Laporkan tentang gaya muzik Zaman Pertengahan baharu. Muzik awal dan Zaman Pertengahan
Muzik zaman pertengahan - tempoh pembangunanbudaya muzik, merangkumi tempoh masa dari kira-kira abad ke-5 hingga ke-14 Masihi .Semasa Zaman Pertengahan di Eropah satu jenis budaya muzik baru muncul - feudal yang menggabungkan seni profesional, muzik amatur dan cerita rakyat. Sejak gereja mendominasi dalam semua bidang kehidupan rohani, asas seni muzik profesional adalah aktiviti pemuzik dalam kuil dan biara . Seni profesional sekular pada mulanya hanya diwakili oleh penyanyi yang mencipta dan mempersembahkan kisah epik di mahkamah, di rumah bangsawan, di kalangan pahlawan, dll. ( bards, skalds dan lain-lain). Dari masa ke masa, bentuk pembuatan muzik amatur dan separa profesional berkembang. chivalry: di Perancis - seni troubadours dan trouveurs (Adam de la Halle, abad XIII), di Jerman - minnesingers ( Wolfram von Eschenbach, Walther von der Vogelweide, abad XII - XIII ), serta bandar tukang. Di istana feudal dan di bandar-bandar semua jenis genera ditanam, genre dan bentuk lagu (epik, "fajar", rondo, le, virele, balada, canzones, laudas, dll.).
Orang baru datang dalam hidupalat muzik, termasuk mereka yang datang dari Timur (viola, kecapi dsb.), ensembel (daripada gubahan yang tidak stabil) timbul. Cerita rakyat berkembang di kalangan petani. Terdapat juga "profesional rakyat": tukang cerita , artis sintetik jelajah ( jugglers, mimes, minstrels, shpilmans, buffoons ). Muzik sekali lagi melaksanakan fungsi-fungsi yang digunakan dan praktikal rohani. Kreativiti bertindak dalam perpaduan denganprestasi(biasanya dalam satu orang).
Dan dalam kandungan muzik, dan dalam bentuknya mendominasi kolektif ; individu yang mula mematuhi umum, tanpa menonjol daripadanya (ahli muzik adalah wakil terbaik masyarakat ). Pemerintahan yang ketat dalam segala-galanya tradisi dan kanonik . Penyatuan, pemeliharaan dan penyebaran tradisi dan piawaian.
Secara beransur-ansur, walaupun perlahan-lahan, kandungan muzik, yang genre, bentuk , cara ekspresi. DALAM Eropah Barat dari abad ke-6 - ke-7 . sistem yang dikawal ketat monofonik (monodik ) muzik gereja berasaskan mod diatonik ( Nyanyian Gregorian), menggabungkan bacaan (psalmody) dan nyanyian (hymns ). Pada permulaan alaf ke-1 dan ke-2, the polifoni . Baru vokal (choral ) dan vokal-instrumental (koir dan organ) genre: organum, motet, kelakuan, kemudian jisim. Perancis pada abad ke-12 yang pertama sekolah komposer (kreatif) di Katedral Notre Dame(Leonin, Perotin). Pada pergantian Renaissance (gaya ars nova di Perancis dan Itali, abad XIV) dalam muzik profesionalmonophony sedang dipaksa keluar polifoni , muzik mula beransur-ansur membebaskan dirinya daripada fungsi praktikal semata-mata (melayan gereja upacara ), ia meningkatkan nilai sekular genre, termasuk lagu Guillaume de Machaux).
Renaissance.
Muzik dalam tempoh abad XV-XVII.Pada Zaman Pertengahan, muzik adalah hak prerogatif Gereja, jadi kebanyakan karya muzik adalah suci, ia berdasarkan lagu pujian gereja(Nyanyian Gregorian), yang telah menjadi sebahagian daripada akidah sejak permulaan agama Kristian. Pada awal abad ke-17, melodi kultus, dengan penyertaan langsung Pope Gregory I, akhirnya dikanonisasi. Nyanyian Gregorian dipersembahkan oleh penyanyi profesional. Selepas muzik gereja menguasai polifoni, nyanyian Gregorian kekal sebagai asas tematik karya kultus polifonik (massa, motet, dll.).
Zaman Pertengahan diikuti oleh Renaissance, yang bagi pemuzik adalah era penemuan, inovasi dan penerokaan, kebangkitan semula semua lapisan ekspresi budaya dan saintifik kehidupan daripada muzik dan lukisan kepada astronomi dan matematik.
Walaupun muzik kekal sebahagian besarnya bersifat keagamaan, kelemahan kawalan gereja ke atas masyarakat membuka kebebasan yang lebih besar bagi komposer dan penghibur untuk mempamerkan bakat mereka.
Dengan penciptaan mesin cetak, ia menjadi mungkin untuk mencetak dan mengedarkan muzik lembaran, dan dari saat itu bermulalah apa yang kita panggil muzik klasik.
Dalam tempoh ini, alat muzik baru muncul. Yang paling popular adalah instrumen di mana pencinta muzik boleh bermain dengan mudah dan ringkas, tanpa memerlukan kemahiran khas.
Pada masa inilah biola, pendahulu biola, muncul. Fret (jalur kayu merentasi papan fret) menjadikannya mudah dimainkan, dan bunyinya senyap, lembut dan dimainkan dengan baik di tempat kecil.
Alat tiup juga popular - perakam, seruling dan tanduk. Muzik yang paling kompleks telah ditulis untuk harpsichord yang baru dicipta, virginal (harpsichord Inggeris, dicirikan oleh saiz kecil) dan organ. Pada masa yang sama, pemuzik tidak lupa untuk mengarang muzik yang lebih mudah, yang tidak memerlukan kemahiran berprestasi tinggi. Pada masa yang sama, terdapat perubahan dalam penulisan muzik: blok percetakan kayu berat digantikan oleh surat logam mudah alih yang dicipta oleh Ottaviano Petrucci Itali. Karya muzik yang diterbitkan dengan cepat habis dijual, semakin ramai orang mula menyertai muzik itu.
Berakhirnya Renaissance ditandai dengan peristiwa terpenting di sejarah muzik- kelahiran opera. Sekumpulan humanis, pemuzik, dan penyair berkumpul di Florence di bawah naungan ketua mereka, Count Giovanni De Bardi (1534 - 1612). Kumpulan itu dipanggil "kamerata", ahli utamanya ialah Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (bapa ahli astronomi Galileo Galilei), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri dan Ottavio Rinuccini pada usia muda mereka.
Pertemuan pertama kumpulan yang didokumentasikan berlaku pada tahun 1573, dan tahun-tahun kerja yang paling aktif "Florentine Camerata "adalah 1577 - 1582. Mereka percaya bahawa muzik itu "manja" dan berusaha untuk kembali ke bentuk dan gaya Yunani purba, percaya bahawa seni muzik boleh dipertingkatkan dan, dengan itu, masyarakat juga akan bertambah baik. Camerata mengkritik muzik sedia ada kerana penggunaan polifoni yang berlebihan dengan mengorbankan kebolehfahaman teks dan kehilangan komponen puisi karya itu, dan mencadangkan penciptaan gaya muzik baharu di mana teks dalam gaya monodik diiringi oleh muzik instrumental. Eksperimen mereka membawa kepada penciptaan bentuk vokal-muzik baru - recitatif, pertama kali digunakan oleh Emilio de Cavalieri, kemudiannya berkaitan secara langsung dengan perkembangan opera.
Yang pertama diiktiraf secara rasmiopera , sepadan dengan piawaian moden, ialah opera "Daphne" (Daphne), pertama kali dipersembahkan pada tahun 1598. Pengarang "Daphne" ialah Jacopo Peri dan Jacopo Corsi, libretto oleh Ottavio Rinuccini. Opera ini tidak bertahan. Opera pertama yang masih hidup ialah "Eurydice" (1600) oleh pengarang yang sama - Jacopo Peri dan Ottavio Rinuccini. Kesatuan kreatif ini masih mencipta banyak karya, yang kebanyakannya telah hilang.
Muzik barok awal (1600-1654)
Penciptaan gaya bacaannya oleh komposer Itali Claudio Monteverdi (1567-1643) dan perkembangan konsisten opera Itali boleh dianggap sebagai titik peralihan bersyarat antara era Baroque dan Renaissance. Permulaan persembahan opera di Rom dan terutamanya di Venice sudah bermakna pengiktirafan dan penyebaran genre baru ke seluruh negara. Semua ini hanyalah sebahagian daripada proses yang lebih besar yang menangkap semua seni, dan terutamanya jelas memanifestasikan dirinya dalam seni bina dan lukisan.Komposer Renaissance memberi perhatian kepada penghuraian setiap bahagian kerja muzik, memberi sedikit perhatian atau tiada perhatian kepada penjajaran bahagian-bahagian ini. Secara berasingan, setiap bahagian boleh kedengaran sangat baik, tetapi hasil yang harmoni daripada penambahan itu lebih merupakan masalah peluang daripada keteraturan. Kemunculan bes bergambar menunjukkan perubahan ketara dalam pemikiran muzik - iaitu, keharmonian, iaitu "penambahan bahagian ke dalam satu keseluruhan", adalah sama pentingnya dengan bahagian melodi (polifoni) itu sendiri. Semakin banyak, polifoni dan harmoni kelihatan seperti dua sisi idea yang sama untuk mengarang muzik yang meriah: apabila menyusun urutan harmonik, perhatian yang sama diberikan kepada triton apabila mencipta disonans. Pemikiran harmonik juga wujud di kalangan beberapa komposer era sebelumnya, seperti Carlo Gesualdo, tetapi dalam era Baroque ia menjadi diterima umum.
Bahagian-bahagian kerja yang mustahil untuk memisahkan modaliti dengan jelas daripada tonaliti, dia tandakan sebagai major campuran, atau minor campuran (kemudian untuk konsep ini dia memperkenalkan istilah "monal major" dan "monal minor", masing-masing). Jadual menunjukkan bagaimana keharmonian tonal pada zaman Baroque awal hampir menggantikan keharmonian era sebelumnya.
Itali menjadi pusat gaya baharu. Kepausan, walaupun ditawan oleh perjuangan menentang reformasi, tetapi bagaimanapun memiliki sumber kewangan yang besar yang diisi semula oleh kempen ketenteraan Habsburg, sedang mencari cara untuk menyebarkan kepercayaan Katolik melalui pengembangan pengaruh budaya. Dengan kemegahan, kemegahan dan kerumitan seni bina, seni halus dan muzik, Katolik, seolah-olah, berhujah dengan Protestantisme pertapa. Negara republik dan kerajaan Itali yang kaya juga bersaing hebat dalam seni halus. Satu daripada pusat-pusat penting seni muzik adalah Venice, yang pada masa itu berada di bawah naungan sekular dan gerejawi.
Giovanni Gabrieli adalah seorang tokoh penting dalam zaman barok awal, yang kedudukannya berada di pihak Katolik, yang menentang pengaruh ideologi, budaya dan sosial yang semakin meningkat Protestantisme. Karya-karya beliau tergolong dalam gaya "High Renaissance" (zaman kegemilangan Renaissance). Walau bagaimanapun, beberapa inovasi beliau dalam bidang instrumentasi (pemberian tugasan khusus kepada instrumen tertentu) jelas menunjukkan bahawa beliau adalah salah seorang komposer yang mempengaruhi kemunculan gaya baru.
Salah satu syarat yang dikenakan oleh gereja terhadap komposisi muzik suci ialah teks dalam karya dengan vokal boleh dibaca. Ini memerlukan perpindahan daripada polifoni kepada teknik muzik, di mana perkataan itu keluar latar depan. Vokal menjadi lebih kompleks, berhias berbanding iringan. Ini adalah bagaimana homofoni berkembang.
Monteverde Claudio(1567-1643), komposer Itali. Tidak ada yang menariknya seperti pendedahan dalaman, ketenangan fikiran seseorang dalam perlanggaran dramatiknya dan konflik dengan dunia luar. Monteverdi adalah pengasas sebenar dramaturgi konflik rancangan tragis itu. Dia adalah penyanyi sejati jiwa manusia. Dia gigih berusaha untuk ekspresif semula jadi muzik. "Percakapan manusia adalah wanita simpanan keharmonian, dan bukan pelayannya."
"Orpheus" (1607) - Muzik opera tertumpu pada pendedahan ketenangan jiwa wira yang tragis. Bahagiannya sangat pelbagai; pelbagai aliran emosi dan ekspresif serta baris genre bergabung di dalamnya. Dia dengan penuh semangat menyeru ke hutan dan pantai asalnya atau meratapi kehilangan Eurydicenya dalam lagu-lagu rakyat tanpa seni.
Muzik barok matang (1654-1707)
Tempoh pemusatan kuasa tertinggi di Eropah sering dipanggil Absolutisme. Absolutisme mencapai kemuncaknya di bawah raja Perancis Louis XIV. Bagi seluruh Eropah, mahkamah Louis adalah contoh teladan. Termasuk muzik yang dipersembahkan di gelanggang. Peningkatan ketersediaan alat muzik (terutama papan kekunci) memberi dorongan kepada perkembangan muzik bilik.Baroque yang matang berbeza daripada barok awal dalam kewujudan gaya baharu dan dalam peningkatan pemisahan bentuk muzik, terutamanya dalam opera. Seperti dalam kesusasteraan, kemunculan percetakan penstriman karya muzik membawa kepada pengembangan penonton; pertukaran antara pusat-pusat budaya muzik semakin rancak.
Wakil luar biasa komposer mahkamah mahkamah Louis XIV ialah Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Sudah pada usia 21 tahun, dia menerima gelaran "komposer gelanggang muzik instrumental." kerja kreatif Lully sangat dikaitkan dengan teater sejak awal lagi. Berikutan penganjuran muzik dewan mahkamah dan komposisi "airs de cour", dia mula menulis muzik balet. Louis XIV sendiri menari dalam balet, yang kemudiannya menjadi hiburan kegemaran golongan bangsawan mahkamah. Lully adalah seorang penari yang sangat baik. Dia kebetulan mengambil bahagian dalam produksi, menari dengan raja. Dia terkenal dengan kerjasamanya dengan Molière, yang memainkannya dia menulis muzik. Tetapi perkara utama dalam karya Lully masih menulis opera. Yang menghairankan, Lully mencipta jenis yang lengkap opera Perancis; apa yang dipanggil tragedi lirik di Perancis (fr. tragedie lyrique), dan mencapai kematangan kreatif yang tidak diragui pada tahun-tahun pertama kerjanya dalam rumah Opera. Lully sering menggunakan kontras antara bunyi megah bahagian orkestra dan bacaan mudah dan aria. bahasa muzik Lully tidak begitu kompleks, tetapi pastinya baru: kejelasan keharmonian, tenaga berirama, kejelasan artikulasi bentuk, kesucian tekstur bercakap tentang kemenangan prinsip pemikiran homofonik. Untuk sebahagian besar, kejayaannya juga difasilitasi oleh keupayaannya untuk memilih pemuzik untuk orkestra, dan kerjanya dengan mereka (dia sendiri menjalankan latihan). Elemen penting dalam karyanya ialah perhatian kepada keharmonian dan instrumen solo.
Di England, barok yang matang ditandakan oleh genius cemerlang Henry Purcell (1659-1695). Dia meninggal dunia muda, pada usia 36 tahun, setelah menulis sejumlah besar karya dan menjadi terkenal sepanjang hayatnya. Purcell biasa dengan karya Corelli dan komposer barok Itali yang lain. Walau bagaimanapun, pelanggan dan pelanggannya adalah jenis yang berbeza daripada golongan bangsawan sekular dan gerejawi Itali dan Perancis, jadi tulisan Purcell sangat berbeza daripada sekolah Itali. Purcell bekerja dalam pelbagai genre; daripada lagu-lagu agama mudah kepada muzik kawad, daripada gubahan vokal format besar kepada muzik berperingkat. Katalog beliau mengandungi lebih 800 karya. Purcell menjadi salah satu komposer pertama muzik papan kekunci, yang pengaruhnya meluas hingga kini.
Tidak seperti komposer di atas, Dietrich Buxtehude (1637-1707) bukan komposer mahkamah. Buxtehude bekerja sebagai ahli organ, pertama di Helsingborg (1657-1658), kemudian di Elsinore (1660-1668), dan kemudian dari 1668 di St. Mary di Lübeck. Dia tidak memperoleh wang dengan menerbitkan karyanya, tetapi dengan mempersembahkannya, dan dia lebih suka mengarang muzik daripada teks gereja dan melakukan kerja organnya sendiri berbanding naungan golongan bangsawan. Malangnya, tidak semua karya komposer ini telah dipelihara. Muzik Buxtehude sebahagian besarnya dibina berdasarkan skala idea, kekayaan dan kebebasan imaginasi, kegemaran untuk kesedihan, drama, dan intonasi yang agak berpidato. Karya beliau mempunyai pengaruh yang kuat terhadap komposer seperti J. S. Bach dan Telemann.
Muzik Baroque Akhir (1707-1760)
Garis tepat antara Baroque matang dan lewat adalah perkara perdebatan; ia terletak di suatu tempat antara 1680 dan 1720. Kebanyakan kerumitan definisinya adalah hakikat bahawa di negara-negara yang berbeza gaya berubah tidak selaras; inovasi yang telah diterima sebagai peraturan di satu tempat adalah penemuan baru di tempat lainBentuk yang ditemui oleh tempoh sebelumnya telah mencapai kematangan dan kebolehubahan yang besar; konserto, suite, sonata, konserto grosso, oratorio, opera dan balet tidak lagi menunjukkan ciri-ciri kebangsaan dengan ketara. Skim kerja yang diterima umum telah ditubuhkan di mana-mana: bentuk dua bahagian berulang (AABB), bentuk tiga bahagian mudah (ABC) dan rondo.
Antonio Vivaldi (1678-1741) - Komposer Itali, dilahirkan di Venice. Pada tahun 1703 beliau menerima pangkat paderi Katolik. Untuk mereka ini, pada masa itu masih mengembangkan genre instrumental (baroque sonata dan baroque concerto), Vivaldi membuat sumbangannya yang paling penting. Vivaldi mengarang lebih 500 konsert. Dia juga memberikan tajuk program kepada beberapa karyanya, seperti The Four Seasons yang terkenal.
Domenico Scarlatti (1685-1757) adalah salah seorang komposer papan kekunci dan penghibur terkemuka pada zamannya. Tetapi mungkin komposer mahkamah yang paling terkenal ialah Georg Friedrich Handel (1685-1759). Dia dilahirkan di Jerman, belajar di Itali selama tiga tahun, tetapi meninggalkan London pada 1711, di mana dia memulakan kerjayanya yang cemerlang dan komersial. kerjaya yang berjaya seorang komposer opera bebas melaksanakan suruhanjaya untuk golongan bangsawan. Memiliki tenaga tanpa jemu, Handel mengolah semula bahan komposer lain, dan sentiasa mengolah semula gubahan sendiri. Sebagai contoh, dia terkenal kerana telah mengolah semula oratorio terkenal "Messiah" berkali-kali sehingga kini tiada versi yang boleh dipanggil "asli".
Selepas kematiannya, beliau diiktiraf sebagai komposer terkemuka Eropah, dan dipelajari oleh pemuzik era Klasik. Handel mencampurkan dalam muziknya tradisi kaya improvisasi dan counterpoint. Seni hiasan muzik mencapai tahap perkembangan yang sangat tinggi dalam karyanya. Dia mengembara ke seluruh Eropah untuk mempelajari muzik komposer lain, yang berkaitan dengannya dia mempunyai kenalan yang sangat luas di kalangan komposer gaya lain.
Johann Sebastian Bach Dilahirkan pada 21 Mac 1685 di Eisenach, Jerman. Semasa hayatnya, dia mengarang lebih 1,000 karya dalam pelbagai genre, kecuali opera. Tetapi semasa hayatnya dia tidak mencapai sebarang kejayaan yang ketara. Bergerak berkali-kali, Bach menukar satu demi satu kedudukan yang tidak terlalu tinggi: di Weimar dia adalah seorang pemuzik mahkamah di Weimar Duke Johann Ernst, kemudian menjadi penjaga organ di gereja St. Boniface di Arnstadt, beberapa tahun kemudian menerima jawatan organis di gereja St. Vlasia di Mühlhausen, di mana dia bekerja hanya selama kira-kira setahun, selepas itu dia kembali ke Weimar, di mana dia mengambil tempat organis mahkamah dan penganjur konsert. Beliau memegang jawatan ini selama sembilan tahun. Pada tahun 1717, Leopold, Duke of Anhalt-Köthen, mengupah Bach sebagai Kapellmeister, dan Bach mula tinggal dan bekerja di Köthen. Pada tahun 1723 Bach berpindah ke Leipzig, di mana dia tinggal sehingga kematiannya pada tahun 1750. Pada tahun-tahun terakhir hidupnya dan selepas kematian Bach, kemasyhurannya sebagai komposer mula merosot: gayanya dianggap kuno berbanding klasikisme yang semakin berkembang. Dia lebih dikenali dan diingati sebagai penghibur, guru dan bapa kepada Bachs Jr., terutamanya Carl Philipp Emmanuel, yang muziknya lebih terkenal.
Hanya persembahan Passion menurut Matthew oleh Mendelssohn, 79 tahun selepas kematian J.S. Bach, menghidupkan semula minat dalam karyanya. Kini J.S. Bach adalah salah seorang komposer yang paling popular
Klasikisme
Klasikisme - gaya dan arah dalam seni XVII - awal XIX berabad-abad
Perkataan ini berasal dari Latin classicus - teladan. Klasikisme adalah berdasarkan kepercayaan kepada rasionaliti makhluk, pada hakikat bahawa sifat manusia adalah harmoni. Mereka melihat cita-cita klasik mereka dalam seni purba, yang dianggap sebagai bentuk kesempurnaan tertinggi.
Pada abad kelapan belas, peringkat baru dalam perkembangan kesedaran sosial bermula - Zaman Pencerahan. Tatanan sosial lama sedang dimusnahkan; idea menghormati maruah manusia, kebebasan dan kebahagiaan adalah amat penting; individu itu memperoleh kemerdekaan dan kematangan, menggunakan fikirannya dan pemikiran kritikal. Cita-cita era Baroque dengan kemegahan, kemegahan dan kesungguhannya digantikan dengan gaya hidup baharu berdasarkan keaslian dan kesederhanaan. Masanya akan tiba untuk pandangan idealistik Jean-Jacques Rousseau, menyeru untuk kembali kepada alam semula jadi, kepada kebajikan semula jadi dan kebebasan. Bersama-sama dengan alam semula jadi, Antikuiti adalah ideal, kerana dipercayai bahawa pada zaman Antikuiti orang berjaya mewujudkan semua aspirasi manusia. Seni purba dipanggil klasik, ia diiktiraf sebagai teladan, paling jujur, sempurna, harmoni dan, tidak seperti seni era Baroque, ia dianggap mudah dan difahami. Di tengah-tengah perhatian, bersama dengan aspek penting lain, adalah pendidikan, kedudukan rakyat jelata dalam struktur sosial, genius sebagai hak milik seseorang.
Akal juga memerintah dalam seni. Ingin menekankan tujuan seni yang tinggi, peranan sosial dan siviknya, ahli falsafah dan pendidik Perancis Denis Diderot menulis: "Setiap karya arca atau lukisan harus menyatakan beberapa peraturan hidup yang hebat, harus mengajar."
Teater pada masa yang sama adalah buku teks kehidupan, dan kehidupan itu sendiri. Di samping itu, dalam teater aksi itu sangat teratur, diukur; ia dibahagikan kepada aksi dan adegan, yang, seterusnya, dibahagikan kepada replika watak yang berasingan, mewujudkan seni ideal yang sangat disayangi pada abad ke-18, di mana segala-galanya berada di tempatnya dan tertakluk kepada undang-undang logik.
Muzik klasikisme sangat teater; ia seolah-olah meniru seni teater dan menirunya.
Pembahagian sonata klasik dan simfoni kepada bahagian besar - bahagian, di mana setiap satunya terdapat banyak "peristiwa" muzik adalah seperti membahagikan drama kepada aksi dan adegan.
Dalam muzik zaman klasik, plot sering tersirat, aksi tertentu yang terbentang di hadapan penonton dengan cara yang sama seperti aksi teater terbentang di hadapan penonton.
Pendengar hanya perlu menghidupkan imaginasi dan mengenali watak-watak komedi klasik atau tragedi dalam "pakaian muzik".
Seni teater membantu menjelaskan perubahan besar dalam persembahan muzik yang berlaku pada abad ke-18. Sebelum ini, tempat utama di mana muzik dibunyikan ialah kuil: di dalamnya, seseorang berada di bawah, di ruang yang besar, di mana muzik seolah-olah membantunya mendongak dan menumpukan fikirannya kepada Tuhan. Kini, pada abad ke-18, muzik didengari di salon bangsawan, di bilik tarian estet bangsawan atau di dataran bandar. Pendengar Zaman Pencerahan seolah-olah memperlakukan muzik "kepada anda" dan tidak lagi mengalami kegembiraan dan rasa malu yang diilhaminya dalam dirinya ketika dia membunyikan di kuil.
Bunyi organ yang kuat dan khusyuk tidak lagi dalam muzik; peranan koir telah berkurangan. Muzik gaya klasik ia kedengaran ringan, ia mempunyai bunyi yang lebih sedikit, seolah-olah ia "kurang berat" daripada muzik berlapis masa lalu yang berat. Bunyi organ dan koir digantikan dengan bunyi orkestra simfoni; aria agung memberi laluan kepada muzik ringan, berirama dan tarian.
Terima kasih kepada kepercayaan yang tidak terbatas pada kemungkinan minda manusia dan kuasa pengetahuan, abad ke-18 mula dipanggil Zaman Akal atau Zaman Pencerahan.
Zaman kegemilangan Klasikisme datang pada tahun 80-an abad kelapan belas. Pada tahun 1781, J. Haydn mencipta beberapa karya inovatif, termasuk op String Quartet beliau. 33; tayangan perdana opera oleh V.A. "Penculikan dari Seraglio" Mozart; Drama F. Schiller "Perompak" dan "Kritikan fikiran yang bersih» I. Kant.
Wakil paling terang zaman klasik ialah komposer Sekolah Klasik Vienna Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart dan Ludwig van Beethoven. Seni mereka menggembirakan dengan kesempurnaan teknik gubahan, orientasi humanistik kreativiti dan keinginan, terutamanya yang ketara dalam muzik W. A. Mozart, untuk memaparkan keindahan yang sempurna melalui muzik.
Konsep Sekolah Klasik Vienna timbul sejurus selepas kematian L. Beethoven. Seni klasik dibezakan oleh keseimbangan yang halus antara perasaan dan sebab, bentuk dan kandungan. Muzik Renaissance mencerminkan semangat dan nafas eranya; dalam era Baroque, keadaan manusia menjadi subjek refleksi dalam muzik; muzik era Klasikisme menyanyikan tindakan dan perbuatan seseorang, emosi dan perasaan yang dialaminya, minda manusia yang penuh perhatian dan holistik.
Ludwig van Beethoven(1770–1827)
Komposer Jerman, sering dianggap sebagai komposer terhebat sepanjang zaman.
Karyanya dikaitkan dengan kedua-dua klasikisme dan romantisme.
Tidak seperti pendahulunya Mozart, Beethoven mengarang dengan susah payah. Buku nota Beethoven menunjukkan bagaimana secara beransur-ansur, langkah demi langkah, komposisi yang hebat muncul daripada lakaran yang tidak pasti, ditandai dengan logik pembinaan yang meyakinkan dan keindahan yang jarang berlaku. Ia adalah logik sumber utama Kehebatan Beethoven, keupayaannya yang tiada tandingan untuk menyusun unsur-unsur yang berbeza menjadi satu keseluruhan yang monolitik. Beethoven memadamkan caesura tradisional di antara bahagian bentuk, mengelakkan simetri, menggabungkan bahagian kitaran, membangunkan pembinaan lanjutan dari motif tematik dan berirama, yang pada pandangan pertama tidak mengandungi apa-apa yang menarik. Dengan kata lain, Beethoven mencipta ruang muzik dengan kuasa fikirannya, dengan kehendaknya sendiri. Dia menjangka dan mencipta trend artistik yang menjadi penentu untuk seni muzik abad ke-19.
Romantikisme.
meliputi bersyarat 1800-1910
Komposer romantik cuba untuk menyatakan kedalaman dan kekayaan dunia dalaman seseorang dengan bantuan alat muzik. Muzik menjadi lebih timbul, individu. Genre lagu berkembang, termasuk balada.
Wakil utama romantisme dalam muzik ialah: dalam Austria - Franz Schubert
; di German - Ernest Theodor Hoffmann,
Carl Maria Weber, Richard Wagner , Felix Mendelssohn, Robert Schumann , Ludwig Spohr ; V
dan lain-lain.................
Budaya muzik profesional Zaman Pertengahan di Eropah dikaitkan terutamanya dengan gereja, iaitu, dengan bidang muzik kultus. Penuh religiositas, seni adalah kanonik dan dogmatik, tetapi, bagaimanapun, ia tidak membeku, ia berpaling dari keributan duniawi kepada dunia yang terpisah untuk melayani Tuhan. Walau bagaimanapun, bersama dengan muzik "lebih tinggi", terdapat juga cerita rakyat, dan karya pemuzik jelajah, serta budaya kesatria yang mulia.
Budaya muzik rohani pada awal Zaman Pertengahan
Dalam era awal zaman pertengahan muzik profesional dibunyikan hanya di katedral dan sekolah nyanyian yang melekat padanya. Pusat budaya muzik Zaman Pertengahan di Eropah Barat ialah ibu kota Itali - Rom - bandar yang terletak "pihak berkuasa tertinggi gereja".
Pada tahun 590-604, Pope Gregory I melakukan pembaharuan nyanyian kultus. Dia memerintahkan dan mengumpul pelbagai nyanyian dalam koleksi "Gregorian Antiphonary". Terima kasih kepada Gregory I, arahan yang dipanggil nyanyian Gregorian sedang dibentuk dalam muzik suci Eropah Barat.
paduan suara- ini, sebagai peraturan, nyanyian monofonik, yang mencerminkan tradisi berabad-abad orang Eropah dan Timur Tengah. Melodi monofonik yang halus inilah yang bertujuan untuk membimbing umat untuk memahami asas-asas Katolik dan menerima satu wasiat. Pada asasnya, paduan suara dilakukan oleh koir, dan hanya beberapa bahagian oleh pemain solo.
Asas nyanyian Gregorian adalah pergerakan beransur-ansur mengikut bunyi mod diatonik, tetapi kadang-kadang dalam nyanyian yang sama terdapat juga mazmur yang perlahan dan teruk dan nyanyian melismatik suku kata individu.
Persembahan melodi tersebut tidak dipercayai oleh sesiapa sahaja, kerana ia memerlukan kemahiran vokal profesional daripada penyanyi. Sama seperti muzik, teks pujian dalam bahasa Latin, yang tidak dapat difahami oleh banyak umat, membangkitkan kerendahan hati, terlepas dari realiti, dan renungan. Selalunya, reka bentuk berirama muzik juga bergantung pada mengikuti teks. Nyanyian Gregorian tidak boleh dianggap sebagai muzik yang ideal, ia lebih kepada nyanyian teks doa.
Mass – genre utama komposer muzik Zaman Pertengahan
misa katolik adalah liturgi utama gereja. Dia menggabungkan jenis nyanyian Gregorian seperti:
- antiphonal (apabila dua koir menyanyi secara bergilir-gilir);
- responsorial (selang seli menyanyi solo dan koir).
Masyarakat hanya mengambil bahagian dalam nyanyian doa bersama.
Kemudian, pada abad XII. himne (mazmur), urutan, dan tropes muncul dalam misa. Ia adalah teks tambahan yang mempunyai rima (tidak seperti paduan suara utama) dan lagu istimewa. Teks-teks berima agama ini lebih diingati oleh umat. Menyanyi bersama-sama dengan sami, mereka mempelbagaikan melodi, dan unsur-unsur rakyat mula meresap ke dalam muzik suci dan berfungsi sebagai satu kesempatan untuk kreativiti pengarang (Notker Zaika dan Tokelon sami - biara St. Golene). Kemudian, lagu-lagu ini biasanya menggantikan bahagian-bahagian mazmur dan memperkayakan bunyi nyanyian Gregorian dengan ketara.
Sampel pertama polifoni berasal dari biara, seperti organum - pergerakan selari keempat atau kelima, gimel, foburdon - pergerakan dalam kord keenam, kelakuan. Wakil-wakil muzik tersebut ialah komposer Leonin dan Perotin (Cathedral Notre Dame of Paris- abad XII-XIII).
Budaya muzik sekular Zaman Pertengahan
Sisi sekular budaya muzik Zaman Pertengahan diwakili oleh: di Perancis - jugglers, mimes, minstrels , di German - shpilmans, di Sepanyol - hoglars, dalam Rus' - buffoons. Kesemua mereka adalah artis jelajah dan digabungkan dalam kerja mereka bermain alat muzik, menyanyi, menari, sihir, pertunjukan boneka, seni sarkas.
Satu lagi komponen muzik sekular adalah sopan, yang dipanggil budaya berbudi bahasa . Kod kesatria khas telah dibentuk, yang menyatakan bahawa setiap kesatria mesti mempunyai bukan sahaja keberanian dan keberanian, tetapi juga sopan santun, pendidikan dan berbakti kepada Wanita Cantik. Semua aspek kehidupan kesatria ini dicerminkan dalam karya troubadours(selatan Perancis - Provence), Trouvers(Utara Perancis), pelombong(Jerman).
Karya mereka dipersembahkan terutamanya dalam lirik cinta, genre yang paling biasa adalah canzona (albs - "Lagu Pagi" di kalangan pelombong). Menggunakan pengalaman troubadours secara meluas, trouveur mencipta genre mereka sendiri: "lagu Mei", "lagu tenunan".
Bidang yang paling penting dalam genre muzik wakil budaya sopan ialah genre lagu dan tarian, seperti rondo, virele, balada, epik heroik. Peranan instrumen adalah sangat tidak penting, ia telah dikurangkan kepada membingkai melodi vokal dengan pengenalan, selingan, postlude.
Abad Pertengahan Matang XI-XIII abad.
Ciri ciri Zaman Pertengahan yang matang ialah perkembangan budaya burgher . Fokusnya adalah anti-gereja, pemikiran bebas, hubungan dengan cerita rakyat komik dan karnival. Genre polifoni baru muncul: motet, yang dicirikan oleh ketidaksamaan melodi suara, lebih-lebih lagi, dalam motet mereka menyanyi serentak teks yang berbeza dan juga pada perbezaan bahasa; madrigal - lagu Bahasa ibunda(Itali), caccia ialah sekeping vokal dengan lirik yang menggambarkan pemburuan.
Dari abad ke-12 hingga seni rakyat vagantes dan goliards bergabung, yang, tidak seperti yang lain, celik huruf. Universiti menjadi pembawa budaya muzik Zaman Pertengahan. Oleh kerana sistem modal Zaman Pertengahan dibangunkan oleh wakil-wakil muzik suci, mereka mula dipanggil mod gereja (mod Ionian, mod Aeolian).
Doktrin hexachords juga dikemukakan - hanya 6 langkah digunakan dalam fret. Sami Guido Aretinsky membuat sistem rakaman nota yang lebih sempurna, yang terdiri daripada 4 baris, di antaranya terdapat nisbah tertian dan tanda kunci atau mewarna garisan. Beliau juga memperkenalkan nama suku kata langkah, iaitu ketinggian anak tangga mula ditunjukkan dengan huruf.
Ars Nova XIII-XV abad
Tempoh peralihan antara Zaman Pertengahan dan Renaissance adalah abad XIV. Tempoh ini di Perancis dan Itali dipanggil Ars Nova, iaitu, "seni baru". Masanya telah tiba untuk eksperimen baru dalam seni. Komposer mula mengarang karya, irama yang menjadi lebih rumit daripada yang sebelumnya (Philippe de Vitry).
Juga tidak seperti muzik suci, semitone diperkenalkan di sini, akibatnya kenaikan dan penurunan nada secara rawak mula berlaku, tetapi ini belum lagi modulasi. Hasil daripada eksperimen sedemikian, karya-karya yang menarik diperolehi, tetapi jauh dari sentiasa menggembirakan. Solage adalah pemuzik eksperimen yang paling bijak pada masa itu. budaya muzik Zaman Pertengahan lebih maju berbanding dengan budaya dunia purba, walaupun terhad dana dan mengandungi prasyarat untuk perkembangan muzik dalam Renaissance.
pemuzik zaman pertengahan. Manuskrip abad ke-13 Muzik Zaman Pertengahan Tempoh perkembangan budaya muzik, meliputi tempoh masa dari kira-kira abad ke-5 hingga ke-14 Masihi ... Wikipedia
Termasuk pelbagai genre hidup dan sejarah muzik rakyat, popular, pop dan klasik. India muzik klasik, yang diwakili oleh tradisi Karnataka dan Hindustani, kembali kepada Sama Veda dan digambarkan sebagai kompleks dan pelbagai ... Wikipedia
Sekumpulan pemuzik dalam muzik Perancis Montmartre ialah salah satu budaya muzik Eropah yang paling menarik dan berpengaruh, yang berasal dari ... Wikipedia
Kandungan 1 Muzik rakyat 2 Muzik klasik, opera dan balet 3 Muzik popular ... Wikipedia
Artikel ini adalah mengenai gaya muzik. Untuk sekumpulan pandangan falsafah, lihat artikel New Age Lihat juga kategori: New Age Music New Age (new age) Arah: Muzik elektronik Asal: jazz, etnik, minimalism, muzik klasik, muzik konkrit ... Wikipedia
I Muzik (daripada muzike Greek, secara literal seni muses) adalah sejenis seni yang mencerminkan realiti dan mempengaruhi seseorang melalui urutan bunyi yang bermakna dan teratur khas, yang terdiri terutamanya daripada nada ... ... Besar ensiklopedia soviet
- (Greek moysikn, dari mousa muse) sejenis sut yang mencerminkan realiti dan mempengaruhi seseorang melalui urutan bunyi yang bermakna dan disusun khas dalam ketinggian dan masa, yang terdiri terutamanya daripada nada ... ... Ensiklopedia Muzik
Satu siri artikel tentang Croat ... Wikipedia
Muzik Belgium berasal dari tradisi muzik Flemings, yang mendiami utara negara itu, dan tradisi Walloons, yang tinggal di selatan dan dipengaruhi oleh tradisi Perancis. Pembentukan muzik Belgium diteruskan dalam sejarah yang kompleks ... ... Wikipedia
Buku
- Sejarah Seni Bergambar. Seni bina, arca, lukisan, muzik, Lyubke V. edisi seumur hidup. St. Petersburg, 1884. Edisi A. S. Suvorin. Edisi dengan 134 lukisan. Ikatan pemilik dengan tulang belakang dan sudut kulit. Balut tulang belakang. Keselamatan adalah baik.…
- Sejarah Seni Bergambar. Seni bina, arca, lukisan, muzik (untuk sekolah, pembelajaran kendiri dan maklumat), Lübke. Edisi kehidupan. St. Petersburg, 1884. Edisi A. S. Suvorin. Tempah dengan 134 lukisan. Penutup tipografi. Keselamatan adalah baik. Koyak kecil di sampulnya. Diilustrasikan dengan banyak…
Dalam keadaan awal Zaman Pertengahan, keseluruhan budaya muzik dikurangkan kepada dua "istilah" utama. Di salah satu tiangnya terdapat muzik liturgi profesional yang disahkan oleh gereja, yang pada dasarnya sama untuk semua orang yang telah menganut agama Kristian (perpaduan bahasa adalah Latin, kesatuan nyanyian adalah nyanyian Gregorian). Di sisi lain - muzik rakyat yang dianiaya oleh gereja dalam pelbagai bahasa tempatan, berkaitan dengan kehidupan rakyat, dengan aktiviti pemuzik mengembara.
Walaupun ketidaksamaan kuasa mutlak (dari segi sokongan dari negara, keadaan material, dll.), muzik rakyat berkembang secara intensif dan bahkan sebahagiannya menembusi gereja dalam bentuk pelbagai sisipan ke dalam nyanyian Gregorian yang dikanonkan. Antaranya, contohnya, trope dan urutan yang dicipta oleh pemuzik berbakat.
laluan - ini adalah teks dan tambahan muzik yang diselitkan di tengah-tengah paduan suara. Sejenis jejak adalah urutan. Zaman Pertengahanurutan Ini adalah subteks penyuaraan kompleks. Salah satu sebab yang menyebabkan kejadian mereka adalah kesukaran yang ketara dalam mengingat melodi panjang yang dinyanyikan dalam satu vokal. Dari masa ke masa, urutan mula berdasarkan melodi gudang rakyat.
Seorang sami dinamakan antara pengarang urutan pertama.Notker digelar Zaika dari biara St. Gallen (di Switzerland, berhampiran tasik constance). Notker (840-912) ialahkomposer, penyair, ahli teori muzik, ahli sejarah, ahli teologi. Dia mengajar di sekolah biara dan, walaupun gagap, dikenali sebagai seorang guru yang cemerlang. Untuk urutannya, Notker digunakan sebahagiannya lagu-lagu terkenal, sebahagiannya dikarang sendiri.
Dengan dekri Majlis Trent (1545-63), hampir semua urutan telah dibuang daripada perkhidmatan gereja, kecuali empat. Antaranya, yang paling terkenal ialah urutannyaMati irae ("Hari Kemurkaan"), menceritakan tentang hari kiamat . Kemudian, urutan kelima telah dimasukkan ke dalam penggunaan gereja Katolik,Stabat mater ("Ada seorang ibu yang bersedih").
Semangat seni duniawi dibawa ke dalam kehidupan gereja danlagu raya - nyanyian rohani, dekat lagu rakyat kepada teks puisi.
Dari akhir XIabad dalam kehidupan muzik Eropah Barat termasuk jenis kreativiti dan pembuatan muzik baharu yang dikaitkan dengan budaya kesatria. Penyanyi-kesatria, pada dasarnya, menandakan permulaan muzik sekular. Seni mereka bersentuhan dengan tradisi muzik rakyat seharian (penggunaan intonasi lagu rakyat, amalan kerjasama dengan pemuzik rakyat). Dalam beberapa kes, troubadours mungkin memilih melodi rakyat biasa untuk teks mereka.
Pencapaian terbesar budaya muzik Zaman Pertengahan adalah kelahiran seorang Eropah profesionalpolifoni . Permulaannya merujuk kepadaIXabad, apabila persembahan serentak nyanyian Gregorian kadangkala digantikan dengan dua suara. Jenis dua suara yang terawal adalah selariorganum , di mana nyanyian Gregorian telah dialih suara menjadi oktaf, liter atau kelima. Kemudian organum tidak selari muncul dengan pergerakan tidak langsung (apabila hanya satu suara yang bergerak) dan pergerakan yang bertentangan. Secara beransur-ansur, suara yang mengiringi nyanyian Gregorian menjadi lebih bebas. Gaya suara ganda ini dipanggiltiga kali ganda (dalam terjemahan - "pe-nie selain").
Buat pertama kalinya organum seperti itu mula ditulisLeonin , komposer-polifon pertama yang dikenali (XIIabad). Beliau berkhidmat sebagai pemangku raja di Katedral Notre Dame yang terkenal, di mana sebuah sekolah polifonik besar berkembang.
Kerja Leonin dikaitkan denganars antiqua (ars antiqua, yang bermaksud " seni lama"). Nama ini diberikan kepada polifoni kultusXII- XIIIpemuzik berabad-abad kebangkitan awal, yang menentangnyaars nova ("seni baru").
Pada mulanya XIIIberabad-abad tradisi Leonin berterusanPerotin , mengikut nama panggilan Hebat. Dia tidak lagi mencipta dua suara, tetapi 3 x dan 4 x - organ vokal. Suara atasan Perotin kadangkala membentuk dua suara yang berbeza, kadangkala dia mahir menggunakan tiruan.
Pada masa Perotin terbentuk dan jenis baru polifoni -konduktor , yang asasnya bukan lagi nyanyian Gregorian, tetapi melodi popular setiap hari atau digubah bebas.
Bentuk polifonik yang lebih berani ialahmotet - gabungan melodi dengan irama yang berbeza dan teks yang berbeza, selalunya dalam bahasa yang berbeza. Motet adalah yang pertama genre muzik, sama biasa dalam gereja dan dalam kehidupan mahkamah.
Perkembangan polifoni, berlepas dari sebutan serentak setiap suku kata teks dalam semua suara (dalam motet), memerlukan penambahbaikan notasi, penetapan jangka masa yang tepat. Munculnotasi mensural (dari bahasa Latin mensura - ukuran; secara literal - notasi terukur), yang memungkinkan untuk menetapkan kedua-dua ketinggian dan tempoh relatif bunyi.
Selari dengan perkembangan polifoni, terdapat proses pembentukanjisim - karya kitaran polifonik pada teks perkhidmatan ilahi utama Gereja Katolik. Ritual jisim itu terbentuk selama berabad-abad. Ia memperoleh bentuk terakhirnya hanya untukXIve-ku. Betapa holistik gubahan muzik Jisim mengambil bentuk walaupun kemudian, dalamXIVabad, menjadi genre muzik terkemuka Renaissance.
Zaman Pertengahan adalah era besar dalam sejarah manusia, masa penguasaan sistem feudal.
Periodisasi budaya:
Awal Zaman Pertengahan - abad ke-5 - ke-10
Zaman Pertengahan Matang - abad XI - XIV.
Pada 395, Empayar Rom berpecah kepada dua bahagian: Barat dan Timur. Di bahagian barat di runtuhan Rom pada abad ke-5-9 terdapat negara-negara barbar: Ostrogoth, Visigoth, Frank, dll. Pada abad ke-9, akibat keruntuhan empayar Charlemagne, tiga negeri telah dibentuk di sini. : Perancis, Jerman, Itali. Ibu kota bahagian Timur ialah Constantinople, yang diasaskan oleh Maharaja Constantine di tapak jajahan Yunani Byzantium - maka nama negeri itu.
§ 1. Zaman Pertengahan Eropah Barat
Asas material Zaman Pertengahan ialah hubungan feudal. Budaya zaman pertengahan terbentuk dalam keadaan estet luar bandar. Selanjutnya asas sosial budaya menjadi persekitaran bandar - burghers. Dengan pembentukan negara, estet-estet utama terbentuk: golongan ulama, golongan bangsawan, rakyat.
Seni Zaman Pertengahan berkait rapat dengan gereja . akidah kristian- asas falsafah, etika, estetika, keseluruhan kehidupan rohani pada masa ini. Dipenuhi dengan simbolisme agama, seni bercita-cita dari duniawi, sementara kepada rohani, kekal.
Bersama dengan gereja rasmi budaya (tinggi) wujud sekular budaya (akar umbi) - cerita rakyat(kelas sosial rendah) dan kesatria(bersopan santun).
Fokus utama profesional muzik awal Zaman Pertengahan - katedral, sekolah nyanyian yang melekat padanya, biara - satu-satunya pusat pendidikan pada masa itu. Mereka belajar bahasa Yunani dan Latin, aritmetik dan muzik.
Pusat utama muzik gereja di Eropah barat Rom adalah pada Zaman Pertengahan. Pada akhir VI - permulaan abad VII. variasi utama muzik gereja Eropah Barat sedang dibentuk - Nyanyian Gregorian , dinamakan sempena Paus Gregory I, yang menjalankan pembaharuan nyanyian gereja, menyatukan dan menyelaraskan pelbagai pujian gereja. Nyanyian Gregorian - monofonik Nyanyian Katolik, di mana tradisi nyanyian berabad-abad lamanya dari pelbagai orang Timur Tengah dan Eropah (Syria, Yahudi, Yunani, Rom, dll.) telah bergabung. Ia adalah pengungkapan monofonik yang lancar dari melodi tunggal yang bertujuan untuk mempersonifikasikan satu kehendak, tumpuan perhatian umat mengikut prinsip Katolik. Sifat muzik adalah ketat, tidak peribadi. Paduan suara telah dipersembahkan oleh koir (oleh itu namanya), beberapa bahagian oleh pemain solo. Pergerakan berperingkat berdasarkan mod diatonik berlaku. Nyanyian Gregorian membenarkan banyak gradasi, mulai dari sangat perlahan mazmur paduan suara dan berakhir ulang tahun(nyanyian melismatik suku kata), memerlukan kemahiran vokal virtuoso untuk persembahan mereka.
Nyanyian Gregorian mengasingkan pendengar dari realiti, menyebabkan kerendahan hati, membawa kepada renungan, detasmen mistik. Teks pada latin, jisim jemaah kariah yang tidak dapat difahami. Irama nyanyian ditentukan oleh teks. Ia kabur, tidak tentu, kerana sifat aksen bacaan teks.
Pelbagai jenis nyanyian Gregorian dibawa bersama dalam perkhidmatan penyembahan utama Gereja Katolik - jisim, di mana lima bahagian stabil telah ditubuhkan:
Kyrie eleison(Tuhan kasihanilah)
Gloria(kemuliaan)
Kredo(percaya)
Sanctus(suci)
Agnus Dei(Anak Domba Tuhan).
Apabila masa berlalu, unsur-unsur mula meresap ke dalam nyanyian Gregorian. muzik rakyat melalui lagu raya, urutan dan tropes. Jika mazmur dilakukan oleh paduan suara profesional penyanyi dan paderi, maka pujian pada mulanya dipersembahkan oleh umat. Mereka adalah sisipan ke dalam ibadat rasmi (mereka mempunyai ciri-ciri muzik rakyat). Tetapi tidak lama kemudian bahagian-bahagian pujian dari jisim mula menggantikan yang mazmur, yang membawa kepada kemunculan jisim polifonik.
Urutan pertama adalah subteks kepada melodi ulang tahun supaya satu bunyi melodi itu mempunyai suku kata yang berasingan. Urutan menjadi genre biasa (yang paling popular « Veni, suci semangat» , « mati irae», « Stabat mater» ). "Dies irae" digunakan oleh Berlioz, Liszt, Tchaikovsky, Rachmaninov (sangat kerap sebagai simbol kematian).
Sampel pertama polifoni berasal dari biara - organum(pergerakan selari perlima atau perempat), gimel, foburdon(kord keenam selari), konduktor. Komposer: Leonin dan Perotin (12-13 abad - Katedral Notre Dame).
pembawa rakyat sekular muzik pada Zaman Pertengahan mimes, jugglers, minstrels di Perancis, shpilmans- di negara-negara budaya Jerman, hoglars - di Sepanyol, buffoon - dalam Rus'. Artis-artis jelajah ini adalah pakar sejagat: mereka menggabungkan nyanyian, menari, bermain pelbagai alatan dengan sihir, seni sarkas, teater boneka.
sebelah lain budaya sekular adalah budaya kesatria (sopan santun). (budaya tuan feudal sekular). Hampir semua orang bangsawan adalah kesatria - daripada pahlawan miskin kepada raja. Kod kesatria khas sedang dibentuk, mengikut mana seorang kesatria, bersama dengan keberanian dan keberanian, harus memiliki adab yang halus, dididik, pemurah, murah hati, setia melayani Wanita Cantik. Semua aspek kehidupan kesatria dicerminkan dalam seni muzik dan puisi troubadours(Provence - selatan Perancis) , trouvers(Utara Perancis), pelombong(Jerman). Seni troubadours dikaitkan terutamanya dengan lirik cinta. Genre lirik cinta yang paling popular ialah canzone(di kalangan minnesingers - "Lagu Pagi" - albs).
Trouvers, menggunakan pengalaman troubadours secara meluas, mencipta genre asal mereka sendiri: menganyam lagu», « lagu Mei". Satu bidang penting dalam genre muzik troubadours, trouver dan minnesingers ialah genre lagu dan tarian: rondo, balada, virele(menahan borang), serta epik heroik(Epik Perancis "Song of Roland", Jerman - "Song of the Nibelungs"). Penambang adalah perkara biasa lagu perang salib.
Ciri ciri seni troubadours, trouvers dan minnesingers:
monofoni- adalah akibat daripada hubungan yang tidak dapat dipisahkan antara melodi dan teks puisi, yang mengikuti dari intipati seni muzik dan puisi. Monofoni juga sepadan dengan sikap terhadap ekspresi individu pengalaman sendiri, kepada penilaian peribadi kandungan pernyataan (selalunya ungkapan pengalaman peribadi dibingkai oleh gambaran gambar alam semula jadi).
Terutamanya persembahan vokal. Peranan instrumen tidak penting: ia dikurangkan kepada prestasi pengenalan, selingan dan postludes membingkai melodi vokal.
Masih mustahil untuk bercakap tentang seni sopan sebagai profesional, tetapi buat kali pertama dalam keadaan sekular pembuatan muzik, arah muzik dan puitis yang kuat telah dicipta dengan kompleks yang dibangunkan dengan cara ekspresif dan penulisan muzik yang agak sempurna.
Salah satu pencapaian penting zaman pertengahan yang matang bermula dari abad X-XI, adalah pembangunan bandar(budaya burgher) . Ciri-ciri utama budaya bandar adalah anti-gereja, orientasi cintakan kebebasan, hubungan dengan cerita rakyat, watak lucu dan karnivalnya. Gaya seni bina Gothic berkembang. Genre polifonik baharu sedang dibentuk: dari abad ke-13-14 hingga ke-16. - motet(dari bahasa Perancis - "perkataan". Untuk motet, perbezaan melodi suara adalah tipikal, melodi teks yang berbeza pada masa yang sama - selalunya walaupun dalam bahasa yang berbeza), madrigal(dari bahasa Itali - "lagu dalam bahasa ibunda", iaitu bahasa Itali. Teks adalah lirik cinta, pastoral), caccha(dari bahasa Itali - "memburu" - sekeping vokal berdasarkan teks yang menggambarkan pemburuan).
Pemuzik pengembara rakyat sedang beralih daripada gaya hidup nomad kepada tidak aktif, mengisi seluruh blok bandar dan membentuk sejenis "bengkel pemuzik". Bermula dari abad XII, pemuzik rakyat menyertai gelandangan dan goliard- orang yang diturunkan dari kelas yang berbeza (pelajar sekolah, sami yang melarikan diri, ulama yang mengembara). Tidak seperti juggler buta huruf - wakil tipikal seni tradisi lisan - gelandangan dan goliard celik: mereka tahu bahasa Latin dan peraturan versifikasi klasik, muzik yang digubah - lagu (julat imej dikaitkan dengan sains sekolah dan kehidupan pelajar) dan malah gubahan kompleks seperti konduktor dan motet .
Pusat budaya muzik yang penting telah menjadi universiti. Muzik, lebih tepat lagi - akustik muzik - bersama-sama dengan astronomi, matematik, fizik adalah sebahagian daripada kuadrium, i.e. kitaran empat disiplin yang dipelajari di universiti.
Oleh itu, di bandar zaman pertengahan terdapat pusat-pusat budaya muzik, berbeza dalam watak dan orientasi sosial: persatuan pemuzik rakyat, muzik mahkamah, muzik biara dan katedral, amalan muzik universiti.
Teori muzik Zaman Pertengahan berkait rapat dengan teologi. Dalam beberapa risalah teori muzik yang telah diturunkan kepada kita, muzik dianggap sebagai "hamba gereja." Di antara risalah yang terkenal pada awal Zaman Pertengahan, 6 buku "On Music" oleh Augustine, 5 buku oleh Boethius "On the Establishment of Music", dan lain-lain menonjol. Tempat yang besar dalam risalah ini diberikan kepada isu-isu skolastik abstrak, doktrin peranan kosmik muzik, dsb.
Sistem modal zaman pertengahan telah dibangunkan oleh wakil profesional gereja seni muzik- oleh itu, nama "mod gereja" telah diberikan kepada fret zaman pertengahan. Ionian dan Aeolian telah ditubuhkan sebagai mod utama.
Teori muzik Zaman Pertengahan mengemukakan doktrin hexachords. Dalam setiap fret, 6 langkah digunakan dalam amalan (contohnya: do, re, mi, fa, salt, la). Xi kemudiannya dielakkan, kerana. terbentuk, bersama-sama dengan F, satu perpindahan kepada satu liter yang diperbesarkan, yang dianggap sangat sumbang dan secara kiasan dipanggil "syaitan dalam muzik."
Notasi bukan mandatori digunakan secara meluas. Guido Aretinsky menambah baik sistem notasi muzik. Intipati pembaharuannya adalah seperti berikut: kehadiran empat baris, hubungan tertier antara baris individu, tanda utama (asalnya literal) atau pewarnaan garis. Dia juga memperkenalkan tatatanda suku kata untuk enam langkah pertama mod: ut, re, mi, fa, garam, la.
Diperkenalkan notasi mensural, di mana ukuran berirama tertentu ditetapkan pada setiap not (mensura Latin - ukuran, ukuran). Nama tempoh: maxim, longa, brevis, dsb.
XIV abad - tempoh peralihan antara Zaman Pertengahan dan Renaissance. Seni Perancis dan Itali abad XIV dipanggil " Ars nova"(dari bahasa Latin - seni baru), dan di Itali ia mempunyai semua sifat Renaissance awal. Ciri-ciri utama: keengganan menggunakan genre muzik gereja secara eksklusif dan beralih kepada genre bilik vokal dan instrumental sekular (balada, kachcha, madrigal), penyesuaian dengan lagu harian, penggunaan pelbagai alat muzik. Ars nova adalah bertentangan dengan apa yang dipanggil. ars antiqua (lat. ars antiqua - seni lama), membayangkan seni muzik sebelum permulaan abad XIV. Wakil terbesar ars nova tadi Guillaume de Macho (abad ke-14, Perancis) dan Francesco Landino (abad ke-14, Itali).
Oleh itu, budaya muzik Zaman Pertengahan, walaupun cara yang relatif terhad, mewakili tahap yang lebih tinggi berbanding dengan muzik Dunia Purba dan mengandungi prasyarat untuk berkembangnya seni muzik dalam Renaissance.
