Potret lelaki El Greco dengan tangan. Knight dengan tangan di dadanya

Svetlana Obukhova

Mengenai kehidupan Cretan Domenico Theotokopuli, artis yang menakluki Toledo Sepanyol di bawah nama El Greco, iaitu orang Yunani, hampir tidak ada bukti yang tersisa. "Kebodohan" perwatakannya dan cara bergambar yang pelik memukau ramai dan memaksa mereka mengambil pen - tetapi hanya beberapa surat yang terselamat. Salah satu daripadanya mengandungi baris berikut: “... cuacanya cantik, matahari musim bunga bersinar lembut. Ia memberikan kegembiraan kepada segala-galanya, dan bandar itu kelihatan meriah. Bayangkan saya terkejut apabila saya memasuki bengkel El Greco dan melihat bidai pada tingkap ditutup, dan oleh itu sukar untuk melihat apa yang ada di sekeliling. El Greco sendiri duduk di atas bangku, tidak melakukan apa-apa, tetapi terjaga. Dia tidak mahu keluar dengan saya, kerana, menurutnya, cahaya matahari mengganggu cahaya dalamannya ... "

Hampir tidak ada bukti Domenico lelaki itu, hanya bergema: bahawa dia hidup dalam gaya besar, menyimpan perpustakaan terkaya, membaca banyak ahli falsafah dan juga menyaman pelanggan (dia disayangi, tetapi lebih kerap tidak difahami), mati hampir dalam kemiskinan, seperti sinaran nipis siang hari menerobos celah-celah "tertutup" dalam hidupnya. Tetapi mereka tidak mengalihkan perhatian dari perkara utama - dari cahaya dalaman yang memenuhi lukisan artis El Greco. Terutamanya potret.

Mereka tidak mempunyai landskap yang terbuka di belakang orang yang digambarkan, tidak ada banyak butiran yang menarik perhatian mata yang ingin tahu. Malah nama hero sering tercicir dalam gambar. Kerana semua ini akan menghalang melihat muka. Dan mata, dalam, gelap, memandang lurus ke arah anda. Sukar untuk melepaskan diri daripada mereka, dan jika anda memaksa diri anda, kemudian untuk melihat isyarat itu - dan sekali lagi berhenti dalam pemikiran.

Begitulah "Potret seorang lelaki dengan tangan di dada" (1577-1579), yang ditulis oleh tuan sejurus selepas dia berpindah ke Toledo. Potret ini diiktiraf sebagai salah satu lukisan Sepanyol terbaik pada abad ke-16. Outlander El Greco mencipta "imej terang kehidupan Sepanyol dan kisah-kisah", yang menggambarkan "makhluk hidup yang tulen, menggabungkan dalam diri mereka segala yang patut dikagumi dalam kalangan rakyat kita, segala-galanya yang heroik dan tidak dapat dikalahkan, dengan sifat-sifat yang bertentangan yang tidak boleh tidak dapat dilihat tanpa memusnahkan intipatinya" (A. Segovia). Bangsawan dari keluarga purba Toledo menjadi wira sebenar El Greco, dia melihat mereka Cahaya Dalaman- kemuliaan dan maruah mereka, kesetiaan kepada tugas, kecerdasan, kecanggihan adab, keberanian, kekangan luaran dan dorongan dalaman, kekuatan hati yang tahu apa yang ia hidup dan mati untuk ...

Hari demi hari, pelawat ke galeri Prado berhenti di hadapan hidalgo yang tidak diketahui, terkejut, dengan kata-kata: "Betapa hidup ..." Siapa kesatria ini? Mengapa dia membuka hatinya dengan seikhlas hati? Mengapa matanya begitu menarik? Dan isyarat sumpah ini? Dan gagang pedang?.. Mungkin soalan-soalan ini menimbulkan legenda bahawa yang digambarkan dalam potret itu adalah seorang lagi orang Sepanyol yang hebat: Miguel de Cervantes. Seorang pahlawan dan penulis yang menceritakan kepada dunia kisah seorang kesatria dengan imej yang menyedihkan, yang diberi anugerah ilahi yang sama seperti El Greco - untuk melihat orang sebagaimana mestinya, untuk melihat cahaya dalaman mereka ...

Dan lukisan lain dari Muzium Prado di Hermitage...

El Greco "Kristus Memeluk Salib" 1600 - 1605

Digambarkan dengan latar belakang langit bergelora khas El Greco, Kristus memeluk salib dengan lengannya yang anggun, memandang ke atas dengan azab yang tenang. Lukisan itu adalah satu kejayaan besar, dan banyak versinya telah dicipta di bengkel El Greco.

El Greco "Keluarga Suci dengan St. Anne dan Little John the Baptist" c. 1600 - 1605

Tempoh lewat karya El Greco dicirikan oleh penggunaan warna yang menusuk dan kilat; ruang sepenuhnya dipenuhi dengan angka yang mengaburkan ufuk. Borang yang dilukis dengan pukulan bergetar kehilangan kebendaannya. John the Baptist yang kecil menyeru penonton untuk diam, agar tidak mengganggu kedamaian bayi Kristus...

Velasquez - Potret Philip IV Potret Raja Philip IV. 1653-1657

Asas potret psikologi dalam seni Eropah baring pelukis Sepanyol Diego Rodriguez de Silva Velazquez. Dia dilahirkan dalam keluarga bangsawan yang miskin di Seville, belajar dengan Herrera the Elder dan Pacheco. Pada tahun 1622 dia pertama kali datang ke Madrid. Dari segi praktikal, perjalanan ini tidak begitu berjaya - Velasquez tidak menemui tempat yang sesuai untuk dirinya sendiri. Dia berharap dapat bertemu dengan Raja Philip IV yang masih muda, tetapi pertemuan itu tidak berlaku. Walau bagaimanapun, khabar angin tentang artis muda itu sampai ke mahkamah, dan sudah pada tahun berikutnya, 1623, menteri pertama, Duke de Olivares (juga berasal dari Seville), menjemput Velázquez ke Madrid untuk melukis potret raja. Karya ini, yang tidak sampai kepada kami, memberikan kesan yang menyenangkan kepada raja sehingga dia segera menawarkan Velázquez jawatan pelukis istana. Tidak lama kemudian antara raja dan Velasquez ada agak hubungan mesra, yang tidak begitu tipikal untuk perintah yang berlaku di mahkamah Sepanyol. Raja yang memerintah empayar terbesar di dunia dianggap bukan lelaki, tetapi dewa, dan artis itu tidak boleh mengharapkan keistimewaan yang mulia kerana dia mencari rezeki dengan bekerja. Sementara itu, Philip mengarahkan supaya mulai sekarang hanya Velasquez yang melukis potretnya. Raja besar itu sangat pemurah dan menyokong Velasquez. Studio artis itu terletak di pangsapuri diraja, dan kerusi untuk Kebawah Duli Yang Maha Mulia dipasang di sana. Raja, yang mempunyai kunci bengkel, datang ke sini hampir setiap hari untuk memerhati karya artis Semasa dalam perkhidmatan diraja dari 1623 hingga 1660, Velasquez melukis kira-kira sedozen potret tuannya. Daripada jumlah ini, lebih sedikit daripada 10 lukisan telah diturunkan kepada kami. Oleh itu, secara purata, Velasquez menggambarkan tuannya kira-kira sekali setiap tiga tahun. Melukis potret raja adalah hasil kerja Velasquez, dan dia melakukan tugas ini dengan sempurna. Terima kasih kepada ini, kami mempunyai kompleks karya yang unik dalam jenisnya: pada potret Velasquez, seseorang boleh mengesan jalan hidup Raja Philip sejelas-jelasnya kemudian menjadi adat hanya pada zaman fotografi. Evolusi jelas kelihatan dalam kanvas artis. Pertama, raja sendiri berubah, berusia 18 tahun pada potret pertama dan 50 tahun pada potret terakhir, wajahnya mempamerkan kesan usia dan perubahan rohani. Kedua, persepsi artis terhadap modelnya semakin mendalam, bertukar daripada cetek kepada berwawasan. Dari masa ke masa, cara model dipersembahkan berubah dan teknik seni. Cara Velazquez berubah di bawah pengaruhnya sendiri pertumbuhan kreatif, serta di bawah pengaruh tradisi domestik dan asing moden. Dalam potret payudara ini, Philip IV ditunjukkan dengan latar belakang gelap memakai jubah hitam dengan kolar putih yang menyerlahkan wajah raja. Velazquez mengelak kemewahan yang tersergam dalam potret raja dan menunjukkan " muka manusia» raja tanpa sebarang sanjungan atau tipu daya mahkamah. Kami jelas merasakan bahawa orang yang melihat kami dari kanvas tidak berpuas hati, tahun-tahun terakhir pemerintahan tidak mudah bagi raja. Ini adalah orang yang telah mengetahui kekecewaan, tetapi pada masa yang sama - orang yang dagingnya penuh dengan kehebatan semula jadi, yang tidak dapat digoncangkan. Satu lagi artis hebat, orang Sepanyol hingga ke sumsum tulangnya - Pablo Ruiz Picasso mengatakan ini tentang imej raja Sepanyol: "kita tidak dapat membayangkan Philip IV yang lain, kecuali yang dicipta oleh Velazquez ..."

"Potret Raja Philip IV" (c. 1653 - 1657)

Satu daripada potret terkini raja. Adalah menarik untuk diperhatikan bahawa tidak ada satu unsur pun di sini yang bercakap tentang status diraja orang yang digambarkan. Velazquez berkhidmat dengan Philip IV selama hampir empat puluh tahun - dari 1623 hingga kematiannya, dia melukis potret raja dan keluarganya, kanvas plot besar untuk Koleksi Diraja.

Diego Velasquez "Potret Jester Don Diego de Acedo" (El Primo) c. 1644

Diego Velasquez "Potret Ratu Marianne Austria" 1652-1653

Titian (Tiziano Vecellio) "Venus dengan Cupid dan Organis" 1555

Pemuzik bermain, duduk di kaki Venus dan mengagumi tubuh telanjang dewi, permainan abstrak dengan Cupid. Ada yang melihat dalam gambar ini sebagai karya erotik semata-mata, sementara yang lain menganggapnya secara simbolik - sebagai alegori perasaan, di mana penglihatan dan pendengaran bertindak sebagai alat untuk memahami keindahan dan keharmonian. Titian menulis lima versi tema ini.

Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - Maria Magdalena yang bertaubat 1583

Selepas keinsafannya, Maria Magdalena mendedikasikan hidupnya untuk bertaubat dan berdoa, berundur dari dunia. Pada kanvas ini, dia digambarkan melihat ke langit dan banjir cahaya ilahi. Gambar itu ditulis dalam warna gelap yang tebal, ciri gaya Veronese pada tempoh akhir karyanya. Sebelum masuk ke dalam Koleksi Diraja Sepanyol, karya itu milik raja Inggeris Charles I (dihukum mati pada 1649)

Anthony van Dyck "Potret seorang lelaki dengan kecapi" 1622-1632

Anthony van Dyck berhutang kemasyhuran beliau dengan tepat kepada genre potret, yang dalam hierarki lukisan Eropah menduduki kedudukan yang agak rendah. Walau bagaimanapun, di Flanders pada masa ini tradisi seni potret telah pun berkembang. Van Dyck melukis ratusan potret, beberapa potret diri, dan menjadi salah seorang pencipta gaya potret upacara abad ke-17. Dalam potret sezamannya, dia menunjukkan intelektual mereka, dunia emosi, kehidupan rohani, watak hidup manusia.
Model tradisional untuk potret ini ialah Jacob Gautier, seorang ahli luten di mahkamah Inggeris dari 1617 hingga 1647, tetapi kehadiran pedang, dan pada tahap yang lebih besar, ciri-ciri gaya karya, menunjukkan bahawa ia mesti bertarikh lebih awal daripada Perjalanan Van Dyck ke London, yang menimbulkan keraguan tentang teori ini. Kehadiran alat muzik tidak semestinya bermakna model tersebut adalah seorang pemuzik. Sebagai simbol, alat muzik sering digambarkan dalam potret, sebagai petunjuk kehalusan intelektual dan sensitiviti yang digambarkan.

Juan Bautista Maino "Adoration of the Shepherds" 1612-1614

Salah satu karya agung Maino. Koleksi State Hermitage mengandungi versi lain cerita ini, yang ditulis oleh Maino. Artis itu dilahirkan di Pastrana (Guadalajara) dan tinggal di Rom dari 1604 hingga 1610. Dalam karya ini, yang ditulis sekembalinya ke Sepanyol, seseorang dapat merasakan pengaruh Caravaggio dan Orazio Gentileschi. Pada tahun 1613, Maino menjadi ahli perintah Dominican, dan lukisan itu memasuki kitaran mezbah biara St. Peter the Martyr di Toledo.

Georges de Latour "Pemuzik Buta dengan Lyre" ca. 1625- 1630

Latour menggambarkan seorang pemuzik buta tua yang bermain hurdy-gurdy. Dia mengulangi cerita ini berkali-kali. Artis, yang bekerja di bawah pengaruh gaya Caravaggio, dengan penuh semangat menghasilkan semula butiran - corak yang menghiasi peralatan muzik, berkedut di muka orang buta, rambutnya.

Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Perseus Melepaskan Andromeda" ca. 1639-1640

Francisco de Goya "Potret Ferdinand VII" 1814-1815

Selepas kekalahan Napoleon pada tahun 1814, Ferdinand VII kembali ke takhta Sepanyol. Dalam potret itu, dia digambarkan dalam mantel diraja yang dipenuhi dengan cerpelai, dengan tongkat dan perintah Carlos III dan Bulu Emas.
Ferdinand VII, yang memerintah negara sehingga 1833, mengasaskan Muzium Prado pada tahun 1819.

Francisco de Goya "Maria von Santa Cruz" 1805

Maria von Santa Cruz, isteri pengarah pertama Prado, adalah salah seorang wanita yang paling dihormati di Sepanyol pada zamannya.
Dalam potret tahun 1805, Goya menggambarkan Marquise sebagai muse puisi lirik, Euterpe, bersandar di atas kanopi dan dengan kecapi di tangan kirinya. Pemilihan imej sedemikian adalah kerana keghairahan Marquise terhadap puisi.

Francisco Goya - "Musim luruh (Tuai Anggur)" 1786 - 1787

Francisco Goya - Penuaian Anggur. serpihan

Pada 1775 - 1792, Goya mencipta tujuh siri permaidani kadbod untuk istana Escorial dan Prado di pinggir Madrid. Lukisan ini, khususnya, tergolong dalam siri musim dan bertujuan untuk ruang makan Putera Asturias di Prado. Goya menggambarkan plot klasik sebagai adegan setiap hari, yang mencerminkan sifat hubungan antara kelas yang berbeza - gambar menunjukkan pemilik ladang anggur bersama anak lelaki dan pembantu rumah mereka.

Francisco Goya "Potret Jeneral José de Urrutia" (c. 1798)

José de Urrutia (1739 - 1809) - salah seorang pemimpin tentera Sepanyol yang paling terkenal dan satu-satunya pegawai tentera yang bukan bangsawan pada abad ke-18 yang mencapai pangkat kapten jeneral - digambarkan dengan Perintah St. George, yang dia telah dianugerahkan oleh Permaisuri Rusia Catherine the Great kerana mengambil bahagian dalam penangkapan Ochakov semasa kempen Crimean 1789.

Peter Paul Rubens "Potret Marie de Medici". OKEY. 1622-1625.

Maria Medici (1573 - 1642) ialah anak kepada Grand Duke of Tuscany Francesco I. Pada tahun 1600 dia menjadi isteri kepada Raja Perancis Henry IV. Sejak 1610, dia menjadi bupati untuk anak lelakinya, Raja Louis XIII yang akan datang. Rubens dia menugaskan satu siri kerja memuliakan dirinya dan arwah suaminya. Potret itu menunjukkan permaisuri memakai tudung kepala seorang balu dan berlatar belakang yang belum selesai.

Domenico Tintoretto "Wanita Menampakkan Payudara" ca. 1580-1590

Viscente Lopez Portagna "Potret Felix Maximo Lopez, organ pertama Kapel Diraja" 1820

Pelukis neoklasik Sepanyol, sambil mengekalkan kesan gaya Rococo. Lopez dianggap sebagai salah seorang pelukis potret terbaik pada zamannya, kedua selepas Francisco de Goya. Dia mula belajar melukis di Valencia pada usia 13 tahun, dan empat tahun kemudian dia memenangi beberapa hadiah pertama di Akademi San Carlos, yang memberikannya biasiswa untuk belajar di Akademi Diraja yang berprestij di ibu negara. seni yang bagus San Fernando. Selepas menamatkan pengajiannya, Lopez bekerja selama beberapa tahun di bengkel Mariano Salvador Maella, gurunya. Menjelang 1814, selepas pendudukan Perancis, Lopez sudah cukup sihat artis terkenal, jadi raja Sepanyol Ferdinand VII memanggilnya ke Madrid dan melantiknya sebagai pelukis istana rasmi, walaupun pada hakikatnya Francisco Goya sendiri adalah "artis diraja pertama" pada masa itu. Vicente López adalah seorang artis yang prolifik, dia melukis subjek agama, alegori, sejarah dan mitologi, tetapi, di atas semua, dia, sudah tentu, seorang pelukis potret. Semasa kerjayanya yang panjang, dia melukis potret hampir setiap orang terkenal di Sepanyol pada separuh pertama abad ke-19.
Potret organis pertama gereja diraja dan pemuzik terkenal dan komposer ditulis sejurus sebelum kematian artis, dan disiapkan oleh anak sulungnya Ambrosio Lopez.

Anton Raphael Mengs "Potret Maria Louise dari Parma, Puteri Asturias" 1766

Juan Sanchez Cotán "Kehidupan yang masih hidup dengan permainan, sayur-sayuran dan buah-buahan" 1602

Don Diego de Acedo telah berada di mahkamah sejak 1635. Sebagai tambahan kepada "khidmat jester", dia bertindak sebagai utusan diraja dan bertanggungjawab ke atas meterai raja. Nampaknya, buku, kertas dan bahan penulisan yang digambarkan dalam gambar bercakap tentang aktiviti ini. Adalah dipercayai bahawa potret itu dilukis di Fraga, wilayah Huesca, semasa perjalanan Philip IV ke Aragon, di mana dia ditemani oleh Diego de Acedo. Di latar belakang terdapat puncak Maliceos dari banjaran gunung Guadarrama.

Hieronymus Bosch "Menghapuskan Batu Kebodohan" c. 1490

Dalam adegan satira dengan figura berlatarbelakangkan landskap, operasi untuk mengeluarkan "batu kebodohan" digambarkan. Prasasti fon gothic berbunyi: - "Cikgu, cepat keluarkan batu itu. Nama saya Lubbert Das." Lubbert ialah kata nama am yang menunjukkan kejahilan dan tidak bersalah. Seorang pakar bedah dalam hiasan kepala dalam bentuk corong terbalik, melambangkan kejahilan, "mengekstrak" batu (lili air) dari kepala pesakit yang mudah tertipu dan menuntut bayaran yang murah hati daripadanya. Pada masa itu, orang yang berjiwa sederhana percaya bahawa batu di kepala adalah untuk dipersalahkan atas kebodohan mereka. Inilah yang digunakan oleh penipu.

Raphael (Raffaello Santi) "Keluarga suci dengan seekor domba" 1507

Mary membantu Kristus kecil untuk duduk di atas anak domba - simbol kristian Sengsara Kristus yang akan datang, dan St. Yusuf sedang memerhatikan mereka. Lukisan itu dicat di Florence, di mana artis mempelajari karya Leonardo da Vinci, dipengaruhi oleh komposisinya dengan Keluarga Suci. Di Muzium Prado, ini adalah satu-satunya karya Raphael yang ditulis pada zaman awal.

Albrecht Dürer "Potret Lelaki Tidak Dikenali" ca. 1521

Potret itu kepunyaan tempoh lewat kerja Dürer. Ditulis dengan cara yang serupa dengan gaya artis Belanda. Topi bertepi lebar menarik perhatian kepada wajah orang yang digambarkan, cahaya yang jatuh dari kiri menumpukan perhatian penonton kepadanya. Tumpuan kedua perhatian dalam potret adalah tangan, dan di atas semua kiri, di mana orang yang tidak dikenali memegang skrol - nampaknya menjelaskan status sosialnya.

Rogier Van der Weyden "Ratapan" c. 1450

Model itu ialah altar triptych untuk biara Miraflores (disimpan di galeri seni di Berlin), dicipta oleh Van der Weyden lebih awal daripada 1444 dan diulangi dengan beberapa perbezaan. Dalam versi ini, dengan bahagian atas ditambah pada tempoh yang tidak diketahui, Mary, Christ, St. John dan penderma (pelanggan lukisan) - ahli keluarga Broers - digambarkan dalam ruang yang sama. Artis secara ekspresif menyampaikan kesedihan Ibu Tuhan, menekan mayat anaknya yang mati ke dadanya. Kumpulan tragis di sebelah kiri ditentang oleh sosok penderma, dipisahkan oleh batu. Dia dalam keadaan konsentrasi solat. Pada masa itu, pelanggan sering diminta untuk menggambarkan diri mereka dalam lukisan. Tetapi, imej mereka sentiasa sekunder - di suatu tempat di latar belakang, di khalayak ramai, dsb. Di sini penderma digambarkan di latar depan, tetapi dipisahkan dari kumpulan utama oleh batu dan dengan bantuan warna.

Alonso Cano "Kristus Mati Disokong oleh Malaikat" c. 1646 - 1652

Berlatarbelakangkan landskap senja, seorang malaikat menyokong tubuh Kristus yang tidak bernyawa. Ikonografi luar biasa kanvas ini dijelaskan oleh fakta bahawa ia tidak dikaitkan dengan teks Evangelis, tetapi dengan apa yang dipanggil Christ of St. Gregory. Menurut legenda, Pope Gregory the Great mempunyai penglihatan tentang Kristus yang telah mati disokong oleh dua malaikat. Kano menafsirkan kisah ini dengan cara yang berbeza - hanya satu malaikat yang menyokong tubuh Kristus yang tidak bergerak.

Bartolome Esteban Murillo "Our Lady of the Rosary" ca. 1650 -1655

Karya Bartolome Esteban Murillo melengkapkan zaman kegemilangan lukisan Sepanyol. Karya Murillo sangat tepat dalam komposisi, kaya dan harmoni dalam warna dan cantik dalam erti kata tertinggi. Perasaannya sentiasa ikhlas dan halus, tetapi dalam kanvas Murillo tidak ada lagi kekuatan dan kedalaman rohani yang begitu mengejutkan dalam karya-karya sezamannya yang lebih tua. Kehidupan artis berkaitan dengan Seville asalnya, walaupun dia terpaksa melawat Madrid dan bandar-bandar lain. Selepas belajar dengan pelukis tempatan Juan del Castillo (1584-1640), Murillo banyak bekerja atas pesanan dari biara dan kuil. Pada tahun 1660 beliau menjadi presiden Akademi Seni Halus di Seville.
Dengan kanvasnya mengenai subjek agama, Murillo berusaha untuk membawa penghiburan dan jaminan. Bukan kebetulan bahawa dia sering melukis imej Ibu Tuhan. Dari gambar ke gambar, imej Mary berlalu dalam bentuk seorang gadis muda yang cantik dengan ciri-ciri biasa dan rupa yang tenang. Penampilannya yang tidak bersalah sepatutnya menimbulkan rasa kelembutan manis pada penonton. Dalam lukisan ini, Bartolome Murillo menggambarkan Madonna dan Jesus dengan tasbih, tasbih Katolik tradisional, doa yang sangat penting pada zaman artis. Dalam karya ini, ciri-ciri naturalisme yang berlaku dalam karya-karya wakil sekolah Seville pada separuh pertama abad ke-17 masih ketara, tetapi gaya lukisan Murillo sudah lebih bebas daripada kerja awalnya. Cara bebas ini terutama dinyatakan dalam penggambaran tabir Perawan Maria. Artis menggunakan cahaya terang untuk menyerlahkan figura dengan latar belakang yang gelap dan mencipta kontras antara rona halus wajah Perawan dan tubuh bayi Kristus dan bayang-bayang dalam dalam lipatan fabrik.
Di Andalusia pada abad ke-17, imej Ibu Tuhan dengan Anak itu mendapat permintaan khusus. Murillo, yang kehidupan kreatif berlaku di Seville, menulis banyak lukisan sedemikian, meresap dengan kelembutan. Dalam kes ini, Ibu Tuhan dengan tasbih digambarkan. Dan di sini, seperti pada tahun-tahun awal karyanya, artis itu tetap setia dengan kecenderungannya untuk kontras cahaya dan teduh.

Bartolome Esteban Murillo "The Good Shepherd" 1655-1660

Gambar itu disemai dengan lirik dan kebaikan yang mendalam. Tajuknya diambil dari Injil Yohanes: "Akulah gembala yang baik." Ini mengatakan bahawa gambar itu menggambarkan Kristus, walaupun di dalam umur muda. Dalam gambar Murillo, semuanya cantik dan ringkas. Artis itu suka melukis kanak-kanak, dan dia meletakkan semua cinta ini ke dalam keindahan imej budak-Tuhan ini. Pada tahun 1660-an dan 1670-an, semasa zaman kegemilangan kemahiran bergambarnya, Murillo berusaha untuk menyajakkan wataknya, dan dia sering dituduh dengan beberapa imej sentimental dan kecantikan yang disengajakan. Bagaimanapun, tuduhan ini tidaklah adil sepenuhnya. Kanak-kanak yang digambarkan dalam gambar itu boleh dilihat hari ini di Seville dan di kampung-kampung sekitarnya. Dan tepat dalam hal ini, orientasi demokrasi karya artis telah ditunjukkan - dalam menyamakan kecantikan Madonna dengan kecantikan wanita Sepanyol biasa, dan kecantikan anaknya, Kristus kecil, dengan kecantikan tomboi jalanan.

Alonso Sanchez Coelho "Potret Infante Isabella Clara Eugenia dan Catalina Michaela" 1575

Potret puteri berusia lapan dan sembilan tahun itu memegang kalungan bunga. Sanchez Coelho melukis potret infantas - anak perempuan kesayangan Raja Philip II dan isteri ketiganya Isabella dari Valois - sejak usia muda mereka. Semua potret dibuat mengikut kanun potret mahkamah - gadis dalam pakaian yang megah dan dengan ekspresi muka yang tidak tenang.

Anton Raphael Mengs. Potret Raja Carlos III. 1767

Charles III mungkin dipanggil satu-satunya raja yang benar-benar tercerahkan dalam sejarah Sepanyol. Dialah yang mengasaskan Muzium Prado pada tahun 1785, pertama sebagai muzium sejarah semula jadi. Charles III bermimpi bahawa Muzium Prado, bersama-sama dengan jiran Taman botanikal menjadi pusat pendidikan saintifik.
Setelah menaiki takhta, dia mula melakukan pembaharuan politik dan ekonomi yang serius, yang sangat diperlukan oleh negara pada masa itu. Walau bagaimanapun, usahanya sia-sia - anaknya Charles IV tidak berkongsi pandangan progresif bapanya, dan selepas kematian Charles III, pembaharuan telah berakhir.
Potret ini benar-benar tipikal pada zamannya. Dengan setiap perincian, artis menarik perhatian kepada kedudukan yang diduduki oleh model: mantel yang dipangkas dengan cerpelai, salib Malta bertatahkan permata, perisai berkilat adalah sifat yang sangat diperlukan untuk kebesaran diraja. Langsir yang subur dan pilaster (unsur seni bina klasik) ialah latar belakang tradisional untuk potret sedemikian.
Tetapi sudah dalam potret ini adalah mengejutkan bagaimana wajah model itu dipersembahkan. Mengs tidak berusaha untuk mengecilkan hidungnya yang besar seperti bawang atau melicinkan garis-garis di pipinya yang berkedut. Terima kasih kepada keperibadian maksimum, lukisan ini mewujudkan rasa kehidupan yang tidak dapat dicapai oleh pendahulu Meng. Potret itu membuatkan anda berasa simpati terhadap Carlos III, yang bersedia untuk "menunjukkan" penampilannya yang tidak sempurna.

Antoine Watteau "Perayaan di Taman" c. 1713 - 1716

Pemandangan yang menawan ini adalah contoh tipikal "perayaan gagah" Watteau. kabut ringan, garis besar pelincir, patung Neptune hampir tersembunyi di dedaunan di atas air pancut dan warna keemasan pudar - semua ini menyampaikan suasana keseronokan yang tajam, tetapi sekejap.
Lukisan itu milik Isabella Farnese, isteri kedua Raja Philip V.

Antonio Carnicero "Naikkan belon udara panas di Aranjuez" c. 1784

Lukisan itu ditugaskan oleh Duke dan Duchess of Oswan, ia menangkap semangat Pencerahan, yang membangkitkan minat dalam pencapaian kemajuan sains. Peristiwa sebenar digambarkan: pada tahun 1784, di Taman Diraja Aranjuez, di hadapan raja, ahli keluarga dan orang istananya, penerbangan dibuat dengan belon Montgolfier. Antonio Carnicero terkenal dengan adegan genrenya yang menawan, dan kanvas ini merupakan salah satu karyanya yang paling bercita-cita tinggi.

José de Madrazo y Agudo "Cinta Syurga dan Cinta Duniawi" 1813

Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Anak Domba Tuhan" 1635-1640

Seekor kambing berbaring di atas meja kelabu, berdiri dengan jelas pada latar belakang gelap dalam cahaya terang yang difokuskan dengan tajam. Mana-mana orang pada abad ke-17 akan segera mengenali dalam dirinya "anak domba Tuhan" dan akan memahami bahawa ini adalah tanda pengorbanan diri Kristus. Bulu kambing itu ditulis dengan luar biasa dan kelihatan sangat lembut sehingga sukar untuk mengalihkan pandangan anda dari haiwan itu dan ingin menyentuhnya.

Juan Pantoja de la Cruz "Potret Ratu Isabella Valois" c. 1604 - 1608

Pantoja de la Cruz melukis potret ini, mengulangi karya Sofonisba Anguishola - yang asli dibakar di istana pada tahun 1604. Artis itu hanya menambah jubah bulu marmot pada pakaian permaisuri.
Sofonisba Anguixola ialah seorang artis dari Cremona yang bekerja di mahkamah Sepanyol. Ia adalah potret pertama seorang ratu muda dari siri yang dibuat oleh artis. Gambar itu ditulis dalam cara yang hampir dengan bahasa Sepanyol, tetapi dalam warna yang lebih hangat dan lebih terang.

Jean Rann "Potret Carlos III semasa kanak-kanak" 1723

Luis Melendez "Masih hidup dengan sekotak gula-gula, pretzel dan objek lain" 1770

Tuan terhebat bahasa Sepanyol masih hidup XVIII c., Luis Melendez dilahirkan di Itali, dalam keluarga miniaturis dari Asturias. Pada tahun 1717, keluarga itu berpindah ke Madrid, di mana lelaki muda itu memasuki jabatan persediaan Akademi San Fernando, dan antara pelajar yang paling berbakat mendapat tempat pertama. Walau bagaimanapun, pada tahun 1747 dia terpaksa meninggalkan Akademi berikutan bapanya, yang diusir daripadanya akibat konflik. Dalam tempoh ini, Melendez sekali lagi melawat Itali. Membantu bapanya pada mulanya, dia menjadi seorang miniaturis, dan pulang dari Itali, dijemput oleh Ferdinand VI untuk menggambarkan buku-buku di Royal Chapel of Madrid. Dalam genre masih hidup, yang artis itu beralih kepada pada awal 1760-an, aspek baru karyanya muncul.
Kehidupan pegun ini dilukis tempoh matang kreativiti artis. Pada masa ini, barangan mewah, peralatan perak muncul dalam gubahannya. Tetapi, bagaimanapun, artis itu masih berpegang pada cita-citanya dan bekerja selaras dengan tradisi genre. Kewujudan material setiap objek yang dilukis di atas kanvas membuatkan kita mengingati contoh-contoh kehidupan pegun terbaik dalam seni dunia. Kaca lutsinar yang boleh dirasai dicerminkan pada permukaan pasu perak yang kusam dan berkilauan. Lembut, pretzel pada serbet putih, nampaknya berbau seperti roti yang baru dibakar. Leher botol yang dimeteraikan bersinar-sinar. Garpu perak menonjol sedikit di luar tepi meja yang bercahaya. Dalam gubahan benda mati ini, tidak ada susunan benda-benda pertapa dalam satu baris, ciri-ciri, contohnya, nyawa-nyawa Zurbaran. Mungkin ia mempunyai persamaan dengan sampel Belanda. Tetapi nadanya lebih gelap, objeknya lebih kecil dan komposisinya lebih ringkas.

Juan de Arellano "Bakul Bunga" 1670

Seorang pelukis Baroque Sepanyol yang pakar dalam gubahan bunga, dia dilahirkan di Santorcase pada tahun 1614. Pada mulanya dia belajar di studio artis yang kini tidak dikenali, tetapi pada usia 16 tahun dia berpindah ke Madrid, di mana dia belajar dengan Juan de Solis, seorang artis yang menyelesaikan komisen untuk Ratu Isabella. Juan de Arellano untuk masa yang lama hidup dengan komisen kecil, termasuk lukisan dinding, sehingga dia memutuskan untuk memberi tumpuan secara eksklusif pada lukisan bunga dan menjadi tuan yang tiada tandingan dalam bidang ini. Adalah dipercayai bahawa tuan itu bermula dengan menyalin karya lain, terutamanya Itali, artis, Flemish masih hidup menambah keanggunan dan ketegasan kepada gayanya. Kemudian, kepada gabungan ini, dia menambah penemuan komposisinya sendiri dan palet warna ciri.
Komposisi yang agak ringkas bagi kehidupan pegun ini adalah ciri Arellano. Warna tumbuhan tulen dan pekat menyerlah terang dengan latar belakang kecoklatan neutral disebabkan pencahayaan yang terang.

Mengenai kehidupan Cretan Domenico Theotokopuli, artis yang menakluki Toledo Sepanyol di bawah nama El Greco, iaitu orang Yunani, hampir tidak ada bukti yang tersisa. "Kebodohan" perwatakannya dan cara bergambar yang pelik memukau ramai dan memaksa mereka mengambil pen - tetapi hanya beberapa surat yang terselamat. Salah satu daripadanya mengandungi baris berikut: “... cuacanya cantik, matahari musim bunga bersinar lembut. Ia memberikan kegembiraan kepada segala-galanya, dan bandar itu kelihatan meriah. Bayangkan saya terkejut apabila saya memasuki bengkel El Greco dan melihat bidai pada tingkap ditutup, dan oleh itu sukar untuk melihat apa yang ada di sekeliling. El Greco sendiri duduk di atas bangku, tidak melakukan apa-apa, tetapi terjaga. Dia tidak mahu keluar dengan saya, kerana, menurutnya, cahaya matahari mengganggu cahaya dalamannya ... "

Hampir tidak ada bukti Domenico lelaki itu, hanya bergema: bahawa dia hidup dalam gaya besar, menyimpan perpustakaan terkaya, membaca banyak ahli falsafah dan juga menyaman pelanggan (dia disayangi, tetapi lebih kerap tidak difahami), mati hampir dalam kemiskinan, seperti sinaran siang hari yang tipis.cahaya menerobos celah-celah "tertutup" hidupnya. Tetapi mereka tidak mengalihkan perhatian dari perkara utama - dari cahaya dalaman yang memenuhi lukisan artis El Greco. Terutamanya potret.

Mereka tidak mempunyai landskap yang terbuka di belakang orang yang digambarkan, tidak ada banyak butiran yang menarik perhatian mata yang ingin tahu. Malah nama hero sering tercicir dalam gambar. Kerana semua ini akan menghalang melihat muka. Dan mata, dalam, gelap, memandang lurus ke arah anda. Sukar untuk melepaskan diri daripada mereka, dan jika anda memaksa diri anda, kemudian untuk melihat isyarat itu - dan sekali lagi berhenti dalam pemikiran.

Begitulah "Potret seorang lelaki dengan tangan di dada" (1577-1579), yang ditulis oleh tuan sejurus selepas dia berpindah ke Toledo. Potret ini diiktiraf sebagai salah satu lukisan Sepanyol terbaik pada abad ke-16. Orang asing El Greco mencipta "imej hidup dan sejarah Sepanyol yang jelas", yang menggambarkan "makhluk hidup yang tulen, menggabungkan segala-galanya yang patut dikagumi dalam rakyat kita, segala-galanya heroik dan tidak dapat dikalahkan, dengan sifat-sifat yang bertentangan yang tidak boleh tidak dapat dicerminkan, tanpa memusnahkan intipatinya” (A. Segovia). Bangsawan dari keluarga purba Toledo menjadi pahlawan sebenar El Greco, dia melihat cahaya dalaman mereka - kemuliaan dan maruah mereka, kesetiaan kepada tugas, kecerdasan, kecanggihan adab, keberanian, pengekangan luaran dan dorongan dalaman, kekuatan hati yang tahu untuk apa ia hidup dan mati...

Hari demi hari, pelawat ke galeri Prado berhenti di hadapan hidalgo yang tidak diketahui, terkejut, dengan kata-kata: "Betapa hidup ..." Siapa kesatria ini? Mengapa dia membuka hatinya dengan seikhlas hati? Mengapa matanya begitu menarik? Dan isyarat sumpah ini? Dan gagang pedang?.. Mungkin soalan-soalan ini menimbulkan legenda bahawa yang digambarkan dalam potret itu adalah seorang lagi orang Sepanyol yang hebat: Miguel de Cervantes. Seorang pahlawan dan penulis yang menceritakan kepada dunia kisah seorang kesatria dengan imej yang menyedihkan, yang diberi anugerah ilahi yang sama seperti El Greco - untuk melihat orang sebagaimana mestinya, untuk melihat cahaya dalaman mereka ...

kepada majalah "Man Without Borders"

Svetlana Obukhova

Mengenai kehidupan Cretan Domenico Theotokopuli, artis yang menakluki Toledo Sepanyol di bawah nama El Greco, iaitu orang Yunani, hampir tidak ada bukti yang tersisa. "Kebodohan" perwatakannya dan cara bergambar yang pelik memukau ramai dan memaksa mereka mengambil pen - tetapi hanya beberapa surat yang terselamat. Salah satu daripadanya mengandungi baris berikut: “... cuacanya cantik, matahari musim bunga bersinar lembut. Ia memberikan kegembiraan kepada segala-galanya, dan bandar itu kelihatan meriah. Bayangkan saya terkejut apabila saya memasuki bengkel El Greco dan melihat bidai pada tingkap ditutup, dan oleh itu sukar untuk melihat apa yang ada di sekeliling. El Greco sendiri duduk di atas bangku, tidak melakukan apa-apa, tetapi terjaga. Dia tidak mahu keluar dengan saya, kerana, menurutnya, cahaya matahari mengganggu cahaya dalamannya ... "

Hampir tidak ada bukti Domenico lelaki itu, hanya bergema: bahawa dia hidup dalam gaya besar, menyimpan perpustakaan terkaya, membaca banyak ahli falsafah dan juga menyaman pelanggan (dia disayangi, tetapi lebih kerap tidak difahami), mati hampir dalam kemiskinan, seperti sinaran nipis cahaya siang menerobos celah-celah "tertutup" hidupnya. Tetapi mereka tidak mengalihkan perhatian dari perkara utama - dari cahaya dalaman yang memenuhi lukisan artis El Greco. Terutamanya potret.

Mereka tidak mempunyai landskap yang terbuka di belakang orang yang digambarkan, tidak ada banyak butiran yang menarik perhatian mata yang ingin tahu. Malah nama hero sering tercicir dalam gambar. Kerana semua ini akan menghalang melihat muka. Dan mata, dalam, gelap, memandang lurus ke arah anda. Sukar untuk melepaskan diri daripada mereka, dan jika anda memaksa diri anda, kemudian untuk melihat isyarat itu - dan sekali lagi berhenti dalam pemikiran.

Begitulah "Potret seorang lelaki dengan tangan di dada" (1577-1579), yang ditulis oleh tuan sejurus selepas dia berpindah ke Toledo. Potret ini diiktiraf sebagai salah satu lukisan Sepanyol terbaik pada abad ke-16. Orang asing El Greco mencipta "imej hidup dan sejarah Sepanyol yang jelas", yang menggambarkan "makhluk hidup yang tulen, menggabungkan segala-galanya yang patut dikagumi dalam rakyat kita, segala-galanya heroik dan tidak dapat dikalahkan, dengan sifat-sifat yang bertentangan yang tidak boleh tidak dapat dicerminkan, tanpa memusnahkan intipatinya” (A. Segovia). Bangsawan dari keluarga purba Toledo menjadi pahlawan sebenar El Greco, dia melihat cahaya dalaman mereka - kemuliaan dan maruah mereka, kesetiaan kepada tugas, kecerdasan, kecanggihan adab, keberanian, pengekangan luaran dan dorongan dalaman, kekuatan hati, yang tahu untuk apa hidup dan mati...

Hari demi hari, pelawat ke galeri Prado berhenti di hadapan hidalgo yang tidak diketahui, terkejut, dengan kata-kata: "Betapa hidup ..." Siapa kesatria ini? Mengapa dia membuka hatinya dengan seikhlas hati? Mengapa matanya begitu menarik? Dan isyarat sumpah ini? Dan gagang pedang?.. Mungkin soalan-soalan ini menimbulkan legenda bahawa yang digambarkan dalam potret itu adalah seorang lagi orang Sepanyol yang hebat: Miguel de Cervantes. Seorang pahlawan dan penulis yang menceritakan kepada dunia kisah seorang kesatria dengan imej yang menyedihkan, yang diberi anugerah ilahi yang sama seperti El Greco - untuk melihat orang sebagaimana mestinya, untuk melihat cahaya dalaman mereka ...

Dan lukisan lain dari Muzium Prado di Hermitage...

El Greco "Kristus Memeluk Salib" 1600 - 1605

Digambarkan dengan latar belakang langit bergelora khas El Greco, Kristus memeluk salib dengan lengannya yang anggun, memandang ke atas dengan azab yang tenang. Lukisan itu adalah satu kejayaan besar, dan banyak versinya telah dicipta di bengkel El Greco.

El Greco "Keluarga Suci dengan St. Anne dan Little John the Baptist" c. 1600 - 1605

Tempoh lewat karya El Greco dicirikan oleh penggunaan warna yang menusuk dan kilat; ruang sepenuhnya dipenuhi dengan angka yang mengaburkan ufuk. Borang yang dilukis dengan pukulan bergetar kehilangan kebendaannya. John the Baptist yang kecil menyeru penonton untuk diam, agar tidak mengganggu kedamaian bayi Kristus...

Velasquez - Potret Philip IV Potret Raja Philip IV. 1653-1657

Asas potret psikologi dalam seni Eropah telah diletakkan oleh pelukis Sepanyol Diego Rodriguez de Silva Velasquez. Dia dilahirkan dalam keluarga bangsawan yang miskin di Seville, belajar dengan Herrera the Elder dan Pacheco. Pada tahun 1622 dia pertama kali datang ke Madrid. Dari segi praktikal, perjalanan ini tidak begitu berjaya - Velasquez tidak menemui tempat yang sesuai untuk dirinya sendiri. Dia berharap dapat bertemu dengan Raja Philip IV yang masih muda, tetapi pertemuan itu tidak berlaku. Walau bagaimanapun, khabar angin tentang artis muda itu sampai ke mahkamah, dan sudah pada tahun berikutnya, 1623, menteri pertama, Duke de Olivares (juga berasal dari Seville), menjemput Velázquez ke Madrid untuk melukis potret raja. Karya ini, yang tidak sampai kepada kami, memberikan kesan yang menyenangkan kepada raja sehingga dia segera menawarkan Velázquez jawatan pelukis istana. Tidak lama kemudian, hubungan yang agak mesra berkembang antara raja dan Velazquez, yang tidak begitu tipikal untuk perintah yang memerintah di mahkamah Sepanyol. Raja, yang memerintah empayar terbesar di dunia, dianggap bukan lelaki, tetapi dewa, dan artis itu tidak boleh bergantung pada keistimewaan mulia, kerana dia mencari nafkah dengan bekerja. Sementara itu, Philip mengarahkan supaya mulai sekarang hanya Velasquez yang melukis potretnya. Raja besar itu sangat pemurah dan menyokong Velasquez. Studio artis itu terletak di pangsapuri diraja, dan kerusi untuk Kebawah Duli Yang Maha Mulia dipasang di sana. Raja, yang mempunyai kunci bengkel, datang ke sini hampir setiap hari untuk memerhati karya artis Semasa dalam perkhidmatan diraja dari 1623 hingga 1660, Velasquez melukis kira-kira sedozen potret tuannya. Daripada jumlah ini, lebih sedikit daripada 10 lukisan telah diturunkan kepada kami. Oleh itu, secara purata, Velasquez menggambarkan tuannya kira-kira sekali setiap tiga tahun. Melukis potret raja adalah hasil kerja Velasquez, dan dia melakukan tugas ini dengan sempurna. Terima kasih kepada ini, kami mempunyai kompleks karya yang unik dalam jenisnya: potret Velázquez menjejaki jalan hidup Raja Philip dengan jelas kerana ia kemudian menjadi adat hanya pada zaman fotografi. Evolusi jelas kelihatan dalam kanvas artis. Pertama, raja sendiri berubah, berusia 18 tahun pada potret pertama dan 50 tahun pada potret terakhir, wajahnya mempamerkan kesan usia dan perubahan rohani. Kedua, persepsi artis terhadap modelnya semakin mendalam, bertukar daripada cetek kepada berwawasan. Dari masa ke masa, cara model dipersembahkan dan teknik artistik berubah. Cara Velazquez berubah di bawah pengaruh pertumbuhan kreatifnya sendiri, serta di bawah pengaruh tradisi domestik dan asing moden. Dalam potret payudara ini, Philip IV ditunjukkan dengan latar belakang gelap memakai jubah hitam dengan kolar putih yang menyerlahkan wajah raja. Velasquez mengelak kemewahan yang tersergam dalam potret raja dan menunjukkan "wajah manusia" raja tanpa sebarang sanjungan atau licik sopan. Kami jelas merasakan bahawa orang yang melihat kami dari kanvas tidak berpuas hati, tahun-tahun terakhir pemerintahan tidak mudah bagi raja. Ini adalah orang yang telah mengetahui kekecewaan, tetapi pada masa yang sama - orang yang dagingnya penuh dengan kehebatan semula jadi, yang tidak dapat digoncangkan. Seorang lagi artis hebat, orang Sepanyol hingga ke sumsum tulangnya - Pablo Ruiz Picasso mengatakan ini tentang imej raja Sepanyol: "kita tidak dapat membayangkan Philip IV yang lain, kecuali yang dicipta oleh Velazquez ..."

"Potret Raja Philip IV" (c. 1653 - 1657)

Salah satu potret terakhir raja. Adalah menarik untuk diperhatikan bahawa tidak ada satu unsur pun di sini yang bercakap tentang status diraja orang yang digambarkan. Velazquez berkhidmat dengan Philip IV selama hampir empat puluh tahun - dari 1623 hingga kematiannya, dia melukis potret raja dan keluarganya, kanvas plot besar untuk Koleksi Diraja.

Diego Velasquez "Potret Jester Don Diego de Acedo" (El Primo) c. 1644

Diego Velasquez "Potret Ratu Marianne Austria" 1652-1653

Titian (Tiziano Vecellio) "Venus dengan Cupid dan Organis" 1555

Pemuzik bermain, duduk di kaki Venus dan mengagumi tubuh telanjang dewi, permainan abstrak dengan Cupid. Ada yang melihat dalam gambar ini sebagai karya erotik semata-mata, sementara yang lain menganggapnya secara simbolik - sebagai alegori perasaan, di mana penglihatan dan pendengaran bertindak sebagai alat untuk memahami keindahan dan keharmonian. Titian menulis lima versi tema ini.

Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - Maria Magdalena yang bertaubat 1583

Selepas keinsafannya, Maria Magdalena mendedikasikan hidupnya untuk bertaubat dan berdoa, berundur dari dunia. Pada kanvas ini, dia digambarkan melihat ke langit dan bermandikan cahaya ilahi. Gambar itu ditulis dalam warna gelap yang tebal, ciri gaya Veronese pada tempoh akhir karyanya. Sebelum masuk ke dalam koleksi Diraja Sepanyol, karya itu milik raja Inggeris Charles I (dilaksanakan pada 1649)

Anthony van Dyck "Potret seorang lelaki dengan kecapi" 1622-1632

Anthony Van Dyck berhutang kemasyhurannya kepada genre potret, yang menduduki kedudukan yang agak rendah dalam hierarki lukisan Eropah. Walau bagaimanapun, di Flanders pada masa ini tradisi seni potret telah pun berkembang. Van Dyck melukis ratusan potret, beberapa potret diri, dan menjadi salah seorang pencipta gaya potret upacara abad ke-17. Dalam potret sezamannya, dia menunjukkan dunia intelektual, emosi, kehidupan rohani, watak hidup seseorang.
Model tradisional untuk potret ini ialah Jacob Gautier, seorang ahli luten di mahkamah Inggeris dari 1617 hingga 1647, tetapi kehadiran pedang, dan pada tahap yang lebih besar, ciri-ciri gaya karya, menunjukkan bahawa ia mesti bertarikh lebih awal daripada Perjalanan Van Dyck ke London, yang menimbulkan keraguan tentang teori ini. Kehadiran alat muzik tidak semestinya bermakna model tersebut adalah seorang pemuzik. Sebagai simbol, alat muzik sering digambarkan dalam potret, sebagai petunjuk kehalusan intelektual dan sensitiviti yang digambarkan.

Juan Bautista Maino "Adoration of the Shepherds" 1612-1614

Salah satu karya agung Maino. Koleksi State Hermitage mengandungi versi lain cerita ini, yang ditulis oleh Maino. Artis itu dilahirkan di Pastrana (Guadalajara) dan tinggal di Rom dari 1604 hingga 1610. Dalam karya ini, yang ditulis sekembalinya ke Sepanyol, seseorang dapat merasakan pengaruh Caravaggio dan Orazio Gentileschi. Pada tahun 1613, Maino menjadi ahli perintah Dominican, dan lukisan itu memasuki kitaran mezbah biara St. Peter the Martyr di Toledo.

Georges de Latour "Pemuzik Buta dengan Lyre" ca. 1625- 1630

Latour menggambarkan seorang pemuzik buta tua yang bermain hurdy-gurdy. Dia mengulangi cerita ini berkali-kali. Artis, yang bekerja di bawah pengaruh gaya Caravaggio, dengan penuh semangat mengeluarkan semula butiran - corak yang menghiasi alat muzik, kedutan pada muka lelaki buta, rambutnya.

Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Perseus Melepaskan Andromeda" ca. 1639-1640

Francisco de Goya "Potret Ferdinand VII" 1814-1815

Selepas kekalahan Napoleon pada tahun 1814, Ferdinand VII kembali ke takhta Sepanyol. Dalam potret itu, dia digambarkan dalam mantel diraja yang dipenuhi dengan cerpelai, dengan tongkat dan perintah Carlos III dan Bulu Emas.
Ferdinand VII, yang memerintah negara sehingga 1833, mengasaskan Muzium Prado pada tahun 1819.

Francisco de Goya "Maria von Santa Cruz" 1805

Maria von Santa Cruz, isteri pengarah pertama Prado, adalah salah seorang wanita yang paling dihormati di Sepanyol pada zamannya.
Dalam potret tahun 1805, Goya menggambarkan Marquise sebagai muse puisi lirik, Euterpe, bersandar di atas kanopi dan dengan kecapi di tangan kirinya. Pemilihan imej sedemikian adalah kerana keghairahan Marquise terhadap puisi.

Francisco Goya - "Musim luruh (Tuai Anggur)" 1786 - 1787

Francisco Goya - Penuaian Anggur. serpihan

Pada 1775 - 1792, Goya mencipta tujuh siri permaidani kadbod untuk istana Escorial dan Prado di pinggir Madrid. Lukisan ini, khususnya, tergolong dalam siri musim dan bertujuan untuk ruang makan Putera Asturias di Prado. Goya menggambarkan plot klasik sebagai adegan setiap hari, yang mencerminkan sifat hubungan antara kelas yang berbeza - gambar menunjukkan pemilik ladang anggur bersama anak lelaki dan pembantu rumah mereka.

Francisco Goya "Potret Jeneral José de Urrutia" (c. 1798)

José de Urrutia (1739 - 1809) - salah seorang pemimpin tentera Sepanyol yang paling terkenal dan satu-satunya pegawai tentera yang bukan bangsawan pada abad ke-18 yang mencapai pangkat kapten jeneral - digambarkan dengan Perintah St. George, yang dia telah dianugerahkan oleh Permaisuri Rusia Catherine the Great kerana mengambil bahagian dalam penangkapan Ochakov semasa kempen Crimean 1789.

Peter Paul Rubens "Potret Marie de Medici". OKEY. 1622-1625.

Maria Medici (1573 - 1642) ialah anak kepada Grand Duke of Tuscany Francesco I. Pada tahun 1600 dia menjadi isteri kepada Raja Perancis Henry IV. Sejak 1610, dia menjadi bupati untuk anak lelakinya, Raja Louis XIII yang akan datang. Rubens dia menugaskan satu siri kerja memuliakan dirinya dan arwah suaminya. Potret itu menunjukkan permaisuri memakai tudung kepala seorang balu dan berlatar belakang yang belum selesai.

Domenico Tintoretto "Wanita Menampakkan Payudara" ca. 1580-1590

Viscente Lopez Portagna "Potret Felix Maximo Lopez, organ pertama Kapel Diraja" 1820

Pelukis neoklasik Sepanyol, sambil mengekalkan kesan gaya Rococo. Lopez dianggap sebagai salah seorang pelukis potret terbaik pada zamannya, kedua selepas Francisco de Goya. Dia mula belajar melukis di Valencia pada usia 13 tahun, dan empat tahun kemudian dia memenangi beberapa hadiah pertama di Akademi San Carlos, yang memberikannya biasiswa untuk belajar di Akademi Seni Halus Diraja San Fernando yang berprestij di ibu negara. Selepas menamatkan pengajiannya, Lopez bekerja selama beberapa tahun di bengkel Mariano Salvador Maella, gurunya. Menjelang 1814, selepas pendudukan Perancis, López sudah menjadi artis yang cukup terkenal, jadi raja Sepanyol Ferdinand VII memanggilnya ke Madrid dan melantiknya sebagai pelukis istana rasmi, walaupun pada hakikatnya Francisco Goya sendiri adalah "artis diraja pertama" pada masa itu. Vicente López adalah seorang artis yang prolifik, dia melukis subjek agama, alegori, sejarah dan mitologi, tetapi, di atas semua, dia, sudah tentu, seorang pelukis potret. Semasa kerjayanya yang panjang, dia melukis potret hampir setiap orang terkenal di Sepanyol pada separuh pertama abad ke-19.
Potret organis pertama gereja diraja dan pemuzik dan komposer terkenal ini dilukis sejurus sebelum kematian artis, dan disiapkan oleh anak sulungnya, Ambrosio López.

Anton Raphael Mengs "Potret Maria Louise dari Parma, Puteri Asturias" 1766

Juan Sanchez Cotán "Kehidupan yang masih hidup dengan permainan, sayur-sayuran dan buah-buahan" 1602

Don Diego de Acedo telah berada di mahkamah sejak 1635. Sebagai tambahan kepada "khidmat jester", dia bertindak sebagai utusan diraja dan bertanggungjawab ke atas meterai raja. Nampaknya, buku, kertas dan bahan penulisan yang digambarkan dalam gambar bercakap tentang aktiviti ini. Adalah dipercayai bahawa potret itu dilukis di Fraga, wilayah Huesca, semasa perjalanan Philip IV ke Aragon, di mana dia ditemani oleh Diego de Acedo. Di latar belakang terdapat puncak Maliceos dari banjaran gunung Guadarrama.

Hieronymus Bosch "Menghapuskan Batu Kebodohan" c. 1490

Dalam adegan satira dengan figura berlatarbelakangkan landskap, operasi untuk mengeluarkan "batu kebodohan" digambarkan. Inskripsi dalam skrip Gothic berbunyi: - "Tuan, cepat keluarkan batu itu. Nama saya Lubbert Das." Lubbert ialah kata nama am yang menunjukkan kejahilan dan tidak bersalah. Seorang pakar bedah dalam hiasan kepala dalam bentuk corong terbalik, melambangkan kejahilan, "mengekstrak" batu (lili air) dari kepala pesakit yang mudah tertipu dan menuntut bayaran yang murah hati daripadanya. Pada masa itu, orang yang berjiwa sederhana percaya bahawa batu di kepala adalah untuk dipersalahkan atas kebodohan mereka. Inilah yang digunakan oleh penipu.

Raphael (Raffaello Santi) "Keluarga suci dengan seekor domba" 1507

Mary membantu Kristus kecil duduk di atas kambing - simbol Kristian tentang Sengsara Kristus yang akan datang, dan St. Yusuf sedang memerhatikan mereka. Lukisan itu dicat di Florence, di mana artis mempelajari karya Leonardo da Vinci, dipengaruhi oleh komposisinya dengan Keluarga Suci. Di Muzium Prado, ini adalah satu-satunya karya Raphael yang ditulis pada zaman awal.

Albrecht Dürer "Potret Lelaki Tidak Dikenali" ca. 1521

Potret itu milik tempoh lewat kerja Dürer. Ditulis dengan cara yang serupa dengan gaya artis Belanda. Topi bertepi lebar menarik perhatian kepada wajah orang yang digambarkan, cahaya yang jatuh dari kiri menumpukan perhatian penonton kepadanya. Tumpuan kedua perhatian dalam potret adalah tangan, dan di atas semua kiri, di mana orang yang tidak dikenali memegang skrol - nampaknya menjelaskan status sosialnya.

Rogier Van der Weyden "Ratapan" c. 1450

Model itu ialah altar triptych untuk biara Miraflores (disimpan di galeri seni di Berlin), dicipta oleh Van der Weyden lebih awal daripada 1444 dan diulangi dengan beberapa perbezaan. Dalam versi ini, dengan bahagian atas ditambah pada tempoh yang tidak diketahui, Mary, Christ, St. John dan penderma (pelanggan lukisan) - ahli keluarga Broers - digambarkan dalam ruang yang sama. Artis secara ekspresif menyampaikan kesedihan Ibu Tuhan, menekan mayat anaknya yang mati ke dadanya. Kumpulan tragis di sebelah kiri ditentang oleh sosok penderma, dipisahkan oleh batu. Dia dalam keadaan konsentrasi solat. Pada masa itu, pelanggan sering diminta untuk menggambarkan diri mereka dalam lukisan. Tetapi, imej mereka sentiasa sekunder - di suatu tempat di latar belakang, di khalayak ramai, dsb. Di sini penderma digambarkan di latar depan, tetapi dipisahkan dari kumpulan utama oleh batu dan dengan bantuan warna.

Alonso Cano "Kristus Mati Disokong oleh Malaikat" c. 1646 - 1652

Berlatarbelakangkan landskap senja, seorang malaikat menyokong tubuh Kristus yang tidak bernyawa. Ikonografi luar biasa kanvas ini dijelaskan oleh fakta bahawa ia tidak dikaitkan dengan teks Evangelis, tetapi dengan apa yang dipanggil Christ of St. Gregory. Menurut legenda, Pope Gregory the Great mempunyai penglihatan tentang Kristus yang telah mati disokong oleh dua malaikat. Kano menafsirkan kisah ini dengan cara yang berbeza - hanya satu malaikat yang menyokong tubuh Kristus yang tidak bergerak.

Bartolome Esteban Murillo "Our Lady of the Rosary" ca. 1650 -1655

Karya Bartolome Esteban Murillo melengkapkan zaman kegemilangan lukisan Sepanyol. Karya Murillo sangat tepat dalam komposisi, kaya dan harmoni dalam warna dan cantik dalam erti kata tertinggi. Perasaannya sentiasa ikhlas dan halus, tetapi dalam kanvas Murillo tidak ada lagi kekuatan dan kedalaman rohani yang begitu mengejutkan dalam karya-karya sezamannya yang lebih tua. Kehidupan artis berkaitan dengan Seville asalnya, walaupun dia terpaksa melawat Madrid dan bandar-bandar lain. Selepas belajar dengan pelukis tempatan Juan del Castillo (1584-1640), Murillo banyak bekerja atas pesanan dari biara dan kuil. Pada tahun 1660 beliau menjadi presiden Akademi Seni Halus di Seville.
Dengan kanvasnya mengenai subjek agama, Murillo berusaha untuk membawa penghiburan dan jaminan. Bukan kebetulan bahawa dia sering melukis imej Ibu Tuhan. Dari gambar ke gambar, imej Mary berlalu dalam bentuk seorang gadis muda yang cantik dengan ciri-ciri biasa dan rupa yang tenang. Penampilannya yang tidak bersalah sepatutnya menimbulkan rasa kelembutan manis pada penonton. Dalam lukisan ini, Bartolome Murillo menggambarkan Madonna dan Jesus dengan tasbih, tasbih Katolik tradisional, doa yang sangat penting pada zaman artis. Dalam karya ini, ciri-ciri naturalisme yang berlaku dalam karya-karya wakil sekolah Seville pada separuh pertama abad ke-17 masih ketara, tetapi gaya lukisan Murillo sudah lebih bebas daripada kerja awalnya. Cara bebas ini terutama dinyatakan dalam penggambaran tabir Perawan Maria. Artis menggunakan cahaya terang untuk menyerlahkan figura dengan latar belakang yang gelap dan mencipta kontras antara rona halus wajah Perawan dan tubuh bayi Kristus dan bayang-bayang dalam dalam lipatan fabrik.
Di Andalusia pada abad ke-17, imej Ibu Tuhan dengan Anak itu mendapat permintaan khusus. Murillo, yang kehidupan kreatifnya dihabiskan di Seville, melukis banyak lukisan ini, dipenuhi dengan kelembutan. Dalam kes ini, Ibu Tuhan dengan tasbih digambarkan. Dan di sini, seperti pada tahun-tahun awal karyanya, artis itu tetap setia dengan kecenderungannya untuk kontras cahaya dan teduh.

Bartolome Esteban Murillo "The Good Shepherd" 1655-1660

Gambar itu disemai dengan lirik dan kebaikan yang mendalam. Tajuknya diambil dari Injil Yohanes: "Akulah gembala yang baik." Ini menunjukkan bahawa gambar itu menggambarkan Kristus, walaupun pada usia yang sangat awal. Dalam gambar Murillo, semuanya cantik dan ringkas. Artis itu suka melukis kanak-kanak, dan dia meletakkan semua cinta ini ke dalam keindahan imej budak-Tuhan ini. Pada tahun 1660-an dan 1670-an, semasa zaman kegemilangan kemahiran bergambarnya, Murillo berusaha untuk menyajakkan wataknya, dan dia sering dituduh dengan beberapa imej sentimental dan kecantikan yang disengajakan. Bagaimanapun, tuduhan ini tidaklah adil sepenuhnya. Kanak-kanak yang digambarkan dalam gambar itu boleh dilihat hari ini di Seville dan di kampung-kampung sekitarnya. Dan tepat dalam hal ini, orientasi demokrasi karya artis telah ditunjukkan - dalam menyamakan kecantikan Madonna dengan kecantikan wanita Sepanyol biasa, dan kecantikan anaknya, Kristus kecil, dengan kecantikan tomboi jalanan.

Alonso Sanchez Coelho "Potret Infante Isabella Clara Eugenia dan Catalina Michaela" 1575

Potret puteri berusia lapan dan sembilan tahun itu memegang kalungan bunga. Sanchez Coelho melukis potret infantas - anak perempuan kesayangan Raja Philip II dan isteri ketiganya Isabella dari Valois - sejak usia muda mereka. Semua potret dibuat mengikut kanun potret mahkamah - gadis dalam pakaian yang megah dan dengan ekspresi muka yang tidak tenang.

Anton Raphael Mengs. Potret Raja Carlos III. 1767

Charles III mungkin dipanggil satu-satunya raja yang benar-benar tercerahkan dalam sejarah Sepanyol. Dialah yang mengasaskan Muzium Prado pada tahun 1785, pertama sebagai muzium sejarah semula jadi. Charles III bermimpi bahawa Muzium Prado, bersama-sama dengan taman botani yang berdekatan, akan menjadi pusat pendidikan saintifik.
Setelah menaiki takhta, dia mula melakukan pembaharuan politik dan ekonomi yang serius, yang sangat diperlukan oleh negara pada masa itu. Walau bagaimanapun, usahanya sia-sia - anaknya Charles IV tidak berkongsi pandangan progresif bapanya, dan selepas kematian Charles III, pembaharuan telah berakhir.
Potret ini benar-benar tipikal pada zamannya. Dengan setiap perincian, artis menarik perhatian kepada kedudukan yang diduduki oleh model: mantel yang dipangkas dengan cerpelai, salib Malta bertatahkan permata, perisai berkilat adalah sifat yang sangat diperlukan untuk kebesaran diraja. Langsir yang subur dan pilaster (unsur seni bina klasik) ialah latar belakang tradisional untuk potret sedemikian.
Tetapi sudah dalam potret ini adalah mengejutkan bagaimana wajah model itu dipersembahkan. Mengs tidak berusaha untuk mengecilkan hidungnya yang besar seperti bawang atau melicinkan garis-garis di pipinya yang berkedut. Terima kasih kepada keperibadian maksimum, lukisan ini mewujudkan rasa kehidupan yang tidak dapat dicapai oleh pendahulu Meng. Potret itu membuatkan anda berasa simpati terhadap Carlos III, yang bersedia untuk "menunjukkan" penampilannya yang tidak sempurna.

Antoine Watteau "Perayaan di Taman" c. 1713 - 1716

Pemandangan yang menawan ini adalah contoh tipikal "perayaan gagah" Watteau. Kabus cahaya yang mengaburkan garis besar, patung Neptun yang hampir tersembunyi di dedaunan di atas air pancut dan warna keemasan pudar - semua ini menyampaikan suasana keseronokan yang tajam, tetapi sekejap.
Lukisan itu milik Isabella Farnese, isteri kedua Raja Philip V.

Antonio Carnicero "Naikkan belon udara panas di Aranjuez" c. 1784

Lukisan itu ditugaskan oleh Duke dan Duchess of Oswan, ia mencerminkan semangat Pencerahan, yang membangkitkan minat dalam pencapaian kemajuan saintifik. Peristiwa sebenar digambarkan: pada tahun 1784, di Taman Diraja Aranjuez, di hadapan raja, ahli keluarga dan orang istananya, penerbangan dibuat dengan belon Montgolfier. Antonio Carnicero terkenal dengan adegan genrenya yang menawan, dan kanvas ini merupakan salah satu karyanya yang paling bercita-cita tinggi.

José de Madrazo y Agudo "Cinta Syurga dan Cinta Duniawi" 1813

Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Anak Domba Tuhan" 1635-1640

Seekor kambing berbaring di atas meja kelabu, berdiri dengan jelas pada latar belakang gelap dalam cahaya terang yang difokuskan dengan tajam. Mana-mana orang pada abad ke-17 akan segera mengenali dalam dirinya "anak domba Tuhan" dan akan memahami bahawa ini adalah tanda pengorbanan diri Kristus. Bulu kambing itu ditulis dengan luar biasa dan kelihatan sangat lembut sehingga sukar untuk mengalihkan pandangan anda dari haiwan itu dan ingin menyentuhnya.

Juan Pantoja de la Cruz "Potret Ratu Isabella Valois" c. 1604 - 1608

Pantoja de la Cruz melukis potret ini, mengulangi karya Sofonisba Anguishola - yang asli dibakar di istana pada tahun 1604. Artis itu hanya menambah jubah bulu marmot pada pakaian permaisuri.
Sofonisba Anguixola ialah seorang artis dari Cremona yang bekerja di mahkamah Sepanyol. Ia adalah potret pertama seorang ratu muda dari siri yang dibuat oleh artis. Gambar itu ditulis dalam cara yang hampir dengan bahasa Sepanyol, tetapi dalam warna yang lebih hangat dan lebih terang.

Jean Rann "Potret Carlos III semasa kanak-kanak" 1723

Luis Melendez "Masih hidup dengan sekotak gula-gula, pretzel dan objek lain" 1770

Tuan terhebat Sepanyol masih hidup pada abad ke-18, Luis Melendez dilahirkan di Itali, dalam keluarga miniaturis dari Asturias. Pada tahun 1717, keluarga itu berpindah ke Madrid, di mana lelaki muda itu memasuki jabatan persediaan Akademi San Fernando, dan antara pelajar yang paling berbakat mendapat tempat pertama. Walau bagaimanapun, pada tahun 1747 dia terpaksa meninggalkan Akademi berikutan bapanya, yang diusir daripadanya akibat konflik. Dalam tempoh ini, Melendez sekali lagi melawat Itali. Membantu bapanya pada mulanya, dia menjadi seorang miniaturis, dan pulang dari Itali, dijemput oleh Ferdinand VI untuk menggambarkan buku-buku di Royal Chapel of Madrid. Dalam genre masih hidup, yang artis itu beralih kepada pada awal 1760-an, aspek baru karyanya muncul.
Kehidupan pegun ini ditulis dalam tempoh matang karya artis. Pada masa ini, barangan mewah, peralatan perak muncul dalam gubahannya. Tetapi, bagaimanapun, artis itu masih berpegang pada cita-citanya dan bekerja selaras dengan tradisi genre. Kewujudan material setiap objek yang dilukis di atas kanvas membuatkan kita mengingati contoh-contoh kehidupan pegun terbaik dalam seni dunia. Kaca lutsinar yang boleh dirasai dicerminkan pada permukaan pasu perak yang kusam dan berkilauan. Lembut, pretzel pada serbet putih, nampaknya berbau seperti roti yang baru dibakar. Leher botol yang dimeteraikan bersinar-sinar. Garpu perak menonjol sedikit di luar tepi meja yang bercahaya. Dalam gubahan benda mati ini, tidak ada susunan benda-benda pertapa dalam satu baris, ciri-ciri, contohnya, nyawa-nyawa Zurbaran. Mungkin ia mempunyai persamaan dengan sampel Belanda. Tetapi nadanya lebih gelap, objeknya lebih kecil dan komposisinya lebih ringkas.

Juan de Arellano "Bakul Bunga" 1670

Seorang pelukis Baroque Sepanyol yang pakar dalam gubahan bunga, dia dilahirkan di Santorcase pada tahun 1614. Pada mulanya dia belajar di studio artis yang kini tidak dikenali, tetapi pada usia 16 tahun dia berpindah ke Madrid, di mana dia belajar dengan Juan de Solis, seorang artis yang menyelesaikan komisen untuk Ratu Isabella. Juan de Arellano hidup untuk masa yang lama dengan mengorbankan pesanan kecil, termasuk lukisan dinding, sehingga dia memutuskan untuk memberi tumpuan secara eksklusif pada lukisan bunga dan menjadi tuan yang tiada tandingan di kawasan ini. Adalah dipercayai bahawa tuan itu bermula dengan menyalin karya lain, terutamanya Itali, artis, Flemish masih hidup menambah keanggunan dan ketegasan kepada gayanya. Kemudian, kepada gabungan ini, dia menambah penemuan komposisinya sendiri dan palet warna ciri.
Komposisi yang agak ringkas bagi kehidupan pegun ini adalah ciri Arellano. Warna tumbuhan tulen dan pekat menyerlah terang dengan latar belakang kecoklatan neutral disebabkan pencahayaan yang terang.

Mungkin salah satu potret terawal El Greco yang dicipta di Sepanyol ialah apa yang dipanggil "Potret seorang lelaki dengan tangan di dadanya" (c. 1577-1579). Ini dibuktikan terutamanya oleh cara bergambar yang lebih tradisional, gelap dan terbina pada warna rona coklat dengan sapuan berus licin padat. Berkecuali psikologi tafsiran adalah tipikal, yang pada masa akan datang akan memberi laluan kepada pencirian yang lebih aktif.

ini potret terkenal El Greco adalah, seolah-olah, imej seorang bangsawan pada zamannya yang didirikan dalam kerangka kanun. Elegan, sangat tenang, dengan isyarat sumpah atau keyakinan, meletakkan tangan kanannya di dadanya, caballero yang tidak dikenali itu merangkumi ciri-ciri bangsawan Sepanyol sociego, iaitu, ungkapan dalam penampilan luaran ketenangan, kekangan, maruah.

Gagang pedang Toledo adalah perincian fasih penampilannya yang ketat, sut hitam, dihiasi dengan kolar tinggi dan manset renda putih salji. Antonina Vallantin dengan betul menyatakan bahawa jenis Sepanyol ini menembusi pentas dan sudah hidup di halaman novel, tetapi untuk digambarkan, dia terpaksa menunggu ketibaan El Greco di Toledo.

Potret itu, bagaimanapun, adalah wujud ketidakkonsistenan dalaman, memandangkan aspek imej yang ideal tidak begitu sesuai dengan keperibadian orang yang digambarkan - sifat yang tidak begitu bermakna digambarkan. Kesan dicapai dengan struktur bergambar kanvas, di mana muka dan tangan dengan susunan simbolik jari terkeluar dari latar belakang gelap sebagai bintik-bintik cahaya; keindahan berharga renda nipis berkilauan, gagang pedang, seolah-olah tergantung di udara, memperoleh kerapuhan istimewa. Detasmen pandangan caballero, dikurniakan mata ganjil Elgrekian tipikal, meningkatkan ekspresi imej.

Lelaki dalam Cermin Seni: Genre Potret

Potret(Potret Perancis) - imej orang atau kumpulan orang tertentu. Genre potret menjadi meluas pada zaman purba dalam arca, dan kemudian dalam lukisan dan grafik. Tetapi persamaan ini bukan satu-satunya perkara yang perlu disampaikan oleh artis. Ia lebih penting apabila tuan memindahkan intipati dalaman seseorang ke kanvas dan menyampaikan suasana masa. Membezakanpintu depan Dan bilik potret. Terdapat potretberpasangan Dan kumpulan. Mereka bertujuan untuk menghiasi dewan utama, dan untuk memuji orang tertentu, dan untuk memelihara ingatan orang yang bersatu dengan profesional, rohani, hubungan keluarga. kategori khasialah potret diri, di mana artis menggambarkan dirinya.

Mana-mana potret boleh dikaitkan sama ada dengan potret psikologi, atau
kepada watak potret, atau kepada biografi potret.

Seni membantu mengenali seseorang. Bukan sahaja untuk melihat luarannya
muka, tetapi juga untuk memahami intipati, watak, mood, dll. Potret hampir
sentiasa realistik. Lagipun, matlamat utamanya adalah pengiktirafan yang digambarkanseseorang di atasnya. Namun, selalunya tugas artis tidak tepatmeniru ciri luaran model, bukan tiruan alam semula jadi, tetapi "penciptaan semula bergambar" imej seseorang. Ia bukan secara kebetulan bahawa keinginan ituhanya mengenali diri anda dalam potret, dan mungkin juga menemui sesuatu yang baru dalam dirinya sendiri.
Sikap artis terhadap model secara tidak sengaja disampaikan kepada penonton. penting
adalah segala-galanya yang menyatakan emosi, sikap terhadap kehidupan, kepada orang: ekspresi muka
wajah yang digambarkan, ekspresi mata, garis bibir, pusing kepala, postur,
isyarat.
Selalunya kita menafsirkan sesebuah karya dari sudut pandangan manusia masa kini.
hari, kita mengaitkan ciri-ciri watak yang sama sekali tidak ciri pada zamannya, iaitu, kita berusaha untuk memahami yang tidak diketahui melalui yang diketahui.
Ia juga sangat penting untuk menunjukkan status sosial orang yang digambarkan, untuk mencipta imej tipikal seorang wakil era tertentu.

Sebagai genre, potret itu muncul beberapa milenium yang lalu dalam seni purba. Di antara lukisan dinding Istana Knossos yang terkenal, ditemui oleh ahli arkeologi semasa penggalian di pulau Crete, terdapat keseluruhan baris gambar bergambar wanita berkaitan abad XVI BC. Walaupun penyelidik memanggil imej ini "wanita mahkamah", kita tidak tahu siapa yang cuba ditunjukkan oleh tuan Cretan - dewi, pendeta wanita atau wanita bangsawan berpakaian elegan.
"Paris". Lukisan dinding dari Istana Knossos, abad ke-16 SM

Yang paling terkenal ialah potret seorang wanita muda, yang dipanggil oleh saintis "Parisian". Kami melihat di hadapan kami satu profil (mengikut tradisi seni pada masa itu) imej seorang wanita muda, sangat cuek dan tidak mengabaikan solek, seperti yang dibuktikan oleh mata berbingkai gelap dan bibirnya yang dicat terang.
Artis yang mencipta potret fresco sezaman mereka tidak menyelidiki ciri-ciri model, dan persamaan luaran dalam imej ini sangat relatif.
Kepercayaan agama di Mesir kuno dikaitkan dengan pemujaan
mati, menentukan keinginan untuk menyampaikan persamaan potret dalam imej arca seseorang: jiwa si mati terpaksa mencari bekasnya.

Pada awal abad XX. Ahli arkeologi telah menemui seluruh dunia satu imej potret indah Ratu Nefertiti.

Dicipta dalam abad ke-14 BC e.,imej ini mengagumkan dengan kelancaran garisan profil, keanggunan leher yang fleksibel, cahaya lapang dan peralihan cecair pada ciri-ciri wajah wanita yang tidak teratur tetapi cantik.. Nefertiti bukan sahaja ratu Mesir, dia dihormati sebagai dewi. Isteri firaun Mesir yang paling terkenal dan mungkin yang paling cantik tinggal bersama suaminya yang dimahkotai di sebuah istana mewah yang besar di tebing timur Sungai Nil.

Dalam seni Yunani purba tempat istimewa diduduki oleh imej pahlawan atau tuhan yang umum dan ideal. Penggabungan rohani dan jasmanipelukis dan pengukir melihat penjelmaan itukeindahan dan keharmonian manusia.