15세기 플랑드르 회화. 다양한 플랑드르 예술가 소개

안에 15세세기, 북유럽의 가장 중요한 문화 중심지 -네덜란드 , 오늘날 벨기에와 네덜란드의 영토를 포함하는 작지만 부유한 나라.

네덜란드 예술가15세수세기 동안 그들은 주로 부유한 시민들이 의뢰한 제단, 초상화, 이젤 그림을 그렸습니다. 그들은 성탄 장면과 아기 예수의 경배 장면을 좋아했으며 종종 종교적 장면을 실제 상황으로 옮겼습니다. 그 시대의 사람을 위해 이 환경을 채우는 수많은 가정용품은 중요한 상징적 의미를 담고 있습니다. 예를 들어 세면대와 수건은 순결, 순결의 힌트로 인식되었습니다. shoes-li는 충성의 상징, 불타는 촛불-결혼이었습니다.

이탈리아 화가들과 달리 네덜란드 예술가들은 고전적으로 아름다운 얼굴과 인물을 가진 사람들을 거의 묘사하지 않았습니다. 그들은 겸손, 경건 및 성실에서 그의 가치를 보고 평범하고 "보통"인 사람을 시화했습니다.

네덜란드 회화 학교의 수장15세세기는 독창적이다얀 반 에이크 (약 1390-1441). 그의 유명한"겐트 제단" 네덜란드 미술사에 새로운 시대를 열었습니다. 종교적 상징은 실제 세계의 진정한 이미지로 번역됩니다.

"겐트 제단화"는 얀 반 에이크(Jan van Eyck)의 형인 위베르트(Hubert)가 시작한 것으로 알려져 있지만, 주요 작업은 1월 1일에 이루어졌습니다.

제단의 문은 안팎으로 칠해져 있습니다. 외부에서 보면 절제되고 엄격해 보입니다. 모든 이미지는 단일 회색 스케일로 해결됩니다. 성모 영보 대축일의 장면, 성인과 기부자(고객)의 모습이 여기에 포착됩니다. 휴일에는 제단의 문이 열리고 교구민들 앞에서 모든 화려한 색으로 그림이 등장하여 죄에 대한 속죄와 다가오는 깨달음을 구현했습니다.

뛰어난 사실주의로 겐트 제단화의 정신 이미지에서 가장 르네상스적인 아담과 이브의 누드 인물이 실행됩니다. 풍경 배경은 웅장합니다. 수태 고지 장면의 전형적인 네덜란드 풍경, 어린 양 숭배 장면의 다양한 초목이있는 햇볕에 흠뻑 젖은 꽃 초원입니다.

똑같은 놀라운 관찰로 주변 세계는 Jan van Eyck의 다른 작품에서 재창조됩니다. 가장 눈에 띄는 예는 중세 도시의 파노라마입니다.롤린 장관의 마돈나.

Jan van Eyck은 유럽 최초의 뛰어난 초상화가 중 한 명입니다. 그의 작품에서 초상화 장르는 독립성을 획득했습니다. 일반적인 초상화 유형인 그림 외에도 van Eyck은 이 장르의 독특한 작품을 소유하고 있습니다."아르놀피니스의 초상". 이것은 유럽 회화에서 처음으로 쌍을 이루는 초상화입니다. 배우자는 모든 것이 결혼 서약의 신성함을 암시하는 상징적 의미를 지닌 작고 아늑한 방에 그려져 있습니다.

Jan van Eyck의 이름으로 전통은 또한 기술 향상을 연결합니다. 오일 페인팅. 그는 보드의 흰색 바탕 표면에 페인트를 겹겹이 칠하여 특별한 색상의 투명도를 얻었습니다. 이미지는 내부에서 빛나는 것 같았습니다.

중반과 후반에15세수세기 동안 뛰어난 재능을 가진 대가들이 네덜란드에서 일했습니다.로지에르 반 데어 웨이덴 그리고 휴고 반 데르 고스 , 그의 이름은 Jan van Eyck 옆에 놓일 수 있습니다.

보쉬

가장자리에 15세- 16세세기 공공 생활네덜란드는 사회적 모순으로 가득 차 있었습니다. 이러한 조건에서 복잡한 예술이 탄생했습니다.히에로니무스 보쉬 (가까운 나 450- 나 5 나 6, 실명 Hieronymus van Aken). 보쉬는 얀 반 에이크(Jan van Eyck)에서 시작하여 네덜란드 학파가 의존했던 태도의 토대에 대해 이질적이었습니다. 그는 세상에서 신성과 사탄, 의와 죄, 선과 악의 두 가지 원칙 사이의 투쟁을 봅니다. 악의 피조물은 어디에나 침투합니다. 이들은 합당하지 않은 생각과 행위, 이단 및 모든 종류의 죄 (허영심, 죄 많은 성, 신성한 사랑의 빛이 없음, 어리 석음, 폭식), 거룩한 은둔자를 유혹하는 악마의 계략 등입니다. 에. 처음으로 오브제로서의 추함의 영역 예술적 이해그래서 그는 그로테스크한 ​​형태를 사용하는 화가를 사로잡는다. 민간 속담, 속담 및 비유를 주제로 한 그의 그림 ("성도의 유혹 안토니아" , "헤이 카트" , "즐거움의 정원" ) 보쉬는 기괴하고 환상적인 이미지와 동시에 오싹하고 악몽 같으며 코믹합니다. 여기에서 예술가는 중세 민속의 모티프 인 웃음의 민속 문화의 수세기 전 전통을 돕습니다.

Bosch의 환상에는 거의 항상 알레고리의 요소, 알레고리적 시작이 있습니다. 그의 예술의 이러한 특징은 감각적 쾌락의 해로운 결과를 보여주는 삼부작 The Garden of Delights와 환상적 이익을 위해 인류의 투쟁을 의인화하는 음모 인 Hay에 가장 분명하게 반영됩니다.

보쉬의 악마학은 인간 본성에 대한 깊은 분석과 민속적 유머뿐만 아니라 자연에 대한 미묘한 감각(광활한 풍경을 배경으로)이 공존한다.

브뤼겔

네덜란드 르네상스의 정점은 창의성이었다대 피터르 브뤼겔 (약 1525 / 30-1569), 네덜란드 혁명이 진행되는 시대의 대중 분위기에 가장 가깝습니다. Brueghel은 국가 정체성이라고 불리는 것을 최고 수준으로 소유했습니다. 그의 예술의 모든 놀라운 특징은 원래 네덜란드 전통을 기반으로 성장했습니다 (특히 Bosch의 작업에 크게 영향을 받음).

농민 유형을 그리는 능력을 위해 예술가는 Breughel "농민"이라고 불 렸습니다. 사람들의 운명에 대한 반성이 그의 모든 작업에 스며들었습니다. Brueghel은 때때로 우화적이고 기괴한 형태로 사람들의 일과 삶, 심각한 국가적 재난 ( "The Triumph of Death") 및 사람들의 삶에 대한 끝없는 사랑을 포착합니다."농민 결혼식" , "농민의 춤" ). 복음주의 주제의 그림에서("베들레헴의 인구 조사" , "무고한 자들의 학살" , "눈 속의 동방박사의 경배" ) 그는 성서의 베들레헴을 평범한 네덜란드 마을로 제시했습니다. 민속 생활에 대한 깊은 지식으로 그는 농민의 모습과 직업, 전형적인 네덜란드 풍경, 심지어 집의 특징적인 석조물까지 보여주었습니다. 고문, 처형, 무방비 상태의 사람들에 대한 무장 공격 등 무고한 사람들의 학살에서 성서적이지 않은 현대 역사를 보는 것은 어렵지 않습니다. 이 모든 것은 네덜란드에서 전례없는 스페인 억압 기간 동안 일어났습니다. Brueghel의 다른 그림도 상징적 의미를 갖습니다."게으른 사람들의 땅" , "교수대 위의 까치" , "눈이 먼" (끔찍하고 비극적 인 우화 : 심연으로 끌려간 맹인의 길-이것이 모든 인류의 삶의 길이 아닌가?).

Brueghel의 작품에서 사람들의 삶은 예술가가 탁월한 기술을 보여준 자연의 삶과 분리 할 수 ​​없습니다. 그의"스노우 헌터스" 모든 세계 회화에서 가장 완벽한 풍경 중 하나입니다.

여러 곳에서 사실이지만 일부 훌륭한 플랑드르 화가의 작품과 그들의 판화가 이미 논의된 것은 일관성이 없지만 이전에 완전한 정보를 얻을 수 없었기 때문에 다른 사람들의 이름에 대해 침묵하지 않겠습니다. 이탈리아 방식을 배우기 위해 이탈리아를 방문한 이 예술가들의 창작물에 대해, 그리고 내가 개인적으로 알고 있던 대부분의 사람들은 우리 예술의 이익을 위한 그들의 활동과 노력이 그럴 자격이 있다고 생각하기 때문입니다. 그러므로 네덜란드의 마르틴, 브뤼헤의 얀 에이크, 그리고 이미 말했듯이 1410년에 자신의 유화 발명과 그 적용 방법을 공개하고 그의 많은 작품을 그가 명예롭게 살다가 죽은 겐트, 이프르, 브뤼헤, 브뤼셀 출신의 로저 반 데어 웨이데가 그 뒤를 이었다고 말할 수 있습니다. 정의와 관련된 이야기가 담긴 4개의 가장 멋진 유화판. 그의 학생은 공작이 소유하고 있는 주님의 수난에 대한 작은 그림을 피렌체에서 손에 들고 있는 한스라는 사람이었습니다. 그의 후계자들은 루뱅의 루드비히, 루뱅의 플레밍, 페트루스 크리스투스, 겐트의 유스투스, 앤트워프의 휴 및 조국을 떠나지 않고 동일한 플랑드르 방식을 고수한 다른 많은 사람들이었습니다. 그럼에도 불구하고 그는 항상 이전 방식을 유지했지만 특히 그의 머리에는 그가 유럽 전역에서 누렸던 널리 알려진 명성보다 열등하지 않은 자발성과 생동감을 보여주었습니다.

그러나 그들 모두를 제쳐두고 네덜란드 출신의 Luca와 다른 사람들과 함께 1532년에 나는 이탈리아 화법을 잘 구사하고 이 도시에 많은 프레스코화를 그렸던 Michael Coxius를 로마에서 만났으며 특히 두 점을 그렸습니다. 산타 마리아 데 아니마 교회의 예배당. 그 후 고향으로 돌아와 공예의 대가로 명성을 얻은 그는 스페인 왕 필립을 위해 겐트에 위치한 Jan Eyck의 나무 그림에서 사본을 나무에 그렸습니다. 그것은 스페인으로 옮겨져 하나님의 어린 양의 승리를 묘사했습니다.

얼마 후 Martin Geemskerk는 인물과 풍경의 훌륭한 거장인 로마에서 공부했는데, 그는 플랑드르에서 구리에 판화를 위한 많은 그림과 그림을 그렸습니다. Ippolito dei Medici 추기경의 봉사. 이 모든 화가들은 가장 훌륭한 이야기 ​​작가이자 이탈리아 방식의 엄격한 광신자였습니다.

나는 또한 1545년에 나폴리에서 플랑드르 화가 조반니 칼카르(Giovanni of Calcar)를 알고 있었다. 그는 내 절친한 친구였으며 그의 손에서 플랑드르인의 손길을 알아보는 것이 불가능할 정도로 이탈리아 화풍을 통달했다. 그러나 그는 나폴리에서 젊은 나이에 세상을 떠났고 그에게는 큰 희망이 있었습니다. 그는 Vesalius의 해부학을 위해 그림을 그렸습니다.

그러나 이러한 방식의 뛰어난 대가인 Louvain의 Diric과 이름이 Jan인 그의 아들처럼 그의 인물에서 가능한 한 자연을 밀접하게 고수한 같은 지역의 Quintan은 더욱 감사했습니다.

마찬가지로 Jost of Cleve는 훌륭한 채색가이자 드문 초상화가였으며 프랑스 왕 Francis를 크게 섬기며 다양한 신사 숙녀 여러분의 초상화를 많이 그렸습니다. 다음 화가들도 유명해졌는데, 그 중 일부는 같은 지역 출신입니다. Jan Gemsen, 앤트워프 출신 Mattian Cook, 브뤼셀 출신 Bernard, 암스테르담 출신 Jan Cornelis, 같은 도시 출신 Lambert, Dinan 출신 Hendrik, Bovin 출신 Joachim Patinir, Jan Skoorl , 위트레흐트에서 그는 이탈리아에서 가져온 많은 새로운 그림 기법을 플랑드르로 이전 한 캐논뿐만 아니라 Douai의 Giovanni Bellagamba, 같은 지방의 Haarlem에서 온 Dirk 및 풍경, 환상, 모든 종류의 묘사에 매우 강한 Franz Mostaert 변덕, 꿈, 환상의. Hieronymus Hertgen Bosch와 Breda의 Pieter Brueghel은 그를 모방했으며 Lencelot은 불, 밤, 빛, 악마 등을 표현하는 데 탁월했습니다.

Peter Cook은 이야기에서 뛰어난 독창성을 보여 주었고 태피스트리와 카펫을 위한 가장 멋진 판지를 만들었으며 예의 바르고 건축에 대한 많은 경험을 가지고 있었습니다. 그가 Bolognese Sebastian Serlio의 건축 작품을 독일어로 번역한 것은 당연합니다.

그리고 Jan Mabuse는 시를 묘사할 뿐만 아니라 많은 벌거벗은 인물로 이야기를 묘사하는 진정한 방법을 이탈리아에서 플랑드르로 이식한 거의 첫 번째 사람이었습니다. 그는 Zeeland에 있는 Midelburg Abbey의 큰 apse를 그렸습니다. 나는 브뤼헤의 거장 화가 조반니 델라 스트라다와 두에의 조각가 조반니 볼로냐로부터 받은 이 예술가들에 대한 정보를 플레밍인이자 훌륭한 예술가로, 우리의 학술 논문에서 언급할 것입니다.

같은 지방 출신으로서 여전히 살아 있고 가치 있는 사람들에 관해서는, 그림의 질과 그가 구리에 조각한 시트의 수에 있어서 첫 번째는 앤트워프의 프란츠 플로리스입니다. 위에서 언급한 램버트 롬바르드. 따라서 가장 훌륭한 스승으로 존경받는 그는 자신의 직업의 모든 영역에서 열심히 일했기 때문에 다른 누구도 (그렇게 말합니다) 그의 가장 아름답고 가장 아름다운 사람의 도움으로 마음의 상태, 슬픔, 기쁨 및 기타 열정을 더 잘 표현하지 못했습니다. 독창적 인 아이디어, 그리고 그를 Urbian과 동일시하여 Flemish Raphael이라고합니다. 사실, 그의 인쇄된 시트는 우리에게 이것에 대해 완전히 확신시키지 못합니다. 왜냐하면 조각가는 그의 기술의 대가일지라도 아이디어나 그림 또는 그림을 만든 사람의 방식을 완전히 전달할 수 없기 때문입니다. 그를 위해.

같은 스승의 지도 아래 훈련을 받은 그의 동료 학생은 브레다의 빌헬름 케이(Wilhelm Kay of Breda)로 앤트워프에서 활동하고 있으며, 그는 자제력이 있고 엄격하며 이성적이며 삶과 자연을 열정적으로 모방하는 예술에 능하고 유연한 상상력과 능력을 소유하고 있습니다. 누구보다 잘하고, 부드러움과 매력으로 가득 찬 그의 그림에서 연기가 자욱한 색을 얻기 위해 동급생 Floris의 유쾌함, 가벼움 및 인상적을 박탈 당했지만 어쨌든 그는 뛰어난 마스터로 간주됩니다. .

위에서 언급한 플랑드르에 이탈리아 양식을 도입했다고 하는 마이클 콕슬렛은 인물을 포함해 모든 면에서 엄격하고 어떤 종류의 예술성과 엄격함이 가득한 것으로 플랑드르 예술가들 사이에서 매우 유명하다. 대신 언급될 Fleming Messer Domenico Lampsonio가 위에서 언급한 두 아티스트와 마지막 아티스트에 대해 논의할 때 각각 자신의 연주를 연주하는 아름다운 3성 음악 작품과 비교하는 것은 이유가 없습니다. 완벽하게 부분. 그중에서도 네덜란드 위트레흐트 출신의 천주교 국왕의 궁정화가 안토니오 모로가 높은 평가를 받고 있다. 그가 선택한 자연의 이미지에 대한 그의 채색은 자연 그 자체와 경쟁하며 가장 웅장하게 보는 이를 속인다고 한다. 앞서 언급한 Lampsonius는 나에게 가장 고상한 성품으로 구별되고 큰 사랑을 즐기는 모로가 두 천사와 성 베드로와 바울과 함께 부활하신 그리스도를 묘사하는 가장 아름다운 제단화를 그렸고 이것이 놀라운 일이라고 저에게 씁니다.

Martin de Vos는 좋은 아이디어와 좋은 채색으로도 유명하며 자연에서 훌륭하게 글을 씁니다. 가장 아름다운 풍경을 그리는 능력에 관해서는 내가 철저한 정보를 얻을 수 없었던 Jacob Grimer, Hans Bolz 및 다른 모든 앤트워프 공예의 거장들과 동등하지 않습니다. Pietro the Long이라는 별명을 가진 Pieter Aartsen은 그의 고향인 암스테르담에서 모든 문과 성모님과 다른 성인들의 이미지가 있는 제단화를 그렸습니다. 전체 비용은 2,000크라운입니다.

암스테르담의 램버트는 베니스에서 오랜 세월을 살면서 이탈리아 화풍을 아주 잘 익힌 훌륭한 화가로도 칭송받고 있다. 그는 우리 학자로서 그의 자리에서 언급될 Federigo의 아버지였습니다. 앤트워프 출신의 훌륭한 거장 Pieter Bruegel, 네덜란드 Hammerfoort 출신의 Lambert van Hort, 앞서 언급한 Francis의 형제인 훌륭한 건축가 Gilis Mostaert, 그리고 마지막으로 훌륭한 화가가 될 것을 약속하는 아주 어린 Peter Porbus도 알려져 있습니다. .

그리고 이 부분의 세밀화 작가에 대해 알아보기 위해 우리는 다음과 같은 사람들이 그들 사이에서 두드러졌다고 들었습니다: Zirksee의 Marino, Ghent의 Luca Gourembut, Bruges의 Simon Benich 및 Gerard, 그리고 여러 여성: 영국 왕 헨리 8세의 초청을 받아 평생 그곳에서 명예롭게 살았다. 겐트의 클라라 카이저(Clara Keyser)는 80세의 나이로 순결을 유지한 채 사망했다고 합니다. 의사 Seger 마스터의 딸 Anna; 앞서 언급 한 영국의 헨리에 의해 귀족과 결혼하고 엘리자베스 여왕이 그녀를 소중히 여기는 것처럼 메리 여왕에게 높이 평가 된 앞서 언급 한 브뤼헤의 시몬의 딸인 레비나; 마찬가지로 Gemsen의 Master Jan의 딸인 Katharina는 한마디로 헝가리 여왕 아래에서 보수가 좋은 서비스를 받기 위해 적시에 스페인으로 갔고이 지역의 다른 많은 사람들은 뛰어난 세밀화가였습니다.

색유리와 스테인드글라스에 관해서는, 이 지역에는 Nimwengen의 Art van Gort, Antwerp burgher Jacobe Felart, Kampen의 Dirk Stae, 앤트워프의 Jan Eyck과 같이 손으로 스테인드글라스 창문을 만든 장인들이 많이 있었습니다. 채플 세인트에서 브뤼셀 성 베드로 교회의 선물 Gudula, 그리고 여기 투스카니에서 피렌체 공작을 위해 그리고 Vasari의 그림에 따르면 융합 유리로 만든 가장 웅장한 스테인드 글라스 창은이 사업의 주인 인 Flemings Gualtver와 Giorgio가 만들었습니다.

건축과 조각에서 가장 유명한 Flemings는 Charles V와 나중에 Philip 왕을 위해 요새화 작업을 한 Utrecht의 Sebastian van Oye입니다. 앤트워프의 빌헬름; 훌륭한 건축가이자 조각가인 네덜란드의 Wilhelm Kukuur; Dale의 Jan, 조각가, 시인 및 건축가; 조각가이자 건축가인 Jacopo Bruna는 현재 통치 중인 헝가리 여왕을 위해 많은 일을 했으며, 우리가 조금 더 이야기할 학자인 Douai의 Giovanni Bologna의 교사였습니다.

Ghent의 Giovanni di Menneskeren도 훌륭한 건축가로 추앙받으며, 앤트워프 출신의 Matthias Mennemaken은 로마 왕 아래 있으며 마지막으로 앞서 언급한 Francis의 형제인 Cornelius Floris도 조각가이자 훌륭한 건축가입니다. 플랑드르에서 처음으로 그로테스크를 만드는 방법을 소개했습니다.

조각은 또한 가장 학식 있고 부지런한 조각가인 앞서 언급한 헨리의 형제인 빌헬름 팔리다모(Wilhelm Palidamo)라는 큰 영광을 안고 있습니다. Niemwegen의 Jan de Sart; Delft의 Simon과 암스테르담의 Jost Jason. 그리고 Liège의 Lambert Souave는 가장 뛰어난 건축가이자 끌로 조각하는 사람으로, Harlem의 Georg Robin, Divik Volokarts, Philippe Galle, Leiden의 Luke 등이 그 뒤를 따랐습니다. 그들은 모두 이탈리아에서 공부하고 그곳에서 고대 작품을 그렸지만 대부분이 그랬던 것처럼 훌륭한 장인이 되어 고향으로 돌아왔습니다.

그러나 위의 모든 것 중 가장 중요한 것은 위대한 과학자이자 지적인 화가이자 뛰어난 건축가이자 Francis Floris와 Wilhelm Kay의 교사 인 Liège의 Lambert Lombard였습니다. 가장 뛰어난 문학 교육을 받았고 모든 분야에 정통한 Liège의 Messer Domenico Lampsonio는 그가 살아있을 때 영국 폴로 추기경과 함께 있었고 현재 주교의 Monsignor-Prince of the City의 비서입니다. 이 Lambert와 다른 Liege의 높은 공로에 대한 그의 편지에서 나. 원래 라틴어로 쓰여진 Lambert의 삶을 나에게 보냈고이 지방의 많은 예술가를 대신하여 한 번 이상 절을 보낸 사람은 바로 그 사람이었습니다. 내가 그에게서 받아 1564년 10월 30일에 보낸 편지 중 하나는 다음과 같습니다.

“지난 4년 동안 저는 귀하로부터 받은 두 가지 가장 큰 축복에 대해 끊임없이 감사를 표할 것입니다. ). 물론 이것은 내가 정말로 당신을 몰랐다면 이상할 것입니다. 행운, 또는 오히려 주님이 나에게 그러한 자비를 보여서 그들이 내 손에 떨어졌을 때까지의 경우였습니다. 건축가, 화가, 조각가에 대한 당신의 가장 훌륭한 글. 그러나 그 당시 나는 이탈리아어를 한 마디도 몰랐지만 지금은 이탈리아를 본 적이 없지만 위에서 언급한 당신의 글을 읽음으로써 하느님 감사합니다. 당신에게 이 편지를 쓰세요. . 이 언어를 배우고자 하는 그러한 열망은 당신의 이 글에 의해 저에게 일어났습니다. 아마 다른 글로는 할 수 없었을 것입니다. 이 가장 아름다운 예술. , 그러나 무엇보다도 모든 성별, 연령 및 조건을 기쁘게하고 누구에게도 조금도 해를 끼치 지 않는 그림, 예술에 대한 것입니다. 그 당시에는 전혀 몰랐고 판단할 수도 없었지만, 지금은 선생님의 글을 꾸준히 반복해서 읽은 덕분에 그 지식이 아무리 보잘것없거나, 그럼에도 불구하고 거의 존재하지 않더라도 즐겁고 즐거운 삶을 살기에 충분하며 저는이 세상에 만 존재하는 모든 영예와 부보다이 예술을 소중하게 생각합니다. 그럼에도 불구하고이 사소한 지식은 너무 커서 어떤 mazilka보다 나쁘지 않은 유성 페인트를 사용하여 자연, 특히 알몸과 모든 종류의 옷을 묘사 할 수 있지만 감히 더 나아가는 것은 아닙니다. 풍경, 나무, 물, 구름, 오로라, 빛 등과 같이 확실하지 않고 경험이 풍부하고 확고한 손이 필요한 것을 그립니다. 아마도 이 독서를 통해 내가 어느 정도 진전을 이뤘다는 것을 보여주기 위해 필요할 것입니다. 그럼에도 불구하고 나는 위의 경계에 자신을 제한하고 초상화만 그렸습니다. 그리고 적어도 당신의 선행에 대한 나의 감사와 감사, 즉 당신 덕분에 가장 아름다운 언어를 배웠고 그림을 배웠다는 것을 적어도 당신에게 간증하기 위해 이 편지와 함께 작은 자기- 당신이 현재 피렌체에 있을 수도 있고 고향인 아레초에 있을 수도 있기 때문에 이 편지가 당신을 로마에서 찾을 수 있을지 의심의 여지가 없다면 거울에 비친 내 얼굴을 바라보며 그린 초상화.

또한 편지에는 사건과 관련되지 않은 모든 종류의 기타 세부 정보가 포함되어 있습니다. 다른 편지에서 그는 이 지역에 살고 있고 이 전기의 2차 인쇄에 대해 들은 많은 친절한 사람들을 대신하여 삽화가 포함된 조각, 회화 및 건축에 관한 세 가지 논문을 써달라고 부탁했습니다. Albrecht Dürer, Serlio 및 Leon Battista Alberti가 귀족이자 피렌체 학자인 Messer Cosimo Bartoli에 의해 이탈리아어로 번역된 것처럼 경우에 따라 이러한 예술의 별도 조항이 설명될 것입니다. 나는 기꺼이 그 일을 했을 것입니다. 그러나 나의 의도는 우리 예술가들의 삶과 작품을 묘사하는 것일 뿐, 회화, 건축, 조각의 예술을 드로잉을 통해 가르치려는 것은 결코 아니었습니다. 여러 가지 이유로 내 손에서 성장한 내 작업이 다른 논문 없이는 너무 길어질 것이라는 사실은 말할 것도 없습니다. 그러나 나는 내가 한 것과 다르게 행동할 수 없었고 그렇게 해서는 안 되었으며, 어떤 예술가의 합당한 칭찬과 영예를 박탈할 수도 없었고, 독자들이 이러한 나의 노력에서 얻을 수 있기를 바라는 즐거움과 혜택을 박탈할 수도 없었고 그렇게 해서도 안 되었습니다.

VI - 네덜란드 15세기

페트루스 크리스투스

페트루스 크리스투스. 그리스도의 탄생 (1452). 베를린 박물관.

15 세기 네덜란드 인의 작품은 분해 된 작품과 일반적으로 우리에게 내려온 샘플에 의해 소진되지 않았으며 한때이 작품은 생산성과 높은 기술면에서 정말 훌륭했습니다. 그러나 우리가 마음대로 사용할 수 있고 종종 주요 마스터의 예술을 약화시킨 2차 범주의 자료(그러나 고품질!)에서는 소수의 작품만이 관심을 끕니다. 풍경의 역사에; 나머지는 개인적인 느낌 없이 동일한 패턴을 반복합니다. 이 그림들 중에는 최근까지 얀 반 에이크의 제자로 여겨져 누구보다 그를 정말 많이 본받았던 페트루스 크리스투스(1420년경 출생, 1472년 브뤼헤에서 사망)의 작품이 눈에 띈다. 우리는 나중에 Christus를 만날 것입니다-그가 더 중요한 역할을하는 일상 회화의 역사를 공부할 때; 그러나 풍경에서도 그가 한 모든 일에는 다소 나른하고 생명이없는 그늘이 있지만 그는 특별한 관심을 기울일 가치가 있습니다. 완벽하게 아름다운 풍경은 브뤼셀 "주님의 몸에 대한 애도"의 인물 뒤에만 펼쳐집니다. 구분된 언덕의 경사; 바로 거기-작은 호수, 들판 사이로 구불 구불 한 길, 움푹 들어간 곳에 교회가있는 마을-이 모든 것이 맑은 아침 하늘 아래 있습니다. 그러나 불행하게도 이 그림이 그리스도에게 속한 것인지는 매우 의심스럽다.

휴고 반 데르 고스. 포르티나리 제단화(약 1470)의 오른쪽 날개 풍경, 피렌체 우피치 미술관

그러나 주의해야 할 점은 화가의 정통 그림에서 베를린 박물관아마도 가장 좋은 부분은 풍경입니다. 특히 "The Adoration of the Child"의 풍경이 매력적이다. 여기의 음영 프레임은 마치 자연에서 완전히 지워진 것처럼 바위가 많은 바위에 부착된 비참한 캐노피입니다. 이 "무대 뒤"와 검은 옷을 입은 신의 어머니, 요셉, 조산사 시빌, 두 언덕의 경사면 뒤에는 어린 나무 숲이 작은 녹색 계곡에 자리 잡고 있습니다. 숲 가장자리에서 양치기들은 그들 위로 날아가는 천사의 말을 듣습니다. 길은 그들을 지나 성벽으로 이어지고 그 가지는 왼쪽 언덕으로 기어 올라갑니다. 그곳에서 한 줄의 버드 나무 아래에서 자루를 들고 당나귀를 쫓는 농부를 볼 수 있습니다. 모든 것이 놀라운 세상과 함께 숨쉬고 있습니다. 그러나 본질적으로 묘사된 순간과 아무런 관련이 없음을 인정해야 합니다. 우리 앞에는 하루, 봄이 있습니다. 아무 의미도 없습니다. 크리스마스 분위기". "Flemal"에서 우리는 전체 구성에서 적어도 엄숙한 것과 12 월 네덜란드 아침을 묘사하려는 욕구를 봅니다. Christus에서는 모든 것이 목가적 인 은총으로 숨 쉬고 예술가가 주제를 완전히 파헤칠 수 없음을 느낍니다. 우리는 할 것입니다. Dare, Meire 및 수십 명의 이름없는 사람들과 같은 15 세기 중반의 다른 모든 마이너 마스터의 풍경에서 동일한 기능을 만납니다.

게르첸 세인트 얀스 "세례 요한의 유골 불태우기". 비엔나의 박물관.

그렇기 때문에 Hugo van der Goes의 가장 훌륭한 그림인 Portinari Altarpiece(Florence in the Uffitz)가 놀라운 이유는 예술가이자 시인이 네덜란드에서 처음으로 단호하고 일관된 방식으로 사이를 연결하기 위해 시도했기 때문입니다. 극적인 행동 자체의 분위기와 풍경 배경. 우리는 Dijon 그림 "Flemal"에서 비슷한 것을 보았지만 Hugo van der Goes는 부자 은행가 Portinari (Bruges of the Medici 무역 문제 대표)가 의뢰 한 그림 작업을 통해이 경험보다 얼마나 앞서 갔습니까? 피렌체로 보냅니다. Portinari 자신에서 Hus는 그가 사랑하는 Medici 예술가 인 Beato Angelico, Filippo Lippi, Baldovinetti의 그림을 보았을 가능성이 있습니다. 플로렌스에게 국내 예술의 우월성을 보여주려는 고귀한 야망이 그에게 말했을 수도 있습니다. 불행히도 우리는 그의 광기와 죽음에 대한 다소 상세한 (하지만 본질을 명확히하지는 않는) 이야기를 제외하고는 거스에 대해 아무것도 모릅니다. 그가 어디에서 왔는지, 그의 스승은 누구였는지, 심지어 그가 Portinari Altarpiece 외에 무엇을 썼는지, 이 모든 것이 미스터리로 남아 있습니다. 피렌체에서 그의 그림을 연구하더라도 한 가지만 분명합니다. 이것은 네덜란드 인에 대한 탁월한 열정, 영성, 그의 작품의 활력입니다. Goose에서는 Roger의 극적인 가소성과 van Eycks의 깊은 자연 감각이 하나의 불가분의 전체로 결합되었습니다. 여기에 그의 개인적인 특성이 추가되었습니다. 어떤 종류의 아름다운 애처로운 음표, 어떤 종류의 부드럽지만 결코 편안한 감상주의는 아닙니다.

회화의 역사에서 예술가의 영혼, 그녀의 경험의 모든 경이로운 복잡성이 그토록 빛을 발하는 그런 전율로 가득 찬 그림은 거의 없습니다. Hus가 세상에서 수도원으로 갔고 그곳에서 귀한 손님을 접대하고 그들과 함께 잔치를 벌이는 일종의 이상한 준 사교 생활을했으며 광기의 어둠이 그를 사로 잡았다는 사실을 우리는 몰랐습니다. "Portinari Altarpiece"는 저자의 병든 영혼, 신비로운 황홀경에 대한 그녀의 매력, 그녀의 가장 다양한 경험의 얽힘에 대해 알려줄 것입니다. 푸르스름하고 차가운 삼부작의 톤은 네덜란드 학교 전체에서 홀로 훌륭하고 매우 슬픈 음악처럼 들립니다.

15세기 네덜란드의 문화는 종교적이었지만 종교적 감정은 중세보다 더 큰 인간성과 개성을 띠었다. 이제부터 신성한 이미지는 숭배자에게 숭배뿐만 아니라 이해와 공감을 불러일으켰습니다. 예술에서 가장 흔한 것은 모든 사람이 잘 알고 이해할 수있는 걱정, 기쁨 및 고통과 함께 그리스도, 하나님의 어머니 및 성도의 지상 생활과 관련된 음모였습니다. 종교는 여전히 주된 자리를 차지했고 많은 사람들이 교회의 법에 따라 살았습니다. 카톨릭 교회를 위해 작성된 제단 구성은 고객이 사회에서 지배적 인 위치를 차지한 카톨릭 교회 였기 때문에 매우 일반적이었습니다. 종교 개혁 시대가 이어지면서 네덜란드를 카톨릭과 개신교의 두 전쟁 진영으로 나누었지만 신앙은 여전히 ​​남아있었습니다. 계몽주의에서만 크게 변경된 첫 번째 장소.

네덜란드 마을 사람들 중에는 예술인이 많았습니다. 화가, 조각가, 조각가, 보석상, 스테인드 글라스 제작자는 대장장이, 직조공, 도예가, 염색공, 유리세공공, 약사와 함께 다양한 작업장의 일부였습니다. 그러나 그 당시 "마스터"라는 칭호는 매우 명예로운 칭호로 간주되었으며 예술가는 다른 더 평범한 (현대인의 견해로는) 직업의 대표자보다 더 위엄있게 그것을 가지고 다녔습니다. 새로운 예술은 14세기 말 네덜란드에서 시작되었습니다. 타지에서 스승과 손님을 찾아 떠도는 유랑예술가의 시대였다. 네덜란드 거장들은 주로 조국과 오랜 문화적, 정치적 관계를 유지해 온 프랑스에 매력을 느꼈습니다. 오랫동안 네덜란드 예술가프랑스 인의 부지런한 학생 만 남았습니다. XIV 세기에 네덜란드 마스터의 주요 활동 센터는 Charles V the Wise (1364-1380)의 통치 기간 동안 파리 왕실 이었지만 이미 세기가 바뀌면서 두 형제의 법원이었습니다. King of France, Duke of Berry, Bourges, Philip the Brave, Duke of Burgundy, Dijon, 법원에서 Jan van Eyck이 오랫동안 일했습니다.

네덜란드 르네상스의 예술가들은 존재의 일반적인 패턴에 대한 합리주의적인 인식을 위해 노력하지 않았으며 과학적, 이론적 관심과 열정과는 거리가 멀었습니다. 고대 문화. 그러나 그들은 공간의 깊이, 빛으로 가득 찬 분위기, 물체의 구조와 표면의 가장 미세한 특징의 전달을 성공적으로 마스터하여 모든 세부 사항을 깊은 시적 영성으로 채웠습니다. 고딕 양식의 전통을 바탕으로 그들은 영적 세계의 구조에서 개인의 외모에 특별한 관심을 보였습니다. 15세기와 16세기 말 네덜란드 미술의 점진적인 발전. 현실 세계와 민속 생활에 대한 호소, 초상화의 개발, 일상 장르의 요소, 풍경, 정물, 민속 및 민속 이미지에 대한 관심 증가와 관련하여 르네상스 자체에서 원칙으로의 직접적인 전환이 촉진되었습니다. 예술 XVII세기.

그것은 XIV와 XV 세기였습니다. 제단 이미지의 기원과 발전을 설명합니다.

처음에 제단이라는 단어는 그리스인과 로마인이 두 개의 밀랍으로 덮인 공책 역할을 하는 함께 쓰는 판을 가리키는 데 사용되었습니다. 그들은 나무, 뼈 또는 금속이었습니다. 접힌 부분의 안쪽은 기록용으로, 바깥쪽은 다양한 종류의 장식으로 덮을 수 있습니다. 제단은 야외에서 신들에게 희생과 기도를 드리는 신성한 장소인 제단이라고도 불렸습니다. 전성기인 13세기에 고딕 예술제단 장벽으로 분리 된 사원의 전체 동쪽 부분은 제단이라고도 불리며 15 세기 정교회에서는 iconostasis라고 불 렸습니다. 움직일 수 있는 문이 있는 제단은 고딕 예술의 혁신인 사원 내부의 이데올로기적 중심이었습니다. 제단 구성은 성서 주제에 따라 가장 자주 작성되었으며 성도의 얼굴이있는 아이콘은 iconostases에 묘사되었습니다. Diptychs, Triptychs 및 polyptychs와 같은 제단 구성이있었습니다. diptych는 2개, triptych는 3개, polyptych는 공통 주제와 구성 디자인으로 연결된 5개 이상의 부품으로 구성되었습니다.

살아남은 문서에 따르면 Flemal 및 Merode Altarpiece의 마스터로도 알려진 네덜란드 화가 Robert Campin은 Tournai의 화가 Campin이 유명한 Rogier van der Weyden의 교사였습니다. Kampen의 가장 잘 알려진 생존 작품은 현재 프랑크푸르트 암 마인의 Städel Art Institute에 보관되어 있는 4개의 제단 조각입니다. 그들 중 세 개는 일반적으로 Flemal의 수도원에서 온 것으로 믿어지며 그 후 저자는 Flemal의 주인이라는 이름을 받았습니다. 이전에 Merode 백작 부인이 소유하고 벨기에의 Tongerloo에 위치한 삼부작은 예술가에게 Merode 제단의 주인이라는 또 다른 별명을 불러 일으켰습니다. 현재 이 제단은 메트로폴리탄 미술관(뉴욕)에 있습니다. Campin의 브러시는 또한 Dijon 박물관의 그리스도의 탄생, Prado에 보관 된 Verl Altarpiece의 두 날개 및 약 20 점의 그림에 속하며 일부는 큰 작품의 조각이거나 현대 사본입니다. 마스터에게 오랫동안 잃어버린 작품의.

Merode 제단화는 네덜란드 회화의 사실주의 발전, 특히 네덜란드 초상화 스타일의 구성에 특히 중요한 작품입니다.

이 삼부작에서 보는 사람의 눈앞에는 현대 도시의 주거지가 예술가에게 진정한 진정성으로 나타납니다. 수태 고지 장면을 포함하는 중앙 구성은 집의 주요 거실을 묘사합니다. 왼쪽 날개에는 현관 계단이 있는 돌담으로 울타리가 쳐진 안뜰과 집으로 이어지는 약간 열린 정문이 보입니다. 오른쪽 날개에는 주인의 목공 작업장이 있는 두 번째 방이 있습니다. 실제 삶의 인상을 예술적 이미지로 번역하면서 Flemal의 마스터가 갔던 길을 명확하게 보여줍니다. 의식적으로든 직관적으로든 이 작업은 그가 착수한 창작 행위의 주요 목표가 되었습니다. Flemal의 주인은 수태 고지 장면의 묘사와 마돈나를 숭배하는 경건한 고객의 모습을 묘사하는 것이 그의 주요 목표라고 생각했습니다. 그러나 결국 그것은 그림에 내재 된 구체적인 삶의 원리를 능가하여 한때 특정 국가, 특정 시대 및 특정 사회의 사람들을위한 살아있는 인간 현실의 이미지를 원초적인 신선함으로 우리 시대에 가져 왔습니다. 상태, 그들의 진정한 존재의 일상 생활. Flemal의 주인은 자신이 공유 한 동포 및 동료 시민의 관심과 심리학에서 전적으로이 작업을 진행했습니다. 분명히 사람들의 일상 환경에 주된 관심을 기울이고 사람을 물질 세계의 일부로 만들고 그의 삶에 수반되는 가정 용품과 거의 같은 수준에 두는 작가는 외부뿐만 아니라 그의 영웅의 심리적 모습.

이를 위한 수단은 현실의 특정 현상을 고착시키는 것과 함께 종교적 음모에 대한 특별한 해석이기도 했다. 일반적인 종교적 주제에 대한 작곡에서 Flemal의 마스터는 그러한 세부 사항을 소개하고 시청자의 상상력을 교회에서 승인 한 전통 전설의 해석에서 멀어지게하고 살아있는 현실에 대한 인식으로 안내하는 상징적 내용을 구현했습니다. 일부 그림에서 작가는 네덜란드 사회의 민주주의 계층에서 흔히 볼 수있는 비 정통적인 음모 해석이 제공된 종교적 외경 문학에서 빌린 전설을 재현했습니다. 이것은 Merode의 제단에서 가장 분명했습니다. 일반적으로 받아 들여지는 관습에서 벗어난 것은 수태 고지 장면에 요셉의 모습을 소개하는 것입니다. 여기서 작가가 이 캐릭터에 그렇게 많은 관심을 기울인 것은 우연이 아니다. Flemal 마스터의 생애 동안 Joseph 숭배는 엄청나게 성장하여 가족 도덕을 미화하는 데 기여했습니다. 이 복음 전설의 영웅에서 가사가 강조되었고, 그의 세상에 속한 것은 특정 직업의 장인이자 금욕의 모범인 남편으로 기록되었습니다. 겸손과 도덕적 순결로 가득 찬 단순한 목수의 이미지가 그 시대의 burgher 이상과 완전히 조화를 이루었습니다. Merode의 제단에서 예술가가 이미지의 숨겨진 의미를 지휘자로 만든 것은 Joseph이었습니다.

사람들 자신과 환경의 대상에 구체화 된 노동의 열매는 모두 신성한 원리의 전달자 역할을했습니다. 작가가 표현한 범신론은 공식적인 교회 종교성에 적대적이었고 모든 직업의 신성함을 인정하는 칼빈주의라는 16세기 초에 퍼진 새로운 종교적 교리의 일부 요소를 예상하면서 그것을 부정하는 길에 놓여 있었다. 인생에서. Flemal의 스승의 그림에는 위에서 언급한 "Devotio moderna" 가르침의 이상에 가까운 "의로운 일상 생활"의 정신이 스며들어 있음을 쉽게 알 수 있습니다.

이 모든 것 뒤에는 새로운 사람의 이미지가 서있었습니다. 완전히 독창적 인 영적 창고를 가진 도시 거주자 인 burgher는 취향과 필요를 명확하게 표현했습니다. 이 남자를 특징짓기 위해, 그가 그의 영웅들의 모습을 보여주면서 그의 전임자들의 세밀화가들보다 개인의 표현력을 더 많이 표현하는 것만으로는 충분하지 않았습니다. 이 문제에 적극적으로 참여하기 위해 그는 사람과 함께하는 물질적 환경에 매료되었습니다. Master of Flemal의 영웅은 참나무 판자, 금속 브래킷과 고리가있는 문, 구리 냄비와 토기 주전자, 나무 셔터가 달린 창문, 난로 위의 거대한 캐노피에서 함께 두드린이 모든 테이블, 의자 및 벤치 없이는 이해할 수 없을 것입니다. 캐릭터를 특징 짓는 데 중요한 점은 방의 창문을 통해 고향의 거리를 볼 수 있고 집 문지방에서 풀 다발과 겸손하고 순진한 꽃이 자란다는 것입니다. 이 모든 것에는 묘사 된 집에 사는 사람의 영혼의 일부가 구체화 된 것 같았습니다. 사람과 사물이 산다 평범한 삶그리고 같은 재료로 만들어진 것처럼; 방의 소유자는 자신이 소유한 물건만큼 단순하고 "강력하게 결합"됩니다. 두터운 주름이 떨어지는 질 좋은 천 옷을 입은 못생긴 남녀들이다. 그들은 차분하고 진지하며 집중된 얼굴을 가지고 있습니다. Merode의 제단에있는 수태 고지 실 문 앞에 무릎을 꿇고있는 고객, 남편과 아내입니다. 그들은 창고, 상점, 작업장을 떠나 경건에 대한 빚을 갚기 위해 바로 그 거리와 안뜰의 열린 문 뒤에 보이는 집에서 바쁘게 왔습니다. 그들의 내면 세계는 온전하고 흔들리지 않으며, 그들의 생각은 세속적인 일에 집중되어 있으며, 그들의 기도는 구체적이고 진지합니다. 이 그림은 Flemal의 스승의 해석에서 선함과 도덕적 순결의 아우라로 둘러싸인 인간의 일상 생활과 인간 노동을 미화합니다.

전통적인 관습에 따라 외형이 결정되는 종교적 전설의 인물들에게도 인간의 성격의 유사한 징후를 부여하는 것이 가능하다는 것을 작가가 찾은 것이 특징입니다. Flemal의 주인은 오랫동안 네덜란드 그림에 남아 있던 "버거 마돈나"유형의 저자였습니다. 그의 마돈나는 아늑하고 가정적인 분위기로 둘러싸인 도둑 집의 평범한 방에 살고 있습니다. 그녀는 벽난로 나 나무 테이블 근처의 참나무 벤치에 앉아 외모의 단순함과 인간성을 강조하는 모든 종류의 가정 용품으로 둘러싸여 있습니다. 그녀의 얼굴은 차분하고 깨끗하며 눈은 낮아지고 책이나 무릎에 누워있는 아기를 봅니다. 이 이미지에서 영적 사상 분야와의 연결은 인간의 본성만큼 강조되지 않습니다. 그는 감정과 심리에 반응하는 집중되고 명확한 경건함으로 가득 차 있습니다. 일반 사람그 당시 (Merode 제단의 "수태 고지"장면의 마돈나, "방의 마돈나", "벽난로 옆의 마돈나"). 이러한 예는 Flemal의 마스터가 전송을 강력하게 거부했음을 보여줍니다. 예술적 수단실생활 영역에서 경건한 사람의 이미지 제거를 요구하는 종교적 사상; 그의 작품에서 사람은 지구에서 상상의 영역으로 옮겨지지 않았지만 종교적 인물은 지구로 내려와 진정한 독창성으로 현대 인간의 일상 생활에 뛰어 들었습니다. 예술가의 붓 아래 인간의 모습은 일종의 완전성을 얻었습니다. 그의 영적 분열의 징후를 약화시켰다. 이것은 캐릭터의 심리적 상태의 조화에 의해 크게 촉진되었습니다. 줄거리 그림그들을 둘러싼 물질적 환경, 개별 캐릭터의 표정과 몸짓의 본질 사이의 불일치 부족.

많은 경우에 Flemal의 마스터는 전통적인 패턴에 따라 영웅의 옷 주름을 배열했지만 그의 브러시 아래에서 직물의 파손은 순전히 장식적인 성격을 가졌습니다. 예를 들어 Mary의 옷 주름과 같이 옷 소유자의 감정적 특성과 관련된 의미 론적 부하가 할당되지 않았습니다. 성 베드로의 모습을 감싸고 있는 주름의 위치 Jacob의 넓은 망토는 그 아래에 숨겨진 인체의 모양과 무엇보다 무거운 천의 가장자리가 던져지는 왼손의 위치에 전적으로 의존합니다. 평소와 같이 그 사람 자신과 그에게 입힌 옷은 모두 분명한 물질적 무게를 가지고 있습니다. 이것은 순전히 사실적인 방법으로 개발된 조형 형태의 모델링뿐만 아니라 인간 형상과 건축적 틈새에서의 위치에 의해 결정되는 그림에서 할당된 공간 사이의 새로 해결된 관계에 의해 제공됩니다. 비록 잘못 지어졌음에도 불구하고 명확하게 인지할 수 있는 틈새에 조각상을 배치함으로써 예술가는 동시에 인간의 모습을 건축 형태와 독립적으로 만들 수 있었습니다. 틈새 시장과 시각적으로 분리되어 있습니다. 후자의 깊이는 chiaroscuro에 의해 적극적으로 강조됩니다. 그림자가 밝은 벽에 떨어지는 동안 그림의 조명면은 틈새의 음영 처리 된 측면 벽의 배경에 대해 부조로 두드러집니다. 이러한 모든 기술 덕분에 그림에 묘사된 사람은 사변적 범주와 관련 없는 외모로 압도적이고 물질적이며 통합적인 것처럼 보입니다.

동일한 목표의 달성은 그의 작품에서 이전의 장식-추상적 특성을 잃고 조형 형태를 구성하는 실제 자연 법칙을 준수한 Flemal과 Master를 구별하는 선에 대한 새로운 이해에 의해 제공되었습니다. 세인트의 얼굴 Jacob은 Sluterian 예언자 Moses의 특징에 내재 된 표현력의 정서적 힘이 없었지만 새로운 퀘스트의 특징도 그에게서 발견되었습니다. 노성자의 이미지는 충분히 개별화되어 있지만, 자연주의적 환상적 성격이 아니라 오히려 일반화하는 유형화의 요소가 있다.

Merode 제단을 처음 보면 무한한 깊이, 안정성, 무결성 및 완전성과 같은 일상 현실의 모든 기본 속성을 가진 그림의 공간 세계 안에 있다는 느낌을받습니다. 국제 고딕 예술가들은 가장 대담한 작품에서도 그러한 구성의 논리적 구성을 달성하기 위해 노력하지 않았으므로 그들이 묘사 한 현실은 신뢰성면에서 다르지 않았습니다. 그들의 작품에는 동화에서 나온 것이 있습니다. 여기서 사물의 규모와 상대적 위치는 임의로 바뀔 수 있으며 현실과 허구는 조화로운 전체로 결합됩니다. 이 예술가들과 달리 Flemal 마스터는 자신의 작품에서 감히 진실과 진실만을 묘사했습니다. 이것은 그에게 쉽지 않았습니다. 그의 작품에서 시선의 전달에 지나치게 신경을 쓴 오브제들이 점유된 공간에 밀집되어 있는 것 같다. 그러나 작가는 최대한의 구체성을 위해 노력하면서 놀라운 인내로 가장 작은 세부 사항을 작성합니다. 각 개체에는 고유 한 모양, 크기, 색상, 재료, 질감, 탄성 정도 및 빛을 반사하는 능력 만 부여됩니다. 작가는 부드러운 그림자를 주는 조명과 두 개의 둥근 창에서 흘러나오는 직접적인 빛의 차이까지 전달하여 삼부작의 상단 중앙 패널에 선명하게 윤곽이 잡힌 두 개의 그림자와 구리 용기와 촛대에 두 개의 반사가 나타납니다.

Flemal 마스터는 "숨겨진 상징주의"라는 방법을 사용하여 신비로운 사건을 상징적 환경에서 일상 환경으로 옮겨 진부하고 우스꽝스럽게 보이지 않도록 관리했습니다. 그 본질은 그림의 거의 모든 세부 사항이 상징적 의미를 가질 수 있다는 사실에 있습니다. 예를 들어, 왼쪽 날개의 꽃과 삼부작의 중앙 패널은 성모 마리아와 관련이 있습니다. 장미는 그녀의 사랑을, 제비꽃은 그녀의 겸손을, 백합은 순결을 나타냅니다. 광택이 나는 중절모와 수건은 단순한 가정용품이 아니라 성모 마리아가 “가장 순수한 그릇”이자 “생수의 근원”임을 상기시켜 주는 상징물입니다.

예술가의 후원자들은 이러한 확립된 상징의 의미를 잘 이해하고 있었을 것입니다. 삼부작에는 중세 상징주의의 모든 풍부함이 포함되어 있지만 일상 생활의 세계에 너무 밀접하게 짜여져있어 이것이 또는 저 세부 사항에 상징적 해석이 필요한지 판단하기 어려운 경우가 있습니다. 아마도 이런 종류의 가장 흥미로운 상징은 백합 꽃병 옆에 있는 양초일 것입니다. 빛나는 심지와 휘감는 연무로 판단할 수 있듯이 방금 꺼졌습니다. 그런데 왜 대낮에 불을 붙였고, 왜 불꽃은 꺼졌을까? 물질 세계의 이 입자의 빛이 지극히 높으신 분의 임재에서 나오는 신성한 빛을 견딜 수 없었을까요? 아니면 하느님께서 사람이 되셨고 그리스도 안에서 “말씀이 육신이 되셨다”는 것을 보여주기 위해 꺼진 신성한 빛을 나타내는 촛불의 불꽃일까요? 또한 작은 상자처럼 보이는 두 개의 물체도 신비합니다. 하나는 Joseph의 작업대에 있고 다른 하나는 열린 창 밖의 선반에 있습니다. 이들은 쥐덫이며 특정 신학 메시지를 전달하기 위한 것으로 여겨집니다. 축복받은 어거스틴에 따르면, 하나님은 사탄을 속이기 위해 인간의 모습으로 지상에 나타나야했습니다. "그리스도의 십자가는 사탄의 쥐덫이었습니다."

꺼진 양초와 쥐덫은 특이한 상징입니다. 그들은 Flemal 마스터에 의해 미술에 소개되었습니다. 아마도 그는 뛰어난 학식을 가진 사람이거나 신학자 및 다른 과학자들과 의사 소통하여 일상적인 물건의 상징에 대해 배웠습니다. 그는 중세 미술의 상징적 전통을 새로운 사실적 경향의 틀 안에서 이어갔을 뿐만 아니라 그의 작품으로 그것을 확장하고 풍요롭게 했다.

그가 그의 작품에서 사실주의와 상징주의라는 완전히 반대되는 두 가지 목표를 동시에 추구한 이유를 아는 것이 흥미 롭습니다. 분명히 그들은 그를 위해 상호 의존적이었고 충돌하지 않았습니다. 작가는 일상의 현실을 묘사하기 위해서는 가능한 한 그것을 "영성화"하는 것이 필요하다고 믿었다. 신성한 진리를 반영한 ​​물질 세계에 대한 이러한 깊이 존경하는 태도는 주인이 주인공과 마찬가지로 삼부작의 가장 작고 거의 눈에 띄지 않는 세부 사항에 동일한 세심한 관심을 기울인 이유를 더 쉽게 이해합니다. 적어도 숨겨진 형태로 여기에 있는 모든 것은 상징적이므로 가장 주의 깊게 연구할 가치가 있습니다. Flemalsky 마스터와 그의 추종자들의 작품에 숨겨진 상징주의는 새로운 사실적 기반 위에 겹쳐진 외부 장치일 뿐만 아니라 전체 창작 과정의 필수적인 부분이었습니다. 그들의 이탈리아 동시대인들은 플랑드르 거장들의 놀라운 사실주의와 "경건함"을 모두 높이 평가했기 때문에 이것을 잘 느꼈습니다.

캉팽의 작품은 그의 젊은 동시대 작가인 얀 반 에이크의 작품보다 더 구식이지만, 종교적 주제에 대한 일상적인 해석에서 민주적이고 때로는 단순합니다. Robert Campin은 그의 학생 Rogier van der Weyden을 포함하여 이후의 네덜란드 화가들에게 강한 영향을 미쳤습니다. Campin은 또한 유럽 회화의 최초의 초상화 화가 중 한 명이었습니다.

겐트 제단.

플랑드르의 옛 수도였던 겐트는 과거의 영광과 권력을 기억하고 있습니다. 겐트에서 많은 뛰어난 문화 기념물, 그러나 오랫동안 사람들은 네덜란드의 가장 위대한 화가 Jan van Eyck의 걸작인 Ghent Altarpiece에 매료되었습니다. 500여 년 전인 1432년에 이 우리가 성 베드로 교회에 옮겨졌습니다. John (현재 St. Bavo 대성당)과 Jos Feyd 예배당에 설치되었습니다. 겐트에서 가장 부유한 주민 중 한 사람이자 후에 시장이 된 조스 페이드는 가족 예배당을 위한 제단을 의뢰했습니다.

미술사학자들은 두 형제(Jan과 Hubert van Eyck) 중 누가 연주했는지 알아내기 위해 많은 노력을 기울였습니다. 주연제단을 쌓는 중. 라틴어 비문에는 Hubert가 시작했고 Jan van Eyck이 끝냈다고 나와 있습니다. 그러나 형제의 그림 필체의 차이는 아직 확립되지 않았으며 일부 과학자는 Hubert van Eyck의 존재를 부정합니다. 제단의 예술적 통일성과 완전성은 그것이 Jan van Eyck만이 될 수 있는 한 작가의 손에 속한다는 것은 의심의 여지가 없습니다. 그러나 대성당 근처의 기념비에는 두 예술가가 묘사되어 있습니다. 녹색 녹청으로 덮인 두 개의 청동상이 조용히 주변의 번잡함을 관찰합니다.

Ghent Altarpiece는 12개의 부품으로 구성된 대형 폴립티치입니다. 높이는 약 3.5m, 펼쳤을 때의 너비는 약 5m입니다. 예술사에서 겐트 제단화는 독창적인 현상 중 하나이며, 창의적인 천재의 놀라운 현상입니다. 순수한 형태의 단일 정의는 겐트 제단에 적용할 수 없습니다. Jan van Eyck은 Lorenzo the Magnificent 시대의 피렌체를 다소 연상시키는 시대의 전성기를 볼 수있었습니다. 저자가 생각한대로 제단은 세상, 신, 인간에 대한 개념의 포괄적 인 그림을 제공합니다. 그러나 중세 보편주의는 상징적 성격을 잃고 구체적이고 세속적인 내용으로 가득 차 있습니다. 제단이 닫혀 있던 평상시, 공휴일이 아닌 날에 보이는 측면 날개 바깥쪽의 그림은 특히 그 생명력이 인상적이다. 다음은 기증자의 수치입니다-진짜 사람, 예술가의 동시대 사람. 이 수치는 Jan van Eyck의 작품에서 초상화 예술의 첫 번째 예입니다. 절제되고 정중한 포즈, 기도하는 마음으로 접은 손은 인물에게 약간의 뻣뻣함을 줍니다. 그러나 이것은 예술가가 놀라운 삶의 진실과 이미지의 무결성을 달성하는 것을 방해하지 않습니다.

일일주기 그림의 맨 아래 줄에는 단단하고 차분한 사람인 Jodocus Veidt가 묘사되어 있습니다. 소유자의 지급 능력을 나타내는 방대한 지갑이 그의 벨트에 매달려 있습니다. Veidt의 얼굴은 독특합니다. 작가는 모든 주름, 뺨의 모든 정맥, 듬성듬성 짧게 자른 머리, 관자놀이에 부은 정맥, 사마귀로 주름진 이마, 살찐 턱을 전달합니다. 귀의 개별 모양조차도 눈에 띄지 않았습니다. Veidt의 작고 부은 눈은 믿기지 않고 찾고 있습니다. 그들은 많은 인생 경험을 가지고 있습니다. 똑같이 표현력이 풍부한 것은 고객의 아내의 모습입니다. 오므린 입술을 가진 길고 가는 얼굴은 차갑고 엄숙함과 경건함을 표현합니다.

Jodocus Veidt와 그의 아내는 경건함과 신중한 실용성을 결합한 전형적인 네덜란드 시민입니다. 그들이 입는 엄격함과 경건함의 가면 아래에는 삶에 대한 냉정한 태도와 활동적이고 사업적인 성격이 숨겨져 있습니다. burgher 클래스에 속하는 그들의 소속은 매우 날카롭게 표현되어 이러한 초상화는 제단에 독특한 시대의 풍미를 가져옵니다. 기증자의 모습은 그림 앞에 서있는 시청자가있는 현실 세계와 제단에 묘사 된 세계를 그대로 연결합니다. 작가는 서서히 우리를 땅의 영역에서 하늘의 영역으로 옮겨가며 점차 그의 서사를 발전시킨다. 무릎을 꿇은 기부자들은 성 요한의 모습으로 향합니다. 이들은 성도 자신이 아니라 사람들이 돌로 조각한 그들의 형상입니다.

수태 고지 장면은 제단 바깥 부분의 주요 장면이며 그리스도의 탄생과 기독교의 출현을 알립니다. 바깥 쪽 날개에 묘사 된 모든 캐릭터는 그것에 종속됩니다. 메시아의 출현을 예언 한 선지자와 시빌, 둘 다 Johns : 하나는 그리스도에게 침례를주고 다른 하나는 그의 지상 생활을 묘사했습니다. 겸손하고 경건하게 기도하는 기부자(제단 고객의 초상화). 진행되고 있는 일의 본질에는 사건에 대한 은밀한 불길한 예감이 있습니다. 그러나 수태 고지 장면은 도둑의 집의 실제 방에서 이루어지며 열린 벽과 창문 덕분에 사물은 색과 무거움을 가지고 있으며 그 의미는 외부로 널리 퍼집니다. 세상은 일어나고 있는 일에 관여하게 되고 이 세상은 매우 구체적입니다. 창문 밖에서는 전형적인 플랑드르 마을의 집을 볼 수 있습니다. 제단 바깥쪽 날개의 문자에는 살아있는 생생한 색상이 없습니다. 마리아와 대천사 가브리엘은 거의 단색으로 칠해져 있습니다.

작가는 실생활의 장면, 죄 많은 지구와 관련된 인물 및 사물에만 색상을 부여했습니다. 그럼에도 불구하고 프레임에 의해 네 부분으로 나누어진 수태 고지 장면은 하나의 전체를 구성합니다. 구성의 통일성은 행동이 일어나는 내부의 정확한 관점 구성 때문입니다. Jan van Eyck은 공간 묘사의 명확성에서 Robert Campin을 훨씬 능가했습니다. Campin ( "Merode Altarpiece")의 유사한 장면에서 관찰 한 사물과 인물의 더미 대신 Jan van Eyck의 그림은 공간의 엄격한 질서, 세부 사항 분포의 조화 감각으로 매료됩니다. 작가는 빛과 공기로 가득 찬 빈 공간의 이미지를 두려워하지 않으며, 인물들은 무거운 투박함을 버리고 자연스러운 움직임과 포즈를 취한다. Jan van Eyck이 외부 문만 썼다면 이미 기적을 행했을 것 같습니다. 그러나 이것은 전주곡에 불과합니다. 일상 생활의 기적 후에 축제의 기적이옵니다. 제단의 문이 열립니다. 매일의 모든 것 - 붐비는 관광객들 - 얀 반 에이크의 기적 앞에서, 황금 시대의 겐트로 향하는 열린 창문 앞에서 물러납니다. 열린 제단은 태양 광선에 빛나는 보석으로 가득 찬 상자처럼 눈부시게 빛납니다. 모든 다양성에서 울리는 밝은 색상은 존재의 가치에 대한 즐거운 긍정을 표현합니다. Flanders가 결코 알지 못했던 태양이 제단에서 쏟아집니다. Van Eyck은 자연이 그의 고향을 빼앗긴 것을 만들었습니다. 이탈리아조차도 여기에서 최대 강도를 발견하는 모든 색상, 모든 음영이 그렇게 끓는 것을 보지 못했습니다.

윗줄 중앙에는 불타는 붉은 망토를 입은 창조주-전능자-만군의 신의 거대한 인물이 왕좌에 올라 있습니다. 성모 마리아의 이미지는 아름답고 손에 성경을 들고 있습니다. 독서하는 신의 어머니는 그림에서 눈에 띄는 현상입니다. 세례 요한의 모습은 상위 계층의 중앙 그룹 구성을 완성합니다. 제단의 중앙 부분은 오른쪽에 천사 그룹이 있고 왼쪽에는 악기를 연주하는 노래하는 천사가 있습니다. 제단은 음악으로 가득 찬 것 같고 각 천사의 음성이 들리므로 눈과 입술의 움직임에서 분명히 볼 수 있습니다.

낯선 사람처럼 벌거 벗고 추하고 이미 중년의 조상 아담과 이브는 신성한 저주의 짐을 짊어지고 낙원 꽃차례로 빛나며 우리에 들어갑니다. 그것들은 가치의 계층 구조에서 부차적인 것으로 보입니다. 기독교 신화의 최고 인물에 근접한 사람들의 이미지는 당시 대담하고 예상치 못한 현상이었습니다.

제단의 중심은 가운데 아래쪽 그림으로, 그 이름은 "어린 양의 경배"라는 전체 우리에 주어집니다. 전통적인 장면에서 슬픈 것은 없습니다. 중앙에는 자주색 제단 위에 흰 양이 있는데 가슴에서 피가 황금 잔으로 흐르고 그리스도의 의인화와 인류 구원의 이름으로 희생되었습니다. 비문: Ecce agnus dei qvi tollit peccata mindi(보라 세상 죄를 짊어진 하나님의 어린 양이로다). 아래에는 기독교 신앙의 상징인 생수의 근원이 있습니다. (Apocalypse, 22, I).

무릎을 꿇은 천사들이 제단을 둘러싸고 있으며 성도, 의인, 의인이 사방에서 접근합니다. 오른쪽에는 바울과 바나바가 이끄는 사도들이 있습니다. 오른쪽에는 교황, 주교, 대 수도 원장, 7 명의 추기경 및 다양한 성인과 같은 교회 목사들이 있습니다. 후자 중에는 St. 전설에 따르면 스테파노는 돌로 때렸다고 한다. Livin -혀가 찢어진 겐트시의 왕좌.

왼쪽에는 구약성서에 나오는 인물들과 교회가 용서한 이교도들이 있습니다. 책을 손에 든 선지자, 철학자, 현자-교회 가르침에 따라 그리스도의 탄생을 예언 한 모든 사람. 여기 고대 시인 Virgil과 Dante가 있습니다. 왼쪽 깊이에는 순교의 상징 인 종려 나무 가지가있는 거룩한 순교자와 거룩한 아내 (오른쪽)의 행렬이 있습니다. 올바른 행렬의 선두에는 Saints Agnes, Barbara, Dorothea 및 Ursula가 있습니다.

지평선에 있는 도시는 하늘에 있는 예루살렘입니다. 그러나 그의 건물 중 많은 부분이 실제 건물과 비슷합니다. 쾰른 대성당, 성 베드로 교회 등이 있습니다. Maastricht의 Martin, Bruges 및 기타의 망루. 어린 양의 숭배 장면에 인접한 측면 패널에는 오른쪽에 은둔자와 순례자가 있습니다. 손에 지팡이가 달린 긴 옷을 입은 노인입니다. 은둔자들은 성 베드로가 인도합니다. 안토니오와 세인트. 폴. 그들 뒤에 깊은 곳에서 막달라 마리아와 이집트의 마리아가 보입니다. 순례자들 사이에서 성 베드로의 강력한 인물은 크리스토퍼. 그 옆에는 아마도 St. 모자에 조개껍데기가 달린 이오도쿠스.

성경의 전설은 플랑드르의 휴일에 펼쳐지는 민속 미스터리가되었습니다. 그러나 Flanders는 여기에서 비현실적입니다. 낮고 안개가 자욱한 나라입니다. 사진은 한낮의 빛, 에메랄드 그린입니다. 플랑드르 도시의 교회와 탑은 이 약속된 가상의 땅으로 이전되었습니다. 이국적인 의상의 고급스러움, 장신구의 광채, 남쪽의 태양, 유례없이 밝은 색상을 선사하는 반 에이크의 땅으로 세계가 몰려듭니다.

대표되는 식물 종의 수는 매우 다양합니다. 예술가는 진정한 백과 사전 교육, 다양한 대상 및 현상에 대한 지식을 가졌습니다. 고딕 양식의 대성당에서 식물의 바다에 빠진 작은 꽃까지.

다섯 개의 날개는 모두 공간과 시간에 걸쳐 펼쳐지는 단일 행동의 이미지로 채워져 있습니다. 우리는 제단을 숭배하는 사람들뿐만 아니라 말을 타고 걸어서 예배 장소로 모이는 붐비는 행렬도 봅니다. 작가는 서로 다른 시대와 국가의 군중을 그렸지만, 그 덩어리에 녹아들지 않고, 인간의 개성을 비인격화하지 않는다.

겐트 제단화의 전기는 극적입니다. 500년이 넘는 기간 동안 제단은 한 번 이상 겐트에서 반복적으로 복원되고 제거되었습니다. 그래서 16세기에 유명한 위트레흐트 화가 Jan van Scorel에 의해 복원되었습니다.

그 후인 1432년부터 제단은 성 베드로 교회에 안치되었습니다. 세례 요한은 나중에 성 베드로 대성당으로 이름을 바꾸었습니다. 겐트의 Bavo. 그는 원래 지하실에 있었고 천장이 매우 낮은 Jodocus Veidt의 가족 예배당에 서있었습니다. 세인트 채플 현재 제단이 전시되어 있는 전도자 요한은 지하실 위에 있습니다.

16세기에 겐트 제단은 인습타파파의 야만적인 광신주의로부터 숨겨졌습니다. 아담과 이브를 묘사한 외부 문은 1781년 인물의 벌거벗은 모습에 당황한 황제 요제프 2세의 명령에 의해 제거되었습니다. 그들은 조상들에게 가죽 앞치마를 입힌 16 세기 예술가 Mikhail Koksi의 사본으로 대체되었습니다. 1794년 벨기에를 점령한 프랑스군은 네 개의 중앙 그림을 파리로 가져갔다. 시청에 숨겨진 제단의 나머지 부분은 겐트에 남아있었습니다. 나폴레옹 제국이 무너진 후 수출된 그림들은 고국으로 돌아와 1816년에 재결합되었습니다. 그러나 거의 동시에 그들은 한 컬렉션에서 다른 컬렉션으로 오랫동안 전달되어 마침내 1821 년에 베를린에 도착한 옆문을 팔았습니다. 제1차 세계 대전 후 베르사유 조약에 따라 겐트 제단의 모든 날개는 겐트로 반환되었습니다.

1934년 4월 11일 밤 성 베드로 교회에서 절도가 있었습니다. 도둑들은 재판관을 묘사한 새시를 가져갔습니다. 오늘날까지 사라진 그림을 찾을 수 없었고 지금은 좋은 사본으로 대체되었습니다.

제2차 세계 대전이 발발하자 벨기에인들은 저장을 위해 제단을 프랑스 남부로 보냈고, 그곳에서 나치는 제단을 독일로 옮겼습니다. 1945년에 이 제단은 오스트리아 잘츠부르크 근처의 소금 광산에서 발견되어 다시 겐트로 옮겨졌습니다.

제단 상태에서 요구하는 복잡한 복원 작업을 수행하기 위해 1950-1951 년에 복잡한 연구 및 복원 작업이 수행되는 지도력하에 가장 큰 복원가 및 미술사 학자로 구성된 특별위원회가 구성되었습니다. : 미세화학적 분석을 이용하여 도료의 조성을 연구하고, 자외선, 적외선 X-선 작가의 변형 및 타인의 도료층을 결정한다. 그런 다음 나중에 제단의 많은 부분에서 기록을 제거하고 페인트 층을 강화하고 오염 된 영역을 청소 한 후 제단이 다시 모든 색상으로 빛났습니다.

겐트 제단화의 위대한 예술적 중요성과 영적 가치는 반 에이크의 동시대인과 그 이후 세대에 의해 이해되었습니다.

Jan van Eyck은 Robert Campin과 함께 르네상스 예술의 창시자로서 중세 금욕주의적 사고의 거부, 예술가의 현실화, 자연과 인간의 진정한 가치와 아름다움의 발견을 표시했습니다.

Jan van Eyck의 작품은 풍부한 색상, 세심하고 거의 주얼리 디테일, 통합 구성의 자신감 있는 구성으로 구별됩니다. 전통은 화가의 이름과 유화 기술의 개선과 관련이 있습니다. 얇고 투명한 페인트 층을 반복적으로 적용하여 각 색상의 강도를 높일 수 있습니다.

중세 예술의 전통을 극복한 얀 반 에이크는 삶의 객관적인 재현을 위해 노력하면서 현실의 살아있는 준수에 의존했습니다. 작가는 사람의 이미지에 특별한 중요성을 부여하고 그의 그림에서 각 캐릭터의 독특한 모습을 전달하려고 노력했습니다. 그는 객관적인 세계의 구조를 면밀히 연구하여 각 사물, 풍경 또는 실내 환경의 특징을 포착했습니다.

Hieronymus Bosch의 제단 구성.

15세기 말경이었다. 어려운 시기가 왔습니다. 네덜란드의 새로운 통치자인 대담한 샤를과 막시밀리안 1세는 백성들에게 불과 칼을 들고 왕좌에 복종하도록 강요했습니다. 반항적 인 마을은 땅에 불에 탔고, 반군이 4 등분 된 교수대와 바퀴가 도처에 나타났습니다. 예, 종교 재판은 졸지 않았습니다. 모닥불의 불꽃 속에서 적어도 어떤 식 으로든 강력한 교회에 동의하지 않는 이단자들은 산 채로 불에 탔습니다. 범죄자와 이단자에 대한 공개 처형과 고문은 네덜란드 도시의 중앙 시장 광장에서 이루어졌습니다. 사람들이 세상의 종말에 대해 이야기하기 시작한 것은 우연이 아닙니다. 과학자 신학자들은 마지막 심판의 정확한 날짜를 1505년이라고 부르기도 했습니다. 피렌체에서 대중은 인간의 죄에 대한 보복의 임박함을 예고하는 사보나롤라의 광적인 설교에 열광했고, 유럽 북부에서는 이단 설교자들이 기독교의 기원으로 돌아갈 것을 촉구했습니다. 사람들은 끔찍한 지옥의 고통에 직면할 것입니다.

이러한 분위기는 예술에 반영되지 않을 수 없습니다. 그래서 위대한 Dürer는 Apocalypse를 주제로 일련의 판화를 만들고 Botticelli는 미친 지옥의 세계를 그리는 Dante를 설명합니다.

유럽 ​​전역에서 단테의 신곡과 성 요한 계시록을 읽습니다. John"(Apocalypse)과 XII 세기에 등장한 책 "Vision of Tundgal"은 아일랜드 왕 Tundgal이 지하 세계를 통한 사후 여행에 대해 쓴 것으로 추정됩니다. 1484년에 이 책은 's-Hertogenbosch'에서도 출판되었습니다. 물론 그녀는 Bosch의 집에도 도착했습니다. 그는이 우울한 중세 작품을 읽고 다시 읽으며 점차 지옥의 이미지, 지하 세계 주민들의 이미지가 그의 마음에서 등장 인물을 몰아냅니다. 일상 생활, 그의 어리 석고 불량한 동포. 그래서 보쉬는 이 책을 읽고 나서야 지옥이라는 주제로 눈을 돌리기 시작했다.

따라서 중세 작가에 따르면 지옥은 여러 부분으로 나뉘며 각 부분은 특정 죄에 대해 처벌됩니다. 지옥의 이 부분들은 얼음 강이나 불타는 벽으로 서로 분리되어 있고 얇은 다리로 연결되어 있습니다. 이것이 단테가 지옥을 상상한 방식입니다. 지옥의 주민들에 관해서는 Bosch의 아이디어는 도시 교회의 오래된 프레스코 화 이미지와 고향 주민들이 휴일과 카니발 행렬에서 입었던 악마와 늑대 인간의 가면에서 형성됩니다.

Bosch는 진정한 철학자이며 인간의 삶과 그 의미에 대해 고통스럽게 생각합니다. 그토록 어리석고 죄 많고 비열하고 자신의 약점에 저항할 수 없는 인간의 존재의 끝은 무엇일까요? 지옥 만! 그리고 이전에 그의 캔버스에서 지하 세계의 그림이 지상 존재의 그림과 엄격하게 분리되어 죄에 대한 형벌의 불가피성을 상기시키는 역할을했다면 이제 Bosch의 지옥은 인류 역사의 일부가되었습니다.

그리고 그는 그의 유명한 제단 인 "Hay Cart"를 씁니다. 대부분의 중세 제단화와 마찬가지로 Hay Cart는 두 부분으로 구성됩니다. 평일에는 제단의 문이 닫혀 있었고 사람들은 바깥 문에서만 이미지를 볼 수있었습니다. 존재의 고난에 지치고 구부러진 남자가 길을 따라 방황합니다. 초목이 거의없는 맨발의 언덕, 예술가는 두 그루의 나무 만 묘사했지만 한 나무 아래에서는 바보가 백파이프를 연주하고 다른 나무 아래에서는 강도가 희생자를 조롱합니다. 그리고 전경에 하얀 뼈 다발, 교수대, 바퀴가 있습니다. 예, 우울한 풍경은 Bosch가 묘사했습니다. 그러나 그를 둘러싼 세상에는 재미가 없었습니다. 공휴일, 엄숙한 예배 중에 제단의 문이 열렸고 교구민들은 완전히 다른 그림을 보았습니다. 왼쪽에는 Bosch가 낙원, Eden, 하나님이 첫 번째 사람들 Adam과 Eve를 정착시킨 정원을 그렸습니다. 가을의 전체 역사가 이 그림에 표시됩니다. 그리고 이제 Eve는 삼부작의 중앙 부분에서 사람들이 돌진하고 고통 받고 죄를 짓는 지상 생활로 향했습니다. 중앙에는 인간의 삶이 지나가는 거대한 건초 마차가 있습니다. 중세 네덜란드의 모든 사람들은 "세상은 건초 수레이며 모두가 가능한 한 많은 것을 얻으려고 노력합니다. "라는 말을 알고있었습니다. 예술가는 여기에서 역겨운 뚱뚱한 승려, 저명한 귀족, 광대와 도적, 어리 석고 편협한 도둑을 모두 묘사합니다. 피할 수 없는 죽음.

그림은 세상을 지배하는 광기, 특히 인색의 죄에 대한 반성입니다. 그것은 모두 원죄(왼쪽의 지상 낙원)로 시작하여 형벌(오른쪽의 지옥)로 끝납니다.

중앙 부분에는 특이한 행렬이 그려져 있습니다. 전체 구성은 괴물 그룹 (죄의 상징?) 에 의해 오른쪽 (지옥으로)으로 끌려간 거대한 건초 수레 주위에 지어졌으며 말을 탄 세력이 이끄는 행렬이 이어집니다. 그리고 사제와 수녀를 포함한 많은 사람들이 분노하고 있으며 어떻게 든 건초를 훔치려 고합니다. 한편 위층에서는 천사, 괴물 같은 트럼펫 코를 가진 악마 및 기타 다양한 악마의 산란 앞에서 러브 콘서트와 같은 일이 벌어지고 있습니다.

그러나 보쉬는 세상이 모호하지 않고 복잡하고 다면적이라는 것을 알고 있었습니다. 낮고 죄 많은 것이 높고 순수한 것과 나란히 있습니다. 그리고 그의 그림에는 작고 영혼이없는이 모든 무리가 일시적이고 일시적인 현상으로 보이는 반면 아름답고 완벽한 자연은 영원한 아름다운 풍경이 나타납니다. 그는 또한 아이를 씻기는 어머니, 음식을 요리하는 불, 두 명의 여성, 그중 한 명은 임신 중이며 새 생명을 들으며 얼어 붙었습니다.

그리고 삼부작의 오른쪽 날개에서 Bosch는 지옥을 도시로 묘사했습니다. 여기, 하나님의 축복이없는 검고 붉은 하늘 아래에서 작업이 한창입니다. 지옥은 새로운 죄 많은 영혼들을 기대하며 자리를 잡고 있습니다. Bosch의 악마는 활기차고 활동적입니다. 그들은 죄인을 "지옥"으로 끌어들이는 거리 공연의 캐릭터 인 의상을 입은 악마와 닮았고 점프하는 찡그린 얼굴로 청중을 즐겁게했습니다. 그림에서 악마들은 모범적인 일꾼들이다. 사실, 그러한 열의로 일부 탑이 세워지는 반면 다른 탑은 불타 버릴 수 있습니다.

보쉬는 지옥불에 관한 성구의 말씀을 자신의 방식으로 해석합니다. 작가는 그것을 불로 표현한다. 불이 터지는 창문과 문에서 불에 탄 건물은 주인의 그림에서 죄 많은 인간 생각의 상징이되어 내부에서 재로 타 버립니다.

이 작업에서 Bosch는 아담과 이브의 창조부터 에덴과 천상의 행복에서 끔찍한 악마 왕국의 죄에 대한 보복에 이르기까지 인류의 전체 역사를 철학적으로 요약합니다. 철학적이고 도덕적인 이 개념은 그의 다른 제단과 캔버스("최후의 심판", "홍수")의 기초가 됩니다. 그는 다중 그림 구성을 그리고 때로는 지옥 묘사에서 그 주민들은 삼부작 "Hay Carriage"에서와 같이 장엄한 대성당의 건축업자가 아니라 사악한 늙은 여성, 마녀처럼 그들의 준비를 준비하는 주부의 열정으로 역겨운 요리, 칼, 숟가락, 프라이팬, 국자, 가마솥과 같은 일반 가정 용품을 고문하는 도구로 사용하는 동안 Bosch가 지옥, 악몽 및 고문의 가수로 인식 된 것은이 그림 덕분입니다.

보쉬는 그 시대의 사람으로서 악과 선은 서로 없이는 존재하지 않으며 악은 선과의 연결을 회복해야만 패배시킬 수 있으며 선은 신이라고 확신했습니다. 그렇기 때문에 마귀들에게 둘러싸인 보쉬의 의인들은 종종 성경을 읽거나 심지어 하나님과 대화하기도 합니다. 그래서 그들은 결국 스스로 힘을 얻고 하나님의 도움으로 악을 이깁니다.

Bosch의 그림은 진정으로 선과 악에 대한 장대 한 논문입니다. 그림을 통해 작가는 세상을 지배하는 악의 원인에 대한 자신의 견해를 표현하고 악과 싸우는 방법에 대해 이야기합니다. Bosch 이전의 예술에는 이와 같은 것이 없었습니다.

새로운 16세기가 시작되었지만 약속된 세상의 종말은 결코 오지 않았습니다. 지상의 걱정이 영혼의 구원에 대한 고통을 대체했습니다. 도시 간의 무역 및 문화적 유대가 성장하고 강화되었습니다. 이탈리아 예술가의 그림이 네덜란드에 왔고 이탈리아 동료의 업적에 대해 알게 된 네덜란드 화가는 라파엘과 미켈란젤로의 이상을 인식했습니다. 주변의 모든 것이 빠르고 필연적으로 변했지만 Bosch에게는 그렇지 않았습니다. 그는 여전히 그의 사랑하는 부동산에 있는 's-Hertogenbosch'에 살았고, 삶에 대해 반성하고 붓을 집어들고 싶을 때만 글을 썼습니다. 그러던 중 그의 이름이 알려졌다. 1504년 부르고뉴 공작 필리프 핸섬은 그에게 최후의 심판의 이미지가 있는 제단을 주문했고, 1516년 네덜란드 총독 마르가리타는 그의 "성 베드로의 유혹"을 획득했다. 앤서니." 그의 작품에서 판화는 큰 성공을 거두었습니다.

작가의 최근 작품 중 가장 주목할만한 작품은 The Prodigal Son과 The Garden of Earthly Delights입니다.

큰 제단 "Garden of Earthly Delights"는 아마도 주인이 인간의 죄를 반성하는 세계 회화에서 가장 환상적이고 신비한 작품 중 하나 일 것입니다.

세 개의 그림은 환상의 지상 낙원이자 지옥 인 에덴 동산을 묘사하여 죄의 기원과 그 결과에 대해 이야기합니다. 외부 날개에서 작가는 평평한 디스크 형태의 내부에 지구의 궁창이있는 특정 구를 묘사했습니다. 태양 광선은 우울한 구름을 뚫고 지구의 산, 저수지 및 초목을 비춥니다. 그러나 동물도 사람도 아직 여기에 없습니다. 이것은 창조의 셋째 날의 땅입니다. 그리고 내부 문에서 Bosch는 지상 생활에 대한 자신의 비전을 제시하고 평소와 같이 왼쪽 문은 에덴 동산을 묘사합니다. Bosch는 브러시의 의지에 따라 당시에 알려진 모든 동물과 함께 에덴 동산에 거주합니다. 기린과 코끼리, 오리와 도롱뇽, 북부 곰과 이집트 따오기가 있습니다. 그리고이 모든 것은 야자수, 오렌지 및 기타 나무와 관목이 자라는 이국적인 공원을 배경으로합니다. 이 세상에 완전한 조화가 쏟아지는 것 같지만 악은 잠들지 않고 이제 고양이는 목이 졸린 쥐를 이빨에 움켜 쥐고 배경에는 포식자가 죽은 암사슴을 괴롭히고 교활한 올빼미가 생명의 샘. 보쉬는 타락의 장면을 보여주지 않고, 자신의 삶의 모습과 함께 악이 태어났다고 말하는 것 같다. 전통에서 벗어나 삼부작의 왼쪽 날개에있는 Bosch는 타락이 아니라 Eve의 창조에 대해 이야기합니다. 그렇기 때문에 악마가 지식 나무의 열매로 첫 번째 사람들을 유혹했을 때가 아니라 그 순간부터 악이 세상에 들어온 것 같습니다. Eve가 낙원에 나타나면 불길한 변화가 일어납니다. 고양이가 쥐를 목 졸라 죽이고 사자가 암사슴을 밟습니다. 처음으로 무고한 동물이 피에 굶주린 모습을 보입니다. 생명의 샘 한가운데 부엉이가 나타납니다. 그리고 수평선에는 기괴한 건물들의 실루엣이 쌓여있어 삼부작의 중간 부분부터 기이한 구조를 연상시킨다.

제단의 중앙 부분은 에덴에서만 태어난 악이 지구에서 어떻게 화려하게 번성하는지 보여줍니다. 보이지 않는 환상적인 식물들, 반쪽 기계들, 반쪽 동물들 사이에서 수백 명의 벌거벗은 얼굴 없는 사람들이 동물들과 일종의 초현실적인 교감을 시작하고, 거대한 과일의 속이 빈 껍질 속에 숨어 미친 포즈를 취합니다. 그리고이 살아 있고 분주 한 덩어리의 전체 움직임-죄, 정욕 및 악. Bosch는 인간 본성과 인간 존재의 본질에 대한 이해를 바꾸지 않았지만 그의 다른 초기 작품과 달리 여기에는 일상적인 스케치가 없으며 이전 그림의 장르 장면과 유사한 것은 없습니다. 순수한 철학, 삶에 대한 추상적 이해 및 죽음. 뛰어난 감독 인 Bosch는 세상을 만들고 엄청난 양의 사람, 동물, 기계 및 유기 형태를 관리하여 엄격한 시스템으로 구성합니다. 이곳의 모든 것은 연결되어 있고 자연스럽습니다. 왼쪽 날개와 중앙 날개의 암석의 기괴한 형태는 지하 세계를 배경으로 불타는 구조물의 형태로 계속됩니다. 천국에 있는 생명의 샘은 지옥에 있는 썩은 "지식나무"와 대조됩니다.

이 삼부작은 의심할 여지 없이 보쉬의 가장 신비하고 상징적으로 복잡한 작품으로, 예술가의 종교적, 성적 지향에 관한 가정에 대한 다양한 해석을 불러일으켰습니다. 대부분의 경우이 그림은 정욕에 대한 우화적인 도덕적 판단으로 해석됩니다. Bosch는 문자 그대로 정욕의 상징으로 가득 찬 거짓 낙원의 그림을 그립니다. 주로 전통적인 상징주의에서 비롯된 것이지만 부분적으로는 육신의 죄처럼 사람의 구원의 길을 막는 거짓 교리 인 연금술에서 비롯된 것입니다.

이 제단은 셀 수 없이 많은 장면과 등장인물, 그리고 종종 해독할 수 없는 새로운 숨겨진 의미가 있는 놀라운 상징 더미로 깊은 인상을 줍니다. 아마도 이 작품은 교회에 오는 일반 대중을 대상으로 한 것이 아니라, 학자를 높이 평가하고 복잡한 도덕적 내용의 알레고리를 가진 교양 있는 시민과 궁중을 대상으로 했을 것입니다.

그리고 보쉬 자신? 히에로니무스 보쉬- 20세기의 초현실주의자들에 의해 전임자, 영적 아버지이자 교사, 미묘하고 서정적인 풍경의 창조자, 인간 본성에 대한 깊은 감정가, 풍자가, 도덕적 작가, 철학자 및 심리학자로 선포된 우울한 공상 과학 작가 종교의 순결을위한 투사이자 많은 사람들이 이단자로 여겼던 교회 관료에 대한 맹렬한 비판자-이 진정으로 뛰어난 예술가는 동시대 사람들의 존경을 받고 시대를 훨씬 앞서기 위해 평생 동안 이해되었습니다.

14세기 말, 예술가의 증조부인 Jan Van Aken이 네덜란드의 작은 마을 's-Hertogenbosch'에 정착했습니다. 그는 마을을 좋아했고 모든 일이 순조로웠으며 그의 후손들은 더 나은 삶을 찾아 어딘가를 떠날 생각을 하지 않았습니다. 그들은 상인, 장인, 예술가가 되었고 's-Hertogenbosch'를 짓고 장식했습니다. Aken 가족에는 할아버지, 아버지, 두 삼촌, 두 형제 Jerome 등 많은 예술가가있었습니다. (할아버지 Jan Van Aken은 St. John의 's-Hertogenbosch 교회에서 오늘날까지 살아남은 벽화의 저자로 인정됩니다).

보슈의 정확한 생년월일은 알려져 있지 않지만 1450년경에 태어난 것으로 추정됩니다. 가족은 풍요롭게 살았습니다. 예술가의 아버지는 주문이 많았고 지역 재단사의 딸인 어머니는 아마도 좋은 지참금을 받았을 것입니다. 그 후, 그의 고향 도시의 위대한 애국자인 그들의 아들 Hieronymus Van Aken은 자신을 Hieronymus Bosch라고 부르기 시작했으며 's-Hertogenbosch'라는 약식 이름을 가명으로 사용했습니다. 그는 Jheronimus Bosch에 서명했지만 그의 실명은 Jeroen (정확한 라틴어 버전은 Hieronymus) Van Aken, 즉 그의 조상이 분명히 태어난 Aachen 출신입니다.

"Bosch"라는 가명은 벨기에 국경 근처에 위치한 작은 네덜란드 마을인 's-Hertogenbosch("공작의 숲"으로 번역됨)라는 도시의 이름에서 유래되었습니다. 부르고뉴 공작이 소유한 브라반트 공국. 제롬은 그곳에서 평생을 살았습니다. 히에로니무스 보쉬는 큰 변화가 임박한 어려운 시대에 살 기회를 가졌습니다. 네덜란드 가톨릭 교회의 분할되지 않은 지배와 그것과 더불어 삶의 다른 모든 것이 종말을 고합니다. 공기는 종교적 불안과 그들과 관련된 격변에 대한 기대로 가득 차 있었습니다. 한편 겉으로는 모든 것이 안전해 보였다. 무역과 공예가 번성했습니다. 그들의 작품에서 화가들은 열심히 일함으로써 구석 구석이 지상 낙원으로 변한 부유하고 자랑스러운 나라를 영화 롭게했습니다.

그래서 네덜란드 남부의 작은 마을에 한 예술가가 나타나 그의 그림을 지옥의 환상으로 채웠습니다. 이 모든 공포는 마치 저자가 지하 세계를 한 번 이상 들여다 본 것처럼 다채롭고 자세하게 작성되었습니다.

's-Hertogenbosch는 15세기에 번영한 무역 도시였지만 위대한 예술 중심지와는 거리가 멀었습니다. 그것의 남쪽에는 Flanders와 Brabant의 가장 부유 한 도시인 Ghent, Bruges, Brussels이 있었는데, 15 세기 초 네덜란드 회화의 "황금 시대"의 위대한 학교가 형성되었습니다. 통치하에 네덜란드 지방을 통합 한 강력한 Burgundian 공작은 Jan Van Eyck과 Flemal의 주인이 일했던 도시의 경제 및 문화 생활을 후원했습니다. 15 세기 후반에 's-Hertogenbosch, Delft, Harlem, Leiden, Utrecht 북쪽의 도시에서 뛰어난 거장들이 일했으며 그중 뛰어난 Rogier van der Weyden과 Hugo van der Goes, 새롭고 부흥주의적인 아이디어 세계와 그 안에서 인간의 위치가 형성되고 있었습니다. 근대 철학자들이 주장한 인간은 창조의 왕관이자 우주의 중심이다. 이러한 아이디어는 Bosch Botticelli, Raphael, Leonardo da Vinci의 위대한 동시대 인 이탈리아 예술가의 작품에서 그 해에 훌륭하게 구현되었습니다. 그러나 지방의 's-Hertogenbosch는 투스카니의 자유롭고 번창하는 수도인 플로렌스와 전혀 닮지 않았으며, 얼마 동안 확립된 모든 중세 전통과 기초의 이러한 근본적인 붕괴는 그것에 관심이 없었습니다. 어떤 식 으로든 Bosch는 새로운 아이디어를 흡수했으며 미술사 학자들은 그가 Delft 또는 Harlem에서 공부했다고 제안합니다.

Bosch의 삶은 산업의 급속한 성장과 함께 공예가 네덜란드 개발의 전환점에 이르렀습니다. 더 큰 가치그들은 과학, 깨달음을 얻었으며 동시에 가장 교육을 많이받은 사람들조차도 어두운 중세 미신, 점성술, 연금술 및 마술에서 피난처와 지원을 찾았습니다. 그리고 어두운 중세에서 밝은 르네상스로의 이러한 주요 전환 과정을 목격한 Bosch는 그의 작품에서 그의 시대의 불일치를 훌륭하게 반영했습니다.

1478년에 보쉬는 도시 귀족의 최상층에 속한 가족인 알레이드 반 메르베르메와 결혼했습니다. Boschs는 's-Hertogenbosch에서 멀지 않은 Aleyd 소유의 작은 부동산에 살았습니다. 많은 예술가들과 달리 보쉬는 재정적으로 안정되었고(그가 가난하지 않았다는 사실은 그가 지불한 많은 세금으로 입증되며, 그 기록은 보관 문서에 보존되어 있음) 그가 원하는 것만 할 수 있었습니다. 그는 주문과 고객의 위치에 의존하지 않고 그림의 주제와 스타일을 자유롭게 선택했습니다.

Hieronymus Bosch, 아마도 세계 예술에서 가장 신비한 예술가는 누구였습니까? 고통받는 이단자 또는 신자이지만 아이러니한 사고 방식을 가지고 인간의 약점을 냉소적으로 조롱합니까? 신비주의자인가, 인본주의자인가, 우울한 염세주의자인가, 명랑한 친구인가, 과거를 숭배하는 자인가, 현명한 예언자인가? 아니면 그저 고독한 괴짜로서 미친 상상의 산물을 캔버스에 과시하는 것일까? 그런 관점도 있습니다. Bosch는 마약을했고 그의 그림은 마약 트랜스의 결과입니다.

그의 삶에 대해 알려진 바가 거의 없기 때문에 예술가의 성격에 대한 아이디어를 얻는 것은 완전히 불가능합니다. 그리고 그의 그림만이 그 작가가 어떤 사람인지 알 수 있습니다.

우선 작가의 폭넓은 관심과 지식의 깊이가 눈에 띈다. 그의 그림의 줄거리는 현대 건축과 고대 건축의 건물을 배경으로 펼쳐집니다. 그의 풍경에서-당시 알려진 모든 동식물 : 북부 숲의 동물은 열대 식물 사이에 살고 코끼리와 기린은 네덜란드 들판에서 풀을 뜯습니다. 한 제단의 그림에서 그는 당시 공학 예술의 모든 규칙에 따라 탑을 쌓는 순서를 재현하고 다른 곳에서는 물과 풍차, 용광로, 단조, 다리, 마차, 배. 지옥을 묘사한 그림에서 작가는 무기, 주방용품, 악기를 보여주며 후자는 음악문화사 교과서의 삽화가 될 정도로 정확하고 자세하게 기록되어 있다.

Bosch는 현대 과학의 성과를 잘 알고 있었습니다. 의사, 점성가, 연금술사, 수학자들은 그의 그림의 빈번한 영웅입니다. 무덤 너머의 세계, 지하 세계가 어떻게 생겼는지에 대한 작가의 생각은 신학, 신학 논문 및 성인의 삶에 대한 깊은 지식을 기반으로합니다. 그러나 가장 놀라운 점은 Bosch가 비밀 이단 종파의 가르침, 당시 책이 아직 유럽 언어로 번역되지 않은 중세 유대인 과학자의 아이디어에 대한 아이디어를 가지고 있다는 것입니다! 그리고 그의 그림에는 그의 백성들의 동화와 전설의 세계인 민속학도 반영되어 있습니다. 의심 할 여지없이 Bosch는 새로운 시대의 진정한 사람, 르네상스 시대의 사람이었으며 세상에서 일어나는 모든 일에 흥분하고 관심을 가졌습니다. Bosch의 작업은 조건부로 리터럴, 플롯의 네 가지 수준으로 구성됩니다. 알레고리적, 알레고리적(구약과 신약의 사건 사이에서 유사하게 표현됨); 일부 연구자들이 믿는 것처럼 그의 삶의 사건이나 다양한 이단 적 가르침과 관련된 상징적 (중세, 민속 표현의 상징주의 사용) 및 비밀. 기호와 기호를 가지고 노는 Bosch는 민요의 주제, 천구의 장엄한 화음 또는 지옥 같은 기계 소리의 미친 포효가 어우러진 웅장한 그림 교향곡을 작곡합니다.

보쉬의 상징주의는 너무 다양해서 그의 그림에서 하나의 공통된 열쇠를 고르는 것은 불가능합니다. 상징은 문맥에 따라 목적이 바뀌며, 때로는 서로 멀리 떨어져 있는 다양한 출처에서 나올 수 있습니다. 실용적인 마법, 민속에서 의식 공연에 이르기까지.

가장 신비한 출처 중에는 비금속을 금과은으로 바꾸고 실험실에서 생명을 창조하는 것을 목표로하는 활동 인 연금술이 있었는데, 분명히 이단에 접해있었습니다. Bosch에서 연금술에는 부정적이고 악마적인 속성이 부여되며 그 속성은 종종 정욕의 상징으로 식별됩니다. 성교는 종종 유리 플라스크 내부 또는 물에서 묘사되며 연금술 화합물의 힌트입니다. 색상 전환은 때때로 물질 변형의 첫 번째 단계와 유사합니다. 들쭉날쭉 한 탑, 속이 비어있는 나무, 불은 지옥과 죽음의 상징이자 연금술사의 불의 힌트입니다. 밀폐 용기 또는 용광로도 흑 마법과 악마의 상징입니다. 모든 죄 중에서 정욕은 체리와 포도, 석류, 딸기, 사과와 같은 다른 "풍만한" 과일로 시작하여 아마도 가장 상징적인 명칭을 가지고 있습니다. 성적 상징을 인식하는 것은 쉽습니다. 남성의 것은 모두 뾰족한 물건입니다. 뿔, 화살, 백파이프는 종종 부 자연스러운 죄를 암시합니다. 여성-흡수하는 모든 것 : 원, 거품, 조개 껍질, 주전자 (안식일에 뛰어 내리는 악마를 나타냄), 초승달 (또한 이단을 의미하는 이슬람을 암시 함).

또한 성경과 중세 상징에서 가져온 "부정한"동물의 전체 우화집이 있습니다. 낙타, 토끼, 돼지, 말, 황새 등이 있습니다. Bosch에서는 흔하지 않지만 뱀의 이름을 지을 수는 없습니다. 부엉이는 마귀의 사자인 동시에 이단이거나 지혜의 상징이다. 연금술에서 유황을 나타내는 두꺼비는 나무, 동물 골격과 같은 마른 모든 것과 마찬가지로 악마와 죽음의 상징입니다.

다른 일반적인 상징은 다음과 같습니다. 연금술에서 지식의 길을 나타내거나 성교를 상징하는 사다리; 거꾸로 된 깔때기는 사기 또는 거짓 지혜의 속성입니다. 종종 열리지 않는 모양의 열쇠(인지 또는 성기); 잘린 다리는 전통적으로 절단이나 고문과 관련이 있으며 Bosch에서는 이단 및 마법과도 관련이 있습니다. 모든 종류의 악령에 관해서는 Bosch의 환상은 끝이 없습니다. 그의 그림에서 Lucifer는 무수히 많은 모습을 취합니다. 이들은 뿔, 날개 및 꼬리가있는 전통적인 악마, 곤충, 반 인간-반 동물, 신체 일부가 상징적 인 물체로 변한 생물, 의인화 된 기계, 다리에 거대한 머리 하나를 가진 몸이 없는 괴물, 그로테스크한 ​​방식으로 골동품으로 거슬러 올라갑니다. 종종 악마는 다음과 같이 묘사됩니다. 악기, 주로 바람, 때로는 해부학의 일부가되어 코 피리 또는 코 트럼펫으로 변합니다. 마지막으로, 전통적으로 마법의 의식과 관련된 악마적인 속성인 거울은 보쉬에서 죽음 이후에는 삶의 유혹과 조롱의 도구가 됩니다.

보쉬 시대에 예술가들은 주로 종교적 주제에 대한 그림을 그렸습니다. 그러나 이미 그의 초기 작품에서 Bosch는 기존 규칙에 반항합니다. 그는 방랑하는 마술사, 치료사, 광대, 배우, 거지 음악가와 같은 살아있는 사람, 당시의 사람들에 훨씬 더 관심이 있습니다. 유럽의 도시를 여행하면서 그들은 속기 쉬운 속임수를 속일뿐만 아니라 존경할만한 burghers와 농민을 즐겁게했으며 세계에서 일어나는 일을 말했습니다. 단 한 번의 박람회도, 단 한 번의 카니발이나 교회 휴가도 그들 없이는 할 수 없었습니다. 이 방랑자, 용감하고 교활합니다. 그리고 보쉬는 이 사람들에게 글을 써서 그의 시대의 풍미를 후세에 물려주고 있습니다.

좁은 거리, 뾰족한 교회, 기와 지붕, 시장 광장에 꼭 필요한 시청이 있는 작은 네덜란드 마을을 상상해 봅시다. 물론 마술사의 도착은 일반적으로 특별한 엔터테인먼트가없는 평범한 버거의 삶에서 큰 사건입니다. 아마도 교회에서의 축제 예배와 가장 가까운 선술집에서 친구들과의 저녁 일 것입니다. 그런 방문 마술사의 공연 장면이 보쉬의 그림으로 살아난다. 여기 이 예술가가 있습니다. 탁자 위에 자신의 공예품을 놓고 정직한 사람들을 큰 기쁨으로 속이는 것입니다. 마술사의 조작에 휩싸인 존경할만한 여성이 자신이하고있는 일을 더 잘보기 위해 테이블 ​​위로 몸을 기울이고 그녀 뒤에 서있는 남자가 주머니에서 지갑을 꺼낸 모습을 봅니다. 확실히 마술사와 영리한 도둑은 한 회사이며 둘 다 얼굴에 위선과 위선이 너무 많습니다. 보쉬가 절대적으로 현실적인 장면을 쓰고 있는 것 같지만 갑자기 우리는 호기심 많은 여인의 입에서 개구리가 기어오르는 것을 봅니다. 중세 동화에서 개구리는 노골적인 어리 석음에 접해있는 순진함과 속임수를 상징하는 것으로 알려져 있습니다.

같은 해에 Bosch는 장대 한 그림 The Seven Deadly Sins를 만들었습니다. 그림 중앙에는 "신의 눈"이라는 동공이 있습니다. 그 위에는 라틴어로 "조심하십시오, 조심하십시오-하나님이 보신다"라는 비문이 있습니다. 주변에는 폭식, 게으름, 정욕, 허영심, 분노, 시기, 인색함과 같은 인간의 죄를 나타내는 장면이 있습니다. 작가는 일곱 가지 대죄 각각에 별도의 장면을 바쳤고 그 결과 인간의 삶에 대한 이야기가 탄생했습니다. 칠판에 적힌 이 그림은 처음에는 테이블 표면으로 사용되었습니다. 따라서 특이한 원형 구성. 죄의 장면은 사람의 도덕적 기초를 주제로 한 귀여운 농담처럼 보이며 작가는 비난하고 분개하는 것보다 농담을 할 가능성이 더 큽니다. Bosch는 어리석음과 악덕이 우리 삶에 번성하고 있음을 인정하지만 이것은 인간의 본성이며 이에 대해 아무것도 할 수 없습니다. 귀족, 농민, 상인, 성직자, 시민, 판사 등 모든 계층의 사람들이 그림에 나타납니다. 이 큰 구성의 4면에서 Bosch는 "죽음", "마지막 심판", "낙원"및 "지옥"을 묘사했습니다. 당시에 믿었던 것처럼 모든 사람의 삶을 끝내는 것입니다.

1494년, Dürer의 삽화가 포함된 Sebastian Brant의 시 "The Ship of Fools"가 바젤에서 출판되었습니다. Brant는 "밤과 어둠 속에서 세상은 뛰어 들었고 신에 의해 거부되었습니다. 바보들은 모든 길에 떼 지어 있습니다. "라고 Brant는 썼습니다.

Bosch가 그의 뛰어난 동시대의 창작물을 읽었는지 여부는 확실하지 않지만 그의 그림 "Ship of Fools"에서 우리는 Brant의시의 모든 캐릭터 인 술 취한 향연 자, 게으름뱅이, charlatans, 광대 및 심술 궂은 아내를 볼 수 있습니다. 방향타도 없고 돛도 없이 어리석은 배는 항해하고 있다. 승객들은 총체적인 육체적 쾌락에 빠져 있습니다. 항해가 언제 어디서 끝날지, 어느 해안에 착륙할지 아무도 모르고 그들은 신경 쓰지 않습니다. 그들은 과거를 잊고 미래에 대해 생각하지 않고 현재에 살고 있습니다. 최고의 장소외설스러운 노래를 외치는 승려와 수녀가 차지하고 있습니다. 돛대는 죽음이 사악하게 웃는 무성한 면류관이있는 나무로 변했고,이 모든 광기 위에 별과 초승달 모양의 깃발, 기독교에서 진정한 믿음에서 벗어난 것을 의미하는 무슬림 상징이 펄럭입니다. .

1516년 8월 9일 's-Hertogenbosch의 기록 보관소에 따르면 "유명한 예술가" Hieronymus Bosch가 사망했습니다. 그의 이름은 네덜란드뿐만 아니라 다른 유럽 국가에서도 유명해졌습니다. 스페인 국왕 필립 2세는 최고의 작품을 모아 에스코리알 침실에 일곱 개의 대죄를, 책상 위에 건초수레를 놓기도 했습니다. 수많은 추종자, 필사자, 모방 자 및 거장의 작품을 위조 한 사기꾼의 수많은 "걸작"이 미술 시장에 나타났습니다. 그리고 1549 년 앤트워프에서 젊은 Pieter Brueghel은 "Hieronymus Bosch의 작업장"을 조직하여 친구들과 함께 Bosch 스타일로 판화를 만들어 큰 성공을 거두었습니다. 그러나 이미 16세기 말에 사람들의 삶은 극적으로 변하여 예술가의 상징적 언어는 이해할 수 없게 되었다. 그의 작품에서 판화를 인쇄하는 출판사는 작가 작품의 도덕적 측면에 대해서만 말하면서 긴 설명을 동반해야했습니다. 보쉬의 제단은 교회에서 사라지고 그것을 해독하는 것을 즐겼던 지식인 수집가들의 수집품으로 이동했습니다. 17세기에 보쉬는 그의 모든 작품이 상징으로 가득 차 있었기 때문에 거의 잊혀졌습니다.

몇 년이 지났고 물론 용감한 18 세기와 실용적인 19 세기에 Bosch는 완전히 불필요하고 외계인으로 판명되었습니다. 구 뮌헨 피나코테크(Munich Pinakothek)에서 보쉬의 사진을 보고 있는 고리키의 영웅 클림 삼긴(Klim Samgin)은 "이 성가신 사진이 독일 수도에서 가장 좋은 박물관 중 한 곳에 자리를 잡은 것이 이상합니다. 이 보쉬는 현실감 있게 행동했습니다. 장난감을 가진 아이-부수고 원하는대로 조각을 붙였습니다. 무의미한 말. 이것은 지방 신문의 feuilleton에 적합합니다. 예술가의 작품은 박물관 창고에서 먼지를 모으고 있었고 미술사 학자들은 일종의 환상을 그린이 이상한 중세 화가에 대한 글에서 간략하게 언급했습니다.

그러나 인간에 대한 인간의 모든 이해를 뒤집은 끔찍한 전쟁과 함께 20세기가 왔고, 홀로코스트의 공포, 아우슈비츠 용광로의 지속적으로 조정된 작업의 광기, 원자 버섯의 악몽을 가져온 세기가 왔습니다. 그리고 2001년 9월 11일 미국의 종말과 모스크바의 Nord-Ost가 있었습니다. 오래된 가치가 새롭고 알려지지 않은 이름으로 폭로되고 폐기되는 방식은 우리 시대에 다시 놀랍도록 현대적이고 신선해졌습니다. 그리고 그의 고통스러운 성찰과 애절한 통찰력, 선과 악의 영원한 문제, 인간 본성, 삶과 죽음, 어떤 일이 있어도 우리를 떠나지 않는 믿음에 대한 그의 생각의 결과는 믿을 수 없을 정도로 가치 있고 진정으로 필요합니다. 그래서 우리는 그의 찬란하고 늙지 않는 캔버스를 몇 번이고 다시 보게 된다.

상징주의에서 Bosch의 작품은 Robert Campin의 작품과 비슷하지만 Campin의 사실주의와 Hieronymus Bosch의 phantasmagoria를 비교하는 것은 전적으로 적절하지 않습니다. Campin의 작품에는 소위 "숨겨진 상징주의"가 있으며 Campin의 상징주의는 마치 물질 세계의 영광처럼 잘 확립되고 이해하기 쉽습니다. Bosch의 상징주의는이 세상을 찬양하는 것이 아니라 주변 세상과 그 악에 대한 조롱에 가깝습니다. Bosch는 성경 이야기를 너무 자유롭게 해석했습니다.

결론.

15세기의 많은 예술가들은 그들의 작품에서 종교를 찬양하는 것으로 유명해졌습니다. 물질 세계. 그들 대부분은 이를 위해 상징주의를 사용했는데, 이는 일상적인 물건을 묘사하는 데 숨겨진 의미입니다. Kampin의 상징주의는 다소 평범했지만 그럼에도 불구하고 어떤 대상의 이미지에 비밀 상징주의가 숨겨져 있는지 또는 대상이 단지 내부의 일부인지 이해하는 것이 항상 가능한 것은 아닙니다.

Jan van Eyck의 작품에는 종교적 상징주의가 포함되어 있었지만 배경으로 사라졌고 그의 작품에서 Jan van Eyck은 성경의 기본 장면을 묘사했으며 이러한 장면의 의미와 음모는 모든 사람에게 분명했습니다.

Bosch는 주변 세계를 조롱하고 상징주의를 자신의 방식으로 사용했으며 주변 사건과 사람들의 행동을 해석했습니다. 그의 작품에 대한 극도의 관심에도 불구하고 그것들은 곧 잊혀졌고 대부분 개인 소장품이 되었습니다. 그것에 대한 관심은 20세기 초에야 되살아났습니다.

네덜란드 문화는 1960년대에 절정에 달했습니다. XVI 세기. 그러나 같은 기간에 오래된 네덜란드가 더 이상 존재하지 않는 사건이 발생했습니다. 수천 명의 인명을 앗아간 알바의 유혈 통치로 인해 전쟁이 발생하여 주요 문화 지역 인 플랑드르와 브라 반트가 완전히 파괴되었습니다. 이 나라. 북부 지방의 주민들은 1568년 스페인 왕에 대항하여 목소리를 높였으며, 1579년 새로운 국가인 연합 지방의 창설이 선포될 때까지 팔을 내리지 않았습니다. 그것은 네덜란드가 이끄는 국가의 북부 지역을 포함했습니다. 남부 네덜란드는 거의 한 세기 동안 스페인의 지배를 받았습니다.

이 문화가 죽은 가장 중요한 이유는 네덜란드 사람들을 가톨릭과 개신교로 영원히 나눈 종교 개혁이었습니다. 그리스도의 이름이 전쟁을 벌이는 양측의 입에 오르내리던 바로 그 때, 순수 예술은 기독교적이기를 그쳤습니다.

카톨릭 지역에서 종교적 주제에 대한 그림은 위험한 사업이 되었습니다. 순진하고 다채로운 중세의 이상을 따르고 Bosch에서 나온 성경 주제를 자유롭게 해석하는 전통은 예술가를 똑같이 이단으로 의심하게 만들 수 있습니다.

개신교가 세기 말까지 승리를 거둔 북부 지방에서는 회화와 조각이 교회에서 "추방"되었습니다. 개신교 설교자들은 교회 예술을 우상 숭배라고 맹렬히 비난했습니다. 우상 파괴의 두 가지 파괴적인 물결 - 1566 및 1581. -많은 훌륭한 예술 작품을 파괴했습니다.

뉴 에이지의 새벽에 지상 세계와 천상 세계 사이의 중세 조화가 깨졌습니다. 16 세기 말 한 사람의 삶에서 하나님 앞에서 자신의 행동에 대한 책임감이 공공 도덕의 규범을 따르는 것으로 바뀌었습니다. 거룩함의 이상은 시민의 성실함이라는 이상으로 대체되었습니다. 예술가들은 자신을 둘러싼 세상을 묘사했으며 점점 더 창조주를 잊었습니다. 북부 르네상스의 상징적 사실주의는 새로운 세속적 사실주의로 대체되었습니다.

오늘날 위대한 거장들의 제단은 복원에 적합합니다. 그러한 회화의 걸작은 수세기 동안 보존할 가치가 있기 때문입니다.

"창문을 버릴 수 없는 컴퓨터는 절대 믿지 마라." - 스티브 워즈니악

일반적으로 Flemal 마스터와 동일시되는 네덜란드 화가 - 초기 네덜란드 회화 전통의 기원에 서있는 알려지지 않은 예술가 (소위 "Flemish primitives"). Rogier van der Weyden의 멘토이자 유럽 회화의 첫 번째 초상화 화가 중 한 명입니다.

(황금 양털 기사단의 전례 예복 - 성모 마리아의 망토)

원고 조명 작업을 하는 세밀화가들과 동시대에 살았던 캉팽은 그럼에도 불구하고 다른 어떤 화가도 본 적이 없는 수준의 사실주의와 관찰력을 달성할 수 있었습니다. 그러나 그의 글은 동시대 젊은 사람들의 글보다 더 구식이다. 민주주의는 일상적인 세부 사항에서 눈에 띄며 때로는 나중에 네덜란드 회화의 특징이 될 종교적 주제에 대한 일상적인 해석이 있습니다.

(실내의 성모와 아기)

미술사학자들은 북부 르네상스의 기원을 찾기 위해 오랫동안 노력해 왔으며, 이 스타일을 만든 최초의 거장이 누구인지 알아내려고 노력했습니다. 오랫동안 고딕 양식의 전통에서 약간 벗어난 최초의 예술가는 얀 반 에이크(Jan van Eyck)라고 여겨졌습니다. 그러나 19세기 말에 Van Eyck은 이전에 Merode 백작부인(소위 "Merode 삼부작")이 소유했던 성모 영보 대축일과 함께 삼부작에 속하는 다른 예술가와 소위. 플랑드르 제단. 이 두 작품은 당시 신원이 아직 확립되지 않은 Flemal 마스터의 손에 속한 것으로 추정됩니다.

(성모의 혼인)

(영광의 성모)

(베르 제단화)

(깨진 몸의 삼위일체)

(축복하는 그리스도와 기도하는 동정녀)

(성모의 혼인 - 성 야고보와 성 글라라)

(처녀와 아기)

Gertgen tot Sint Jans(라이덴 1460-1465 - 하를렘 1495년까지)

하를렘에서 활동한 이 초기 사망한 예술가는 15세기 말 북네덜란드 회화에서 가장 중요한 인물 중 한 명입니다. Albert van Auwater의 워크샵에서 Haarlem에서 훈련을 받았을 수 있습니다. 그는 Ghent와 Bruges의 예술가들의 작품에 익숙했습니다. Haarlem에서 견습 화가로서 그는 St. John의 명령에 따라 살았습니다. 따라서 "[수도원] St. John에서"(tot Sint Jans)라는 별명이 붙었습니다. Hertgen의 그림 스타일은 종교적 주제 해석의 미묘한 감정, 일상 생활 현상에 대한 관심, 사려 깊고 시적 영적 정교함이 특징입니다. 이 모든 것은 다음 세기의 사실적인 네덜란드 회화에서 발전할 것입니다.

(성탄절, 밤에)

(처녀와 아기)

(이새의 나무)

(Gertgen tot Sint Jans St. Bavo)

초기 네덜란드 회화의 가장 영향력 있는 대가라는 칭호를 놓고 반 에이크의 라이벌. 작가는 개인의 개성을 이해하는 데 창의성의 목표를 보았고 깊은 심리학자이자 뛰어난 초상화 화가였습니다. 중세 예술의 정신주의를 보존하면서 그는 활동적인 인간 성격이라는 르네상스 개념으로 오래된 그림 체계를 채웠습니다. TSB에 따르면 그의 생애 말기에 "반 에이크의 예술적 세계관의 보편주의를 거부하고 인간의 내면 세계에 모든 관심을 집중합니다."

(성 위베르의 유물 발굴)

나무 조각가의 가족에서 태어났습니다. 작가의 작품은 신학에 대한 깊은 지식을 증언하고 있으며 이미 1426 년에 그는 "마스터 로저"라고 불려 그가 대학 교육을 받았음을 암시합니다. 그는 조각가로 일하기 시작했고 성숙한 나이에 (26 세 이후) Tournai에서 Robert Campin과 함께 그림을 공부하기 시작했습니다. 그는 작업장에서 5년을 보냈다.

(막달라 마리아를 읽고)

Rogier의 창의적 형성 기간 (분명히 Louvre "Annunciation"이 속한 기간)은 출처에서 제대로 다루지 않습니다. 젊었을 때 소위 말하는 작품을 만든 사람이 바로 그 사람이라는 가설이 있습니다. Flemalsky 마스터 (저자의 가능성이 더 높은 후보는 그의 멘토 Campin입니다). 견습생은 가정 생활의 아늑한 세부 사항으로 성경적 장면을 포화시키려는 Campin의 열망을 배웠기 때문에 1430 년대 초의 작품을 구별하는 것이 거의 불가능했습니다 (두 예술가 모두 작품에 서명하지 않음).

(부르고뉴의 안톤의 초상)

Rogier의 독립 작업의 처음 3년은 어떠한 방식으로도 문서화되지 않습니다. 아마도 그는 Van Eyck과 함께 Bruges에서 보냈을 것입니다. 어쨌든 그의 유명한 구성"Luke the Evangelist Painting the Madonna"는 van Eyck의 명백한 영향으로 가득 차 있습니다.

(마돈나를 그리는 전도자 루크)

1435 년에 예술가는이 도시 출신과의 결혼과 관련하여 브뤼셀로 이사했고 그의 실명 Roger de la Pasture를 프랑스어에서 네덜란드어로 번역했습니다. 도시 화가 길드의 일원이되어 부자가되었습니다. 그는 Philip the Good, 수도원, 귀족, 이탈리아 상인의 공작 법원의 명령에 따라 도시 화가로 일했습니다. 그는 과거 유명인들의 법무부 그림으로 시청을 그렸습니다(프레스코화는 소실됨).

(여인의 초상)

브뤼셀 시대가 시작될 무렵에는 "십자가에서 내려온 강림"(현재 프라도에 있음)의 장대 한 감정에 속합니다. 이번 작품에서 로제는 회화적 배경을 근본적으로 버리고 화면 전체를 채우는 수많은 인물들의 비극적 경험에 관객의 시선을 집중시킨다. 일부 연구자들은 Thomas a Kempis의 교리에 대한 열정으로 그의 작업의 전환을 설명하는 경향이 있습니다.

(기증자 피에르 드 랑시쿠르, 아라스의 주교와 함께 십자가에서 내려옴)

조잡한 캄페니안 리얼리즘에서 로지에의 복귀와 바나이키안 프로토 르네상스의 세련미 중세 전통 Last Judgement polyptych에서 가장 분명합니다. 그것은 1443-1454년에 쓰여졌다. Burgundian 도시 Beaune에서 후자가 설립 한 병원 예배당의 제단을 위해 Nicolas Rolen 장관이 의뢰했습니다. 여기에서 복잡한 풍경 배경의 장소는 그의 전임자들이 경험한 황금빛 빛으로 가득 차 있으며, 이는 보는 사람이 거룩한 이미지에 대한 경외심을 산만하게 할 수 없습니다.

(본에 있는 최후의 심판의 제단, 오른쪽 바깥쪽 날개: 지옥, 왼쪽 바깥쪽 날개: 파라다이스)

1450년 희년에 Rogier van der Weyden은 이탈리아를 여행하여 로마, 페라라, 피렌체를 방문했습니다. 그는 이탈리아 인문주의자들로부터 따뜻한 환영을 받았지만(쿠사의 니콜라스는 그의 찬사로 유명하다), 그 자신은 주로 프라 안젤리코와 젠틸레 다 파브리아노 같은 보수적 예술가들에게 관심이 있었다.

(세례 요한의 참수)

예술사 여행을 통해 이탈리아 인의 첫 지인을 Rogier가 완벽하게 마스터 한 유화 기술과 연관시키는 것이 일반적입니다. 이탈리아 왕조 Medici와 d "Este의 명령에 따라 Fleming은 Uffizi에서 Madonna와 Francesco d' Este의 유명한 초상화를 처형했습니다. 이탈리아 인상은 제단 구성에서 굴절되었습니다 ( "세례 요한의 제단", 삼부작 " Seven Sacraments', '동방 박사의 경배'), 플랑드르로 돌아가서 만든 작품.

(동방 박사의 숭배)

Rogier의 초상화에는 몇 가지 공통된 특징이 있는데, 이는 거의 모든 것이 일반적인 환경, 양육 및 전통에 의해 각인 된 외모와 태도를 가진 부르고뉴 최고의 귀족을 대표한다는 사실 때문입니다. 아티스트는 모델의 손(특히 손가락)을 자세히 그리고 얼굴의 특징을 고상하게 만들고 길게 만듭니다.

(Francesco D "Este의 초상화)

최근 몇 년 동안 Rogier는 Hans Memling과 같은 차세대의 저명한 대표자였던 수많은 학생들로 둘러싸인 그의 브뤼셀 작업장에서 일했습니다. 그들은 그의 영향력을 프랑스, ​​독일, 스페인 전역에 퍼뜨렸습니다. 15세기 후반 북유럽에서는 Rogier의 표현 방식이 Campin과 van Eyck의 보다 기술적인 교훈보다 우세했습니다. 16세기에도 Bernart Orlais에서 Quentin Masseys에 이르기까지 많은 화가들이 그의 영향을 받았습니다. 세기 말에 그의 이름은 잊혀지기 시작했고 이미 19 세기에 예술가는 초기 네덜란드 회화에 대한 특별 연구에서만 기억되었습니다. 그것을 복원 창의적인 방법워싱턴 여성의 초상화를 제외하고는 그의 작품에 서명하지 않았다는 사실로 인해 복잡해졌습니다.

(마리아의 수태고지)

Hugo van der Goes(c. 1420-25, 겐트 - 1482, Auderghem)

플랑드르 화가. Albrecht Dürer는 그를 Jan van Eyck, Rogier van der Weyden과 함께 초기 네덜란드 회화의 가장 큰 대표자로 여겼습니다.

(침례자 성 요한과 함께 있는 기도하는 사람의 초상)

Ghent 또는 Zeeland의 Ter Goes 마을에서 태어났습니다. 정확한 생년월일은 알려지지 않았지만 그가 망명에서 돌아올 수 있도록 허용하는 1451의 법령이 발견되었습니다. 결과적으로 그 무렵 그는 잘못을 저질렀고 한동안 유배 생활을했습니다. 세인트 길드에 가입했다. 루크. 1467년에 그는 길드의 우두머리가 되었고, 1473-1476년에는 겐트의 학장이 되었습니다. 그는 브뤼셀 근처 Rodendal의 Augustinian 수도원에서 1475 년부터 Ghent에서 일했습니다. 1478년 같은 장소에서 그는 수도원의 위엄을 얻었다. 그의 말년은 정신 질환으로 손상되었습니다. 그러나 그는 초상화 주문을 이행하면서 계속 일했습니다. 수도원에서 그는 합스부르크의 막시밀리안 신성 로마 제국의 미래 황제를 방문했습니다.

(십자가 처형)

그는 15세기 전반에 네덜란드 회화의 예술적 전통을 이어갔습니다. 미술 활동은 ​​다양하다. 그의 초기 작품 Bouts의 영향이 눈에 띕니다.

1468년 부르고뉴 공작, 대담한 샤를, 요크의 마가렛의 결혼식을 계기로 브뤼헤 시 장식에 데코레이터로 참여했으며, 나중에는 1472 년에 Charles the Bold와 새로운 플랑드르 백작 부인의 도시에 입장했습니다. 살아남은 문서에 따르면 그는 나머지 예술가들보다 더 높은 보수를 받았기 때문에 분명히이 작품에서 그의 역할이 주도적이었습니다. 불행히도 디자인의 일부인 그림은 보존되지 않았습니다. 창작 전기에는 예술가가 날짜를 기입하거나 서명한 그림이 없기 때문에 모호함과 공백이 많습니다.

(베네딕트 수도사)

가장 유명한 작품은 c. 1475년 브뤼헤의 메디치 은행 대표인 Tommaso Portinari가 의뢰했으며 ​​Domenico Ghirlandaio, Leonardo da Vinci 등 피렌체 화가들에게 지대한 영향을 미쳤습니다.

(포르티나리 제단화)

얀 프로보스트(1465-1529)

앤트워프 시청에 보관된 1493년 문서에는 마스터 학장에 대한 언급이 있습니다. 그리고 1494년에 주인은 브뤼헤로 이사했습니다. 우리는 또한 그가 1498년에 프랑스 화가이자 세밀화가인 Simon Marmion의 미망인과 결혼했다는 것을 알고 있습니다.

(성 캐서린의 순교)

우리는 Provost가 누구와 함께 공부했는지 모르지만 그의 예술은 분명히 초기 네덜란드 르네상스의 마지막 고전인 Gerard David와 Quentin Masseys의 영향을 받았습니다. 그리고 David가 상황과 인간 경험의 드라마를 통해 종교적 아이디어를 표현하려고했다면 Quentin Massey에서 우리는 이상적이고 조화로운 이미지에 대한 갈망이라는 다른 것을 찾을 것입니다. 우선 Masseys가 이탈리아 여행 중에 만난 Leonardo da Vinci의 영향이 여기에 영향을 미쳤습니다.

Provost의 그림에서 G. David와 K. Masseys의 전통이 하나로 합쳐졌습니다. State Hermitage 컬렉션에는 유성 페인트 기법을 사용하여 나무 판에 그려진 Provost의 "Mary in Glory"라는 작품이 있습니다.

(영광의 성모 마리아)

이 거대한 그림은 황금빛 광채에 둘러싸인 성모 마리아가 구름 속의 초승달 위에 서 있는 모습을 묘사하고 있습니다. 그녀의 팔에는 아기 그리스도가 있습니다. 공중에서 그녀의 호버 위에 하나님 아버지, St. 비둘기와 네 천사의 형태로 성령. 아래-손에 하프를 들고 무릎을 꿇은 다윗 왕과 왕관과 홀을 가진 아우구스투스 황제. 그 외에도 그림은 시빌(문자)을 묘사합니다. 고대 신화미래를 예측하고 꿈을 해석하는)과 선지자. 시빌 중 하나의 손에는 "처녀의 가슴이 열방의 구원이 될 것입니다"라는 문구가 적힌 두루마리가 있습니다.

그림의 깊이에는 도시 건물과 항구가있는 미묘함과 시가 눈에 띄는 풍경이 보입니다. 이 전체 복잡하고 신학적으로 복잡한 플롯은 네덜란드 예술의 전통이었습니다. 고대 문자의 존재조차도 고대 고전을 종교적으로 정당화하려는 일종의 시도로 인식되었으며 아무도 놀라지 않았습니다. 우리에게 복잡해 보이는 것은 작가의 동시대 사람들에게 쉽게 인식되었으며 그림에서 일종의 알파벳이었습니다.

그러나 Provost는 이 종교적 이야기를 마스터하는 데 한 걸음 더 나아갑니다. 그는 모든 캐릭터를 하나의 공간에 통합합니다. 그는 지상(다윗 왕, 아우구스투스 황제, 시빌과 선지자)과 하늘(마리아와 천사)을 한 장면에 결합합니다. 전통에 따르면 그는 풍경을 배경으로이 모든 것을 묘사하여 일어나고있는 현실의 인상을 더욱 향상시킵니다. Provost는 행동을 현대 생활로 부지런히 번역합니다. 다비드와 아우구스투스의 그림에서 그림의 고객인 네덜란드의 부유한 사람들을 쉽게 짐작할 수 있다. 얼굴이 거의 초상화에 가까운 고대 시빌은 당시의 부유한 마을 여성들과 생생하게 닮았습니다. 모든 환상성에도 불구하고 웅장한 풍경조차도 매우 사실적입니다. 그는 그대로 플랑드르의 본질을 합성하고 이상화합니다.

Provost의 그림 대부분 - 종교적 본성. 불행히도 작품의 상당 부분이 보존되지 않았으며 그의 작품을 완전히 재현하는 것은 거의 불가능합니다. 그러나 동시대 사람들에 따르면 찰스 왕이 브뤼헤에 엄숙하게 입성하는 설계에 교장이 참여했음을 알고 있습니다. 이것은 주인의 명성과 큰 공덕을 말합니다.

(처녀와 아기)

학장이 얼마 동안 네덜란드를 여행했던 Dürer에 따르면 입구는 화려하게 장식되어 있었습니다. 성문에서 왕이 머물렀던 집까지 기둥에는 아케이드로 장식되어 있었고 화환, 왕관, 트로피, 비문, 횃불이 사방에있었습니다. 또한 "황제의 재능"에 대한 살아있는 그림과 우화적인 묘사도 많이 있었습니다.
프로보스트가 디자인에 큰 역할을 했습니다. Jan Provost로 대표되는 16세기 네덜란드 예술은 B. R. Wipper의 말을 빌리자면 "뛰어난 거장들의 창작물이 아니라 높고 다양한 예술 문화의 증거로 사람들의 마음을 사로잡는" 작품을 탄생시켰습니다.

(기독교 우화)

Jeroen Antonison van Aken(히에로니무스 보쉬)(약 1450-1516)

북유럽 르네상스의 가장 위대한 거장 중 한 명인 네덜란드 예술가는 서양 미술사에서 가장 수수께끼 같은 화가 중 한 명으로 간주됩니다. Bosch의 고향인 's-Hertogenbosch에는 Bosch의 창의성 센터가 개설되어 그의 작품 사본을 선보입니다.

Jan Mandijn(1500/1502, 하를렘 - 1559/1560, 앤트워프)

네덜란드 르네상스와 북부 매너리즘 화가.

Jan Mandijn은 Hieronymus Bosch(Peter Hayes, Herri met de Bles, Jan Wellens de Kokk)를 이은 앤트워프 예술가 그룹에 속해 있으며, 그는 환상적인 이미지의 전통을 이어가며 이탈리아에 반대되는 소위 북부 매너리즘의 토대를 마련했습니다. 그의 악마와 악령과 함께 Jan Mandijn의 작품은 신비한 유산에 가장 가깝습니다.

(세인트 크리스토퍼. (국립 암자 박물관, 상트 페테르부르크))

The Temptations of St.를 제외하고 Mandane이 그린 것으로 추정되는 그림의 저자 Anthony"는 확실하게 확립되지 않았습니다. Mundane은 문맹이었기 때문에 그의 "Temptations"에 고딕체로 서명할 수 없었습니다. 미술사학자들은 그가 완성된 샘플에서 단순히 서명을 복사했을 뿐이라고 제안합니다.

1530년경 Mandijn은 앤트워프에서 마스터가 되었고 Gillis Mostert와 Bartholomeus Spranger는 그의 제자였습니다.

Marten van Heemskerk(실명 Marten Jacobson van Ven)

Marten van Ven는 북부 홀란트에서 농민 가정에서 태어났습니다. 아버지의 뜻에 반하여 그는 예술가 Cornelis Willems를 연구하기 위해 Haarlem으로 갔고 1527년에는 Jan van Scorel의 견습생으로 갔으며 현재 미술사가들은 개별 그림의 정확한 소속을 항상 결정할 수는 없습니다. Scorel 또는 Hemskerk에 의해. 1532년에서 1536년 사이에 예술가는 그의 작품이 매우 성공적이었던 로마에서 거주하며 작업합니다. 이탈리아에서 van Heemskerk는 매너리즘의 예술적 스타일로 그림을 그립니다.
네덜란드로 돌아온 후 그는 제단 그림과 스테인드 글라스 창 및 벽 태피스트리 제작에 대해 교회로부터 수많은 주문을 받았습니다. 그는 성 루크 길드의 주요 구성원 중 한 명이었습니다. 1550년부터 1574년 사망할 때까지 Marten van Heemskerk는 하를렘의 St. Bavo 교회에서 교회 소장으로 봉사했습니다. 다른 작품 중에서 van Heemskerk는 세계 7대 불가사의 그림 시리즈로 유명합니다.

(Anna Codde의 초상 1529)

(성 루카 그림 성모 마리아와 아기 1532)

(슬픔의 남자 1532)

(부자의 불행 1560)

(콜로세움이 있는 로마의 자화상1553)

Joachim Patinir (1475/1480, 벨기에 Wallonia, Namur 지방의 Dinant - 1524년 10월 5일, 벨기에 앤트워프)

유럽 ​​풍경화의 창시자 중 한 명인 플랑드르 화가. 앤트워프에서 일했습니다. 그는 Van Eyck 형제 Gerard David와 Bosch의 전통에 따라 장엄한 파노라마 공간을 만든 종교적 주제에 대한 구성에서 자연을 이미지의 주요 구성 요소로 만들었습니다.

Quentin Masseys와 함께 작업했습니다. 아마도 현재 Patinir 또는 Masseys의 작품 중 많은 작품이 사실 그들의 공동 작품일 것입니다.

(파비아 전투)

(성 캐서린의 기적)

(이집트 피난이 있는 풍경)

Herri는 de Bles를 만났습니다 (1500/1510, Bouvignes-sur-Meuse - 약 1555)

유럽 ​​풍경화의 창시자 중 한 명인 Joachim Patinir와 함께 플랑드르 예술가.

예술가의 삶에 대해 확실하게 알려진 것은 거의 없습니다. 특히 그의 이름은 알려지지 않았다. "met de Bles"라는 별명- "흰 반점이있는"-그는 아마도 머리카락에 흰색 컬을 받았을 것입니다. 그는 또한 이탈리아 별명 "Civetta"(Italian Civetta)- "올빼미"-그가 자신의 그림에 서명으로 사용한 그의 모노그램이 올빼미의 작은 조각상 이었기 때문입니다.

(이집트로 날아가는 장면이 있는 풍경)

Herri는 de Bles를 만나 그의 경력 대부분을 앤트워프에서 보냈습니다. 그는 Joachim Patinir의 조카로 추정되며 예술가의 실명은 Herry de Patinir (Dutch. Herry de Patinir)였습니다. 어쨌든 1535년에 Herri de Patinier라는 사람이 앤트워프 성 루크 길드에 가입했습니다. Herri met de Bles는 Jan Mandijn, Jan Wellens de Kock 및 Peter Geis와 함께 Hieronymus Bosch의 추종자인 South Netherlandish 예술가 그룹에도 포함되어 있습니다. 이 거장들은 Bosch의 환상적인 그림의 전통을 이어갔고 그들의 작품은 때때로 "Northern Mannerism"(이탈리아 매너리즘과 반대됨)이라고 불립니다. 일부 소식통에 따르면 예술가는 Duke del Este의 법원에서 Ferrara에서 앤트워프에서 사망했습니다. 그가 죽은 연도나 그가 이탈리아를 방문한 적이 있다는 사실도 알려져 있지 않습니다.
Herri는 주로 Patinir의 모델에 따라 여러 인물 구성을 묘사하는 풍경을 그린 de Bles를 만났습니다. 분위기는 풍경에 조심스럽게 전달됩니다. Patinir뿐만 아니라 그에게도 전형적인 바위의 양식화 된 이미지입니다.

루카스 반 라이덴(Luke of Leiden, Lucas Huygens) (Leiden 1494 - Leiden 1533)

그는 Cornelis Engelbrekts와 함께 그림을 공부했습니다. 그는 아주 일찍 판화 기술을 마스터했으며 Leiden과 Middelburg에서 일했습니다. 1522년 앤트워프의 성 루크 길드에 가입한 후 라이덴으로 돌아와 1533년 그곳에서 사망했습니다.

(황금 송아지 주변에서 춤을 추는 삼부작. 1525-1535. 국립 미술관)

장르적 장면에서 그는 현실의 날카롭게 사실적인 묘사를 향해 과감한 발걸음을 내디뎠다.
그의 기술면에서 Luke of Leiden은 Dürer보다 열등하지 않습니다. 그는 빛-공기 관점의 법칙에 대한 이해를 보여준 최초의 네덜란드 그래픽 아티스트 중 한 명이었습니다. 그러나 그는 전통에 대한 충실성이나 종교적 주제에 대한 장면의 감정적 소리보다는 구성과 기술의 문제에 더 많은 관심을 가졌습니다. 1521년 앤트워프에서 알브레히트 뒤러를 만났다. 위대한 독일 거장의 작품의 영향은 더 엄격한 모델링과 더 표현적인 인물 해석에서 나타 났지만 Leiden의 Luke는 그의 스타일에만 내재 된 특징을 결코 잃지 않았습니다. 그리고 피곤한 표정. 1520년대 후반, 이탈리아 조각가 Marcantonio Raimondi의 영향이 그의 작품에 나타났습니다. Luke of Leiden의 거의 모든 판화에는 이니셜 "L"로 서명되어 있으며 유명한 Passion of the Christ 시리즈(1521)를 포함하여 그의 작품의 약 절반은 날짜가 기록되어 있습니다. 그의 목판화가 약 12점 남아 있으며, 대부분은 구약 성서. Leiden의 Luke의 살아남은 소수의 그림 중 가장 유명한 그림 중 하나는 Last Judgement 삼부작 (1526)입니다.

(Charles V, Wolsley 추기경, 오스트리아의 Margaret)

Jos van Cleve (생년월일 미상, 아마도 Wesel - 1540-41, 앤트워프)

Jos van Cleve에 대한 첫 번째 언급은 그가 Antwerp Guild of St. Luke에 가입한 1511년을 말합니다. 이에 앞서 Jos van Cleve는 장로 Bartholomeus Brein과 함께 Jan Joost van Kalkar 밑에서 공부했습니다. 그는 당시 가장 활동적인 예술가 중 한 명으로 간주됩니다. Francis I 법원에서 그의 그림과 예술가로서의 지위는 그의 프랑스 체류를 증언하고 Jos의 이탈리아 여행을 확인하는 사실이 있습니다.
Jos van Cleve의 주요 작품은 성모승천(현재 쾰른과 뮌헨에 있음)을 묘사한 두 개의 제단으로, 이전에는 알려지지 않은 예술가인 마리아의 삶의 대가에게 귀속되었습니다.

(동방 박사의 숭배. 16세기 1/3, 드레스덴 아트 갤러리)

Jos van Cleve는 소설가로 분류됩니다. 부드러운 볼륨 모델링 방법에서 그는 Leonardo da Vinci의 sfumato의 영향에 대한 메아리를 느낍니다. 그럼에도 불구하고 그는 그의 작업의 많은 본질적인 측면에서 네덜란드 전통과 밀접하게 연결되어 있습니다.

Alte Pinakothek의 "Assumption of the Virgin"은 한때 동정녀 마리아의 쾰른 교회에 있었으며 여러 부유한 쾰른 가족의 대표자들이 의뢰했습니다. 제단에는 후원자의 수호 성인을 묘사하는 두 개의 측면 날개가 있습니다. 중앙 새시는 가장 큰 관심사입니다. Van Mander는 예술가에 대해 다음과 같이 썼습니다. 그의 작품은 예술 애호가들에게 높은 평가를 받았고 그에 합당했습니다.

Jos van Cleve의 아들 Cornelis도 예술가가 되었습니다.

북부 르네상스의 플랑드르 화가. 그는 이탈리아 반도 방문을 시작한 Bernard van Orley와 함께 그림을 공부했습니다. (Coxcie는 예술가 전용 거리의 Mechelen에서와 같이 때때로 Coxie로 표기됩니다). 1532 년 로마에서 그는 Santa Maria Delle "Anima와 Giorgio Vasari 교회에서 Enckenvoirt 추기경의 예배당을 그렸습니다. 그의 작업은 이탈리아 방식으로 이루어졌습니다. 그러나 Coxey의 주요 작업은 조각가를위한 개발과 Psyche의 우화였습니다. Agostino Veneziano와 Daia의 마스터가 그들의 기술의 좋은 예를 보여주는 32장의 시트.

네덜란드로 돌아온 Coxey는 이 예술 분야에서 자신의 작업을 크게 발전시켰습니다. Coxey는 Mechelen으로 돌아와 St. Luke 길드 예배당에서 제단을 설계했습니다. 이 제단의 중앙에는 예술가들의 수호성인인 전도자 성 루크가 성모의 형상으로 그려져 있고, 측면 부분에는 성 비투스의 순교 장면과 성 요한의 환시 장면이 있습니다. Patmos의 전도자. 그는 로마 황제 Charles V의 후원을 받았습니다. 1587-1588년의 그의 걸작들 Mechelen의 대성당, 브뤼셀의 대성당, 브뤼셀 및 앤트워프의 박물관에 보관됩니다. 그는 Flemish Raphael로 알려졌습니다. 그는 1592년 5월 5일 Mechelen에서 계단에서 떨어져 사망했습니다.

(덴마크의 크리스티나)

(아벨을 죽임)

Marinus van Reimerswale (c. 1490, Reimerswaal - 1567년 이후)

Marinus의 아버지는 Antwerp Artists' Guild의 회원이었습니다. Marinus는 Quentin Masseys의 학생으로 간주되거나 적어도 그의 작업에서 그에게 영향을 받았습니다. 그러나 van Reimerswale은 그림만 그린 것이 아닙니다. 고향 Reimerswal을 떠난 후 그는 Middelburg로 이사하여 교회 강도에 가담하여 처벌을 받고 도시에서 추방되었습니다.

Marinus van Reimerswale은 성 베드로의 이미지 덕분에 회화의 역사에 남아 있습니다. Jerome과 은행가, 고리대금업자, 세금 징수원의 초상화는 예술가가 세심하게 그린 정교한 옷을 입고 있습니다. 그러한 초상화는 탐욕의 의인화로 당시에 매우 인기가 있었습니다.

남부 네덜란드 화가이자 그래픽 아티스트로, 이 이름을 지닌 가장 유명하고 중요한 예술가입니다. 풍경과 장르 장면의 대가. 화가 Pieter Brueghel the Younger (Hellish)와 Jan Brueghel the Elder (Paradise)의 아버지.