Seni Jepun melihat ke jauh. CraftsGirl

Himeji adalah salah satu istana tertua di Jepun.

Seni Jepun Zaman Purba
Budaya Jepun terbentuk dan berkembang dalam keadaan semula jadi dan sejarah yang istimewa. Jepun terletak di empat pulau besar dan banyak pulau kecil yang dihanyutkan oleh laut. Berada di pinggir timur, dia mengalami peningkatan dari semasa ke semasa, dan sekali lagi pengaruh budaya tanah besar seperti China dan Korea semakin pudar. Tempoh interaksi dengan dunia luar telah digantikan dalam sejarah Jepun dengan pengasingan budaya berabad-abad lamanya (tempoh dari ke-10 hingga ke-14 dan dari ke-17 hingga pertengahan abad ke-19). Keadaan terakhir menyumbang kepada pembangunan dan penyatuan banyak ciri unik budaya Jepun amnya dan seni khususnya. Pengenalan dengan budaya Barat berlaku pada abad ke-16, apabila ciri-ciri utama tamadun Jepun asal telah pun terbentuk. Sehingga tahun 1854, Jepun berdagang dengan China dan Belanda melalui hanya satu pelabuhan.

Dari penduduk purba kepulauan Jepun - pemburu dan nelayan - datang kapak batu, tempuling, mata anak panah dan kapal seramik ukiran tangan yang ditemui sebagai hasil penggalian arkeologi, yang menerima nama itu kerana corak "Jomon" yang dicetak pada mereka, yang bermaksud "jejak tali". Oleh itu, budaya Neolitik di Jepun juga dipanggil Jomon. Peneroka yang tiba dari Siberia, Polinesia, dan kemudian dari Korea dan China berdiri pada tahap yang berbeza perkembangan budaya. Ini menjelaskan fakta bahawa monumen kedua-dua era Neolitik dan Zaman Gangsa ditemui dalam beberapa lapisan budaya. Bahasa Jepun hampir dengan bahasa kumpulan Altaic. Apabila akibat daripada hubungan dengan budaya Cina oh, orang Jepun telah berkenalan dengan tulisan hieroglif Cina, ternyata sangat sukar untuk menyesuaikan hieroglif Cina untuk menyampaikan ucapan Jepun secara lisan.

Tempoh awal budaya Jepun, yang mana data yang boleh dipercayai telah dipelihara, dipanggil era kofuns (gundukan) - pengebumian, bahagian tanahnya adalah gundukan tanah dengan bentuk ciri - gabungan bulatan dan trapezoid, menyerupai lubang kunci, yang melambangkan penyatuan bumi dan air. Mereka bersaiz besar, mereka dikelilingi oleh parit berganda dengan air, rumput tumbuh di atas timbunan, dan di sepanjang perimeter dalam gundukan terdapat sosok tanah liat berongga manusia, haiwan, model bot dan rumah dari 30 cm hingga satu. dan setinggi setengah meter. Mereka dipanggil "haniwa". Di dalam ruang pengebumian terdapat keranda dengan wakil bangsawan yang mati, di mana objek ritual diletakkan: cermin, loceng dotaku, yang bunyinya sepatutnya menakutkan roh jahat dan menarik para dewa - penaung petani. Pengebumian raja-raja Yamato sentiasa mengandungi simbol ritual kuasa seperti loket jed dan pedang. Untuk meninggikan raja-raja klan Yamato, permulaan sejarah telah ditubuhkan, hierarki para dewa ditentukan, dewa Amaterasu ("Bersinar dari syurga") telah dipilih, yang memindahkan kuasa ke atas. pulau Jepun raja-raja puak Yamato. Nama "Nippon" atau "Nihon", yang bermaksud "tanah matahari terbit", muncul pada abad ke-7. Pada tahun 608, perjalanan untuk belajar di China bermula, yang berterusan selama lebih daripada dua abad.

Dotaku - loceng gangsa ritual - silinder menyempit ke bahagian atas, dihiasi dengan gelung lebar dengan tebing kerinting, dindingnya dibahagikan kepada segi empat sama yang dipenuhi dengan imej grafik

Kepercayaan heterogen orang Jepun, yang mempunyai banyak ciri animisme dan fetisisme primitif, dicerminkan dalam Shinto. Shinto ("jalan para dewa") pada dasarnya mencerminkan idea Jepun tentang kerohanian alam semula jadi sejagat. Sebilangan besar yang dipanggil "kami" (semangat) wujud dalam objek landskap yang ajaib, seperti Tasik Biwa dan Gunung Fuji, dan dalam objek yang dicipta oleh manusia - pedang, cermin, yang dikurniakan oleh sebab ini. sifat ajaib. Kuil Shinto dibezakan oleh kesederhanaan struktur kayunya: bilik satu dewan diletakkan di atas tiang, dikelilingi di semua sisi oleh beranda. Bahagian dalam kuil Shinto redup dan kosong. Orang percaya tidak masuk ke bait suci.

Tempoh para (645-794 AD)

Nara adalah nama ibu kota pertama dan satu-satunya bandar Jepun pada masa itu. Ini adalah masa penubuhan negara Jepun, pengenalan agama Buddha dan penciptaan monumen seni Buddha - kuil, pagoda, pelbagai patung dewa Buddha. Agama Buddha dalam tempoh ini bukanlah kepercayaan rakyat sebagai kesinambungan dasar mahkamah. Pelbagai aliran agama Buddha memainkan peranan yang sangat penting di mahkamah, pegangan tanah biara Buddha berkembang, para sami mempunyai pengaruh yang besar di mahkamah. Biara Buddha muncul, yang merupakan kumpulan bangunan kayu yang terletak di kawasan berdinding segi empat tepat. Yang paling penting ialah lorong lebar menuju ke pintu pagar hadapan, dataran di hadapan kuil, dan pagoda bertingkat yang boleh dilihat dari jauh. Kuil kayu dicat dengan lakuer merah, dinaikkan di atas asas batu, dan mempunyai bumbung berkembar melengkung lebar - irimoya.

Antara kuil Buddha awal ialah Asukadera, Horyuji, pembinaan kuil yang terakhir ini dimulakan pada 607 atas arahan Putera Mahkota Shotoku Taishi yang memerintah ketika itu. Biara ini terdiri daripada 53 bangunan yang terletak di kawasan seluas 90 ribu meter persegi. Fasad kuil menghadap ke selatan, bangunan utama terletak di paksi utara-selatan, zon suci di utara, terdapat dewan untuk khutbah - kodo, kondo dan pagoda lima peringkat. Di Horyuji terdapat 265 arca, imej arca utama adalah triniti Shakyamuni, yang diwakili oleh arca pengasas syahadat, diiringi oleh dua bodhisattva. Pada abad ke-8 di biara besar sudah ada bengkel pengukir. Pemujaan bodhisattva Kannon tersebar, yang namanya adalah terjemahan nama Sanskrit Avalokiteshvara (Perhatian kepada bunyi dunia). Dipenuhi dengan belas kasihan terhadap makhluk hidup, seorang bodhisattva dapat mendengar suara mereka yang menderita, di mana pun mereka berada. Kultus Avalokiteshvara berasal dari barat laut India dan merebak ke China. Dalam Sutra Teratai, dikatakan bahawa bodhisattva mengambil rupa makhluk yang memanggilnya. Di Jepun, penyebaran pemujaan Kannon membawa kepada kemunculan sejumlah besar imejnya - orang suci Kannon membantu di neraka, Kannon dengan kepala kuda menyebarkan belas kasihan kepada lembu, roh jahat - asura diselamatkan oleh seribu -bersenjata Kannon, Kannon dengan hutan nelayan menyelamatkan orang.

Zaman Heian (794-1185)

Pada tahun 794 ibu kota negeri itu dipindahkan ke bandar Heian (kini Kyoto). Semasa zaman Heian, budaya mahkamah yang canggih berkembang. Suku kata Jepun telah dicipta - kana (jap. - hieroglif yang dipinjam). Pada mulanya, hanya wanita yang menggunakan skrip ini, manakala skrip rasmi terus berbahasa Cina. Semasa abad X. tulisan wanita mula digunakan dalam amalan persendirian. Pada abad XI. zaman kegemilangan sastera klasik Jepun bermula, contoh cemerlangnya ialah novel "Genji Monogatari", yang dicipta oleh wanita istana Murasaki Shikibu.

Dalam seni Heian, tempat utama diduduki oleh imej Buddha dari mazhab esoterik Tendai dan Shingon yang berasal dari China pada masa itu, yang mengajar bahawa semua makhluk hidup mempunyai intipati Buddha. Dengan melatih roh dan badan, dengan memenuhi nazar, sesiapa sahaja boleh memperoleh intipati Buddha dalam proses beberapa kelahiran semula. Kuil-kuil mazhab ini dibina di atas puncak gunung dan tebing berbatu, kapel di dalamnya dibahagikan kepada dua bahagian. Di dalam, di mana imej suci terletak, orang percaya biasa tidak dibenarkan.

Era Heian adalah zaman kemewahan bagi kalangan pemerintah. Pada masa ini, jenis kediaman shinden telah terbentuk. Dinding dan keadaan iklim yang hangat bukanlah modal dan tidak mempunyai nilai rujukan. Mereka boleh dengan mudah dialihkan, digantikan dengan yang lebih tahan lama untuk cuaca sejuk, atau dikeluarkan sama sekali dalam cuaca panas. Terdapat juga tiada tingkap. Daripada kaca, kertas putih dibentangkan di atas bingkai kekisi, membiarkan cahaya yang malap meresap masuk ke dalam bilik. Bumbung yang luas melindungi dinding dari kelembapan dan cahaya matahari. dalaman, tanpa perabot kekal, mempunyai dinding sekatan gelongsor, berkat yang memungkinkan untuk mencipta, sesuka hati, sama ada dewan atau beberapa bilik terpencil kecil, lantai ditutup dengan tikar jerami - tatami, dengan saiz yang sama (180 kali 90 cm).

Teks Confucian dan Buddha dibawa dari China semasa zaman Heian. Selalunya mereka dihiasi dengan imej. Pada mulanya, artis Jepun meniru "tempat terkenal" Cina, tetapi bermula dari abad ke-10. beralih kepada imej landskap dan adat resam negara asal. Lukisan “Yamato-e” direka, yang berbeza daripada lukisan Cina dengan menggunakan tema daripada puisi Jepun, cerpen, novel atau daripada legenda rakyat. Lukisan itu mendapat namanya dari nama wilayah Yamato - bahagian barat daya pulau Honshu, di mana kenegaraan Jepun dibentuk.
Imej itu sering mewakili tatal ilustrasi dengan teks yang sepadan, yang diambil dengan tangan dan dipusing dari kanan ke kiri, sambil membaca bahagian yang sepadan, ilustrasi yang mengikutinya dipertimbangkan.

Lukisan Yamato-e memuncak pada zaman Heian lewat. Pada masa ini, muncul artis profesional yang melukis gambar pada subjek sekular pada skrin, partition gelongsor (shoji) dan skrol - emakimono. Skrol tertua ialah Genji Monogatari. Skrol Emakimano adalah cerita bergambar. Skrol "Genji-monogatari-emaki", novel terkenal oleh Murasaki Shikibu, telah bertahan hingga ke hari ini, menggambarkan kehidupan terbiar golongan bangsawan dalam warna terang, ia adalah sintesis kaligrafi, kesusasteraan dan lukisan. Dalam 19 daripada 54 bab novel yang masih hidup, tidak ada plot tunggal dan melalui tindakan dalam ilustrasi. Kebanyakan adegan yang digambarkan berlaku di bahagian dalam, segala-galanya yang kelihatan ditunjukkan dari atas, tidak ada titik garis yang hilang, korespondensi angka dan seni bina berskala besar, wajah semua watak adalah sama, hanya gaya rambut dan pakaian yang berbeza . Subjek utama perhatian artis adalah pemindahan kandungan emosi peristiwa yang berlaku dalam novel, yang diketahui semua orang. Teknik utama adalah pembinaan ruang dan penggunaan kemungkinan warna. Untuk menyampaikan keadaan dalaman watak dan suasana setiap adegan, adalah penting bagi artis pada sudut mana yang berkaitan dengan tepi bawah skrol garis pepenjuru diarahkan, menandakan sama ada rasuk struktur, atau cornice. daripada langsir, atau tepi beranda. Bergantung pada tahap ketegangan emosi, sudut ini berbeza dari 30 hingga 54 darjah.

Bodhisattva - Kannon muncul di China, Korea dan Jepun terutamanya dalam bentuk wanita, di tangan dengan jag, dahan willow dan laso

Di rumah bangsawan tidak ada sekatan, pada skrin dan tirai artis terbaik gambar lukisan yamato-e. Lukisan Yamato-e adalah perpaduan dengan karya sastera, yang turut diletakkan pada skrin dan langsir. Dalam antologi puisi abad X-XIII. ayat-ayat yang ditulis pada skrin abad ke-9-10 adalah perkara biasa. Bilangan terbesar puisi tersebut terkandung dalam antologi "Sui-shu". Sama seperti puisi tentang empat musim, begitu juga lukisan untuk skrin. Selaras dengan lagu-lagu rakyat, sistem formula puisi tertentu berkembang, dan kemudian menjadi asas puisi klasik Jepun. Jadi, tanda musim bunga adalah jerebu berkabus, pokok willow, tanda musim panas - cuckoo, cicadas, musim luruh - daun maple merah, rusa, bulan, musim sejuk - salji dan bunga plum.

Kyoto adalah permata purba Jepun.

Banyaknya homonim dalam bahasa itu memungkinkan untuk memberikan banyak makna kepada ayat-ayat tersebut. Tema dan plot memungkinkan, melalui perincian atau pembayang, dalam bentuk puisi yang sangat padat (31 suku kata setiap tanka), untuk menyatakan kepelbagaian semua warna keadaan emosi. Terdapat peralihan beransur-ansur daripada skrin dengan teks kepada skrin tanpa teks. Ini adalah bagaimana subbahagian genre bergambar sebenar berkembang - shiki-e (“gambar empat musim”) dan mei-se-e(“gambar tempat terkenal”).
Komposisi lukisan tersebut tidak sesuai dengan mana-mana kategori lukisan Cina. Gabungan terbesar alam dan manusia akan menjadi ciri pelbagai genre seni Jepun.

Zaman Kamakura (1185-1333) dan zaman Muromachi (1333-1568)

Pada penghujung abad ke-12, ibu kota dipindahkan lagi, kuasa dalam negara akibat pergaduhan sivil berdarah telah dirampas oleh puak Minamoto, yang kepalanya memindahkan ibu kota ke penempatannya di Kamakura, yang namanya menjadi nama peringkat seterusnya dalam sejarah Jepun. Kelas tentera samurai berkuasa di negara itu, dari antaranya muncul shogun - penguasa tentera Jepun yang sebenarnya, maharaja, yang kekal di Nara, hanya mengekalkan sifat kuasa nominal. Kecanggihan budaya istana samurai lebih mengutamakan kesederhanaan. Biara-biara mazhab Zen tidak lagi termasuk pagoda, kuil-kuil itu menyerupai pondok luar bandar. Dari akhir abad XIII. di bawah pengaruh idea panteistik mazhab Zen, landskap mula merangkumi idea kehadiran dewa Buddha dalam mana-mana objek landskap. Di biara Kamakura, ikonografi potret Patriark Minsk telah berkembang: pose duduk dan tenang dengan ciri wajah yang ditekankan, kuasa hipnosis pandangan. Di bawah pengaruh mazhab Zen, arca diturunkan ke latar belakang, lukisan, terutamanya lukisan landskap, menyatakan sikap masyarakat zaman ini.

Zaman Muromachi bermula dengan peristiwa 1333, apabila raja-raja feudal di wilayah tenggara pulau Honshu menawan dan membakar Kamakura, mengembalikan ibu kota kepada Heian. Ia adalah masa perselisihan dalaman dan peperangan puak feudal. Memimpin untuk masa kesusahan adalah ajaran penganut mazhab Zen bahawa, setelah mencapai perpaduan dengan alam, seseorang dapat menerima kesusahan hidup dan mencapai perpaduan dengan dunia. Tempat pertama masuk seni Jepun di bawah pengaruh ajaran Zen bahawa "tubuh" Buddha adalah alam semula jadi, lukisan landskap muncul di hadapan. Pada separuh kedua abad XII. lukisan dengan dakwat hitam meresap masuk ke Jepun dari China. Orang Jepun yang kebanyakannya mengamalkan lukisan sedemikian adalah ahli mazhab Zen. Mereka mencipta gaya baru yang menjelaskan akidah baru (shigaku - gabungan lukisan dan puisi). abad ke-15 dan ke-16 - masa lukisan dakwat berkembang maksimum, tuan terkemuka yang adalah Sesshu Toyo (1420-1506). Selari dengan gaya ini, gaya yamato-e juga wujud.

Perubahan dalam hubungan sosio-politik, yang membawa kelas tentera ke hadapan, juga membawa kepada kemunculan pada abad ke-16. gaya seni bina"sein". Isipadu rumah yang dahulunya tunggal kini dibahagikan dengan bantuan pintu gelangsar (shoji), sekatan gelongsor (fusuma). Tempat khas untuk kelas muncul di dalam bilik - rak untuk buku dan tingkap dengan ambang tingkap yang luas dan ceruk (tokonoma) di mana sejambak atau batu berbentuk aneh diletakkan dan skrol menegak digantung.

Pada abad XVI. Dalam sejarah seni bina Jepun, astaka teh muncul berkaitan dengan keperluan untuk menjalankan upacara minum teh yang betul. Teh dibawa ke Jepun semasa zaman Kamakura oleh sami Buddha sebagai ramuan. Upacara minum teh (cha-no-yu) telah diperkenalkan atas inisiatif sami Zen Murata Shuko dan memerlukan kaedah khas untuk pelaksanaannya. Jadi ia berlaku jenis baru struktur seni bina - chashitsu (pavilion untuk upacara minum teh), pada asasnya yang membina ia berdekatan dengan bangunan kediaman, dan dalam fungsinya - dengan kuil Buddha. Penyokong astaka teh adalah kayu, silingnya disiapkan dengan buluh atau buluh. Di dalam pondok yang dibarisi tikar, 1.5 atau 2 tatami dengan dinding adobe, tingkap kecil yang berbeza aras, ceruk tokonoma dengan landskap monokrom yang tergantung dan bunga dalam pasu, terdapat perapian, rak untuk perkakas.

Semasa zaman Muromachi, seni berkebun berkembang pesat. Taman Jepun adalah berbeza. Taman-taman kecil paling kerap terletak di kuil atau dikaitkan dengan rumah tradisional, ia direka untuk dilihat. Taman berlandskap yang besar direka bentuk untuk dilihat dari dalam.

Kondo - (jap. dewan emas) - kuil utama Kompleks Buddha yang mengandungi ikon, patung, lukisan dinding

Taman kuil Zen dibina mengikut prinsip skrol landskap monokrom. Daripada sehelai kertas, artis menggunakan hamparan tasik atau platform yang ditutupi dengan batu kerikil, bukannya noda dan kotoran tebal - batu, lumut, dedaunan pokok dan pokok renek. Secara beransur-ansur, bunga hilang dari taman, mereka digantikan oleh lumut dan pokok renek, batu mula digunakan sebagai ganti jambatan. Beberapa taman adalah landskap, berbukit (tsukiyama). Taman Tsukiyama adalah gabungan unsur semula jadi seperti batu, lumut, pokok, kolam, dengan pavilion wajib di pantai. Taman landskap tertua terletak di Kyoto dan kepunyaan Biara Sohoji. Taman kering dipanggil "hiraniva", i.e. rata. Hiraniva adalah taman "falsafah", kerana dia menuntut imaginasi yang dikembangkan daripada penonton. Taman hiraniwa “tertinggal dari batu, pasir, kerikil. Ditutup pada tiga sisi oleh dinding yang mengelilinginya, taman itu hanya bertujuan untuk renungan. Pada akhir abad XV. mencipta salah satu taman kering yang paling terkenal di biara Ryoanji. Ia termasuk 15 batu yang terletak di kawasan kerikil segi empat tepat. Di taman hiraniwa Biara Daitokuji, yang dicipta pada tahun 1509, alam semula jadi diwakili oleh komposisi batu dan kerikil. Salah satu bahagian taman itu dipanggil "lautan kekosongan" dan terdiri daripada dua bukit kerikil rendah di tengah-tengah kawasan segi empat tepat. Taman boleh saling melengkapi.

Pada akhir abad XV. sekolah mahkamah lukisan hiasan Kano telah dibentuk. Pengasas sekolah Kano Masanobu (1434-1530) berasal dari kelas tentera, menjadi artis profesional mahkamah yang diiktiraf. Landskapnya hanya mempunyai latar depan, segala-galanya diselaputi jerebu berkabus. Penekanan pada satu subjek imej tertentu akan menjadi ciri sekolah Kano. Tempat utama dalam karya artis sekolah Kano diduduki oleh lukisan dinding hiasan dan skrin dengan lukisan genre. Lukisan dinding telah menjadi komponen utama sintesis dengan bentuk seni bina dan satu cara untuk mempengaruhi makna kiasan ruang seni bina. Sebaliknya, ciri-ciri bentuk seni bina memerlukan kualiti gaya tertentu lukisan, itulah sebabnya kanun gaya baru dibentuk secara beransur-ansur, yang dipelihara dalam lukisan Jepun sehingga abad ke-19.

Shinden ialah sejenis bangunan kediaman. Pelan segi empat tepat, bangunan utama satu dewan, menghadap dataran dengan muka depan selatannya, dan dibingkai oleh galeri dari timur dan barat

Tempoh Momoyama (1X73-1614)

Dan kali ini era perang feudal berakhir, kuasa di negara itu diserahkan kepada diktator tentera berturut-turut - Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi dan Iyaesu Tokugawa. Ia adalah masa pertumbuhan bandar, sekularisasi dan pendemokrasian budaya, penembusan orientasi nilai baru. Seni bina kultus telah kehilangan kepentingannya dahulu. Pemerintah baru Jepun mengisytiharkan kuasa mereka dengan membina istana yang megah, pembinaannya disebabkan oleh kemunculan senjata api di Jepun dan perubahan yang sepadan dalam taktik pertempuran dan pertahanan. Istana ini telah menjadi jenis seni bina Jepun yang pada asasnya baru. Wilayah istana yang terletak tidak simetri, dikelilingi oleh parit dan menara pengawal dan sudut, termasuk dataran tengah dan banyak halaman dan bilik, tempat perlindungan dan laluan bawah tanah. Tempat tinggal terletak di dalam bangunan kayu yang terletak di wilayah istana dengan hierarki ruang dalaman yang ketat, mencerminkan hierarki sosial. Bahagian dalam istana, tenggelam dalam senja, paling sesuai untuk lukisan dinding hiasan, bersaiz besar, dipenuhi dengan warna-warna terang pada latar belakang emas.

Kano Eitoku (1543-1590). Pencipta gaya baru mural, direka untuk memuliakan diktator tentera. Dia mula-mula mengembangkan prinsip komposisi tunggal pada permukaan mendatar yang besar, membesarkan bentuk, meninggalkan bahagian kecil untuk menyampaikan bukan sahaja siluet, tetapi juga dinamik bentuknya. Eitoku dicirikan oleh keinginan untuk meningkatkan kerataan gambar, untuk meningkatkan kualiti hiasannya. Jadi, di tempat-tempat yang melambangkan ruang kosong, terdapat bintik-bintik dengan campuran serbuk emas. Ruang komposisi terbentang bukan secara mendalam, tetapi sepanjang pandangan.
Pada tahun 1576, di tepi Tasik Biwa, sebuah istana yang tidak diketahui sehingga kini telah didirikan dengan menara tujuh tingkat yang sangat besar, yang sepatutnya menunjukkan kuasa diktator Oda Nobunaga. Ciri istana adalah kehadiran bukan sahaja bilik rasmi, tetapi juga bilik persendirian. Hiasan utama bilik adalah lukisan dinding, yang ditugaskan untuk dijalankan oleh Kano Eitoku, yang mengerjakannya selama tiga tahun dengan sekumpulan besar pembantu. Kano Eitoku, yang tergesa-gesa oleh diktator dengan pelaksanaan perintah itu, mula membesarkan borang, menggunakan berus tebal yang diperbuat daripada jerami padi, menggunakan bahasa artistik singkat. Tempat utama diduduki oleh imej pokok, bunga, burung dan haiwan. Skema warna itu terang, tidak ada nuansa warna.

Perubahan keadaan sosial di negara itu selepas shogun Tokugawa berkuasa membawa kepada pengharaman pembinaan istana.
Dalam karya artis sepertiga pertama abad XVII. sifat baru mula mengambil alih. Dalam lukisan, keinginan untuk komposisi yang seimbang dan tenang, pertumbuhan bentuk hiasan, minat terhadap budaya era Heian dan karya yamato-e menjadi lebih ketara. Ciri tersendiri sekolah Kano pada masa ini ialah hiasan dan peningkatan hiasan. Apabila pada suku kedua abad XVII. pembinaan istana dilarang, skrin menjadi bentuk utama lukisan hiasan. Monumentaliti Kano Eitoku meninggalkan lukisan hiasan. Seni memperoleh pewarna peribadi yang mempengaruhi kualiti gayanya. hiasan lukisan XVII V. paling sering diilhamkan oleh wira dan tema kesusasteraan klasik, mencerminkan pelbagai minat golongan bangsawan puak, dan dachshund golongan elit borjuasi yang baru muncul. Lukisan hiasan dibangunkan di ibu kota lama - Kyoto.

Ogata Korin menjadi jurucakap untuk cita rasa pengguna baru seni - penduduk kota, pedagang dan tukang. wakil baru sekolah Kano.

Emakimano ialah skrol mendatar yang diperbuat daripada kertas atau sutera yang ditampal pada tapak yang dibingkai dengan sempadan brokat dengan penggelek kayu di hujungnya.

Ogata Korin (1658-1716) hidup seperti pengaut kaya, sentiasa melawat "daerah yang menyeronokkan". Hanya selepas kehancuran, berhadapan dengan keperluan yang teruk untuk mencari nafkah, dia mula melukis kain dan melukis. Ogata Korin berurusan dengan kedua-dua seramik dan barangan lakuer, kimono dicat dan kipas. Bagaimana
tuan, dia bermula dengan mengenali lukisan tradisional dan kaedah dia. Korin sentiasa berusaha untuk kekompakan, keseimbangan bentuk, ciri yang menonjol cara kreatif - fokus pada pembangunan beberapa motif plot, pengulangan berulang dan variasi. Dalam karya Ogata Korin, buat pertama kalinya, kerja dari alam semula jadi muncul. Dalam lukisan skrin "Pokok Plum Merah dan Putih", motif plot yang diambil oleh Korin kembali kepada puisi klasik dengan imej awal musim bunga dan alam semula jadi kebangkitan. Di kedua-dua belah sungai, pada latar belakang emas, pokok-pokok berbunga ditulis: kekar, dengan batang melengkung tebal dan cawangan hampir menegak, pokok plum merah dan satu lagi, hanya ditunjukkan oleh kaki batang dan melengkung tajam, seolah-olah jatuh ke air, dan oleh itu tiba-tiba menembak dahan, bertaburan dengan bunga putih.

Elang Kano Eitoku di atas pokok pain. Skrin. Perincian dari akhir abad ke-16.

Ogata Kenzan (1663-1743), tidak seperti abangnya Ogata Korin, tertarik kepada nilai-nilai kerohanian sejak mudanya, adalah seorang pengikut Zen Buddhisme, tahu bahasa Cina dan Jepun. sastera klasik, teater Noh, upacara minum teh. Di wilayah milik kuil Ninnaji, Kenzan mendapat kebenaran untuk membina tanur seramiknya sendiri, yang menghasilkan produk selama 13 tahun sehingga 1712. Dia tidak berusaha untuk mendapatkan keuntungan, dia dipandu oleh idea untuk mencipta produk yang sangat artistik. . Buat pertama kalinya, beliau menggunakan teknik lukisan dakwat tradisional dalam lukisan volumetrik. Kenzan mula menggunakan warna, dia menulis pada serpihan lembap, tanah liat berliang menyerap cat, seperti kertas dalam lukisan dakwat. Seperti penyair kontemporarinya yang hebat Basho, yang menjadikan genre haiku rendah popular menjadi wahyu, Ogata Kenzan menunjukkan bahawa pinggan seramik biasa, cawan, pasu boleh menjadi objek utilitarian dan pada masa yang sama karya seni puitis.

Zaman Edo (1614-1868)

Pada tahun 1615, samurai telah ditempatkan semula dari Kyoto ke Edo. Kepentingan golongan pedagang, pedagang dan pemakan riba, yang tertumpu di Mara, Kyoto dan Osaka, meningkat. Bagi wakil-wakil ini kumpulan sosial dicirikan oleh persepsi sekular tentang kehidupan, keinginan untuk membebaskan diri daripada pengaruh moral feudal. Buat pertama kalinya, seni menangani tema kehidupan seharian, termasuk kehidupan yang dipanggil. kawasan kejiranan yang menyeronokkan - dunia rumah teh, teater Kabuki, ahli gusti sumo. Penampilan potongan kayu dikaitkan dengan pendemokrasian budaya, kerana ukiran dicirikan oleh peredaran, murah dan mudah diakses. Selepas lukisan rumah ukiran dikenali sebagai ukiyo-e (harfiah - dunia yang boleh berubah-ubah fana).

Penghasilan ukiran telah mendapat skop yang luas. Tempoh awal dalam pembangunan grafik ukiyo-e dikaitkan dengan nama Hasikawa Moronobu (1618-1694), yang menggambarkan adegan yang tidak rumit dari kehidupan penduduk rumah teh, tukang, menggabungkan acara pada masa yang berbeza, tidak berkaitan dengan setiap lain, pada satu ukiran. Latar belakang ukiran kekal putih, garisan jelas. Secara beransur-ansur, pelbagai topik ukiran berkembang, minat bukan sahaja pada luaran, tetapi juga dalam dunia dalaman watak menjadi lebih mendalam. Ukiran Jepun pada 1780-1790. memasuki zaman kegemilangannya. Suzuki Haranobu (1725-1770) mula didedahkan dunia dalaman wira dalam ukiran seperti "Cantik memetik dahan plum", "Kekasih di taman yang dilitupi salji". Dia adalah orang pertama yang menggunakan teknik rolling, yang mencipta peralihan daripada gelap kepada nada terang, mempelbagaikan ketebalan dan tekstur garisan. Dia tidak pernah mempedulikan warna sebenar, laut dalam ukirannya berwarna merah jambu, langit berpasir, rumput berwarna biru, semuanya bergantung pada umum. mood emosi adegan. Salah satu karya terbaiknya, "Lovers Playing the Same Shamisen," telah diilhamkan oleh peribahasa Jepun "Jika muzik menggalakkan cinta, bermain."

Tokonoma - niche di pedalaman rumah teh

Kitagawa Utamaro (1753-1806) - seorang tuan ukiyo-e yang cemerlang. Kerjanya bermula dengan album "The Book of Insects", "Songs of Shells". Dalam potret wanita separuh panjang dan dada, Utamaro buat kali pertama menggunakan serbuk mika, yang menghasilkan latar belakang yang berkilauan. Utamaro yang cantik sempurna dengan bentuk yang anggun dan kepala yang sesuai,
leher nipis, mulut kecil, kening hitam pendek. Dalam siri "Sepuluh watak perempuan"dan" Hari dan jam wanita "dia berusaha untuk mengenal pasti pelbagai jenis penampilan dan perwatakan wanita. Pada akhir 90-an. di Utamaro menangani tema keibuan dalam ukiran seperti "Ibu dengan Anak" dan "Permainan Bola", pada masa yang sama dia mencipta triptychs dan polyptychs pada tema sejarah, menggunakan sebutan tidak langsung (wira negara digambarkan sebagai jelita). Teshusai Shyaraku mencipta satu siri potret pelakon teater kabuki dan ahli gusti sumo. Dia meninggalkan tradisi yang diterima umum, menjadikan yang aneh sebagai teknik utamanya. Tempoh ketiga dalam pembangunan cetakan ukiyo-e jatuh pada 1800-1868. Pada masa ini, pengaruh goresan Belanda dan Jerman terhadap seni Jepun meningkat. Untuk kreativiti dinasti artistik Utagawa, penolakan pencarian keperibadian, keinginan untuk keanggunan formal menjadi watak. Zaman kegemilangan genre landskap dalam ukiran dikaitkan dengan nama Katsushika Hokusai (1760-1849). Hokusai mempelajari seni Jepun kuno dan moden, mengetahui seni China dan berkenalan dengan ukiran Eropah. Sehingga hampir 50 tahun, Hokusai bekerja dengan cara tradisional artis ukiyo-e. Hanya dalam album Manga (buku sketsa), jilid pertama yang diterbitkan pada tahun 1812, Hokusai menemui bidang seninya. Sekarang dia melukis pemandangan setiap hari, landskap, orang ramai.

taman landskap jepun

Pada usia 70 tahun, Hokusai mencipta sirinya "36 Pemandangan Gunung Fuji", pada setiap ukiran artis menggambarkan Gunung Fuji. Gabungan tema genre dengan landskap adalah ciri Hokusai. Tidak seperti pelukis landskap purba, Hokusai menunjukkan bumi dari bawah. Pada masa yang sama, dia mencipta siri "Perjalanan melalui air terjun negara", "Jambatan", "Bunga Besar", "100 Pemandangan Fuji". Hokusai boleh menyampaikan sesuatu dari sudut yang tidak dijangka. Dalam ukiran 100 Pemandangan Fuji, gunung sama ada muncul dari kegelapan malam, seperti penglihatan, atau kelihatan di sebalik tangkai buluh, atau dipantulkan di tasik. Pengikut Hokusai Ando Hiroshige (1797-1858) melukis alam dengan lebih realistik. Seorang ejen sungai mengikut profesionnya, dia banyak mengembara ke seluruh negara, mencipta sirinya "53 Stesen Tokaido", "8 Pemandangan Tasik Omi", "69 Pemandangan Kishikaido". Seni Hiroshige mendekati lukisan Eropah, melengkapkan zaman kegemilangan dua ratus tahun ukiran ukiyo-e.

Artelino

The Great Wave off Kanagawa oleh Katsushika Hokusai (1760-1849) ialah salah satu cetakan paling terkenal dan helaian pertama siri Thirty-six Views of Fuji. Pada awal 1830-an, Katsushika Hokusai, yang ditugaskan oleh rumah penerbitan Eijudo, mula mencipta satu siri 46 helaian (36 utama dan 10 tambahan), dan The Great Wave off Kanagawa ialah ukiran yang membuka keseluruhan siri.

Koleksi ukiran sedemikian berfungsi sebagai sejenis "perjalanan maya" untuk penduduk bandar pada masa itu, cara yang mudah dan murah untuk memuaskan rasa ingin tahu. Cetakan seperti Fuji berharga kira-kira 20 bulan - hampir sama dengan dua bahagian mi di kedai makan Jepun pada masa itu. Walau bagaimanapun, kejayaan itu begitu hebat sehinggakan pada tahun 1838 kos helaian Hokusai telah meningkat kepada hampir 50 mon, dan selepas kematian tuannya, Wave sahaja telah dicetak semula daripada papan baharu lebih daripada 1000 kali.

Anehnya, walaupun tema yang dinyatakan dalam keseluruhan siri, Fuji dalam The Wave nampaknya memainkan peranan kedua. "Watak" utama dalam ukiran ini adalah gelombang, dan di latar depan adegan dramatik perjuangan seorang lelaki dengan unsur-unsur terungkap. Tepi jambul buih kelihatan seperti jari-jari yang dipintal oleh syaitan yang marah yang hebat, dan ketiadaan wajah serta ketidakaktifan figura manusia di dalam bot tidak meragukan siapa yang akan menjadi pemenang dalam pertarungan ini. Namun, bukan konfrontasi inilah konflik yang mencipta plot ukiran.
Dengan menghentikan saat selepas bot itu terhempas, Hokusai membenarkan penonton melihat Fuji seketika di atas langit kelabu, menjadi gelap ke arah ufuk. Walaupun pengukir Jepun sudah biasa dengan prinsip linear dan Eropah perspektif udara, mereka tidak merasakan keperluan untuk sambutan ini. Latar belakang yang gelap, serta perjalanan mata yang jauh dari latar depan dengan perahu melalui pergerakan ombak ke Fuji, meyakinkan mata bahawa gunung suci itu terpisah dari kita oleh hamparan laut.

Fuji naik jauh dari pantai sebagai simbol kestabilan dan keteguhan, bertentangan dengan unsur ribut. Perpaduan dan saling bergantungan yang bertentangan mendasari idea susunan kosmik dan keharmonian mutlak dalam pandangan dunia Timur Jauh, dan merekalah yang menjadi tema utama ukiran "The Great Wave off Kanagawa", yang membuka siri itu oleh Katsushika Hokusai.

"Beauty Nanivaya Okita" oleh Kitagawa Utamaro, 1795-1796

Institut Seni Chicago

Kitagawa Utamaro (1753-1806) boleh dipanggil penyanyi kecantikan wanita dalam cetakan Jepun. ukiyo-e: dia mencipta beberapa imej kanonik kecantikan Jepun ( bijinga) - penduduk rumah teh dan kawasan hiburan terkenal Yoshiwara di ibu negara Jepun, Edo edo — nama Tokyo sebelum 1868..

Dalam ukiran bijinga, semuanya tidak seperti yang dilihat oleh penonton moden. Wanita bangsawan yang berpakaian mewah, sebagai peraturan, terlibat dalam kraf yang memalukan dan tergolong dalam kelas bawahan, dan ukiran dengan potret kecantikan mempunyai fungsi pengiklanan secara terbuka. Pada masa yang sama, ukiran itu tidak memberikan gambaran tentang penampilan gadis itu, dan walaupun Okita dari rumah teh Nanivaya berhampiran kuil Asakusa dianggap sebagai keindahan pertama Edo, wajahnya dalam ukiran itu adalah langsung tidak mempunyai keperibadian.

Sejak abad ke-10, imej wanita dalam seni Jepun telah tertakluk kepada kanun minimalisme. "Mata garisan, hidung cangkuk" - teknik hikime-kagihana membenarkan artis hanya untuk menunjukkan bahawa seorang wanita tertentu telah digambarkan: dalam budaya tradisional Jepun, isu kecantikan fizikal sering ditinggalkan. Pada wanita yang dilahirkan mulia, "kecantikan hati" dan pendidikan lebih dihargai, dan penduduk di tempat yang ceria berusaha untuk meniru contoh tertinggi dalam segala hal. Menurut Utamaro, Okita benar-benar cantik.

Lembaran "Beauty Nanivaya Okita" dicetak pada 1795-1796 dalam siri "Kecantikan Terkenal Diibaratkan Enam Penyair Abadi", di mana salah seorang penulis abad ke-9 sepadan dengan setiap kecantikan. Pada helaian dengan potret Okita di sudut kiri atas terdapat imej Arivara no Narihira (825-880), salah seorang penyair yang paling dihormati di Jepun, yang secara tradisinya dikaitkan dengan novel Ise Monogatari. Bangsawan yang mulia dan penyair yang cemerlang ini juga terkenal dengan hubungan cintanya, yang sebahagiannya menjadi asas novel.

Lembaran ini adalah penggunaan teknik yang unik mitate(perbandingan) dalam ukiran Jepun. Kualiti "prototaip" yang berwibawa dipindahkan kepada kecantikan yang digambarkan, dan pelacur yang elegan, dengan wajah tenang melayani tetamu secawan teh, sudah dibaca oleh penonton sebagai seorang wanita yang mahir dalam puisi dan perbuatan cinta. Perbandingan dengan Arivara no Narihira benar-benar satu pengiktirafan keunggulannya di kalangan kecantikan Edo.

Pada masa yang sama, Utamaro mencipta imej lirik yang mengejutkan. Mengimbangi bintik-bintik gelap dan terang pada daun dan menggariskan bentuk dengan garisan yang merdu dan elegan, dia mencipta imej keanggunan dan keharmonian yang benar-benar sempurna. "Pengiklanan" surut, dan keindahan yang dirakam oleh Utamaro kekal abadi.

Skrin "Irises" oleh Ogata Korin, 1710s

Wikimedia Commons / Muzium Nezu, Tokyo

Sepasang skrin iris enam panel - kini khazanah negara Jepun - telah dicipta oleh Ogata Korin (1658-1716) sekitar 1710 untuk kuil Nishi Hongan-ji di Kyoto.

Sejak abad ke-16, melukis pada panel dinding dan skrin kertas telah menjadi salah satu genre seni hiasan yang terkemuka di Jepun, dan Ogata Korin, pengasas sekolah seni Rinpa, adalah salah seorang sarjana terhebatnya.

Skrin di pedalaman Jepun memainkan peranan penting. Premis istana yang luas secara strukturnya tidak berbeza dengan kediaman orang Jepun yang sederhana: mereka hampir tidak mempunyai dinding dalaman, dan ruang itu dizonkan dengan skrin lipat. Hanya lebih sedikit daripada satu setengah meter tinggi, skrin direka untuk tradisi Jepun biasa semua kelas untuk hidup di atas lantai. Di Jepun, kerusi dan meja tinggi tidak digunakan sehingga abad ke-19, dan ketinggian skrin, serta komposisi lukisannya, direka untuk pandangan seseorang yang duduk di atas lututnya. Dengan sudut pandangan inilah kesan yang menakjubkan timbul: iris kelihatan mengelilingi orang yang duduk - dan seseorang dapat merasakan dirinya di tebing sungai, dikelilingi oleh bunga.

Iris dicat dengan cara yang tidak kontur - hampir impresionistik, sapuan lebar tempera biru tua, ungu dan ungu menyampaikan kehebatan bunga ini. Kesan yang indah dipertingkatkan oleh kilauan emas yang kusam, yang menggambarkan iris mata. Skrin tidak menggambarkan apa-apa selain bunga, tetapi garis pertumbuhan sudutnya menunjukkan bahawa bunga itu membengkok di sekitar aliran sungai yang berliku atau zigzag jambatan kayu. Adalah wajar bagi orang Jepun untuk melihat jambatan yang hilang dari skrin, "jambatan lapan papan" khas ( yatsuhashi dengar)), dikaitkan dengan iris dalam kesusasteraan Jepun klasik. Novel Ise Monogatari (abad ke-9) menggambarkan perjalanan sedih seorang wira yang diusir dari ibu negara. Setelah menetap bersama rombongannya untuk berehat di tebing sungai berhampiran jambatan Yatsuhashi, wira itu, melihat iris, mengingati kekasihnya dan mengarang puisi:

kekasihku dalam pakaian
Anggun di sana, di ibu kota,
Cinta pergi...
Dan saya fikir dengan kerinduan berapa banyak
saya jauh dari dia... Terjemahan oleh N.I. Konrad.

"Jadi dia melipat, dan semua orang menitiskan air mata pada nasi kering mereka, sehingga ia membengkak dengan kelembapan," tambah pengarang dan wira lirik cerita itu, Arivara no Narihira.

Bagi orang Jepun yang berpendidikan, hubungan antara iris di tepi jambatan dan Ise monogatari, iris dan tema cinta yang berpisah adalah jelas, dan Ogata Korin mengelakkan keterlaluan dan ilustrasi. Dengan bantuan lukisan hiasan, dia hanya mencipta ruang ideal yang dipenuhi dengan cahaya, warna dan konotasi sastera.

Pavilion Emas Kinkakuji, Kyoto, 1397

Yevgen Pogoryelov / flickr.com, 2006

Kuil Emas adalah salah satu simbol Jepun, yang, ironisnya, lebih dimuliakan oleh kemusnahannya daripada pembinaannya. Pada tahun 1950, seorang sami Biara Rokuonji yang tidak stabil mentalnya, di mana bangunan ini dimiliki, membakar sebuah kolam yang berdiri di permukaan
astaka Semasa kebakaran pada tahun 1950, kuil itu hampir musnah. Kerja-kerja pemulihan di Kinkaku-ji bermula pada tahun 1955, pada tahun 1987 pembinaan semula secara keseluruhan telah selesai, tetapi pemulihan hiasan dalaman yang hilang sepenuhnya berterusan sehingga tahun 2003.. Motif sebenar perbuatannya masih tidak jelas, tetapi dalam tafsiran penulis Yukio Mishima, keindahan yang tidak dapat dicapai, hampir mistik kuil ini harus dipersalahkan. Sesungguhnya, selama beberapa abad, Kinkakuji dianggap sebagai lambang kecantikan Jepun.

Pada tahun 1394, Shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), yang menundukkan hampir seluruh Jepun mengikut kehendaknya, secara rasmi bersara dan menetap di sebuah vila yang dibina khas di utara Kyoto. Bangunan tiga tingkat di tasik buatan Kyokoti ("cermin tasik") memainkan peranan sejenis pertapaan, astaka terpencil untuk bersantai, membaca dan berdoa. Ia mengandungi koleksi lukisan oleh shogun, perpustakaan dan koleksi peninggalan Buddha. Terletak di atas air berhampiran pantai, Kinkakuji hanya mempunyai komunikasi bot dengan pantai dan merupakan pulau yang sama dengan pulau buatan dengan batu dan pokok pain yang bertaburan di sekitar Kyokoti. Idea "pulau cakerawala" dipinjam dari mitologi Cina, di mana pulau Penglai, pulau abadi, berfungsi sebagai imej tempat tinggal syurga. Pantulan pavilion di dalam air sudah membangkitkan persatuan Buddha dengan idea tentang sifat ilusi dunia fana, yang hanya merupakan pantulan pucat dari kemegahan dunia kebenaran Buddha.

Walaupun semua nada mitologi ini adalah spekulatif, lokasi pavilion memberikannya keharmonian dan keharmonian yang menakjubkan. Refleksi menyembunyikan kekongkongan bangunan, menjadikannya lebih tinggi dan lebih langsing; pada masa yang sama, ia adalah ketinggian pavilion yang memungkinkan untuk melihatnya dari mana-mana tebing kolam, sentiasa dengan latar belakang gelap kehijauan.

Ia masih, bagaimanapun, tidak sepenuhnya jelas sejauh mana keemasan pavilion ini bentuk asal. Mungkin, di bawah Ashikaga Yoshimitsu, ia benar-benar ditutupi dengan daun emas dan lapisan pelindung varnis. Tetapi jika anda percaya gambar-gambar abad ke-19 - awal abad ke-20 dan Yukio Mishima, maka pada pertengahan abad ke-20 penyepuhan itu hampir terkelupas dan mayatnya hanya kelihatan di tingkat atas bangunan. Pada masa ini, dia lebih menyentuh jiwa dengan pesona kehancuran, jejak masa, tidak dapat dielakkan walaupun kepada perkara yang paling indah. Daya tarikan melankolis ini sepadan dengan prinsip estetika sabi sangat dihormati dalam budaya Jepun.

Satu cara atau yang lain, kemegahan bangunan ini sama sekali tidak dalam emas. Keterukan bentuk Kinkakuji yang indah dan keharmonian yang sempurna dengan landskap menjadikannya salah satu karya seni bina Jepun.

Mangkuk "Iris" dalam gaya karatsu, abad XVI-XVII

Diane Martineau /pinterest.com/Muzium Seni Metropolitan, New York

Perkataan itu meibutsu- benda dengan nama. Hanya nama cawan ini yang benar-benar terselamat, kerana masa dan tempat yang tepat penciptaannya, mahupun nama tuannya tidak dipelihara. Namun begitu, ia tersenarai di antara khazanah negara Jepun dan merupakan salah satu contoh seramik paling terang dalam gaya kebangsaan.

Pada akhir abad ke-16, upacara minum teh cha-no-yu ditinggalkan yang canggih porselin Cina dan seramik dengan sayu mengingatkan bahan berharga. Kecantikan mereka yang menakjubkan kelihatan terlalu tiruan dan terus terang kepada tuan teh. Barangan yang sempurna dan mahal - mangkuk, bekas air dan kendi teh - tidak sepadan dengan kanun rohani Zen Buddhisme yang hampir pertapa, dalam semangat upacara minum teh berkembang. Revolusi sebenar dalam tindakan teh adalah tarikan kepada seramik Jepun, jauh lebih mudah dan tidak berseni pada masa bengkel Jepun baru mula menguasai teknologi tembikar benua.

Bentuk mangkuk Iris adalah ringkas dan tidak teratur. Lengkungan sedikit dinding, lekuk tukang periuk kelihatan di seluruh badan memberikan mangkuk itu dengan mudah. Serpihan tanah liat ditutup dengan sayu ringan dengan rangkaian retakan - craquelure. Di bahagian depan, yang menyapa tetamu semasa upacara minum teh, imej iris digunakan di bawah sayu: lukisan itu naif, tetapi dilaksanakan dengan berus bertenaga, betul-betul, seolah-olah dalam satu pergerakan, dalam semangat Zen kaligrafi. Nampaknya bentuk dan hiasan boleh dibuat secara spontan dan tanpa penggunaan pasukan khas.

Spontan ini mencerminkan ideal wabi- kesederhanaan dan ketiadaan seni, menimbulkan rasa kebebasan dan keharmonian rohani. Mana-mana orang atau bahkan objek tidak bernyawa dalam pandangan pengikut Jepun Buddhisme Zen mempunyai sifat pencerahan Buddha, dan usaha pakar itu bertujuan untuk menemui sifat ini dalam dirinya dan dunia di sekelilingnya. Perkara-perkara yang digunakan dalam upacara minum teh, untuk semua kekok mereka, sepatutnya membangkitkan pengalaman mendalam tentang kebenaran, kaitan setiap saat, terpaksa mengintip ke dalam bentuk yang paling biasa dan melihat keindahan sebenar di dalamnya.

Berbeza dengan tekstur kasar mangkuk dan kesederhanaannya adalah pemulihan dengan lakuer emas sumbing kecil (teknik ini dipanggil kintsugi). Pemulihan telah dijalankan pada abad ke-18 dan menunjukkan penghormatan yang digunakan oleh tuan teh Jepun merawat peralatan untuk upacara minum teh. Jadi upacara minum teh menyediakan para peserta dengan "cara" untuk menemui keindahan sebenar sesuatu, seperti mangkuk Iris. Tersirat, kerahsiaan telah menjadi asas kepada konsep estetik wabi dan bahagian penting dalam pandangan dunia Jepun.

Potret Monk Gandzin, Nara, 763

Toshodaiji, 2015

Pada abad VIII, arca menjadi bentuk utama ekspresi artistik era, era Nara (710-794), yang dikaitkan dengan pembentukan negara Jepun dan pengukuhan agama Buddha. Sarjana Jepun telah pun melepasi peringkat perantisan dan tiruan buta teknik dan imej benua dan mula secara bebas dan jelas menyatakan semangat zaman mereka dalam seni arca. Penyebaran dan pertumbuhan kewibawaan agama Buddha menyebabkan kemunculan potret arca Buddha.

Salah satu karya agung genre ini ialah potret Gandzin, yang dicipta pada tahun 763. Dibuat dalam teknik lakuer kering (dengan membina lapisan lakuer pada bingkai kayu yang ditutup dengan kain), arca yang hampir bersaiz nyata dicat secara realistik, dan pada waktu senja kuil, Ganjin duduk dalam pose meditasi "sebagai jika hidup”. Keserupaan hidup ini adalah fungsi kultus utama potret sedemikian: guru harus sentiasa berada di dalam dinding biara Todaiji di bandar Nara dan hadir pada upacara ketuhanan yang paling penting.

Kemudian, pada abad ke-11-13, potret arca mencapai ilusionisme yang hampir tanpa belas kasihan, menggambarkan kelemahan nyanyuk guru yang dihormati, mulut cekung mereka, pipi kendur dan kedutan yang dalam. Potret ini melihat penganut agama Buddha dengan mata yang hidup, bertatahkan kristal batu dan kayu. Tetapi wajah Gandzin kelihatan kabur, tidak ada kontur yang jelas dan bentuk yang jelas di dalamnya. Kelopak mata mata separuh tertutup dan tidak berkerak kelihatan bengkak; mulut yang tegang dan lipatan nasolabial yang dalam menyatakan kewaspadaan biasa daripada kepekatan meditasi.

Semua ciri ini mendedahkan biografi dramatik sami ini, kisah pertapaan dan tragedi yang menakjubkan. Ganjin, seorang sami Buddha Cina, telah dijemput ke Jepun untuk upacara penyucian biara terbesar Nara, Todaiji. Kapal itu ditangkap oleh lanun, skrol yang tidak ternilai dan arca Buddha yang bertujuan untuk kuil Jepun yang jauh hilang dalam kebakaran, Ganjin membakar mukanya dan kehilangan penglihatannya. Tetapi dia tidak meninggalkan keinginan untuk berdakwah di pinggiran tamadun yang jauh - iaitu, bagaimana Jepun dianggap oleh benua itu pada masa itu.

Beberapa lagi percubaan untuk menyeberangi laut berakhir dengan cara yang sama tidak berjaya, dan hanya pada percubaan kelima, Ganjin yang sudah pertengahan umur, buta dan uzur itu sampai ke ibu kota Jepun, Nara.

Di Jepun, Ganjin tidak mengajar undang-undang Buddha untuk masa yang lama: peristiwa dramatik dalam hidupnya menjejaskan kesihatannya. Tetapi kuasanya sangat tinggi sehingga, mungkin, sebelum kematiannya, ia telah diputuskan untuk mencipta arcanya. Tidak dinafikan, sami artis berusaha untuk memberikan arca sebanyak mungkin persamaan dengan model itu. Tetapi ini tidak dilakukan untuk menyelamatkan penampilan seseorang, tetapi untuk menangkap pengalaman rohani individunya, jalan sukar yang dilalui Ganjin dan yang dipanggil ajaran Buddha.

Daibutsu - Buddha Besar Kuil Todaiji, Nara, pertengahan abad ke-8

Todd/flickr.com

Pada pertengahan abad ke-8, Jepun mengalami bencana alam dan wabak, dan tipu daya keluarga Fujiwara yang berpengaruh dan pemberontakan yang mereka bangkitkan memaksa Maharaja Shomu meninggalkan ibu kota, bandar Nara. Dalam pengasingan, dia berikrar untuk mengikuti ajaran Buddha dan pada tahun 743 mengarahkan pembinaan kuil utama negara itu dimulakan dan penuangan kuil besar. patung gangsa Buddha Vairochana (Matahari Besar Buddha atau Semua Cahaya Menerangi). Dewa ini dianggap sebagai penjelmaan universal Buddha Shakyamuni, pengasas ajaran Buddha, dan sepatutnya menjadi penjamin perlindungan maharaja dan seluruh negara semasa tempoh pergolakan dan pemberontakan.

Kerja bermula pada 745 dan telah dimodelkan pada patung Buddha gergasi di kuil gua Longmen berhampiran ibu kota China Luoyang. Patung di Nara, seperti mana-mana imej Buddha, sepatutnya menunjukkan "tanda-tanda besar dan kecil Buddha." Kanun ikonografi ini termasuk cuping telinga yang memanjang, mengingatkan fakta bahawa Buddha Shakyamuni berasal dari keluarga pangeran dan dari zaman kanak-kanak memakai anting-anting berat, ketinggian di bahagian atas kepalanya (ushnisha), titik di dahinya (guci).

Ketinggian patung itu ialah 16 meter, lebar mukanya 5 meter, panjang telapak tangan yang dihulurkan ialah 3.7 meter, dan tempayan itu lebih besar daripada kepala manusia. Pembinaan mengambil 444 tan tembaga, 82 tan timah dan sejumlah besar emas, pencarian yang dilakukan khas di utara negara itu. Sebuah dewan, Daibutsuden, telah didirikan di sekeliling patung untuk melindungi kuil. Dalam ruang kecilnya, patung Buddha duduk yang sedikit tunduk memenuhi seluruh ruang, menggambarkan salah satu postulat utama Buddhisme - idea bahawa dewa itu ada di mana-mana dan meliputi segala-galanya, ia merangkumi dan memenuhi segala-galanya. Ketenangan transendental wajah dan isyarat tangan dewa (mudra, isyarat memberi perlindungan) melengkapi perasaan keagungan dan kuasa Buddha yang tenang.

Walau bagaimanapun, hanya beberapa serpihan patung asal yang kekal pada hari ini: kebakaran dan peperangan menyebabkan kerosakan besar pada patung itu pada abad ke-12 dan ke-16, dan patung moden kebanyakannya adalah tuangan abad ke-18. Semasa pemulihan abad ke-18, angka gangsa tidak lagi ditutup dengan emas. Semangat Buddhis Maharaja Shomu pada abad ke-8 secara praktikal mengosongkan perbendaharaan dan menumpahkan darah negara yang sudah terkejut, dan pemerintah kemudiannya tidak lagi mampu membayar perbelanjaan yang tidak wajar itu.

Walau bagaimanapun, kepentingan Daibutsu bukan terletak pada emas dan tidak juga pada keaslian yang boleh dipercayai - idea tentang penjelmaan ajaran Buddha yang begitu hebat adalah monumen kepada era apabila Jepun seni monumental mengalami berbunga tulen, membebaskan dirinya daripada menyalin buta model benua dan mencapai integriti dan ekspresif, yang kemudiannya hilang.

Jepun? Bagaimana ia berkembang? Kami akan menjawab soalan ini dan soalan lain dalam artikel. Budaya Jepun terbentuk hasil daripada gerakan sejarah yang bermula apabila Jepun berpindah dari tanah besar ke Nusantara dan lahir tamadun zaman Jomon.

Pencerahan semasa umat ini sangat dipengaruhi oleh Eropah, Asia (terutama Korea dan China) dan Amerika Utara. Salah satu tanda budaya Jepun ialah perkembangannya yang panjang dalam era pengasingan lengkap negara (dasar sakoku) dari semua negara lain semasa pemerintahan Keshogunan Tokugawa, yang berlangsung hingga pertengahan abad ke-19 - permulaan zaman. Zaman Meiji.

Pengaruh

Bagaimanakah budaya seni Jepun berkembang? Tamadun dipengaruhi dengan ketara oleh lokasi wilayah terpencil negara, ciri iklim dan geografi, serta fenomena semula jadi (taufan dan gempa bumi yang kerap). Ini dinyatakan dalam sikap luar biasa penduduk terhadap alam semula jadi sebagai makhluk hidup. ciri watak kebangsaan Jepun adalah keupayaan untuk mengagumi keindahan alam semesta semasa, yang dinyatakan dalam pelbagai jenis seni di sebuah negara kecil.

Budaya seni Jepun dicipta di bawah pengaruh agama Buddha, Shintoisme dan Konfusianisme. Aliran yang sama ini mempengaruhi perkembangan selanjutnya.

zaman purba

Setuju, budaya seni Jepun sangat mengagumkan. Shintoisme berakar umbi pada zaman dahulu. Agama Buddha, walaupun ia muncul sebelum era kita, mula tersebar hanya dari abad kelima. Zaman Heian (abad ke-8-12) dianggap sebagai era keemasan negara Jepun. Dalam tempoh yang sama, budaya indah negara ini mencapai titik tertinggi.

Konfusianisme muncul pada abad ke-13. Pada peringkat ini, terdapat pemisahan falsafah Confucius dan Buddhisme.

Hieroglif

Imej budaya seni Jepun terkandung dalam versifikasi unik, yang dipanggil Di negara ini, seni kaligrafi juga sangat maju, yang, menurut legenda, timbul dari imej ilahi syurga. Merekalah yang menghembuskan kehidupan ke dalam tulisan, jadi penduduknya baik hati terhadap setiap tanda dalam ejaan.

Khabar angin mengatakan bahawa hieroglif yang memberikan budaya Jepun, kerana imej yang mengelilingi tulisan itu muncul daripada mereka. Tidak lama kemudian, gabungan kuat unsur lukisan dan puisi dalam satu karya mula diperhatikan.

Jika anda mengkaji skrol Jepun, anda akan mendapati bahawa karya itu mengandungi dua jenis simbol. Ini adalah tanda-tanda penulisan - anjing laut, puisi, kolofen, serta indah. Pada masa yang sama, teater Kabuki mendapat populariti yang besar. Jenis teater yang berbeza - Tetapi - disukai terutamanya oleh anggota tentera. keterukan dan kekejaman mereka mempunyai pengaruh yang kuat terhadap No.

Melukis

Budaya seni telah dikaji oleh ramai pakar. Peranan besar dalam pembentukannya dimainkan oleh lukisan kaiga, yang dalam bahasa Jepun bermaksud lukisan atau lukisan. Seni ini dianggap sebagai jenis lukisan tertua di negeri ini, yang ditentukan oleh sejumlah besar penyelesaian dan bentuk.

Di dalamnya, tempat istimewa diduduki oleh alam semula jadi, yang menentukan prinsip suci. Pembahagian lukisan kepada sumi-e dan yamato-e telah wujud sejak abad kesepuluh. Gaya pertama berkembang lebih dekat ke abad keempat belas. Ia adalah sejenis cat air monokrom. Yamato-e ialah skrol berlipat mendatar yang biasa digunakan dalam hiasan karya sastera.

Tidak lama kemudian, pada abad ke-17, percetakan pada tablet muncul di negara ini - ukiyo-e. Sarjana menggambarkan landskap, geisha, pelakon terkenal teater Kabuki. Lukisan jenis ini pada abad ke-18 mempunyai pengaruh yang kuat terhadap seni Eropah. Aliran yang muncul dipanggil "Jepun". Pada Zaman Pertengahan, budaya Jepun melangkaui sempadan negara - ia mula digunakan dalam reka bentuk dalaman yang bergaya dan bergaya di seluruh dunia.

kaligrafi

Oh, indahnya budaya seni Jepun! Kefahaman tentang keharmonian dengan alam semula jadi dapat dilihat pada setiap segmennya. Apakah kaligrafi Jepun moden? Ia dipanggil shodo ("cara pemberitahuan"). Seni khat, seperti menulis, adalah disiplin wajib. Para saintis mendapati bahawa seni ini datang ke sana serentak dengan tulisan Cina.

Ngomong-ngomong, pada zaman dahulu, budaya seseorang dinilai oleh tahap kaligrafinya. Hari ini, terdapat sejumlah besar gaya penulisan, dan sami Buddha mengembangkannya.

arca

Bagaimanakah budaya Jepun terhasil? Kami akan mengkaji perkembangan dan jenis bidang kehidupan manusia ini dengan seberapa terperinci yang mungkin. Arca adalah jenis seni tertua di Jepun. Pada zaman dahulu, masyarakat negara ini membuat patung berhala dan hidangan daripada seramik. Kemudian orang ramai mula memasang patung-patung khaniv, yang dibuat dari tanah liat yang dibakar, di atas kubur.

Perkembangan kraf arca dalam budaya Jepun moden dikaitkan dengan penyebaran agama Buddha di negeri itu. Salah satu wakil monumen Jepun yang paling kuno dianggap sebagai patung Buddha Amitabha, diperbuat daripada kayu, diletakkan di kuil Zenko-ji.

Patung-patung sering dibuat daripada rasuk, tetapi mereka kelihatan sangat kaya: para pengrajin menutupinya dengan varnis, emas dan warna-warna cerah.

Origami

Adakah anda suka budaya seni Jepun? Pemahaman tentang keharmonian dengan alam semula jadi akan membawa pengalaman yang tidak dapat dilupakan. ciri ciri Budaya Jepun telah menjadi produk origami yang menakjubkan ("kertas berlipat"). Kemahiran ini berhutang asal usulnya kepada China, di mana, sebenarnya, parchment telah dicipta.

Pada mulanya, "kertas berlipat" digunakan dalam upacara keagamaan. Seni ini hanya boleh dipelajari oleh golongan atasan. Tetapi selepas Perang Dunia Kedua, origami meninggalkan rumah para bangsawan dan menemui pengagumnya di seluruh Bumi.

Ikebana

Semua orang harus tahu apa itu budaya seni negara-negara Timur. Jepun telah melabur banyak kerja dalam pembangunannya. Satu lagi komponen budaya ini negara yang indah ialah ikebana (“bunga hidup”, “kehidupan baru bunga”). Orang Jepun adalah peminat estetika dan kesederhanaan. Ia adalah tepat kedua-dua kualiti yang dilaburkan dalam kerja-kerja. Kecanggihan imej dicapai melalui penggunaan berfaedah keindahan semula jadi tumbuh-tumbuhan. Ikebana, seperti origami, juga berfungsi sebagai sebahagian daripada upacara keagamaan.

Miniatur

Mungkin ramai yang sudah faham bahawa budaya seni China Purba dan Jepun saling berkait rapat. Dan apakah bonsai? Ia adalah kemahiran unik Jepun untuk memupuk replika miniatur pokok sebenar yang hampir tepat.

Di Jepun, ia juga biasa membuat netsuke - arca kecil yang merupakan sejenis rantai kunci. Selalunya patung-patung sedemikian dalam kapasiti ini dilekatkan pada pakaian orang Jepun, yang tidak mempunyai poket. Mereka bukan sahaja menghiasinya, tetapi juga berfungsi sebagai pengimbang asal. Cincin kunci dibuat dalam bentuk kunci, kantung, bakul rotan.

Sejarah lukisan

Budaya seni Jepun purba menarik minat ramai orang. Lukisan di negara ini berasal semasa zaman Paleolitik Jepun dan berkembang dengan cara ini:

• tempoh Yamato. Semasa zaman Asuka dan Kofun (abad ke-4-7), bersama-sama dengan pengenalan hieroglif, penciptaan rejim negara gaya Cina dan mempopularkan agama Buddha, banyak karya seni dibawa ke Jepun dari China. Selepas itu, lukisan gaya Cina mula diterbitkan semula di Negara Matahari Terbit.
• Masa Nara. Pada abad VI dan VII. Agama Buddha terus berkembang di Jepun. Dalam hal ini, lukisan keagamaan mula berkembang, digunakan untuk menghiasi banyak kuil yang dibina oleh golongan bangsawan. Secara amnya, semasa era Nara, sumbangan terhadap perkembangan seni arca dan seni lebih besar berbanding seni lukis. Lukisan awal dalam kitaran ini termasuk mural di dinding dalaman Kuil Horyu-ji di Wilayah Nara, yang menggambarkan kehidupan Buddha Shakyamuni.
• era Heian. Dalam lukisan Jepun, bermula dari abad ke-10, trend yamato-e dibezakan, seperti yang kami tulis di atas. Lukisan sedemikian adalah skrol mendatar yang digunakan untuk menggambarkan buku.
• Zaman Muromachi. Pada abad XIV, gaya Supi-e (cat air monokrom) muncul, dan pada separuh pertama abad XVII. artis mula mencetak ukiran pada papan - ukiyo-e.
• Lukisan zaman Azuchi-Momoyama sangat berbeza dengan lukisan zaman Muromachi. Dia mempunyai gaya polikrom dengan penggunaan perak yang meluas dan. Sepanjang tempoh ini, prestij dan kemasyhuran hebat dinikmati institusi pendidikan Kano. Pengasasnya ialah Kano Eitoku, yang mengecat siling dan pintu gelangsar untuk memisahkan bilik. Lukisan sedemikian menghiasi istana dan istana bangsawan tentera.
• zaman Maiji. Dari yang kedua separuh daripada XIX abad, seni berpecah kepada gaya tradisional dan Eropah yang bersaing. Semasa era Maiji, Jepun telah mengalami perubahan sosial dan politik yang hebat melalui proses pemodenan dan Eropah yang dianjurkan oleh pihak berkuasa. Artis muda yang menjanjikan dihantar ke luar negara untuk belajar, dan artis luar negara datang ke Jepun untuk mencipta program seni sekolah. Walau apa pun, selepas lonjakan rasa ingin tahu awal tentang gaya seni Barat, bandul berayun ke belakang dan gaya tradisional Jepun dilahirkan semula. Pada tahun 1880, amalan seni Barat diharamkan daripada pameran rasmi dan dikritik hebat.

Puisi

Budaya seni Jepun purba masih dikaji. Cirinya adalah serba boleh, beberapa sintetik, kerana ia terbentuk di bawah pengaruh agama yang berbeza. Telah diketahui bahawa puisi klasik Jepun muncul dari kehidupan seharian, bertindak di dalamnya, dan kebumian ini dipelihara sedikit sebanyak dalam bentuk tradisional puisi hari ini - haiku tiga baris dan tanka lima baris, yang dibezakan dengan sebutan yang jelas. watak jisim. Ngomong-ngomong, kualiti inilah yang membezakan mereka daripada "ayat bebas" yang tertarik ke arah elitisme, yang muncul di Jepun pada awal abad ke-20 di bawah pengaruh puisi Eropah.

Adakah anda perasan bahawa peringkat perkembangan budaya seni Jepun adalah pelbagai rupa? Puisi dalam masyarakat negara ini memainkan peranan yang istimewa. Salah satu genre yang paling terkenal ialah haiku, anda boleh memahaminya hanya dengan membiasakan diri dengan sejarahnya.

Ia pertama kali muncul pada era Heian, mirip dengan gaya renga, yang merupakan sejenis saluran penyair yang ingin berehat dari ayat-ayat wah yang bernas. Haikai berkembang menjadi genre tersendiri pada abad ke-16 apabila renga menjadi terlalu serius dan haiku bergantung pada bahasa sehari-hari dan masih berjenaka.

Sudah tentu, budaya seni Jepun diterangkan secara ringkas dalam banyak karya, tetapi kami akan cuba membincangkannya dengan lebih terperinci. Adalah diketahui bahawa pada Zaman Pertengahan salah satu genre sastera Jepun yang paling terkenal adalah tanka ("lagu laconic"). Dalam kebanyakan kes, ini ialah lima baris, terdiri daripada sepasang rangkap dengan bilangan suku kata tetap: 5-7-5 suku kata dalam tiga baris rangkap pertama, dan 7-7 dalam dua baris kedua. Bagi kandungan, tanka menggunakan skema berikut: bait pertama mewakili imej semula jadi tertentu, dan yang kedua mencerminkan perasaan seseorang yang menggemakan imej ini:

• Di pergunungan yang jauh
  Pegar ekor panjang tidur -
  Malam yang panjang dan panjang ini
  Bolehkah saya tidur seorang diri? ( Kakinomoto no Hitovaro, awal abad ke-8, diterjemahkan oleh Sanovich.)

dramaturgi Jepun

Ramai yang berpendapat bahawa budaya seni China dan Jepun memukau. Adakah anda suka seni persembahan? Dramaturgi tradisional Tanah Matahari Terbit dibahagikan kepada joruri (teater boneka), dramaturgi teater Noh (kyogen dan yokyoku), teater kabuki dan shingeki. Adat resam seni ini merangkumi lima genre teater asas: kyogen no, bugaku, kabuki dan bunraku. Kesemua lima tradisi ini masih ada sehingga kini. Walaupun terdapat perbezaan yang besar, ia disambungkan oleh prinsip estetik biasa yang menyokong seni Jepun. Ngomong-ngomong, dramaturgi Jepun berasal dari pentas No.

Teater Kabuki muncul pada abad ke-17 dan mencapai puncaknya menjelang akhir abad ke-18. Bentuk persembahan yang dibangunkan dalam tempoh tertentu dikekalkan pada pentas moden Kabuki. Penghasilan teater ini, berbeza dengan peringkat No, yang memfokuskan pada lingkaran sempit pengagum seni kuno, direka untuk penonton massa. Akar-akar kemahiran Kabuki berasal daripada persembahan pelawak - penghibur sandiwara kecil, adegan yang terdiri daripada tarian dan nyanyian. Kemahiran teater Kabuki menyerap unsur joruri dan no.

Kemunculan teater Kabuki dikaitkan dengan nama pekerja tempat suci Buddha O-Kuni di Kyoto (1603). O-Kuni membuat persembahan di atas pentas dengan tarian keagamaan, termasuk pergerakan tarian rakyat Nembutsu-odori. Persembahannya diselitkan dengan lakonan komik. Pada peringkat ini, produksi itu dipanggil yujo-kabuki (kabuki para pelacur), o-kuni-kabuki atau onna-kabuki (kabuki wanita).

ukiran

Pada abad yang lalu, orang Eropah, dan kemudian Rusia, menghadapi fenomena seni Jepun melalui ukiran. Sementara itu, di Tanah Matahari Terbit, lukisan pada pokok pada mulanya tidak dianggap sebagai kemahiran sama sekali, walaupun ia mempunyai semua sifat budaya massa - murah, ketersediaan, peredaran. Para penikmat Ukiyo-e dapat mencapai kebolehfahaman dan kesederhanaan tertinggi baik dalam penjelmaan plot dan dalam pilihan mereka.

Ukiyo-e ialah sekolah seni khas, jadi dia dapat mengemukakan beberapa sarjana yang cemerlang. Oleh itu, nama Hisikawa Moronobu (1618-1694) dikaitkan dengan fasa awal pembangunan ukiran plot. Pada pertengahan abad ke-18, Suzuki Harunobu, pakar pertama ukiran pelbagai warna, dicipta. Motif utama karyanya adalah adegan lirik, di mana perhatian tidak diberikan kepada tindakan, tetapi kepada penghantaran perasaan dan perasaan: cinta, kelembutan, kesedihan. Seperti seni purba yang indah pada era Heian, ukiyo-e virtuosos menghidupkan semula kultus luar biasa kecantikan wanita dalam persekitaran bandar yang telah diubah suai.

Satu-satunya perbezaan adalah bahawa bukannya bangsawan Heian yang bangga, cetakan itu menggambarkan geisha yang anggun dari daerah hiburan Edo. Artis Utamaro (1753-1806) mungkin merupakan contoh unik seorang profesional dalam sejarah lukisan, yang sepenuhnya menumpukan ciptaannya untuk menggambarkan wanita dalam pelbagai pose dan pakaian, dalam pelbagai keadaan kehidupan. Salah satu karya terbaiknya ialah ukiran "Geisha Osama", yang disimpan di Moscow, di Muzium Lukisan Pushkin. Artis luar biasa secara halus menyampaikan kesatuan gerak isyarat dan mood, ekspresi muka.

Manga dan anime

Ramai artis cuba mengkaji lukisan Jepun. Apakah anime (animasi Jepun)? Ia berbeza daripada genre animasi lain dengan lebih menyesuaikan diri dengan penonton dewasa. Di sini terdapat pembahagian pendua kepada gaya untuk yang tidak jelas penonton sasaran. Ukuran penghancuran ialah jantina, umur atau potret psikologi penonton wayang. Selalunya, anime ialah filem adaptasi komik manga Jepun, yang juga mendapat kemasyhuran hebat.

Bahagian asas manga direka untuk penonton dewasa. Menurut data 2002, kira-kira 20% daripada keseluruhan pasaran buku Jepun diduduki oleh komik manga.

Jepun dekat dengan kita secara geografi, tetapi, walaupun ini, untuk masa yang lama kekal tidak dapat difahami dan tidak dapat diakses oleh seluruh dunia. Hari ini kita tahu banyak tentang negara ini. Pengasingan sukarela yang lama telah membawa kepada fakta bahawa budayanya berbeza sama sekali daripada budaya negeri lain.

Mempunyai sejarah yang sangat kaya; tradisinya adalah meluas, dengan kedudukan unik Jepun di dunia sebahagian besarnya mempengaruhi gaya dan teknik dominan artis Jepun. Fakta yang diketahui Bahawa Jepun telah agak terpencil selama berabad-abad bukan sahaja disebabkan oleh geografi, tetapi juga oleh kecenderungan budaya Jepun yang dominan untuk pengasingan yang telah menandakan sejarah negara. Selama berabad-abad yang mungkin kita panggil "tamadun Jepun", budaya dan seni berkembang secara berasingan daripada yang ada di seluruh dunia. Dan ini juga ketara dalam amalan lukisan Jepun. Sebagai contoh, lukisan Nihonga adalah antara amalan lukisan Jepun. Ia berdasarkan tradisi lebih seribu tahun, dan lukisan biasanya dibuat dengan berus pada (kertas Jepun) atau egina (sutera) anda.

Walau bagaimanapun, seni dan lukisan Jepun telah dipengaruhi oleh amalan seni asing. Pertama, seni Cina pada abad ke-16 dan lukisan Cina serta tradisi seni Cina yang sangat berpengaruh dalam beberapa cara. Pada abad ke-17, lukisan Jepun juga dipengaruhi oleh tradisi Barat. Khususnya, semasa tempoh sebelum perang, yang berlangsung dari 1868 hingga 1945, lukisan Jepun dipengaruhi oleh Impresionisme dan Romantikisme Eropah. Pada masa yang sama, pergerakan seni baru Eropah juga banyak dipengaruhi oleh Jepun teknik seni. Dalam sejarah seni, pengaruh ini dirujuk sebagai "Jepun", dan ia amat penting bagi kaum Impresionis, Kubis dan artis yang dikaitkan dengan modenisme.

Sejarah panjang lukisan Jepun boleh dilihat sebagai sintesis beberapa tradisi yang mencipta bahagian-bahagian estetika Jepun yang diiktiraf. Pertama sekali, kaedah seni dan lukisan Buddha, serta lukisan keagamaan, telah meninggalkan kesan yang ketara pada estetika lukisan Jepun; lukisan landskap dakwat air dalam tradisi lukisan sastera Cina adalah satu lagi elemen penting yang diiktiraf dalam banyak lukisan Jepun yang terkenal; lukisan haiwan dan tumbuh-tumbuhan, terutamanya burung dan bunga, adalah apa yang biasanya dikaitkan dengan gubahan Jepun, seperti landskap dan pemandangan dari Kehidupan seharian. Akhirnya, idea-idea purba tentang kecantikan daripada falsafah dan budaya Jepun purba mempunyai pengaruh yang besar terhadap lukisan Jepun. Wabi, yang bermaksud kecantikan sementara dan keras, sabi (keindahan patina semula jadi dan penuaan) dan yugen (anggun dan kehalusan yang mendalam) masih mempengaruhi cita-cita dalam amalan lukisan Jepun.

Akhir sekali, jika kita memberi tumpuan kepada memilih sepuluh karya Jepun yang paling terkenal, kita mesti menyebut ukiyo-e, yang merupakan salah satu genre seni yang paling popular di Jepun, walaupun ia tergolong dalam seni cetak. Ia mendominasi seni Jepun dari abad ke-17 hingga ke-19, dengan artis yang tergolong dalam genre ini menghasilkan potongan kayu dan lukisan subjek seperti gadis cantik, pelakon kabuki dan ahli gusti sumo, serta adegan dari sejarah dan cerita rakyat, adegan perjalanan dan landskap, flora dan fauna dan juga erotika.

Ia sentiasa sukar untuk membuat senarai gambar yang terbaik daripada tradisi kesenian. Banyak karya menakjubkan akan dikecualikan; namun, senarai ini menampilkan sepuluh lukisan Jepun yang paling dikenali di dunia. Artikel ini hanya akan membentangkan lukisan yang dicipta dari abad ke-19 hingga ke hari ini.

Lukisan Jepun mempunyai sejarah yang sangat kaya. Selama berabad-abad, artis Jepun telah membangunkan sejumlah besar teknik dan gaya unik yang merupakan sumbangan Jepun yang paling berharga kepada dunia seni. Salah satu teknik ini ialah sumi-e. Sumi-e secara literal bermaksud "lukisan dakwat", menggabungkan kaligrafi dan lukisan dakwat untuk mencipta keindahan jarang gubahan yang dilukis dengan berus. Keindahan ini adalah paradoks - purba namun moden, ringkas namun kompleks, berani namun tenang, sudah pasti mencerminkan asas rohani seni dalam Buddhisme Zen. Paderi Buddha membawa blok dakwat keras dan berus buluh ke Jepun dari China pada abad keenam, dan sepanjang 14 abad yang lalu, Jepun telah membangunkan warisan lukisan dakwat yang kaya.

Tatal ke bawah dan lihat 10 Karya Lukisan Jepun

1. Katsushika Hokusai "Mimpi Isteri Nelayan"

Salah satu lukisan Jepun yang paling dikenali ialah The Dream of the Fisherman's Wife. Ia dicat pada tahun 1814 oleh artis terkenal Hokusai. Dengan definisi yang ketat, karya yang menakjubkan oleh Hokusai ini tidak boleh dianggap sebagai lukisan, kerana ia adalah potongan kayu ukiyo-e daripada Young Pines (Kinoe no Komatsu), iaitu sebuah buku shunga tiga jilid. Komposisi itu menggambarkan seorang penyelam ama muda yang terjalin secara seksual dengan sepasang sotong. Imej ini sangat berpengaruh pada abad ke-19 dan ke-20. Karya itu mempengaruhi artis kemudiannya seperti Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf dan Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro menulis puisi nostalgia sambil melihat bulan"

Tessai Tomioka ialah nama samaran seorang artis dan ahli kaligrafi Jepun yang terkenal. Dia dianggap sebagai artis utama terakhir dalam tradisi Bunjing dan salah seorang artis utama pertama gaya Nihonga. Bunjinga ialah sebuah sekolah lukisan Jepun yang berkembang pada zaman Edo lewat di kalangan artis yang menganggap diri mereka celik huruf atau intelektual. Setiap artis ini, termasuk Tessaia, mengembangkan gaya dan teknik mereka sendiri, tetapi mereka semua peminat seni dan budaya China.

3. Fujishima Takeji "Matahari terbit di atas Laut Timur"

Fujishima Takeji ialah seorang artis Jepun yang terkenal dengan karyanya dalam membangunkan Romantikisme dan Impresionisme dalam gerakan seni Yoga (gaya Barat) pada akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20. Pada tahun 1905 dia pergi ke Perancis, di mana dia dipengaruhi oleh pergerakan Perancis pada masa itu, terutamanya Impresionisme, seperti yang dapat dilihat dalam lukisannya pada tahun 1932 Sunrise over the East Sea.

4. Kitagawa Utamaro "Sepuluh jenis wajah wanita, koleksi kecantikan yang mendominasi"

Kitagawa Utamaro ialah seorang artis Jepun terkemuka yang dilahirkan pada tahun 1753 dan meninggal dunia pada tahun 1806. Dia setakat ini terkenal dengan siri yang dipanggil Sepuluh Jenis Wajah Wanita. Koleksi keindahan memerintah, tema cinta yang hebat Puisi Klasik" (kadangkala dipanggil "Wanita Bercinta", mengandungi ukiran berasingan "Cinta Telanjang" dan "Cinta Termenung"). Dia adalah salah seorang artis paling penting yang tergolong dalam genre potongan kayu ukiyo-e.

5. Kawanabe Kyosai "Harimau"

Kawanabe Kyosai adalah salah seorang artis Jepun yang paling terkenal pada zaman Edo. Seninya dipengaruhi oleh Tohaku, seorang pelukis Kano abad ke-16 yang merupakan satu-satunya pelukis pada zamannya yang melukis skrin sepenuhnya dalam dakwat dengan latar belakang halus serbuk emas. Walaupun Kyosai dikenali sebagai kartunis, dia telah menulis sebahagian daripada yang paling banyak lukisan terkenal dalam sejarah Jepun Seni XIX abad. "Harimau" ialah salah satu lukisan yang Kyosai gunakan cat air dan dakwat untuk dihasilkan.

6. Hiroshi Yoshida Fuji dari Tasik Kawaguchi

Hiroshi Yoshida dikenali sebagai salah seorang tokoh utama gaya Shin-Hanga (Shin-Hanga ialah sebuah gerakan seni di Jepun pada awal abad ke-20, semasa zaman Taisho dan Showa, yang menghidupkan semula seni tradisional ukiyo-e, yang berakar pada zaman Edo dan Meiji (abad XVII - XIX)). Beliau telah dilatih dalam tradisi lukisan minyak Barat, yang diterima pakai di Jepun semasa zaman Meiji.

7. Takashi Murakami "727"

Takashi Murakami mungkin artis Jepun yang paling popular pada zaman kita. Kerjanya dijual dengan harga astronomi di lelongan utama, dan karyanya sudah memberi inspirasi kepada generasi baru artis bukan sahaja di Jepun tetapi juga di luar. Seni Murakami termasuk pelbagai medium dan biasanya digambarkan sebagai super-rata. Karya beliau terkenal dengan penggunaan warna, menggabungkan motif dari budaya tradisional dan popular Jepun. Kandungan lukisannya sering digambarkan sebagai "comel", "psychedelic", atau "satira".

8. Yayoi Kusama "Labu"

Yaoi Kusama juga merupakan salah seorang artis Jepun yang terkenal. Dia bekerja dalam pelbagai medium, termasuk lukisan, kolaj, arca scat, seni persembahan, seni alam sekitar dan pemasangan, yang kebanyakannya menunjukkan minat tematiknya dalam warna psychedelic, pengulangan dan corak. Salah satu siri paling terkenal artis hebat ini ialah siri Labu. Sebiji labu biasa bertitik-titik berwarna kuning terang ditunjukkan pada jaring. Bersama-sama, semua elemen tersebut membentuk bahasa visual yang tidak dapat disangkal dengan gaya artis, dan telah dibangunkan serta diperhalusi selama berdekad-dekad dalam pembuatan dan pembiakan yang teliti.

9. Tenmyoya Hisashi "Semangat Jepun #14"

Tenmyoya Hisashi ialah seorang artis Jepun kontemporari yang terkenal dengan lukisan neo-nihonganya. Beliau mengambil bahagian dalam menghidupkan semula tradisi lama lukisan Jepun, yang bertentangan dengan lukisan Jepun moden. Pada tahun 2000, beliau juga mencipta gaya baharunya, butouha, yang menunjukkan sikap teguh terhadap sistem seni berwibawa melalui lukisannya. "Semangat Jepun No. 14" telah dicipta sebagai sebahagian daripada skema artistik "BASARA", yang ditafsirkan dalam budaya Jepun sebagai tingkah laku memberontak golongan bangsawan bawahan semasa zaman Negara Berperang, untuk melucutkan keupayaan pihak berkuasa untuk mencapai cita-cita. gaya hidup dengan memakai pakaian yang rimbun dan mewah serta bertindak bebas.kehendak yang tidak sesuai dengan kelas sosial mereka.

10. Katsushika Hokusai "The Great Wave Off Kanagawa"

Akhirnya, The Great Wave off Kanagawa mungkin yang paling dikenali lukisan jepun pernah ditulis. Ia benar-benar yang paling karya terkenal seni buatan Jepun. Ia menggambarkan ombak besar mengancam bot di luar pantai Prefektur Kanagawa. Walaupun kadang-kadang disalah anggap sebagai tsunami, ombak, seperti yang ditunjukkan oleh nama lukisan itu, kemungkinan besar hanya mempunyai ketinggian yang tidak normal. Lukisan itu dibuat dalam tradisi ukiyo-e.

Daripada: ,  18346 paparan

- Sertai sekarang! Nama awak:

Satu komen:

Jepun adalah negara terkecil di Timur Jauh - 372 ribu kilometer persegi. Tetapi sumbangan yang telah dilakukan oleh Jepun kepada sejarah budaya dunia tidak kurang daripada sumbangan negara-negara purba yang besar.

Asal-usul seni negara purba ini bermula sejak alaf ke-8 SM. Tetapi peringkat paling penting dalam semua bidang kehidupan artistiknya ialah tempoh yang bermula pada abad ke-6-7 Masihi. dan berterusan sehingga pertengahan abad ke-19. Perkembangan seni Jepun berjalan secara tidak sekata, tetapi ia tidak mengetahui perubahan yang terlalu tajam atau penurunan mendadak.

Seni Jepun berkembang dalam keadaan semula jadi dan sejarah yang istimewa. Jepun terletak di empat pulau besar (Honshu, Hokkaido, Kyushu dan Shioku) dan banyak lagi yang lebih kecil. Untuk masa yang lama ia tidak dapat ditembusi dan tidak mengetahui perang luar. Kedekatan Jepun dengan tanah besar menjejaskan hubungan dengan China dan Korea pada zaman dahulu. Ini mempercepatkan perkembangan seni Jepun.

Seni zaman pertengahan Jepun berkembang di bawah pengaruh budaya Korea dan Cina. Jepun menerima pakai skrip Cina dan ciri-ciri pandangan dunia Cina. Agama Buddha menjadi agama negeri Jepun. Tetapi orang Jepun membiaskan idea Cina dengan cara mereka sendiri dan menyesuaikannya dengan cara hidup mereka.

Rumah Jepun, dalaman Jepun
Rumah Jepun itu jelas dan ringkas di bahagian dalam seperti di luar. Ia sentiasa bersih. Lantai, digilap hingga bersinar, ditutup dengan tikar jerami ringan - tatami, membahagikan bilik menjadi segi empat tepat. Kasut ditanggalkan di ambang pintu, barang-barang disimpan di dalam almari, dapur berasingan dari tempat tinggal. Di dalam bilik, sebagai peraturan, tidak ada perkara kekal. Mereka dibawa masuk dan dibawa pergi mengikut keperluan. Tetapi setiap perkara di dalam bilik kosong, sama ada bunga dalam pasu, gambar atau meja lakuer, menarik perhatian dan memperoleh ekspresi yang istimewa.

Semua jenis seni dikaitkan dengan reka bentuk ruang rumah, kuil, istana atau istana pada zaman pertengahan Jepun. Masing-masing berfungsi sebagai pelengkap kepada yang lain. Sebagai contoh, sejambak yang dipilih dengan mahir melengkapi dan mencetuskan mood yang disampaikan dalam lukisan landskap.

Ketepatan sempurna yang sama, rasa bahan yang sama, seperti dalam hiasan rumah Jepun, dirasai dalam produk seni hiasan. Bukan tanpa sebab pada upacara minum teh, sebagai permata terhebat, peralatan yang dibuat oleh tangan digunakan. Tempayannya yang lembut dan tidak rata menyimpan kesan jari-jari yang memahat tanah liat yang basah. Sayu mutiara merah jambu, biru biru atau kelabu-biru tidak menarik, tetapi mereka merasakan sinaran alam semula jadi itu sendiri, dengan kehidupan yang dikaitkan dengan setiap objek seni Jepun.

tembikar Jepun
Bejana tanah liat yang tidak disalut, dibentuk dengan tangan dan dibakar pada suhu rendah menyerupai seramik orang purba yang lain. Tetapi mereka sudah mempunyai ciri yang unik kepada budaya Jepun. Corak jag dan hidangan pelbagai bentuk mencerminkan idea tentang unsur taufan, laut dan gunung yang menghirup api. Fantasi produk ini seolah-olah telah didorong oleh alam semula jadi itu sendiri.

Jag besar, mencapai hampir satu meter tinggi dengan corak berkas tanah liat cembung yang tersepit menyerupai sama ada cengkerang berliku, atau terumbu karang bercabang, atau kusut alga, atau tepi gunung berapi yang bergerigi. Pasu dan mangkuk yang megah dan monumental ini bukan sahaja berkhidmat untuk domestik, tetapi juga untuk tujuan ritual. Tetapi pada pertengahan milenium ke-1 SM. barangan gangsa mula digunakan dan peralatan seramik kehilangan tujuan ritualnya.

Di sebelah seramik, produk baru kraf seni muncul - senjata, barang kemas, loceng gangsa dan cermin.

barangan rumah Jepun
Pada abad ke-9 hingga ke-12 Masihi, cita rasa golongan bangsawan Jepun didedahkan dalam seni hiasan. Barangan lakuer yang licin dan tahan lembapan, ditabur dengan serbuk emas dan perak, ringan dan elegan, seolah-olah menerangi senja bilik Jepun, dan terdiri daripada pelbagai jenis barangan harian. Lacquer digunakan untuk membuat mangkuk dan peti mati, peti dan meja, alat muzik. Setiap perkara kecil dalam kuil dan kehidupan seharian - kutleri perak untuk makanan, pasu untuk bunga, kertas bercorak untuk surat, tali pinggang bersulam - mendedahkan sikap puitis dan emosi orang Jepun kepada dunia.

lukisan Jepun
Dengan perkembangan seni bina istana monumental, aktiviti pelukis sekolah mahkamah menjadi lebih aktif. Artis terpaksa melukis permukaan yang besar bukan sahaja pada dinding, tetapi juga skrin lipatan kertas berbilang lipatan, yang memainkan peranan kedua-dua lukisan dan sekatan mudah alih di dalam bilik. Satu ciri cara kreatif tukang berbakat ialah pemilihan perincian landskap yang besar dan pelbagai warna pada satah panel dinding atau skrin yang luas.

Komposisi bunga, herba, pokok dan burung, yang dilakukan oleh Kano Eitoku pada latar belakang bersinar keemasan dengan bintik-bintik tebal dan berair, idea umum tentang kuasa dan keagungan alam semesta. Wakil-wakil sekolah Kano, bersama-sama dengan motif semula jadi, termasuk dalam lukisan dan subjek baru yang mencerminkan kehidupan dan kehidupan bandar Jepun pada abad ke-16.

Terdapat juga landskap monokrom pada skrin istana. Tetapi mereka mempunyai kesan hiasan yang hebat. Begitulah skrin yang dilukis oleh pengikut Sesshu, Hasegawa Tohaku (1539-1610). Permukaan matte putihnya ditafsirkan oleh pelukis sebagai selubung kabut tebal, dari mana, seperti penglihatan, siluet pokok pain lama tiba-tiba keluar. Dengan hanya beberapa gumpalan dakwat yang berani, Tohaku mencipta gambaran puitis tentang hutan musim luruh.

Skrol landskap monokrom, dengan keindahan lembutnya, tidak dapat menandingi gaya bilik istana. Tetapi mereka mengekalkan kepentingan mereka sebagai bahagian yang tidak boleh diketepikan dalam astaka teh chashitsu, yang direka untuk penumpuan rohani dan kedamaian.

Karya seni oleh tuan Jepun bukan sahaja kekal setia kepada gaya kuno, tetapi juga sentiasa mempunyai sesuatu yang baru dalam mereka yang tiada karya seni lain. Dalam seni Jepun tidak ada tempat untuk klise dan templat. Di dalamnya, seperti dalam alam semula jadi, tidak ada dua ciptaan yang sama sepenuhnya. Dan sekarang pun, karya seni oleh sarjana Jepun tidak boleh dikelirukan dengan karya seni dari negara lain. Dalam seni Jepun, masa telah menjadi perlahan, tetapi ia tidak berhenti. Dalam seni Jepun, tradisi zaman dahulu masih kekal hingga ke hari ini.