Apakah nama seni Jepun? Filem cereka Jepun

Pembentukan upacara minum teh (chanyu) sebagai salah satu fenomena terbesar budaya Jepun berlaku dalam masa yang sangat sukar dan bermasalah bagi negara, apabila peperangan berdarah internecine dan perselisihan antara puak feudal menjadikan kehidupan orang tidak tertanggung. Upacara minum teh itu timbul di bawah pengaruh estetika dan falsafah Zen Buddhisme dan berusaha untuk mengatasi perasaan putus asa dengan penyembahan Kecantikan.

Pada masa itu, penguasa dari kelas tentera dan pedagang kaya, berkumpul untuk perbincangan politik dan perdagangan, sering mengambil kesempatan untuk menghidangkan teh. Ia dianggap sebagai keseronokan yang luar biasa untuk duduk di waktu lapang di bilik teh yang tenang, terlepas daripada kebimbangan dan kebimbangan kehidupan, dan mendengar bunyi air mendidih di atas brazier. Guru hebat Sen no Rikyu mengangkat minum teh sebagai seni. Dia dapat mengembangkan seni upacara minum teh dengan cara yang dia lakukan sebahagiannya kerana latar belakang sosial yang disebutkan di atas yang wujud.

Bilik teh yang dibina oleh Sen no Rikyu kelihatan sangat ringkas malah terlalu kecil pada pandangan pertama. Tetapi ia telah dirancang dengan cara yang paling berhati-hati, dengan kebolehbacaan yang indah, hingga ke butiran terkecil. Ia dihiasi dengan pintu gelangsar yang ditutup dengan kertas Jepun lut sinar putih salji. Silingnya dilapisi dengan buluh atau rotan, dan tekstur dinding yang terbuka sangat dihargai. Penyokong kebanyakannya kayu, mengekalkan kulit aslinya. Untuk mencipta kesan kediaman pertapa, semua hiasan yang tidak perlu dan hiasan yang berlebihan telah dibuang semasa menghias bilik teh.

Hari ini upacara minum teh adalah yang paling asli, seni yang unik. Ia memainkan peranan penting dalam rohani dan kehidupan awam Jepun selama beberapa abad. Lama kelamaan, upacara upacara minum teh telah dikanonkan, dan urutan tindakan dan tingkah laku telah ditetapkan. Setelah memasuki pintu kayu yang sederhana, para tetamu telah tenggelam dalam dunia yang istimewa, meninggalkan segala-galanya yang duniawi dan dalam penumpuan senyap hanya mematuhi undang-undang tindakan.

Chanoyu klasik ialah upacara berjadual ketat yang melibatkan tuan teh (orang yang membancuh dan menuang teh) dan peserta lain dalam majlis itu. Pada asasnya, tuan teh adalah imam yang melakukan perbuatan teh, dan selebihnya adalah mereka yang mengambil bahagian di dalamnya. Masing-masing mempunyai gaya tingkah laku tersendiri, termasuk kedua-dua posisi duduk dan setiap pergerakan, sehinggalah kepada ekspresi muka dan cara pertuturan.

Semasa minum teh, ucapan bijak dibuat, puisi dibaca, dan karya seni diperiksa. Untuk setiap kesempatan, sejambak bunga dan peralatan khas untuk membancuh minuman dipilih dengan penjagaan khas.

Suasana yang sesuai dicipta oleh perabot itu sendiri, yang sangat mudah dan sederhana: teko tembaga, cawan, kacau buluh, kotak untuk menyimpan teh, dll. Orang Jepun tidak suka objek berkilat terang, mereka kagum dengan kebodohan. D. Tanizaki menulis tentang perkara ini: “Orang Eropah menggunakan pinggan mangkuk yang diperbuat daripada perak, keluli atau nikel, menggilapnya sehingga bersinar yang mempesonakan, tetapi kita tidak tahan dengan kilauan sedemikian. Kami juga menggunakan produk perak... tetapi kami tidak pernah menggilapnya sehingga bersinar. Sebaliknya, kami bergembira apabila kilauan ini hilang dari permukaan objek, apabila mereka memperoleh patina usia, apabila mereka menjadi gelap mengikut masa... Kami menyukai benda yang mempunyai kesan daging manusia, jelaga minyak, luluhawa dan bengkak hujan. ” Semua barang untuk upacara minum teh mempunyai kesan masa, tetapi semuanya bersih. Senja, kesunyian, teko yang paling mudah, sudu kayu untuk menuang teh, cawan seramik yang kasar - semua ini mempesonakan mereka yang hadir.

Unsur yang paling penting di bahagian dalam rumah teh dianggap sebagai niche - tokonoma. Ia biasanya mengandungi skrol dengan lukisan atau tulisan kaligrafi, sejambak bunga dan pembakar kemenyan dengan kemenyan. Tokonoma terletak bertentangan dengan pintu masuk dan serta-merta menarik perhatian tetamu. Skrol untuk tokonama dipilih dengan berhati-hati dan merupakan subjek perbincangan yang sangat diperlukan semasa majlis. Ia ditulis dalam gaya Buddha Zen dan dalam kaligrafi kuno yang hanya sedikit yang dapat memahami dan memahami maksud apa yang ditulis, sebagai contoh: "Buluh itu hijau dan bunganya merah," "Benda-benda adalah perkara, dan itu cantik! ” atau "Air adalah air." Makna kata-kata ini dijelaskan kepada mereka yang hadir, secara zahirnya sederhana, tetapi pada masa yang sama sangat mendalam dalam istilah falsafah. Kadang-kadang pemikiran ini dinyatakan dalam bentuk puitis haiku, kadang-kadang tercermin dalam lukisan tuan lama, biasanya mematuhi prinsip "wabi".

Terdapat banyak bentuk upacara minum teh di Jepun, tetapi hanya beberapa yang ditetapkan secara ketat: teh malam, teh matahari terbit, minum pagi, minum petang, minum petang, teh istimewa.

Teh malam bermula di bawah bulan. Para tetamu tiba kira-kira pukul sebelas setengah dan bertolak sekitar pukul empat pagi. Biasanya, teh serbuk dibancuh, yang disediakan di hadapan tetamu: daun dibebaskan dari urat dan dikisar menjadi serbuk dalam mortar. Teh ini boleh menjadi sangat kuat dan tidak boleh dihidangkan semasa perut kosong. Oleh itu, mula-mula tetamu dijamu dengan makanan yang sedikit berbeza. Teh diminum pada waktu matahari terbit sekitar pukul tiga atau empat pagi. Tetamu menginap sehingga enam jam. Teh pagi diamalkan dalam cuaca panas, dengan tetamu tiba pada pukul enam pagi. Minum petang biasanya dihidangkan dengan kek hanya selepas kira-kira jam 1 petang. Minum petang bermula sekitar pukul enam petang. Majlis minum teh istimewa (rinjitya-noyu) dianjurkan untuk beberapa majlis khas: pertemuan dengan rakan-rakan, cuti, pertukaran musim, dsb.

Menurut orang Jepun, upacara minum teh mempromosikan kesederhanaan, semula jadi, dan kekemasan. Ini, tentu saja, benar, tetapi ada sesuatu yang lebih dalam upacara minum teh. Dengan memperkenalkan orang ramai kepada ritual yang ditetapkan dengan tepat, ia membiasakan mereka dengan perintah yang ketat dan pematuhan tanpa syarat terhadap peraturan sosial. Upacara minum teh adalah salah satu asas terpenting untuk memupuk perasaan kebangsaan.

Himeji adalah salah satu istana tertua di Jepun

Seni Jepun Purba
Budaya Jepun terbentuk dan berkembang dalam keadaan semula jadi dan sejarah yang istimewa. Jepun terletak di empat pulau besar dan banyak pulau kecil yang dikelilingi oleh laut. Terletak di pinggir timur, ia mengalami peningkatan secara berkala, kemudian sekali lagi pudar pengaruh budaya tanah besar seperti China dan Korea. Tempoh interaksi dengan dunia luar telah digantikan dalam sejarah Jepun dengan pengasingan budaya berabad-abad lamanya (tempoh dari ke-10 hingga ke-14 dan dari ke-17 hingga pertengahan abad ke-19). Keadaan yang terakhir menyumbang kepada pembangunan dan penyatuan banyak ciri unik budaya Jepun secara amnya dan seni khususnya. Pengenalan dengan budaya Barat berlaku pada abad ke-16, apabila ciri-ciri utama tamadun Jepun asal telah pun terbentuk. Sehingga tahun 1854, Jepun berdagang dengan China dan Belanda melalui hanya satu pelabuhan.

Daripada penduduk purba pulau Jepun - pemburu dan nelayan - datang apa yang ditemui hasil daripada penggalian arkeologi Kapak batu, tempuling, kepala anak panah dan bekas seramik ukiran tangan, dinamakan untuk corak "Jomon", yang bermaksud "tanda tali", dicop padanya. Oleh itu, budaya Neolitik di Jepun juga dipanggil Jomon. Tiba dari Siberia, dari Polinesia, dan kemudian dari Korea dan China, peneroka berdiri pada tahap yang berbeza perkembangan budaya. Ini menjelaskan hakikat bahawa dalam beberapa lapisan budaya monumen kedua-dua Zaman Neolitik dan Gangsa ditemui. Bahasa Jepun hampir dengan bahasa kumpulan Altai. Apabila, akibat daripada hubungan dengan budaya Cina Sejak orang Jepun mengenali tulisan hieroglif Cina, ternyata sangat sukar untuk menyesuaikan hieroglif Cina untuk menyampaikan ucapan bahasa Jepun lisan.

Tempoh awal budaya Jepun, yang mana data yang boleh dipercayai telah dipelihara, dipanggil era kofuns (gundukan) - pengebumian, bahagian tanahnya adalah gundukan tanah dengan bentuk ciri - sambungan bulatan dan trapezoid, mengingatkan lubang kunci, yang melambangkan penyatuan bumi dan air. Mereka bersaiz besar, mereka dikelilingi oleh parit berganda dengan air, rumput tumbuh di atas gundukan, dan di sepanjang perimeter dalam gundukan terdapat patung-patung tanah liat berongga manusia, haiwan, model bot dan rumah dari 30 cm setinggi satu setengah meter. Mereka dipanggil "haniwa". Di dalam ruang pengebumian terdapat keranda dengan wakil bangsawan yang telah meninggal dunia, di mana objek ritual diletakkan: cermin, loceng dotaku, bunyi yang sepatutnya menakutkan roh jahat dan menarik tuhan - pelindung petani. Pengebumian raja-raja Yamato semestinya mengandungi simbol-simbol ritual kuasa seperti loket jed dan pedang. Untuk memuliakan raja-raja klan Yamato, permulaan sejarah telah ditubuhkan, hierarki tuhan ditentukan, dan dewa Amaterasu ("Bersinar dari Syurga") telah dikenal pasti, yang memindahkan kuasa ke atas. pulau Jepun raja-raja dari klan Yamato. Nama "Nippon" atau "Nihon", yang bermaksud "tanah matahari terbit", muncul pada abad ke-7. Pada tahun 608, lawatan sambil belajar ke China bermula, yang berterusan selama lebih daripada dua abad.

Dotaku - loceng gangsa ritual - silinder menyempit ke arah atas, di atasnya dengan gelung lebar dengan tonjolan bergambar, dindingnya dibahagikan kepada petak yang dipenuhi dengan imej grafik

Kepercayaan heterogen orang Jepun, yang mempunyai banyak ciri animisme dan fetisisme primitif, dicerminkan dalam Shinto. Shinto (“jalan para dewa”) secara semula jadi mencerminkan idea Jepun tentang kerohanian alam semula jadi sejagat. Sebilangan besar apa yang dipanggil "kami" (semangat) wujud dalam objek landskap yang ajaib, seperti Tasik Biwa dan Gunung Fuji, dan dalam objek yang dicipta oleh manusia - pedang, cermin, yang oleh itu dikurniakan sifat ajaib. Kuil Shinto dibezakan oleh kesederhanaan struktur kayunya: sebuah bilik tunggal diletakkan di atas tiang, dikelilingi di semua sisi oleh beranda. Di dalam kuil Shinto itu gelap dan kosong. Orang percaya tidak masuk ke dalam kuil.

Tempoh Para (645-794 AD)

Nara adalah nama ibu kota pertama dan satu-satunya bandar Jepun pada masa itu. Ini adalah masa penubuhan negara Jepun, pengenalan agama Buddha dan penciptaan monumen seni Buddha - kuil, pagoda, dan pelbagai patung dewa Buddha. Agama Buddha dalam tempoh ini bukanlah kepercayaan rakyat sebagai kesinambungan dasar mahkamah. Pelbagai mazhab Buddhisme memainkan peranan yang sangat penting di mahkamah, pegangan tanah biara Buddha berkembang, dan para bhikkhu mempunyai pengaruh yang besar di mahkamah. Biara Buddha muncul, iaitu kumpulan bangunan kayu yang terletak di kawasan segi empat tepat yang dikelilingi oleh dinding. Yang paling penting ialah lorong lebar yang menghala ke pintu pagar hadapan, dataran di hadapan kuil, dan pagoda bertingkat yang boleh dilihat dari jauh. Kuil kayu itu dicat dengan varnis merah, dinaikkan di atas asas batu, dan mempunyai bumbung berkembar melengkung lebar - irimoya.

Antara kuil Buddha awal ialah Asukadera, Horyuji, pembinaan yang terakhir ini bermula pada 607 atas perintah putera mahkota Shotoku Taishi yang memerintah ketika itu. Biara ini terdiri daripada 53 bangunan yang terletak di kawasan seluas 90 ribu meter persegi. m. Fasad kuil menghadap ke selatan, bangunan utama terletak di paksi utara-selatan, zon suci di utara, terdapat dewan untuk khutbah - kodo, kondo dan pagoda lima tingkat. Terdapat 265 arca di Horyuji, imej arca utama ialah triniti Shakyamuni, yang diwakili oleh arca pengasas kepercayaan, diiringi oleh dua bodhisattva. Pada abad ke-8 Biara besar sudah mempunyai bengkel pengukir. Pemujaan bodhisattva Kannon, yang namanya adalah terjemahan nama Sanskrit Avalokiteshvara (Pendengar Bunyi Dunia), tersebar. Dipenuhi dengan belas kasihan terhadap makhluk hidup, Bodhisattva dapat mendengar suara penderitaan mereka, di mana pun mereka berada. Kultus Avalokiteshvara berasal dari barat laut India dan merebak ke China. Dalam Sutra Teratai dikatakan bahawa bodhisattva mengambil bentuk makhluk-makhluk yang memanggilnya. Di Jepun, penyebaran pemujaan Kannon membawa kepada kemunculan sejumlah besar imejnya - Saint Kannon membantu di neraka, Kannon dengan kepala kuda menyebarkan belas kasihan kepada lembu dan roh jahat - asura diselamatkan oleh seribu- Kannon bersenjata, Kannon dengan tali pancing menyelamatkan orang.

Zaman Heian (794-1185)

Pada tahun 794, ibu negeri telah dipindahkan ke bandar Heian (kini Kyoto). Semasa zaman Heian, budaya mahkamah yang canggih berkembang. Suku kata Jepun telah dicipta - kana (bahasa Jepun - hieroglif yang dipinjam). Pada mulanya, hanya wanita yang menggunakan skrip ini, manakala skrip rasmi terus berbahasa Cina. Sepanjang abad ke-10. Tulisan wanita mula digunakan dalam amalan persendirian. Pada abad ke-11 Zaman kegemilangan sastera klasik Jepun bermula, contoh cemerlangnya ialah novel "Genji Monogatari", yang dicipta oleh wanita istana Murasaki Shikibu.

Dalam seni Heian, tempat utama diduduki oleh imej Buddha dari mazhab Tendai dan Shingon esoterik yang datang dari China pada masa itu, yang mengajar bahawa semua makhluk hidup memiliki intipati Buddha. Dengan melatih roh dan badan, memenuhi nazar, sesiapa sahaja boleh memperoleh intipati Buddha dalam proses beberapa kelahiran semula. Kuil-kuil mazhab ini dibina di atas puncak gunung dan tebing berbatu, dan rumah sembahyang di dalamnya dibahagikan kepada dua bahagian. Orang percaya biasa tidak dibenarkan masuk ke dalam, di mana patung suci itu terletak.

Era Heian adalah zaman kemewahan bagi kalangan pemerintah. Pada masa ini, jenis perumahan Shinden telah dibentuk. Walaupun dalam iklim panas, dinding itu bukan modal dan tidak mempunyai nilai sokongan. Mereka boleh dialihkan dengan mudah, diganti dengan yang lebih tahan lama dalam cuaca sejuk, atau dikeluarkan sama sekali dalam cuaca panas. Tiada tingkap juga. Daripada kaca, ia diregangkan pada bingkai kekisi kertas putih, memancarkan cahaya tersebar malap ke dalam bilik. Atap bumbung yang luas melindungi dinding daripada kelembapan dan cahaya matahari. Bahagian dalamannya, tanpa perabot kekal, mempunyai dinding pemisah gelongsor, berkat yang memungkinkan untuk membuat sama ada dewan atau beberapa bilik terpencil kecil sesuka hati; lantai ditutup dengan tikar jerami - tatami, dengan saiz yang sama (180 kali 90 cm).

Teks Confucian dan Buddha dibawa dari China semasa zaman Heian. Mereka sering dihiasi dengan imej. Pada mulanya, artis Jepun meniru "tempat terkenal" Cina tetapi bermula dari abad ke-10. beralih kepada gambaran landskap dan adat resam negara asal. Lukisan Yamato-e telah dibentuk, yang berbeza daripada lukisan Cina dengan menggunakan tema daripada puisi Jepun, cerpen, novel atau daripada legenda rakyat. Lukisan itu mendapat namanya dari nama wilayah Yamato - bahagian barat daya pulau Honshu, di mana kenegaraan Jepun dibentuk.
Imej itu sering mewakili tatal ilustrasi dengan teks yang sepadan, yang diambil dengan tangan dan diputar dari kanan ke kiri; apabila membaca bahagian yang sepadan, ilustrasi berikut telah diperiksa.

Lukisan Yamato-e berkembang pesat pada zaman Heian lewat. Pada masa ini, muncul artis profesional yang melukis gambar subjek sekular pada skrin, partition gelongsor (shoji) dan skrol - emakimono. Skrol tertua ialah Genji Monogatari. Skrol Emakimano ialah lukisan-cerita. Skrol "Genji-monogatari-emaki", novel terkenal oleh Murasaki Shikibu, telah bertahan hingga ke hari ini, menggambarkan kehidupan terbiar golongan bangsawan dalam warna-warna cerah; ia adalah sintesis kaligrafi, kesusasteraan dan lukisan. Dalam 19 daripada 54 bab novel dalam ilustrasi yang masih hidup, tidak ada plot tunggal dan aksi berterusan. Kebanyakan adegan yang digambarkan berlaku di bahagian dalam, semua yang kelihatan ditunjukkan dari atas, tidak ada titik garis yang hilang, korespondensi angka dan seni bina berskala besar, wajah semua watak adalah sama, hanya gaya rambut dan pakaian yang berbeza . Fokus utama perhatian artis adalah untuk menyampaikan kandungan emosi peristiwa yang berlaku dalam novel itu, yang diketahui semua orang. Teknik utama adalah membina ruang dan menggunakan kemungkinan warna. Untuk menyampaikan keadaan dalaman watak dan suasana setiap adegan, adalah penting bagi artis pada sudut mana yang berkaitan dengan tepi bawah skrol garis pepenjuru diarahkan, menunjukkan sama ada rasuk struktur, atau tirai batang, atau tepi beranda. Bergantung pada tahap ketegangan emosi, sudut ini berbeza dari 30 hingga 54 darjah.

Bodhisattva - Kannon muncul di China, Korea dan Jepun terutamanya dalam bentuk wanita, di tangannya dengan jag, dahan willow dan laso.

Tiada partition di rumah bangsawan; artis terbaik melukis lukisan Yamato-e pada skrin dan langsir. Lukisan Yamato-e adalah bersatu dengan karya sastera, yang turut diletakkan pada skrin dan langsir. Dalam antologi puisi abad X-XIII. Puisi yang ditulis pada skrin dari abad ke-9-10 bukanlah sesuatu yang luar biasa. Bilangan terbesar puisi tersebut terkandung dalam antologi "Suixu". Sama seperti puisi pada tema empat musim, begitu juga lukisan untuk skrin. Selaras dengan penulisan lagu rakyat, sistem formula puisi tertentu berkembang dan kemudian menjadi asas puisi klasik Jepun. Jadi, tanda musim bunga adalah jerebu berkabus, pokok willow, tanda musim panas - cuckoo, cicadas, tanda musim luruh - daun maple merah, rusa, bulan, musim sejuk - salji dan bunga plum.

Kyoto adalah mutiara purba Jepun.

Banyaknya homonim dalam bahasa memungkinkan untuk memberikan banyak makna kepada puisi. Tema dan plot memungkinkan, melalui perincian atau pembayang dalam bentuk puisi yang sangat singkat (terdapat 31 suku kata dalam tanka), untuk menyatakan kepelbagaian semua warna keadaan emosi. Daripada skrin dengan teks terdapat peralihan beransur-ansur kepada skrin tanpa teks. Beginilah cara pembahagian genre bergambar sebenar muncul - shiki-e (“gambar empat musim”) dan meise-e (“lukisan tempat terkenal”).
Komposisi lukisan sedemikian tidak sesuai dengan mana-mana kategori lukisan cina. Gabungan terbesar alam dan manusia akan menjadi ciri pelbagai genre seni Jepun.

Zaman Kamakura (1185-1333) dan Muromachi (1333-1568)

Pada penghujung abad ke-12, ibu kota itu dipindahkan lagi; kuasa di negara itu, akibat pertelingkahan berdarah, telah dirampas oleh klan Minamoto, yang kepalanya memindahkan ibu kota ke penempatannya di Kamakura, yang namanya menjadi nama peringkat seterusnya dalam sejarah Jepun. Kelas tentera samurai berkuasa di negara itu, dari kalangan mereka datang shogun - penguasa tentera Jepun yang sebenarnya; maharaja, yang kekal di Nara, hanya mengekalkan sifat kuasa nominal. Samurai lebih suka kesederhanaan daripada kecanggihan budaya istana. Biara-biara mazhab Zen tidak lagi termasuk pagoda; kuil-kuil itu menyerupai pondok luar bandar. Dari akhir abad ke-13. di bawah pengaruh idea panteistik mazhab Zen, landskap mula menjelmakan idea kehadiran dewa Buddha dalam mana-mana objek landskap. Di biara Kamakura, ikonografi potret Patriark Minsk berkembang: duduk dan dalam pose tenang dengan ciri wajah yang ditekankan dan kuasa hipnosis pandangannya. Di bawah pengaruh mazhab Zen, arca diturunkan ke latar belakang; lukisan, terutamanya lukisan landskap, menyatakan pandangan dunia orang zaman ini.

Zaman Muromachi bermula dengan peristiwa 1333, apabila raja-raja feudal di wilayah tenggara pulau Honshu menawan dan membakar Kamakura, mengembalikan ibu kota kepada Heian. Ia adalah masa perselisihan dalaman dan peperangan antara puak feudal. Perkara utama untuk masa yang bermasalah ialah ajaran penganut mazhab Zen bahawa, setelah mencapai perpaduan dengan alam, seseorang dapat menerima kesusahan hidup dan mencapai perpaduan dengan dunia. Lukisan landskap datang ke barisan hadapan dalam seni Jepun, di bawah pengaruh ajaran Zen bahawa "tubuh" Buddha adalah alam semula jadi. Pada separuh kedua abad ke-12. Lukisan menggunakan dakwat hitam datang ke Jepun dari China. Orang Jepun, yang terutama terlibat dalam lukisan sedemikian, adalah ahli mazhab Zen. Mereka mencipta gaya baru, yang menjelaskan akidah baru (shigaku - gabungan lukisan dan puisi). abad XV dan XVI - masa bunga maksimum lukisan dakwat, tuan utamanya ialah Sesshu Toyo (1420-1506). Selari dengan gaya ini, terdapat juga gaya Yamato-e.

Perubahan dalam hubungan sosio-politik, yang membawa kelas tentera ke hadapan, juga menentukan penampilan pada abad ke-16. Gaya seni bina Sein. Isipadu rumah yang dahulunya tunggal kini dibahagikan dengan bantuan pintu gelangsar (shoji) dan sekatan gelongsor (fusuma). Tempat khas untuk belajar muncul di dalam bilik - rak untuk buku dan tingkap dengan ambang tingkap yang luas dan ceruk (tokonoma), di mana sejambak atau batu berbentuk aneh diletakkan dan skrol menegak digantung.

Pada abad ke-16 Dalam sejarah seni bina Jepun, astaka teh muncul berkaitan dengan keperluan untuk menjalankan upacara minum teh dengan betul. Teh dibawa ke Jepun semasa zaman Kamakura oleh sami Buddha sebagai ubat. Upacara minum teh (cha-no-yu) telah diperkenalkan atas inisiatif sami Zen Murata Shuko dan memerlukan kaedah khas untuk pelaksanaannya. Ini adalah bagaimana jenis struktur seni bina baru muncul - chashitsu (pavilion untuk upacara minum teh), dalam asas strukturnya ia berhampiran dengan bangunan kediaman, dan dalam fungsinya - dengan kuil Buddha. Penyokong astaka teh diperbuat daripada kayu, dan silingnya dilapisi dengan buluh atau buluh. Di dalam pondok 1.5 atau 2 tatami yang ditutup dengan tikar, dengan dinding adobe, tingkap berbilang tingkat kecil, ceruk tokonoma dengan landskap monokrom yang tergantung dan bunga dalam pasu, terdapat perapian dan rak untuk peralatan.

Seni mencipta taman berkembang pesat semasa zaman Muromachi. Taman Jepun adalah berbeza. Taman-taman kecil paling kerap terletak di kuil atau dikaitkan dengan rumah tradisional, ia bertujuan untuk dilihat. besar taman berlandskap direka untuk dilihat dari dalam.

Kondo - (dewan emas Jepun) - kuil utama kompleks Buddha, mengandungi ikon, patung, lukisan dinding

Taman kuil Zen dibina berdasarkan prinsip skrol landskap monokrom. Daripada sehelai kertas, artis menggunakan permukaan tasik atau platform yang ditutupi dengan kerikil, dan bukannya noda dan pembasuhan, batu tebal, lumut, dedaunan pokok dan pokok renek. Secara beransur-ansur, bunga hilang dari taman, mereka digantikan oleh lumut dan pokok renek, dan batu mula digunakan sebagai ganti jambatan. Beberapa taman berlandskap dan berbukit (tsukiyama). Taman Tsukiyama adalah gabungan unsur semula jadi seperti batu, lumut, pokok, kolam, dengan pavilion wajib di pantai. Taman landskap tertua terletak di Kyoto dan kepunyaan Biara Sohoji. Taman kering dipanggil "hiraniwa", i.e. rata. Hiraniva adalah taman "falsafah", kerana ia memerlukan imaginasi yang dibangunkan daripada penonton. Taman hiraniwa “diperbuat daripada batu, pasir, dan kerikil. Ditutup pada tiga sisi oleh dinding yang mengelilinginya, taman itu hanya bertujuan untuk renungan. Pada akhir abad ke-15. salah satu taman kering yang paling terkenal telah dicipta di Biara Reanji. Ia termasuk 15 batu yang terletak di kawasan kerikil segi empat tepat. Di Taman Hiraniwa Biara Daitokuji, yang dicipta pada tahun 1509, alam semula jadi diwakili oleh komposisi batu dan kerikil. Salah satu bahagian taman dipanggil "lautan kekosongan" dan terdiri daripada dua bukit kerikil rendah di antara kawasan segi empat tepat. Taman-taman itu boleh saling melengkapi.

Pada akhir abad ke-15. Sekolah lukisan hiasan mahkamah Kano telah dibentuk. Pengasas sekolah, Kano Masanobu (1434-1530), berasal dari kelas tentera dan menjadi artis mahkamah profesional yang diiktiraf. Landskapnya hanya ada latar depan, segala-galanya dikaburkan oleh jerebu berkabus. Penekanan pada satu subjek imej tertentu akan menjadi ciri sekolah Kano. Tempat utama dalam karya seniman sekolah Kano diduduki oleh lukisan dinding hiasan dan skrin dengan lukisan bergenre. Lukisan dinding telah menjadi komponen utama sintesis dengan bentuk seni bina dan satu cara untuk mempengaruhi makna kiasan ruang seni bina. Sebaliknya, ciri-ciri bentuk seni bina memerlukan kualiti gaya tertentu lukisan, itulah sebabnya kanun gaya baru secara beransur-ansur terbentuk, yang dipelihara dalam lukisan Jepun sehingga abad ke-19.

Shinden ialah sejenis bangunan kediaman. Bangunan utama, berbentuk segi empat tepat dalam pelan, mempunyai satu dewan, menghadap dataran dengan muka depan selatannya dan dibingkai oleh galeri di timur dan barat

Tempoh Momoyama (1X73-1614)

Dan kali ini era perang feudal berakhir, kuasa di negara itu diserahkan kepada diktator tentera berturut-turut - Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi dan Iyaesu Tokugawa. Ia adalah masa pertumbuhan bandar, sekularisasi dan pendemokrasian budaya, dan penembusan orientasi nilai baharu. Seni bina kultus telah kehilangan makna sebelumnya. Penguasa baru Jepun mengisytiharkan kuasa mereka dengan membina istana yang megah, pembinaannya disebabkan oleh kemunculan senjata api di Jepun dan perubahan yang sepadan dalam taktik pertempuran dan pertahanan. Istana ini menjadi jenis seni bina Jepun yang pada asasnya baru. Wilayah istana yang terletak tidak simetri, dikelilingi oleh parit dan menara pengawal dan menara sudut, termasuk dataran tengah dan banyak halaman dan bilik, tempat perlindungan dan laluan bawah tanah. Tempat tinggal terletak di dalam bangunan kayu yang terletak di kawasan istana dengan hierarki ruang dalaman yang ketat yang mencerminkan hierarki sosial. Lukisan dinding hiasan, bersaiz besar, dicat dengan warna terang pada latar belakang emas, paling sesuai untuk bahagian dalam istana yang tenggelam dalam senja.

Kano Eitoku (1543-1590). Pencipta gaya lukisan baharu yang direka untuk memuliakan diktator tentera. Dia adalah orang pertama yang mengembangkan prinsip komposisi tunggal pada permukaan mendatar yang besar, membesarkan bentuk, meninggalkan bahagian kecil untuk menyampaikan bukan sahaja siluet, tetapi juga dinamik bentuknya. Eitoku dicirikan oleh keinginan untuk meningkatkan kerataan lukisan dan meningkatkan kualiti hiasannya. Oleh itu, di tempat-tempat yang melambangkan ruang kosong, bintik-bintik dengan campuran serbuk emas diletakkan. Ruang komposisi tidak dilipat secara mendalam, tetapi di sepanjang pandangan.
Pada tahun 1576, sebuah istana yang belum pernah terjadi sebelumnya dengan menara tujuh tingkat yang besar telah didirikan di tepi Tasik Biwa, yang sepatutnya menunjukkan kuasa diktator Oda Nobunaga. Ciri khas istana ini adalah kehadiran bukan sahaja bilik rasmi, tetapi juga bilik persendirian. Hiasan utama bilik adalah lukisan dinding, yang diamanahkan kepada Kano Eitok, yang mengerjakannya selama tiga tahun dengan sekumpulan besar pembantu. Kano Eitoku, yang diktator tergesa-gesa menyelesaikan perintah itu, mula membesarkan borang, menggunakan berus tebal yang diperbuat daripada jerami padi, menggunakan bahasa artistik singkat. Tempat utama diduduki oleh imej pokok, bunga, burung dan haiwan. Skema warna itu terang, tidak ada nuansa warna.

Perubahan keadaan sosial di negara itu selepas shogun Tokugawa berkuasa membawa kepada pengharaman pembinaan istana.
Dalam karya artis sepertiga pertama abad ke-17. ciri-ciri baru mula menguasai. Dalam lukisan, keinginan untuk komposisi yang seimbang dan tenang, peningkatan dalam bentuk hiasan, dan minat dalam budaya era Heian dan karya Yamato-e menjadi lebih ketara. Ciri tersendiri Sekolah Kano pada masa ini - hiasan dan peningkatan hiasan. Apabila pada suku kedua abad ke-17. Pembinaan istana dilarang, dan skrin menjadi bentuk utama lukisan hiasan. Monumentaliti Kano Eitoku telah hilang daripada lukisan hiasan. Seni memperoleh sentuhan peribadi, yang juga mempengaruhi kualiti gayanya. Lukisan hiasan abad XVII paling kerap diilhamkan oleh wira dan tema kesusasteraan klasik, mencerminkan pelbagai minat golongan bangsawan puak, serta golongan elit borjuasi yang baru muncul. Lukisan hiasan dibangunkan di ibu kota lama, Kyoto.

Ogata Korin menjadi eksponen rasa pengguna baru seni - penduduk kota, peniaga dan tukang. wakil baru sekolah Kano.

Emakimano - skrol mendatar kertas atau sutera yang dilekatkan pada tapak yang dibingkai dengan sempadan brokat dengan penggelek kayu di hujungnya

Ogata Korin (1658-1716) hidup seperti orang kaya dan sentiasa melawat "kampung gay." Hanya selepas kehancuran, berhadapan dengan keperluan yang teruk untuk mencari rezeki, dia mula terlibat dalam lukisan tekstil dan lukisan. Ogata Korin berurusan dengan kedua-dua seramik dan barangan lakuer, serta kimono dicat dan kipas. Bagaimana
tuan, dia mulakan dengan berjumpa dengan lukisan tradisional dan teknik dia. Korin sentiasa berusaha untuk kekompakan, keseimbangan bentuk, ciri ciri cara kreatif- penumpuan pada pembangunan beberapa motif plot, pengulangan dan variasi berulang mereka. Buat pertama kali dalam karya Ogata Korin, kerja dari kehidupan muncul. Dalam lukisan skrin "Pokok Plum Merah dan Putih", motif plot yang diambil oleh Korin kembali kepada puisi klasik dengan imej awal musim bunga dan alam semula jadi kebangkitan. Di kedua-dua belah sungai, pokok berbunga ditulis pada latar belakang keemasan: pokok plum merah yang gempal dengan batang melengkung tebal dan cawangan yang hampir menegak, dan satu lagi, hanya ditunjukkan oleh kaki batang dan cawangan melengkung tajam, sebagai jika jatuh ke air, dan oleh itu tiba-tiba termuntah, bertaburan dengan bunga putih.

Elang Kano Eitoku di atas pokok pain. Skrin. Perincian dari akhir abad ke-16.

Ogata Kenzan (1663-1743), tidak seperti abangnya Ogata Korin, tertarik kepada nilai-nilai kerohanian sejak mudanya, adalah seorang pengikut Buddhisme Zen, mengetahui kesusasteraan klasik Cina dan Jepun, teater Noh, dan upacara minum teh. Di wilayah milik Kuil Ninnaji, Kenzan mendapat kebenaran untuk membina tanur seramiknya sendiri, yang menghasilkan produk selama 13 tahun sehingga 1712. Dia tidak berusaha untuk mendapatkan keuntungan, dia dipandu oleh idea untuk mencipta produk yang sangat artistik. . Buat pertama kalinya beliau menggunakan teknik lukisan dakwat tradisional dalam lukisan tiga dimensi. Kenzan mula menggunakan warna, dia menulis pada serpihan lembap, tanah liat berliang menyerap cat, seperti kertas dalam lukisan dakwat. Seperti kontemporarinya yang hebat, penyair Basho, yang menjadikan genre haiku rendah popular menjadi wahyu, Ogata Kenzan menunjukkan bahawa pinggan seramik biasa, cawan, dan pasu boleh menjadi objek utilitarian dan pada masa yang sama karya seni puitis.

Zaman Edo (1614-1868)

Pada tahun 1615, samurai telah ditempatkan semula dari Kyoto ke Edo. Kepentingan golongan pedagang, peniaga dan peminjam wang, yang tertumpu di Mara, Kyoto dan Osaka, semakin penting. Bagi wakil-wakil ini kumpulan sosial Ia dicirikan oleh persepsi duniawi tentang kehidupan, keinginan untuk membebaskan dirinya daripada pengaruh moral feudal. Buat pertama kalinya, seni beralih kepada tema kehidupan seharian, termasuk kehidupan yang dipanggil. kawasan kejiranan yang ceria - dunia rumah teh, teater Kabuki, ahli gusti sumo. Penampilan ukiran kayu dikaitkan dengan pendemokrasian budaya, kerana ukiran dicirikan oleh peredaran, murah dan kebolehcapaian. Selepas lukisan rumah Ukiran itu mula dipanggil ukiyo-e (secara harfiah - dunia yang fana, boleh berubah).

Pengeluaran ukiran memperoleh skop yang luas. Tempoh awal pembangunan grafik ukiyo-e dikaitkan dengan nama Hashikawa Moronobu (1618-1694), yang menggambarkan adegan mudah dari kehidupan penduduk rumah teh dan tukang, menggabungkan dalam satu acara ukiran dari masa yang berbeza, tidak berkaitan untuk setiap seorang. Latar belakang ukiran kekal putih, garisan jelas. Secara beransur-ansur, julat tema dalam ukiran berkembang, dan minat bukan sahaja pada luaran, tetapi juga dalam dunia dalaman watak menjadi lebih mendalam. Ukiran Jepun pada 1780-1790. sedang memasuki zaman kegemilangannya. Suzuki Haranobu (1725-1770) mula-mula mula mendedahkan dunia dalaman wira dalam ukiran seperti "Beauties Plucking a Plum Branch" dan "Lovers in a Snowy Garden." Dia adalah orang pertama yang menggunakan teknik guling, mencipta peralihan daripada nada gelap kepada terang, dan mempelbagaikan ketebalan dan tekstur garisan. Dia tidak pernah peduli tentang warna sebenar, laut dalam ukirannya berwarna merah jambu, langit berpasir, rumput berwarna biru, semuanya bergantung pada umum mood emosi adegan. Salah seorang dia karya terbaik"Pencinta bermain shamisen yang sama" dicipta atas tema pepatah Jepun - "Jika muzik menggalakkan cinta, bermain."

Tokonoma - niche di pedalaman rumah teh

Kitagawa Utamaro (1753-1806) - seorang pakar ukiyo-e yang cemerlang. Kerjanya bermula dengan album "The Book of Insects" dan "Songs of Shells". Dalam potret wanita separuh panjang dan penuh, Utamaro adalah yang pertama menggunakan serbuk mika, yang menghasilkan latar belakang yang berkilauan. Utamaro yang cantik sangat ideal dengan bentuk dan set kepalanya yang anggun,
leher nipis, mulut kecil, kening hitam pendek. Dalam episod "Sepuluh" watak perempuan" dan "Hari dan Jam Wanita" dia berusaha untuk mengenal pasti pelbagai jenis penampilan dan perwatakan wanita. Pada penghujung tahun 90an. di Utamaro dia menangani tema keibuan dalam cetakan seperti "Ibu dengan Anak" dan "Permainan Bola", pada masa yang sama dia mencipta triptychs dan polyptychs pada tema sejarah, menggunakan sebutan tidak langsung (wira negara digambarkan sebagai jelita ). Teshusai Sharaku mencipta satu siri potret pelakon Kabuki dan ahli gusti sumo. Dia meninggalkan tradisi yang diterima umum, menjadikan yang aneh sebagai teknik utamanya. Tempoh ketiga pembangunan ukiran ukiyo-e jatuh pada 1800-1868. Pada masa ini, pengaruh terhadap seni jepun Goresan Belanda dan Jerman. Kreativiti dinasti artistik Utagawa menjadi dicirikan oleh penolakan terhadap pencarian keperibadian dan keinginan untuk rahmat formal. Perkembangan genre landskap dalam ukiran dikaitkan dengan nama Katsushika Hokusai (1760-1849). Hokusai mempelajari kuno dan trend moden Seni Jepun, mengenali seni China dan berkenalan dengan ukiran Eropah. Sehingga hampir 50 tahun, Hokusai bekerja dengan cara tradisional artis ukiyo-e. Hanya dalam album Manga (buku sketsa), jilid pertama yang diterbitkan pada tahun 1812, Hokusai menemui bidang seninya. Sekarang dia melukis pemandangan setiap hari, landskap, orang ramai.

taman landskap jepun

Pada usia 70 tahun, Hokusai mencipta sirinya "36 Pemandangan Gunung Fuji", dalam setiap cetakan artis menggambarkan Gunung Fuji. Gabungan tema genre dengan landskap adalah ciri Hokusai. Tidak seperti pelukis landskap purba, Hokusai menunjukkan bumi dari bawah. Pada masa yang sama, dia mencipta siri "Perjalanan melalui air terjun negara", "Jambatan", "Bunga Besar", "100 Pemandangan Fuji". Hokusai boleh memindahkan sesuatu daripada sisi yang tidak dijangka. Dalam ukiran "100 Pemandangan Fuji," gunung sama ada muncul dari kegelapan malam seperti penglihatan, atau kelihatan di sebalik batang buluh, atau dipantulkan di tasik. Seorang pengikut Hokusai, Ando Hiroshige (1797-1858), melukis alam dengan lebih realistik. Seorang ejen sungai mengikut profesionnya, dia banyak mengembara ke seluruh negara, mencipta sirinya "53 Stesen Tokaido", "8 Pemandangan Tasik Omi", "69 Pemandangan Kishikaido". Seni Hiroshige mendekati lukisan Eropah, menamatkan zaman kegemilangan dua ratus tahun cetakan ukiyo-e.

Jepun? Bagaimana ia berkembang? Kami akan menjawab soalan ini dan soalan lain dalam artikel. Budaya Jepun terbentuk akibatnya pergerakan sejarah, yang bermula apabila Jepun berpindah dari tanah besar ke Nusantara dan tamadun zaman Jomon lahir.

Pencerahan semasa umat ini banyak dipengaruhi oleh Eropah, Asia (terutama Korea dan China) dan Amerika Utara. Salah satu tanda budaya Jepun ialah perkembangannya yang panjang dalam era pengasingan lengkap negara (dasar sakoku) dari semua negara lain semasa pemerintahan Keshogunan Tokugawa, yang berlangsung hingga pertengahan abad ke-19 - permulaan Meiji. era.

Pengaruh

Bagaimanakah budaya seni Jepun berkembang? Tamadun dipengaruhi dengan ketara oleh lokasi wilayah terpencil negara, iklim dan ciri geografi, serta fenomena semula jadi (taufan dan gempa bumi yang kerap). Ini dinyatakan dalam sikap luar biasa penduduk terhadap alam semula jadi sebagai makhluk hidup. Satu ciri watak kebangsaan Jepun ialah keupayaan untuk mengagumi keindahan Alam Semesta yang mengalir, yang dinyatakan dalam pelbagai jenis seni di sebuah negara kecil.

Budaya seni Jepun dicipta di bawah pengaruh agama Buddha, Shintoisme dan Konfusianisme. Arah yang sama ini mempengaruhi perkembangan selanjutnya.

Masa dahulu

Setuju, budaya seni Jepun sangat mengagumkan. Shintoisme berakar umbi pada zaman dahulu. Agama Buddha, walaupun ia muncul sebelum era kita, mula tersebar hanya dari abad kelima. Zaman Heian (abad ke-8-12) dianggap sebagai era keemasan negara Jepun. Dalam tempoh yang sama, budaya bergambar negara ini mencapai titik tertinggi.

Konfusianisme muncul pada abad ke-13. Pada peringkat ini, berlaku pemisahan falsafah Konfusius dan Buddhisme.

Hieroglif

Imej budaya seni Jepun terkandung dalam ayat unik yang dipanggil. Di negara ini, seni kaligrafi juga sangat maju, yang menurut legenda, timbul daripada imej ilahi syurga. Merekalah yang menghembuskan kehidupan ke dalam penulisan, jadi penduduk peka terhadap setiap tanda dalam ejaan.

Terdapat khabar angin bahawa budaya Jepun diberikan oleh hieroglif, kerana dari mereka imej yang mengelilingi prasasti itu muncul. Tidak lama kemudian, gabungan kuat unsur lukisan dan puisi dalam satu karya mula diperhatikan.

Jika anda mengkaji skrol Jepun, anda akan mendapati bahawa karya itu mengandungi dua jenis simbol. Ini adalah tanda-tanda penulisan - anjing laut, puisi, kolofen, serta lukisan. Pada masa yang sama, teater Kabuki mendapat populariti yang besar. Jenis teater yang berbeza - Tidak - disukai terutamanya oleh anggota tentera. keterukan dan kekejaman mereka mempunyai pengaruh yang kuat terhadap Noh.

Melukis

Budaya seni telah dikaji oleh ramai pakar. Lukisan Kaiga, yang dalam bahasa Jepun bermaksud lukisan atau lukisan, memainkan peranan yang besar dalam perkembangannya. Seni ini dianggap sebagai jenis lukisan tertua di negeri ini, yang ditentukan oleh sejumlah besar penyelesaian dan bentuk.

Di dalamnya, alam semula jadi menduduki tempat yang istimewa, yang mentakrifkan prinsip suci. Pembahagian lukisan kepada sumi-e dan yamato-e telah wujud sejak abad kesepuluh. Gaya pertama berkembang lebih dekat ke abad keempat belas. Ia adalah sejenis cat air monokrom. Yamato-e ialah skrol berlipat mendatar yang biasa digunakan dalam reka bentuk karya sastera.

Tidak lama kemudian, pada abad ke-17, percetakan pada tablet - ukiyo-e - muncul di negara ini. Sarjana menggambarkan landskap, geisha, pelakon terkenal Teater Kabuki. Lukisan jenis ini mempunyai pengaruh yang kuat terhadap seni Eropah pada abad ke-18. Aliran baru muncul dipanggil "Jepun". Pada Zaman Pertengahan, budaya Jepun melangkaui sempadan negara - ia mula digunakan dalam reka bentuk dalaman yang bergaya dan bergaya di seluruh dunia.

kaligrafi

Oh, indahnya budaya seni Jepun! Pencapaian keharmonian dengan alam dapat dilihat pada setiap segmennya. Apakah kaligrafi Jepun moden? Ia dipanggil shodo ("jalan pemberitahuan"). Seni khat, seperti menulis, adalah disiplin wajib. Para saintis mendapati bahawa seni ini datang ke sana pada masa yang sama dengan tulisan Cina.

By the way, pada zaman dahulu budaya seseorang dinilai oleh tahap kaligrafinya. Hari ini terdapat sejumlah besar gaya penulisan, dan ia dibangunkan oleh sami Buddha.

arca

Bagaimanakah budaya Jepun muncul? Kami akan mengkaji perkembangan dan jenis kawasan aktiviti manusia ini dengan seberapa terperinci yang mungkin. Arca adalah jenis seni tertua di Jepun. Pada zaman dahulu, masyarakat negara ini membuat patung berhala dan hidangan daripada seramik. Kemudian orang ramai mula memasang arca haniwa yang diperbuat daripada tanah liat yang dibakar di atas kubur.

Perkembangan kraf arca dalam budaya Jepun moden dikaitkan dengan penyebaran agama Buddha di negeri itu. Salah satu wakil monumen Jepun yang paling kuno ialah patung kayu Amitabha Buddha yang terletak di Kuil Zenko-ji.

Patung-patung itu sangat kerap dibuat dari rasuk, tetapi mereka kelihatan sangat kaya: para pengrajin menutupinya dengan varnis, emas dan warna-warna terang.

Origami

Adakah anda suka budaya seni Jepun? Memahami keharmonian dengan alam semula jadi akan membawa kesan yang tidak dapat dilupakan. Ciri ciri Budaya Jepun telah menjadi sumber produk origami (“kertas lipat”) yang menakjubkan. Kemahiran ini berhutang asal usulnya kepada China, di mana, sebenarnya, parchment telah dicipta.

Pada mulanya, "kertas berlipat" digunakan dalam upacara keagamaan. Seni ini hanya boleh dipelajari oleh golongan atasan sahaja. Tetapi selepas Perang Dunia II, origami meninggalkan rumah bangsawan dan menemui pengagumnya di seluruh Bumi.

Ikebana

Setiap orang harus tahu apa itu budaya seni negara Timur. Jepun telah meletakkan banyak usaha dalam pembangunannya. Satu lagi komponen budaya ini negara yang menakjubkan ialah ikebana (“bunga hidup”, “ kehidupan baru warna"). Orang Jepun adalah peminat estetika dan kesederhanaan. Kedua-dua kualiti ini dimasukkan ke dalam karya. Kecanggihan imej dicapai melalui penggunaan berfaedah keindahan semula jadi tumbuh-tumbuhan. Ikebana, seperti origami, juga berfungsi sebagai sebahagian daripada upacara keagamaan.

Miniatur

Mungkin ramai yang sudah menyedari budaya seni itu China purba dan Jepun saling berkait rapat. Apakah bonsai? Ini adalah keupayaan Jepun yang unik untuk memupuk salinan miniatur pokok sebenar yang hampir tepat.

Di Jepun, ia juga biasa membuat netsuke - arca kecil yang merupakan sejenis rantai kunci. Selalunya angka sedemikian dilampirkan dalam kapasiti ini pada pakaian Jepun, yang tidak mempunyai poket. Mereka bukan sahaja menghiasinya, tetapi juga berfungsi sebagai pengimbang yang unik. Cincin kunci dibuat dalam bentuk kunci, kantung atau bakul rotan.

Sejarah lukisan

Budaya seni Jepun Purba menarik minat ramai orang. Lukisan di negara ini berasal semasa zaman Paleolitik Jepun dan berkembang seperti berikut:

• tempoh Yamato. Semasa zaman Asuka dan Kofun (abad IV-VII), serentak dengan pengenalan hieroglif, penciptaan rejim negara berdasarkan model Cina dan mempopularkan agama Buddha, banyak karya seni dibawa ke Jepun dari Empayar Celestial. . Selepas ini, lukisan gaya Cina mula diterbitkan semula di Negara Matahari Terbit.
• Masa Nara. Pada abad VI dan VII. Agama Buddha terus berkembang di Jepun. Dalam hal ini, lukisan keagamaan mula berkembang, digunakan untuk menghiasi banyak kuil yang dibina oleh golongan bangsawan. Secara amnya, zaman Nara lebih banyak menyumbang kepada perkembangan seni arca dan seni berbanding lukisan. Lukisan awal Siri ini termasuk lukisan di dinding dalaman Kuil Horyu-ji di Wilayah Nara, menceritakan kisah kehidupan Buddha Shakyamuni.
• era Heian. Dalam lukisan Jepun, bermula dari abad ke-10, trend Yamato-e telah dibezakan, seperti yang kami tulis di atas. Lukisan sedemikian adalah skrol mendatar yang digunakan untuk menggambarkan buku.
• Zaman Muromachi. Pada abad ke-14, gaya supi-e (cat air monokrom) muncul, dan pada separuh pertama abad ke-17. artis mula mencetak ukiran pada tablet - ukiyo-e.
• Lukisan zaman Azuchi-Momoyama sangat berbeza dengan lukisan zaman Muromachi. Ia dicirikan oleh gaya polikrom dengan penggunaan perak yang meluas dan Dalam tempoh ini, institusi pendidikan Kano menikmati prestij dan kemasyhuran yang hebat. Pengasasnya ialah Kano Eitoku, yang mengecat siling dan pintu gelangsar untuk memisahkan bilik. Lukisan sedemikian menghiasi istana dan istana bangsawan tentera.
• zaman Maiji. Sejak separuh kedua abad ke-19, seni telah dibahagikan kepada tradisional dan bersaing gaya eropah. Semasa era Maiji, Jepun telah mengalami perubahan sosial dan politik yang hebat melalui proses pemodenan dan Eropahisasi yang didalangi oleh pihak berkuasa. Artis muda yang menjanjikan dihantar ke luar negara untuk belajar, dan pelukis asing datang ke Jepun untuk mencipta program seni sekolah. Walau apa pun, selepas lonjakan awal rasa ingin tahu tentang gaya artistik Di Barat, bandul berayun ke arah yang bertentangan, dan gaya tradisional Jepun dihidupkan semula. Pada tahun 1880, amalan seni Barat diharamkan daripada pameran rasmi dan dikritik hebat.

Puisi

Budaya seni Jepun Purba masih dikaji. Keanehannya ialah kepelbagaian, beberapa sintetik, kerana ia dibentuk di bawah pengaruh agama yang berbeza. Adalah diketahui bahawa puisi klasik Jepun muncul dari kehidupan seharian, bertindak di dalamnya, dan kesederhanaan ini sedikit sebanyak dipelihara dalam bentuk tradisional puisi moden - haiku tiga baris dan tanka lima baris, yang dibezakan oleh watak jisim yang jelas. Dengan cara ini, kualiti inilah yang membezakan mereka daripada "ayat bebas" yang cenderung ke arah elitisme, yang muncul pada awal abad ke-20 di Jepun di bawah pengaruh puisi Eropah.

Adakah anda perasan bahawa peringkat perkembangan budaya seni Jepun adalah pelbagai rupa? Puisi memainkan peranan yang istimewa dalam masyarakat negara ini. Salah satu genre yang paling terkenal ialah haiku; anda boleh memahaminya hanya dengan membiasakan diri dengan sejarahnya.

Mula-mula muncul pada era Heian, ia serupa dengan gaya renga, yang merupakan saluran penyair yang ingin berehat dari puisi waha yang bernas. Haikai berkembang menjadi genrenya sendiri pada abad ke-16 apabila renga menjadi terlalu serius dan haiku bergantung pada bahasa pertuturan dan masih berjenaka.

Sudah tentu, budaya seni Jepun diterangkan secara ringkas dalam banyak karya, tetapi kami akan cuba membincangkannya dengan lebih terperinci. Adalah diketahui bahawa pada Zaman Pertengahan salah satu genre sastera Jepun yang paling terkenal ialah tanka ("lagu laconic"). Dalam kebanyakan kes, ini ialah pentaverse, yang terdiri daripada sepasang rangkap dengan bilangan suku kata tetap: 5-7-5 suku kata dalam tiga baris rangkap pertama, dan 7-7 dalam dua baris kedua. Bagi kandungan, tangki menggunakan skema berikut: bait pertama mewakili imej semula jadi tertentu, dan yang kedua mencerminkan perasaan manusia yang menggemakan imej ini:

• Di pergunungan terpencil yang jauh
  Pegar ekor panjang tidur -
  Malam yang panjang dan panjang ini
  Patutkah saya tidur sendirian? ( Kakinomoto no Hitowaro, awal abad ke-8, terjemahan oleh Sanovich.)

drama jepun

Ramai orang mendakwa bahawa budaya seni China dan Jepun adalah menarik. Adakah anda suka seni persembahan? Dramaturgi tradisional Tanah Matahari Terbit terbahagi kepada joruri (teater boneka), dramaturgi Noh (kyogen dan yokyouku), teater Kabuki dan Shingeki. Adat resam seni ini merangkumi lima genre teater asas: kyogen, no, bugaku, kabuki dan bunraku. Kelima-lima tradisi ini masih ada sehingga kini. Walaupun terdapat perbezaan yang besar, mereka disambungkan oleh prinsip estetik biasa yang mendasari seni Jepun. By the way, drama Jepun berasal dari pentas Noh.

Teater Kabuki muncul pada abad ke-17 dan mencapai kemuncaknya menjelang akhir abad ke-18. Bentuk persembahan yang berkembang dalam tempoh ini dikekalkan pada pentas moden Kabuki. Produksi teater ini, tidak seperti pentas Noh, yang ditujukan kepada kalangan sempit peminat seni purba, direka untuk khalayak ramai. Akar-akar kemahiran Kabuki berpunca daripada persembahan pelawak - penghibur sandiwara kecil, skit yang terdiri daripada tarian dan nyanyian. Kemahiran teater Kabuki menyerap unsur Joruri dan Noh.

Kemunculan teater Kabuki dikaitkan dengan nama seorang pekerja di tempat perlindungan Buddha O-Kuni di Kyoto (1603). O-Kuni membuat persembahan di atas pentas dengan tarian keagamaan, termasuk pergerakan tarian rakyat Nembutsu-odori. Persembahannya diselitkan dengan lakonan komik. Pada peringkat ini, produksi dipanggil yujo-kabuki (Kabuki para pelacur), O-Kuni-kabuki atau onna-kabuki (Kabuki wanita).

ukiran

Pada abad yang lalu, orang Eropah, dan kemudian Rusia, menghadapi fenomena seni Jepun melalui ukiran. Sementara itu, di Tanah Matahari Terbit, lukisan pada kayu pada mulanya tidak dianggap sebagai kemahiran sama sekali, walaupun ia mempunyai semua sifat budaya massa - murah, aksesibiliti, peredaran. Pakar Ukiyo-e tahu bagaimana untuk mencapai kejelasan dan kesederhanaan tertinggi baik dalam penjelmaan plot dan dalam pilihan mereka.

Ukiyo-e ialah sekolah seni yang istimewa, jadi ia mampu melahirkan beberapa artis yang cemerlang. Oleh itu, fasa awal pembangunan ukiran plot dikaitkan dengan nama Hishikawa Moronobu (1618-1694). Pada pertengahan abad ke-18, pakar pertama dalam ukiran pelbagai warna, Suzuki Harunobu, bekerja. Motif utama karyanya adalah adegan lirik, di mana perhatian tidak diberikan kepada tindakan, tetapi kepada pemindahan perasaan dan perasaan: cinta, kelembutan, kesedihan. Seperti indah seni purba Semasa era Heian, ukiyo-e virtuosos menghidupkan semula kultus luar biasa kecantikan wanita dalam persekitaran bandar yang diperbaharui.

Satu-satunya perbezaan adalah bahawa bukannya bangsawan Heian yang bangga, ukiran itu menggambarkan geisha yang anggun dari daerah hiburan Edo. Artis Utamaro (1753-1806) mungkin merupakan contoh unik dalam sejarah lukisan seorang profesional yang menumpukan sepenuhnya ciptaannya untuk menggambarkan wanita dalam pelbagai pose dan pakaian, dalam pelbagai keadaan kehidupan. Salah satu karya terbaiknya ialah ukiran "Geisha Osama", yang disimpan di Moscow, di Muzium Lukisan A. S. Pushkin. Artis dengan sangat halus menyampaikan kesatuan gerak isyarat dan mood, ekspresi muka.

Manga dan anime

Ramai pelukis cuba mempelajari lukisan Jepun. Apakah anime (animasi Jepun)? Ia berbeza daripada genre animasi lain dalam tumpuan yang lebih besar kepada penonton dewasa. Di sini terdapat pembahagian pendua kepada gaya untuk tidak jelas penonton sasaran. Ukuran pemecahan ialah jantina, umur atau potret psikologi penonton filem. Selalunya, anime ialah filem adaptasi daripada komik manga Jepun, yang juga telah mendapat kemasyhuran yang hebat.

Bahagian asas manga ditujukan untuk penonton dewasa. Sehingga 2002, kira-kira 20% daripada jumlah pasaran buku Jepun diduduki oleh komik manga.

Jepun dekat dengan kita secara geografi, tetapi walaupun ini, untuk masa yang lama ia tetap tidak dapat difahami dan tidak dapat diakses oleh seluruh dunia. Hari ini kita tahu banyak tentang negara ini. Pengasingan sukarela yang lama telah membawa kepada fakta bahawa budayanya berbeza sama sekali daripada budaya negeri lain.

Kategori Perincian: Seni halus dan seni bina abad ke-19 Diterbitkan 08/14/2017 18:30 Pandangan: 1604

Pada separuh pertama abad ke-19. Gaya ukiyo-e masih dominan dalam lukisan Jepun. Pada tahun 1868, selepas Revolusi Meiji dan pembukaan sempadan, pencapaian tamadun Barat menjadi lebih mudah diakses di Jepun, dan ukiyo-e secara beransur-ansur hilang dari fesyen, digantikan dengan fotografi.
Tetapi perkara pertama dahulu.

Gaya Ukiyo-e

Ukiyo-e(Lukisan Jepun (imej) dunia yang berubah-ubah) - arah dalam seni halus Jepun. Pada mulanya, istilah Buddha ini digunakan untuk bermaksud "dunia fana, lembah kesedihan." Tetapi pada zaman Edo, dengan kemunculan kawasan bandar yang ditetapkan khas di mana teater Kabuki berkembang pesat dan rumah-rumah geisha dan pelacur terletak, istilah itu telah ditafsirkan semula, dan ia mula difahami sebagai "dunia keseronokan sekejap, dunia cinta.”
Cetakan Ukiyo-e adalah jenis utama potongan kayu di Jepun. Bentuk seni ini menjadi popular dalam budaya bandar pada separuh kedua abad ke-17. Pengasas ukiyo-e ialah seorang pelukis dan artis grafik Jepun. Hishikawa Moronobu.

H. Moronobu “Musim luruh di Asakusa. Bunga sakura di Taman Ueno." Lukisan skrin. Galeri Freer (Washington)
Pada mulanya, ukiran adalah hitam dan putih, dibuat dalam dakwat. Dari awal abad ke-18. beberapa karya telah dilukis dengan tangan menggunakan berus.
Cetakan Ukiyo-e ditujukan terutamanya untuk penduduk bandar yang tidak mampu membeli lukisan yang lebih mahal.
Tema ukiyo-e ialah gambar kehidupan seharian: geisha yang cantik, gusti sumo, pelakon kabuki popular, dan kemudiannya, cetakan landskap.

Katsushika Hokusai "The Great Wave off Kanagawa" (1823-1831)
Dalam tempoh abad XVIII-XIX. artis terkenal termasuk Utamaro, Hokusai, Hiroshige dan Toshusai Sharaku.
Pada ketika gaya ukiyo-e mula keluar dari fesyen di Jepun, ia mendapat populariti di Eropah Barat dan Amerika, dan pengkritik seni mula membeli ukiran secara beramai-ramai.
Cetakan Jepun memberi inspirasi kepada ramai artis Eropah yang bekerja dalam gaya kubisme, impresionisme, post-impresionisme: Vincent van Gogh, Claude Monet, dll. Pengaruh ini dipanggil "Jepun".

Vincent van Gogh "Potret Bapa Tanguy" (1887-1888). Kanvas, minyak. Muzium Rodin (Paris)

Artis Ukiyo-e terkenal:

Hishikawa Moronobu (abad XVII)
Kitagawa Utamaro (abad XVIII)
Kawanabe Kyosai (abad ke-19)
Katsushika Hokusai (abad XVIIII-XIX)
Utagawa Hiroshige (abad ke-19)
Utagawa Kunisada (abad ke-19)
Utagawa Kuniyoshi (abad ke-19)
Keisai Eisen (abad ke-19)
Suzuki Harunobu (abad XIX)
Toyohara Kunitika (abad ke-19)
Tsukioka Yoshitoshi (abad ke-19)
Ogata Gekko (abad XIX-XX)
Hasui Kawase (abad XX)

Mari kita lihat kreativiti sebahagian daripada mereka.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Katsushika Hokusai. Potret diri
Artis ukiyo-e Jepun yang terkenal, ilustrator, pengukir. Dia bekerja di bawah banyak nama samaran (sekurang-kurangnya 30). Dilahirkan dalam keluarga tukang, dia mula melukis pada usia 6 tahun. Semasa bekerja di kedai buku, dia belajar membaca dan menulis. Kemudian dia bekerja di bengkel pengukir - ukiran sangat popular di Jepun pada masa itu.
Pada tahun 1793-1794. bermula hidup berdikari artis, agak berat dari segi material, tetapi penuh dengan seni - dia mempelajari sekolah lukisan yang berbeza: sekolah Kano (landskap, imej burung dan haiwan, pemandangan setiap hari; mereka menghiasi pintu skrin gelongsor dengan corak); Sekolah Sotatsu (imej Kehidupan seharian Jepun dan Landskap Jepun pada pintu gelangsar). Artis secara beransur-ansur mula mengembangkan gayanya sendiri.
Pada tahun 1796, artis mula menggunakan apa yang kemudiannya digunakan secara meluas nama samaran yang dikenali Hokusai. Pada tahun 1800, pada usia 41 tahun, artis itu mula memanggil dirinya Gakejin Hokusai ("Hokusai Gila Melukis").
Artis memahami gambaran dunia melalui kesedaran tentang kepentingan dan nilai istimewa kehidupan seharian manusia, kerja dan kebimbangan mereka. Kehidupan alam semula jadi, makna dan keindahannya di landskap Hokusai menjadi mudah difahami hanya kerana kehadiran orang di dalamnya, sibuk dengan urusan biasa mereka. Hokusai menghabiskan sebahagian besar hidupnya mengembara ke seluruh negara, melakar semua yang dilihatnya. Hokusai dikenali bukan sahaja sebagai pengukir, tetapi juga sebagai seorang penulis, penyair dan pelukis.
Beliau adalah yang pertama daripada artis ukiran Jepun yang landskap kerjanya mendapat kepentingan. genre bebas. Landskap Hokusai merakamkan rupa semula jadi Jepun yang meriah dan megah.
Untuk saya lama aktiviti seni beliau mencipta kira-kira 30 ribu lukisan dan ukiran serta menggambarkan kira-kira 500 buah buku.
Zaman kegemilangan kerja Hokusai bermula pada tahun 1820-an dan awal 1830-an. Pada masa ini dia mencipta siri landskap terbaiknya. Siri ini memukau dengan kedalaman dan kekayaan visi artistik Hokusai - dari pemahaman falsafah yang luas tentang gambaran dunia dalam siri "36 Pemandangan Gunung Fuji" (1823-1829), menunjukkan keagungan epik alam semula jadi dalam siri " Bridges" (1823-1829), mengagumi kuasa unsurnya dalam "Air Terjun" (1827-1830) kepada pengalaman lirik halus alam semula jadi dalam siri "Penyair China dan Jepun" (1830).

Katsushika Hokusai “Angin Selatan. Hari yang cerah". Potongan kayu berwarna (1823-1831) daripada siri "Tiga puluh enam pemandangan Gunung Fuji"
Salah satu yang paling kerja yang penting Hokusai, di mana keaslian karyanya sebagai seorang pemikir artis paling banyak didedahkan, ialah siri "36 Views of Fuji". Sebilangan besar helaian dalam siri ini mewakili pelbagai adegan genre: seorang nelayan melabuhkan pukatnya; pekerja kilang papan yang bekerja di gudang kayu; cooper membuat tab, dsb. Semua adegan ini ditetapkan dalam landskap dengan Gunung Fuji di latar belakang.
Kerja Hokusai menimbulkan banyak peniruan; bilangan pelajarnya sangat ramai. Tetapi hampir semua pengikut artis dicirikan dengan mengasimilasikan hanya sisi luaran kaedah kreatifnya.

Surimono

Surimono adalah sejenis seni tradisional Jepun, potongan kayu berwarna, yang menjadi hadiah di kalangan cerdik pandai bandar Jepun. Sebab untuk hadiah sedemikian boleh menjadi ulang tahun, kelahiran anak lelaki, permulaan musim bunga ceri, Tahun Baru yang akan datang, dll. Genre surimono adalah pelbagai: gambaran figura, gambaran haiwan, bunga dan burung, landskap.
Imej yang dicipta dengan cara visual, puitis dan teknikal perlu mempunyai integriti. Surimono ialah seni, permainan, cara hiburan dan sebahagian daripada kehidupan penduduk bandar.

Katsushika Hokusai "Carps" (surimono)
Sumbangan Hokusai kepada peningkatan populariti surimono adalah hebat: dia menjadikannya jenis potongan kayu Jepun yang paling penting.
Orang dalam surimono Hokusai "hidup". Digambarkan dengan latar belakang landskap, mereka secara aktif berinteraksi dengannya: mereka menutup mata mereka dari matahari dengan tangan mereka, menunjuk ke awan, mengintip ke hamparan yang tidak berkesudahan, kadang-kadang berpaling ke belakang kepada penonton.

Katsushika Hokusai. Surimono

Manga

"Manga" (bahasa Jepun secara harfiah "lukisan Hokusai") adalah salah satu karya terpenting dalam warisan kreatif artis, yang dicipta olehnya pada kemuncak kemasyhurannya. "Manga" ialah ungkapan pandangan Hokusai tentang kreativiti, falsafahnya, dan mendedahkan rahsia tuannya; ianya berharga bukan sahaja sebagai peristiwa penting dalam kehidupan Hokusai, tetapi juga sebagai sumber maklumat penting tentang budaya dan seni Jepun feudal lewat. Manga Hokusai sering dipanggil "encyclopedia of the Japanese people." Kebanyakan lukisan menggambarkan pemandangan dari kehidupan bandar dan mengandungi banyak lakaran orang. Koleksi itu adalah diari di mana tuannya merekodkan semua yang dilihatnya dalam kehidupan dalam bentuk lukisan (bukan teks).

Katsushika Hokusai "Renungan Gunung Fuji" (1814) Manga
Hokusai, seperti seni Jepun pada umumnya, mempunyai pengaruh yang signifikan terhadap Eropah seni XIX abad, termasuk impresionisme Perancis. Tema cetakan Hokusai terdapat dalam karya Claude Monet, Pierre Auguste Renoir dan lain-lain.
Wakil penting terakhir cetakan Jepun pada separuh pertama abad ke-19. ialah pelukis landskap Ando Hiroshige.

Ando Hiroshige (1797-1858)

Utagawa Hiroshige ialah artis grafik Jepun, wakil pergerakan ukiyo-e, dan mahir dalam potongan kayu berwarna. Pengarang tidak kurang daripada 5400 ukiran. Dalam landskap lirik dengan motif genre, dia menyampaikan keadaan alam semula jadi yang tidak stabil, kesan atmosfera salji dan kabus. Dia bekerja di bawah nama samaran Ando Hiroshige.
Saya kehilangan ayah dan ibu saya awal. Seni yang bagus mula belajar selepas melihat hasil kerja Hokusai.
Hiroshige ialah pelajar pengukir Utagawa Toyohiro (1763-1828). Karya pertama yang membawa kemasyhuran Hiroshige ialah siri cetakan "53 Stesen Tokaido," yang diterbitkan pada tahun 1834. Meneruskan genre landskap Hokusai, Hiroshige mengembangkannya dengan caranya sendiri.
Tokaido adalah salah satu daripada lima jalan yang menghubungkan Edo dengan bahagian lain di Jepun. Ia berjalan di sepanjang pantai timur Honshu. Di sepanjangnya terdapat 53 stesen pos, di mana pelancong ditawarkan penginapan, makanan dan kandang kuda.
Pada tahun 1832, Hiroshige mengembara melalui Tokaido sebagai sebahagian daripada delegasi rasmi mengangkut kuda untuk mahkamah empayar. Landskap memberi kesan yang kuat kepada artis, dan dia membuat banyak lakaran. Apabila pulang ke rumah, dia mencipta kitaran 53 karya. Kejayaan siri ini menjadikan Hiroshige sebagai salah seorang pakar seni cetak yang paling penting dan diiktiraf.

A. Hiroshige. Stesen Pertama: Shinogawa

A. Hiroshige. Stesen 30: Maisaka

A. Hiroshige. Stesen ke-32: Shirasuka
DALAM kecantikan semula jadi Sifat Hiroshige tertarik kepada ekspresif.
Hasil kerja Hiroshige menamatkan zaman kegemilangan cemerlang potongan kayu warna Jepun pada separuh ke-18 dan pertama abad ke-19. Ukiran 1850-1860. tidak mengemukakan satu pun artis utama; penggayaan dan eklektikisme kelihatan lebih jelas di dalamnya.
Jepun mengalami revolusi borjuasi pada tahun 1868 dan menjadi monarki pada tahun 1880-an. Peristiwa ini menandakan permulaan peringkat baru dalam sejarah seni Jepun, kerana... Jepun memasuki sistem dunia negara kapitalis. Banyak sekolah dan kumpulan muncul dalam seni Jepun pada zaman ini. Sebahagian daripada mereka mengambil jalan untuk menguasai seni Eropah, artis Jepun yang lain (contohnya, Kuroda Kiyoteri (1866-1924) pergi belajar di Eropah. Tetapi ada juga yang berusaha untuk mengekalkan kesucian tradisi negara.
Penghujung abad ke-19 - permulaan abad ke-20. dalam seni Jepun ia adalah masa penyemakan tradisi seni lama, asimilasi seni Eropah, pencarian yang baru, serta untuk laluan pembangunan sendiri.

Seni Gunaan Jepun

Perkembangan seni gunaan Jepun bermula pada akhir abad ke-16. Pada abad ke-19 Ukiran kayu, ukiran tulang, seramik, dan porselin menjadi meluas.
Ia juga harus dikatakan tentang netsuke– arca kecil, karya seni hiasan dan gunaan Jepun. Netsuke ialah rantai kunci berukir kecil yang digunakan pada pakaian tradisional Jepun, kimono dan kosode.

Netsuke menggambarkan Hotei (dewa komunikasi, keseronokan dan kemakmuran). Gading, kerja moden
Netsuke pertama muncul di Jepun pada separuh kedua abad ke-16 dan awal abad ke-17. Sejak akhir abad ke-19. dan keseluruhan abad ke-20. netsuke dibuat untuk eksport. Mereka masih dibuat hari ini. Ini adalah produk cenderamata yang dihasilkan dengan cara penghantar, tidak terlalu Kualiti tinggi. Tetapi seni netsuke tidak hilang. Hari ini pun ada tukang yang kepakarannya ialah ukiran netsuke.

Netsuke dengan rahsia

Jepun adalah sebuah negara timur yang menakjubkan yang terletak di pulau-pulau. Nama lain untuk Jepun ialah Negara Matahari terbit. Iklim yang sederhana, hangat, lembap, banjaran gunung berapi dan perairan laut mencipta landskap yang indah di antaranya di mana remaja Jepun membesar, yang sudah pasti meninggalkan kesan pada seni negeri kecil ini. Ada orang di sini dengan tahun-tahun awal Mereka membiasakan diri dengan keindahan, dan bunga segar, tumbuhan hiasan dan taman kecil dengan tasik adalah ciri rumah mereka. Semua orang cuba mengatur sekeping alam liar untuk diri mereka sendiri. Seperti semua negara timur, Jepun telah mengekalkan hubungan dengan alam semula jadi, yang mereka hormati dan hormati sepanjang abad tamadun mereka.

Pelembapan udara: mesin basuh udara "WINIX WSC-500" menjana zarah air yang kecil.. Mod pengendalian mesin basuh Winix WSC-500: Mesin basuh udara "WINIX WSC-500" mempunyai mod pengendalian automatik yang mudah. Pada masa yang sama, kelembapan yang paling optimum dan selesa di dalam bilik dikekalkan - 50-60% dan mod pembersihan dan pengionan udara plasma (“Plasma Wave™”) dihidupkan secara lalai.

Seni bina Jepun

Untuk masa yang lama Jepun dianggap sebagai negara tertutup; hubungan hanya dengan China dan Korea. Oleh itu, perkembangan mereka mengikut laluan khasnya sendiri. Kemudian, apabila pelbagai inovasi mula menembusi wilayah pulau itu, Jepun dengan cepat menyesuaikannya untuk diri mereka sendiri dan membuat semula mereka dengan cara mereka sendiri. Gaya seni bina Jepun menampilkan rumah dengan bumbung melengkung yang besar untuk melindunginya daripada hujan lebat yang berterusan. Karya seni yang sebenar adalah istana empayar dengan taman dan astaka.

Antara bangunan keagamaan yang terdapat di Jepun, kita boleh menyerlahkan kuil Shinto kayu yang telah bertahan hingga ke hari ini, pagoda Buddha dan kompleks kuil Buddha yang muncul sejak kebelakangan ini. tempoh lewat sejarah, apabila agama Buddha masuk ke negara ini dari tanah besar dan diisytiharkan sebagai agama negara. Bangunan kayu, seperti yang kita tahu, tidak tahan lama dan mudah terdedah, tetapi di Jepun adalah kebiasaan untuk mencipta semula bangunan dalam bentuk asalnya, jadi walaupun selepas kebakaran ia dibina semula dalam bentuk yang sama di mana ia dibina pada masa itu.

arca Jepun

Agama Buddha mempunyai pengaruh yang kuat terhadap perkembangan seni Jepun. Banyak karya mewakili imej Buddha, begitu banyak patung dan arca Buddha dicipta di kuil. Mereka diperbuat daripada logam, kayu dan batu. Hanya selepas beberapa lama, tuan-tuan muncul yang mula membuat arca potret sekular, tetapi dari masa ke masa keperluan untuk mereka hilang, jadi relief arca dengan ukiran dalam mula digunakan lebih dan lebih kerap untuk menghiasi bangunan.

Arca miniatur netsuke dianggap sebagai bentuk seni kebangsaan Jepun. Pada mulanya, angka sedemikian memainkan peranan sebagai rantai kunci yang dipasang pada tali pinggang. Setiap patung mempunyai lubang untuk kord di mana barang-barang yang diperlukan digantung, kerana pakaian pada masa itu tidak mempunyai poket. Patung-patung Netsuke menggambarkan watak sekular, tuhan, syaitan atau pelbagai barangan, yang mempunyai makna rahsia yang istimewa, contohnya, keinginan untuk kebahagiaan keluarga. Netsuke diperbuat daripada kayu, gading, seramik atau logam.

Seni hiasan Jepun

Pembuatan senjata bermata telah dinaikkan ke tahap seni di Jepun, menjadikan pembuatan pedang samurai menjadi sempurna. Pedang, belati, bingkai untuk pedang, unsur-unsur peluru tempur berfungsi sebagai sejenis perhiasan lelaki, menunjukkan kepunyaan kelas, jadi ia dibuat tukang mahir, dihiasi dengan batu permata dan ukiran. Kraf rakyat Jepun juga termasuk seramik, barangan lakuer, tenunan, dan ukiran kayu. Produk seramik tradisional dilukis oleh tukang periuk Jepun dengan pelbagai corak dan sayu.

lukisan Jepun

Dalam lukisan Jepun, pada mulanya jenis lukisan monokrom, yang berkait rapat dengan seni kaligrafi, diutamakan. Kedua-duanya dicipta mengikut prinsip yang sama. Seni membuat cat, dakwat dan kertas datang ke Jepun dari tanah besar. Dalam hal ini, satu pusingan baru perkembangan seni lukisan bermula. Pada masa itu, salah satu jenis lukisan Jepun ialah skrol panjang mendatar emakinomo, yang menggambarkan pemandangan dari kehidupan Buddha. Lukisan landskap di Jepun mula berkembang lebih lama kemudian, selepas itu artis yang pakar dalam subjek dari kehidupan sosial, lukisan potret dan adegan perang.

Di Jepun mereka biasanya melukis pada skrin lipat, shoji, dinding rumah dan pakaian. Bagi orang Jepun, skrin bukan sahaja elemen berfungsi rumah, tetapi juga karya seni untuk renungan, menentukan mood keseluruhan bilik. Pakaian kebangsaan, kimono, juga merupakan karya seni Jepun, yang mempunyai rasa oriental yang istimewa. Panel hiasan pada kerajang emas menggunakan warna terang juga boleh diklasifikasikan sebagai karya lukisan Jepun. Orang Jepun telah mencapai kemahiran yang hebat dalam mencipta ukiyo-e, yang dipanggil ukiran kayu. Subjek lukisan sedemikian adalah episod dari kehidupan penduduk bandar biasa, artis dan geisha, serta landskap yang indah, yang menjadi hasil daripada perkembangan seni lukisan di Jepun.