell'anatomia.

Ha saputo unire figure e paesaggio in un'unica azione, trasmettere la vita della natura e delle persone in modo drammatico e allo stesso tempo del tutto naturale - e questo è il grande merito del pittore.

Si tratta di una delle poche opere da cavalletto commissionate da Masaccio nel 1426 per la cappella della chiesa di Santa Maria del Carmine a Pisa.

La Madonna siede su un trono costruito rigorosamente secondo le leggi della prospettiva giottesca. La sua figura è scritta con tratti sicuri e chiari, che creano l'impressione di un volume scultoreo. Il suo viso è calmo e triste, il suo sguardo distaccato non è diretto da nessuna parte. Avvolta in un manto blu scuro, la Vergine Maria tiene tra le braccia il Bambino, la cui figura dorata si staglia netta su uno sfondo scuro. Le profonde pieghe del mantello permettono all'artista di giocare con il chiaroscuro, che crea anche un particolare effetto visivo. Il bambino mangia l'uva nera, simbolo di comunione. Gli angeli disegnati in modo impeccabile (l'artista conosceva perfettamente l'anatomia umana) che circondano la Madonna conferiscono all'immagine un ulteriore suono emotivo.

L'unica fascia dipinta da Masaccio per un trittico bifacciale. Dopo la morte prematura del pittore, il resto dell'opera, commissionata da papa Martino V per la chiesa di Santa Maria in Roma, fu completata dall'artista Masolino. Raffigura due figure di santi rigorose e monumentalmente eseguite vestite di rosso. Girolamo tiene in mano un libro aperto e un plastico della basilica, ai suoi piedi giace un leone. Giovanni Battista è raffigurato nella sua forma abituale: è scalzo e tiene in mano una croce. Entrambe le figure colpiscono per la precisione anatomica e un senso del volume quasi scultoreo.

L'interesse per una persona, l'ammirazione per la sua bellezza erano così grandi nel Rinascimento che questo portò all'emergere di un nuovo genere nella pittura: il genere del ritratto.

Pinturicchio (variante di Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)

Originario di Perugia in Italia. Per qualche tempo dipinse miniature, aiutò Pietro Perugino a decorare con affreschi la Cappella Sistina a Roma. Matura esperienza nella forma più complessa di pittura murale decorativa e monumentale. Pochi anni dopo, Pinturicchio divenne un muralista indipendente. Ha lavorato agli affreschi negli appartamenti Borgia in Vaticano. Ha realizzato pitture murali nella biblioteca del duomo di Siena.

L'artista non solo trasmette una somiglianza di ritratto, ma cerca di rivelare lo stato interiore di una persona. Davanti a noi c'è un adolescente, vestito con un rigoroso abito da città rosa, con un berretto blu in testa. I capelli castani cadono sulle spalle, incorniciando un viso delicato, lo sguardo attento degli occhi castani è pensieroso, un po' ansioso. Alle spalle del ragazzo un paesaggio umbro con alberi sottili, un fiume argenteo, un cielo che si tinge di rosa all'orizzonte. La tenerezza primaverile della natura, come eco del carattere dell'eroe, è in armonia con la poesia e il fascino dell'eroe.

L'immagine del ragazzo è data in primo piano, grande e occupa quasi l'intero piano del quadro, e il paesaggio è dipinto sullo sfondo e molto piccolo. Questo crea l'impressione del significato di una persona, il suo dominio su natura circostante, afferma che l'uomo è la creazione più bella della terra.

Qui viene presentata la solenne partenza del cardinale Kapranik verso il duomo di Basilea, durata quasi 18 anni, dal 1431 al 1449, prima a Basilea e poi a Losanna. Anche il giovane Piccolomini era al seguito del cardinale. In un'elegante cornice ad arco semicircolare è presentato un gruppo di cavalieri, accompagnati da paggi e servitori. L'avvenimento non è così reale e attendibile, ma cavallerescamente raffinato, quasi fantastico. In primo piano, un bellissimo cavaliere su un cavallo bianco, con un abito e un cappello lussuosi, girando la testa, guarda lo spettatore: questo è Enea Silvio. Con piacere l'artista dipinge abiti ricchi, bellissimi cavalli in coperte di velluto. Le proporzioni allungate delle figure, i movimenti leggermente manierati, le leggere inclinazioni della testa sono vicine all'ideale di corte. La vita di papa Pio II fu ricca di eventi luminosi, e Pinturicchio parlò degli incontri del papa con il re di Scozia, con l'imperatore Federico III.

Filippo Lippi (1406 - 1469)

C'erano leggende sulla vita di Lippi. Lui stesso era un monaco, ma lasciò il monastero, divenne un artista errante, rapì una suora dal monastero e morì avvelenato dai parenti di una giovane donna di cui si innamorò in età avanzata.

Dipinse immagini della Madonna col Bambino, piene di sentimenti ed esperienze umane viventi. Nei suoi dipinti raffigurava molti dettagli: oggetti per la casa, ambiente, quindi i suoi soggetti religiosi erano simili ai dipinti secolari.

Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)

Dipinse non solo soggetti religiosi, ma anche scene della vita della nobiltà fiorentina, della loro ricchezza e del loro lusso, ritratti di nobili.

Davanti a noi c'è la moglie di un ricco fiorentino, amico dell'artista. In questa giovane donna non molto bella, lussuosamente vestita, l'artista ha espresso calma, un momento di quiete e silenzio. L'espressione sul volto della donna è fredda, indifferente a tutto, sembra che preveda la sua morte imminente: poco dopo aver dipinto il ritratto, morirà. La donna è raffigurata di profilo, tipico di molti ritratti dell'epoca.

Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)

Uno dei nomi più significativi della pittura italiana del Quattrocento. Compì numerose trasformazioni nei metodi di costruzione della prospettiva di uno spazio pittoresco.

Il quadro è stato dipinto su una tavola di pioppo con tempera all'uovo - ovviamente, a questo punto l'artista non aveva ancora padroneggiato i segreti della pittura a olio, nella tecnica con cui sarebbero state scritte le sue opere successive.

L'artista ha colto la manifestazione del mistero della Santissima Trinità al momento del Battesimo di Cristo. La colomba bianca, spiegando le ali sopra la testa di Cristo, simboleggia la discesa dello Spirito Santo sul Salvatore. Le figure di Cristo, Giovanni Battista e gli angeli in piedi accanto a loro sono dipinte con colori sobri.
I suoi affreschi sono solenni, sublimi e maestosi. Francesca credeva nell'alto destino dell'uomo e nelle sue opere si fanno sempre cose meravigliose. Ha usato transizioni di colori sottili e delicate. Francesca è stata la prima a dipingere en plein air (nell'aria).

Problema di creazione città ideale, nonostante l'odierna rilevanza, fu particolarmente acuto nella lontana epoca del Rinascimento (XIV - XVI secolo). Questo tema, attraverso il prisma della filosofia dell'antropocentrismo, diventa il principale nell'arte dell'urbanistica di questo periodo. Un uomo con i suoi bisogni di felicità, amore, lusso, comodità, comodità, con i suoi pensieri e le sue idee, diventa la misura di quel tempo, simbolo del risorgente spirito antico, chiamato a cantare proprio di quest'Uomo con la maiuscola. Sposta il pensiero creativo del Rinascimento alla ricerca di soluzioni architettoniche e filosofiche uniche, a volte utopiche, al problema della formazione della città. Quest'ultimo inizia a svolgere un nuovo ruolo, è percepito come uno spazio intero interconnesso chiuso, recintato e diverso dalla natura, dove passa l'intera vita di una persona.

In questo spazio, i bisogni e i desideri sia fisici che estetici di una persona dovrebbero essere pienamente presi in considerazione, aspetti della permanenza umana in città come il comfort e la sicurezza dovrebbero essere pienamente pensati. Le nuove armi da fuoco resero indifese le fortificazioni medievali in pietra. Ciò ha predeterminato, ad esempio, la comparsa di mura con bastioni di terra lungo il perimetro delle città e ha determinato, sembrerebbe, una bizzarra linea di fortificazioni cittadine a forma di stella. Si sta formando un'idea revivalista generale della "città ideale", la città più comoda e sicura per vivere. In una parola, tali tendenze non sono estranee all'architetto moderno, ma il Rinascimento ha poi segnato una nuova frontiera, un nuovo soffio di vita nella mente del creatore, stabilendo alcune incognite. criteri, standard e stereotipi precedenti, le cui conseguenze si fanno sentire oggi nella ricerca di una città ideale.

I primi studi in questo senso furono compiuti da Marco Vitruvio (seconda metà del I sec. tra teoria e pratica, descritti i concetti base dell'estetica, della proporzionalità dell'edificio e della persona, per la prima volta nella storia ha indagato il problema dell'acustica musicale dei locali.

Lo stesso Vitruvio non ha lasciato un'immagine della città ideale, ma questo è stato fatto da molti studiosi e successori delle sue idee, da cui, come spesso si nota, è iniziato lo stesso Rinascimento.

Ma le discussioni sulla città ideale, i suoi concetti hanno origine nei trattati degli antichi filosofi greci - quindi, per un secondo, vale la pena rivolgersi a un'epoca un po 'prima di quella che stiamo considerando - all'antichità.

Sfortsinda - case tipiche arch. Filarete (disegno di Leonardo da Vinci)

Il secolare processo di costruzione delle città-stato nella capitale dell'antica Grecia, Atene, è stato riassunto negli scritti dei due più grandi filosofi dell'antichità: Platone (428-348 a.C.) e Aristotele (384-322 a.C.).

Così, il filosofo idealista Platone, associato ai circoli aristocratici del suo tempo, era un aderente a una rigida regola struttura statale, non senza ragione possedeva anche una storia sul mitico paese di Atlantide, governato da un re e arconti. Nell'interpretazione di Platone, Atlantide era il prototipo storico di quella città-stato ideale, di cui parlava nelle sue opere “Lo Stato” e “Leggi”.

Tornando al Rinascimento, parliamo di Leon Batista Alberti, il primo vero teorico dell'urbanistica nella storia dell'umanità, che descrive minuziosamente “come si fa una città”, partendo dalla scelta di un luogo e finendo con la sua struttura interna . L'Alberti scriveva che "la bellezza è un'armonia strettamente proporzionata di tutte le parti unite da ciò a cui appartengono, in modo tale che nulla può essere aggiunto, sottratto o cambiato senza peggiorarlo". L'Alberti, infatti, fu il primo a proclamare i principi fondamentali dell'insieme urbano rinascimentale, legando l'antico senso delle proporzioni con l'inizio razionalista di una nuova era. Il dato rapporto tra l'altezza dell'edificio e lo spazio ad esso antistante (da 1:3 a 1:6), la coerenza delle scale architettoniche degli edifici principali e secondari, l'equilibrio della composizione e l'assenza di contrasti dissonanti: questi sono i principi estetici degli urbanisti rinascimentali.

Alberti nel suo trattato "Dieci libri sull'architettura" disegna una città ideale, bella nella pianificazione razionale e aspetto palazzi, strade, piazze. L'intero ambiente di vita di una persona è organizzato qui in modo tale da soddisfare i bisogni dell'individuo, della famiglia e della società nel suo insieme.

Bernardo Gambarelli (Rosselino), riprendendo idee già esistenti, contribuisce allo sviluppo della visione di una città ideale, sfociata nella città di Pienza (1459), tuttora esistente, incorporando elementi di molti progetti rimasti su carta o in creativo le intenzioni dei creatori. Questa città è un chiaro esempio della trasformazione dell'insediamento medievale di Corsignano in un'ideale città rinascimentale con strade rettilinee e un impianto regolare.

Antonio di Pietro Averlino (Filarete) (c. 1400 - c. 1469) nel suo trattato dà un'idea della città ideale della Sforzinda.

La città era a pianta stellare ottagonale, formata dall'intersezione ad angolo di 45° di due quadrati uguali con un lato di 3,5 km. Nelle sporgenze della stella c'erano otto torri rotonde e nelle "tasche" - otto porte della città. Le porte e le torri erano collegate al centro da strade radiali, alcune delle quali erano canali di navigazione. Nella parte centrale della città, su un'altura, si trovava la piazza principale, a pianta rettangolare, sui cui lati corti doveva esserci palazzo principesco e la cattedrale cittadina, e lungo quelle lunghe - istituzioni giudiziarie e cittadine.

Al centro della piazza c'era uno stagno e una torre di avvistamento. Altri due erano attigui alla piazza principale, con le case dei più eminenti abitanti della città. Altre sedici piazze erano situate all'incrocio delle strade radiali con la circonvallazione: otto piazze commerciali e otto per centri parrocchiali e chiese.

Pienza non fu l'unica città realizzata in Italia che incarnava i principi della pianificazione "ideale". L'Italia stessa a quel tempo non era uno stato unito, come lo conosciamo ora, consisteva in molte repubbliche e ducati indipendenti separati. A capo di ciascuna di queste aree c'era una famiglia nobile. Naturalmente, ogni sovrano voleva avere nel suo stato un modello di città "ideale", che gli permettesse di essere considerato una persona colta e progressista del Rinascimento. Pertanto, nel 1492, il rappresentante della dinastia D Este, il duca Ercole I, decise di ricostruire una delle principali città del suo ducato: Ferrara.

La ristrutturazione è stata affidata all'architetto Biagio Rossetti. Si distingueva per l'ampiezza di vedute, oltre che per l'amore per l'innovazione, che si manifestava in quasi tutte le sue opere. Ha studiato a fondo il vecchio layout della città e ha trovato una soluzione interessante. Se prima di lui gli architetti o demolivano vecchi edifici o costruivano ex novo, allora Biagio decise di costruire una nuova città sopra quella vecchia. Pertanto, ha incarnato contemporaneamente il concetto di città rinascimentale con le sue strade diritte e gli spazi aperti e ha sottolineato l'integrità e l'autosufficienza della città medievale. La principale innovazione dell'architetto è stata una diversa fruizione degli spazi. Non obbedì a tutte le leggi dell'urbanistica regolare, che suggeriva piazze aperte e strade larghe. Invece, poiché la parte medievale della città è rimasta intatta, Biagio gioca sugli opposti: alterna strade principali a strade strette, piazze luminose a bui vicoli ciechi, grandi case ducali a case basse di comuni abitanti. Inoltre, questi elementi non si contraddicono affatto: la prospettiva inversa è combinata con quella diritta, e le linee correnti ei volumi crescenti non si contraddicono a vicenda.

Lo studioso e studioso di architettura veneziano Daniele Barbaro (1514-1570) dedicò gran parte della sua vita allo studio del trattato di Vitruvio, che sfociò nel suo libro intitolato "Dieci libri sull'architettura di Vitruvio con un commento di Daniele Barbaro", scritto nel 1556. In questo libro l'atteggiamento nei confronti dell'architettura antica si rifletteva non solo dall'autore stesso, ma anche dalla maggior parte degli architetti del XVI secolo. Daniele Barbaro per tutta la vita ha studiato a fondo il trattato e ha cercato di ricreare lo schema della città ideale, che riflettesse le idee di Vetruvio e i suoi concetti che completano la sua visione.

Poco prima, l'architetto rinascimentale Cesare Cesarino pubblicò nel 1521 il suo commento ai Dieci Libri dell'Architettura con numerose illustrazioni, tra cui schemi teorici di una città ideale.

Tra i tanti di questi teorici del XVI secolo. Andrea Palladio (1508-1580) occupò un posto speciale. Nel suo trattato Quattro libri sull'architettura (italiano: Quattro libri deHArchitettura), pubblicato nel 1570, Palladio non ha individuato una sezione speciale sulla città, ma tutta la sua opera è stata essenzialmente dedicata a questo particolare argomento. Ha detto che "una città non è altro che una specie di grande casa, e viceversa, una casa è una specie di piccola città".

Mettendo un segno uguale tra un edificio residenziale e una città, Palladio ha così sottolineato l'integrità dell'organismo urbano e l'interconnessione dei suoi elementi spaziali. Riflette sull'integrità dell'organismo urbano e sulla relazione dei suoi elementi spaziali. A proposito dell'insieme urbano scrive: "La bellezza è il risultato di una bella forma e della corrispondenza del tutto alle parti, delle parti tra loro e anche delle parti al tutto". Un posto di rilievo nel trattato è dato all'interno degli edifici, alle loro dimensioni e proporzioni. Palladio sta cercando di collegare organicamente lo spazio esterno delle strade con l'interno delle case e dei cortili.

Alla fine del XVI sec. durante l'assedio delle città iniziarono ad essere utilizzate armi di artiglieria con proiettili esplosivi. Ciò ha costretto gli urbanisti a riconsiderare la natura delle fortificazioni cittadine. Le mura e le torri della fortezza furono sostituite da bastioni di terra che, essendo portati oltre i confini della città, erano in grado sia di respingere gli attacchi nemici sia di condurre il fuoco di fianco al nemico che si avvicinava alla città. In base a ciò, non era necessario proteggere le porte della città, che d'ora in poi si sono trasformate da potenti centri di difesa negli ingressi principali della città. Queste innovazioni sotto forma di una varietà di forme bizzarre a forma di stella si riflettono nei progetti delle città ideali di Buonayuto Lorini, Antonio Lupicini, Francesco di George Martini, Girolamo Maggi, Giovanni Bellucci, Fra Giocondo, Francesco de Marchi, Daniel Speckle , Jacques Perret, Albrecht Dürer, Vincenzo Scamozzi, George Vasari Jr. e così via.

E la città fortificata di Palmanova può essere giustamente considerata il culmine dell'architettura fortificata del Rinascimento, la cui pianta, secondo il progetto dell'architetto Vincenzo Scamozzi, ha la forma di una stella a nove punte, e le strade si irradiano da la piazza situata al centro. Il territorio della città era circondato da dodici bastioni, e ciascuno dei bastioni era progettato in modo da proteggere quelli vicini, e aveva quattro porte cittadine, da cui partivano due strade principali che si intersecavano ad angolo retto. Al loro incrocio si trovava la piazza principale, su cui si affacciavano il palazzo, la cattedrale, l'università e le istituzioni cittadine. Due piazze commerciali erano adiacenti alla piazza principale da ovest e da est, la piazza di scambio si trovava a nord e la piazza per il commercio di fieno e legna da ardere a sud. Il territorio della città era attraversato da un fiume, e più vicino alla sua periferia c'erano otto chiese parrocchiali. La pianta della città era regolare. La fortezza era circondata da un fossato.

Nell'ambiente ingegneristico del Rinascimento, le questioni di composizione, armonia, bellezza e proporzione vengono studiate diligentemente. In queste costruzioni ideali, la pianificazione della città è caratterizzata da razionalismo, chiarezza geometrica, composizione centrica e armonia tra il tutto e le parti. E, infine, ciò che distingue l'architettura del Rinascimento dalle altre epoche è la persona che sta al centro, alla base di tutte queste costruzioni. Molti altri nomi e nomi di città possono servire da esempio. Sopravvissuta Urbino con il suo grandioso Palazzo Ducale, "città in forma di palazzo", realizzato dall'architetto Luciano Laurana per il duca Federico da Montefeltro, Terradel Sole ("Città del Sole"), Vigevano in Lombardia, La Valletta (capoluogo Malta). Per quanto riguarda quest'ultima, questa maestosa città murata è cresciuta sulle ripide scogliere senz'acqua della penisola del Monte Sciberras, che si erge tra i due profondi porti di Marsamxett e Grand Harbour. Fondata nel 1566, La Valletta fu completamente costruita, insieme a imponenti bastioni, fortezze e una cattedrale, in un tempo sorprendentemente breve - 15 anni.

Idee generali, concetti del Rinascimento fluirono ben oltre l'inizio del XVII secolo e schizzarono fuori ruscello tempestoso, coprendo le successive generazioni di architetti e ingegneri.

Anche l'esempio di molti progetti architettonici moderni mostra l'influenza del Rinascimento, che per diversi secoli non ha perso la sua idea di umanità e il primato del comfort umano. Semplicità, comodità, "accessibilità" della città per l'abitante in tutti i tipi di dispositivi variabili si trovano in molte opere, e seguendole ciascuna a suo modo, architetti e ricercatori, tutti come uno, hanno tuttavia già percorso la strada asfaltata pavimentata dai maestri del Rinascimento.

Non tutti gli esempi di "città ideali" sono stati considerati nell'articolo, le cui origini risalgono a noi dalle profondità dell'era del bellissimo Rinascimento - in alcuni l'accento è posto sulla comodità e l'ergonomia dell'essere un civile, in alcuni altri sulla massima efficienza delle operazioni difensive; ma in tutti gli esempi osserviamo un instancabile desiderio di miglioramento, per ottenere risultati, vediamo passi fiduciosi verso la comodità e il comfort di una persona. Idee, concetti, in una certa misura, le aspirazioni del Rinascimento fluirono ben oltre la fine del XVII secolo e si riversarono in un flusso tempestoso, abbracciando le successive generazioni di architetti e ingegneri.

E l'esempio degli architetti moderni mostra chiaramente l'influenza dei concetti delle figure rinascimentali, in qualche modo modificate, ma non perdendo la loro idea di umanità e il primato del comfort umano nei progetti urbanistici. Semplicità, comodità, "accessibilità" della città per il residente in tutti i tipi di dispositivi variabili si possono trovare in molte altre opere, realizzate e per niente - rimaste sulla carta. Ciascuno seguendo il proprio percorso, architetti e ricercatori, tutti insieme, hanno comunque camminato lungo la strada lastricata già lastricata dai maestri del Rinascimento, seguendo la luce immortalmente attuale e seducente dell'idea di rinascita, la rinascita dell'anima umana , e i passi principali in questa direzione furono compiuti nel lontano XIV secolo.

I concetti di città ideale del Rinascimento, pur nella loro utopia e impossibilità dal punto di vista pragmatico dell'uomo, soprattutto moderno, non cessano del tutto o almeno in parte del loro splendore, elementi che periodicamente si insinuano nell'opera di architetti romantici, che aspirano non tanto alla perfezione nel loro difficile mestiere creativo, quanto alla perfezione in un ambiente più complesso e imprevedibile della pergamena e della prospettiva - alla perfezione irraggiungibile dell'anima e della coscienza umana.

Palmanova - Cattedrale

Arte rinascimentale in Italia (secoli XIII-XVI).

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Caratteristiche dell'arte del Rinascimento in Italia.

L'arte del Rinascimento è nata sulla base dell'umanesimo (dal latino humanus - "umano") - una tendenza del pensiero sociale che ha avuto origine nel XIV secolo. in Italia, e poi nella seconda metà del XV e nel XVI secolo. diffusione in altri paesi europei. L'umanesimo ha proclamato il valore più alto dell'uomo e del suo bene. I seguaci di questa tendenza credevano che ogni persona avesse il diritto di svilupparsi liberamente come persona, realizzando le proprie capacità. Le idee dell'umanesimo sono incarnate nel modo più completo e vivido nell'arte, tema principale che è diventato una persona bella, armoniosamente sviluppata con possibilità spirituali e creative illimitate. Gli umanisti sono stati ispirati dall'antichità, che è servita per loro come fonte di conoscenza e modello di creatività artistica. Il grande passato dell'Italia, che ricorda costantemente se stesso, era percepito all'epoca come la massima perfezione, mentre l'arte del Medioevo sembrava inetta e barbara. Il termine "revival", sorto nel XVI secolo, significava la nascita di una nuova arte, facendo rivivere la cultura antica classica. Tuttavia, l'arte del Rinascimento deve molto alla tradizione artistica del Medioevo. Il vecchio e il nuovo erano indissolubilmente legati e confrontati. Con tutta la diversità contraddittoria delle sue origini, l'arte del Rinascimento è segnata da una profonda e fondamentale novità. Ha gettato le basi della cultura europea dei tempi moderni. Tutte le principali forme d'arte - pittura e grafica, scultura, architettura - sono cambiate enormemente.
In architettura, i principi dell'antico rielaborati creativamente sistema di ordini , sono emersi nuovi tipi di edifici pubblici. La pittura si arricchì di una prospettiva lineare e aerea, della conoscenza dell'anatomia e delle proporzioni del corpo umano. Il contenuto terreno è penetrato nei tradizionali temi religiosi delle opere d'arte. Aumento dell'interesse per la mitologia antica, la storia, le scene quotidiane, i paesaggi, i ritratti. Insieme ai monumentali dipinti murali che adornavano le strutture architettoniche, apparve un dipinto; origine della pittura a olio.
L'arte non ha ancora cessato di essere un mestiere, ma ha già preso il primo posto individualità creativa artista, le cui attività a quel tempo erano molto diverse. Il talento universale dei maestri del Rinascimento è sorprendente: spesso hanno lavorato contemporaneamente nel campo dell'architettura, della scultura e della pittura, unendo la loro passione per la letteratura, la poesia e la filosofia con lo studio delle scienze esatte. Il concetto di una personalità creativamente ricca, o "rinascimentale", divenne in seguito una parola familiare.
Nell'arte del Rinascimento, i percorsi della comprensione scientifica e artistica del mondo e dell'uomo erano strettamente intrecciati. Il suo significato cognitivo era indissolubilmente legato alla sublime bellezza poetica, nella sua ricerca della naturalezza, non scendeva nella meschina quotidianità. L'arte è diventata un bisogno spirituale universale.
La formazione della cultura rinascimentale in Italia ebbe luogo in città economicamente indipendenti. Nell'ascesa e nel fiorire dell'arte del Rinascimento, la Chiesa e le magnifiche corti dei sovrani senza corona - le ricche famiglie regnanti, che erano i maggiori mecenati e clienti di opere di pittura, scultura e architettura, giocarono un ruolo importante. I principali centri della cultura rinascimentale furono dapprima le città di Firenze, Siena, Pisa, poi Padova, Ferrara, Genova, Milano e successivamente, nella seconda metà del Quattrocento, la ricca Venezia mercantile. Nel XVI sec. Roma divenne la capitale del Rinascimento italiano. Da quel momento, tutti gli altri centri di cultura, ad eccezione di Venezia, hanno perso la loro antica importanza.
Nell'era del Rinascimento italiano, è consuetudine distinguere diversi periodi:

Protorinascimentale (seconda metà dei secoli XIII-XIV),

Primo Rinascimento (XV secolo),

Alto Rinascimento (fine XV - primo terzo del XVI secolo)

Tardo Rinascimento (ultimi due terzi del XVI secolo).

Protorinascimentale

Nella cultura italiana dei secoli XIII-XIV. Sullo sfondo delle ancora forti tradizioni bizantine e gotiche, iniziarono ad apparire le caratteristiche di una nuova arte, che in seguito sarebbe stata chiamata l'arte del Rinascimento. Pertanto, questo periodo della sua storia è stato chiamato Protorinascimentale(dal greco "protos" - "primo", cioè preparato l'inizio del Rinascimento). Non c'è stato un periodo di transizione simile in nessuno dei paesi europei. Nella stessa Italia, l'arte proto-rinascimentale sorse e si sviluppò solo in Toscana ea Roma.
Nella cultura italiana si intrecciavano i tratti del vecchio e del nuovo. L'ultimo poeta del Medioevo e il primo poeta della nuova era, Dante Alighieri (1265-1321), creò la lingua letteraria italiana. Ciò che Dante iniziò fu continuato da altri grandi fiorentini del XIV secolo: Francesco Petrarca (1304-1374), il fondatore della poesia lirica europea, e Giovanni Boccaccio (1313-1375), il fondatore del genere del romanzo (racconto) nel mondo letteratura. Vanto dell'epoca sono gli architetti e scultori Niccolò e Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio e il pittore Giotto di Bondone .
Architettura
L'architettura italiana ha seguito a lungo le tradizioni medievali, che si esprimevano principalmente nell'uso di un gran numero di motivi gotici. Allo stesso tempo, lo stesso gotico italiano era molto diverso dall'architettura gotica del nord Europa: gravitava verso grandi forme calme, anche leggere, divisioni orizzontali e ampie superfici murarie. Nel 1296 iniziò la costruzione a Firenze Cattedrale di Santa Maria del Fiore. Arnolfo di Cambio volle coronare l'altare della cattedrale con un'enorme cupola. Tuttavia, dopo la morte dell'architetto nel 1310, la costruzione fu ritardata, fu completata già nel periodo del primo Rinascimento. Nel 1334, su progetto di Giotto, fu iniziata la costruzione del campanile della cattedrale, il cosiddetto campanile, una slanciata torre rettangolare con scansioni orizzontali per piani ed eleganti finestre gotiche, la cui forma ad arco ogivale era conservato nell'architettura italiana per lungo tempo.
Tra i palazzi cittadini più famosi c'è Palazzo Vecchio (Palazzo della Signoria) a Firenze. Si ritiene che sia stato costruito da Arnolfo di Cambio. È un cubo pesante con un'alta torre, rivestita di bugnato di pietra dura. La facciata a tre piani è decorata da finestre binate inscritte in archi semicircolari, che conferiscono all'intero edificio un'impressione di sobria austerità. L'edificio definisce l'aspetto del centro storico, invadendo la piazza con una mole aspra.
Scultura
Ancor prima che nell'architettura e nella pittura, le ricerche artistiche si delinearono nella scultura, e soprattutto nella scuola pisana, il cui capostipite fu Niccolò Pisano (1220 circa - tra il 1278 e il 1284). Niccolò Pisano è nato in Puglia, nel sud Italia. Si ritiene che abbia studiato scultura nelle scuole meridionali, dove fiorì lo spirito di rinascita delle tradizioni classiche dell'antichità. Senza dubbio Niccolò studiò la decorazione scultorea dei sarcofagi tardo romani e paleocristiani. La prima opera conosciuta dello scultore è un esagonale pulpito di marmo, da lui realizzato per il battistero di Pisa (1260), - divenne un'opera eccezionale della scultura rinascimentale e ebbe un enorme impatto sul suo ulteriore sviluppo. Il risultato principale dello scultore è che è riuscito a dare volume ed espressività alle forme, e ogni immagine ha potere corporeo.
Dalla bottega di Niccolò Pisano provenivano i notevoli maestri della scultura del Proto-Rinascimento - suo figlio Giovanni Pisano e Arnolfo di Cambio, noto anche come architetto. Arnolfo di Cambio (circa 1245 - dopo il 1310) gravitava verso la scultura monumentale, nella quale utilizzava le sue osservazioni di vita. Uno dei migliori lavori che ha fatto insieme a suo padre e suo figlio Pisano - Fontana in Piazza Perugia(1278). Fonte Maggiore, ornata da numerose statue e rilievi, è diventata l'orgoglio della città. Era vietato bere animali da esso, prendere acqua in botti di vino o in piatti non lavati. Il museo cittadino conserva frammenti di figure distese realizzate da Arnolfo di Cambio per la fontana. In queste figure lo scultore è riuscito a trasmettere tutta la ricchezza dei movimenti del corpo umano.
Pittura
Nell'arte del Rinascimento italiano, la pittura murale occupava un posto dominante. È stato realizzato con la tecnica dell'affresco. Con i colori preparati sull'acqua, si scriveva su intonaco bagnato (in realtà un affresco) o su asciutto - questa tecnica si chiama "a secco" (tradotto dall'italiano - "secco"). Il principale legante dell'intonaco è la calce. Perché la calce impiega un po' di tempo per asciugarsi, la pittura ad affresco doveva essere fatta velocemente, spesso in parti, tra le quali c'erano giunture di collegamento. Dalla seconda metà del XV sec. la tecnica dell'affresco cominciò ad essere integrata con la pittura a secco; quest'ultimo consentiva un lavoro più lento e consentiva la finitura delle parti. Il lavoro sulle pitture murali è stato preceduto dalla realizzazione delle sinopie - disegni ausiliari applicati sotto l'affresco sul primo strato di intonaco. Questi disegni sono stati realizzati con ocra rossa, estratta dall'argilla vicino alla città di Sinop, situata sulla costa del Mar Nero. Secondo il nome della città, la vernice si chiamava Sinop, o sinopia, in seguito i disegni stessi iniziarono a essere chiamati allo stesso modo. La sinopia è stata utilizzata nella pittura italiana dal XIII alla metà del XV secolo. Tuttavia, non tutti i pittori hanno fatto ricorso all'aiuto della sinopia, ad esempio Giotto di Bondone, il più importante rappresentante dell'era del Proto-Rinascimento, ne fece a meno. A poco a poco, la sinopia fu abbandonata. Dalla metà del XV secolo. I cartoni erano ampiamente utilizzati nella pittura: disegni preparatori realizzati su carta o su tessuto delle dimensioni di opere future. I contorni del disegno sono stati trasferiti sull'intonaco umido con l'aiuto della polvere di carbone. È stato soffiato attraverso i fori praticati nel contorno e pressato nell'intonaco con uno strumento affilato. A volte la sinopia da uno schizzo si trasformava in un disegno monumentale finito e i cartoni acquisivano il valore di opere di pittura indipendenti.

Il fondatore del nuovo stile pittorico italiano è Cimabue (in realtà Cenny di Pepo, c. 1240 - c. 1302). Cimabue era famoso a Firenze come maestro di dipinti d'altare solenni e di icone. Le sue immagini sono caratterizzate da astrazione e carattere statico. E sebbene Cimabue seguisse le tradizioni bizantine nel suo lavoro, nelle sue opere cercò di esprimere sentimenti terreni, ammorbidire la rigidità del canone bizantino.
Piero Cavallini (tra il 1240 e il 1250 - 1330 circa) visse e operò a Roma. È autore dei mosaici della Chiesa di Santa Maria in Trastevere (1291), nonché degli affreschi della Chiesa di Santa Cecilia in Trastevere (1293 circa). Nelle sue opere Cavallini ha dato volume e tangibilità alle forme.
Realizzazioni Cavallini adottato e continuato Giotto di Bondone(1266 o 1267 - 1337), più grande artista Protorinascimentale. Il nome di Giotto è associato a una svolta nello sviluppo della pittura italiana, alla sua rottura con i canoni artistici medievali e le tradizioni dell'arte italo-bizantina del XIII secolo. Le opere più famose di Giotto sono i dipinti della Cappella dell'Arena a Padova (1304-06). Gli affreschi si distinguono per la chiarezza, la semplicità narrativa, la presenza di dettagli quotidiani che danno vitalità e naturalezza alle scene rappresentate. Rifiutando il canone ecclesiastico che dominava l'arte dell'epoca, Giotto dipinge i suoi personaggi come simili a persone reali: con corpi proporzionati e tozzi, facce rotonde (anziché allungate), il taglio corretto degli occhi, ecc. I suoi santi non si librano sopra il suolo, ma stanno saldamente su di esso con entrambi i piedi. Pensano più al terreno che al celeste, provando sentimenti ed emozioni completamente umani. Per la prima volta nella storia della pittura italiana, lo stato d'animo degli eroi di un dipinto viene trasmesso dalle espressioni facciali, dai gesti, dalla postura. Al posto del tradizionale fondo dorato, gli affreschi di Giotto raffigurano paesaggi, interni o gruppi scultorei sulle facciate delle basiliche.
Nella seconda metà del XIV sec. viene alla ribalta la pittoresca scuola senese. Il più grande e raffinato maestro della pittura senese del XIV secolo. era Simone Martini (c. 1284-1344). Il pennello di Simone Martini possiede la prima immagine nella storia dell'arte di un cemento evento storico con un ritratto di un contemporaneo. Questa immagine " Condottiero Guidoriccio da Fogliano"nella sala del Mappamondo del Palazzo Pubblico (Siena), che fu il prototipo di numerosi futuri ritratti equestri. La pala d'altare L'Annunciazione di Simone Martini, oggi conservata alla Galleria degli Uffizi di Firenze, gode di meritata fama.

Caratteristiche del Rinascimento. Protorinascimento

Caratteristiche del Rinascimento

Primo Rinascimento

Nel XV sec. l'arte d'Italia occupava una posizione dominante nella vita artistica d'Europa. A Firenze furono gettate le basi di una cultura umanistica laica (cioè non ecclesiastica), che relegò Siena e Pisa in secondo piano. Il potere politico qui apparteneva a mercanti e artigiani, l'influenza più forte sugli affari cittadini era esercitata da diverse famiglie benestanti, che erano costantemente in competizione tra loro. Questa lotta terminò alla fine del XIV secolo. vittoria della casa bancaria dei Medici. Il suo capo, Cosimo de' Medici, divenne il tacito sovrano di Firenze. Scrittori, poeti, scienziati, architetti, artisti accorrevano alla corte di Cosimo Medici. La cultura rinascimentale di Firenze raggiunse il suo apice sotto Lorenzo de' Medici, soprannominato il Magnifico. Lorenzo fu un grande mecenate delle arti e delle scienze, il creatore dell'Accademia Platonica, dove si riunivano le menti eminenti d'Italia, poeti e filosofi, dove si tenevano raffinati dibattiti che elevavano lo spirito e la mente.

Architettura

Sotto Cosimo e Lorenzo Medici, avvenne una vera rivoluzione nell'architettura di Firenze: qui fu avviata un'ampia costruzione, che cambiò notevolmente il volto della città. L'antenato dell'architettura rinascimentale in Italia era Filippo Brunelleschi(1377-1446) - architetto, scultore e scienziato, uno dei creatori della teoria scientifica della prospettiva. Il più grande risultato ingegneristico del Brunelleschi fu la costruzione della cupola. Cattedrale di Santa Maria del Fiore a Firenze. Grazie al suo genio matematico e tecnico, Brunelleschi riuscì a risolvere il problema più difficile del suo tempo. La principale difficoltà che il maestro dovette affrontare fu causata dalla gigantesca luce della croce mediana (42 m), che richiedeva sforzi particolari per facilitare la diffusione. Brunelleschi risolse il problema applicando un ingegnoso disegno: una leggera cupola cava costituita da due gusci, un sistema di intelaiatura di otto nervature portanti collegate da anelli che le cingono, una lanterna leggera che chiudeva e caricava l'arco. La cupola della Cattedrale di Santa Maria del Fiore divenne il precursore di numerose chiese a cupola in Italia e in altri paesi europei.

Brunelleschi fu uno dei primi nell'architettura d'Italia a comprendere in modo creativo e interpretare originariamente l'antico sistema di ordini ( Ospedale degli Innocenti (Rifugio per trovatelli), 1421-44), segnò l'inizio della creazione di chiese a cupola basate sull'antico ordine ( Chiesa di San Lorenzo ). Un vero gioiello del Primo Rinascimento fu creato da Brunelleschi su commissione di una ricca famiglia fiorentina Cappella Pazzi(iniziato nel 1429). L'umanesimo e la poesia dell'opera di Brunelleschi, la proporzione armoniosa, la leggerezza e l'eleganza dei suoi edifici, il contatto con le tradizioni del gotico, la libertà creativa e la validità scientifica delle sue idee determinarono la grande influenza di Brunelleschi sul successivo sviluppo dell'architettura rinascimentale.

Una delle principali realizzazioni dell'architettura italiana del XV secolo. fu la creazione di una nuova tipologia di palazzi cittadini, il palazzo, che servì da modello per gli edifici pubblici di un'epoca successiva. Caratteristiche del palazzo quattrocentesco sono una netta divisione del volume chiuso dell'edificio in tre piani, un cortile aperto con arcate al piano estivo, l'uso della ruggine (pietra con una superficie frontale approssimativamente smussata o convessa) per il rivestimento della facciata, nonché una cornice decorativa fortemente estesa . Un esempio lampante di questo stile è la costruzione del capitello dello studente di Brunelleschi Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), l'architetto di corte della famiglia Medici, - Palazzo Medici-Riccardi (1444-60), che servì da modello per la costruzione di molti palazzi fiorentini. La creazione di Michelozzo è vicina Palazzo Strozzo(fondata nel 1481), a cui è associato il nome dell'architetto e scultore Benedetto da Maiano (1442-97).

Un posto speciale nella storia dell'architettura italiana è occupato da Leon Battista Alberti(1404-72). Un uomo dotato e ampiamente istruito, fu uno dei più brillanti umanisti del suo tempo. La gamma dei suoi interessi era insolitamente varia. Copreva la morale e il diritto, la matematica, la meccanica, l'economia, la filosofia, la poesia, la musica, la pittura, la scultura, l'architettura. Brillante stilista, l'Alberti ha lasciato numerose opere in latino e in italiano. In Italia e all'estero, Alberti si guadagnò la fama di eccezionale teorico dell'arte. Alla sua penna appartengono i famosi trattati “Dieci libri sull'architettura” (1449-52), “Sulla pittura”, “Sulla statua” (1435-36). Ma l'architettura era la principale vocazione di Alberti. Nel lavoro architettonico, Alberti gravitava verso soluzioni audaci e sperimentali, utilizzando in modo innovativo l'antico patrimonio artistico. Alberti ha creato nuovo tipo palazzo cittadino ( Palazzo Rucellai ). Nell'architettura religiosa, alla ricerca della grandezza e della semplicità, Alberti ha utilizzato motivi di archi e arcate trionfali romani nella progettazione delle facciate ( Chiesa di Sant'Andrea a Mantova, 1472-94). Il nome Alberti è giustamente considerato uno dei primi tra i grandi creatori della cultura del Rinascimento italiano.

Scultura

Nel XV sec. La scultura italiana, che ha acquisito un significato indipendente dall'architettura, è fiorente. Gli ordini per la decorazione di edifici pubblici cominciano a entrare nella pratica della vita artistica; si svolgono concorsi artistici. Uno di questi concorsi - per la realizzazione del bronzo della seconda porta settentrionale del battistero fiorentino (1401) - è considerato un evento significativo che aprì una nuova pagina nella storia della scultura rinascimentale italiana. La vittoria fu vinta da Lorenzo Ghiberti (1381-1455).

Una delle persone più colte del suo tempo, il primo storico dell'arte italiana, un brillante disegnatore, Ghiberti dedicò la sua vita a un tipo di scultura: il rilievo. Il principio fondamentale della sua arte Ghiberti considerava l'equilibrio e l'armonia di tutti gli elementi dell'immagine. L'apice del lavoro di Ghiberti fu porte est del battistero di firenze (1425-52), che immortalò il nome del maestro. La decorazione delle porte comprende dieci composizioni quadrate in bronzo dorato (" Creazione di Adamo ed Eva”), con la loro insolita espressività che ricorda i dipinti pittoreschi. L'artista è riuscito a trasmettere la profondità dello spazio, saturo di immagini della natura, figure di persone, strutture architettoniche. Con la mano leggera di Michelangelo iniziarono ad essere chiamate le porte orientali del battistero fiorentino "Porte del Paradiso".

La bottega del Ghiberti divenne scuola per un'intera generazione di artisti, in particolare vi lavorò il famoso Donatello, il grande riformatore. scultura italiana. L'opera di Donatello (c. 1386-1466), che assorbì le tradizioni democratiche della cultura fiorentina del XIV secolo, è uno dei picchi nello sviluppo dell'arte del primo Rinascimento. Incarnava la ricerca di mezzi nuovi e realistici per rappresentare la realtà, caratteristica dell'arte del Rinascimento, una grande attenzione all'uomo e al suo mondo spirituale. L'influenza dell'opera di Donatello sullo sviluppo dell'arte rinascimentale italiana fu enorme.

La seconda generazione di scultori fiorentini gravitava verso un'arte più lirica, pacifica, secolare. Il ruolo di primo piano in esso apparteneva alla famiglia degli scultori della Robbia. Il capofamiglia, Lucca della Robbia (1399/1400 - 1482), divenne famoso per l'uso della tecnica dello smalto nella scultura tonda e nel rilievo. La tecnica dello smalto (maiolica), nota fin dall'antichità ai popoli dell'Asia Minore, fu portata nella penisola iberica e nell'isola di Maiorca (da cui il nome) nel Medioevo, per poi diffondersi ampiamente in Italia. Lucca della Robbia realizzò medaglioni con rilievi su fondo blu intenso per edifici e altari, ghirlande di fiori e frutti, busti in maiolica della Madonna, Cristo e santi. L'arte allegra, elegante e gentile di questo maestro ha ricevuto un meritato riconoscimento dai suoi contemporanei. Grande perfezione nella tecnica della maiolica fu raggiunta anche dal nipote Andrea della Robbia (1435-1525) ( rilievi sulla facciata dell'Ospedale degli Innocenti).

Pittura

L'enorme ruolo che Brunelleschi ebbe nell'architettura del primo Rinascimento, e Donatello nella scultura, appartenne a Masaccio (1401-1428) nella pittura. Masaccio morì giovane, prima di raggiungere i 27 anni, eppure riuscì a fare molto nella pittura. Il famoso storico dell'arte Vipper disse: "Masaccio è uno dei geni più indipendenti e coerenti nella storia della pittura europea, il fondatore di un nuovo realismo ..." Continuando la ricerca di Giotto, Masaccio rompe coraggiosamente con le tradizioni artistiche medievali. In affresco "Trinità"(1426-27), realizzato per la chiesa di Santa Maria Novella a Firenze, per la prima volta in un murale dipinto di Masaccio applica la prospettiva completa. Nei murales della Cappella Brancacci della Chiesa di Santa Maria del Carmine a Firenze (1425-28) - la creazione principale della sua breve vita - Masaccio conferisce alle immagini una vitalità senza precedenti, sottolinea la fisicità e la monumentalità dei suoi personaggi, trasmette magistralmente lo stato emotivo della profondità psicologica delle immagini. In Affresco "Cacciata dal Paradiso" l'artista risolve il compito più difficile del suo tempo per rappresentare una figura umana nuda. L'arte aspra e coraggiosa di Masaccio ha avuto un enorme impatto sulla cultura artistica del Rinascimento.

Lo sviluppo della pittura del primo Rinascimento fu ambiguo: gli artisti andarono per conto loro, a volte in modi diversi. L'inizio secolare, il desiderio di una narrazione affascinante, il sentimento lirico terreno trovarono vivida espressione nelle opere di Fra Filippo Lippi (1406-69), monaco dell'ordine carmelitano. Maestro affascinante, autore di molti composizioni d'altare, tra i quali l'immagine è considerata la migliore « Adorazione del Bambino » realizzato per la cappella di Palazzo Medici-Riccardi, Filippo Lippi è riuscito a trasmettere in loro calore umano e amore poetico per la natura.

A metà del XV sec. la pittura dell'Italia centrale conobbe una rapida fioritura, di cui un esempio lampante è l'opera di Piero della Francesca(1420-92), il più grande artista e teorico dell'arte del Rinascimento. La più notevole creazione di Piero della Francesca - ciclo di affreschi nella chiesa di San Francesco ad Arezzo, che si basano sulla leggenda dell'albero vivificante della croce. Gli affreschi, disposti su tre ordini, ripercorrono la storia della croce vivificante fin dall'inizio, quando un albero sacro cresce dal seme dell'albero del paradiso della conoscenza del bene e del male sulla tomba di Adamo. ("Morte di Adamo") fino alla fine, quando l'imperatore bizantino Eraclio restituisce solennemente la reliquia cristiana a Gerusalemme (« Battaglia tra Eraclio e Cosroe » ). L'opera di Piero della Francesca va oltre le scuole pittoriche locali e determina lo sviluppo dell'arte italiana in generale.

Nella seconda metà del XV secolo, molti valenti artigiani lavorarono nel nord Italia nelle città di Verona, Ferrara e Venezia. Tra i pittori di questo periodo, il più famoso è Andrea Mantegna (1431-1506), maestro della pittura da cavalletto e monumentale, disegnatore e incisore, scultore e architetto. Il modo pittorico dell'artista si distingue per l'inseguimento di forme e disegni, il rigore e la veridicità delle immagini generalizzate. Grazie alla profondità spaziale e alla natura scultorea delle figure, Mantegna ottiene l'impressione di una scena reale congelata per un momento: i suoi personaggi sembrano così voluminosi e naturali. La maggior parte della sua vita Mantegna visse a Mantova, dove creò la sua opera più famosa - murale "Camera degli Sposi" nel castello campestre dei Marchesi L. Gonzaga. Con la sola pittura, ha creato qui un lussuoso interno rinascimentale, un luogo per ricevimenti e feste cerimoniali. L'arte del Mantegna, che godette di grande fama, influenzò l'intera pittura dell'Italia settentrionale.

Appartiene a un posto speciale nella pittura del primo Rinascimento Sandro Botticelli(in realtà Alessandro di Mariano Filipepi), che nacque nel 1445 a Firenze nella famiglia di un ricco conciatore di pelli. Nel 1459-64. il giovane studia pittura con il famoso maestro fiorentino Filippo Lippi. Nel 1470 aprì la propria bottega a Firenze e nel 1472 entrò a far parte dell'Arte di San Luca.

La prima creazione di Botticelli fu la composizione "Forza", che eseguì per la corte mercantile di Firenze. Il giovane artista guadagnò rapidamente la fiducia dei clienti e guadagnò fama, che attirò l'attenzione di Lorenzo il Magnifico, il nuovo sovrano di Firenze, che divenne il suo maestro di corte e favorito. Botticelli eseguì la maggior parte dei suoi dipinti per le case del duca e di altre famiglie nobili fiorentine, nonché per chiese, monasteri ed edifici pubblici fiorentini.

Seconda metà degli anni Settanta e Ottanta del Quattrocento divenne per Botticelli un periodo di fioritura creativa. Per la facciata principale della chiesa di Santa Maria Novella scrive la composizione " Adorazione dei Magi"- una sorta di ritratto di gruppo mitizzato della famiglia Medici. Pochi anni dopo, l'artista crea la sua famosa allegoria mitologica "Primavera".

Nel 1481 papa Sisto IV ordinò a un gruppo di pittori, tra cui Botticelli, di decorare la sua cappella con affreschi, che in seguito ricevettero il nome di "Sistina". Affreschi della Cappella Sistina di Botticelli Tentazione di Cristo », « Scene della vita di Mosè », « Punizione di Corea, Dathan e Aviron". Negli anni successivi Botticelli completò una serie di 4 affreschi basati su racconti del Decamerone di Boccaccio, creò le sue opere mitologiche più famose ("La nascita di Venere", " Pallade e Centauro”), oltre a numerose composizioni d'altare per le chiese fiorentine (“ Incoronazione della Vergine Maria », « Altare di San Barnaba"). Molte volte si è rivolto all'immagine della Madonna (" Madonna del Magnificat », « Madonna con melograno », « Madonna con un libro”), ha lavorato anche nel genere dei ritratti (“ Ritratto di Giuliano Medici”, “Ritratto di giovane donna”, “Ritratto di giovane uomo”).

Negli anni Novanta del Quattrocento, durante il periodo dei moti sociali che sconvolsero Firenze e le prediche mistiche del monaco Savonarola, nell'arte di Botticelli compaiono note moralistiche e drammatiche (“La calunnia”, “ Compianto per Cristo », « natale mistico"). Sotto l'influsso del Savonarola, in un impeto di esaltazione religiosa, l'artista distrusse addirittura alcune sue opere. A metà degli anni Novanta, con la morte di Lorenzo il Magnifico e la cacciata del figlio Pietro da Firenze, Botticelli perse la sua fama di grande artista. Dimenticato, vive tranquillamente la sua vita nella casa del fratello Simon. Nel 1510 l'artista morì.

La raffinata arte di Botticelli con elementi di stilizzazione (ovvero generalizzazione delle immagini utilizzando tecniche convenzionali - semplificazione di colore, forma e volume) è considerata uno degli apici dello sviluppo della pittura. L'arte di Botticelli, a differenza della maggior parte dei maestri del primo Rinascimento, era basata sull'esperienza personale. Eccezionalmente sensibile e sincero, Botticelli ha attraversato un difficile e tragico percorso di ricerca creativa - dalla percezione poetica del mondo nella sua giovinezza al misticismo e all'esaltazione religiosa nell'età adulta.

RISVEGLIO ANTICIPATO

RISVEGLIO ANTICIPATO

Alto Rinascimento

L'Alto Rinascimento, che ha dato all'umanità grandi maestri come Leonardo Da Vinci, Raffaello, Michelangelo, Giorgione, Tiziano, Bramante, copre un periodo di tempo relativamente breve - la fine del XV e il primo terzo del XVI secolo. Solo a Venezia il fiorire dell'arte continuò fino alla metà del sec.

Cambiamenti fondamentali associati agli eventi decisivi nella storia del mondo, ai successi del pensiero scientifico avanzato, all'infinito ampliamento delle idee delle persone sul mondo, non solo sulla terra, ma anche sullo spazio. percezione del mondo e personalità umana come se ingrandito; v creatività artistica ciò si rifletteva non solo nella maestosa scala di strutture architettoniche, monumenti, solenni cicli di affreschi e dipinti, ma anche nel loro contenuto, espressività delle immagini. L'arte dell'Alto Rinascimento è un processo artistico vivace e complesso con abbaglianti risvegli luminosi e conseguenti crisi.

Donato Bramante.

Roma divenne il centro dell'architettura dell'Alto Rinascimento, dove, sulla base di precedenti scoperte e successi, un unico stile classico. I maestri hanno utilizzato in modo creativo l'antico sistema di ordini, creando strutture la cui maestosa monumentalità era in sintonia con l'epoca. Donato Bramante (1444-1514) divenne il più grande rappresentante dell'architettura dell'Alto Rinascimento. Gli edifici del Bramante si distinguono per monumentalità e imponenza, perfezione armoniosa delle proporzioni, integrità e chiarezza delle soluzioni compositive e spaziali e uso libero e creativo delle forme classiche. Il più alto risultato creativo di Bramante è la ricostruzione del Vaticano (l'architetto ha effettivamente creato un nuovo edificio, includendo organicamente vecchi edifici sparsi in esso). Bramante è anche autore del progetto della Cattedrale di San Pietro a Roma. Con la sua opera Bramante determinò lo sviluppo dell'architettura nel XVI secolo.

Leonardo Da Vinci.

Nella storia dell'umanità non è facile trovarne un altro uguale personalità brillante, come fondatore dell'arte dell'Alto Rinascimento Leonardo Da Vinci(1452-1519). La natura globale delle attività di questo grande artista, scultore, architetto, scienziato e ingegnere divenne chiara solo quando furono esaminati i manoscritti sparsi del suo lascito, che contavano oltre settemila fogli contenenti progetti scientifici e architettonici, invenzioni e schizzi. È difficile nominare l'area di conoscenza che il suo genio non avrebbe toccato. L'universalismo di Leonardo è così incomprensibile che il famoso biografo delle figure rinascimentali, Giorgio Vasari, non potrebbe spiegare questo fenomeno se non con l'intervento del cielo: "Qualunque cosa quest'uomo si rivolga, ogni sua azione porta il timbro della divinità".

Nel suo famoso "Trattato della pittura" (1498) e in altri appunti, Leonardo prestò grande attenzione allo studio del corpo umano, alle informazioni sull'anatomia, alle proporzioni, al rapporto tra movimenti, espressioni facciali e stato emotivo di una persona. Leonardo si occupò anche dei problemi del chiaroscuro, del modellato volumetrico, della prospettiva lineare e aerea. Leonardo ha reso omaggio non solo alla teoria dell'arte. Ha creato una serie di magnifiche pale d'altare e ritratti. Il pennello di Leonardo appartiene a una delle opere più famose della pittura mondiale: "Mona Lisa" ("La Gioconda"). Leonardo ha creato immagini scultoree monumentali, strutture architettoniche progettate e costruite. Leonardo rimane ancora oggi una delle personalità più carismatiche del Rinascimento. A lui è dedicato un numero enorme di libri, nel modo più dettagliato studiato la sua vita. E, tuttavia, gran parte del suo lavoro rimane un mistero e continua ad eccitare le menti delle persone.

Raffaele Santi.

Anche l'arte di Raffaello Santi (1483-1520) appartiene ai vertici del Rinascimento italiano. L'idea di sublime bellezza e armonia è associata all'opera di Raffaello nella storia dell'arte mondiale. È generalmente accettato che nella costellazione di brillanti maestri dell'Alto Rinascimento, Raffaello fosse il principale portatore di armonia. L'implacabile ricerca di un inizio luminoso e perfetto permea tutto il lavoro di Raffaello, costituisce il suo significato interiore. Il suo lavoro è straordinariamente attraente nella sua naturale eleganza (" Madonna Sistina"). Forse è per questo che il maestro ha guadagnato una così straordinaria popolarità presso il pubblico e ha avuto sempre molti seguaci tra gli artisti. Raffaello non era solo uno straordinario pittore, ritrattista, ma anche un muralista che lavorava nella tecnica dell'affresco, un architetto e un decoratore. Tutti questi talenti si manifestarono con particolare forza nei suoi dipinti degli appartamenti di Papa Giulio II in Vaticano ("Scuola di Atene"). Nell'arte di un artista geniale è nata una nuova immagine di un uomo del Rinascimento: bello, armonioso, perfetto fisicamente e spiritualmente.

Michelangelo Buonarroti.

Contemporaneo Leonardo Da Vinci e Rafael era il loro eterno rivale - Michelangelo Buonarroti, il più grande maestro dell'Alto Rinascimento: scultore, pittore, architetto e poeta. Questo titano del Rinascimento ha iniziato la sua carriera con la scultura. Le sue colossali statue sono diventate il simbolo di un uomo nuovo: un eroe e un combattente ("David"). Il maestro ha eretto molte strutture architettoniche e scultoree, la più famosa delle quali è la Cappella Medici a Firenze. Lo splendore di queste opere è costruito sulla colossale tensione dei sentimenti dei personaggi ( Sarcofago di Giuliano de' Medici). Ma particolarmente famosi sono i dipinti di Michelangelo in Vaticano, nella Cappella Sistina, in cui si dimostrò un brillante pittore. Forse nessuno nel mondo dell'arte, né prima né dopo Michelangelo, ha creato personaggi così forti nel corpo e nello spirito (“ Creazione di Adamo"). L'enorme e incredibilmente complesso affresco sul soffitto è stato realizzato dal solo artista, senza assistenti; fino ad oggi rimane un'opera monumentale insuperata della pittura italiana. Ma oltre agli affreschi del soffitto della Cappella Sistina, il maestro, già in età avanzata, creò il "Giudizio Universale" ferocemente ispiratore, un simbolo del crollo degli ideali della sua grande epoca.

Michelangelo ha lavorato molto e fruttuosamente in architettura, in particolare ha supervisionato la costruzione della Cattedrale di San Pietro e dell'ensemble Piazza del Campidoglio A Roma. L'opera del grande Michelangelo costituì un'intera epoca ed era molto in anticipo sui tempi, svolse un ruolo colossale nell'arte mondiale, in particolare influenzò la formazione dei principi del barocco.

Giorgione e Tiziano.

Nella storia dell'arte dell'Alto Rinascimento, Venezia è entrata in una pagina luminosa, dove la pittura è al suo apice. Giorgione è considerato il primo maestro del Rinascimento a Venezia. La sua arte è molto speciale. In esso regna lo spirito di chiara armonia e una speciale contemplazione intima e fantasticheria. Scriveva spesso deliziose bellezze, vere dee. Di solito questa è una finzione poetica: l'incarnazione di un sogno irrealizzabile, l'ammirazione per un sentimento romantico e una bella donna. Nei suoi dipinti c'è un accenno di passione sensuale, dolce piacere, felicità ultraterrena. Con l'arte del Giorgione la pittura veneziana acquista un significato tutto italiano, affermando le sue caratteristiche artistiche.

Tiziano dentro passò alla storia dell'arte italiana come titano e capostipite della scuola veneziana, come simbolo del suo massimo splendore. Nel lavoro di questo artista, il respiro di una nuova era si è manifestato con una forza speciale: burrascoso, tragico, sensuale. L'opera di Tiziano si distingue per una copertura eccezionalmente ampia e versatile di tipi e generi di pittura. Tiziano è stato uno dei fondatori della pittura d'altare monumentale, del paesaggio come genere autonomo, di vari tipi di ritratti, compresi quelli solenne-cerimoniali. Nel suo lavoro convivono immagini ideali con personaggi vividi, conflitti tragici con scene di gioia giubilante, composizioni religiose con dipinti mitologici e storici.

Tiziano ha sviluppato un nuovo tecnica pittorica, che ha avuto un'influenza eccezionale sull'ulteriore, fino al XX secolo, lo sviluppo delle belle arti mondiali. Tiziano appartiene ai più grandi coloristi della pittura mondiale. I suoi dipinti risplendono d'oro e di una complessa gamma di vibranti toni luminosi di colore. Tiziano, vissuto per quasi un secolo, è sopravvissuto al crollo degli ideali rinascimentali, l'opera del maestro appartiene per metà al tardo Rinascimento. Il suo eroe, che entra nella lotta contro le forze ostili, muore, ma conserva la sua grandezza. L'influenza della grande bottega di Tiziano influenzò tutta l'arte veneziana.

ALTO RISVEGLIO

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Tardo Rinascimento

Nella seconda metà del XVI sec. in Italia cresceva il declino dell'economia e del commercio, il cattolicesimo entrava in lotta con la cultura umanistica, l'arte era in profonda crisi. Ha rafforzato le tendenze antirinascimentali, incarnate nel manierismo. Tuttavia, il manierismo quasi non ha influenzato Venezia, che nella seconda metà XVI secolo divenne l'obiettivo principale dell'arte del tardo Rinascimento. In linea con l'alta tradizione umanistica rinascimentale, nelle nuove condizioni storiche di Venezia, si sviluppò l'opera dei grandi maestri del tardo Rinascimento, arricchita di nuove forme: Palladio, Veronese, Tintoretto.

Andrea Palladio

L'opera dell'architetto italiano settentrionale Andrea Palladio (1508-80), basata su uno studio approfondito dell'architettura antica e rinascimentale, è uno dei vertici dell'arte del tardo Rinascimento. Palladio sviluppò i principi dell'architettura, che furono sviluppati nell'architettura del classicismo europeo dei secoli XVII-XVIII. e ricevette il nome di Palladianesimo. L'architetto ha delineato le sue idee nell'opera teorica Four Books on Architecture (1570). Gli edifici del Palladio (principalmente palazzi e ville urbane) sono pieni di aggraziata bellezza e naturalezza, completezza armoniosa e rigoroso ordine, si distinguono per chiarezza e opportunità di pianificazione e connessione organica con l'ambiente ( Palazzo Chiericati). La capacità di armonizzare l'architettura con il paesaggio circostante si manifestò con particolare forza nelle ville palladiane, intrise di un senso elegiaco e illuminato della natura e segnate da classica chiarezza e semplicità di forme e composizione ( Villa Capra (Rotonda)). Palladio creò il primo edificio teatrale monumentale in Italia, il Teatro Olimpico. L'influenza del Palladio sullo sviluppo dell'architettura nei secoli successivi fu enorme.

Veronese e Tintoretto..

La natura festosa e affermativa della vita del Rinascimento veneziano si è manifestata più chiaramente nell'opera di Paolo Veronese. Artista monumentale, ha creato magnifici complessi decorativi di pitture murali e sul soffitto con molti personaggi e dettagli divertenti. Veronese ha creato il suo stile: i suoi dipinti spettacolari e spettacolari sono pieni di emozioni, passione e vita, e gli eroi, la nobiltà veneziana, si trovano solitamente in palazzi patrizi o sullo sfondo di una natura lussureggiante. Sono portati via da feste grandiose o feste incantevoli ("Nozze di Cana"). Veronese fu il maestro dell'allegra Venezia, dei suoi trionfi, il poeta del suo splendore dorato. Veronese aveva un dono eccezionale come colorista. I suoi colori sono permeati di luce, intensi e non si limitano a dotare di colore gli oggetti, ma si trasformano essi stessi in oggetto, trasformandosi in nuvole, tessuto, corpo umano. Per questo motivo, la vera bellezza di figure e oggetti viene moltiplicata dalla bellezza del colore e della trama, che produce un forte impatto emotivo sullo spettatore.

L'esatto contrario di Veronese era il suo contemporaneo Tintoretto (1518-94), l'ultimo grande maestro del Rinascimento italiano. L'abbondanza di influenze artistiche esterne si è dissolta nell'individualità creativa unica di Tintoretto. Nella sua opera fu una figura gigantesca, artefice di temperamento vulcanico, passioni violente e intensità eroica. Il suo lavoro è stato un enorme successo sia tra i contemporanei che tra le generazioni successive. Tintoretto si distingueva per una capacità di lavoro davvero disumana, ricerca instancabile. Ha sentito la tragedia del suo tempo in modo più acuto e profondo della maggior parte dei suoi contemporanei. Il maestro si ribellò alle tradizioni consolidate nelle arti visive: l'osservanza della simmetria, il rigoroso equilibrio, la staticità; ha ampliato i confini dello spazio, lo ha saturato di dinamiche, azioni drammatiche, ha iniziato a esprimere i sentimenti umani in modo più vivido. 1590 . L'arte del manierismo parte dagli ideali rinascimentali della percezione armoniosa del mondo. L'uomo è in balia di forze soprannaturali. Il mondo appare instabile, traballante, in uno stato di degrado. Le immagini manieriste sono piene di ansia, irrequietezza, tensione. L'artista si allontana dalla natura, si sforza di superarla, seguendo nel suo lavoro il soggettivo " idea interiore”, la cui base non è il mondo reale, ma l'immaginazione creativa; il mezzo di esecuzione è la "bella maniera" come somma di certe tecniche. Tra questi ci sono l'allungamento arbitrario delle figure, il complesso ritmo serpentino, l'irrealtà dello spazio e della luce fantastici, e talvolta i colori freddi e penetranti.

Jacopo Pontormo (1494-1556) fu il più grande e dotato maestro del manierismo, pittore dal complesso destino creativo. Nel suo famoso dipinto Discesa dalla Croce» la composizione è instabile, le figure sono pretenziosamente spezzate, i colori chiari sono nitidi. Francesco Mazzola, soprannominato il Parmigianino (1503-40) amava impressionare lo spettatore: ad esempio scrisse il suo " Autoritratto in uno specchio convesso". La deliberata deliberatezza contraddistingue il suo famoso dipinto " Madonna dal collo lungo ».

Il pittore di corte dei Medici Agnolo Bronzino (1503-72) è noto per i suoi ritratti cerimoniali. Riecheggiavano l'era delle sanguinose atrocità e del declino morale che attanagliava i circoli più alti della società italiana. I nobili clienti del Bronzino sono, per così dire, separati dallo spettatore da una distanza invisibile; la rigidità delle loro pose, l'impassibilità dei loro volti, la ricchezza dei loro vestiti, i gesti delle loro belle mani anteriori: tutto questo è come un guscio esterno che nasconde una vita interiore imperfetta. Nel ritratto di Eleonora di Toledo con suo figlio (1545 circa), l'inaccessibilità dell'immagine fredda e distaccata è rafforzata dal fatto che l'attenzione dello spettatore è completamente assorbita dal motivo piatto e ampio dei magnifici abiti di broccato della duchessa. Il tipo di ritratto di corte creato dai manieristi influenzò l'arte del ritratto dei secoli XVI-XVII. in molti altri paesi europei.

L'arte del Manierismo era di transizione: il Rinascimento stava svanendo nel passato, era giunto il momento per un nuovo stile artistico tutto europeo: il barocco.

Arte del Rinascimento settentrionale.

I paesi del Nord Europa non avevano il loro passato antico, ma nella loro storia spicca il periodo rinascimentale: dalla svoltaXV – XVIper la seconda metàXVIIsecolo. Questa volta si distingue per la penetrazione degli ideali rinascimentali in vari ambiti della cultura e per il graduale cambiamento del suo stile. Come nella culla del Rinascimento, nell'arte del Rinascimento settentrionale, l'interesse per mondo reale cambiato la forma dell'arte. Tuttavia, l'arte dei paesi del nord non era caratterizzata dal pathos della pittura italiana, glorificando il potere dell'uomo-titano. I borghesi (i cosiddetti ricchi cittadini) apprezzavano di più l'integrità, la fedeltà al dovere e alla parola, la santità del voto coniugale e il focolare. Nei circoli borghesi si stava sviluppando il proprio ideale di persona: un uomo chiaro, sobrio, pio e professionale. L'arte dei borghesi poeticizza la persona media ordinaria e il suo mondo: il mondo della vita quotidiana e delle cose semplici.

Maestri del Rinascimento nei Paesi Bassi.

Le nuove caratteristiche dell'arte rinascimentale apparvero principalmente nei Paesi Bassi, che era uno dei paesi più ricchi e industrializzati d'Europa. A causa delle sue estese connessioni internazionali, i Paesi Bassi hanno adottato nuove scoperte molto più velocemente di altri paesi nordici.

Lo stile rinascimentale nei Paesi Bassi è stato aperto Jan Van Eyck(1390-1441). La sua opera più famosa è Pala d'altare di Gand, su cui l'artista ha iniziato a lavorare con suo fratello, e ha continuato a lavorare dopo la sua morte in proprio per altri 6 anni. L'altare di Gand, realizzato per la cattedrale della città, è una piega a due livelli, su 12 tavole delle quali sono raffigurate immagini di vita quotidiana, quotidiana (sulle tavole esterne, che erano visibili quando la piega era chiusa) e festosa, giubilante, trasfigurata life (sulle porte interne, che apparivano aperte durante le festività religiose). Questo è un monumento d'arte, che glorifica la bellezza della vita terrena. Il sentimento emotivo di Van Eyck - "il mondo è come un paradiso", ogni particella del quale è bella - è espresso in modo chiaro e chiaro. L'artista ha fatto affidamento su molte osservazioni della natura. Tutte le figure e gli oggetti hanno volume e peso tridimensionali. I fratelli Van Eyck furono tra i primi a scoprire le possibilità della pittura a olio; da questo momento inizia il graduale spostamento della tempera da essa.

Nella seconda metà di Xvsecolo, pieno di conflitti politici e religiosi, nell'arte dei Paesi Bassi spicca un'arte complessa e peculiare Hieronymus Bosch(1450?-1516). Questo è un artista molto curioso con un'immaginazione straordinaria. Ha vissuto nella sua mondo spaventoso. Nei dipinti di Bosch c'è una condensazione di rappresentazioni folcloristiche medievali, montaggi grotteschi del vivente e del meccanico, del terribile e del comico. Nelle sue composizioni, che non avevano un centro, non c'è un personaggio principale. Lo spazio in più strati è riempito da numerosi gruppi di figure e oggetti: rettili mostruosamente esagerati, rospi, ragni, creature terribili in cui si combinano parti di diverse creature e oggetti. Lo scopo delle composizioni di Bosch è l'edificazione morale. Bosch non trova armonia e perfezione nella natura, le sue immagini demoniache ricordano la vitalità e l'onnipresenza del male mondiale, il ciclo della vita e della morte.

L'uomo nei dipinti di Bosch è patetico e debole. Quindi, nel trittico Trasporto di fieno» l'artista svela la storia dell'umanità. L'ala sinistra racconta la storia della caduta di Adamo ed Eva, quella destra raffigura l'Inferno e tutti gli orrori che qui attendono i peccatori. La parte centrale dell'immagine illustra il proverbio popolare "Il mondo è un pagliaio, ognuno ne prende quello che riesce ad afferrare". Bosch mostra come le persone combattono per un pezzo di fieno, muoiono sotto le ruote di un carro, cercano di arrampicarsi su di esso. In cima al carro, rinunciando al mondo, gli amanti cantano e si baciano. Da un lato c'è un angelo e dall'altro il diavolo: chi vincerà? Creature raccapriccianti trascinano il carro negli inferi. Dietro tutte le azioni delle persone, Dio guarda perplesso. L'immagine è intrisa di uno stato d'animo ancora più cupo " Portare la Croce”: Cristo porta la sua pesante croce, circondato da persone disgustose con occhi sporgenti e bocche spalancate. Per loro il Signore si sacrifica, ma la sua morte in croce li lascerà indifferenti.

Bosch era già morto quando nacque un altro famoso artista olandese: Pieter Brueghel il Vecchio(1525-1569), soprannominato Muzhitsky per molti dipinti raffiguranti la vita dei contadini. Brueghel ha preso i proverbi popolari e le preoccupazioni quotidiane della gente comune come base per molte trame. La completezza delle immagini dei dipinti" matrimonio contadino" E " danza contadina"porta il potere degli elementi del popolo. Anche le immagini racconti biblici Le opere di Brueghel sono abitate dagli olandesi e gli eventi della lontana Giudea si svolgono sullo sfondo di strade innevate sotto il cielo tenue del suo paese natale (“ Sermone di Giovanni Battista"). Mostrando apparentemente poco importante, minore, l'artista parla della cosa principale nella vita delle persone, ricrea lo spirito del suo tempo.

Una piccola tela Cacciatori nella neve" (Gennaio) della serie "Le stagioni" è considerato uno dei capolavori insuperabili della pittura mondiale. I cacciatori stanchi con i cani tornano a casa. Insieme a loro, lo spettatore entra nella collina, da cui si apre il panorama di un piccolo paese. Rive del fiume innevate, alberi spinosi congelati nell'aria limpida e gelida, gli uccelli volano, si siedono sui rami degli alberi e sui tetti delle case, le persone sono impegnate nelle loro attività quotidiane. Tutte queste apparentemente sciocchezze, insieme all'azzurro del cielo, agli alberi neri, al bianco della neve, creano nell'immagine un panorama del mondo che l'artista ama appassionatamente.

Il dipinto più tragico di Brueghel Parabola dei ciechi"Scritto dall'artista poco prima della sua morte. Illustra la storia del Vangelo "se i ciechi guidano i ciechi, allora entrambi cadranno nella fossa". Forse questa è un'immagine dell'umanità, accecata dai suoi desideri, che si avvia verso la sua morte. Brueghel però non giudica, ma, comprendendo le leggi del rapporto delle persone tra loro, con l'ambiente, penetrando nell'essenza della natura umana, rivela alle persone stesse il loro posto nel mondo.

Pittura in Germania durante il Rinascimento.

Le caratteristiche del Rinascimento nell'arte della Germania compaiono più tardi che nei Paesi Bassi. Il periodo di massimo splendore dell'umanesimo tedesco, delle scienze secolari e della cultura cade nei primi anniXVIv. Fu un breve periodo durante il quale la cultura tedesca diede al mondo i più alti valori artistici. Prima di tutto, dovrebbero includere opere Albrecht Durer(1471-1528) - l'artista più importante del Rinascimento tedesco.

Durer è un tipico rappresentante del Rinascimento, fu pittore, incisore, matematico e ingegnere, scrisse trattati di fortificazione e teoria dell'arte. SU autoritratti appare intelligente, nobile, concentrato, pieno di profonde riflessioni filosofiche. Nei dipinti, Dürer non si accontenta della bellezza formale, ma cerca di dare un'espressione simbolica di pensieri astratti.

Un posto speciale nell'eredità creativa di Dürer appartiene alla serie Apocalypse, che comprende 15 grandi xilografie. Dürer illustra le predizioni della "Rivelazione di Giovanni il Teologo", ad esempio il foglio " quattro cavalieri"simboleggia terribili disastri: guerra, pestilenza, carestia, giudizio ingiusto. Il presagio di cambiamento, dure prove e disastri, espresso nelle incisioni, si rivelò profetico (presto iniziarono la Riforma e le guerre contadine e di religione che ne seguirono).

Un altro grande artista di quel tempo era Lucas Cranach il Vecchio(1472-1553). L'Hermitage ospita i suoi dipinti Madonna col Bambino sotto il melo" E " Ritratto femminile". In essi vediamo il volto di una donna, catturato in molti dipinti del maestro (si chiama anche "Cranach"): un piccolo mento, una stretta fessura degli occhi, capelli dorati. L'artista scrive con cura gioielli e vestiti, i suoi dipinti sono una festa per gli occhi. La purezza e l'ingenuità delle immagini ti fanno ancora una volta sbirciare in questi dipinti. Cranach è stato un meraviglioso ritrattista, ha creato immagini di molti famosi contemporanei: Martin Lutero (che era suo amico), il duca Enrico di Sassonia e molti altri.

Ma il ritrattista più famoso del Rinascimento settentrionale può essere senza dubbio riconosciuto come un altro pittore tedesco. Hans Holbein il Giovane(1497-1543). Per lungo tempo fu pittore di corte del re inglese EnricoVIII. Nel suo ritratto, Holbein trasmette perfettamente la natura imperiosa del re, che non ha familiarità con il dubbio. Piccoli occhi intelligenti su un viso carnoso tradiscono in lui un tiranno. Ritratto di Enrico VIII era così affidabile che spaventava le persone che conoscevano il re. Holbein dipinse ritratti di molti personaggi famosi dell'epoca, in particolare lo statista e scrittore Thomas More, il filosofo Erasmo da Rotterdam e molti altri.

Lo sviluppo della cultura rinascimentale in Germania, nei Paesi Bassi e in alcuni altri paesi europei fu interrotto dalla Riforma e dalle guerre di religione che ne seguirono. Successivamente, è arrivato il momento della formazione di nuovi principi nell'arte, che sono entrati nella fase successiva del suo sviluppo.

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agenzia federale trasporto ferroviario

Università statale dei trasporti siberiana

Dipartimento di "Filosofia"

IMMAGINI ARTISTICHE DEL RINASCIMENTO

Saggio

Nella disciplina "Culturologia"

Testa progettata

Professore studente gr. D-111

Bystrova A.N. ___________ Kamyshova E.V.

(firma) (firma)

08.12.2012

(data di ispezione) (data di presentazione per ispezione)

anno 2012

introduzione

Il Rinascimento è considerato uno dei periodi più luminosi nella storia dello sviluppo della cultura europea. Possiamo dire che il revival è un'intera era culturale nel processo di transizione dal Medioevo al nuovo tempo, durante il quale si è verificato uno sconvolgimento culturale (un punto di svolta, un cambiamento). I cambiamenti fondamentali sono associati all'eradicazione della mitologia.

Nonostante l'origine del termine Rinascimento (fr. Rinascimento, "Rinascimento"), non ci fu alcun risveglio dell'antichità e non poteva esserlo. L'uomo non può tornare al suo passato. Il Rinascimento, utilizzando le lezioni dell'antichità, ha introdotto innovazioni. Non ha riportato in vita tutti i generi antichi, ma solo quelli che erano caratteristici delle aspirazioni del suo tempo e della sua cultura. Il Rinascimento combinò una nuova lettura dell'antichità con una nuova lettura del cristianesimo.

La rilevanza dell'argomento scelto è dovuta alla connessione tra l'era moderna e il Rinascimento: questa è una rivoluzione, prima di tutto, nel sistema di valori, nella valutazione di tutto ciò che esiste e in relazione ad esso.

Lo scopo principale dell'opera è mostrare i cambiamenti fondamentali avvenuti nella visione del mondo delle più grandi figure dell'epoca in esame.

1. Cultura del Rinascimento

XIII-XVI I secoli sono stati un periodo di grandi cambiamenti nell'economia, nella politica e nella cultura. La rapida crescita delle città e lo sviluppo dell'artigianato, e successivamente il passaggio alla produzione manifatturiera, trasformarono il volto dell'Europa medievale.

Le città sono venute alla ribalta. Non molto tempo prima, le forze più potenti del mondo medievale - l'impero e il papato - erano in profonda crisi. IN XVI secolo, il decadente Sacro Romano Impero della nazione tedesca divenne teatro delle prime due rivoluzioni antifeudali: la Grande Guerra dei Contadini in Germania e la Rivolta dei Paesi Bassi.

La natura transitoria dell'epoca, il processo di liberazione dai percorsi medievali in atto in tutti gli ambiti della vita, allo stesso tempo, l'ancora sottosviluppo dei rapporti capitalistici che si andavano consolidando, non potevano che incidere sui tratti cultura artistica e il pensiero estetico del tempo.

Secondo A. V. Stepanov, tutti i cambiamenti nella vita della società sono stati accompagnati da un ampio rinnovamento della cultura: il fiorire delle scienze naturali ed esatte, la letteratura su lingue nazionali, arti visive. Nato nelle città d'Italia, questo rinnovamento ha poi catturato altri paesi europei. L'autore ritiene che dopo l'avvento della stampa si siano aperte opportunità senza precedenti per la diffusione di opere letterarie e opere scientifiche, e una comunicazione più regolare e più stretta tra i paesi ha contribuito alla penetrazione di nuove tendenze artistiche.

Ciò non significava che il Medioevo si fosse ritirato prima delle nuove tendenze: le idee tradizionali erano conservate nella coscienza di massa. La chiesa ha resistito a nuove idee, usando un mezzo medievale: l'Inquisizione. L'idea della libertà della persona umana ha continuato ad esistere in una società divisa in classi. La forma feudale di dipendenza dei contadini non è scomparsa del tutto, e in alcuni paesi (Germania, in Europa centrale) c'è stato un ritorno alla servitù. Il sistema feudale ha mostrato molta vitalità. Ogni paese europeo l'ha vissuta a modo suo e all'interno del proprio quadro cronologico. Il capitalismo è esistito a lungo come stile di vita, coprendo solo una parte della produzione sia in città che in campagna. Tuttavia, la lentezza patriarcale medievale iniziò a retrocedere nel passato.

Le grandi scoperte geografiche hanno giocato un ruolo enorme in questa svolta. Ad esempio, nel 1492. H. Colombo, alla ricerca di una via per l'India, attraversò l'Oceano Atlantico e sbarcò vicino alle Bahamas, scoprendo un nuovo continente: l'America. Nel 1498 Il viaggiatore spagnolo Vasco da Gama, dopo aver doppiato l'Africa, portò con successo le sue navi sulle coste dell'India. CON XVI v. Gli europei stanno penetrando in Cina e Giappone, di cui prima avevano solo una vaga idea. Dal 1510 inizia la conquista dell'America. IN XVII v. L'Australia è stata scoperta. L'idea della forma della terra è cambiata: il giro del mondo di F. Magellan ha confermato la congettura che abbia la forma di una palla.

Il disprezzo per tutto ciò che è terreno è ora sostituito da un avido interesse per il mondo reale, per l'uomo, per la coscienza della bellezza e della grandezza della natura, che potrebbe essere dimostrato analizzando i monumenti culturali del Rinascimento. Il primato della teologia sulla scienza, indiscutibile nel Medioevo, è scosso dalla fede nelle illimitate possibilità della mente umana, che diventa la misura più alta della verità. Sottolineando l'interesse per l'umano in opposizione al divino, i rappresentanti della nuova intellighenzia secolare si definirono umanisti, derivando questa parola dal concetto di " studia humanitanis ”, intendendo lo studio di tutto ciò che è connesso con la natura umana e il suo mondo spirituale.

Per le opere e l'arte del Rinascimento divenne caratteristica l'idea di un essere libero con possibilità creative illimitate. È associato all'antropocentrismo nell'estetica del Rinascimento e alla comprensione del bello, del sublime, dell'eroico. Il principio di una bella personalità umana artistica e creativa è stato combinato dai teorici del Rinascimento con un tentativo di calcolare matematicamente tutti i tipi di proporzioni, simmetria e prospettiva.

Il pensiero estetico e artistico di quest'epoca si basa per la prima volta sulla percezione umana in quanto tale e su un'immagine sensualmente reale del mondo. Qui colpisce anche la sete soggettivista-individualista di sensazioni di vita, indipendentemente dalla loro interpretazione religiosa e morale, sebbene quest'ultima, in linea di principio, non sia negata. L'estetica del Rinascimento concentra l'arte sull'imitazione della natura. Tuttavia, in primo luogo qui non c'è tanto la natura quanto l'artista, che nella sua attività creativa è paragonato a Dio.

E. Chamberlin considera il piacere uno dei principi più importanti per la percezione delle opere d'arte, perché questo indica una significativa tendenza democratica rispetto all'"apprendimento" scolastico delle precedenti teorie estetiche.

Il pensiero estetico del Rinascimento contiene non solo l'idea di assolutizzazione dell'individuo umano in contrapposizione alla personalità divina nel Medioevo, ma anche una certa consapevolezza dei limiti di tale individualismo, basato sull'assoluta autoaffermazione di l'individuo. Da qui i motivi della tragedia, trovati nelle opere di W. Shakespeare, M. Cervantes, Michelangelo e altri: questa è la natura contraddittoria di una cultura che si è allontanata dagli antichi assoluti medievali, ma a causa di circostanze storiche non ha ancora trovato nuovi basi affidabili.

La connessione tra arte e scienza è uno dei tratti caratteristici della cultura. Gli artisti cercavano sostegno nelle scienze, spesso stimolando il loro sviluppo. Il Rinascimento è segnato dall'emergere di artisti-scienziati, tra i quali il primo posto appartiene a Leonardo da Vinci.

Pertanto, uno dei compiti del Rinascimento è la comprensione da parte dell'uomo di un mondo pieno di bellezza divina. Il mondo attrae una persona perché è spiritualizzata da Dio. Ma nel Rinascimento c'era un'altra tendenza nel sentire una persona della tragedia della sua esistenza.

2. L'immagine del mondo e dell'uomo nelle opere dei grandi maestri Rinascimento

Il termine "Rinascimento" (traduzione del termine francese "Rinascimento") indica il legame della nuova cultura con l'antichità. Come risultato della conoscenza dell'Oriente, in particolare di Bisanzio, durante l'era delle Crociate, gli europei conobbero antichi manoscritti umanistici, vari monumenti di belle arti e architettura antiche. Tutte queste antichità iniziarono ad essere parzialmente trasportate in Italia, dove furono raccolte e studiate. Ma anche nella stessa Italia c'erano molti antichi monumenti romani, che iniziarono anche ad essere attentamente studiati dai rappresentanti dell'intellighenzia urbana italiana. Nella società italiana sorse un profondo interesse per le lingue classiche antiche, la filosofia antica, la storia e la letteratura. La città di Firenze ebbe un ruolo particolarmente importante in questo movimento. Da Firenze è arrivata una lite figure eminenti nuova cultura.

Utilizzando l'antica ideologia, creata un tempo nelle città più vivaci, in senso economico, dell'antichità, la nuova borghesia l'ha rielaborata a modo suo, formulando la sua nuova visione del mondo, nettamente opposta alla visione del mondo del feudalesimo che prevaleva prima. Il secondo nome della nuova cultura italiana, l'umanesimo, lo dimostra.

La cultura umanistica poneva al centro della sua attenzione l'uomo stesso (humanus - umano), e non il divino, ultraterreno, come avveniva nell'ideologia medievale. L'ascetismo non aveva più un posto nella visione umanistica del mondo. Il corpo umano, le sue passioni ei suoi bisogni non erano visti come qualcosa di "peccaminoso" da sopprimere o torturare, ma come fine a se stesso, come la cosa più importante della vita. L'esistenza terrena era riconosciuta come l'unica vera. La conoscenza della natura e dell'uomo è stata dichiarata l'essenza della scienza. In contrasto con i motivi pessimistici che dominavano la visione del mondo degli scolastici e dei mistici medievali, i motivi ottimistici prevalevano nella visione del mondo e nell'umore delle persone del Rinascimento; erano caratterizzati dalla fede nell'uomo, nel futuro dell'umanità, nel trionfo della ragione umana e dell'illuminazione. A questo nuovo grande movimento intellettuale partecipò una costellazione di eminenti poeti e scrittori, studiosi e artisti di ogni genere. La gloria dell'Italia è stata portata da artisti così meravigliosi: Leonardo da Vinci, Giorgione, Michelangelo, Raffaello, Tiziano.

L'indubbia conquista del Rinascimento fu la costruzione geometricamente corretta del quadro. L'artista ha costruito l'immagine utilizzando le tecniche che ha sviluppato. La cosa principale per i pittori di quel tempo era osservare le proporzioni degli oggetti. Anche la natura è caduta sotto i trucchi matematici.

In altre parole, gli artisti del Rinascimento cercavano di trasmettere un'immagine accurata, ad esempio, di una persona sullo sfondo della natura. Se confrontato con i metodi moderni per ricreare un'immagine vista su una sorta di tela, allora, molto probabilmente, una fotografia con successivo aggiustamento aiuterà a capire a cosa aspiravano gli artisti del Rinascimento.

I pittori del Rinascimento credevano di avere il diritto di correggere i difetti della natura, cioè se una persona aveva brutti tratti del viso, gli artisti li correggevano in modo tale che il viso diventasse dolce e attraente.

Raffigurando scene bibliche, gli artisti del Rinascimento hanno cercato di chiarire che le manifestazioni terrene di una persona possono essere rappresentate più chiaramente se si usano contemporaneamente storie bibliche. Puoi capire cos'è la caduta, la tentazione, l'inferno o il paradiso, se inizi a conoscere il lavoro degli artisti di quel tempo. La stessa immagine della Madonna ci trasmette la bellezza di una donna e porta anche una comprensione dell'amore umano terreno.

Così, nell'arte del Rinascimento, i percorsi della comprensione scientifica e artistica del mondo e dell'uomo erano strettamente intrecciati. Il suo significato cognitivo era indissolubilmente legato alla sublime bellezza poetica, nella sua ricerca della naturalezza, non scendeva nella meschina quotidianità. L'arte è diventata un bisogno spirituale universale.

Conclusione

Quindi, il Rinascimento, o il Rinascimento, è un'era nella vita dell'umanità, segnata da un colossale aumento dell'arte e della scienza. Il Rinascimento ha proclamato l'uomo il valore più alto della vita.

Nell'arte, il tema principale era una persona con possibilità spirituali e creative illimitate.L'arte del Rinascimento ha gettato le basi della cultura europea della New Age, ha cambiato radicalmente tutti i principali tipi di arte.

In architettura si sono sviluppati nuovi tipi di edifici pubblici.La pittura si arricchì di una prospettiva lineare e aerea, della conoscenza dell'anatomia e delle proporzioni del corpo umano.Il contenuto terreno è penetrato nei tradizionali temi religiosi delle opere d'arte. Aumento dell'interesse per la mitologia antica, la storia, le scene quotidiane, i paesaggi, i ritratti. Apparve un'immagine, sorse un dipinto ad olio. L'individualità creativa dell'artista ha preso il primo posto nell'arte.

Nell'arte del Rinascimento, i percorsi della comprensione scientifica e artistica del mondo e dell'uomo erano strettamente intrecciati.L'arte è diventata un bisogno spirituale universale.

Indubbiamente, il Rinascimento è una delle epoche più belle della storia dell'umanità.

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