rumah › Badan › Alat muzik era Baroque. Muzik instrumental abad ke-17 Apakah instrumen yang popular pada abad ke-17

Alat muzik era Baroque. Muzik instrumental abad ke-17 Apakah instrumen yang popular pada abad ke-17

organ

Alat muzik kompleks yang terdiri daripada peniup udara, satu set paip kayu dan logam saiz yang berbeza dan dari konsol persembahan (mimbar), di mana tombol daftar, beberapa papan kekunci dan pedal terletak.

Harpsichord

perawan

Spinet

Spinet ialah harpsichord kecil yang berbentuk segi empat sama, segi empat tepat, atau pentagonal.

Claviciterium

Claviciterium ialah harpsichord dengan badan menegak.

Clavichord

Rentetan rentetan

biola barok

Rencana utama: biola barok

bass berganda

Alat tunduk terbesar dan paling dalam dalam orkestra. Ia dimainkan secara berdiri atau duduk di atas bangku tinggi.

Bertali dipetik

kecapi barok

Pada abad ke-16, kecapi enam tali adalah yang paling biasa (instrumen lima tali diketahui pada abad ke-15), semasa peralihan ke abad ke-17 (zaman Baroque akhir), bilangan tali mencapai dua puluh empat. Selalunya, terdapat dari 11 hingga 13 rentetan (9-11 pasang dan 2 perseorangan). Bina-chord dalam D minor (kadangkala major).

Theorbo

Theorbo ialah versi bass bagi kecapi. Bilangan rentetan adalah dari 14 hingga 19 (kebanyakannya tunggal, tetapi terdapat juga instrumen dengan pasangan).

Quitarrone

Kitarrone - pelbagai bass yang dipanggil. Gitar Itali (alat dengan badan bujur, berbeza dengan g. Sepanyol). Bilangan rentetan ialah 14 tali tunggal. Quitarrone kelihatan tidak berbeza dengan theorbo, tetapi mempunyai asal yang berbeza daripadanya.

arkitek

Lebih kecil daripada theorbo. Selalunya ia mempunyai 14 rentetan, enam yang pertama dalam penalaan tipikal Renaissance - (tidak seperti kecapi barok, di mana enam rentetan pertama memberikan kord minor D) dibina dalam satu liter bersih, kecuali untuk ke-3 dan ke-4, yang dibina dalam pertiga besar.

Angelica

Mandora

Gallichon

citer

archicitra

Mandolin

gitar barok

Rencana utama: gitar barok

Gitar barok biasanya mempunyai lima pasang (koir) tali usus. Gitar barok atau lima koir pertama dikenali dari akhir abad ke-16. Ketika itulah koir kelima telah ditambah kepada gitar (sebelum itu, ia dibekalkan dengan empat tali berpasangan). Gaya rasgeado menjadikan alat ini sangat popular.

Rentetan orang lain

hurdy gurdy

Hurdy gurdy mempunyai enam hingga lapan tali, yang kebanyakannya berbunyi serentak, bergetar akibat geseran terhadap roda yang dipusing oleh tangan kanan. Satu atau dua rentetan berasingan, bahagian yang berbunyi dipendekkan atau dipanjangkan dengan bantuan rod dengan tangan kiri, menghasilkan semula melodi, dan rentetan yang tinggal mengeluarkan dengung yang membosankan.

Tembaga

tanduk Perancis

Tanduk barok tidak mempunyai mekanik dan memungkinkan untuk mengekstrak hanya nada skala semula jadi; untuk bermain dalam setiap kekunci, instrumen berasingan telah digunakan.

tanduk

Alat muzik corong loyang angin tanpa injap, dengan laras kon.

Trombon

Trombon itu kelihatan seperti paip logam yang besar berbentuk bujur. Corong diletakkan di bahagian atasnya. Selekoh bawah trombon boleh digerakkan, dan dipanggil sayap. Menarik loceng keluar merendahkan bunyi, menolaknya masuk menaikkan bunyi.

Tiupan kayu

seruling melintang

Seruling blok

Chalumot

Oboe

Bassoon

quartbassoon

Quartbassoon - bassoon yang diperbesarkan. Secara bertulis, bahagian quarterbassoon ditulis dengan cara yang sama seperti bassoon, tetapi ia berbunyi keempat sempurna di bawah nota bertulis.

kontrabassoon

Contrabassoon ialah versi bass bagi bassoon.

gendang

timpani

Timpani ialah alat muzik perkusi dengan nada tertentu. Padang dilaraskan menggunakan skru atau mekanisme khas, selalunya dalam bentuk pedal kaki.

BAB 2. Gitar Menakluk Eropah

Pada abad ke-17, gitar terus menakluki Eropah.
Salah satu gitar pada masa itu adalah milik muzium Royal College of Music di London. Dicipta di Lisbon pada tahun 1581 oleh Melchior Dias tertentu.
Struktur gitar ini mempunyai ciri-ciri yang akan diulang dalam karya mereka oleh pakar alat muzik selama lebih daripada dua abad.

Gitar battente Itali abad ke-17 dari koleksi Istana Sforza, Milan.

Semua gitar pada masa itu dihiasi dengan mewah. Untuk pembuatan barang yang sangat indah, pengrajin menggunakan bahan berharga: kayu jarang (khususnya, hitam - kayu hitam), gading, cangkang kura-kura. Dek bawah dan sisi dihiasi dengan tatahan. Dek atas, sebaliknya, tetap sederhana dan diperbuat daripada kayu konifer (paling kerap cemara). Untuk tidak menyekat getaran, hanya lubang resonator dan tepi bekas di sepanjang lilitannya dipangkas dengan mozek kayu.
Unsur hiasan utama ialah roset yang diperbuat daripada kulit timbul. Roset ini bukan sahaja menyaingi keindahan keseluruhan kabinet, tetapi juga melembutkan bunyi yang dihasilkan. Jelas sekali, pemilik alat-alat mewah ini tidak begitu berminat dengan kekuatan dan kuasa seperti pada kecanggihan bunyi.
Salah satu contoh gitar pertama abad ke-17 yang telah diturunkan kepada kita adalah dalam koleksi Muzium Alat Muzik Konservatori Paris. Ia mempunyai nama tukang, Venetian Cristofo Coco, dan tarikh 1602. Badan rata sepenuhnya diperbuat daripada plat gading yang diikat dengan jalur sempit kayu coklat.

Augustine Quesnel Gitaris 1610

Pada abad ke-17, gaya razgueado, yang dibawa dari Sepanyol, di mana ia popular, merebak ke sebahagian besar Eropah. Gitar serta-merta kehilangan kepentingan yang pernah ada untuk pemuzik yang serius. Mulai sekarang, ia hanya digunakan untuk iringan, untuk "menyanyi, bermain, menari, melompat ... menghentak kaki," seperti yang ditulis oleh Louis de Briseno dalam kata pengantar untuk "Kaedah"nya (Paris, 1626).
Ahli teori dari Bordeaux, Pierre Trichet, juga menyatakan dengan rasa kesal (c. 1640): "Gitar, atau hyterna, ialah alat yang digunakan secara meluas di kalangan orang Perancis dan Itali, tetapi terutamanya di kalangan orang Sepanyol, yang menggunakannya secara tidak terkawal seperti yang lain. bangsa." Dia berfungsi sebagai pengiring muzik untuk tarian yang menari, "menggerak-gerakkan seluruh badan, memberi isyarat secara tidak masuk akal dan mengarut, sehingga memainkan alat menjadi tidak jelas dan keliru." Dan dengan rasa marah terhadap apa yang perlu diperhatikannya, Pierre Trichet meneruskan: “Di Perancis, wanita dan pelacur yang biasa dengan fesyen Sepanyol cuba menirunya. Dalam hal ini mereka menyerupai mereka yang, bukannya makan dengan baik di rumah mereka sendiri, pergi ke jiran untuk makan daging, bawang dan roti hitam.

David Teniers Junior Gitaris

Konsert Mattia Pretti 1630-an

Walaupun begitu, gitar tetap popular di Perancis. Gitar mudah digunakan dalam balet. Dalam The Fairy of Saint-Germain's Forest (1625) dan The Rich Widow (1626), pemuzik yang berpakaian kostum Sepanyol bermain gitar demi kredibiliti yang lebih besar. Dalam balet pertama, penghibur chaconne "menyesuaikan bunyi gitar mereka dengan pergerakan lincah kaki mereka". Pada yang kedua, yang dipentaskan oleh Kebawah Duli Yang Maha Mulia di Dewan Besar Louvre, bahagian dalam grenadier juga dibentangkan dengan iringan gitar. Menurut Mercure de France, Louis XIII sendiri mengiringi dua penari sarabande pada gitar dalam persembahan ini.

Gerrit van Honthorst Memainkan Gitar 1624

Jan Vermeer Gitaris 1672

Pada pertengahan abad ke-17, zaman kegemilangan baru gitar bermula. Dan kali ini kemas kini datang dari Perancis. Untuk mengajar gitar kepada raja Perancis muda, guru dan pemuzik terkenal Francesco Corbetta (1656) dipanggil ke mahkamah. Tidak berani mendakwa (tidak seperti beberapa orang istana) bahawa dalam lapan belas bulan Louis XIV mengatasi gurunya, seseorang boleh, bagaimanapun, tidak meragui keghairahan sebenar raja untuk instrumen itu. Semasa pemerintahannya, gitar sekali lagi menjadi kegemaran golongan bangsawan dan komposer. Dan sekali lagi fesyen untuk gitar menakluki seluruh Eropah.

Ukiran daripada kulit edisi lama Pieces for Guitar. 1676

Tarian Francisco Goya di Tebing Sungai 1777

Francisco Goya The Blind Guitarist 1788

Ramon Baie Seorang lelaki muda dengan gitar. 1789 Muzium Prado. Madrid

Menjelang akhir pemerintahan Louis XIV (d. 1715), titik perubahan dalam sejarah gitar datang - istana diraja menjadi acuh tak acuh terhadapnya.
Walau bagaimanapun, ia masih popular di kalangan orang ramai. Mademoiselle de Charolais dalam potret yang ditugaskan olehnya disajikan dengan gitar di tangannya, memetik talinya dengan perlahan. Watteau dan Lancret memperkenalkan gitar ke dalam gambaran adegan cinta. Dan pada masa yang sama, ia adalah alat untuk pelakon lawak dan pelawak jelajah!
Karya Watteau dan Lancre serta gitar adalah halaman yang berasingan lukisan perancis, jadi saya memutuskan untuk mendedikasikan galeri berasingan kepada artis ini dalam bahan ini.

Jean Antoine Watteau
Jean Antoine Watteau

Potret Rosalba Carriere Jean-Antoine Watteau 1721

Pelukis dan pelukis Perancis, pengasas dan ahli terhebat gaya Rococo. Pada 1698-1701 Watteau belajar dengan artis tempatan Gerin, di mana desakan dia menyalin karya Rubens, Van Dyck dan pelukis Flemish yang lain. Pada tahun 1702, Watteau berlepas ke Paris dan tidak lama kemudian menemui seorang guru dan penaung dalam diri Claude Gillot, seorang artis teater dan penghias yang melukis adegan dari kehidupan teater moden. Watteau dengan cepat mengatasi gurunya dalam kemahiran dan lebih kurang. 1708 memasuki studio penghias Claude Audran. Pada tahun 1709, Watteau tidak berjaya cuba memenangi Grand Prix Akademi Seni, tetapi karyanya menarik perhatian beberapa orang yang berpengaruh, di antaranya ialah dermawan dan pakar lukisan Jean de Julienne, peniaga seni Edmond Francois Gersin, jurubank. dan pengumpul Pierre Crozat, di mana rumah artis itu tinggal untuk beberapa waktu, dsb. Pada tahun 1712 Watteau diperkenalkan dengan gelaran ahli akademik dan pada tahun 1717 menjadi ahli Akademi Lukisan dan Arca Diraja. Watteau meninggal dunia di Nogent-sur-Marne pada 18 Julai 1721.

Jean-Antoine Watteau komedi Itali 1714

Jean Antoine Watteau Melihat Melalui Pokok-pokok di Taman Pierre Crozat 1714-16

Jean-Antoine Watteau Gilles bersama keluarganya 1716

Kisah Jean Antoine Watteau Pierrot

Lagu Cinta Jean Antoine Watteau 1717

Jean-Antoine Watteau Mezzetin 1717-19

Nicola Lancre
Nicolas Lancret

Nicolas Lancre Potret diri 1720

Artis Perancis, lahir di Paris. Dia belajar terlebih dahulu dengan Pierre Dulin, dan kemudian dari kira-kira 1712 dia bekerja selama beberapa tahun di bawah bimbingan Claude Gillot, yang melaluinya dia bertemu dengan Jean Antoine Watteau, yang mempunyai pengaruh besar terhadap kerjanya. Lancre beralih kepada subjek yang sama seperti Watteau: dia menulis watak-watak komedi dell'arte Itali dan adegan "perayaan gagah." Di samping itu, beliau menggambarkan dongeng La Fontaine dan mencipta lukisan bergenre. Lancret meninggal dunia di Paris pada tahun 1743.

Konsert Nicola Lancret di Taman 1720

Nicola Lancre Bercuti di taman

Konsert Nicola Lancre di Taman

Nicola Lancre perbualan gagah

Kebangkitan baru gitar itu, menurut Michel Brenet, dikaitkan dengan kemunculan dua penyanyi berbakat membuat persembahan di salun. Mereka melakukan duet, menemani diri mereka sendiri. Ini adalah Pierre Geliot dan Pierre de la Garde yang terkenal.
Lukisan terkenal Michel Bartolomeo Olivier Tea dalam bahasa Inggeris dan Konsert di House of the Princess de Conti menyampaikan suasana perhimpunan sekular ini.

Daripada Wikipedia, ensiklopedia percuma

Papan kekunci

organ

Alat muzik kompleks yang terdiri daripada mekanisme suntikan udara, satu set paip kayu dan logam pelbagai saiz, dan konsol persembahan (lectern), di mana tombol daftar, beberapa papan kekunci dan pedal terletak.

Harpsichord

perawan

Spinet

Spinet ialah harpsichord kecil yang berbentuk segi empat sama, segi empat tepat, atau pentagonal.

Claviciterium

Claviciterium ialah harpsichord dengan badan menegak.

Clavichord

Rentetan rentetan

biola barok

Bariton

Jenis "kaki" (gamba) bass viola. Bunyi pada bariton diekstrak dengan busur enam tali usus, dengan tali simpati terletak di bawahnya. Daripada rentetan simpati (tambahan), bunyi itu dikeluarkan dengan secubit dengan ibu jari tangan kiri.

Violone

Jenis "kaki" (gamba) bass viola.

Liron

Jenis "kaki" (gamba) bass viola. Disesuaikan khas untuk memainkan kord.

Cello

Cello ialah alat rentetan daftar bass-tenor. 4 tali ditala dalam perlima (ke dan garam oktaf besar, D kecil, la pertama). Cello muncul pada akhir abad ke-15 dan awal abad ke-16. Cello klasik telah dicipta oleh tuan Itali pada abad ke-17 dan ke-18. Antonio Amati dan Girolamo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari.

bass berganda

Alat tunduk terbesar dan paling dalam dalam orkestra. Ia dimainkan secara berdiri atau duduk di atas bangku tinggi.

Bertali dipetik

kecapi barok

Theorbo

Theorbo ialah versi bass bagi kecapi. Bilangan rentetan adalah dari 14 hingga 19 (kebanyakannya tunggal, tetapi terdapat juga instrumen dengan pasangan).

Quitarrone

arkitek

Angelica

Mandora

Gallichon

citer

archicitra

Mandolin

gitar barok

Rentetan orang lain

hurdy gurdy

Tembaga

tanduk Perancis

Tanduk barok tidak mempunyai mekanik dan memungkinkan untuk mengekstrak hanya nada skala semula jadi; untuk bermain dalam setiap kekunci, instrumen berasingan telah digunakan.

tanduk

Alat muzik corong loyang angin tanpa injap, dengan laras kon.

Trombon

Tiupan kayu

seruling melintang

Seruling blok

Chalumot

Oboe

Bassoon

quartbassoon

Quartbassoon - bassoon yang diperbesarkan. Secara bertulis, bahagian quarterbassoon ditulis dengan cara yang sama seperti bassoon, tetapi ia berbunyi keempat sempurna di bawah nota bertulis.

kontrabassoon

Contrabassoon ialah versi bass bagi bassoon.

gendang

timpani

Timpani ialah alat muzik perkusi dengan nada tertentu. Padang dilaraskan menggunakan skru atau mekanisme khas, selalunya dalam bentuk pedal kaki.

Tulis ulasan tentang artikel "Alat muzik era Baroque"

Nota

Petikan yang mencirikan alat muzik era Baroque

"Adakah akan ada perintah dari bangsawanmu?" - dia berkata kepada Denisov, meletakkan tangannya ke visornya dan sekali lagi kembali ke permainan ajudan dan jeneral, yang dia telah sediakan, - atau adakah saya harus kekal dengan kehormatan anda?
"Pesanan?" Denisov berkata dengan penuh perhatian. - Bolehkah anda tinggal sehingga esok?
- Oh, tolong... Bolehkah saya tinggal dengan awak? Petya menjerit.
- Ya, bagaimana sebenarnya anda diperintahkan daripada geneg "ala - sekarang untuk keluar"? Denisov bertanya. Petya tersipu-sipu.
Ya, dia tidak berkata apa-apa. Saya fikir ia mungkin? katanya dengan penuh selidik.
"Baiklah, baiklah," kata Denisov. Dan, berpaling kepada orang bawahannya, dia membuat perintah supaya parti itu pergi ke tempat rehat yang ditetapkan berhampiran pondok pengawal di dalam hutan dan pegawai yang menunggang kuda Kyrgyz (pegawai ini bertindak sebagai ajudan) pergi mencari Dolokhov, mengetahui di mana dia dan sama ada dia akan datang pada waktu petang. Denisov sendiri, dengan esaul dan Petya, berhasrat untuk memandu ke pinggir hutan, menghadap ke Shamshev, untuk melihat lokasi Perancis, yang akan diarahkan serangan esok.
"Nah, ode Tuhan," dia berpaling kepada konduktor petani, "bawa saya ke Shamshev.
Denisov, Petya dan esaul, diiringi oleh beberapa Cossack dan seorang hussar yang membawa seorang banduan, memandu ke kiri melalui jurang, ke pinggir hutan.

Hujan telah berlalu, hanya kabus dan titisan air yang jatuh dari dahan pokok. Denisov, esaul, dan Petya secara senyap mengikuti petani berkopiah, yang, dengan ringan dan tanpa suara melangkah dengan kakinya keluar dengan kasut kulit kayu di atas akar dan daun basah, membawa mereka ke pinggir hutan.
Keluar ke izvolok, petani itu berhenti seketika, melihat sekeliling dan menuju ke arah dinding pokok yang menipis. Di sebatang pokok oak yang besar, yang belum menggugurkan daunnya, dia berhenti dan secara misteri memberi isyarat kepadanya dengan tangannya.
Denisov dan Petya memandu ke arahnya. Dari tempat petani itu berhenti, kelihatan orang Perancis. Kini padang mata air sedang turun di belakang hutan seperti separa bukit. Di sebelah kanan, merentasi jurang yang curam, seseorang dapat melihat sebuah perkampungan kecil dan sebuah rumah besar dengan bumbung runtuh. Di kampung ini, di rumah besar, dan di sepanjang bukit, di taman, di tepi telaga dan kolam, dan di sepanjang jalan menanjak dari jambatan ke kampung, tidak lebih dari dua ratus sazhen jauhnya, orang ramai dapat dilihat dalam kabus yang bergelombang. Tangisan mereka yang bukan warga Rusia jelas kedengaran pada kuda-kuda di dalam kereta yang merobek gunung dan memanggil satu sama lain.
"Berikan banduan di sini," kata Denisop perlahan, tidak mengalihkan pandangannya dari Perancis.
Cossack turun dari kudanya, mengeluarkan budak itu, dan bersama-sama dengannya mendekati Denisov. Denisov, menunjuk kepada orang Perancis, bertanya jenis tentera mereka. Budak lelaki itu, memasukkan tangannya yang kedinginan ke dalam poket dan mengangkat keningnya, memandang Denisov ketakutan dan, walaupun keinginannya yang jelas untuk mengatakan semua yang dia tahu, menjadi keliru dalam jawapannya dan hanya mengesahkan apa yang Denisov tanya. Denisov, berkerut dahi, berpaling darinya dan berpaling kepada esaul, memberitahu fikirannya.
Petya, memalingkan kepalanya dengan pergerakan pantas, mula-mula mengerling pada pemain drum, kemudian pada Denisov, kemudian pada esaul, kemudian pada Perancis di kampung dan di jalan raya, cuba untuk tidak terlepas sesuatu yang penting.
- Pg "akan datang, bukan pg" ialah Dolokhov, anda perlu bg "at! .. Hah? "kata Denisov, matanya bersinar riang.
"Tempatnya selesa," kata esaul.
"Kami akan menghantar infantri dari bawah-melalui paya," Denisov meneruskan, "mereka akan merangkak ke taman; anda akan memanggil dengan Cossack dari sana, "Denisov menunjuk ke hutan di luar kampung," dan saya dari sini, dengan gusags saya.
"Ia tidak mungkin berlaku di dalam lubang - ia adalah rawa," kata esaul. - Anda akan menumpaskan kuda, anda perlu berpusing ke kiri ...
Semasa mereka bercakap dengan nada lembut dengan cara ini, di bawah, di dalam lubang dari kolam, satu pukulan berbunyi, asap mula menjadi putih, satu lagi, dan tangisan mesra, seolah-olah ceria, ratusan suara Perancis yang sedang di atas gunung separuh kedengaran. Pada minit pertama, Denisov dan esaul bersandar. Mereka begitu rapat sehingga nampaknya merekalah punca tembakan dan jeritan ini. Tetapi tembakan dan jeritan itu bukan milik mereka. Di bawah, melalui paya, seorang lelaki berpakaian merah sedang berlari. Jelas sekali, orang Perancis menembaknya dan menjerit kepadanya.
- Lagipun, ini Tikhon kami, - kata esaul.
- Dia! mereka adalah!
"Eka penyangak," kata Denisov.
- Pergi! - mengacaukan matanya, kata esaul.
Lelaki yang mereka panggil Tikhon, berlari ke sungai, terjun ke dalamnya sehingga semburan itu terbang, dan, bersembunyi seketika, semuanya hitam dari air, keluar dengan merangkak dan terus berlari. Orang Perancis, yang mengejarnya, berhenti.
- Baik, pandai, - kata esaul.
- Sungguh binatang! Denisov berkata dengan ekspresi kegusaran yang sama. Dan apa yang telah dia lakukan setakat ini?
- Siapa ini? tanya Petya.
- Ini plast kami. Saya menghantarnya untuk mengambil bahasa.
"Ah, ya," kata Petya dari perkataan pertama Denisov, menganggukkan kepalanya seolah-olah dia memahami segala-galanya, walaupun dia jelas tidak memahami satu perkataan pun.
Tikhon Shcherbaty adalah salah seorang yang paling diperlukan dalam parti itu. Dia adalah seorang petani dari Pokrovsky berhampiran Gzhatya. Apabila, pada permulaan tindakannya, Denisov datang ke Pokrovskoye dan, seperti biasa, memanggil ketua, bertanya apa yang mereka tahu tentang Perancis, ketua menjawab, kerana semua ketua menjawab, seolah-olah mempertahankan diri, bahawa mereka tidak tahu. apa-apa, tahu mereka tidak tahu. Tetapi apabila Denisov menjelaskan kepada mereka bahawa matlamatnya adalah untuk mengalahkan Perancis, dan apabila dia bertanya sama ada orang Perancis telah merayau ke dalam mereka, ketua berkata bahawa sudah pasti ada perompak, tetapi di kampung mereka hanya Tishka Shcherbaty yang terlibat dalam perkara ini. perkara. Denisov memerintahkan Tikhon untuk dipanggil kepadanya dan, memujinya atas aktivitinya, berkata beberapa perkataan di hadapan ketua tentang kesetiaan kepada tsar dan tanah air dan kebencian terhadap Perancis, yang harus diperhatikan oleh anak-anak tanah air.
"Kami tidak membahayakan orang Perancis," kata Tikhon, nampaknya malu dengan kata-kata Denisov ini. - Kami hanya begitu, bermakna, pada memburu berkecimpung dengan lelaki. Ia seperti dua dozen Miroderov dipukul, jika tidak, kami tidak melakukan apa-apa yang buruk ... - Keesokan harinya, apabila Denisov, benar-benar melupakan petani ini, meninggalkan Pokrovsky, dia dimaklumkan bahawa Tikhon telah berpegang pada parti itu dan meminta untuk menjadi ditinggalkan dengannya. Denisov memerintahkan untuk meninggalkannya.
Tikhon, yang pada mulanya membetulkan kerja kasar memadamkan api, menghantar air, menguliti kuda, dan lain-lain, tidak lama kemudian menunjukkan kesanggupan dan keupayaan untuk perang gerila. Dia keluar pada waktu malam untuk merompak dan setiap kali membawa pakaian dan senjata Perancis, dan apabila dia diperintahkan, dia membawa tahanan. Denisov meletakkan Tikhon dari kerja, mula membawanya dalam perjalanan bersamanya dan mendaftarkannya di Cossacks.
Tikhon tidak suka menunggang dan sentiasa berjalan, tidak pernah ketinggalan di belakang pasukan berkuda. Senjatanya adalah blunderbuss, yang dia pakai lebih untuk ketawa, tombak dan kapak, yang dimilikinya seperti serigala memiliki gigi, sama mudahnya memetik kutu dari bulu dan menggigit tulang tebal dengannya. Tikhon dengan setia, dengan sekuat tenaga, membelah kayu balak dengan kapak dan, mengambil kapak di punggung, memotong pasak nipis dengannya dan memotong sudu. Dalam parti Denisov, Tikhon menduduki tempatnya yang istimewa dan luar biasa. Apabila perlu untuk melakukan sesuatu yang sangat sukar dan hodoh - untuk menghidupkan gerabak di dalam lumpur dengan bahunya, untuk menarik kuda keluar dari paya dengan ekor, mengulitinya, memanjat ke tengah-tengah Perancis, berjalan lima puluh batu sehari - semua orang menunjuk, ketawa, pada Tikhon.
"Apa yang dia lakukan, merenina yang kuat," kata mereka tentang dia.
Pernah seorang lelaki Perancis, yang diambil oleh Tikhon, menembaknya dengan pistol dan memukulnya di daging belakangnya. Luka ini, yang Tikhon hanya dirawat dengan vodka, secara dalaman dan luaran, menjadi bahan jenaka paling ceria di seluruh detasmen dan jenaka yang Tikhon rela mengalah.
"Apa abang, takkan?" Ali kecut perut? Cossack mentertawakannya, dan Tikhon, dengan sengaja membongkok dan membuat muka, berpura-pura marah, memarahi Perancis dengan kutukan yang paling tidak masuk akal. Kejadian ini hanya memberi kesan kepada Tikhon bahawa, selepas kecederaannya, dia jarang membawa tahanan.

Kementerian Pendidikan dan Sains Ukraine

SevNTU

Jabatan: Pengajian Ukraine. Kebudayaan. Pedagogi.

Esei pengajian budaya

Subjek: "Muzik instrumental era Baroque (XVII-separuh pertama abad XVIII). Asal genre - simfoni, konserto. Karya Antonio Vivaldi.

Dilakukan oleh seorang pelajar

kumpulan IM-12d

Stupko M.G.

Disemak:

Kostennikov A.M.

Sevastopol 2007

Pelan:

pengenalan.

Bahagian utama:

1) Perbezaan muzik Baroque:

Dari zaman Renaissance.

Daripada klasikisme.

2) Ciri-ciri umum genre instrumental era Baroque.

3) Sejarah muzik instrumental di Eropah Barat.

Bahagian akhir.

1) Pengaruh muzik instrumental barok pada muzik kemudiannya.

Peralihan ke era klasikisme (1740-1780).

Pengaruh Teknik dan Teknik Baroque selepas 1760.

Jazz.

2) Kesimpulan.

IV. Senarai sumber.

pengenalan:

Era Baroque (abad XVII) adalah salah satu era yang paling menarik dalam sejarah budaya dunia. Ia menarik untuk drama, keamatan, dinamik, kontras dan, pada masa yang sama, keharmonian, integriti, perpaduan.

Peranan istimewa dalam era ini diduduki oleh seni muzik, yang bermula, seolah-olah, dengan titik perubahan yang menentukan, dengan perjuangan tanpa kompromi menentang "gaya ketat" lama.

Kemungkinan ekspresif seni muzik berkembang, pada masa yang sama terdapat kecenderungan untuk memisahkan muzik dari perkataan - kepada perkembangan intensif genre instrumental, yang sebahagian besarnya dikaitkan dengan estetika Baroque. Bentuk kitaran berskala besar muncul (konserto grosso, ensemble dan sonata solo), dalam beberapa suite pertunjukan teater, fugues, improvisasi jenis organ secara bergantian. Perbandingan dan jalinan prinsip polifonik dan homofonik penulisan muzik menjadi tipikal.Teknik penulisan dan persembahan pada zaman Baroque telah menjadi bahagian penting dan penting dalam kanun muzik klasik. Karya-karya pada masa itu banyak dilakukan dan dikaji.

Perbezaan dalam muzik barok

daripada zaman renaissance

Muzik Baroque mengambil alih amalan penggunaan polifoni dan counterpoint dari zaman Renaissance. Walau bagaimanapun, teknik ini digunakan secara berbeza. Semasa Renaissance, keharmonian muzik dibina berdasarkan fakta bahawa dalam pergerakan polifoni yang lembut dan tenang, konsonan muncul sekunder dan seolah-olah secara kebetulan. Dalam muzik barok, bagaimanapun, susunan konsonan muncul menjadi penting: ia memanifestasikan dirinya dengan bantuan kord yang dibina mengikut skema hierarki tonaliti berfungsi (atau sistem modal major-minor yang berfungsi). Sekitar tahun 1600, takrifan nada suara sebahagian besarnya tidak tepat, subjektif. Sebagai contoh, ada yang melihat beberapa perkembangan tonal dalam irama madrigals, manakala sebenarnya, pada monodi awal, tonaliti masih sangat tidak tentu. Perkembangan teori sistem perangai seragam yang lemah memberi kesan. Menurut Sherman, buat pertama kalinya hanya pada tahun 1533, Giovanni Maria Lanfranco dari Itali mencadangkan dan memperkenalkan ke dalam amalan prestasi organ-clavier sistem perangai yang sama. Dan sistem itu menjadi meluas kemudian. Dan hanya pada tahun 1722 Clavier Well-Tempered oleh J.S. Bach muncul. Satu lagi perbezaan antara keharmonian muzik Baroque dan Renaissance ialah pada zaman awal pergeseran tonik berlaku lebih kerap pada pertiga, manakala dalam tempoh Baroque modulasi dalam perempat atau perlima didominasi (penampilan konsep tonaliti berfungsi mempunyai kesan. ). Di samping itu, muzik barok menggunakan garis melodi yang lebih panjang dan irama yang lebih ketat. Tema utama telah dikembangkan sama ada dengan sendirinya atau dengan bantuan iringan basso continuo. Kemudian dia muncul dengan suara lain. Kemudian, topik utama mula diluahkan melalui basso continuo, bukan sahaja dengan bantuan suara-suara utama. Hierarki melodi dan iringan menjadi kabur.

Perbezaan gaya menentukan peralihan daripada ricercars, fantasi dan canzones Renaissance kepada fugues, salah satu bentuk utama muzik barok. Monteverdi memanggil ini gaya baru, bebas praktik kedua (bentuk kedua) berbanding prima pratica (bentuk pertama), yang mencirikan motet dan bentuk paduan suara gereja yang lain oleh guru-guru Renaissance seperti Giovanni Pierluigi da Palestrina. Monteverdi sendiri menggunakan kedua-dua gaya; jisimnya "In illo tempore" ditulis dalam gaya lama, dan "Vespers of the Blessed Virgin" dalam gaya baru.

Terdapat perbezaan lain yang lebih mendalam dalam gaya barok dan renaissance. Muzik Baroque berusaha untuk mencapai tahap kepuasan emosi yang lebih tinggi daripada muzik Renaissance. Tulisan Baroque sering menggambarkan satu emosi tertentu (gembira, kesedihan, ketakwaan, dan sebagainya; lih.teori kesan). Muzik Baroque sering ditulis untuk penyanyi dan pemuzik virtuoso, dan biasanya lebih sukar untuk dipersembahkan daripada muzik Renaissance, walaupun pada hakikatnya rakaman terperinci bahagian instrumental adalah salah satu inovasi terpenting dalam zaman Baroque. Ia menjadi hampir wajib untuk digunakanhiasan muzik, sering dilakukan oleh pemuzik dalam bentukimprovisasi. Ungkapan sepertinota inegalesmenjadi universal; dilakukan oleh kebanyakan pemuzik, selalunya dengan kebebasan aplikasi yang besar.

Satu lagi perubahan penting ialah keghairahan untuk muzik instrumental mengatasi semangat untuk muzik vokal. Keratan vokal sepertimadrigal Dan arias, sebenarnya, lebih kerap mereka tidak dinyanyikan, tetapi dilakukan secara instrumental. Ini dibuktikan dengan kesaksian orang sezaman, serta bilangan manuskrip potongan instrumental, yang jumlahnya melebihi bilangan karya yang mewakili dunia sekular. muzik vokal . Kemunculan secara beransur-ansur gaya instrumental tulen, berbeza daripada polifoni vokal abad ke-16, merupakan salah satu langkah terpenting dalam peralihan daripada Renaissance ke Baroque. Sehingga akhir abad ke-16, muzik instrumental hampir tidak berbeza daripada muzik vokal dan terdiri terutamanya daripada melodi tarian, susunan lagu popular dan madrigal yang terkenal (terutamanya untuk papan kekunci dankecapi) serta kepingan polifonik yang boleh dicirikan sebagaimotet, canzone, madrigaltanpa puisi.

Walaupun pelbagai rawatan variasi,toccata, fantasi Dan pendahuluankerana instrumen kecapi dan papan kekunci telah diketahui sejak sekian lama, muzik ensembel masih belum memenangi kewujudan bebas. Walau bagaimanapun, perkembangan pesat komposisi vokal sekular di Itali dan negara-negara Eropah yang lain merupakan dorongan baharu kepada penciptaan muzik bilik untuk instrumen.

Contohnya, dalam Englandseni bermain yang meluasbiola- alat muzik bertali pelbagai dan saiz. Pemain Viol sering menyertai kumpulan vokal, mengisi suara yang hilang. Amalan ini menjadi biasa, dan banyak edisi dilabelkan "Fit for Voices or Violas".

Banyak aria vokal dan madrigal dipersembahkan sebagai keping instrumental. Contohnya, madrigal"Angsa Perak"Orlando Gibbonsdalam berpuluh-puluh koleksi, dilabel dan dipersembahkan sebagai karya instrumental.

Daripada klasikisme

Dalam era klasikisme yang mengikuti baroque, peranan counterpoint berkurangan (walaupun perkembangan seni counterpoint tidak berhenti), dan struktur homophonic karya muzik muncul ke hadapan. Terdapat kurang hiasan dalam muzik. Karya mula condong ke arah struktur yang lebih jelas, terutamanya yang ditulis dalam bentuk sonata. Modulasi (perubahan kunci) telah menjadi elemen penstrukturan; karya-karya itu mula didengari sebagai perjalanan yang penuh drama melalui urutan kunci, siri pemergian dan ketibaan ke tonik. Modulasi juga terdapat dalam muzik barok, tetapi tidak membawa fungsi penstrukturan.

Dalam karya-karya era klasik, banyak emosi sering didedahkan dalam satu bahagian kerja, manakala dalam muzik barok satu bahagian membawa satu, perasaan yang ditarik dengan jelas. Dan, akhirnya, dalam karya klasik, klimaks emosi biasanya dicapai, yang diselesaikan pada penghujung kerja. Dalam karya barok, selepas mencapai kemuncak ini, sehingga nota terakhir, sedikit rasa emosi utama kekal. Pelbagai bentuk barok berfungsi sebagai titik permulaan untuk pembangunan bentuk sonata, membangunkan banyak varian irama asas.

Ciri umum genre instrumental era Baroque.

Asal genre - simfoni, konserto. Sonata pada abad ke-17

Prototaip simfoni boleh dianggap sebagai tawaran Itali, yang terbentuk di bawah Scarlatti pada akhir abad ke-17. Bentuk ini kemudiannya dipanggil simfoni dan terdiri daripada allegro, andante dan allegro, digabungkan menjadi satu. Sebaliknya, pendahulu simfoni adalah sonata orkestra, yang terdiri daripada beberapa bahagian dalam bentuk paling mudah dan kebanyakannya dalam kunci yang sama. Dalam simfoni klasik, hanya bahagian pertama dan terakhir mempunyai kekunci yang sama, dan bahagian tengah ditulis dalam kekunci yang berkaitan dengan yang utama, yang menentukan kunci keseluruhan simfoni. Kemudian, Haydn dianggap sebagai pencipta bentuk klasik simfoni dan warna orkestra; Mozart dan Beethoven memberi sumbangan besar kepada pembangunannya.

Perkataan Konsert, sebagai nama komposisi muzik, muncul di Itali pada akhir abad ke-16. Sebuah konserto dalam tiga bahagian muncul pada akhir abad ke-17. Corelli Itali (lihat) dianggap sebagai pengasas bentuk konserto ini.

Konsert ini biasanya terdiri daripada 3 bahagian (bahagian yang melampau adalah dalam gerakan pantas). Pada abad ke-18, sebuah simfoni di mana banyak instrumen dimainkan secara solo di tempat-tempat dipanggil konserto grosso. Kemudian, simfoni, di mana satu instrumen mempunyai kepentingan yang lebih bebas berbanding dengan yang lain, dikenali sebagai symphonique concertante, concertirende Sinfonie. Secara genetik, konserto grosso dikaitkan dengan bentuk fugue berdasarkan laluan berurutan tema melalui suara, berselang-seli dengan pembinaan bukan tematik - selingan. Concerto grosso mewarisi prinsip ini, dengan perbezaan bahawa pembinaan awal konserto adalah polifonik. Terdapat 3 jenis tekstur dalam konserto grosso:

polifonik;

homophonic;

paduan suara (choral).

(mereka hampir tidak pernah ditemui dalam bentuk tulennya. Tekstur sintetik berlaku - gudang homofonik-polifonik).

Sonata (tidak boleh dikelirukan dengan bentuk sonata). Sehingga akhir abad ke-17, koleksi kepingan instrumental, serta motet vokal, disusun untuk instrumen, dipanggil sonata. Sonata dibahagikan kepada dua jenis: chamber sonata (ital. sonata da camera ), yang terdiri daripada prelude, arioso, tarian, dsb., yang ditulis dalam kunci yang berbeza, dan sonata gereja (ital. sonata da chiesa ), di mana gaya kontrapuntal berlaku. Sebilangan keping instrumental yang ditulis untuk banyak instrumen orkestra dipanggil bukan sonata, tetapi konserto besar (ital. konsert grosso ). Sonata juga digunakan dalam konserto untuk instrumen solo dengan orkestra, serta dalam simfoni.

Genre instrumental utama era Baroque.

konserto grosso ( konserto grosso)

Fugue

Suite

Allemande

Courant

Sarabande

Gigue

Gavotte

Minit

Sonata

Chamber sonata Sonata dan kamera

sonata gereja sonata da chiesa

Trio sonata

sonata klasik

Overture

Penampilan Perancis (fr. tawaran)

Overture Itali (Bahasa Itali) synfonia)

Partita

Canzona

simfoni

Fantasi

Reachercar

Toccata

pendahuluan

Chaconne

Passacaglia

Choral Prelude

Instrumen asas era Baroque.

Organ dalam muzik sekular suci dan ruang menjadi alat muzik utama Baroque. Harpsichord, tali yang dipetik dan tunduk, serta instrumen tiup kayu juga digunakan secara meluas: biola, gitar barok, biola barok, cello, double bass, pelbagai seruling, klarinet, oboe, bassoon. Pada era Baroque, fungsi instrumen bertali yang dipetik secara meluas seperti kecapi telah dikurangkan kepada iringan berterusan basso, dan secara beransur-ansur ia digantikan dalam bentuk ini. instrumen papan kekunci. The hurdy gurdy, yang kehilangan popularitinya pada Renaissance sebelum ini dan menjadi alat orang miskin dan gelandangan, menerima kelahiran kedua; sehingga akhir abad ke-18. hurdy-gurdy kekal sebagai mainan bergaya golongan bangsawan Perancis, yang menggemari kehidupan luar bandar.

Sejarah muzik instrumental di Eropah Barat.

Muzik instrumental Itali.

Itali pada abad ke-17 memainkan peranan sebagai studio eksperimen yang besar, di mana pencarian berterusan dan pembentukan beransur-ansur genre progresif dan bentuk muzik instrumental yang baru berlaku. Pencarian inovatif ini telah membawa kepada penciptaan khazanah seni yang hebat.

Bentuk muzik yang terbuka dan demokratik seperti itu muncul sebagai konsert gereja, di mana bukan sahaja muzik rohani, tetapi juga sekular dipersembahkan. Konsert-konsert ini telah diatur untuk ahli kariah di premis gereja dan katedral pada hari Ahad selepas Misa dirayakan. Pelbagai kaedah melodi rakyat yang berbeza-beza telah menembusi secara meluas ke dalam muzik profesional.

Sejarah muzik instrumental abad ke-17. Di Itali, ini adalah sejarah penciptaan ensembel instrumental dengan peranan utama biola, kerana baru sekarang ia akhirnya menggantikan biola enam bertali yang sangat indah dengan sistem suku-tertnya, menolak kecapi. Sistem kelima menjadikan biola sebagai alat terutamanya konsonan dengan kemungkinan ekspresif harmoni, yang semakin menembusi muzik instrumental.

Venice mencipta sekolah biola pertama di Itali, di mana buat pertama kalinya komposisi trio rentetan profesional (dua biola dan bes) telah dibentuk dan genre yang menjadi tipikal untuk ensembel ini ditakrifkan: sonata trio banyak bahagian.

Pada pertengahan abad ini, sonata terbentuk, sebagai kitaran jenis baru.

Ini menimbulkan:

1) mencari tematik baru, kepastian kiasan, konkrit;

2) memperluaskan skop komposisi, penentuan sendiri bahagian;

3) kontras dinamik dan lirik dalam skala makro dan mikro.

Secara beransur-ansur, sonata bertukar daripada bentuk komposit kontras kepada kitaran.

Genre suite juga sedang berkembang. Satu jenis konsert sedang dibuat secara beransur-ansur - grosso, genre ini

Wakil muzik instrumental Itali:

Girolamo Frescobaldi (1583-1643).

Pengasas sekolah organ Itali abad XVII. Dia mengarang: canzones, toccatas, richercats, penyesuaian paduan suara untuk organ, serta harpsichord fugues, canzones dan partita. Dia meninggalkan penulisan yang ketat pada abad yang lalu dan meletakkan asas untuk gaya bebas baru. Tema melodi memperoleh pelbagai ciri genre, membawa mereka lebih dekat dengan kehidupan seharian, duniawi. Frescobaldi mencipta tema yang jelas dari segi emosi dan individu. Semua ini adalah perkataan baru dan segar dalam polifoni instrumental, dalam melodi dan pemikiran harmoni pada masa itu.

Arcangelo Corelli. (1653 -1713)

Pemain biola terhebat pada abad ke-17. Warisan kreatif terkandung dalam enam opus: - Dua belas trio sonata (dengan iringan organ) - 1685.

Dua belas trio sonata (dengan iringan harpsichord) - 1685.

Dua belas trio sonata (dengan iringan organ) - 1689.

Dua belas trio sonata (dengan iringan harpsichord) - 1694.

Sebelas sonata dan variasi untuk biola (dengan iringan harpsichord) - 1700.

Dua belas konserto grosso - 1712

Ciri: ketiadaan kontras tematik dalam bahagian; penjajaran solo dan tutti (lakonan) untuk mengaktifkan fabrik muzik; dunia imaginasi yang jelas dan terbuka.

Corelli memberikan sonata kesempurnaan bentuk klasik. Menjadi pengasas genre konsert grosso.

Antonio Vivaldi (1678-1741). Ciptaan.

Komposer Itali, pemain biola, konduktor, guru. Dia belajar dengan bapanya Dzhevan Battista Vivaldi, pemain biola Katedral San Marco di Venice, mungkin juga dengan G. Legrenzi. Pada 1703-25, seorang guru, kemudian seorang konduktor orkestra dan pengarah konsert, serta pengarah (sejak 1713) Konservatori Wanita Pieta (pada tahun 1735 dia sekali lagi menjadi ketua kumpulan untuk masa yang singkat). Dia mengarang muzik untuk banyak konsert sekular dan rohani konservatori. Pada masa yang sama dia menulis opera untuk teater Venice (menyertai produksi mereka). Sebagai pemain biola virtuoso, dia mengadakan konsert di Itali dan negara lain. Tahun lepas dihabiskan di Vienna.

Dalam karya Vivaldi, konserto grosso mencapai kemuncak tertingginya. Berdasarkan pencapaian A. Corelli, Vivaldi menubuhkan bentuk kitaran 3 bahagian untuk konserto grosso, memilih bahagian virtuoso daripada pemain solo. Dia mencipta genre solo konsert instrumental, menyumbang kepada pembangunan teknik biola virtuoso. Gaya muzik Vivaldi dibezakan oleh melodi, kemurahan hati, dinamisme dan ekspresif bunyi, ketelusan orca penulisan, keharmonian klasik digabungkan dengan kekayaan emosi. Konserto Vivaldi berkhidmat sebagai model genre konsert untuk banyak komposer, termasuk J. S. Bach (dia menyalin kira-kira 20 konsert biola Vivaldi untuk harpsichord dan organ). Kitaran "Seasons" adalah salah satu contoh terawal muzik orkestra program.

Sumbangan Vivaldi kepada pembangunan instrumentasi adalah penting (dia adalah orang pertama yang menggunakan gaboes, horn, bassoon dan instrumen lain sebagai bebas, dan tidak menduplikasi). Konserto instrumental Vivaldi adalah pentas dalam perjalanan ke pembentukan simfoni klasik. Di Siena, Institut Itali yang dinamakan sempena Vivaldi telah dicipta (diketuai oleh F. Malipiero).

Komposisi:

opera (27)-
termasuk Roland - orang gila khayalan (Orlando fiato pozzo, 1714, teater "Sant'Angelo", Venice), Nero, yang menjadi Caesar (Nerone fatto Cesare, 1715, ibid), Pertabalan Darius (L "incoronazione di Daria, 1716 , ibid.), Penipuan berjaya dalam cinta (L "inganno trionfante in amore, 1725, ibid.), Farnache (1727, ibid., kemudiannya juga dipanggil Farnache, penguasa Pontus), Cunegonda (1727, ibid.), Olympias ( 1734, ibid.), Griselda (1735, teater "San Samuele", Venice), Aristides (1735, ibid.), Oracle in Messenia (1738, teater "Sant'Angelo", Venice), Ferasp (1739, ibid. ) ;

oratorio-
Musa, tuhan firaun (Moyses Deus Pharaonis, 1714), Judith Triumphant (Juditha Triumphans devicta Holo-fernis barbarie, 1716), Adoration of the Magi (L "Adorazione delli tre Re Magi, 1722);

cantatas sekular (56)-
termasuk 37 untuk suara dengan basso continuo, 14 untuk suara dengan tali, orkestra, grand cantata Gloria dan Hymen (1725);

muzik kultus (kira-kira 55 buah) -
termasuk Stabat Mater, motet, mazmur, dll.;

instrumental. kerja-
76 sonata (dengan basso continuo), termasuk 30 untuk biola, 19 untuk 2 biola, 10 untuk cello, 1 untuk biola dan cello, 2 untuk kecapi dan biola, 2 untuk obo; 465 konsert, termasuk 49 concerti grossi, 331 untuk satu instrumen dengan basso continuo (228 untuk biola, 27 untuk cello, 6 untuk viol d "amour, 13 untuk melintang, 3 untuk seruling membujur, 12 untuk oboe, 38 untuk bassoon, 1 untuk mandolin) 38 untuk 2 instrumen dengan basso continuo (25 untuk biola, 2 untuk cello, 3 untuk biola dan cello, 2 untuk tanduk, 1 untuk mandolin), 32 untuk 3 atau lebih instrumen dengan basso continuo.

Domenico Scarlatti (1685–1757).

Komposer, pakar muzik clavier Itali yang paling hebat. Kebanyakan sonata clavier cemerlang bertajuk Essercizi (Latihan ), ditulis oleh Domenico untuk pelajarnya yang berbakat Maria Barbara, yang tetap setia kepada guru sepanjang hidupnya. Adalah dipercayai bahawa seorang lagi pelajar terkenal Domenico ialah komposer Sepanyol Padre Antonio Soler.

Keaslian gaya clavier Scarlatti telah didedahkan dalam 30 sonata bertarikh 1738. Sonata Scarlatti adalah refleksi paling tulen dan halus dari gaya muzik Sepanyol, mereka menangkap dengan semangat dan irama tarian Sepanyol dengan penuh semangat dan budaya gitar. Sonata ini selalunya mempunyai bentuk binari ketat (AABB), tetapi kandungan dalamannya sangat pelbagai.

Antara ciri yang paling menarik dalam gaya komposer ialah kecemerlangan harmoni disonan dan modulasi yang berani. Keunikan tulisan clavier Scarlatti dikaitkan dengan kekayaan tekstur: ini merujuk kepada persilangan tangan kiri dan kanan, latihan, trills dan jenis perhiasan lain. Hari ini, sonata Domenico dianggap antara karya paling asli yang pernah ditulis untuk instrumen papan kekunci.

Muzik instrumental Jerman.

Dalam muzik instrumental abad ke-17. organ mengambil kebanggaan tempat. Dalam generasi pertama komposer organ Jerman, tokoh Scheidt (1587-1654) dan Johann Froberger (1616-1667) adalah yang paling menarik. Kepentingan mereka sangat bagus untuk sejarah bentuk polifonik dalam perjalanan ke fugue dan susunan untuk paduan suara. Froberger menghimpunkan muzik organ dan harpsichord (improvisasi, kesedihan, kemuliaan, mobiliti, penghuraian butiran yang halus). Antara pendahulu Bach ialah Johann Adam, Georg Böhm, Johann Pachelbel, Dietrich Buxtelhude. Artis besar dan asli, mereka mewakili, seolah-olah, sisi berbeza dari seni organ pra-Bach: Pachelbel - garis "klasik", Buxtelhude - "barok". Karya Buxtelhude dicirikan oleh penyebaran komposisi, kebebasan imaginasi, kegemaran untuk kesedihan, drama dan intonasi pidato.

Johann Sebastian Bach.

Kebanyakan muzik instrumental adalah sekular semata-mata (pengecualian adalah muzik untuk organ). Dalam muzik instrumental, terdapat proses interaksi dan pengayaan bersama pelbagai bidang, genre, jenis persembahan. Muzik untuk clavier dan organ menjadi tumpuan utama.

Clavier adalah makmal kreatif. Bach menolak sempadan repertoir, membuat permintaan yang melampau pada instrumen. Gaya clavier dibezakan oleh struktur emosi yang bertenaga dan megah, terkawal dan seimbang, kekayaan dan pelbagai tekstur, kekayaan intonasi. Bach memperkenalkan teknik permainan baharu. Karya: kepingan untuk pemula (permulaan kecil, fughettas), preludes dan fugues (HTK), suite, konserto (Itali), toccatas, fantasi (penambahbaikan percuma, nada tinggi yang menyedihkan, tekstur virtuoso), "The Art of Fugue" (mencipta fugue klasik).

Peranan besar dalam kerja Bach adalah milik organ. Gaya organ meninggalkan kesan pada semua pemikiran instrumental komposer. Ia adalah organ yang tergolong dalam genre yang menghubungkan muzik instrumental dengan cantata rohani dan nafsu - susunan koral (lebih daripada 150). Kerja organ cenderung kepada bentuk yang mantap, genre tradisional, yang mana Bach memberikan tafsiran baru secara kualitatif: pendahuluan dan fugue (dia membezakan dua sfera komposisi, memperbaikinya, menyatukan semula mereka dalam sintesis baru).

Bach juga menulis untuk instrumen lain: suite cello, ensemble bilik, suite untuk orkestra, konserto, yang memainkan peranan besar dalam perkembangan muzik selanjutnya.

Warisan luas Bach mempunyai kesan moral. Dia melangkah jauh melebihi satu gaya, satu era.

Muzik instrumental England.

Dalam bidang muzik instrumental Inggeris, sekolah clavier telah terbentuk (verzhdinelists - dengan nama instrumen). Wakil: Burung, Lembu, Morny, Gibbons... Karya mereka yang paling menarik ialah variasi pada tema tarian dan lagu.

Georg Friedrich Handel.

Muzik instrumental - menunjukkan gaya komposer, dikaitkan dengan karya vokal, ia adalah imej, sifat bergambar muzik dengan perkataan yang mempengaruhi tematik, penampilan umum drama, bahagian individu. Secara umum, kecemerlangan, kesedihan, ketumpatan bunyi, kesungguhan perayaan, kedengaran penuh, kontras chiaroscuro, perangai, tumpahan improvisasi adalah ciri.

Genre konserto grosso dan konserto secara umum (untuk organ, untuk orkestra...) adalah ciri-ciri imej kreatif yang paling. Handel membenarkan komposisi bebas kitaran konsert, tidak mematuhi prinsip "cepat-perlahan". Konsertonya (termasuk untuk organ) adalah karya sekular semata-mata, dengan memasukkan bahagian tarian. Nada umum didominasi oleh perayaan, tenaga, kontras, penambahbaikan.

Handel juga bekerja dalam genre muzik instrumental lain: sonata (trio-sonatas), fantasi, capriccios, variasi, menulis muzik menghiburkan (konserto berganda, "Muzik di atas Air").

Walau bagaimanapun, bidang kreativiti terkemuka diduduki oleh genre sintetik: opera, oratorio.

Muzik instrumental Perancis.

Abad ke-17 adalah kemuncak dalam sejarah muzik instrumental. Perbendaharaan budaya muzik dunia termasuk karya clavecin virtuosos Perancis Jacques Chambonnière, Louis Coupren dan Francois Coupren. Genre kegemaran ialah kumpulan tarian kecil yang mengikuti satu sama lain. F. Kupren ialah pencipta genre baharu dalam muzik instrumental rondo (seni bermain harpsichord). Gaya muzik harpsichord dibezakan oleh kekayaan melodi, banyak perhiasan, irama anggun yang fleksibel.

Bahagian akhir.

Pengaruh muzik instrumental barok pada muzik kemudiannya.

Peralihan ke era klasikisme (1740-1780)

Fasa peralihan antara barok lewat dan klasikisme awal, yang dipenuhi dengan idea yang bercanggah dan percubaan untuk menyatukan pandangan dunia yang berbeza, mempunyai beberapa nama. Ia dipanggil "gaya gagah", "Rococo", "Zaman Praklasik" atau "Zaman klasik awal". Dalam beberapa dekad ini, komposer yang terus bekerja dalam gaya Baroque masih berjaya, tetapi mereka sudah bukan milik masa kini, tetapi masa lalu. Muzik berada di persimpangan jalan: ahli gaya lama memiliki teknik yang sangat baik, dan orang ramai sudah mahukan yang baru. Mengambil kesempatan daripada keinginan ini, Carl Philipp Emmanuel Bach mencapai kemasyhuran: dia adalah seorang ahli gaya lama yang sangat baik, tetapi bekerja keras untuk mengemas kininya. sonata clavier beliau adalah luar biasa untuk kebebasan mereka dalam struktur, kerja berani pada struktur kerja.

Pada saat peralihan ini, perbezaan antara muzik suci dan sekular meningkat. Gubahan rohani kekal terutamanya dalam kerangka Baroque, manakala muzik sekular cenderung kepada gaya baharu.

Terutama di negara-negara Katolik di Eropah tengah, gaya barok hadir dalam muzik rohani hingga akhir abad kelapan belas, serta pada zamannya. gaya antik kebangkitan berterusan sehingga separuh pertama abad ketujuh belas. Jisim dan oratorio Haydn dan Mozart, klasik dalam orkestrasi dan hiasan mereka, mengandungi banyak teknik barok dalam struktur kontrapuntal dan harmonik mereka. Kemerosotan Baroque disertai dengan tempoh panjang kewujudan bersama teknik lama dan baru. Di banyak bandar Jerman, amalan persembahan barok bertahan sehingga tahun 1790-an, contohnya, di Leipzig, tempat J.S. Bach bekerja pada akhir hayatnya.

di England, populariti Handel yang berterusan memastikan kejayaan bagi komposer yang kurang dikenali yang mengarang dalam gaya barok yang kini semakin pudar: Charles Avison (Eng. Charles Avison ), William Boyes (eng. William Boyce ) dan Thomas Augustine Arn (eng. Thomas Augustine Arne ). Di benua Eropah, gaya ini telah pun dianggap sebagai kuno; memilikinya hanya diperlukan untuk mengarang muzik suci dan menamatkan pengajian dari yang kemudiannya muncul di banyak konservatori.

Pengaruh teknik dan teknik Baroque selepas 1760

Oleh kerana banyak dalam muzik barok menjadi asas pendidikan muzik, pengaruh gaya barok kekal selepas pemergian barok sebagai persembahan dan gaya komposer. Sebagai contoh, walaupun amalan bass umum tidak digunakan, ia kekal sebagai sebahagian daripada notasi muzik. Pada abad ke-19, skor sarjana Baroque telah dicetak dalam edisi penuh, yang membawa kepada minat yang diperbaharui dalam kontra "penulisan yang ketat" (contohnya, komposer Rusia S. I. Taneyev sudah pada akhir abad ke-19 menulis kerja teori "Titik balas mudah alih penulisan ketat").

Abad ke-20 memberikan zaman Baroque namanya. Kajian sistematik tentang muzik zaman itu bermula. Bentuk dan gaya Baroque telah mempengaruhi komposer yang pelbagai seperti Arnold Schoenberg, Max Reger, Igor Stravinsky dan Bela Bartok. Awal abad kedua puluh menyaksikan kebangkitan semula minat dalam komposer Baroque yang matang seperti Henry Purcell dan Antonio Vivaldi.

Beberapa karya oleh komposer kontemporari telah diterbitkan sebagai karya "hilang tetapi ditemui semula" oleh sarjana Baroque. Contohnya, konserto viola, yang digubah oleh Henri Casadesus (fr. Henri-Gustav Casadesus ), tetapi dikaitkan olehnya kepada Handel. Atau beberapa karya Fritz Kreisler (Jerman. Fritz Kreisler ), dikaitkan olehnya kepada komposer barok yang kurang dikenali Gaetano Pugnani (ital. Gaetano Pugnani ) dan Padre Martini (ital. Padre Martini ). Dan pada permulaan abad ke-21, terdapat komposer yang menulis secara eksklusif dalam gaya Baroque, contohnya, Giorgio Paccioni (Ital. Giorgio Pacchioni).

Pada abad ke-20, banyak karya telah digubah dalam gaya "neo-baroque", memfokuskan pada tiruan polifoni. Ini adalah karya oleh komposer seperti Giacinto Scelsi, Paul Hindemith, Paul Creston dan Bohuslav Martinu. Ahli muzik sedang mencuba untuk menyelesaikan karya komposer era Baroque yang belum selesai (yang paling terkenal daripada karya ini ialah The Art of Fugue karya J. S. Bach). Memandangkan barok muzikal adalah ciri khas seluruh era, karya kontemporari yang ditulis "di bawah barok" sering muncul untuk kegunaan televisyen dan filem. Sebagai contoh, komposer Peter Schickele memparodikan gaya klasik dan barok di bawah nama samaran P. D. K. Bach.

Pada penghujung abad ke-20, prestasi bermaklumat sejarah (atau "prestasi tulen" atau "keaslian") muncul. Ini adalah percubaan untuk mencipta semula secara terperinci cara persembahan pemuzik era Baroque. Karya Quantz dan Leopold Mozart menjadi asas kepada kajian aspek persembahan muzik barok. Persembahan tulen melibatkan penggunaan tali yang diperbuat daripada sinew dan bukannya logam, pembinaan semula harpsichord, penggunaan cara lama penghasilan bunyi dan teknik permainan yang dilupakan. Beberapa ensemble popular telah menggunakan inovasi ini. Ini ialah Anonymous 4, Academy of Early Music, Boston Society of Haydn and Handel, Academy of St. Martin in Fields, Les Arts Florissants Ensemble William Christie, Le poeme harmonique, Catherine the Great's Orchestra dan lain-lain.

Pada permulaan abad ke-20 dan ke-21, minat dalam muzik barok dan, pertama sekali, dalam opera barok, meningkat. Penyanyi opera terkenal seperti Cecilia Bartoli memasukkan karya barok dalam himpunan mereka. Persembahan dijalankan secara konsert dan dalam versi klasik.

Jazz

Muzik barok dan jazz mempunyai persamaan. Muzik Baroque, seperti jazz, terutamanya ditulis untuk ensembel kecil (pada masa itu tidak ada kemungkinan sebenar untuk memasang orkestra ratusan pemuzik), mengingatkan kuartet jazz. Juga, karya barok meninggalkan bidang yang luas untuk melakukan improvisasi. Sebagai contoh, banyak karya vokal barok mengandungi dua bahagian vokal: bahagian pertama dinyanyikan/dimainkan seperti yang ditunjukkan oleh komposer, dan kemudian ia diulang, tetapi vokalis secara improvisasi menghiasi melodi utama dengan trills, graces dan hiasan lain. Namun, tidak seperti jazz, tiada perubahan dalam irama dan melodi asas. Penambahbaikan Baroque hanya melengkapi, tetapi tidak mengubah apa-apa.

Sebagai sebahagian daripada gaya jazz yang keren pada tahun 50-an abad XX, terdapat kecenderungan untuk membuat persamaan dalam gubahan jazz dengan muzik barok. Setelah menemui prinsip harmonik dan melodi yang sama dalam tempoh muzik dan estetik yang begitu jauh, para pemuzik menunjukkan minat terhadap muzik instrumental J.S. Bach. Sebilangan pemuzik dan ensemble telah mengambil jalan untuk mengembangkan idea-idea ini. Antaranya ialah Dave Brubeck, Bill Evans, Gerry Mulligan, tetapi ini terutamanya merujuk kepada "Kuartet Jazz Moden", yang diketuai oleh pemain piano John Lewis.

Kesimpulan.

Era Baroque meninggalkan sejumlah besar karya agung budaya dunia, dan bukan sebahagian kecil daripada mereka adalah ciptaan muzik instrumental.Oleh itu, barok hidup dalam kehidupan seharian muzik, dalam intonasi dan irama muzik ringan, dalam "muzik Vivaldi" yang terkenal, dalam norma sekolah. bahasa muzik. Genre yang lahir dari era Baroque masih hidup dan berkembang dengan cara mereka sendiri: fugue, opera, cantata, prelude, sonata, concerto, aria, variasi...Selepas mengesan dan menganalisis sejarahnya, anda yakin bahawa hampir semua muzik moden entah bagaimana berkaitan dengan muzik era Baroque, secara berasingan dengan muzik instrumental. Sehingga hari ini, kumpulan muzik awal sedang dicipta, dan ini mengatakan banyak…

Senarai sumber:

Kamus Ensiklopedia Brockhaus dan Efron (1890-1907).

Sposobin I. "Bentuk muzik." M., 1984

Sherman N. S. "Pembentukan Perangai Sama". M., 1964.

Livanova T.N., "Sejarah Muzik Eropah Barat sehingga 1789 (abad XVII)", buku teks dalam 2 jilid. T. 1. M., 1983

Rosenshield. “Cerita muzik asing sehingga pertengahan abad ke-18. M. “Muzik” 1979

Kolesov. “Kuliah mengenai sejarah dunia budaya seni." Kiev-2000

my.wikipedia.org

muzlit.ru

krugosvet.ru

Lembaran pelindung.

Era Baroque (abad XVII) adalah salah satu era yang paling menarik dalam sejarah budaya dunia. Peranan istimewa dalam era ini diduduki oleh seni muzik, yang bermula, seolah-olah, dengan titik perubahan yang menentukan, dengan perjuangan tanpa kompromi terhadap "gaya ketat" lama.Penguasaan akhirnya ditentukan muzik sekular(walaupun di Jerman dan beberapa negara lain, gereja juga sangat penting).

Muzik Baroque menjadi lebih kompleks berbanding dengan muzik Renaissance, dan muzik klasikisme menjadi lebih tersusun dengan kurang hiasan, dan mendedahkan banyak emosi, manakala dalam muzik barok satu bahagian membawa satu, jelas dikesan perasaan.

Terima kasih kepada pemuzik yang cemerlang, genre muzik baharu muncul, seperti simfoni dan konserto, sonata berkembang, fugue mencapai populariti yang tidak pernah berlaku sebelum ini. Jenis konserto yang paling ketara ialah grosso, genre inidibina pada kontras yang kuat; instrumen dibahagikan kepada mereka yang mengambil bahagian dalam bunyi orkestra penuh, dan ke dalam kumpulan solo yang lebih kecil. Muzik dibina berdasarkan peralihan tajam dari bahagian yang kuat ke senyap, laluan pantas bertentangan dengan bahagian perlahan.

Tidak dinafikan, buaian dan pusat muzik instrumental barok adalah Itali, yang memberikan dunia bilangan komposer virtuoso yang cemerlang (Girolamo Frescobaldi (1583-1643),Domenico Scarlatti (1685–1757),Antonio Vivaldi (1678-1741), Arcangelo Corelli.(1653 -1713). Muzik komposer terhebat ini tidak pernah berhenti menggembirakan pendengar.

Cuba untuk bersaing dengan Itali dan negara Eropah Barat yang lain: Jerman, Perancis, England.

Di Jerman, tokoh yang paling penting ialah J.S. Bach, yang memberikan organ itu peranan utama dalam kerjanya. Warisan luas Bach mempunyai kesan moral. Dia melangkah jauh melebihi satu gaya, satu era.

Perbendaharaan budaya muzik dunia termasuk karya clavecin virtuosos Perancis Jacques Chambonnière, Louis Coupren dan Francois Coupren.

Dalam bidang muzik instrumental Inggeris, sekolah clavier telah terbentuk. Komposer yang paling terkenal ialah Georg Friedrich Handel. Genre konserto grosso dan konserto secara umum (untuk organ, untuk orkestra...) adalah ciri-ciri imej kreatif yang paling. Handel membenarkan komposisi bebas kitaran konsert, tidak mematuhi prinsip "cepat-perlahan". Konsertonya (termasuk untuk organ) adalah karya sekular semata-mata, dengan memasukkan bahagian tarian.

Selepas itu, muzik instrumental barok mempunyai kesan yang ketara ke atas semua muzik seterusnya dan ciri-ciri biasa ditemui walaupun dalam jazz.

Malah kini, ensembel muzik awal sedang dicipta.

Seruling merupakan salah satu alat muzik yang paling kuno. Mereka melintang dan membujur. Yang membujur dipegang lurus ke hadapan, meniup udara ke dalam lubang di hujung atas seruling. Yang melintang dipegang dalam arah mendatar, meniup udara ke dalam lubang sisi seruling.

Sebutan pertama seruling longitudinal wujud dalam mitologi Yunani dan sejarah Mesir (milenium ketiga SM).

Di China, sebutan pertama seruling melintang dengan lima atau enam lubang jari bermula sejak milenium pertama SM, sama seperti di Jepun dan India. Perubahan revolusioner dalam reka bentuk seruling berlaku pada pertengahan abad kesembilan belas dengan bantuan Theobald Boehm.

Walaupun seruling moden adalah alat tiup kayu, ia biasanya diperbuat daripada aloi logam menggunakan emas, perak dan juga platinum. Ini memberikan mereka bunyi yang lebih terang dan lebih mudah dimainkan daripada seruling kayu yang mendahului seruling logam pada abad yang lalu.

Seruling adalah salah satu alat muzik yang paling virtuoso dalam orkestra simfoni. Parianya penuh dengan arpeggios dan petikan.

Alat muzik tembaga

Alatan tembaga - kumpulan alat muzik tiupan , prinsip bermain ialah untuk mendapatkan konsonan harmonik dengan mengubah kekuatan aliran udara yang ditiup atau kedudukan bibir.

Nama "tembaga" secara sejarah kembali kepada bahan dari mana alat ini dibuat, pada zaman kita, sebagai tambahan kepada tembaga, ia sering digunakan untuk pembuatannya. loyang, jarang perak , dan beberapa instrumen Zaman Pertengahan dan Baroque dengan cara penghasilan bunyi yang serupa (contohnya, ular ) diperbuat daripada kayu.

Instrumen tembaga termasuk moden tanduk, sangkakala, kornet, flugelhorn, trombon, tuba . Kumpulan yang berasingan ialah tanduk saxhorn . Alat tembaga purba - sackbut (pendahulu trombon moden), ular dan lain-lain.Beberapa alat muzik rakyat juga adalah tembaga, contohnya, Asia Tengah karnay.

Sejarah alat loyang

Seni meniup rongga tanduk haiwan atau dalam tempurung sudah diketahui pada zaman dahulu. Selepas itu, orang belajar membuat alat khas daripada logam, serupa dengan tanduk dan bertujuan untuk tujuan ketenteraan, memburu dan keagamaan.

Nenek moyang alat tembaga moden ialah tanduk pemburu, tanduk tentera, dan tanduk tiang. Alat ini, yang tidak mempunyai mekanisme injap memberikan beberapa bunyiskala semula jadi , diambil hanya dengan bantuan bibir pelaku. Dari sini muncul keseronokan tentera dan memburu dan isyarat berdasarkan bunyi skala semula jadi, yang telah menjadi kukuh dalam amalan muzik.

Dengan peningkatan teknologi pemprosesan logam dan pengeluaran produk logam, ia menjadi mungkin untuk mengeluarkan paip untuk instrumen angin dimensi tertentu dan tahap kemasan yang dikehendaki. Dengan penambahbaikan paip angin tembaga dan perkembangan seni mengekstrak sejumlah besar bunyi dari skala semula jadi pada mereka, konsep itu munculinstrumen semula jadi , iaitu instrumen tanpa mekanisme, mampu menghasilkan hanya skala semula jadi.

Pada awal abad ke-19, mekanisme injap dicipta, yang secara dramatik mengubah teknik prestasi dan meningkatkan keupayaan instrumen tiup tembaga.

Klasifikasi instrumen tembaga

Alat tiup tembaga dibahagikan kepada beberapa keluarga:

Alat injap mempunyai beberapa pintu gerbang (biasanya tiga atau empat) dikawal oleh jari pelaku. Prinsip injap adalah dengan serta-merta memasukkan mahkota tambahan dalam tiub utama, yang meningkatkan panjang instrumen dan menurunkan keseluruhan sistemnya. Beberapa injap yang menyambungkan tiub dengan panjang yang berbeza memungkinkan untuk mendapatkan skala kromatik. Kebanyakan instrumen tembaga moden adalah injap - tanduk, sangkakala, tuba, saxhorn, dll. Terdapat dua reka bentuk injap - "berputar" dan "berdiri" (omboh).
Alat kuk gunakan tiub khas yang boleh ditarik balik berbentuk U - peringkat, pergerakan yang mengubah panjang udara dalam saluran, dengan itu menurunkan atau meningkatkan bunyi yang diekstrak. Alat rock utama yang digunakan dalam muzik ialah trombon.
instrumen semula jadi tidak mempunyai sebarang tiub tambahan dan hanya mampu mengeluarkan bunyi skala semula jadi. Pada abad ke-18, istimewaorkestra tanduk semula jadi . Sehingga awal abad ke-19, instrumen semula jadi digunakan secara meluas dalam muzik, kemudian, dengan penciptaan mekanisme injap, mereka tidak lagi digunakan. Instrumen semulajadi juga kadangkala ditemui dalam skor komposer abad ke-19-20 (Wagner, R. Strauss, Ligeti) untuk kesan bunyi khas. Instrumen semula jadi termasuk sangkakala antik dan tanduk Perancis, sertatanduk alpine , gemuruh, terompet, tanduk isyarat (memburu, mel) dan seumpamanya.
Instrumen Injap mempunyai lubang pada badan, dibuka dan ditutup oleh jari pelaku, seperti padatiupan kayu . Instrumen sedemikian tersebar luas sehingga abad ke-18, tetapi disebabkan oleh beberapa kesulitan memainkannya, maka mereka juga tidak digunakan. Instrumen Loyang Injap Asas - kornet (zink), ular , ophicleid, paip injap . Mereka juga termasuk tanduk surat.

Kini, dengan kebangkitan semula minat dalam muzik awal, bermain pada instrumen semula jadi dan injap kembali menjadi amalan.

Instrumen tembaga juga boleh dikelaskan mengikut sifat akustiknya:

penuh― instrumen di mana anda boleh mengekstrak nada asas skala harmonik.
separuh― instrumen yang nada utama tidak dapat diekstrak, dan skala bermula dengan konsonan harmonik kedua.

Penggunaan alat loyang dalam muzik

Alat tiupan tembaga digunakan secara meluas dalam pelbagai genre dan gubahan muzik. Sebahagian daripadaOrkestra Simfoni mereka membentuk salah satu kumpulan utamanya. Komposisi standard orkestra simfoni termasuk:

Tanduk (nombor genap dari dua hingga lapan, selalunya empat)
Paip (dari dua hingga lima, selalunya dua hingga tiga)
Trombon (biasanya tiga: dua tenor dan satu bes)
Tiub (biasanya satu)

Dalam skor abad ke-19, orkestra simfoni juga sering disertakan kornet , bagaimanapun, dengan perkembangan teknik persembahan, bahagian mereka mula dilakukan pada paip. Instrumen loyang lain hanya muncul secara sporadis dalam orkestra.

Instrumen tembaga adalah asasband tembaga , yang, sebagai tambahan kepada alat di atas, juga termasuk tanduk saxhorn saiz yang berbeza.

Kesusasteraan solo untuk tembaga agak banyak - penghibur virtuoso pada paip dan tanduk semula jadi sudah wujud pada era Baroque awal, dan komposer dengan rela hati mencipta gubahan mereka untuk mereka. Selepas beberapa kemerosotan minat dalam instrumen tiupan dalam era romantisme, pada abad ke-20 terdapat penemuan kemungkinan prestasi baru untuk instrumen tembaga dan pengembangan yang ketara dalam repertoir mereka.

Dalam ensembel ruang, instrumen tembaga digunakan agak jarang, tetapi mereka sendiri boleh digabungkan menjadi ensembel, yang mana yang paling biasa kuintet tembaga (dua sangkakala, tanduk, trombon, tuba).

Sangkakala dan trombon memainkan peranan penting dalam jazz dan beberapa genre muzik kontemporari yang lain.

gambang



Pengelasan
Instrumen Berkaitan
Gambang di Wikimedia Commons

gambang(dari bahasa Yunani. ξύλον - pokok + φωνή - bunyi) -alat muzik perkusi dengan nada tertentu. Ia adalah satu siri blok kayu dengan saiz yang berbeza, ditala pada nota tertentu. Bar dipukul dengan kayu dengan hujung sfera atau tukul khas yang kelihatan seperti sudu kecil (dalam jargon pemuzik, tukul ini dipanggil "kaki kambing").

Timbre gambang itu tajam dan klik dalam forte dan lembut dalam piano.

Sejarah instrumen

Gambang mempunyai asal kuno- instrumen paling mudah jenis ini telah dan masih ditemui di kalangan orang yang berbeza Afrika, Asia Tenggara , Amerika Latin .

Di Eropah, sebutan pertama gambang bermula pada permulaan abad ke-16: Arnolt Schlick, dalam risalah mengenai alat muzik, menyebut alat serupa yang dipanggil hueltze glechter. Sehingga abad ke-19, gambang Eropah adalah alat yang agak primitif, terdiri daripada kira-kira dua dozen bar kayu, diikat ke dalam rantai dan diletakkan di atas permukaan rata untuk bermain. Kemudahan membawa alat seperti itu menarik perhatian pemuzik keliling.

Gambang ditambah baik oleh Guzikov

Penambahbaikan gambang bermula pada tahun 1830-an. pemuzik Belarusia Mikhoel Guzikov mengembangkan julatnya kepada dua setengah oktaf, dan juga mengubah reka bentuk, mengatur bar dengan cara yang istimewa dalam empat baris. Model gambang ini telah digunakan selama lebih dari seratus tahun.

Pada gambang moden, bar disusun dalam dua baris seperti kekunci piano, dilengkapi dengan resonator dalam bentuk tiub timah dan diletakkan di atas meja-diri khas untuk memudahkan pergerakan.

Peranan gambang dalam muzik

Penggunaan gambang pertama yang diketahui dalam orkestra ialah Tujuh Variasi.Ferdinand Cauer ditulis pada tahun 1810 tahun. Parti-partinya termasuk dalam karyanya komposer Perancis Kastner. Salah satu gubahan yang paling terkenal di mana gambang terlibat ialah puisi simfoniCamille Saint-Saens "Tarian Kematian" ( 1872 ).

Pada masa ini, gambang digunakan dalamOrkestra Simfoni , di atas pentas, sangat jarang - sebagai alat solo ("Fantasi pada tema ukiran Jepun" untuk gambang dan orkestra, Op. 211, ( 1964) Alana Hovaness).

Domra

Domra ialah alat muzik bertali yang dipetik lama Rusia. Nasibnya menakjubkan dan unik dalam jenisnya.

Dari mana ia datang, bagaimana dan bila domra muncul di Rus', masih menjadi misteri kepada penyelidik. DALAM sumber sejarah sedikit maklumat tentang domra telah terselamat, malah lebih sedikit imej domra Rusia purba telah diturunkan kepada kami. Dan sama ada domras digambarkan pada dokumen yang telah diturunkan kepada kami, atau beberapa alat petik lain yang biasa pada zaman itu, juga tidak diketahui. Sebutan pertama domra ditemui dalam sumber abad ke-16. Mereka bercakap tentang domra sebagai instrumen yang sudah biasa di Rusia pada masa itu.

Pada masa ini, terdapat dua versi paling berkemungkinan tentang asal usul domra. Yang pertama dan paling biasa ialah versi tentang akar timur domra Rusia. Sesungguhnya, instrumen yang serupa dalam reka bentuk dan kaedah pengekstrakan bunyi wujud dan masih wujud dalam budaya muzik negara-negara Timur. Jika anda pernah melihat atau mendengar dombra Kazakh, baglama Turki atau rubab Tajik, maka anda mungkin perasan bahawa kesemuanya mempunyai bentuk bulat atau bujur, papan bunyi rata, bunyi diekstrak dengan memukul plectrum dengan frekuensi dan intensiti yang berbeza. Secara amnya diterima bahawa semua instrumen ini mempunyai satu nenek moyang - tanbur timur. Ia adalah tanbur yang mempunyai bentuk bujur dan papan bunyi rata; mereka memainkannya dengan cip khas, diukir daripada bahan buatan - plectrum. Mungkin, alat itu, yang kemudiannya berubah menjadi domra, dibawa sama ada pada zaman kuk Tatar-Mongol, atau semasa hubungan perdagangan dengan negara-negara Timur. Dan nama "domra" tidak diragukan lagi mempunyai akar bahasa Turki.

Versi lain bermula dari andaian bahawa domra mendahului silsilahnya daripada kecapi Eropah. Pada dasarnya, pada Zaman Pertengahan, sebarang rentetan dipanggil kecapi. alat yang dipetik, yang mempunyai badan, leher dan tali. Kecapi pula berasal daripada alat muzik oriental - bahasa Arab al-ud. Mungkin rupa dan reka bentuk domra dipengaruhi oleh instrumen Barat, Eropah, Slav, contohnya, kobza Poland-Ukraine dan versi yang lebih baik - bandura. Cuma bandura banyak pinjam terus dari kecapi. Memandangkan Slav pada Zaman Pertengahan sentiasa berada dalam hubungan sejarah dan budaya yang kompleks, sudah tentu, domra juga boleh dianggap serupa dengan semua alat petik bertali Eropah pada masa itu.

Oleh itu, berdasarkan pengetahuan dan penyelidikan yang terkumpul setakat ini, kita boleh membuat kesimpulan bahawa domra adalah instrumen Rusia tipikal yang digabungkan, seperti banyak dalam budaya dan sejarah negeri kita, kedua-dua ciri Eropah dan Asia.

Walau bagaimanapun, walau apa pun asal usul sebenar domra itu, adalah diketahui dengan pasti bahawa instrumen dengan nama ini wujud di Rusia dan merupakan sebahagian daripada budaya Rusia pada abad ke-16-17. Ia dimainkan oleh pemuzik buffoon, seperti yang dibuktikan oleh pepatah terkenal kepada penyelidik "Saya gembira buffoons adalah tentang domras mereka". Lebih-lebih lagi, di istana diraja terdapat keseluruhan "Dewan Hiburan", sejenis kumpulan muzik dan hiburan, yang asasnya adalah badut dengan domras, kecapi, tanduk dan alat muzik Rusia kuno yang lain. Di samping itu, menurut beberapa penyelidik, domra pada masa itu telah pun membentuk keluarga varieti ensemble. Yang terkecil dan berderit dipanggil "domrishka", bunyi terbesar dan paling rendah - "domra bass".

Ia juga diketahui bahawa penghibur domra dan domra - buffoons dan "domrachi", menikmati populariti yang agak besar di kalangan rakyat. Semua jenis perayaan, perayaan dan perayaan rakyat pada setiap masa dan di kalangan semua orang diiringi lagu dan bermain alat muzik. Di Rusia pada Zaman Pertengahan, menghiburkan orang ramai adalah "domracheev", "goosemen", "skrypotchikov" dan pemuzik lain. Pada domra, seperti kecapi, mereka mengiringi epik rakyat, epik, lagenda, dan dalam lagu-lagu rakyat domra menyokong baris melodi. Adalah diketahui secara sahih bahawa pengeluaran kraftangan domras dan rentetan domra telah ditubuhkan, rekod penghantaran yang ke mahkamah dan ke Siberia disimpan dalam dokumen sejarah ...

Mungkin, teknologi untuk membuat domra adalah seperti berikut: sebuah badan telah dilubangkan dari sekeping kayu, sebatang kayu melekat padanya, tali atau urat haiwan ditarik. Mereka bermain dengan sekerat, bulu, tulang ikan. Teknologi yang agak mudah, nampaknya, membenarkan instrumen itu digunakan secara meluas di Rus'.

Tetapi di sini dalam sejarah domra datang saat yang paling dramatik. Bimbang tentang perkembangan budaya sekular, para menteri gereja mengangkat senjata menentang pemuzik dan mengisytiharkan persembahan buffoons "permainan syaitan." Akibatnya, pada tahun 1648, Tsar Alexei Mikhailovich mengeluarkan dekri mengenai pemusnahan besar-besaran instrumen yang tidak bersalah - alat "permainan syaitan". Dekri yang terkenal itu berbunyi: "Di manakah domras, dan surns, dan bip, dan sasteri, dan hari, dan segala macam kapal yang berdengung ... diperintahkan untuk menangkap dan, setelah memecahkan permainan setan itu, diperintahkan untuk membakar." Menurut pengembara Jerman abad ke-17 Adam Olearius, orang Rusia telah diharamkan daripada muzik instrumental secara amnya, dan apabila beberapa pedati yang dimuatkan dengan instrumen yang diambil daripada penduduk telah dibawa menyeberangi Sungai Moscow dan dibakar di sana. Kedua-dua pemuzik dan buffoone pada umumnya telah dianiaya.

Mungkin perubahan nasib yang benar-benar tragis tidak berlaku kepada mana-mana alat muzik di dunia. Jadi, sama ada akibat pemusnahan dan larangan biadab, atau atas sebab lain, tetapi selepas abad ke-17, penyelidik tidak menemui sebarang sebutan penting tentang domra lama. Sejarah instrumen Rusia purba berakhir di sini, dan seseorang boleh menamatkannya, tetapi ... Domra telah ditakdirkan untuk benar-benar dilahirkan semula dari abu!

Ini berlaku berkat aktiviti penyelidik dan pemuzik yang luar biasa, orang yang luar biasa berbakat dan luar biasa - Vasily Vasilyevich Andreev. Pada tahun 1896, di wilayah Vyatka, dia menemui instrumen yang tidak diketahui dengan badan hemisfera. Dengan mengandaikan dari penampilannya bahawa ini adalah domra, dia pergi ke tuan terkenal Semyon Ivanovich Nalimov. Bersama-sama mereka membangunkan reka bentuk instrumen baharu, berdasarkan bentuk dan reka bentuk instrumen yang ditemui. Ahli sejarah masih mempertikaikan sama ada instrumen yang ditemui Andreev itu benar-benar domra lama. Walau bagaimanapun, instrumen yang dibina semula pada tahun 1896 dipanggil "domra". Badan bulat, leher panjang sederhana, tiga tali, sistem keempat - beginilah rupa domra yang dibina semula.

Pada masa itu, Andreev sudah mempunyai orkestra balalaika. Tetapi untuk merealisasikan idea cemerlangnya, Orkestra Rusia Besar memerlukan kumpulan instrumen melodi terkemuka, dan domra yang dipulihkan, dengan keupayaan baharunya, adalah sesuai untuk peranan ini. Sehubungan dengan sejarah penciptaan Orkestra Rusia Besar, perlu disebutkan satu lagi orang yang luar biasa, tanpa siapa, mungkin idea itu tidak akan menemui penjelmaannya. Ini adalah pemain piano dan komposer profesional Nikolai Petrovich Fomin, sekutu terdekat Andreev. Terima kasih kepada pendekatan profesional Fomin bahawa bulatan Andreev, pada mulanya amatur, mempelajari notasi muzik, berdiri secara profesional dan kemudian menakluki pendengar di Rusia dan di luar negara dengan persembahan mereka. Dan jika Andreev terutamanya penjana idea, maka Fomin menjadi orang yang terima kasih kepada siapa, sebenarnya, domras dan balalaikas memulakan jalan pembangunan sebagai instrumen akademik yang lengkap.

Tetapi kembali kepada domra. Dalam tempoh 1896-1890. V. Andreev dan S. Nalimov mereka bentuk jenis ensemble domra. Dan beberapa dekad pertama selepas kelahiran baharunya, domra berkembang sejajar dengan persembahan orkestra dan ensembel.

Walau bagaimanapun, hampir serta-merta, beberapa batasan pada keupayaan domra Andreev telah didedahkan, yang berkaitan dengan percubaan untuk memperbaikinya secara konstruktif. Tugas utama adalah untuk mengembangkan julat instrumen. Pada tahun 1908, atas cadangan konduktor G. Lyubimov, tuan S. Burov mencipta domra empat rentetan dengan sistem kelima. "Empat tali" menerima julat biola, tetapi, malangnya, adalah lebih rendah daripada "tiga tali" dari segi timbre dan warna. Selepas itu, jenis ensembelnya dan orkestra domras empat tali juga muncul.

Minat terhadap domra meningkat setiap tahun, ufuk muzik dan teknikal berkembang, pemuzik virtuoso muncul. Akhirnya, pada tahun 1945, konserto instrumental pertama untuk domra dengan orkestra instrumen rakyat Rusia telah dicipta. konsert terkenal g-moll Nikolai Budashkin telah ditulis atas permintaan ketua konsert orkestra. Osipov Alexey Simonenkov. Peristiwa ini membuka era baru dalam sejarah domra. Dengan kemunculan konsert instrumental pertama, domra menjadi instrumen virtuoso solo.

Pada tahun 1948, jabatan pertama instrumen rakyat di Rusia dibuka di Moscow di Institut Muzik dan Pedagogi Negeri yang dinamakan sempena I.I. Gnesins. Guru domra pertama adalah komposer cemerlang Yu. Shishakov, dan kemudian pemain solo muda orkestra yang dinamakan selepas itu. Osipova V. Miromanov dan A. Alexandrov - pencipta sekolah pertama bermain domra bertali tiga. Terima kasih kepada yang lebih tinggi pendidikan profesional domra instrumen rakyat yang asalnya dalam masa yang singkat melepasi laluan di peringkat akademik, di mana instrumen orkestra simfoni mengambil masa berabad-abad (lagipun, biola pernah menjadi alat muzik rakyat!).

Persembahan Domra bergerak ke hadapan dengan kadar yang sangat pantas. Pada tahun 1974, pertandingan I All-Russian para penghibur pada instrumen rakyat telah diadakan, pemenang pertandingan itu adalah domrist virtuoso yang cemerlang - Alexander Tsygankov dan Tamara Volskaya (lihat bahagian aktiviti kreatif yang selama beberapa dekad akan datang menentukan hala tuju perkembangan seni domra baik dalam bidang persembahan itu sendiri mahupun dalam repertoir domra.

Hari ini, domra adalah instrumen muda yang menjanjikan dengan potensi besar, terutamanya muzik dan ekspresif, yang mempunyai akar benar-benar Rusia dan, bagaimanapun, telah meningkat ke puncak genre akademik. Apakah nasib masa depannya? Perkataan itu adalah milik anda, domrist yang dikasihi!

Balalaika

Penerangan
Badan dilekatkan dari segmen berasingan (6-7), kepala leher panjang sedikit bengkok ke belakang. Tali logam (Pada abad ke-18, dua daripadanya berurat; balalaikas moden mempunyai tali nilon atau karbon). Pada papan jari balalaika moden terdapat 16-31 fret logam (sehingga akhir abad ke-19 - 5-7 fret paksa).

Bunyinya kuat tetapi lembut. Teknik yang paling biasa untuk mengekstrak bunyi: berderak, pizzicato, double pizzicato, single pizzicato, vibrato, tremolo, pecahan, helah gitar.

membina

Sehingga transformasi balalaika menjadi instrumen konsert pada akhir abad ke-19 oleh Vasily Andreev, ia tidak mempunyai sistem yang kekal dan di mana-mana. Setiap penghibur menala instrumen mengikut gaya persembahannya, mood umum bahagian yang dimainkan, dan tradisi tempatan.

Sistem yang diperkenalkan oleh Andreev (dua rentetan serentak - not "mi", satu - satu liter lebih tinggi - not "la" (dan "mi" dan "la" oktaf pertama) menjadi meluas di kalangan pemain balalaika konsert dan bermula untuk dipanggil "akademik". Terdapat juga sistem "rakyat" - rentetan pertama ialah "garam", yang kedua - "mi", yang ketiga - "do". Dalam sistem ini, triad lebih mudah diambil, kelemahan ia adalah kesukaran bermain pada rentetan terbuka. Di samping itu, terdapat juga tradisi serantau untuk menala instrumen. tetapan tempatan yang jarang berlaku mencapai dua dozen ..

Varieti

Dalam orkestra moden alat muzik rakyat Rusia, lima jenis balalaikas digunakan: prima, kedua, viola, bes dan bes berganda. Daripada jumlah ini, hanya prima adalah instrumen virtuoso solo, manakala selebihnya diberikan fungsi orkestra semata-mata: yang kedua dan viola melaksanakan iringan kord, manakala bes dan bes berganda melaksanakan fungsi bes.

Kelaziman

Balalaika adalah alat muzik yang agak biasa, yang dipelajari di institusi pendidikan muzik akademik di Rusia, Belarus, Ukraine dan Kazakhstan.

Tempoh latihan balalaika di sekolah muzik kanak-kanak adalah 5 - 7 tahun (bergantung kepada umur pelajar), dan secara purata institusi pendidikan- 4 tahun, di institusi pengajian tinggi 4-5 tahun. Repertoir: susunan lagu rakyat, susunan karya klasik, muzik pengarang.

cerita
Tidak ada satu pun sudut pandangan tentang masa kemunculan balalaika. Adalah dipercayai bahawa balalaika telah tersebar sejak akhir abad ke-17. Terima kasih yang lebih baik kepada V. Andreev bersama dengan tuan Paserbsky dan Nalimov. Keluarga balalaikas moden telah dicipta: piccolo, prima, second, viola, bass, double bass. Balalaika digunakan sebagai konsert solo, ensembel dan instrumen orkestra.

Etimologi
Nama alat itu sudah pasti ingin tahu, ia biasanya rakyat, menyampaikan watak bermain di atasnya dengan bunyi suku kata. Akar perkataan "balalaika", atau, sebagaimana ia juga dipanggil, "balalabayka", telah lama menarik perhatian penyelidik oleh kekerabatannya dengan perkataan Rusia seperti balakat, balabonit, balabolit, joker, yang bermaksud berbual, kosong. panggilan (kembali ke Slavic *bolbol yang sama maknanya). Semua konsep ini, melengkapi antara satu sama lain, menyampaikan intipati balalaika - alat ringan, lucu, "memetik", tidak terlalu serius.

Buat pertama kalinya, perkataan "balalaika" ditemui dalam monumen bertulis sejak zaman pemerintahan Peter I.

Sebutan bertulis pertama tentang balalaika terkandung dalam dokumen bertarikh 13 Jun 1688 - "Memori dari perintah Streltsy kepada perintah Rusia Kecil" (RGADA), yang, antara lain, melaporkan bahawa di Moscow, perintah Streltsy telah dibawa. “<...>penduduk bandar Savka Fedorov<...>ya<...>petani Ivashko Dmitriev, dan bersama mereka seorang balalaika dibawa supaya mereka menunggang kuda kereta kuda di dalam kereta ke pintu gerbang Yausky, menyanyikan lagu dan memainkan balalaika di toi, dan pemanah pengawal yang berdiri di pintu gerbang Yausky dengan berjaga-jaga memarahi<...>».

Sumber bertulis seterusnya di mana balalaika disebut ialah "Daftar" yang ditandatangani oleh Peter I, merujuk kepada 1715: di St. Petersburg, semasa perayaan perkahwinan jester "Putera-Papa" N. M. Zotov, sebagai tambahan kepada instrumen lain dibawa oleh mummers, empat balalaikas dinamakan.

Untuk pertama kalinya, perkataan itu dibuktikan dalam bahasa Ukraine pada awal abad ke-18 (dalam dokumen 1717-1732) dalam bentuk "balabaika" (jelas, ini adalah bentuk lamanya, juga dipelihara dalam dialek Kursk dan Karachev ). Dalam bahasa Rusia buat kali pertama dalam puisi V. I. Maikov "Elisey", 1771, lagu 1: "Anda menala saya wisel atau balalaika."

Cello (violoncello Itali, abbr. cello, Violoncello Jerman, violoncelle Perancis, cello Inggeris)

Alat muzik bertali tunduk dari daftar bass dan tenor, dikenali dari yang pertama separuh daripada XVI abad, struktur yang sama seperti biola atau viola, tetapi lebih besar. Cello mempunyai kemungkinan ekspresif yang luas dan teknik persembahan yang dibangunkan dengan teliti, ia digunakan sebagai instrumen solo, ensembel dan orkestra.

Sejarah kemunculan dan perkembangan instrumen

Kemunculan cello bermula pada awal abad ke-16. Pada mulanya, ia digunakan sebagai alat bass untuk mengiringi nyanyian atau memainkan alat muzik yang lebih tinggi. Terdapat banyak jenis cello, yang berbeza antara satu sama lain dalam saiz, bilangan rentetan dan penalaan (penalaan yang paling biasa ialah nada yang lebih rendah daripada yang moden).
Pada abad ke-17-18, usaha tuan muzik cemerlang sekolah Itali (Nicolo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari, Carlo Bergonzi, Domenico Montagnana, dll.) mencipta model cello klasik dengan saiz badan yang mantap. Pada akhir abad ke-17, karya solo pertama untuk cello muncul - sonata dan ricercars oleh Giovanni Gabrieli. Menjelang pertengahan abad ke-18, cello mula digunakan sebagai instrumen konsert, kerana bunyinya yang lebih terang, penuh dan teknik persembahan yang bertambah baik, akhirnya menggantikan viola da gamba daripada latihan muzik. Cello juga merupakan sebahagian daripada orkestra simfoni dan ensembel bilik. Kelulusan akhir cello sebagai salah satu instrumen utama dalam muzik berlaku pada abad ke-20 melalui usaha pemuzik cemerlang Pablo Casals. Perkembangan sekolah persembahan pada instrumen ini telah membawa kepada kemunculan banyak pemain cello virtuoso yang kerap mengadakan konsert solo.
Repertoir cello sangat luas dan termasuk banyak konsert, sonata, gubahan tanpa iringan.

]Teknik bermain cello

Mstislav Rostropovich dengan cello Duport oleh Stradivari.
Prinsip bermain dan pukulan semasa membuat persembahan pada cello adalah sama seperti pada biola, namun, disebabkan saiz alat yang lebih besar dan kedudukan pemain yang berbeza, teknik bermain cello agak terhad. Flageolets, pizzicato, pertaruhan ibu jari dan teknik permainan lain digunakan. Bunyi cello berair, merdu dan tegang, sedikit dimampatkan di daftar atas.
Struktur tali selo: C, G, d, a (do, garam oktaf besar, re, la oktaf kecil), iaitu, oktaf di bawah viola. Julat cello, terima kasih kepada teknik bermain pada tali yang dibangunkan, sangat luas - dari C (ke oktaf besar) hingga a4 (A dari oktaf keempat) dan lebih tinggi. Nota ditulis dalam klef bes, tenor dan treble mengikut bunyi sebenar.

alat itu dipegang oleh betis kaki
Semasa bermain, pemain meletakkan cello di atas lantai dengan capstan, yang tersebar luas hanya pada akhir abad ke-19 (sebelum itu, instrumen itu dipegang oleh betis kaki). Pada cello moden, capstan melengkung, yang dicipta oleh pemain cello Perancis P. Tortelier, digunakan secara meluas, yang memberikan instrumen kedudukan yang lebih rata, agak memudahkan teknik bermain.
Cello digunakan secara meluas sebagai instrumen solo, kumpulan cello digunakan dalam orkestra rentetan dan simfoni, cello adalah ahli wajib kuartet rentetan, di mana ia adalah yang paling rendah (kecuali untuk double bass, yang kadang-kadang digunakan dalam ia) daripada instrumen dari segi bunyi, dan juga sering digunakan dalam ensembel ruang lain. Dalam skor orkestra, bahagian cello ditulis di antara bahagian violas dan bes berganda.

Sejarah penciptaan biola

Sejarah muzik menganggap bahawa biola dalam bentuk yang paling sempurna muncul pada abad ke-16. Pada masa itu, semua instrumen tunduk yang aktif sepanjang Zaman Pertengahan sudah diketahui. Mereka disusun dalam susunan tertentu, dan para saintis pada masa itu tahu, dengan kemungkinan besar atau lebih kecil, keseluruhan silsilah mereka. Bilangan mereka adalah besar dan kini tidak perlu menyelidiki perkara ini secara mendalam.

Para penyelidik terkini telah membuat kesimpulan bahawa biola sama sekali bukan "viola da gamba" yang dikurangkan. Lebih-lebih lagi, ia telah ditubuhkan dengan ketepatan yang mencukupi bahawa kedua-dua jenis instrumen ini dalam peranti mereka mempunyai ciri yang sangat berbeza antara satu sama lain. Semua instrumen yang berkaitan dengan "viole da gamba" mempunyai belakang rata, tepi rata, leher dibahagikan dengan fret, kepala kurang kerap dalam bentuk trefoil dan lebih kerap dengan imej haiwan atau kepala manusia, potongan pada permukaan atas instrumen dalam garis besar huruf Latin "C", dan akhirnya, penalaan rentetan dalam perempat dan pertiga. Sebaliknya, "viola da brachio", sebagai pendahulu segera biola moden, mempunyai penalaan kelima rentetan, belakang cembung, tepi agak terangkat, papan jari tanpa sebarang frets, kepala dalam bentuk tatal dan takuk atau "ef", dalam garis besar huruf kecil menghadap satu sama lain Latin f dalam huruf condong.
Keadaan ini membawa kepada fakta bahawa keluarga viols yang betul terdiri daripada pengurangan gamba berturut-turut. Oleh itu, satu komposisi lengkap "kuartet" atau "kuintet" lama timbul, terdiri daripada hanya biola pelbagai saiz. Tetapi, bersama dengan kemunculan keluarga biola yang lengkap, sebuah instrumen dibangunkan dan dipertingkatkan yang mempunyai semua ciri khas dan paling sifat perwatakan biola moden. Dan instrumen ini, sebenarnya, bukanlah "viola tangan" dalam erti kata literal, tetapi apa yang dipanggil "lira tangan", yang, sebagai alat rakyat tanah Slavia, membentuk asas moden. keluarga biola. Raphael yang hebat(1483-1520), dalam salah satu lukisannya dari 1503, memberikan gambaran yang sangat baik tentang instrumen ini. Merenungkannya, tidak ada sedikit pun keraguan bahawa terdapat sangat sedikit yang tinggal untuk transformasi lengkap "lira tangan" menjadi biola yang sempurna pada zaman kita. Satu-satunya perbezaan yang membezakan imej Raphael dari biola moden hanya terletak pada bilangan tali - terdapat lima daripadanya dengan kehadiran dua bass - dan pada garis besar pasak, yang masih sangat menyerupai pasak biola lama.
Sejak itu, bukti telah berlipat ganda pada kadar yang luar biasa. Pembetulan yang tidak penting yang boleh dibuat pada imej "lyre da brachio" kuno akan memberikannya persamaan yang paling sempurna dengan biola moden. Kesaksian ini, dalam bentuk biola lama, bermula sejak 1516 dan 1530, apabila penjual buku Basel memilih biola lama dengan tanda dagangan anda. Pada masa yang sama, perkataan "violin", dalam biola gaya Perancis, pertama kali muncul dalam kamus Perancis pada awal abad ke-16. Henri Pruneer (1886-1942) mendakwa bahawa seawal 1529 perkataan ini terkandung dalam beberapa kertas perniagaan pada masa itu. Walau bagaimanapun, tanda-tanda bahawa konsep "violon" muncul sekitar 1490 harus dianggap meragukan. Di Itali, perkataan violonista dalam makna pemain biola mula muncul dari tahun 1462, manakala perkataan violino itu sendiri dalam makna "violin" mula digunakan hanya seratus tahun kemudian, apabila ia tersebar luas. Orang Inggeris menggunakan ejaan Perancis perkataan itu hanya pada tahun 1555, yang bagaimanapun, telah digantikan tiga tahun kemudian dengan bahasa Inggeris sepenuhnya "violin".
Di Rusia, menurut kesaksian monumen yang paling kuno, instrumen tunduk dikenali untuk masa yang sangat lama, tetapi tidak satu pun daripada mereka berkembang sehingga kemudian menjadi instrumen orkestra simfoni. Alat busur Rusia purba tertua ialah bip. Dalam bentuknya yang paling tulen, ia mempunyai badan kayu berbentuk bujur, agak berbentuk buah pir, dengan tiga tali terbentang di atasnya. Mereka memainkan wisel dengan busur melengkung, yang tiada kaitan dengan yang moden. Masa apabila wisel bermula tidak diketahui dengan tepat, tetapi terdapat andaian bahawa "bip" muncul di Rus' bersama-sama dengan penembusan instrumen "timur" - domra, surna dan smyk. Masa ini biasanya ditentukan oleh separuh kedua XIV dan permulaan abad XV. Sukar untuk mengatakan apabila "biola" muncul dalam erti kata literal. Ia hanya diketahui dengan pasti bahawa sebutan pertama pemain biola dalam buku abjad abad ke-16-17 "sama-sama menunjukkan bahawa jurubahasa tidak tahu mengenainya." Walau apa pun, menurut P. F. Findeisen (1868-1928), instrumen ini belum diketahui dalam kehidupan domestik dan awam Moscow Rus, dan biola pertama dalam bentuk lengkapnya muncul di Moscow, nampaknya, hanya pada mulanya. abad XVIII. Walau bagaimanapun, penyusun buku abjad, yang pada satu masa tidak pernah melihat biola tulen, hanya memahami bahawa instrumen ini mestilah alat bertali, dan oleh itu tersilap menyamakannya dengan "gusli" dan "Lira Rusia Kecil", yang, sudah tentu, ia pasti tidak benar.
Penerangan yang lebih atau kurang terperinci tentang biola baru di Barat mula muncul hanya dari pertengahan abad ke-16. Oleh itu, Philibert Jambes de Fair (1526-1572), menggariskan ciri-ciri dan ciri-ciri tersendiri biola kontemporari, memetik beberapa nama yang boleh disimpulkan bahawa "keluarga biola" dibina berdasarkan model dan rupa biola. biola. Dari masa ini, dari 1556, biola wujud sehingga akhir abad ke-17 dalam beberapa jenis, yang dikenali di bawah nama Perancis dessus, quinte, haute-contre, tailee dan basse. Dalam bentuk ini, komposisi keluarga biola telah ditubuhkan pada masa Peer Maryann (1588-1648) mula menulis tentangnya. "Geng dua puluh empat" - sebagai Les vingt-quatre dipanggil pada satu masa - terdiri daripada instrumen yang sama, tetapi dengan nama yang telah dipindahkan. Dessus diikuti oleh haute-contre, dan quinte berada di antara tailee dan basse, tetapi jumlahnya betul-betul sepadan dengan data terdahulu, yang baru sahaja disebut. Kemudian terdapat satu lagi perubahan dalam komposisi biola ini, yang menyebabkan haute-contre hilang sepenuhnya, memberi laluan kepada dessus, dan tailee bersatu dengan quinte, menerima pakai perintah terakhir. Oleh itu, jenis baru kombinasi busur empat bahagian telah ditubuhkan, di mana dessus sepadan dengan biola pertama dan kedua, tailee atau quinte - violas dan basse - cellos.
Kini sukar untuk ditubuhkan dengan tepat apabila penyiapan akhir alat itu, yang kini dikenali dengan nama "violin", berlaku. Kemungkinan besar, peningkatan ini berterusan dalam siri yang berterusan, dan setiap tuan membawa sesuatu yang tersendiri. Walau bagaimanapun, ia boleh dinyatakan dengan jelas bahawa abad ke-17 adalah "zaman keemasan" untuk biola, apabila penyempurnaan akhir hubungan dalam struktur instrumen berlaku dan apabila ia mencapai kesempurnaan itu, tiada percubaan untuk "memperbaiki"nya. sudah boleh melangkah. Sejarah telah mengekalkan nama-nama transduser biola yang hebat dalam ingatannya dan mengaitkan pembangunan alat ini dengan nama tiga keluarga pembuat biola. Pertama sekali, ini adalah keluarga Amati tuan Cremonese, yang menjadi guru Andrea Guarneri (1626?-1698) dan Antonio Stradivari (1644-1736). Walau bagaimanapun, biola berhutang penyiapan terakhirnya terutamanya kepada Giuseppe-Antonio Guarneri (1687-1745) dan khususnya kepada Antonio Stradivari, yang dihormati sebagai pencipta biola moden yang paling hebat.
Tetapi tidak semua orang menyukai segala-galanya dalam biola yang telah ditubuhkan pada masa itu oleh Cremonese yang hebat. Ramai yang cuba mengubah nisbah yang diterima pakai oleh Stradivari, dan tiada siapa, tentu saja, berjaya dalam hal ini. Walau bagaimanapun, yang paling ingin tahu adalah keinginan beberapa ahli yang paling mundur untuk mengembalikan biola ke masa lalu baru-baru ini dan mengenakan ciri-ciri usang biola padanya. Seperti yang anda tahu, biola tidak mempunyai frets. Ini memungkinkan untuk mengembangkan volum bunyinya dan menyempurnakan teknik bermain biola. Walau bagaimanapun, di England kualiti biola ini kelihatan "meragukan", dan "intonasi" alat itu tidak cukup tepat. Oleh itu, fret pada fretboard biola telah diperkenalkan untuk menghapuskan kemungkinan "ketidaktepatan" dalam pengekstrakan bunyi, dan rumah penerbitan, yang diketuai oleh John Playford (1623-1686?), dari 1654 hingga 1730 mencetak semula manual. disusun mengikut "tabulatur modal" . Keadilan, bagaimanapun, memerlukan mengatakan bahawa ini adalah satu-satunya kes yang diketahui dalam sejarah permainan biola. Percubaan lain untuk menambah baik dan memudahkan permainan alat ini telah dikurangkan kepada penalaan tali atau dipanggil "scordatura". Ini masuk akal, dan ramai pemain biola terkemuka, seperti Tartini (1692-1770), Lolli (1730-1802), Paganini (1784-1840) dan beberapa pemain lain, masing-masing menala instrumen mereka dengan cara mereka sendiri. Kadang-kadang kaedah penalaan rentetan ini digunakan walaupun sekarang, mengejar matlamat artistik yang istimewa.
Biola Stradivarius. Foto dari gruhn.com Jadi, biola menerima penjelmaan yang paling sempurna pada akhir abad ke-17. Antonio Stradivari adalah orang terakhir yang membawanya ke keadaan sekarang, dan François Tourt, seorang sarjana abad ke-18, dihormati sebagai pencipta haluan moden. Tetapi dalam pembangunan biola dan pelaksanaannya dalam kehidupan sebenar, perkara-perkara kurang berjaya. Adalah sangat sukar untuk menyampaikan dalam beberapa perkataan keseluruhan sejarah yang panjang dan pelbagai tentang perkembangan dan peningkatan teknik biola ini. Cukuplah untuk mengatakan bahawa penampilan biola menyebabkan banyak lawan. Ramai yang hanya menyesali keindahan biola yang hilang, sementara yang lain datang dengan keseluruhan "risalah" yang ditujukan kepada orang asing yang tidak diundang. Hanya terima kasih kepada pemain biola yang hebat, yang menggerakkan teknik bermain biola dengan tegas ke hadapan, biola itu mengambil tempat yang sepatutnya. Pada abad ke-17, pemain biola virtuoso ini ialah Giuseppe Torelli dan Arcangelo Corelli. Pada masa hadapan, Antonio Vivaldi (1675-1743) meletakkan banyak kerja untuk kepentingan biola, dan, akhirnya, seluruh galaksi pemain biola hebat yang diketuai oleh Niccolò Paganini. biola moden mempunyai empat tali yang ditala dalam kelima. Rentetan atas kadangkala dipanggil kelima, dan rentetan bawah dipanggil bes. Semua tali biola adalah berurat atau usus, dan hanya "bass" yang dijalin dengan benang perak nipis atau "gimp" untuk kepenuhan dan keindahan bunyi yang lebih besar. Pada masa ini, semua pemain biola menggunakan tali logam untuk "kelima" dan betul-betul sama, tetapi hanya dibalut dengan benang aluminium nipis untuk kelembutan, tali A, walaupun sesetengah pemuzik juga menggunakan tali aluminium tulen A tanpa sebarang "gimp". Dalam hal ini, rentetan logam untuk mi dan aluminium untuk la, menjadikannya perlu untuk mengukuhkan kedengaran rentetan semula, yang kemudiannya masih berurat, yang dilakukan dengan bantuan "gimp" aluminium yang melilit, seperti "basque", yang terakhir ini dan, dengan cara itu, yang memberi kebaikan kepadanya. Walau bagaimanapun, semua peristiwa ini sangat mengganggu para pecinta sejati, kerana deringan dan ketajaman bunyi rentetan logam dalam kes lain adalah sangat ketara dan tidak menyenangkan, tetapi tiada apa yang perlu dilakukan dan seseorang harus bersabar dengan keadaan itu.
Tali biola, yang ditala mengikut keperluan alat, dipanggil terbuka atau kosong, dan bunyi dalam urutan menurun kelima tulen dari mi oktaf kedua kepada garam kecil. Susunan tali sentiasa dipertimbangkan dari atas ke bawah, dan adat ini telah dipelihara sejak zaman purba berhubung dengan semua tunduk dan alat muzik bertali"dengan pemegang" atau "bar". Nota untuk biola hanya ditulis dalam "klef treble" atau kunci G.
Konsep "terbuka" atau dalam penggunaan orkestra - rentetan kosong, membayangkan bunyi rentetan sepanjang panjangnya dari dirian ke nat, iaitu, antara dua titik yang menentukan ketinggian sebenar semasa penalaan. Panjang rentetan biasanya ditentukan oleh titik yang sama, kerana dalam orkestra ia adalah bahagian bunyi rentetan yang diambil kira, dan bukan "nilai mutlak"nya yang disertakan di antara sub-leher dan pasak. Dalam muzik helaian, rentetan terbuka ditunjukkan dengan bulatan kecil atau sifar diletakkan di atas atau di bawah nota.
Dalam sesetengah kes, apabila fabrik muzik karya itu memerlukannya, anda boleh menala rentetan ke bawah semitone untuk mendapatkan F tajam oktaf kecil untuk "basque" atau D tajam kedua untuk "kelima".
Sumber music-instrument.ru

Sejarah membina gitar elektrik (gitar elektrik)

Perkembangan teknologi pada abad ke-20 tidak mengenepikan sisi budaya kewujudan manusia. Kemunculan peranti elektronik untuk main semula dan, yang paling penting, pemprosesan bunyi, pada akhirnya, tidak boleh menjejaskan alat muzik itu sendiri. Sebagai tambahan kepada percubaan untuk mencipta alat muzik yang pada asasnya baru, percubaan juga dibuat untuk "memodenkan" alat muzik lama yang terkenal. Oleh itu, Lloyd Loher pada tahun 1924 mereka bentuk pikap magnet yang pertama, peranti yang menukarkan getaran rentetan logam kepada isyarat elektrik. Jurutera berbakat ini bekerja pada masa itu, di manakah anda fikir? - di Gibson! Tetapi seperti yang anda faham, penciptaan Les Paul masih agak jauh - selama 28 tahun, jadi gitar elektrik pertama yang dihasilkan secara besar-besaran sama sekali tidak dihasilkan oleh Gibson. Dan ini dilakukan oleh sebuah syarikat bernama Electro String Company, salah seorang pengasasnya ialah Adolf Rickenbacker, yang kemudiannya mengasaskan, seperti yang anda mungkin sudah meneka, syarikat Rickenbacker yang sangat terkenal yang mengeluarkan gitar tandatangan untuk John Lennon - 325JL. Badan gitar pertama ini diperbuat daripada aluminium, itulah sebabnya mereka menerima nama ikhlas " kuali". Peristiwa ini berlaku pada tahun 1931. Saya tidak tahu sama ada terdapat percubaan lain untuk memasang pikap pada gitar, mungkin ada, tetapi hanya pada tahun 1951 mereka memperoleh bentuk yang sangat klasik dan dikenali itu. Dan Leo Fender melakukan ini dengan mengeluarkan Telecaster terkenalnya dan ia sudah menjadi satu kejayaan, sesuatu seperti meletakkan kapal angkasa ke orbit dengan seorang lelaki, sudah tentu, di atas kapal. Badannya diperbuat daripada kayu, walaupun ia tidak mempunyai persamaan dalam reka bentuk dengan gitar klasik. Atas sebab tertentu, ramai orang berfikir bahawa gitar elektrik diperbuat daripada siapa tahu: logam, plastik, dan beberapa bahan ultra-moden lain, tidak - gitar dibuat dan dibuat sehingga hari ini, terutamanya daripada kayu, sama seperti seseorang itu. 70% air.
Mulai saat itu, gitar elektrik boleh dikatakan berlaku sebagai alat muzik dan fenomena budaya. Gibson, sudah tentu, tidak ketinggalan dan mengeluarkan legenda Les Paul mereka pada tahun 1952. Dan pukulan ujian datang pada tahun 1954, apabila Fender melancarkan Stratocaster ke orbit. Pemuzik blues, rock dan country mula bermain gitar model dan pengeluar ini. Sudah tentu, terdapat banyak gitar yang cantik dan tidak begitu popular dan tidak popular sejak itu, tetapi tidak mungkin sehingga hari ini, seseorang telah menghasilkan sesuatu yang lebih penting, jika anda tidak mengambil kira pemprosesan bunyi. Sudah tentu, terdapat pelbagai inovasi, seperti penambahan rentetan ketujuh dan juga rentetan kelapan (sebagai peraturan, ini adalah gitar yang ditujukan untuk kumpulan muzik dan pemuzik dengan gaya dan trend yang melampau), tetapi semua ini adalah fenomena yang "tidak dekati” dalam kepentingannya kepada "penemuan" yang disenaraikan di atas.
Tetapi perkara yang paling menarik ialah gitar itu masih kekal sebagai gitar. Atas sebab tertentu, ramai orang yang jauh dari muzik berpendapat bahawa gitar elektrik adalah alat muzik yang tidak ada kena mengena dengan gitar klasik. Perbezaannya, sudah tentu, hebat, dari penampilan kepada teknik bermain, tetapi tetap ia adalah satu dan instrumen yang sama dengan penalaan yang sama (dengan beberapa pengecualian) dan penjarian kord, yang bermaksud bahawa, mengetahui kord lagu, mereka boleh dimainkan dengan kejayaan yang sama pada kedua-dua gitar elektrik dan akustik .

SEJARAH RINGKAS GITAR DAN KEADAAN SEKARANG

Gitar adalah, seperti yang anda tahu, alat muzik kebangsaan Sepanyol. Sehingga kini, asal usul gitar itu tidak dapat dipastikan dengan tepat. Ia mesti diandaikan bahawa prototaipnya ialah kefara Assyria-Babylon atau cithara Mesir. Ia boleh dibawa ke Semenanjung Iberia oleh orang Rom (gitar Latin) atau orang Arab (gitar Moor). Pada yang pertama, mereka bermain dengan teknik "punteado", iaitu, dengan secubit, pada yang kedua, yang mempunyai bunyi yang lebih tajam, mereka bermain dengan teknik "rasgueado", iaitu, dengan mengetuk-ngetuk tali dengan semua jari tangan kanan.

Gitar jenis moden, atau dalam apa jua keadaan yang hampir dengannya, mungkin berasal daripada gabungan kedua-dua jenis cithara purba ini tidak lebih awal daripada abad ke-16. Kami mempunyai petunjuk tidak langsung tentang asal dua gitar ini dengan cara memainkannya yang berbeza hingga sekarang: folk - "rasgueado", - berasal daripada bermain gitar Moor, dan profesional - "punteado", - berasal dari gitar Latin .

Pada masa penembusan ke negara Eropah lain (abad XVI-XVII), gitar mempunyai lima tali, ditala dalam nisbah suku, seperti kecapi yang berkaitan. Tidak pasti sama ada rentetan keenam telah ditambah di Jerman atau Itali. Dalam bentuk akhir ini, gitar memperoleh hak instrumen yang serius. Berdasarkan peningkatan dalam kemungkinan muziknya, gitar enam tali mengalami zaman kegemilangannya yang pertama (dari akhir abad ke-18 hingga pertengahan abad ke-19). Dalam tempoh ini, gitar membawa ke hadapan beberapa virtuoso dan komposer yang cemerlang, seperti Sepanyol Aguado dan Sor dan Itali Giuliani, Leniani, Carcassi, Carulli, Zani de Ferranti, Regondi, Moretti dan lain-lain. Aktiviti konsert pemain gitar di negara-negara Eropah ini menaikkan gitar ke tahap profesional yang tinggi dan memenangi ramai penganut dari kalangan pemuzik, penyair dan penulis terbesar. Sebahagian daripada mereka - komposer Monteverdi, Rossini, Gretry, Ober, Donizetti, Verdi, Massenet - menggunakan gitar dalam opera mereka; yang lain - komposer Lully, Weber, Diabelli, Berlioz, Gounod - bermain gitar sendiri; yang lain - Glinka, Tchaikovsky - suka mendengar gitar. Perlu diingatkan terutamanya bahawa pemain biola terkenal Paganini pada masa yang sama seorang pemain gitar yang sangat baik dan menulis beberapa karya untuk gitar. Penyair dan penulis: Goethe, Kerner, Lenau, Byron, Shelley, Derzhavin, Pushkin, Lermontov, L. Tolstoy, Baudelaire dan ramai lagi menyukai gitar dan menumpukan lebih daripada satu halaman untuknya dalam karya mereka.

Zaman kegemilangan gitar, yang berlangsung hampir sehingga akhir abad ke-19, digantikan dengan penurunannya, terutamanya disebabkan oleh penampilan pianoforte. Walau bagaimanapun, sejak awal abad ke-20, kita telah menyaksikan zaman kegemilangan baru gitar, nampaknya disebabkan oleh perubahan sikap masyarakat umum terhadapnya, sebagai alat muzik kuno dan salah satu alat muzik rakyat yang paling ekspresif. . Akibatnya, beberapa virtuosos gitar yang sangat berbakat, kebanyakannya orang Sepanyol, muncul: Tarrega, Llobet, Segovia, Pujol dan lain-lain, yang menyempurnakan seni bermain gitar dan meletakkan gitar setanding dengan instrumen solo tradisional yang lain. Dan sekali lagi, seperti pada era zaman kegemilangan pertama, gitar menarik ramai kawan dari kalangan komposer yang paling terkemuka, seperti Turin, de Falla, Pons, Roussel dan lain-lain.

Di negara kita, bersama dengan gitar enam tali, variasinya tersebar luas - gitar tujuh tali, terutamanya dengan sistem tertian.

Akordion, butang akordion

Sejarah dan jenis instrumen buluh (akordion, akordion butang, dll.)

Akordion ialah alat muzik di mana bunyi dibuat dengan tergelincir secara bebas buluh logam - plat nipis bergetar di bawah tindakan aliran udara yang dipam oleh belos. Dengan tangan kiri, pemain mengawal bunyi belos, dan juga menekan butang bes dan kord untuk mengiringi melodi, yang dimainkan dengan tangan kanan.

Di Rusia, di Moscow, terdapat Muzium Harmonik yang terbaik dan paling luas di dunia (terdapat 4 muzium sedemikian di dunia: terdapat juga Muzium Harmonik Kebangsaan di Jerman di Klingenthal, Muzium Harmonik di Itali di Castelfidardo dan Muzium Akordion di Amerika Syarikat dalam .Super Ior-Delucy).

Sejarah umum perkembangan instrumen buluh

Alat pertama yang diketahui dengan prinsip buluh pengekstrakan bunyi ialah Sheng Timur purba (berasal dari Burma, Tibet, Laos dan China). Tarikh sebenar instrumen ini dicipta tidak diketahui, tetapi dipercayai berusia lebih 2,000 tahun. Ia dianggap sebagai alat "tulen", iaitu, sesuai untuk persembahan muzik suci. Sekitar tahun 700 Masihi sheng telah diperbaiki instrumen popular, ia boleh dimainkan dalam 12 kekunci, dan buku teks harmoni telah dicipta untuk instrumen ini.

Penampilan harmonika, akordion butang dan akordion di Rusia

Kemunculan harmonik di Rusia bermula pada awal 40-an abad XIX. segmen penduduk yang istimewa, seperti yang ditunjukkan dalam sumber sastera, membeli harmonika tangan di luar negara, dan melalui hamba hamba, harmonika muncul dan menjadi popular di kampung-kampung. Terdapat andaian bahawa harmonika boleh diimport oleh pengrajin asing, yang dipesan ke kilang senjata Tula.
Di kalangan tukang Tula, terdapat pendapat bahawa tukang senjata Sizov dan Shkunaev mencipta harmonika. Menurut beberapa laporan, mereka dihasilkan pada 30-an abad XIX. di wilayah Tula, bagaimanapun, tidak diketahui tentang harmonik yang mana dalam soalan- mengenai labial atau manual.

Maklumat am tentang peranti harmonik

Harmonika boleh dipanggil semua alat muzik, bunyi yang dihasilkan semula oleh lidah logam (suara) yang bebas tergelincir, bergetar di bawah tindakan aliran udara. Udara dalam harmonika dibekalkan dengan bantuan belos tangan atau kaki (harmonicas tangan, harmonium), kipas (organolas, organet) atau dihembus dan dihidu oleh paru-paru pelaku (harmonika mulut). Dalam semua harmonika moden, buluh diikat dengan rivet pada satu hujung pada tapak logam, dipanggil bingkai (casis). Bingkai bersama-sama dengan lidah terpaku dipanggil bar.

Sheng (gonofui, ken, lusheng)

Sheng adalah salah satu instrumen tertua keluarga harmonika, yang berasal dari Burma, Tibet, Laos dan China. Menurut manuskrip Cina kuno (2-3 ribu tahun SM), saintis telah menubuhkan nama terawal instrumen itu - Yu. Kemudian ia mula dipanggil chao, ho, sheng - bergantung kepada bentuk dan bahan yang digunakan untuk pembuatannya. Varieti sheng lain juga dikenali - chonofui atau gonofui (Jepun), ken (Laos), lusheng dan hulusheng (Barat Daya China). Di Rusia dan negara Eropah yang lain, sheng kadangkala dipanggil organ mulut Cina.

Bibelharmonika, orkestri, elodikon

Apabila alat muzik pertama yang dibina berdasarkan prinsip baru pengeluaran bunyi (lidah logam yang tergelincir) muncul di Eropah, pembuat organ menggunakan bentuk lama alat muzik: organ mudah alih, pakaian, organ positif (mudah alih), dll. Ini jelas dilihat dalam contoh instrumen pertama jenis sedemikian.

Pensintesis

Alat muzik elektronik yang mensintesis bunyi menggunakan satu atau lebih penjana gelombang bunyi. Bunyi yang dikehendaki dicapai dengan menukar sifat isyarat elektrik (dalam pensintesis analog) atau dengan melaraskan parameter pemproses pusat (dalam pensintesis digital).

Pensintesis yang dibuat dalam bentuk kes dengan papan kekunci dipanggil pensintesis papan kekunci.
Pensintesis yang dibuat dalam bentuk kes tanpa papan kekunci dipanggil modul pensintesis dan dikawal daripada papan kekunci MIDI.
Jika pensintesis papan kekunci dilengkapi dengan penjujukan terbina dalam, ia dipanggil stesen kerja.
Jenis-jenis synthesizer:

Bergantung pada teknologi yang digunakan, synthesizer dibahagikan kepada beberapa jenis:

Pensintesis analog melaksanakan jenis sintesis aditif dan tolak. Ciri utama pensintesis analog ialah bunyi dijana dan diproses menggunakan litar elektrik sebenar. Selalunya sambungan pelbagai modul sintesis dibuat menggunakan kabel khas - wayar tampalan, oleh itu "tampalan" adalah nama biasa untuk timbre tertentu synthesizer di kalangan pemuzik.

Kelebihan utama pensintesis analog ialah semua perubahan dalam sifat bunyi dari semasa ke semasa, seperti pergerakan frekuensi pemotongan penapis, berlaku dengan sangat lancar (berterusan). Kelemahannya termasuk tahap bunyi yang tinggi, masalah ketidakstabilan penalaan kini telah diatasi. Pensintesis analog paling terkenal yang digunakan hari ini termasuk: Mimimoog Voyager, LittlePhatty, Prophet '08, Andromeda A6.

Pensintesis analog maya ialah gabungan antara pensintesis analog dan pensintesis digital, membawa komponen perisian dalam badan mereka. Yang paling terkenal di antara mereka ialah: Access Virus TI, Nord Lead 2x, Nord Modular, DSI Poly Evolver.

Pensintesis digital termasuk pensintesis digital itu sendiri, serta variasinya: pensintesis maya-plugin / kendiri dan pensintesis interaktif. Mereka melaksanakan pelbagai jenis sintesis. Untuk mencipta dan memainkan bentuk gelombang asal, mengubah suai bunyi dengan penapis, sampul surat, dsb. peranti digital berdasarkan satu pemproses pusat dan beberapa pemproses bersama digunakan.

Malah, pensintesis digital ialah komputer yang sangat khusus. Model paling canggih bagi pensintesis digital moden (Korg OASYS, Roland Fantom, Yamaha Tyros), seperti komputer peribadi, membolehkan anda mengemas kini sistem operasi, mengandungi menu halaman, fail bantuan terbina dalam, penyelamat skrin dan sebagainya.

Pensintesis maya ialah subset daripada pensintesis digital, tetapi ia adalah sejenis perisian khas. Untuk mencipta bunyi, pemproses pusat dan RAM komputer peribadi digunakan, dan untuk mengeluarkan bunyi ke peranti main balik, kad bunyi PC digunakan.

Pensintesis maya boleh menjadi produk perisian bersendirian dan pemalam dalam format tertentu (VST, DXi, RTAS, TDM, LADSPA, dsb.) yang direka bentuk untuk dijalankan di dalam program hos, biasanya perakam berbilang saluran (Cubase VST, Cakewalk Sonar, Logic Pro, Pro Tools, Ardour, dll.). Ketersediaan tinggi membawa kepada peningkatan populariti pensintesis maya, termasuk model instrumen kehidupan sebenar (contohnya, Native Pro53 - emulator pensintesis Nabi, Novation V-Station - Novation K-Station synthesizer emulator, Korg Legacy - Korg M1 synthesizer emulator, Wavestation , PolySix, MS20 dsb.).

>Pensintesis interaktif atau rumah juga merupakan pelbagai pensintesis digital yang direka khusus untuk pembuatan muzik amatur di rumah dan salon, serta untuk pendidikan muzik interaktif. Biasanya, pensintesis ini tidak mempunyai cara untuk menyunting bunyi lanjutan, termasuk kawalan masa nyata. Penekanan diberikan pada tiruan realistik pelbagai instrumen orkestra dan penggunaan fungsi iringan automatik. Dalam kes ini, untuk memainkan mana-mana bahagian muzik, pelaku tidak perlu memprogramkan suara atau merakam bahagian ke dalam penjujukan - cuma pilih suara sedia untuk melodi dan gaya untuk iringan auto.

Sudah tentu, kawalan pensintesis sedemikian jauh lebih mudah daripada model berprestasi profesional dan selalunya boleh diakses walaupun kepada kanak-kanak. Banyak pensintesis jenis ini termasuk permainan pendidikan seperti "teka nota" atau "teka kord", koleksi muzik siap sedia untuk mendengar dan belajar, fungsi karaoke dengan memaparkan lirik pada skrin, dsb. Kategori pensintesis ini termasuk keluarga Yamaha PSR, Casio CTK / WK, Roland E / VA / EXR, dsb.

Jenis sintesis bunyi:

Bergantung kepada kaedah penjanaan gelombang bunyi dan perubahannya, sintesis bunyi boleh dikelaskan seperti berikut:

Sintesis penjumlahan (aditif), yang menggunakan prinsip superposisi (superposisi) beberapa gelombang bentuk mudah (biasanya sinusoidal) dengan frekuensi dan amplitud yang berbeza. Dengan analogi dengan organ elektrik, gelombang ini dipanggil daftar dan dilambangkan sebagai 16' (nada satu oktaf lebih rendah daripada yang diambil), 8' (nada awal), 4' (nada satu oktaf lebih tinggi daripada yang diambil), dsb. (angka itu ialah panjang paip daftar organ yang sepadan dalam kaki). Dalam bentuk tulennya, ia terdapat dalam organ elektrik (Hammond, Farfisa) dan emulator digitalnya (Korg CX-3, Roland VK-8, dll.). Bunyi instrumen lebih kaya, lebih banyak daftar digunakan dalam pembinaan.

Sintesis tolak (tolak), di mana bentuk gelombang asal berubah warna apabila ia melalui pelbagai penapis, penjana sampul surat, pemproses kesan, dll. Sebagai subset, jenis sintesis ini digunakan secara meluas dalam hampir semua model sintesis moden.

Sintesis Operator (FM, daripada English Frequency Modulation), di mana interaksi (modulasi frekuensi dan penjumlahan) beberapa gelombang dalam bentuk mudah berlaku. Setiap gelombang, bersama-sama dengan ciri-cirinya, dipanggil pengendali, konfigurasi pengendali tertentu membentuk algoritma. Lebih banyak operator digunakan dalam reka bentuk pensintesis, lebih kaya bunyi instrumen itu. Sebagai contoh, Yamaha DX-7 synthesizer (1984), yang masih popular sehingga hari ini, mempunyai 6 operator, yang dikonfigurasikan oleh 36 algoritma yang berbeza.

Sintesis fizikal, di mana, disebabkan penggunaan pemproses yang berkuasa, proses fizikal sebenar disimulasikan dalam alat muzik dari satu jenis atau yang lain. Sebagai contoh, untuk instrumen wisel angin seperti seruling, parameternya ialah panjang, profil dan diameter paip, kadar aliran udara, bahan badan; untuk instrumen tali - saiz badan, bahan, panjang tali dan ketegangan, dsb. Sintesis fizikal digunakan oleh instrumen seperti Yamaha VL-1, Korg OASYS, Alesis Fusion, dll.

Sintesis Wavetable (PCM), di mana bunyi dicipta dengan memainkan serpihan bunyi alat muzik sebenar (sampel dan berbilang sampel) yang sebelum ini dirakam dalam ingatan instrumen. Pensintesis paling terkenal dalam kumpulan ini ialah Waldorf Wave, juga dikenali sebagai pensintesis paling mahal di dunia.

Sintesis hibrid, yang menggunakan satu atau satu lagi gabungan kaedah sintesis bunyi yang berbeza, sebagai contoh, "jumlah + tolak", "gelombang + tolak", "operator + tolak", dsb. Kebanyakan instrumen moden dicipta berdasarkan sintesis hibrid, kerana ia mempunyai alat yang sangat berkuasa untuk mempelbagaikan timbre dalam julat yang paling luas.

Kawalan pensintesis moden:

Kawalan pensintesis profesional moden ialah proses kompleks yang dikaitkan dengan kawalan beberapa ratus, atau bahkan ribuan, pelbagai parameter yang bertanggungjawab untuk aspek bunyi tertentu. Beberapa parameter boleh dikawal dalam masa nyata menggunakan tombol berputar, roda, pedal, butang; parameter lain digunakan untuk perubahan pra-program dalam masa ciri-ciri tertentu. Dalam hal ini, timbres (tampalan) pensintesis digital juga sering dipanggil program.

Papan kekunci dan penjejakan dinamik digunakan untuk menjejak kedudukan dan halaju ketukan kekunci. Sebagai contoh, apabila bergerak dari kekunci bawah ke atas, timbre boleh bertukar dengan lancar dari cello ke seruling, dan dengan penekanan kekunci yang lebih kuat, timpani ditambah kepada bunyi keseluruhan.

Sampul surat digunakan untuk menukar parameter tertentu bunyi secara tidak berkala. Lazimnya, graf sampul surat ialah garis putus-putus yang terdiri daripada serangan (Serangan), pereputan (Decay), sokongan (Sustain) dan pereputan (Release) (lihat juga sampul ADSR), namun, dalam pelbagai model pensintesis ia didapati lebih mudah ( ADR ) serta sampul surat berbilang peringkat yang lebih kompleks. Jumlah Sampul surat adalah ciri penting pensintesis.

Penapis digunakan untuk memotong jalur frekuensi tertentu daripada jumlah spektrum isyarat. Selalunya, penapis juga dilengkapi dengan resonans, yang memungkinkan untuk meningkatkan secara mendadak jalur frekuensi pada sempadan cutoff. Menukar ciri penapis dengan kawalan masa nyata, penjejakan papan kekunci dan/atau sampul surat membolehkan anda mendapatkan pilihan bunyi yang sangat pelbagai. Jumlah bilangan penapis ialah ciri penting pensintesis.

Modulator dering membolehkan anda memodulasi isyarat asal dengan isyarat lain dengan frekuensi tertentu (tetap atau terapung), yang menyebabkan terdapat pengayaan yang ketara dengan harmonik. Nama "Ring" (eng. "panggilan") adalah disebabkan oleh fakta bahawa nod ini sering berfungsi untuk mendapatkan bunyi "seperti loceng" instrumen.

Pengayun Frekuensi Rendah digunakan untuk menukar parameter bunyi tertentu secara berkala, seperti pic, volum, kekerapan pemotongan penapis, dll. Dalam kes perubahan kitaran dalam volum, kesan tremolo dicipta, perubahan dalam nada menghasilkan kesan vibrato, perubahan berkala dalam kekerapan pemotongan penapis dipanggil kesan "wah-wah".

Pemprosesan kesan digunakan untuk memuktamadkan bunyi. Pensintesis moden biasanya dilengkapi dengan bilangan pemproses kesan yang agak besar (contohnya, Korg Karma - 8 pemproses, Roland Fantom - 6 pemproses, dll.). Pemproses beroperasi secara bebas antara satu sama lain, walaupun ia boleh digabungkan menjadi litar bersiri jika dikehendaki. Pemproses kesan moden melaksanakan sejumlah besar algoritma kesan spatial (reverb, delay, echo), modulasi (bebibir, korus, phaser) dan lain-lain (overamp, anjakan frekuensi, pengayaan harmonik).

Model paling maju mempunyai cara untuk mengawal parameter kesan daripada kawalan masa nyata, sampul surat, LFO dan banyak lagi.

Mekanik piano moden telah dicipta oleh master Itali Cristofori pada akhir abad ke-17 ( tarikh rasmi- OKEY. 1709), dalam reka bentuknya tukul berada di bawah tali. Alat itu dipanggil gravicembalo col piano e forte, - pianoforte - dan kemudian nama piano itu ditetapkan.

Penciptaan Cristofori menandakan permulaan perkembangan mekanik sistem Inggeris. Jenis mekanik lain telah dibangunkan oleh Marius di Perancis (1716) dan Schroeter di Jerman (1717-21). Sebastian Erard mencipta mekanik latihan berganda, yang memungkinkan untuk mengeluarkan bunyi dengan cepat menekan kekunci sekali lagi dari separuh jalan. Dalam mekanik sistem Inggeris, pengulangan seperti itu hanya mungkin apabila kunci dinaikkan sepenuhnya.

Di Rusia, perniagaan piano dikaitkan terutamanya dengan St. Petersburg. Pada abad ke-18 sahaja, lebih daripada 50 pakar piano bekerja di sana. Perkembangan pengeluaran kilang piano pada separuh pertama abad ke-19 dipengaruhi oleh aktiviti pengeluar piano pertama Rusia, pembekal Mahkamah Imperial, tuan Inggeris G. Faverier, tuan Jerman I.-A. Tischner, K.-I. Wirth, A.-H. Schroeder, I. -F. Schroeder dan, sejak 1840, G.-G. Lichtental Belgium. Sehingga kini, nama lebih daripada 600 ahli piano yang bekerja di Rusia sebelum revolusi 1917 diketahui. Sarjana piano Konservatori St. Petersburg, calon sains filologi Sergeev M. V. terlibat dalam kajian ini.
Pada pertengahan abad ke-19, kilang J. Blutner, K. Bechstein dibuka di Jerman, di Amerika Syarikat - Steinway and sons, tahun yang panjang tiada tandingan.
Pada abad ke-20, pada asasnya instrumen baru muncul - piano elektronik dan synthesizer, serta bentuk khas pengeluaran bunyi - piano yang disediakan.

Sekeping muzik pertama yang ditulis khusus untuk piano muncul pada tahun 1732 (sonata oleh Lodovico Giustini). Walau bagaimanapun, secara besar-besaran, komposer mula memberi tumpuan kepada piano dan bukannya harpsichord empat puluh atau lima puluh tahun kemudian, pada zaman Haydn dan Mozart.

Piano dibahagikan kepada piano besar - instrumen dengan tali mendatar - dan piano tegak. Piano menegak pertama yang diketahui dikaitkan dengan K.-E. Friederici (Gera, Jerman), yang menciptanya pada tahun 1745. Walau bagaimanapun, sudah pada tahun 1742, instrumen serupa keluar dari bengkel Johann Söcher di Zanthofen (Bavaria), dan pada tahun 1748 seperti G. Silbermann juga membuat instrumen yang sama. Varieti piano menegak - pyramidal, piano-lire, piano-biro, piano-harpa, dll. Sejak pertengahan abad ke-19, hanya piano dan piano besar telah dihasilkan.

Bunyi dalam piano dihasilkan dengan memukul tali dengan tukul. Tali diregangkan pada rangka besi tuang dengan bantuan pin (pasak), melalui treble dan pasak bes yang dilekatkan pada dek resonans (dalam piano, dek berada dalam kedudukan menegak, dalam piano besar - dalam kedudukan mendatar). Untuk setiap bunyi terdapat koir rentetan: tiga untuk julat pertengahan dan tinggi, dua atau satu untuk julat rendah. Julat kebanyakan piano ialah 88 semiton daripada subcontroctave A hingga oktaf ke-5 (instrumen lama mungkin terhad kepada not A bagi oktaf ke-4 dari atas; anda boleh menemui instrumen dengan julat yang lebih luas). Dalam kedudukan neutral, rentetan, kecuali satu setengah hingga dua oktaf terakhir, bersentuhan dengan peredam (muffler). Apabila kekunci ditekan, peranti tuas, tali dan tukul, dipanggil mekanik piano, diaktifkan. Selepas ditekan, peredam meninggalkan koir rentetan yang sepadan supaya rentetan itu boleh berbunyi dengan bebas, dan tukul, yang dilapisi dengan kain felt (felt), memukulnya.
Pedal piano
Piano moden mempunyai dua atau tiga (model terbaru mempunyai empat) pedal. Dalam instrumen terdahulu, tuas boleh ditarik balik digunakan untuk tujuan yang sama, yang perlu ditekan oleh pemain piano dengan lututnya.
Pedal kanan (kadang-kadang dirujuk hanya sebagai "pedal" kerana ia paling kerap digunakan) menaikkan semua peredam sekaligus, supaya apabila kunci dilepaskan, rentetan yang sepadan terus berbunyi. Di samping itu, semua rentetan instrumen lain juga mula bergetar, menjadi sumber bunyi sekunder. Pedal kanan digunakan untuk dua tujuan: untuk membuat urutan bunyi yang diekstrak tidak dapat dipisahkan (legato playing) di mana mustahil untuk melakukannya dengan jari kerana kesukaran teknikal, dan untuk memperkayakan bunyi dengan nada baharu. Terdapat dua cara untuk menggunakan pedal: pedal terus - menekan pedal sebelum menekan kekunci yang hendak dipegang, dan pedal tertunda, apabila pedal ditekan serta-merta selepas kekunci ditekan dan sebelum ia dilepaskan. Dalam muzik helaian, pedal ini dilambangkan dengan huruf P (atau singkatan Ped.), dan penyingkirannya ditunjukkan dengan asterisk. Dalam muzik komposer era romantisme dan impresionisme, sebutan ini sering dijumpai, biasanya untuk memberikan bunyi rasa istimewa.
Pedal kiri digunakan untuk melemahkan bunyi. Dalam piano besar, ini dicapai dengan mengalihkan tukul ke kanan, supaya bukannya tiga rentetan koir, ia hanya memukul dua (pada masa lalu, kadangkala hanya satu). Dalam piano, tukul bergerak lebih dekat dengan tali. Pedal ini digunakan lebih jarang. Dalam muzik helaian, ia ditandakan una corda, penyingkirannya ditandakan tre corde atau tutte le corde. Selain melemahkan bunyi, menggunakan pedal kiri semasa bermain piano membolehkan anda melembutkan bunyi, menjadikannya lebih hangat dan cantik kerana getaran tali koir yang dilepaskan.
Pedal tengah (atau ketiga, kerana ia telah ditambahkan secara sejarah terakhir), atau pedal sostenuto, berfungsi untuk menaikkan peredam secara selektif. Apabila pedal tengah ditekan, peredam dinaikkan apabila kekunci ditekan kekal dinaikkan sehingga pedal dikeluarkan. Ia, seperti pedal yang betul, boleh digunakan untuk bermain legato, tetapi tidak akan memperkayakan bunyi dengan getaran rentetan yang lain. Pedal ini tidak terdapat pada kebanyakan piano hari ini dan terdapat pada kebanyakan piano besar. Terdapat piano di mana pedal tengah "meluncur" ke kiri dan dengan itu tetap, manakala kain khas diletakkan di antara tukul dan tali, yang menyebabkan bunyi menjadi sangat senyap, yang membolehkan pemuzik bermain, contohnya, pada waktu malam.
Piano boleh digunakan sebagai instrumen solo dan bersama-sama dengan orkestra (contohnya, dalam konserto piano dengan orkestra). Bermain piano adalah satu aktiviti yang memerlukan teknik, perhatian dan dedikasi yang baik. Adalah disyorkan untuk memulakan latihan di zaman kanak-kanak. Dalam kanak-kanak sekolah muzik(DMSh) di Rusia, latihan mengambil masa 5 atau 7 tahun, bergantung pada program, sesetengah pelajar tinggal tambahan satu atau dua tahun selepas tamat pengajian sebelum memasuki sekolah muzik. Selepas sekolah muzik atau latihan yang setaraf, anda boleh meneruskan pengajian anda di sekolah muzik atau kolej, dan kemudian di konservatori, universiti, menjadi pemain piano profesional. Di sekolah muzik, piano am juga merupakan subjek wajib untuk hampir semua jurusan. Pemain piano yang cemerlang Abad XX - Sergei Rachmaninov, Emil Gilels, Svyatoslav Richter, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Glenn Gould dan lain-lain.
Piano memerlukan keadaan penyelenggaraan yang betul, serta penalaan biasa, kerana dari masa ke masa ketegangan rentetan instrumen menjadi lemah. Kekerapan penalaan bergantung pada kelas instrumen, kualiti pembuatannya, umurnya, keadaan penyelenggaraan dan operasi. Penalaan, sebagai peraturan, tidak dilakukan oleh pemain itu sendiri, tetapi oleh pakar - penala piano induk, walaupun, secara teorinya, mempunyai penala elektronik di tangan dan mengetahui ciri frekuensi yang tepat bagi setiap rentetan, sesiapa sahaja boleh melakukan penalaan, walaupun dia tidak mempunyai telinga muzik.
Ia adalah salah satu pencalonan Delphic Games.