Seni halus zaman Renaissance. Esei Penaakulan Seni Renaissance tentang Manusia Renaissance

Era kebangkitan merujuk, menurut beberapa sumber, kepada abad XIV-XVII. menurut yang lain - hingga abad XV - XVIII. Terdapat juga pandangan untuk tidak memilih kebangkitan sebagai satu era, tetapi menganggapnya sebagai akhir Zaman Pertengahan. Ini adalah tempoh krisis feudalisme dan perkembangan hubungan borjuasi dalam ekonomi dan ideologi. Istilah renaissance (Renaissance) diperkenalkan untuk menunjukkan bahawa pada era ini nilai-nilai terbaik dan cita-cita kuno, yang dimusnahkan oleh orang gasar (seni bina, arca, lukisan, falsafah, kesusasteraan), telah dihidupkan semula, tetapi istilah ini ditafsirkan. sangat bersyarat, kerana mustahil memulihkan semua masa lalu. Ini bukan kebangkitan masa lalu dalam bentuk tulen - ia adalah penciptaan yang baru menggunakan banyak nilai rohani dan material zaman dahulu. Di samping itu, adalah mustahil untuk memotong nilai-nilai sembilan abad Zaman Pertengahan, terutamanya nilai-nilai rohani yang dikaitkan dengan agama Kristian.

Renaissance adalah sintesis tradisi kuno dan zaman pertengahan, tetapi pada tahap yang lebih tinggi. Pada setiap peringkat era ini, arah tertentu adalah dominan. Jika pada mulanya ia adalah "Prometheism", iaitu ideologi yang membayangkan persamaan semua orang secara semula jadi, serta pengiktirafan kepentingan peribadi dan individualisme. Selanjutnya, muncul teori sosial baru yang mencerminkan semangat masa itu, dan teori humanisme menduduki peranan utama. Humanisme era kebangkitan tertumpu pada pemikiran bebas dan, oleh itu, pada struktur sosial dan kehidupan awam, yang paling kerap sepatutnya dicapai atas dasar demokrasi dalam rangka sistem republik.

Pandangan tentang agama juga mengalami perubahan. Falsafah semula jadi menjadi popular semula dan "panthemisme" (doktrin yang menafikan Tuhan sebagai manusia dan membawanya lebih dekat dengan alam semula jadi) semakin meluas.

Tempoh terakhir Renaissance ialah era Reformasi, melengkapkan pergolakan progresif terbesar dalam pembangunan budaya Eropah. Biasanya, kepentingan sejarah Renaissance dikaitkan dengan idea dan pencapaian artistik humanisme, yang mengisytiharkan, berbeza dengan pertapaan Kristian zaman pertengahan, kebesaran dan maruah manusia. Haknya untuk aktiviti rasional, keseronokan dan kebahagiaan dalam kehidupan duniawi. Humanis melihat dalam diri manusia ciptaan Tuhan yang paling indah dan sempurna. Mereka meluaskan kepada manusia ciptaan, kebolehan kreatif yang wujud dalam Tuhan, melihat takdirnya dalam pengetahuan dan transformasi dunia, dihiasi dengan kerjanya, dalam perkembangan sains dan kraf.

Bermula di Jerman, Reformasi melanda beberapa negara Eropah dan membawa kepada penyingkiran dari Gereja Katolik England, Scotland, Denmark, Sweden, Norway, Belanda, Finland, Switzerland, Republik Czech, Hungary, dan sebahagiannya Jerman. Ini adalah gerakan keagamaan dan sosio-politik yang luas yang bermula pada awal abad ke-16 di Jerman dan bertujuan untuk mengubah agama Kristian.

Itali adalah tempat kelahiran Renaissance. Kesusasteraan Renaissance tidak dapat dipisahkan daripada trend dalam kehidupan rohani era ini - humanisme (perlindungan kebebasan berfikir, pemusnahan sempadan kelas, pembebasan individu). Dalam perkembangan budaya Renaissance, 2 peringkat dibezakan: awal dan lewat. Di antara peringkat utama, seseorang boleh membezakan secara bersyarat peringkat Renaissance "tinggi".

Permulaan Renaissance dikaitkan dengan nama dan karya Dante Alighieri. Kehidupan dan kerja Dante Alighieri. Puisi Dante Dante dilahirkan pada separuh kedua Mei 1265 di Florence, yang utama pusat kebudayaan Itali abad XII-XIV. Adalah diketahui bahawa Alighieri memiliki rumah dan sebidang tanah di Florence dan sekitarnya dan merupakan orang kelas pertengahan.Pada usia 18 tahun, Dante kehilangan bapanya dan menjadi anak sulung dalam keluarga. Pada tahun 1283, beliau mendaftar dalam persatuan apotek dan doktor. Dante dididik dalam jumlah sekolah zaman pertengahan, kemudian belajar bahasa Perancis dan Provençal. Penyair muda dengan teliti mempelajari penyair kuno, terutamanya Virgil, yang dia anggap sebagai "pemimpin, tuan dan guru" sepanjang hidupnya.

Keghairahan utama Dante muda adalah puisi. Dia mula menulis puisi awal dan sudah pada awal 80-an abad ke-13. menulis banyak puisi lirik, hampir secara eksklusif mengandungi kandungan cinta. Pada usia 18 tahun, Dante mengalami krisis psikologi yang hebat - cinta kepada Beatrice, anak perempuan Florentine Folco Portinari, kawan bapanya, yang kemudiannya berkahwin dengan bangsawan Simone de Bardi dan meninggal dunia pada 1290 pada usia 25 tahun. Kisah cintanya kepada Beatrice Dante digariskan dalam koleksi kecil " Kehidupan baru". Selepas kematian Beatrice, penyair secara intensif mempelajari teologi, falsafah dan astronomi dan menjadi salah seorang yang paling terpelajar pada zamannya. Dante mengambil bahagian aktif dalam kehidupan politik Florence.

Pada tahun 90-an, beliau duduk di majlis bandar, menjalankan misi diplomatik, dan pada Jun 1300 beliau telah dipilih sebagai ahli kolej enam prior yang memerintah Florence. Dalam perjuangan antara parti Putih dan Hitam, Dante menyertai parti Putih. Pada November 1301, Putera Charles dari Valois membunuh penyokong parti Putih. Pada Januari 1302, Dante dijatuhi hukuman denda yang berat. Dia secara peribadi dituduh rasuah. Penyair, takut yang paling teruk, melarikan diri dari Florence. Dia menghabiskan sisa hidupnya dalam buangan. Dante menghabiskan tahun-tahun terakhir hidupnya di Ravenna bersama Putera Guido da Polenta, anak saudara Francesca da Rimini, yang dia nyanyikan. Di sini dia mengerjakan "Lawak Ilahi" yang terkenal.

Dante berharap untuk pulang ke tanah air yang mulia, tetapi tidak hidup untuk melihatnya. Beliau meninggal dunia pada 14 September 1321. di Ravenna. Selepas itu, Florence secara samar-samar membuat percubaan untuk mendapatkan semula abu buangan besar, tetapi Ravenna selalu menolaknya. Dante memulakan aktiviti sasteranya sebagai penyair sastera. Pada tahun 1292 (pada usia 27 tahun), Dante menulis yang pertama dalam sejarah kesusasteraan Eropah Barat cerita autobiografi"Kehidupan Baru", di mana dia memasukkan tiga puluh puisi yang didedikasikan untuk Beatrice. Dante tidak memasukkan semua puisinya dalam buku itu, tetapi hanya puisi yang dia anggap paling berkait rapat dengan Beatrice. Hasil daripada pemilihan subjektif tersebut, buku itu kekal keseluruhan baris puisi yang sangat baik. Puisi disusun mengikut susunan fonologi. "Kehidupan Baru" bermula dengan cerita tentang pertemuan pertama penyair berusia sembilan tahun dengan rakan sebayanya Beatrice.

Itupun, hatinya bergetar. Selepas 9 tahun, pertemuan kedua penyair dengan Beatrice berlaku, yang menyebabkan keseronokan besar dalam jiwa Dante. Gadis itu membungkuk hormat kepadanya, dan ini memenuhi jiwanya dengan kebahagiaan. Penyair melihat mimpi: tuhan cinta membawa kekasihnya dalam pelukannya dan memberinya rasa hati penyair. Rakan-rakan mengejek Dante dan mengisytiharkan dia sakit. Ini mendorong Dante untuk menyembunyikan cintanya kepada Beatrice. Dia berpura-pura bercinta dengan perempuan lain. Kepura-puraan itu sangat meyakinkan sehingga Beatrice berhenti tunduk kepadanya.

Penyair dalam keputusasaan. Sepanjang buku itu, dia bercakap tentang kesan memuliakan Beatrice pada dirinya dan orang-orang di sekelilingnya. Titik perubahan utama "Kehidupan Baru" ialah kematian Beatrice. Kisah kematian Beatrice disediakan oleh kisah kematian bapanya dan kesedihan Beatrice. Penyair mempunyai firasat bahawa kekasihnya akan segera meninggal dunia. Dia mempunyai mimpi di mana dia dimaklumkan tentang kematian Beatrice. Apabila dia bangun, salah seorang kawannya mengatakan bahawa Beatrice telah meninggal dunia. Keputusasaan seorang penyair tidak mengenal batas. Dalam puisinya, kedalaman dan ketulusan perasaan berbunyi:

Keputusasaan air mata, kemarahan kekeliruan

Ikuti saya tanpa henti

Bahawa setiap pandangan menyesali nasibku.

Bagaimana kehidupan saya sejak saat itu,

Ketika Madonna pergi ke dunia lain,

Bahasa manusia tidak boleh memberitahu.

Beberapa tahun kerinduan yang tiada harapan berlalu, penyair bertemu dengan sejenis "wanita penyayang" dan untuk seketika terbawa-bawa olehnya. Tetapi tidak lama kemudian dia bertaubat dan memutuskan untuk mengabdikan dirinya sepenuhnya kepada nyanyian Beatrice. Dia ingin mengumpul ilmu untuk menceritakan sesuatu tentang kekasihnya yang masih belum diperkatakan tentang mana-mana wanita.

Mungkin ini cara saya memulakan karangan saya. Mengapa begitu, anda bertanya? Saya akan cuba menerangkan kepada anda. 7 Disember 2007 adalah hari yang paling diingati, ajaib, luar biasa bagi saya. Saya adalah saksi kepada dunia Kecantikan, yang tindakan itu memberi saya...

1. Baru!

   Perkataan "budaya" berasal daripada perkataan Latin colere, yang bermaksud mengolah, atau mengolah tanah. Pada Zaman Pertengahan, perkataan ini mula menunjukkan kaedah penanaman bijirin yang progresif, oleh itu istilah pertanian atau seni pertanian timbul ....

Istilah "anomie", yang menunjukkan pelanggaran perpaduan budaya kerana kekurangan norma sosial yang dirumuskan dengan jelas, pertama kali diperkenalkan oleh Emile Durkheim pada 90-an abad yang lalu. Pada masa itu anomie berpunca daripada melemahnya pengaruh agama ...

Sepertiga terakhir abad ke-18 adalah masa perkembangan seni Rusia yang ketara. Ini terutamanya disebabkan oleh fakta bahawa wakil orang ramai dan lapisan sosial yang rapat dengan mereka datang ke seni (terutamanya melukis), berbakat dengan kreatif ...

MOOU Sanatorium sekolah berasrama penuh №2

"Seni Renaissance"

Kerja selesai

Morozova K 9 "A"

Menyemak kerja

Nesterova A.S.

Magnitogorsk 2010

pengenalan

Kemanusiaan mempunyai biografi sendiri: bayi, remaja dan kematangan. Era yang dipanggil Renaissance, kemungkinan besar akan disamakan dengan tempoh permulaan kematangan dengan percintaan yang wujud, pencarian keperibadian, perjuangan menentang prasangka masa lalu. Tanpa Renaissance tidak akan ada tamadun moden. Buaian seni Renaissance, atau Renaissance (Renaisans Perancis), adalah Itali.

Seni Renaissance timbul atas dasar humanisme (pembayaran, humanus "manusia") - aliran pemikiran sosial yang berasal dari abad ke-14. di Itali, dan kemudian pada separuh kedua abad XV - XVI. merebak ke negara Eropah yang lain. Humanis telah diilhamkan oleh zaman purba, yang berkhidmat untuk mereka sebagai sumber pengetahuan dan model kreativiti artistik. Masa lalu yang hebat, yang sentiasa mengingatkan dirinya di Itali, dianggap pada masa itu sebagai kesempurnaan tertinggi, manakala seni Zaman Pertengahan kelihatan tidak cekap, biadab. Timbul pada abad ke-16 istilah "kebangkitan semula" bermaksud kemunculan seni baru, menghidupkan semula zaman purba klasik, budaya kuno.

Dalam seni Renaissance, laluan pemahaman saintifik dan artistik dunia dan manusia saling berkait rapat. Makna kognitifnya dikaitkan erat dengan keindahan puitis yang luhur; dalam usahanya untuk keaslian, ia tidak turun ke kehidupan seharian yang remeh. Dalam era Renaissance Itali, adalah kebiasaan untuk membezakan beberapa tempoh: Proto-Renaissance (separuh kedua abad ke-13-14), Renaissance awal (abad ke-15), Renaissance Tinggi (akhir abad ke-15 -). dekad pertama abad ke-16), zaman Renaissance (dua pertiga terakhir abad ke-16)

1. Proto-Renaissance

DALAM budaya Itali abad XIII-XIV dengan latar belakang tradisi Byzantine dan Gothic yang masih kuat, ciri-ciri seni baru mula muncul - seni masa depan Renaissance. Oleh itu, tempoh sejarahnya dipanggil Proto-Renaissance (iaitu, ia menyediakan permulaan Renaissance; dari bahasa Yunani "pro-tos" - "pertama").

Tiada tempoh peralihan yang serupa di mana-mana negara Eropah. Di Itali sendiri, seni proto-Renaissance hanya wujud di Tuscany dan Rom.

Dalam budaya Itali, ciri-ciri lama dan baharu saling berkait. "Penyair terakhir Zaman Pertengahan" dan penyair pertama era baru Dante Alighieri (1265-1321) mencipta bahasa sastera Itali yang dimulakan oleh Dante diteruskan oleh Florentines hebat lain pada abad XIV - Francesco Petrarca (1304-1374) , pengasas puisi lirik Eropah, dan Giovanni Boccaccio (1313 -1375), pengasas genre novel (cerpen) dalam kesusasteraan dunia. Kebanggaan era itu ialah arkitek dan pengukir Niccolo dan Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio dan pelukis Giotto di Bondone.

2. Renaissance awal

Pada abad XV. seni Itali menduduki kedudukan yang dominan dalam kehidupan seni Eropah. Asas budaya sekular humanistik (iaitu, bukan gerejawi) diletakkan di Florence, yang mendorong Siena dan Pisa menjadi latar belakang. Florence pada masa itu dipanggil "bunga Itali, saingan kota mulia Rom, dari mana ia turun dan kehebatannya ditiru." Kuasa politik di sini adalah milik saudagar dan tukang, dan beberapa keluarga terkaya mempunyai pengaruh istimewa dalam hal ehwal bandar. Mereka sentiasa bersaing antara satu sama lain. Perjuangan ini berakhir pada akhir abad ke-14. kemenangan rumah perbankan Medici. Kepalanya, Cosimo de' Medici, menjadi penguasa Florence yang tidak terucap. Penulis, penyair, saintis, arkitek dan artis berbondong-bondong ke mahkamah Cosimo de' Medici (dan kemudian cucunya Lorenzo, digelar Magnificent).

Revolusi sebenar berlaku dalam seni bina pada masa itu. Pembinaan yang meluas berlaku di Florence, mengubah wajah bandar di hadapan mata kita.

1. Renaissance Tinggi

Renaissance Tinggi, yang memberi manusia tuan besar seperti Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione, Titian, Bramante, merangkumi tempoh yang agak singkat - dari akhir abad ke-15. sehingga akhir dekad kedua abad ke-16. Hanya di Venice perkembangan seni berterusan sehingga pertengahan abad ini.

Peralihan asas yang berkaitan dengan peristiwa penting dalam sejarah dunia, kejayaan pemikiran saintifik yang maju, telah meluaskan idea orang ramai tentang dunia - bukan sahaja tentang bumi, tetapi juga tentang Kosmos. persepsi dunia dan keperibadian manusia seolah-olah diperbesarkan; V kreativiti artistik ini dicerminkan bukan sahaja dalam skala megah struktur seni bina, monumen, kitaran fresco dan lukisan yang sungguh-sungguh, tetapi juga dalam kandungannya, ekspresi imej. Bahasa kiasan, yang menurut definisi beberapa pengkaji, pada zaman itu kebangkitan awal boleh kelihatan terlalu "bercakap", menjadi umum dan terpelihara. Seni Renaissance Tinggi mewakili proses artistik yang meriah dan kompleks dengan kecemerlangan yang mempesonakan dan krisis yang seterusnya.

1.1 Leonardo da Vinci

Dalam sejarah umat manusia tidak mudah untuk mencari yang lain sama rata personaliti yang cemerlang, sebagai pengasas seni Renaissance Tinggi Leonardo da Vinci (1452 - 1519). Sifat menyeluruh aktiviti artis dan saintis hebat ini menjadi jelas hanya apabila manuskrip yang bertaburan dari warisannya diteliti. Sastera besar dikhaskan untuk Leonardo, hidupnya telah dikaji secara terperinci. Namun begitu, banyak karyanya yang masih misteri dan terus mengujakan minda orang ramai.

Leonardo da Vinci dilahirkan di kampung Anchiano berhampiran Vinci, tidak jauh dari Florence; beliau anak tak sah taraf seorang notari yang makmur dan seorang wanita petani yang sederhana. Menyedari kebolehan luar biasa budak itu dalam melukis, bapanya memberikannya ke bengkel Andrea Verrocchio. Dalam gambar guru "The Baptism of Christ", sosok malaikat berambut perang rohani adalah milik Leonardo muda.

Antaranya kerja awal lukisan "Madonna dengan bunga" (1472). Tidak seperti tuan abad XV. Leonardo menolak naratif, penggunaan butiran yang mengganggu perhatian penonton, tepu dengan imej latar belakang. Gambar itu dilihat sebagai pemandangan yang ringkas dan tidak berseni tentang keibuan yang menggembirakan Mary muda. Dua figura besar memenuhi seluruh ruang gambar, hanya di luar tingkap di dinding gelap anda boleh melihat langit biru sejuk yang jelas. Momen tertentu dirakam: ibu, dirinya masih seorang gadis yang penyayang dan lincah, menghulurkan bunga kepada anaknya, tersenyum, dan melihat bagaimana seorang kanak-kanak yang serius memeriksa objek yang tidak dikenali dengan teliti. Bunga itu menghubungkan kedua-dua rajah bersama-sama. Leonardo banyak bereksperimen untuk mencari komposisi cat yang berbeza, dia adalah salah seorang yang pertama di Itali yang beralih dari tempera kepada lukisan minyak. "The Madonna with a Flower" telah dilaksanakan dalam teknik ini, yang pada masa itu masih jarang berlaku. Bekerja di Florence, Leonardo tidak mendapati penggunaan kuasanya sama ada sebagai seorang saintis-jurutera atau sebagai pelukis, kecanggihan budaya yang halus dan suasana mahkamah Lorenzo Medici kekal sangat asing baginya. Sekitar tahun 1482, Leonardo memasuki perkhidmatan Duke of Milan, Lodovico Moro. Tuan itu mengesyorkan dirinya, pertama sekali, sebagai jurutera tentera, arkitek, pakar dalam kejuruteraan hidraulik, dan hanya kemudian sebagai pelukis dan pengukir. Walau bagaimanapun, tempoh Milan pertama karya Leonardo (1482-1499) ternyata paling membuahkan hasil. Tuan menjadi yang paling artis terkenal Itali, mempelajari seni bina dan arca, beralih kepada lukisan fresco dan mezbah.

Tidak semua rancangan hebat, termasuk projek seni bina, Leonardo berjaya melaksanakannya. Prestasi patung berkuda Francesco Sforza, bapa kepada Lodovico Moro, bertahan (selang-seli) selama lebih daripada sepuluh tahun, tetapi dia tidak pernah dilemparkan dengan gangsa. Model tanah liat bersaiz sebenar monumen itu, dipasang di salah satu halaman istana ducal, telah dimusnahkan oleh tentera Perancis yang menawan Milan.

Ini adalah satu-satunya karya arca utama Leonardo da Vinci yang sangat dihargai oleh orang sezamannya. Idea patung boleh dibuat berdasarkan lukisan yang menggambarkan varian yang berbeza dan peringkat kerja ke atasnya. Pada mulanya, patung itu menggambarkan penunggang dalam gerakan pantas, di atas kuda yang dipelihara, tetapi pemutusnya ternyata mustahil secara teknikal, kemudian tuannya menemui penyelesaian yang lebih tenang. Monumen Sforza sepatutnya lebih daripada satu setengah kali lebih tinggi daripada monumen ekuestrian yang dibuat oleh Donatello dan Verrocchio. Tugu itu digelar Great Colossus.

Lukisan Leonardo zaman Milan telah bertahan hingga ke zaman kita. Pertama komposisi altar High Renaissance ialah "Madonna in the Grotto" (1483-1494). Pelukis itu bertolak dari tradisi abad ke-15, di mana lukisan-lukisan keagamaannya diutamakan. Terdapat beberapa figura dalam altarpiece Leonardo: Mary feminin, Bayi Kristus memberkati John the Baptist, dan malaikat berlutut, seolah-olah melihat keluar dari gambar. Imej-imej itu sangat cantik, berkaitan secara semula jadi dengan persekitaran mereka. Ini adalah sejenis gua di antara batuan basalt gelap dengan jurang di kedalaman - landskap tipikal Leonardo: secara umum, sangat misteri, tetapi khususnya - dalam imej setiap tumbuhan, setiap bunga di antara rumput tebal - dibuat dengan tepat pengetahuan tentang bentuk semula jadi. Figura dan wajah diselubungi jerebu yang lapang, memberikan mereka kelembutan istimewa. Orang Itali memanggil teknik ini Leonardo sfumato.

Di Milan, nampaknya, tuan mencipta kanvas "Madonna and Child" ("Madonna Litta"). Di sini, berbeza dengan Madonna dengan Bunga, dia berusaha untuk generalisasi dan idealiti imej yang lebih besar. Ia tidak menggambarkan momen tertentu, tetapi keadaan kegembiraan jangka panjang tertentu, di mana seorang wanita muda yang cantik tenggelam, menyusukan anak. Kejelasan komposisi seimbang dengan dua tingkap yang terletak secara simetri adalah ekspresif, di antaranya tertulis siluet separuh angka wanita yang meriah dan fleksibel. Cahaya jernih yang sejuk menyinari wajahnya yang nipis dan dibentuk lembut dengan pandangan yang separuh rendah dan senyuman yang ringan dan hampir tidak dapat dilihat. Gambar itu dicat dalam tempera, memberikan kedengaran pada rona jubah biru dan gaun merah Mary. Rambut kerinting emas gelap gebu Bayi itu ditulis dengan menakjubkan, pandangan penuh perhatiannya ditujukan kepada penonton tidak serius kebudak-budakan.

Suasana yang berbeza dan dramatik membezakan lukisan monumental Leonardo " Makan malam terakhir", yang dilakukan olehnya pada 1495-1497. ditugaskan oleh Lodovico Moro untuk gereja refectory Santa Maria della Grazie di Milan. Nasib karya terkenal Leonardo ini adalah tragis. Walaupun semasa hayat tuan, cat mula runtuh. Pada abad ke-17 sebuah pintu dipecahkan di dinding refectory, yang memusnahkan sebahagian daripada komposisi, dan pada abad ke-18. Bangunan itu dijadikan kedai jerami. Pemulihan yang tidak cekap menyebabkan kemudaratan besar kepada lukisan dinding. Pada tahun 1908, kerja telah dijalankan untuk membersihkan dan mengukuhkan mural.Semasa Perang Dunia Kedua, siling dan dinding selatan refectory telah dimusnahkan oleh bom. Pemulihan yang dilakukan pada tahun 1945 menyelamatkan lukisan itu daripada kemusnahan selanjutnya, sisa lukisan Leonardo telah dikenal pasti dan diamankan. Walau bagaimanapun, hanya idea yang paling umum kini boleh dibentuk mengenai penciptaan hebat tuan.

Sebuah lukisan dinding yang besar (4.6 x 8.8 m) menempati seluruh dinding hujung refektori. Kristus, yang sosoknya berada di tengah, dengan latar belakang pintu, dan para rasul duduk di meja. Klimaks dramatik hidangan itu digambarkan, apabila Kristus mengucapkan kata-kata maut: “Salah seorang daripada kamu akan mengkhianati Aku.” Mereka membangkitkan pelbagai perasaan dalam diri para rasul, putus asa, ketakutan, kebingungan, kemarahan; ada yang melompat dari tempat duduk mereka, memberi isyarat dengan ganas. Untuk tidak menimbulkan kesan hiruk-pikuk, artis itu menggabungkan watak-watak itu kepada empat kumpulan tiga figura setiap satu dan meletakkannya di kiri dan kanan Juruselamat. Leonardo meninggalkan penempatan tradisional Yudas di seberang meja, tetapi pengkhianat itu segera dikenali di kalangan peserta dalam hidangan itu dengan figura yang berundur ke belakang, isyarat tangan yang sawan menggenggam dompet, dan profil berlorek yang tidak menyenangkan. Imej Kristus bukan sahaja spatial, berwarna, tetapi juga pusat rohani komposisi. Guru itu bersendirian dalam ketenangan yang bijaksana dan pasrah kepada takdir.

Apabila Milan diambil oleh tentera Perancis pada tahun 1499, Leonardo meninggalkan bandar itu. Masa untuk pengembaraannya telah bermula. Untuk beberapa lama dia bekerja di Florence. Di sana, karya Leonardo seolah-olah diterangi oleh kilat yang terang: dia melukis potret Mona Lisa, isteri orang kaya Florentine Francesco di Giocondo (sekitar 1503). Potret itu, yang dikenali sebagai "La Gioconda", telah menjadi salah satu karya lukisan dunia yang paling terkenal.

Potret kecil seorang wanita muda, diselubungi jerebu yang lapang, duduk berlatar belakang landskap berbatu aneh hijau kebiruan, penuh dengan gegaran yang meriah dan lembut sehingga, menurut Vasari, seseorang dapat melihat denyutan nadi yang berdegup dalam kedalaman. dari leher Mona Lisa. Nampaknya gambar itu mudah difahami. Sementara itu, dalam kesusasteraan yang luas tentang Gioconda, tafsiran yang paling bertentangan dengan imej yang dicipta oleh Leonardo bertembung.

Dalam sejarah seni dunia, terdapat karya yang dikurniakan kuasa pelik, misteri dan ajaib. Sukar untuk dijelaskan, tidak mungkin untuk diterangkan. Antaranya, salah satu tempat pertama diduduki oleh imej Mona Lisa Florentine muda. Dia, nampaknya, adalah seorang yang luar biasa, berkemauan keras, bijak dan penuh sifat. Leonardo melabur dalam penampilannya yang menakjubkan yang ditujukan kepada penonton, dalam yang terkenal, seolah-olah meluncur senyuman penuh teka-teki, dalam ekspresi muka yang ditandakan oleh kebolehubahan yang tidak stabil, caj kuasa intelek dan rohani sedemikian yang menaikkan imejnya kepada ketinggian yang tidak dapat dicapai.

Pada tahun-tahun terakhir hidupnya, Leonardo da Vinci bekerja sedikit sebagai seorang artis. Setelah menerima jemputan daripada Raja Perancis Francis I, dia pergi ke Perancis pada tahun 1517 dan menjadi pelukis istana. Tidak lama kemudian Leonardo meninggal dunia. Dalam lukisan potret diri (1510-1515), patriark berjanggut kelabu dengan wajah sedih yang mendalam kelihatan jauh lebih tua daripada usianya.

Adalah mustahil untuk membayangkan bahawa Leonardo da Vinci boleh hidup dan mencipta dalam era lain. Namun begitu, keperibadiannya melangkaui zamannya, meningkat di atasnya. Kerja Leonardo sebelum Vinci tidak habis-habis. Skala dan keunikan bakatnya boleh dinilai oleh lukisan tuan, yang menduduki salah satu daripadanya tempat-tempat kehormatan. Dengan lukisan oleh Leonardo da Vinci, lakaran, lakaran, gambar rajah, bukan sahaja manuskrip yang dikhaskan untuk sains tepat, tetapi juga karya tentang teori seni dikaitkan secara tidak dapat dipisahkan. Dalam "Treatise on Painting" (1498) yang terkenal dan catatannya yang lain, banyak perhatian diberikan kepada kajian tubuh manusia, maklumat mengenai anatomi, perkadaran, hubungan antara pergerakan, ekspresi muka dan keadaan emosi seseorang. Banyak ruang diberikan kepada masalah chiaroscuro, pemodelan volumetrik, perspektif linear dan udara.

Seni Leonardo da Vinci, penyelidikan saintifik dan teorinya, keunikan keperibadiannya telah melalui seluruh sejarah budaya dunia dan memberi impak yang besar kepadanya.

1.2 Rafael

Idea keindahan dan keharmonian yang luhur dikaitkan dengan karya Raphael (1483-1520) dalam sejarah seni dunia. Secara umum diterima bahawa dalam konstelasi tuan cemerlang Renaissance Tinggi, di mana Leonardo mempersonifikasikan intelek, dan Michelangelo - kuasa, ia adalah Raphael yang merupakan pembawa utama keharmonian. Sudah tentu, pada satu tahap atau yang lain, setiap daripada mereka memiliki semua sifat ini. Walau bagaimanapun, tidak ada keraguan bahawa usaha tanpa henti untuk permulaan yang cerah dan sempurna meresap dalam semua karya Raphael dan membentuk makna dalamannya.

Rafael pada mulanya belajar di Urbino dengan bapanya, kemudian dengan pelukis tempatan Timoteo Vite. Pada tahun 1500 beliau berpindah ke Perugia, ibu kota Umbria, untuk meneruskan pendidikannya di bengkel pelukis terkenal, ketua sekolah Umbria Pietro Perugino. Tuan muda dengan cepat mengatasi gurunya Raphael dipanggil Master of Madonnas.» (1504) Adegan pertunangan Mary dan Joseph, yang berlaku dengan latar belakang seni bina yang indah, adalah imej keindahan tinggi ini. gambar kecil sudah sepenuhnya milik seni Renaissance Tinggi. watak, kumpulan kanak-kanak perempuan dan lelaki menakluki dengan keanggunan semula jadi mereka Ekspresi, merdu, tanda dan plastik adalah pergerakan, postur dan gerak isyarat mereka, sebagai contoh, tangan Maria dan Yusuf yang mendekat, meletakkan cincin di jarinya. Tiada apa-apa yang berlebihan, sekunder dalam gambar Nada emas, merah dan hijau gelap, selaras dengan biru lembut langit, mewujudkan suasana perayaan.

Pada 1504 Raphael berpindah ke Florence. Di sini karyanya mendapat kematangan dan keagungan yang tenang. Dalam kitaran Madonnas, dia mengubah imej seorang ibu muda dengan Christ Child dan John the Baptist yang kecil dengan latar belakang landskap. Terutama bagus ialah Madonna in the Green (1505). Lukisan itu menggunakan komposisi piramid Leonardo, dan keharmonian warna yang halus adalah wujud dalam pewarnaan.

Kejayaan Raphael begitu ketara sehingga pada tahun 1508 dia dijemput ke mahkamah paus di Rom. Artis menerima perintah untuk mengecat pangsapuri upacara Paus, yang dipanggil stanz (bilik) di Istana Vatican.

Di bilik-bilik ini, Raphael dan pelajarnya menghiasi siling dengan ketukan dan lukisan berlapis emas, lantainya dibentangkan dengan marmar bercorak, dan setiap dinding ditutup dengan lukisan dinding berbilang angka sehingga ke panel hiasan. Mural stanza Vatican (1509-1517) membawa kemasyhuran kepada Raphael, mencalonkannya kepada tuan terkemuka bukan sahaja Rom, tetapi juga Itali.

Seperti sebelum ini, Raphael sekali lagi berpaling kepada imej kesayangan Madonna dan Kanak-kanak. Tuan itu sedang bersedia untuk mencipta karya agungnya - "Sistine Madonna" (1515-1519) untuk gereja St. Sixtus di Piacenza. Dalam sejarah seni Sistine Madonna"- imej kecantikan yang sempurna. Gambar mezbah besar ini menggambarkan bukan sahaja Ibu Ilahi dengan Bayi Ilahi, tetapi keajaiban penampilan Ratu Syurgawi, membawa Puteranya kepada manusia sebagai korban penebusan. Dibingkai oleh tirai hijau di atas awan cerah berdiri Mary dengan Anak di dalam pelukannya. Pandangan matanya yang gelap dan berkilauan diarahkan melewati dan, seolah-olah, melalui penonton. Pandangan ini melihat apa yang tersembunyi daripada orang lain. Dalam bentuk Kristus, besar anak yang cantik, sesuatu yang tidak tegang dan berwawasan kebudak-budakan diduga. Di sini artis telah mencapai keseimbangan dinamik yang jarang berlaku: kesederhanaan yang jelas, ciri-ciri idealiti abstrak, ketuhanan keajaiban dan berat sebenar bentuk saling berkait, melengkapi dan memperkaya satu sama lain. Di sebelah kiri Madonna, Pope Sixtus IV merenungkan keajaiban dalam kelembutan doa. Saint Barbara, dengan hormat menundukkan pandangannya, yang, seperti Maria, milik syurga, dengan mudah melayang di awan. Dua malaikat, bersandar pada parapet, mendongak dan mengembalikan perhatian penonton kepada imej tengah. Buat pertama kali dalam karya Raphael, imej keagamaan mewujudkan hubungan penuh dengan penonton. Inilah yang menentukan kemanusiaan yang tinggi dan menarik gambar itu.

Pada tahun-tahun terakhir hidupnya, Raphael mencipta mural vila Rom Farnesina. Di dewan utamanya terdapat lukisan dinding "The Triumph of Galatea" (1519). Nimfa laut Galatea berenang di laut dengan cangkerang yang ditarik oleh ikan lumba-lumba. Mengelilinginya makhluk fantasi dan cupid-cupid kecil yang terbang membentuk gubahan yang dipenuhi dengan kegembiraan yang menggembirakan. Ia menggabungkan rona keemasan badan telanjang, biru laut dan langit.

Di bawah pimpinan Raphael pada tahun 1519, lukisan yang dipanggil Loggias telah siap - sebuah galeri melengkung besar yang dibina oleh Bramante di tingkat dua Istana Vatican. Banyak lukisan dinding hiasan telah dibuat oleh pelajar Raphael berdasarkan lukisannya. Kemudian, lukisan itu rosak oleh pemulihan kasar. Imaginasi kreatif Raphael dan bakatnya sebagai penghias boleh dinilai sebahagiannya daripada salinan lukisan loggia yang menghiasi dinding galeri Istana Hermitage (dibina di St. Petersburg pada 80-an abad ke-18 oleh arkitek Giacomo Quarenghi) .

Rafael adalah mahir melukis yang hebat. Di sini, deria garisan yang sempurna, ringan dan bebas terserlah dengan jelas. Beliau juga memberi sumbangan besar kepada seni bina. Nama Raphael - Divine Sanzio - kemudiannya menjadi personifikasi artis ideal yang dikurniakan hadiah ilahi.

Dengan penghormatan yang besar, dia dikebumikan di Pantheon Rom, di mana abunya disimpan hingga ke hari ini.

1.3 Michelangelo

Michelangelo Buonarroti (1475 - 15b4) - sarjana terhebat Renaissance Tinggi, yang mencipta karya seni arca, lukisan dan seni bina yang luar biasa.

Zaman kanak-kanak Michelangelo berlalu di bandar kecil Tuscan Cap Prese berhampiran Florence. Dia menghabiskan masa mudanya dan bertahun-tahun belajar di Florence. Di sekolah seni di mahkamah Duke Lorenzo de' Medici, dia menemui keindahan seni purba, dia berkomunikasi dengan wakil besar budaya humanistik. Hampir semua arca Michelangelo adalah milik Florence. Dia dikebumikan di gereja Florentine Santa Croce. Walau bagaimanapun, Rom boleh juga dipanggil bandar Michelangelo.

Pada tahun 1496, dia tiba di Rom, di mana kemasyhuran segera datang kepadanya. Karya paling terkenal pada zaman Rom pertama ialah "Pieta" ("Ratapan Kristus") (1498-1501) di kapel Basilika St. Peter. Berlutut, terlalu muda untuk seorang anak lelaki Maria yang dewasa, tubuh Kristus yang tidak bernyawa terbentang. Kedukaan ibu adalah ringan dan agung, hanya pada isyarat tangan kiri, seolah-olah penderitaan jiwa tertumpah. Marmar putih digilap sehingga bersinar. Dalam permainan cahaya dan bayang, permukaannya kelihatan berharga.

Kembali ke Florence pada tahun 1501, Michelangelo berusaha untuk melaksanakan patung marmar besar David (1501-1504). Patung itu mencapai ketinggian lima setengah meter. Dia mempersonifikasikan kuasa manusia tanpa had. David hanya bersedia untuk menyerang musuh dengan batu yang dilepaskan dari anduh, tetapi sudah dirasakan bahawa ini adalah pemenang masa depan, penuh kesedaran tentang kekuatan fizikal dan rohaninya. Wajah pahlawan itu menyatakan kehendak yang tidak tergoyahkan.

Dibuat atas perintah Republik Florentine, patung itu dipasang di pintu masuk ke Palazzo Vecchio. Pembukaan monumen itu pada 1504 bertukar menjadi perayaan kebangsaan. "David" menghiasi dataran selama lebih daripada tiga setengah abad. Pada tahun 1873, monumen itu dipasang di Galeri Akademi Seni Halus di Florence. Di tempat lama di mana Michelangelo sendiri meletakkan patung itu, kini terdapat salinan marmar.

Michelangelo menganggap dirinya hanya seorang pemahat, yang, bagaimanapun, tidak menghalangnya, seorang anak lelaki Renaissance, daripada menjadi seorang pelukis dan arkitek yang hebat. Karya lukisan monumental yang paling hebat dari Renaissance Tinggi ialah lukisan siling Kapel Sistine di Vatican, yang dibuat oleh Michelangelo pada 1508-1512.

Makam Pope Julius II boleh menjadi kemuncak dalam bidang arca sekiranya Michelangelo berjaya merealisasikan rancangan asalnya. Projek Michelangelo adalah berani dan megah: empat puluh patung marmar sepatutnya menghiasi makam itu. Tuan itu berusaha untuk memahatnya sendiri. Tetapi makam dalam bentuk di mana ia dikandung oleh Michelangelo tidak pernah dicipta. Selepas kematian Julius II, warisnya berulang kali menandatangani kontrak dengan Michelangelo untuk menyambung kerja. Daripada patung-patung yang dimaksudkan untuk kubur, "Budak Dibelenggu" telah turun kepada kita - seorang pemuda yang kuat dan gempal yang dengan sia-sia berusaha membebaskan dirinya dari belenggu, dan "Budak Yang Meninggal Dunia" - seorang pemuda cantik yang mengharapkan kematian sebagai pembebasan daripada siksaan (kira-kira 1513).

Untuk tingkat dua makam Julius II, sebuah patung nabi Ibrani Musa (1515-1516) dimaksudkan. Janggutnya jatuh dalam helaian menggeliat yang ketat, otot-otot badannya yang kuat membeku dalam ketegangan, pandangan mata yang terbuka luas mengancam. Musa dalam tafsiran Michelangelo adalah seorang pemimpin rakyat, seorang lelaki yang mempunyai nafsu gunung berapi, seorang bijak yang tajam.

Banyak dalam karya Michelangelo kekal sama ada tidak dipenuhi atau belum selesai. Memiliki perwatakan yang luar biasa bebas, tajam dan langsung, beliau bagaimanapun terpaksa berkhidmat kepada pelanggan yang maha kuasa. Tuan-tuan berubah di atas takhta kepausan, dan masing-masing mengikut citarasa, dinasti dan kepentingan peribadinya sendiri. Pada tahun 1520, Michelangelo menerima pesanan daripada Pope Clement VII dari keluarga Medici. Di gereja Florentine San Lorenzo, di mana ahli keluarga Medici dikebumikan, tuannya terpaksa membina dan menghiasi dengan arca sebuah gereja baru - makam keluarga mereka. Walau bagaimanapun, peristiwa tragis di Itali mengganggu kerja di gereja itu. Pada tahun 1527, tentera Sepanyol Charles V menduduki dan mengalahkan Rom. Pemberontakan popular berlaku di Florence, dan Medici telah digulingkan. Di samping itu, wabak wabak bermula di bandar. Pope Clement VII, dalam pakatan dengan Charles V, menganjurkan kempen menentang Florence, yang menentang dengan berani. Semasa pengepungan, Michelangelo menyelia pembinaan kubu pertahanan. Selepas kejatuhan republik itu, hanya kesombongan Clement VII, yang bermimpi untuk mengekalkan keluarganya dengan tangan tuan terhebat, menyelamatkannya daripada pembalasan. Di bawah keadaan keganasan kejam Medici yang kembali berkuasa, penghinaan mendalam Itali, kematian rakan-rakan dan rakan sekerja pada tahun 1531, Michelangelo menyambung semula kerja terputus pada penciptaan kapel, yang merupakan salah satu karyanya yang paling luar biasa. .

Michelangelo tidak berasa selamat di Florence. Pada tahun 1534, dia meninggalkan kota asalnya dan berpindah ke Rom, di mana, atas perintah Paus Paul III, dia melukis lukisan dinding terkenal "Penghakiman Terakhir" (1536-1541) di dinding hujung Kapel Sistine. Dengan latar belakang langit biru-abu yang sejuk, banyak figura diliputi angin puyuh Rasa tragis malapetaka dunia berlaku. Saat pembalasan semakin dekat, para malaikat mengumumkan kedatangan Penghakiman Terakhir. Pergerakan orang ramai yang besar terbentang dalam bulatan, di sebelah kanan, orang berdosa dilemparkan ke dalam neraka dalam aliran yang tidak dapat dielakkan. Mereka diseret oleh syaitan, malaikat yang tidak bersayap mengejar mereka, orang yang soleh naik ke langit dari kiri. Di tengah-tengah muncul sosok telanjang yang perkasa Kristus, mentadbir Penghakiman. Mengerikan, tegas, cantik dalam kekejaman marah, dia kelihatan lebih seperti dewa guruh pagan. Ibu Tuhan yang terkulai penuh dengan kesedihan yang mendalam dalam menghadapi penderitaan manusia yang tidak terukur. Saint Bartholomew adalah simbol keputusasaan yang menakutkan. Di tangan orang suci adalah kulit yang terkoyak darinya, di mana Michelangelo menggambarkan wajahnya dalam bentuk topeng yang diputarbelitkan oleh penderitaan.

Lukisan itu telah disiapkan oleh Michelangelo pada tahun 1541. Bagi Itali, ini adalah masa tekanan yang semakin meningkat daripada Gereja Katolik terhadap budaya kemanusiaan. Cita-cita yang tinggi dan terang, yang disembah oleh tuannya sepanjang hidupnya, adalah sesuatu yang telah berlalu. Penciptaan Michelangelo yang berusia enam puluh enam tahun menyebabkan rasa tidak puas hati yang tajam dalam para pemimpin gereja. Pope Paul IV Caraffa menganggap karya ini lucah, kerana ia mengandungi banyak figura bogel. Michelangelo diminta untuk menyarungkan beberapa figura, yang menjawab artis itu: "Beritahu ayah bahawa ini adalah perkara kecil dan mudah untuk menyelesaikannya. Biarkan dia mengatur dunia, dan anda boleh memberitahu kesopanan kepada lukisan dengan cepat ”Daniele de Valterra, pelajar setia Michelangelo, membuat perubahan yang diperlukan pada lukisan dinding, bagaimanapun, cuba untuk melindunginya daripada herotan yang teruk. Dalam dekad terakhir hidupnya, tuannya hanya terlibat dalam seni bina dan puisi. Karya Michelangelo yang hebat membentuk seluruh era dan jauh mendahului zamannya, ia memainkan peranan yang besar dalam seni dunia, dan juga mempengaruhi pembentukan prinsip barok.

kebangkitan itali

2. Renaissance Akhir

Pada separuh kedua abad XVI. di Itali, kemerosotan ekonomi dan perdagangan semakin berkembang, Katolik memasuki perjuangan dengan budaya kemanusiaan, seni berada dalam krisis yang mendalam. Ia menguatkan kecenderungan anti-klasik anti-Renaissance, yang terkandung dalam mannerisme (lihat artikel "The Art of Mannerism")

Mannerism hampir tidak menjejaskan Venice, yang pada separuh masa kedua abad XVI menjadi pusat utama seni Renaissance lewat. Walaupun kepentingan komersial dan politik Republik Venetian semakin merosot, seperti juga kuasanya, Kota Lagoon masih bebas daripada kuasa Paus dan daripada penguasaan asing, dan kekayaan yang terkumpul adalah sangat besar. Dalam tempoh ini, cara hidup di Venice dan sifat budayanya dibezakan oleh skop dan kemegahan sedemikian rupa sehingga tiada apa yang kelihatan menunjukkan kemerosotan negara Venetian yang semakin lemah. Selaras dengan tradisi Renaissance humanistik yang tinggi, dalam keadaan sejarah baru di Venice, karya tuan besar zaman Renaissance lewat, diperkaya dengan bentuk baru - Palladio, Veronese, Tintoretto, dibangunkan.

2.1 Andrea Pallaaio

Andrea Palladio (1508-1580) - arkitek Renaissance terbesar Itali Utara pada zaman Renaissance lewat. Dia dilahirkan di Padua dan sangat dipengaruhi oleh humanis Itali utara. Penyair Giangiorgio Trissino dari Vicenza, guru Andrea di Pietro della Gondola, memberinya nama Palladio (daripada dewi Yunani Pallas Athena), kerana dia menganggap lelaki muda ini mampu menghidupkan semula keindahan dan kebijaksanaan orang Yunani kuno. Untuk mengkaji monumen purba, Palladio berulang kali melawat Rom, serta Verona, Split di Croatia, Nimes di Perancis. Palladio meletakkan prinsip seni bina, yang dibangunkan dalam seni bina klasikisme Eropah pada abad ke-17-18. dan menerima nama Palladianisme. Palladio menggariskan ideanya dalam karya teori "Empat Buku Seni Bina" (1570). Gubahan Palladio penuh dengan keaslian, kedamaian, kesempurnaan, keteraturan yang ketat, susun atur bangunan yang berkaitan dengan alam sekitar adalah jelas dan sesuai. Bangunan Palladio menghiasi Vicenza, Venice dan kawasan luar bandar di sekitarnya.

Vicenza dianggap bandar Palladio. Bangunan utama pertamanya di sini ialah Basilika (1549), yang asasnya adalah dewan bandar abad ke-13. Arkitek menutup bangunan lama itu dalam arked susunan dua tingkat daripada marmar putih. Arkitek sering membina istana dan vila desa di Vicenza. Dia memberikan peranan penting di dalamnya kepada fasad. Sebagai contoh, fasad Palazzo Chiericati (1560), terbentang di sepanjang dataran, selepas Basilika bangunan paling monumental di Vicenza, benar-benar meresap dengan udara. Tingkat bawahnya diduduki oleh tiang besar yang berterusan - galeri; di tingkat atas, loggia dalam terletak di sudut.

Vila yang dibina oleh Palladio di sekitar Vicenza adalah pelbagai. Tetapi mereka disatukan oleh prinsip umum yang memenuhi keperluan kemudahan, rasa perkadaran, simetri dan kebebasan komposisi, dihubungkan secara harmoni dengan alam sekitar. Vila "Rotonda" yang paling terkenal (1551-1567) berhampiran Vicenza ialah bangunan berkubah pusat pertama untuk tujuan sekular. Penyelesaian komposisi dan plastik Rotunda, yang ditemui dengan cemerlang oleh Palladio, berfungsi sebagai prototaip untuk banyak kuil dan makam pada masa hadapan. Vila putih berdiri di atas bukit, di lembah, di kawasan pemandangan yang indah. Ia mewakili dari segi Sekeping terakhir Palladio di Vicenza bermula pada tahun kematiannya Teater Olimpico (1580) - bangunan teater monumental pertama di Itali Pembinaannya telah disiapkan oleh arkitek Scamozzi Palladio menggunakan jenis teater Rom di sini, walaupun dia memberi auditorium tidak bulat, tetapi berbentuk elips Kedua-dua bujur bertiang dan fasad pentas ini dihiasi dengan banyak patung Di atas pentas terdapat hiasan kekal yang menggambarkan lima jalan berbeza yang dipenuhi dengan istana dan rumah Ada sesuatu yang mengujakan, khusyuk dan menyedihkan dalam sepi yang kosong. ruang teater, yang pernah memukau imaginasi dengan cermin mata ajaibnya.

Bangunan dan idea seni bina Palladio mempunyai pengaruh yang kuat terhadap perkembangan seni bina Eropah yang seterusnya, terutamanya di England, Perancis dan Rusia, sebuah dataran dengan dewan bulat bertulis di dalamnya, ditutupi oleh kubah.

Di Venice, Palladio mendirikan gereja San Giorgio Maggiore (dimulakan pada 1565) dan Il Redentore (1577-1592), yang mempunyai bentuk salib Latin dalam rancangan. Gereja San Giorgio Maggiore, terletak di pulau yang sama nama, termasuk badan air dalam ensembel tengah lagun Venice, melengkapkan dengan siluetnya aspek terpenting bandar

2.2 Paolo Veronese

Perwatakan yang meriah dan meneguhkan kehidupan Renaissance Venice paling jelas ditunjukkan dalam karya Paolo Veronese Paolo Cagliari (1528-1588), yang berasal dari Verona, dan oleh itu digelar Veronese, menghabiskan zaman kanak-kanak dan tahun belajarnya di kota asalnya. Pada tahun 1558, tuan menerima jemputan untuk mengambil bahagian dalam menghias Istana Doge di Venice, di mana dia dengan cepat menjadi terkenal Keindahan Venice, kehidupan mewah dan khazanah artistiknya membuat kesan yang tidak dapat dilupakan pada pelukis muda. Muralis, dia mencipta ensembel hiasan yang megah lukisan dinding dan siling dengan banyak watak dan perincian yang menghiburkan. Seorang ahli warna yang cemerlang, Veronese dicat dalam julat bercahaya warna nyaring yang kaya dan rona paling halus yang digabungkan dengan rona perak biasa.

Salah satu karya terbaik Veronese muda ialah lukisan siling gereja San Sebastiano di Venice (1556-1557), yang didedikasikan untuk sejarah heroin alkitabiah Esther. dalam komposisi "The Triumph of Mordecai" memelihara kuda, penunggang dan pahlawan-pahlawan, jubah berkibar dan panji-panji, serpihan yang diangkat tinggi struktur seni bina dengan orang ramai yang sesak di belakang langkan - segala-galanya mencipta kesan perayaan yang benar-benar berjaya Gabungan rona perak dan biru yang sejuk, kilatan panas ungu, oren, kontras hitam dan merah jambu tidak berkesudahan menggembirakan mata Lukisan Veronese membawanya kejayaan yang memberangsangkan dalam Venice

Selama bertahun-tahun kreatifnya berkembang pesat, Veronese menghiasi dengan lukisan Villa Barbaro Volpe di Masere (1560-1561), yang dibina oleh Andrea Palladio. Lukisan dinding ini menjadi salah satu pencapaian terbesar dalam lukisan monumental dan hiasan.

Tempat utama dalam lukisan kuda-kuda Paolo Veronese diduduki oleh kanvas monumentalnya yang terkenal pada adegan Injil, yang artis, yang mendapat inspirasi daripada kehidupan sosial Venice, dipenuhi dengan kesan daripada perayaan Venice yang sesak dan meriah. dikenali secara kolektif sebagai "Feasts of Veronese" Ini termasuk, khususnya, lukisan "Marriage in Cana" (15b3 d) dan "Feast in the House of Levi" (1573) dan balustrade dengan latar belakang biru langit yang bersinar. Dalam kerumunan yang penuh sesak dan berwarna-warni yang penuh dengan pergerakan, artis itu meletakkan penguasa Eropah, latar depan menggambarkan Titian, Tintoretto dan dirinya sendiri

Lebih megah dan lebih hiasan ialah "Pesta di Rumah Levi", yang berlangsung di loggia tiga teluk monumental yang megah. Keceriaan pagan gambar itu menarik perhatian Holy Inquisition. Soal siasat artis telah terselamat, di mana dia dituduh menggambarkan "pelawak, orang Jerman mabuk, karut lain"

2.3 Tintoretto

Lawan lengkap Veronese ialah Tintoretto kontemporarinya (1518 - 1594), yang nama sebenarnya ialah Jacopo Robusti Dia dilahirkan di Venice dan merupakan anak kepada seorang tukang celup, oleh itu nama gelaran tuannya - Tintoretto, atau Little Dyer

Banyaknya pengaruh artistik luar terlerai dalam keperibadian kreatif yang unik dari sarjana agung Renaissance Itali yang terakhir ini. Dalam karyanya, beliau adalah seorang tokoh raksasa, pencipta perangai gunung berapi, nafsu ganas dan intensiti heroik. Mengikuti mendiang Michelangelo dan Titian, Tintoretto membuka laluan baru dalam seni. kejayaan kedua-duanya di kalangan sezamannya dan dengan generasi berikutnya Tintoretto dibezakan oleh kebolehan yang benar-benar tidak berperikemanusiaan untuk bekerja, pencarian yang tidak kenal lelah. Dia merasakan tragedi zamannya lebih tajam dan lebih mendalam daripada kebanyakan orang sezamannya. ruang, tepu dengan dinamik, aksi dramatik, mula meluahkan perasaan manusia dengan lebih jelas. Dia adalah pencipta adegan massa yang disemai dengan kesatuan pengalaman.

Pada tahun 1539, pelukis membuka bengkelnya di Venice. Kerja awal Tintoretto kurang diketahui. Lukisan "The Miracle of St. Mark" (1548) membawanya kemasyhuran. Ekspresi bentuk dan skema warna yang kaya dengan bintik-bintik besar merah dan biru mewujudkan kesan keajaiban yang berlaku di hadapan mata orang ramai yang kecewa. Dengan pantas terbang terbalik, Saint Mark dengan pakaian merah berkibar-kibar menghentikan pelaksanaan hukuman mati terhadap mereka yang dikutuk secara tidak adil. Pemulihan dekad yang lalu telah mendedahkan dalam semua kemegahan palet tuan yang kaya dan berwarna-warni.

Luar biasa adalah lukisan "Pengenalan kepada Kuil" di gereja Santa Maria del Orto (1555). Tintoretto menggambarkan sebuah tangga asimetri separuh bulatan naik dengan curam. Maria telah pun mencapai kemuncaknya, dan watak kedua di latar depan, termasuk seorang wanita dengan seorang gadis, mengarahkan perhatian penonton kepadanya dengan gerak isyarat dan rupa. Artis secara ekspresif dan berani membina komposisi secara menyerong - teknik paling dinamik dalam lukisan. Dalam lukisan itu, Tintoretto menyatakan idea kesempurnaan rohani manusia.

Di Venice, disebabkan keadaan iklim, bukan lukisan dinding yang digunakan untuk menghias bangunan, tetapi lukisan besar yang dicat dalam teknik lukisan minyak. Tintoretto adalah pakar lukisan monumental, pengarang ensembel raksasa yang terdiri daripada beberapa dozen karya. Mereka dibuat untuk dewan atas dan bawah Scuola di San Rocco (Sekolah Saint Roch; 1565-1588).

Tuannya memulakan reka bentuk Scuola di San Rocco dengan penciptaan gubahan monumental yang hebat "The Crucifixion". Imej dengan banyak watak - penonton (lelaki dan wanita), pahlawan, algojo merangkumi adegan tengah penyaliban dalam separuh bulatan. Di kaki salib, saudara-mara dan murid-murid Juruselamat membentuk kumpulan yang jarang dalam kekuatan rohani. Dalam pancaran warna-warna di langit senja, Kristus seolah-olah memeluk dunia yang gelisah dan gelisah dengan tangannya, dipaku pada palang, memberkati dan mengampuninya. Dan pada tahun-tahun akhir hidupnya, Tintoretto tertarik dengan adegan massa. "Pertempuran Tsar" yang dicipta olehnya untuk Istana Doge (sekitar 1585) menduduki seluruh tembok. Pada dasarnya, ini adalah lukisan pertama yang benar-benar bersejarah dalam lukisan Eropah. Untuk menyampaikan ketegangan pertempuran dalam gambar, tuan menggunakan irama garisan gelisah, pukulan warna, dan kilatan cahaya. Semua dalam gerakan, gambar itu seolah-olah mencerminkan pertembungan ganas unsur-unsur.

Karya Tintoretto melengkapkan perkembangan budaya seni Renaissance di Itali.

Kesimpulan

Renaissance adalah benar-benar zaman yang paling indah dalam sejarah. Betapa banyak karya yang tercipta pada masa itu, yang tidak jemu mengagumi hari ini. Semasa melakukan kerja ini, saya menemui dunia Renaissance yang indah.

Itali

Renaissance adalah zaman kegemilangan budaya selepas genangan yang lama - ia pertama kali bermula di Itali. Jika di negara-negara Eropah lain penulis, artis dan saintis abad ke-15 - ke-16 dikaitkan dengan era ini, maka di Itali, di tempat kelahiran Renaissance, ciri-cirinya muncul dalam karya penyair, dalam karya saintis, dalam lukisan pelukis terdahulu - pada abad ke-13 - ke-14.

Di tanah Itali, banyak monumen budaya Rom kuno telah dipelihara. daripada Yunani purba banyak karya seni yang indah dibawa ke sini pada zaman dahulu. Dalam monumen seni dan kesusasteraan zaman purba Rom dan Yunani, ahli humanis melihat imej orang yang cantik, kuat, maju dengan harmoni. Terima kasih kepada aktiviti humanis, karya seni dan idea zaman purba ditemui, dipelihara, dikaji, dihidupkan semula. Di sinilah perkataan itu berasal. kebangkitan semula. Tetapi tidak lama kemudian perkataan itu mengambil makna yang lebih luas. Ia mula bermakna bukan sahaja kebangkitan yang lama, tetapi juga kelahiran nilai budaya baru. Zaman Renaissance adalah zaman perkembangan kesusasteraan dan seni yang baru dan belum pernah terjadi sebelumnya.

Terdapat tiga peringkat utama dalam perkembangan seni Renaissance Itali.

Peringkat pertama - Renaissance Awal, atau Renaissance Awal - ialah tempoh menguasai gaya baru. Pusat kehidupan seni Itali abad ini ialah Florence.

Dante Alighieri (1265 - 1321) dipanggil penyair terakhir Zaman Pertengahan dan penyair pertama Renaissance. Dante dilahirkan dan tinggal di Florence. Apabila berlaku perpecahan dalam parti pemerintah, dia berpihak kepada mereka yang tidak mahu membenarkan Florence jatuh di bawah kuasa paus. Penduduk bandar menghargai keberanian penyair dan memilih Dante untuk kerajaan bandar. Dia ketika itu berumur tiga puluh enam tahun. Tetapi penyokong paus menang dan mula bertindak keras terhadap lawan mereka. Dante terpaksa belajar betapa sukarnya nasib orang buangan, betapa pahitnya roti di negara asing. Selama hampir dua puluh tahun penyair mengembara di sekitar bandar-bandar Itali yang berbeza, berharap dan berputus asa. Dia meninggal dunia pada tahun 1321 di Ravenna, tidak pernah melintasi sempadan kota asalnya Florence. Apabila Dante muda mula menulis puisi, bahasa Itali vernakular tidak disukai oleh penyair. Mereka lebih suka bahasa Latin, yang orang ramai tidak bercakap. Tetapi Dante dengan berani mengisytiharkan hak dan kewajipan penyair untuk menulis Bahasa ibunda. Sepanjang tahun-tahun terakhir kehidupannya yang sukar dan bergelora, Dante menulis puisi, yang disebutnya "Komedi" (pada zamannya, nama sedemikian diberikan kepada karya dengan pengakhiran yang bahagia). Dan keturunan memberinya nama "Komedi Ilahi"untuk menyatakan kekaguman mereka terhadap penciptaan Dante. "Lawak Ilahi" dikagumi oleh orang sezaman dan keturunan. A.S. Pushkin, yang berulang kali menyebut nama Dante dalam karyanya, mengaitkan "Komedi Ilahi" kepada ciptaan genius sastera dunia.

Di sebelah Dante, nama seorang lagi penyair Itali yang hebat sentiasa dipanggil - Francesco Petrarch (1304 - 1374). Dante menjangkakan beberapa idea Renaissance, tetapi Petrarch adalah humanis pertama di Itali. Dia adalah yang pertama dalam salah satu tulisannya yang menentang kajian manusia terhadap sains zaman pertengahan Tuhan. Petrarch hidup dalam masa yang sukar, bercanggah, dan hidupnya juga bercanggah dan kompleks. Dia dekat dengan mahkamah berkuasa paus dan berkhidmat dengan kardinal, tetapi menulis tentang maksiat paus dan rombongannya. Di setiap selekoh jalan hidupnya yang sukar, Petrarch mengekalkan cinta yang bersungguh-sungguh untuk tanah airnya. Puisi patriotik Petrarch, seperti canzonanya "Itali Saya", menjadi karya kegemaran patriot Itali. Petrarch dikenali, diingati terutamanya sebagai salah seorang penyair lirik yang paling luar biasa sepanjang zaman dan bangsa. Kemuliaan ini dibawa kepadanya oleh puisi tentang cinta untuk Laura yang cantik.

Itali adalah tempat kelahiran bukan sahaja penyair yang cemerlang, tetapi juga penulis prosa. Yang paling luar biasa daripada mereka adalah Giovanni Boccaccio (1313 - 1375). Dia menulis cerita di mana dia secara jahat mengejek fiksyen imam tentang orang-orang kudus dan mukjizat, mendedahkan kemunafikan para bhikkhu, dan menolak khotbah abad pertengahan tentang penolakan hidup. Wira ceritanya adalah orang yang kuat, sihat, ceria, pintar, setia kepada persahabatan, mampu mempertahankan diri dan cinta mereka. Karya-karya ini dengan jujur ​​menggambarkan kehidupan dan adat istiadat Itali pada tahun-tahun itu.

Pada separuh pertama abad ke-15 tiga artis tinggal dan bekerja di Florence, yang menerima nama samaran "Bapa Renaissance": arkitek Brunelleschi, pengukir Donatello dan pelukis Masaccio. Bahasa seni bina, arca dan lukisan, mereka mengagungkan keindahan fizikal manusia. Bertentangan dengan ajaran gereja, mereka menegaskan hak orang untuk kebebasan dan kebahagiaan, mereka berkata bahawa seseorang, dengan kuasa akal, boleh dan mesti mempelajari undang-undang dunia.

Arkitek yang paling terkenal pada Zaman Renaissance Awal ialah Filippo Brunelleschi (1377 - 1446). Beliau adalah orang pertama yang mencipta bentuk seni bina yang digunakan dan diperbaiki oleh arkitek Itali dalam tempoh dua abad akan datang, dan kemudian mula digunakan oleh arkitek di banyak negara Eropah. Brunelleschi juga merupakan penyelidik pertama undang-undang perspektif. Selama 14 tahun, dia bersusah payah mengkaji monumen kuno yang dipelihara di Rom: dia mengukur, melakar, menganalisis teknik komposisi dan pembinaan tuan purba. Dalam monumen purba, dia menemui prototaip bentuk gaya baru. Karya agung karya Brunelleschi yang diterima umum, yang mencirikan semua inovasi arkitek, adalah sebuah gereja kecil di Florence, Pazzi Chapel (c. 1430).

Pemahat Donatello (1386 - 1466) mencapai ketinggian realisme yang luar biasa dalam karya-karyanya. Bersama-sama dengan tokoh-tokoh pahlawan purba dan orang-orang kudus, Donatello mula mencipta semula imej sezamannya. Dengan semangat yang sama, dia bekerja pada patung ekuestrian komander Gattamelata (1446 - 1453) dan sosok Florentine, yang digelar Zuccone. Wira Donatello memberontak dan bangga, mereka merasakan kesanggupan untuk berjuang dan dahagakan keadilan.

pelukis Masaccio (1401 - 1428) orang sezaman membandingkannya dengan komet - ia bersinar dengan begitu terang dan terbakar dengan cepat. Masaccio hidup hanya 27 tahun, tetapi dalam hidupnya yang singkat dia berjaya membawa banyak perkara baru untuk melukis. Dia adalah orang pertama yang menggunakan perspektif saintifik dalam karyanya, yang dibangunkan oleh arkitek Brunelleschi.

Masaccio, Donatello dan Brunelleschi menemui abad ke-15. Mereka diikuti oleh siri cemerlang artis luar biasa yang bekerja selama satu abad di kawasan yang berbeza di bandar-bandar Itali. Kegemilangan seni Florentine abad ke-15. telah digubah oleh pelukis Paolo Uccello, Andreo del Castagno, Benozzo Gozzoli, Fra Filippo Lippi, Domenico Ghirlandaio. Pada pergantian abad ke-15 - ke-16, sekumpulan artis dan penyair berkumpul di sekitar istana penguasa Florence yang tidak bermahkota, Lorenzo Medici, atau - seperti yang dipanggil - The Magnificent. Terdapat pelukis Sandro Botticelli, Antonio Pollaiolo, Filippino Lippi, pemahat Andrea Verrocchio. Piero dela Francesca menjadi terkenal di Umbria - sentiasa megah dan monumental dalam seninya. Di Padua - Andrea Mantegna yang teruk dan ketat.

Pencarian artis-artis Itali yang cemerlang pada Zaman Renaissance Awal ini telah diselesaikan dalam karya cemerlang para sarjana pada separuh pertama abad ke-16. Masa apabila tuan-tuan ini bekerja - peringkat kedua Renaissance Itali, dipanggil Renaissance Tinggi atau Renaissance Tinggi.

Salah seorang pelukis Itali terhebat pada Zaman Renaissance Tinggi Leonardo da Vinci (1452 - 1519) Beliau juga seorang saintis, pemikir dan jurutera yang cemerlang. Sepanjang hidupnya dia memerhati dan mengkaji alam - benda-benda langit dan undang-undang pergerakannya, gunung-ganang dan rahsia asal-usulnya, air dan angin, cahaya matahari dan kehidupan tumbuhan. Leonardo menganggap manusia sebagai sebahagian daripada alam semula jadi. Dia menunjukkan cintanya yang ingin tahu, aktif, gelisah terhadap alam semula jadi dalam segala-galanya. Dialah yang membantunya menemui undang-undang alam, meletakkan kekuatannya untuk melayani manusia, dialah yang menjadikan Leonardo artis terhebat, dengan perhatian yang sama menangkap bunga yang sedang mekar, gerak isyarat ekspresif seseorang dan jerebu berkabus menyelubungi pergunungan yang jauh. Seni, sains, ciptaan berkait rapat dalam aktiviti Leonardo da Vinci. Leonardo dilahirkan pada tahun 1452 di sekitar bandar kecil Vinci (sebab itu dia dipanggil Leonardo da Vinci). Pada usia empat belas dia berpindah ke Florence. Bapanya menghantar Leonardo untuk belajar di bengkel seni Andrea Verrocchio - seorang pelukis, arkitek dan pengukir yang cemerlang, seorang yang serba boleh, seperti ramai orang terpelajar zaman Renaissance. Leonardo belajar banyak dalam bengkel Verrocchio, tetapi tidak lama kemudian, menurut rakan seangkatannya, dia meninggalkan rakan pelajar dan gurunya jauh di belakang. Salah satu karya terawal oleh Leonardo da Vinci yang telah turun ke zaman kita ialah Madonna with a Flower, atau Benois Madonna (1478). Mencapai kesan realiti, Leonardo cuba menjadikan imej itu besar, timbul. Cara visual utama artis, yang membantunya dalam hal ini, adalah chiaroscuro, iaitu, pemindahan pelepasan objek pada satah gambar menggunakan permainan cahaya. Leonardo, yang mengetahui dan mengkaji isu-isu kejadian dan pantulan pancaran cahaya, secara sedar, sebagai seorang saintis, melihat dan menyampaikan banyak warna cahaya, peralihan bayang-bayang yang paling halus, kadang-kadang mengganggu bayang-bayang tebal dengan jalur cahaya yang lembut. Leonardo menggunakan cara visual ini sepanjang keseluruhan kerjanya. Pada tahun 1481 Leonardo da Vinci meninggalkan Florence dan berpindah ke Milan. Tugasan pertama di Milan ialah penciptaan monumen ekuestrian gangsa. Tetapi kerja jangka panjang Leonardo yang hebat telah musnah. Satu lagi kerja penting yang dilakukan di Milan juga menderita - lukisan dinding "The Last Supper", yang ditulis pada 1495 - 1497. di dinding refectory di biara Santa Maria delle Grazie. Leonardo menghabiskan dua dekad terakhir hidupnya mengembara, berpindah dari satu tempat ke satu tempat, tidak mencari kegunaan sebenar untuk bakatnya. Karya yang paling penting dalam tempoh ini ialah potret, yang dikenali di seluruh dunia dengan nama "La Gioconda" (permulaan abad ke-16). Leonardo da Vinci menghabiskan tahun-tahun terakhir hidupnya di Perancis dan meninggal dunia pada 1519 di istana Cloux berhampiran Amboise. Hanya kira-kira sepuluh lukisan oleh Leonardo yang masih hidup hingga ke zaman kita, sudah pasti dibuat olehnya, tetapi di samping itu, terdapat banyak lukisan, lukisan dan pelbagai nota.

Artis paling terang dan paling ceria zaman Renaissance ialah Raphael Santi (1483 - 1520) dari bandar Urbino. Dengan semua kerjanya, Rafael berkata: seseorang mesti cantik - dia mesti mempunyai badan yang cantik dan kuat, minda yang berkembang secara menyeluruh, jiwa yang baik dan bersimpati. Orang seperti itu digambarkan oleh Raphael dalam lukisannya. Dia sendiri adalah orang yang sedemikian. Rafael dilahirkan pada tahun 1483. Dia menerima pelajaran lukisan dan lukisan pertamanya daripada bapanya, pelukis dan penyair Giovanni Santi. Pada usia tujuh belas tahun, Rafael tiba di bandar Perugia dan menjadi pelajar artis Perugino. Salah satu lukisan Raphael pada masa ini ialah " Impian Knight»

(akhir abad ke-15). Pada tahun 1504, Raphael tiba di Florence, bandar di mana artis Itali terhebat Leonardo da Vinci dan Michelangelo tinggal dan bekerja pada masa itu. Terdapat orang di sini untuk belajar daripada. Dan Raphael sedang belajar. Belajar dan bekerja. Paling penting, dia tertarik pada masa ini dengan imej Madonna dengan seorang kanak-kanak. Tempoh Florentine karya Raphael dipanggil "Period of the Madonnas". Kemudian dia mencipta lukisan "Madonna Grandouquet" (c. 1505 - 1506). Potret diri yang dilukis oleh Raphael pada tahun-tahun ini secara semulajadi memasuki galeri imej indah yang dicipta olehnya. Pada tahun 1508, Pope Julius II memanggil Raphael ke Rom dan, bersama-sama dengan artis lain, mempercayakan dia untuk melukis bait-bait - dewan upacara Istana Vatican. Tidak lama kemudian Julius 2 mengarahkan untuk mengira semua artis dan meninggalkan Raphael sendirian. Dari 1509 hingga 1517 tiga dewan telah dicat, yang terbaik daripadanya ialah Dewan Tandatangan. Sekitar tahun 1511, potret Julius 2 telah dicipta. Seorang kontemporari artis, ahli sejarah seni Vasari berkata: "Dia melukis potret Pope Julius dengan jelas dan boleh dipercayai sehingga menakutkan untuk melihatnya, seolah-olah dia benar-benar sedang duduk. di hadapan kita hidup ...". Mengetahui cara menyampaikan dengan tepat dalam potret penampilan unik, kehidupan rohani yang unik seseorang, Raphael bekerja pada imej Madonnas dengan cara yang sama sekali berbeza. Imej menawan seorang wanita dicipta oleh Raphael dalam lukisan terkenal "The Sistine Madonna" (1515 - 1519). Raphael bukan sahaja seorang pelukis yang hebat, tetapi juga seorang arkitek yang sangat baik. Dia membina istana, vila, gereja, gereja kecil. Pada tahun 1514, paus meletakkan Raphael bertanggungjawab ke atas pembinaan gereja berkubah terbesar di dunia - Katedral St. Peter. Kematian mengganggu kerja Raphael ini. 6 April 1520, pada usia 37 tahun, beliau meninggal dunia. Dia dikebumikan di salah satu bangunan paling indah di Rom - di Pantheon, yang menjadi tempat pengebumian orang-orang hebat Itali.

Michelangelo Buonarroti (1475 - 1564) dilahirkan pada 6 Mac 1475, menghabiskan masa kecilnya di Florence. Dia berumur 13 tahun ketika dia menjadi pelajar pelukis Ghirlandaio. Pada usia 25 tahun, beliau telah pun mencipta banyak karya arca, yang terbaik ialah Bacchus (c. 1497 - 1498) dan Lamentation of Christ (1498 - 1501). Pada usia 26 tahun, artis mengambil pekerjaan yang sangat sukar. Seorang pemahat mula mengukir patung dari bongkah marmar setinggi lebih daripada 5m, tetapi merosakkan marmar itu dan membuangnya. Pengrajin terbaik, malah Leonardo da Vinci, enggan membuat arca daripada marmar hancur ini. Michelangelo bersetuju. Tiga tahun kemudian, patung itu siap. Ia adalah budak Yahudi David, yang mengalahkan musuh tanah airnya dalam satu pertempuran - Goliat gergasi Filistin yang paling berkuasa. Pada tahun 1505 patung itu diletakkan di dataran Florence, di udara terbuka, supaya semua orang dapat melihatnya. Selama lebih daripada tiga abad, patung marmar tercinta Florentines, yang penduduknya dipanggil Giant, berdiri di sini. Pada tahun 1873, patung itu dipindahkan ke Akademi Seni, di sebuah dewan yang dibina khas untuknya. Di tempatnya, atas permintaan penduduk, salinan marmar diletakkan, dan pada tahun 1875, di Dataran Michelangelo, apabila ulang tahun ke-400 kelahiran pengukir itu disambut, salinan gangsa Daud telah didirikan. Pada tahun 1508, Pope Julius II mengarahkan Michelangelo mengecat siling Kapel Sistine di Rom. Dimensi lukisan masa depan melebihi 600 meter persegi. m Dalam keadaan yang sangat sukar, berbaring telentang, di atas perancah yang tinggi, artis itu sendiri, tanpa pembantu, mencipta semula dalam imej di siling kapel legenda alkitabiah yang menceritakan tentang peristiwa dari penciptaan dunia hingga banjir. Imej terbaik lukisan ini ialah manusia pertama Adam. Michelangelo menghabiskan empat tahun dalam kerja ini. Dari ketegangan yang berlebihan dan berterusan, seluruh badan artis itu sakit. Matanya hampir berhenti melihat: untuk membaca buku atau meneliti sesuatu, dia perlu mengangkatnya tinggi di atas kepalanya. Secara beransur-ansur, penyakit ini berlalu. Pada tahun 1520, Michelangelo mula membina makam Medici di Florence, para penguasa kota, dan pada tahun 1534 (masa pembinaan ditangguhkan kerana pemberontakan pada tahun 1527, di mana Michelangelo Republikan yang gigih mengambil bahagian secara aktif) menyelesaikan gereja kecil dan makam Giuliano dan Lorenzo yang terletak di dalamnya Medici. Pada tahun 1534 - 1541. di Sistine Chapel yang sama di mana dia mengecat siling, artis mencipta lukisan dinding "The Last Judgment". Pada tahun 1545, dia akhirnya menyelesaikan makam Pope Julius II, yang mana dia menerima pesanan 40 tahun yang lalu. Patung terbaik untuk makam ini telah dicipta seawal 1513-1516. Inilah sosok Musa lagenda alkitabiah- pemimpin orang Yahudi yang hebat dan bijak, dan patung dua pemuda tawanan yang terikat ("Hamba"). Michelangelo meninggal dunia pada 18 Februari 1564. Mayatnya secara rahsia dibawa pergi dari Rom dan dikebumikan di rumah. Dan sekarang di Florence di Piazzale Michelangelo terdapat salinan gangsa David sebagai monumen kepada artis, yang menegaskan dan mempertahankan kebebasan dan keindahan manusia dengan seninya.

Renaissance Tinggi, serta Renaissance Awal, meninggalkan kita beberapa bangunan yang dianggap sebagai karya agung seni bina dunia.

Pengarang kebanyakan daripada mereka adalah seorang arkitek yang hebat Donato d'Angelo Bramante (1444-1514). Bangunan paling cemerlang yang membawa Bramante kemuliaan arkitek terhebat pada zamannya, dia cipta di Rom. Antara karya terbaiknya ialah bangunan Vatican yang megah (bermula pada awal abad ke-16). Di salah satu biara Rom, Bramante membina sebuah gereja kecil - Tempietto (1502 - 1503). Sudah sezaman menganggapnya sebagai karya agung. Projek Katedral St. Peter (1506 - 1514), yang kemudiannya dicipta oleh Bramante, tidak dilaksanakan olehnya. Tetapi idea arkitek untuk mencipta struktur kubah yang megah tidaklah sia-sia. Ia digunakan dalam projek mereka Katedral St. Peter oleh Raphael dan Michelangelo.

Pelukis Venice abad ke-15 (kemudian Renaissance) menerima komisen untuk lukisan terutamanya daripada gereja. Selalunya mereka menggambarkan Madonna dengan sungguh-sungguh duduk di atas takhta yang dikelilingi oleh malaikat dan orang suci.

Pada separuh kedua abad ke-15 c. pelukis terhebat di Venice ialah Giovanni Bellini (1430-1516). Sosok orang dalam lukisannya ditulis dalam jumlah, pose mereka semula jadi dan pada masa yang sama sentiasa megah. Ketika menggambarkan langit, dia berjaya menyampaikan kedalaman ruang, keluasan jarak. Tetapi pelajar Bellini - Giorgione dari Castelfranco dan Titian Vecellio meninggalkan guru mereka jauh di belakang, membuka peluang baharu untuk melukis pada zaman mereka. Di kampung halamannya Giorgione (1477 - 1510) dia mencipta untuk gereja sebuah lukisan yang dikenali sebagai Madonna of Castelfranco (c. 1505). Menjelang awal abad ke-16. Artis Eropah telah pun belajar untuk melihat ciri-ciri alam semula jadi mereka, tetapi landskap masih berfungsi terutamanya sebagai latar belakang untuk tokoh-tokoh itu. Dalam lukisan "Ribut Petir" (c. 1505), Giorgione memberikan peranan utama kepada landskap. Dalam Renaissance, Judith, heroin legenda kuno, sering digambarkan sebagai simbol kepahlawanan dan prestasi. Giorgione tidak memintas topik ini dan mencipta "Judith" sendiri (c. 1502). Pada tahun 1510 Giorgione, masih muda, meninggal dunia akibat wabak itu. Lukisannya "Sleeping Venus" (1507 - 1508) masih belum selesai. Kerja rakan yang telah meninggal dunia telah disiapkan oleh salah seorang tuan terhebat Renaissance, Titian.

Titian Vecellio (1477 atau 1485 - 1576) hidup lama. Karya seni haid lewat kerjanya sangat berbeza dari yang sebelumnya. Antara tahun 1500 dan 1516 dia melukis beberapa lukisan mengenai subjek injil, mitologi, alegori. Mereka dikaitkan dengan tenaga dan kekuatan warna, pemindahan halus dan meriah tubuh telanjang, pancaran hangat cahaya matahari. 1517 - 1530 - masa apabila bakat Titian mencapai kematangan, dan kemasyhurannya melangkaui Itali. Artis bebas mengendalikan subjek yang dia pilih. Titian dengan sempurna menguasai seni mengekspresikan perasaan dan perasaan seseorang dalam kombinasi warna. Contohnya adalah kanvasnya "The Feast of Venus" (1518) dan lukisan besar "Assunta" ("Ascension of Mary", 1518). Artis memberikan banyak usaha untuk melukis. Dikelilingi oleh penghormatan dan kekaguman orang sezamannya, dia hidup dengan kaya dan berdikari. Bangsawan Venice, maharaja Jerman dan raja Sepanyol meminta persetujuan Titian untuk bekerja untuk mereka. Tetapi dia hanya melaksanakan perintah yang dia suka. Dalam potret, Titian bukan sahaja mencari persamaan luaran, tetapi juga sifat watak yang berani didedahkan. Menjelang 60-an abad ke-16. merujuk kepada lukisannya "Penitent Magdalene" (1560 - 1565). Luar biasa untuk era itu adalah karya zaman akhir karya Titian - "St. Sebastian" (1570). Bukan sahaja orang sezamannya yang lebih muda belajar dari karya Titian, mereka mempunyai kesan terbesar pada lukisan Eropah selama berabad-abad.

Artis utama separuh kedua abad ke-16. terdapat juga Paolo Veronese dan Jacopo Tintoretto.

Paolo Veronese (1528 - 1588) – Tuan yang hebat lukisan hiasan, Pencipta lukisan hebat yang besar yang menghiasi siling dan dinding Istana Doge. Lukisan ini mempunyai subjek alegori dan mitologi. Salah satu karyanya ialah lukisan besar "Perkahwinan di Kana di Galilea" (1563). Lukisan oleh Veronese dengan kemeriahan dan keceriaan, fleksibiliti fantasi, terang, kecemerlangan berkilauan, deria cahaya yang halus. Walau bagaimanapun, pada peringkat akhir kreativiti dan dalam seninya yang mengganggu, mood suram menembusi. Begitulah lukisannya "The Last Supper" (sehingga 1573), kemudian dinamakan semula sebagai "Feast in the House of Levi".

Jacopo Tintoretto (1518 - 1594) pada masa mudanya dia membuat motonya perkataan: "lukisan oleh Michelangelo, pewarnaan oleh Titian." Kecemerlangan berkilauan menjadikan lukisannya berkaitan dengan seni orang Venice yang lain. Tetapi Tintoretto mempunyai banyak ciri asli. Dalam lukisan "The Battle of the Archangel Michael with Syaitan" (akhir 80-an abad ke-16), tindakan itu dipindahkan ke udara. Dalam karya terkemudiannya, kebanyakannya muram dan gelisah, Tintoretto menyampaikan nuansa tragis para pahlawannya, menggambarkan orang ramai yang ditangkap oleh perasaan ganas.

Pada tahun-tahun yang sama apabila Veronese dan Tintoretto melukis lukisan mereka, dia bekerja di utara Itali Andrea Palladio (1508 - 1580)- arkitek terbaik zaman Renaissance lewat. Dalam karyanya, Palladio menggunakan teknik seni bina Yunani dan Rom, tetapi dia mengelakkan penyalinan langsung dan mencipta karya asli. Bangunan megah yang dibina oleh Palladio menghiasi kampung halamannya di Vicenza dan Venice.

England

Di England, Renaissance bermula agak lewat daripada di Itali, dan ia mempunyai perbezaan pentingnya sendiri di sini. Sama seperti di Itali, di England yang pertama menyatakan dalam buku mereka pemikiran dan perasaan masa baru adalah humanis. Mereka tidak boleh hanya bercakap tentang betapa indahnya menjadi manusia; mereka melihat bagaimana seorang lelaki di England menderita.

Pada awal abad ke-16 muncul humanis besar pertama England Thomas More (1478 - 1535)- Utopia. Sebelumnya, tiada siapa yang berani bercakap benar secara langsung. Thomas More menulis tentang kekejaman undang-undang terhadap orang miskin, tentang kebodohan peperangan yang agresif, tentang ketidakadilan dalam tatanan sosial. Semasa Renaissance di England terdapat banyak penyair berbakat Mereka mencipta karya tentang cinta, tentang persahabatan, tentang keindahan dunia sekeliling. Tetapi yang paling penting, idea-idea Renaissance di England terkandung di pentas teater.

William Shakespeare (1564 - 1616). Sedikit yang diketahui tentang kehidupan Shakespeare. Dia tidak menulis memoir dan tidak menyimpan diari. Manuskrip lakonannya telah hilang. Beberapa cebisan kertas di mana beberapa baris ditulis oleh tangan Shakespeare sendiri, atau sekadar tandatangannya, dianggap sebagai nilai sejarah yang paling jarang berlaku. William Shakespeare dilahirkan pada 23 April 1564 di bandar kecil Inggeris Stratford, terletak di Avon Sungai. Ayahnya seorang tukang dan saudagar. Apabila Shakespeare berumur awal dua puluhan, dia pergi ke London. Menemui dirinya di bandar besar tanpa dana, tanpa kawan dan kenalan, Shakespeare, menurut legenda, pada mulanya mencari nafkah dengan menjaga kuda berhampiran teater, di mana tuan-tuan mulia datang. Kemudian - ini diketahui secara pasti - Shakespeare mula berkhidmat di teater itu sendiri: dia memastikan bahawa pelakon pergi ke pentas tepat pada masanya, menulis semula peranan, menggantikan penggerak - dalam satu perkataan, dia mengenali kehidupan belakang pentas. teater dengan baik. Kemudian Shakespeare mula mempercayakan peranan kecil dalam teater. Dia tidak menjadi seorang pelakon yang hebat, tetapi dia bercakap dengan tepat dalam dramanya tentang lakonan, dan yang paling penting, dia membina dramanya dengan begitu mahir sehingga ini membuktikan pengetahuannya yang menakjubkan tentang pentas. Shakespeare menulis lebih daripada sekadar drama. Puisi-puisinya - soneta menawan sezaman dan terus menawan keturunan dengan kekuatan perasaan, kedalaman pemikiran, keanggunan bentuk. Tetapi perniagaan utama Shakespeare, keghairahan hidupnya, adalah penciptaan drama. Kegembiraan hidup yang menggembirakan, kemuliaan orang yang sihat, kuat, berani, cerah, berfikiran berani - ini adalah perkara utama dalam drama pertama Shakespeare - komedi: "The Taming of the Shrew", "Comedy of Errors", " Two Veronians", "A Midsummer Night's Dream", " Much Ado About Nothing", "As You Like It", "Twelfth Night" (1593 – 1600). Mungkin karya Shakespeare yang paling terkenal ialah Romeo dan Juliet (1597), tragedi besar pertama. Selepas mementaskan Julius Caesar, dari 1601 hingga 1608, Shakespeare mencipta tragedi terbesar: Hamlet, King Lear, Macbeth dan Othello. Pada tahun-tahun terakhir karya Shakespeare (1608 - 1612), dramanya memperoleh watak yang berbeza. Mereka agak tersisih dari kehidupan sebenar. Motif yang hebat mula kedengaran di dalamnya. Pada tahun 1612 Shakespeare menulis drama terakhirnya, The Tempest. Dia tidak lama kemudian meninggalkan teater, dan pada tahun 1616, pada hari dia berumur 52 tahun, dia meninggal dunia. Shakespeare dikebumikan di gereja asalnya Stratford. Penggemar bakatnya masih datang ke sini dari seluruh dunia untuk tunduk kepada kubur penulis drama yang hebat, melawat rumah tempat dia tinggal, dan menonton dramanya di Teater Memorial Stratford.

Perancis

Di Perancis, Renaissance (Renaissance) bermula satu setengah abad kemudian daripada di Itali - pada akhir abad ke-15. Renaissance Perancis, yang bermula lewat, memperoleh skop yang besar dan ciri-ciri kewarganegaraan yang tidak pernah berlaku sebelum ini walaupun di Itali.

Pertama sekali, mari kita bercakap tentang kreativiti. penulis terhebat era ini - Francois Rabelais (1494 - 1553). Rabelais adalah anak lelaki sejati pada zamannya, Renaissance. Seperti tokoh terbaiknya, dia memukau dengan kepelbagaian pengetahuannya: dia seorang doktor, peguam, penyair, arkitek, ahli falsafah, guru dan naturalis. Rabelais dibezakan oleh kecerdasannya yang cemerlang, perangai seorang pejuang, dan kebijaksanaan seorang saintis. Dia menerbitkan bahagian pertama bukunya yang terkenal "Gargantua dan Pantagruel" pada tahun 1532, yang terakhir, kelima keluar 32 tahun kemudian, pada tahun 1564.

Sekumpulan tujuh penyair, yang lebih muda sezaman dengan Rabelais, mengambil nama itu Pleiades(inilah nama buruj tujuh bintang yang bersinar terang di langit malam). Di kepalanya adalah Pierre Ronsard (1524 - 1585), penulis lirik yang hebat. Dalam salah satu soneta, Ronsard meramalkan keabadian untuk wanita yang dicintainya. Dia ternyata betul: wanita petani sederhana Marie Dupont, yang kepadanya Ronsard mendedikasikan koleksi Love for Mary (1555), telah hidup dalam ingatan keturunannya selama empat ratus tahun terima kasih kepada puisi. Ronsard melakukan banyak perkara untuk memperkayakan bahasa Perancis, yang, ternyata, dapat mengekspresikan perasaan dan pemikiran yang paling halus. "Pleiades" amat mengambil berat tentang nasib bahasa ibunda mereka: lagipun, perkembangan budaya sememangnya memerlukan pertuturan yang fleksibel, kaya dan jelas. Rakan sekerja Ronsard, Joaquim du Bellay, menyatakan idea-idea Pleiades ini dalam karyanya The Defense and Glorification of the French Language (1549). Semasa hayatnya yang singkat (du Bellay meninggal dunia pada usia tiga puluh lapan tahun, pada tahun 1560), dia mencipta puisi yang menjadi buku teks untuk puisi Perancis. Sonnets du Bellay dianggap sebagai teladan.

Sepanyol

Penulis terhebat - humanis Sepanyol, salah seorang realis yang paling luar biasa dalam kesusasteraan Renaissance adalah seorang yang cemerlang. Miguel Cervantes de Saavedra (1547 - 1616). Kehidupan Cervantes, pencipta Don Quixote, tidak mudah. Dia berasal dari keluarga bangsawan yang miskin. Walaupun Cervantes menerima pendidikan kemanusiaan yang baik, dia tidak dapat mencari permohonan untuk pengetahuan dan kebolehannya untuk masa yang lama: perkhidmatan yang tidak dicemburui dalam rombongan kardinal, bahagian askar dan tahanan Algeria selama bertahun-tahun, dan akhirnya, tempat pengembaraan. pegawai kutipan cukai. Berada dalam perkhidmatan ini, dia berakhir di penjara kerana kesalahan orang lain. Cervantes memasuki persekitaran sastera, tetapi tidak menerima pengiktirafan sebenar karyanya semasa hayatnya. Memasuki bidang sastera lebih awal, Cervantes menemui kuasa penuh bakat geniusnya hanya dalam tahun-tahun kemerosotannya, apabila dia mencipta cerita-cerita indah "Novel Pengajaran", adegan benar dari kehidupan rakyat - "Selingan" dan, akhirnya, novel terkenal "Don". Quixote” - epik tentang imej sedih Knight dan pengawal setianya Sancho Panza.

Dengan karya Cervantes, novel Sepanyol menjadi hak milik semua manusia, dan Lope de Vega (1562 - 1635) dengan dramanya dia meletakkan teater Sepanyol di sebelah teater Shakespeare.

Lope de Vega mendapati tempatnya dalam kehidupan tanpa banyak kesukaran. Tidak seperti Cervantes, dia menerima pengiktirafan seumur hidup untuk kerjanya. Dalam genre sastera yang Lope de Vega lakukan: dalam dramaturgi, puisi dan lirik epik, teori dan kritikan sastera, cerpen! Walau bagaimanapun, tempat pertama dalam karyanya, sudah pasti, milik dramaturgi. Lebih daripada lima ratus drama oleh Lope de Vega, kebanyakannya komedi, telah diturunkan kepada kami. Penulis - humanis Lope de Vega tahu bagaimana bukan sahaja untuk menghiburkan penonton - dia meluaskan ufuknya, memperkenalkannya kepada masa lalu sejarah, kehidupan orang lain - Rusia yang jauh dan Amerika di luar negara. Dengan kekuatan protes politik dalam karya Lope de Vega, drama indahnya Fuente Ovejuna (Sheep Spring) menduduki tempat yang istimewa. Komedi menikmati kejayaan berterusan dengan penonton: "Anjing di Palungan", "Gadis dengan Jag", "Guru Tarian", "Janda Valencia".

Jerman

“Alangkah gembiranya hidup! Sains berkembang pesat, minda bangkit: anda, kebiadaban, ambil tali dan bersiaplah untuk pengasingan! - demikian menulis pada tahun 1518 humanis Jerman terbesar, satira berbakat, penulis dan ahli falsafah Ulrich von Hutten (1488-1523). Dia berasal dari keluarga kesatria tua dan memiliki bukan sahaja pen, tetapi juga pedang. Bapanya mahu melihatnya sebagai menteri gereja, tetapi Hutten muda melarikan diri dari biara dan akhirnya menjadi salah satu penentang Rom paus yang paling berani. Pada tahun 1522, Hutten mengambil bahagian aktif dalam pemberontakan kesatria menentang Pemilih (Putera) Uskup Agung Trier. Tetapi bukan penduduk bandar, apatah lagi petani, yang mengalami penindasan feudal, tidak mahu menyokong kesatria yang memberontak. Hutten melarikan diri ke Switzerland, di mana dia meninggal dunia dalam kemiskinan. "Dialog"nya, yang dicipta pada tahun 1520, sangat jenaka dan pedas. Satira yang cemerlang - "Surat Orang Gelap" yang terkenal (1515 - 1517) - ditulis dengan penyertaan rapat Hutten. "Surat daripada Orang Gelap" adalah kejayaan antarabangsa. Mereka dibaca dengan penuh semangat di London dan di Paris.

Albrecht Durer (1471 - 1528) adalah artis dan inovator terhebat lukisan Jerman. Dia dilahirkan di Nuremberg, sebuah bandar di mana percetakan berkembang pesat. Bapa Dürer ialah seorang tukang emas. Durer menerima kemahiran melukis pertamanya di bengkel bapanya. Menyedari, bagaimanapun, bahawa anaknya menunjukkan lebih kegemaran untuk melukis daripada untuk perhiasan, Dürer Sr. memberikan Albrecht yang berusia lima belas tahun sebagai perantis kepada pelukis Nuremberg Wolgemut. Empat tahun kemudian, Durer melakukan perjalanan wajib untuk setiap artis yang bercita-cita melalui bandar-bandar Jerman. Dia terpaksa meningkatkan seninya untuk menerima gelaran tuan. Pada pertengahan 90-an abad ke-15. seorang artis muda Jerman datang ke Itali. Perjalanan ke Itali bukanlah perkara biasa di kalangan pelukis Jerman, dan pemuda Jerman itu adalah salah seorang daripada segelintir yang berani berbuat demikian. Pulang ke rumah, artis itu melukis potret diri (1498), menggambarkan dirinya bukan sebagai tukang yang mudah, kerana artis itu pada tahun-tahun itu di Jerman, tetapi sebagai seorang bangsawan yang berpakaian mewah. Kepelbagaian kepentingan, begitu ciri orang Renaissance, juga membezakan Dürer. Dia melukis gambar, mencipta ukiran pada kayu, salah satu yang pertama beralih kepada ukiran pada papan tembaga, adalah seorang jurutera dan arkitek, belajar matematik, ahli teori seni, membaca pengarang kuno, mengarang puisi. Sebelas tahun selepas perjalanan pertama ke Itali, sudah menjadi tuan yang diiktiraf, Dürer sekali lagi pergi ke Venice. Dia mengejutkan orang Itali dengan kehalusan seninya, tetapi dia sendiri belajar banyak daripada mereka. Dari ahli teori seni Itali, Dürer menerima pakai doktrin perkadaran tubuh manusia, dan kemudiannya dia sendiri memperkenalkan banyak perkara baru ke dalam sains perkadaran. Artis menggariskan hasil penyelidikan dan pemerhatiannya dalam Four Books on Proportions. Pada tahun 1520 - 1521. Dürer mengembara di sekitar Belanda. Dan di mana sahaja dia berada, dia melukis di mana-mana. Artis itu memasukkan ke dalam album perjalanannya landskap gunung dan pemandangan bandar, arnab dan badak sumbu, potret orang yang ditemuinya. Dia tertarik dengan adab dan adat resam negara, pakaian, tarikan tempatan dan perkara aneh. Lukisan ini membantunya kemudian mencipta lukisan dan ukiran. Dürer mencipta lebih 200 ukiran. Salah satu ukiran terbaiknya ialah "Saint Jerome dalam sel" (c. 1514). Seni Dürer sebagai pengukir menggembirakan orang sezamannya. Durer tidak kurang hebatnya dalam melukis. Orang-orang kudus dalam lukisannya adalah orang yang hidup, kuat jiwa dan raga. Madonna with the Christ Child (Mary and Child, 1512) beliau adalah secantik orang Venice muda yang Dürer lukis di Itali pada tahun 1505. Karya beliau yang lain juga dikenali: Three Peasants (c. 1497), "Apocalypse" (1498), "Four Apostles" (1526), ​​​​"Young Man" (1512), "Jerome Holtzschuer" (1526), ​​​​dsb.

Sarjana penting Renaissance Jerman ialah Lucas Cranach the Elder (1472 - 1553). Cranach mengembara secara meluas, tetapi menghabiskan sebahagian besar hidupnya di istana putera Saxon di Wittenberg. Sebagai pelukis istana dan valet putera raja, dia melukis potret upacara, banyak lukisan mengenai tema keagamaan dan mitologi, menghiasi dewan untuk majlis resepsi dan perayaan. Salah satu lukisan artis menangkap pemburuan putera raja - hobi kegemaran golongan bangsawan (1529). Cranach adalah antara yang pertama di Jerman untuk melukis alam semula jadi negara asalnya. Landskap itu terdapat dalam lukisan kandungan keagamaannya "Beristirahat dalam Penerbangan ke Mesir" (1504). Cranach melukis banyak potret. Tetapi yang paling penting, dia, mungkin, berjaya dalam potret Martin Luther (1532).

Seorang lagi pelukis potret Jerman yang hebat, Hans Holbein the Younger (1497 - 1543), tidak mendapat peluang untuk bekerja di Jerman, dia meninggalkan kampung halamannya di Augsburg lebih awal. Dia menetap di Switzerland, di Basel, sebuah pusat percetakan utama. Di Basel, Holbein mengilustrasikan buku, melukis fasad rumah, dan mencipta lukisan untuk ukiran. “Tarian Kematian (1524 - 1526) adalah siri ukirannya yang paling ketara. Holbein meninggalkan kami potret indah Erasmus of Rotterdam dalam profil (1523), potret seorang saudagar muda George Giese (1532). Holbein sering melukis potret orang yang cemerlang, dibezakan oleh kebolehan dan kecerdasan mereka. Begitulah Charles de Morette, utusan raja Perancis di England (1534-1535). Potret Morette dilukis di London, di mana Holbein berpindah menjelang akhir hayatnya. Di sini dia menjadi pelukis istana raja Inggeris Henry VIII. Sebagai tambahan kepada potret bergambar istiadat ahli keluarga diraja dan rakan rapat raja, Holbein mencipta banyak potret pensil pada masa ini. Ia ditulis dengan sapuan ringan, yakin dan sering diserlahkan dengan kapur berwarna.

Sukar dan tragis adalah nasib artis itu Matthias Grunewald (selepas 1460 - 1528). Atas komitmennya terhadap cita-cita Reformasi dan simpati kepada petani yang memberontak, dia kehilangan tempatnya di mahkamah episkopal di Mainz, di mana dia dianggap sebagai pelukis istana, terpaksa melarikan diri, dan hanya secara ajaib melarikan diri dari mahkamah gereja. Lukisannya dibezakan oleh kekayaan warna emosi, jarang berlaku untuk artis Jerman. Grunewald melukis lukisan secara eksklusif mengenai subjek agama. Karya yang paling terkenal ialah altar untuk biara di Isenheim (c. 1512 - 1516).

Belanda

Renaissance Belanda awal, yang menggantikan Zaman Pertengahan, boleh dibandingkan dengan seseorang yang bangun selepas tidur yang panjang dan melihat dengan terkejut dan menggembirakan betapa baiknya dunia di sekelilingnya. Semuanya kelihatan indah baginya, dipenuhi makna yang mendalam- dan cahaya pagi keperakan menembusi udara lembap, dan bunga, dan jalan-jalan yang tenang dengan rumah-rumah di bawah bumbung berbumbung, dan perapian, dan perkakas rumah yang mudah, dan, sudah tentu, orang. Di Belanda, kita tidak akan menemui lukisan dinding, seperti di Itali, tetapi pada Zaman Pertengahan, di sini, seperti di negara-negara lain di Eropah Utara, seni halus miniatur buku berkembang pesat. Ilustrasi manuskrip dibuat dengan kemuliaan, dengan warna yang bersinar sehingga buku-buku itu bertukar menjadi permata yang sebenar. Ya, mereka berbaloi dengan emas. Ia adalah Belanda, yang menuntut juiciness dan ketepuan warna dari cat, bahawa penghormatan untuk meningkatkan teknik lukisan minyak, yang kemudiannya tersebar di seluruh Eropah di bawah nama cara Flemish, adalah milik. Adalah dipercayai bahawa pencipta teknik ini terkenal saudara Hubert van Eyck (c. 1370 - 1426) dan Jan van Eyck (c. 1390 - 1441). Altarpiece Ghent yang terkenal (1426 - 1432) telah dicipta oleh saudara van Eyck. Ulama masih berhujah, cuba menentukan adegan altar mana yang dilukis oleh Hubert dan yang oleh adik lelakinya Jan. Jelas sekali, Hubert memulakan kerja itu, dan selepas kematiannya Jan menyelesaikannya. Ia juga boleh diandaikan bahawa lukisan paling inovatif adalah milik Jan, lebih maju daripada Hubert, yang masih dikaitkan dengan seni Gothic. Jan van Eyck - seorang artis, ahli matematik dan diplomat - adalah seorang lelaki sebenar Renaissance. Kesunyian dan ketenangan terpancar dari potret pasangan Giovanni dan Giovanna Arnolfini (1434).

Seni sempurna van Eycks, seolah-olah, membuka mata tuan Belanda abad ke-15. kedua-dua kemungkinan melukis dan kepentingan dunia sebenar. Cemerlang dan keras Rogier van der Weyden (1399 - 1464), pandai bercerita Diric Boats (c. 1410 - 1475), seorang tuan yang sangat berbakat dan asli, yang paling hampir dengan Renaissance Itali, Hugo van der Goes (c. 1435 - 1482) menakluki seni Belanda pada abad ke-15. kemasyhuran dunia. Malah di Itali mereka mula menjemput artis utara belajar daripada mereka seni lukis.

Di bandar wilayah kecil Hertogenbosch, salah seorang tuan yang paling aneh dan paling misteri dalam keseluruhan sejarah seni bekerja. Hieronymus van Aken (c. 1450 - 1516), dikenali sebagai Bosch. Lukisannya didiami oleh makhluk aneh dan ganas: raksasa berekor, ikan di kaki kuda, reptilia yang belum pernah terjadi sebelumnya. Bosch, seperti lebih daripada seorang artis sebelum dia, berhubung dengan orang ramai, dengan kepercayaan karut mereka, dengan humor dan cerita rakyat mereka. Terdapat pepatah lama Flemish: "Dunia adalah timbunan jerami: setiap orang mengambil daripadanya apa yang mereka boleh ambil"; dan Bosch melukis lukisan "Hay Carriage" (akhir ke-15 - awal abad ke-16). Seni Bosch menarik kerana dia memperkenalkan motif harian dan landskap ke dalam gubahannya mengenai tema keagamaan.

Artis adalah seorang pemikir Pieter Brueghel the Elder (antara 1525 dan 1530 - 1569), memikirkan erti kewujudan manusia, dia jauh mendahului zamannya. Bakatnya yang cemerlang berada dalam kerangka plot yang diterima umum dan juga genre lukisan kontemporari. Seni Eropah pada masa itu tidak mengetahui landskap sebenar - alam semula jadi hanya latar belakang, pentas di mana orang bertindak. Dan hanya Brueghel yang ditemui untuk melukis kehidupan alam semula jadi, makna perubahan musim, kehebatan dan keindahan landskap, penuh dengan kepentingan bebas. Sebagai seorang artis yang sangat muda, Brueghel pergi ke Itali, di mana Michelangelo dan Venetian yang hebat bekerja pada masa itu, tetapi keperibadiannya ternyata terlalu kuat untuk dipengaruhi walaupun oleh tuan seperti itu. Lebih kuat dan lebih penting bagi Brueghel ialah kesan panorama laut dan Alps yang mengagumkan. Alam menjadi watak utama karyanya. Dan bersama-sama dengan garis terang dan tepat lukisan perjalanan Brueghel masuk seni dunia memasuki landskap. Kemudian, sudah menjadi tuan yang matang, Brueghel melukis siri landskap terkenal "The Seasons". Ketepatan dan ekspresi siluetnya boleh dicemburui oleh pelukis terbaik seni dunia. Contoh ini ialah lukisan "Hunters in the Snow" (1565). Perhatian baik artis tertarik oleh petani sederhana. Dan di sini Brueghel menjadi perintis genre baru - petani setiap hari, yang mana dia menerima dari keturunannya nama panggilan Peasant ("Tarian Petani", 1567). Seni artis menjadi semakin suram dan pesimis menjelang akhir tahun 1560-an. Pada tahun 1568, sejurus sebelum kematiannya, Bruegel menulis lukisannya yang paling penting dan suram, The Blind.

Kreativiti humanis besar Belanda Desiderius Erasmus dari Rotterdam (1469 - 1535) berkait rapat dengan Renaissance Jerman. Desiderius Erasmus dari Rotterdam menikmati kemasyhuran salah seorang yang paling berpendidikan di Eropah. Dia dengan tegas menentang obskurantisme gereja, mengembara ke banyak negara, dan di mana-mana sahaja dia disambut dengan penuh semangat oleh ramai pengagum. Kejayaan yang jarang berlaku adalah satira indahnya "Eulogy of Stupidity."

Kami menganggap bahawa seni Renaissance di negara yang berbeza mempunyai ciri tersendiri. Tetapi kami menekankan bahawa realisme adalah perkara biasa dan utama untuk seni pada masa itu. Realisme seni Renaissance adalah satu langkah maju yang hebat daripada seni simbolik dan konvensional Zaman Pertengahan. Kecantikan tubuh manusia dan alam sekeliling terbuka di hadapan mata tuan. Minat yang meriah terhadap seseorang, pengalaman, pemikiran dan tindakannya menimbulkan lukisan, arca, kesusasteraan, grafik kepada imej seseorang yang penting, jelas dan kompleks, dan di atas semua orang - seorang tokoh, pemikir, wira.

Adalah istilah yang, kerana ... Sains adalah hasil daripada teori "I" Moral ialah praktikal "I"

Idea. 28. kelahiran semula Humanisme adalah asas nilai budaya Renaissance Epok Renaissance dipertimbangkan oleh penyelidik Eropah Barat ... politik 2) ekonomi 3) undang-undang 4) moral 5) seni 6) agama 7) sains 8) teknologi Tradisi budaya...

Saya baru-baru ini "berkenalan" dengan karya saintifik dan sastera Stepanov A.V. "Seni Renaissance. Itali. abad XIV-XV." Saya memutuskan untuk menulis esei mengenai topik tertentu, kerana kali terakhir mula berminat dengan seni.
Apabila saya membuka buku itu, saya mendapati bahawa ini adalah cerita yang luar biasa tentang seni bagi saya, tidak ada naratif akademik di dalamnya. Pengarang dalam pengenalan mencerminkan topik "Renaissance", mengapa dan dari mana istilah ini berasal. Pada pendapat saya, ini adalah persembahan saintis yang sangat menarik, walaupun dia menafikan kepentingan saintifiknya. Apa yang dia tulis: “... pembaca tidak akan mendapati di dalamnya sejarah seni Renaissance. Ia tidak akan menjadi sejarah yang akan berlalu di hadapannya, tetapi kaleidoskop esei tentang bagaimana pelukis dan pengukir yang cemerlang, masing-masing dengan cara mereka sendiri, menyelesaikan masalah - peribadi dan yang Gereja, bandar, berdaulat, individu peribadi meletakkan di hadapan mereka . ”Frasa ini segera menangkap saya; Saya menjadi tertanya-tanya bagaimana penulis akan mengulas dan memperkenalkan watak-wataknya, saya akan katakan, buku fiksyen.
"Tidak banyak bunyi tentang perkara ini dalam buku, kerana saya fikir ia hanya biasa-biasa saja
artis adalah produk masa. Genius sendiri berubah
masa di mana atau walaupun dia hidup.
Dan memang benar bahawa seorang lelaki genius mendahului zamannya, mencipta sesuatu yang belum pernah terjadi sebelumnya dan berani, orang sezaman kadang-kadang tidak memahami kepentingan apa yang telah dilakukan oleh seorang genius, tetapi generasi akan datang, belajar tahun-tahun lalu, gembira dan ingin terjun ke dalam kehidupan orang yang berbakat. Zaman Renaissance menjadi simbol budaya, bakat dan sesuatu yang lebih tinggi dalam bidang seni. Ia masih menjadi misteri kepada saya bagaimana orang yang hebat itu boleh dilahirkan hampir pada masa yang sama. Mereka mencipta sesuatu yang luar biasa yang memukau saya sehingga hari ini. Hari ini mereka sering membuat eksperimen dan cuba membongkar rahsia lukisan dinding dan arca yang hebat, tetapi semuanya sia-sia. "Mo; na Li; za", dia adalah "Joko; nda" - lukisan oleh Leonardo da Vinci, sehingga hari ini kekal sebagai karya agung dan kesempurnaan yang tidak dikenali, dan ini menarik lebih banyak perhatian kepada dirinya sendiri. Saya tidak boleh mengelak daripada mengingati lukisan di siling Kapel Sistine, yang merupakan kitaran lukisan dinding Michelangelo yang paling terkenal, dianggap sebagai ciptaan ilahi. Artis menghadapi tugas yang luar biasa: dia perlu mendirikan lukisan di siling dalam tempoh yang singkat, tetapi kita tidak boleh lupa bahawa Michelangelo menganggap dirinya seorang pemahat, bukan seorang pelukis, kerana ini ia mengikuti perintah Pope Julius | | pada masa itu hampir tidak realistik, tetapi dia berjaya dan, lebih-lebih lagi, mengatasi rakan seangkatannya. Dan seperti lukisan Leonardo da Vinci cuba dirungkai, begitu juga lukisan dinding Michelangelo. Baru-baru ini, artis ingin menjelmakan sesuatu yang serupa dengan apa yang dicipta oleh pengukir Itali, tetapi walaupun dengan teknik hari ini, mereka tidak mempunyai masa yang cukup untuk mencipta karya yang begitu kompleks. Ini bercakap tentang bakat artis Renaissance.
Sebagai tambahan kepada bakatnya pada masa itu, ia adalah perlu, seperti sekarang, untuk dapat menjual "diri sendiri", iaitu, kerja anda. Kerana kehidupan seorang artis tidak mudah, baik sekarang dan pada abad yang lalu, ini juga dibuktikan oleh rekod:
“Di sesetengah bandar, jawatan bandar
pelukis atau pengukir. Jadi, dalam propaganda yang kaya dan sibuk
kemegahan Venice sendiri sejak 1474 wujud
jawatan;pelukis Republik;. Ini adalah orang bukan Yahudi
dan Giovanni Bellini, dari 1516 - Titian. Mereka menerima
bukan gaji, tetapi paten broker, yang memberi mereka banyak wang
- kira-kira seratus ducat setahun. Tetapi ini adalah pengecualian jarang yang mengesahkan peraturan: hampir semua artis Renaissance terpaksa mengira
hanya untuk pesanan yang lebih kurang menguntungkan. Dengan sendirinya
difahamkan bahawa pelanggan boleh; sesuka hati dan dalam apa jua cara
; mengambil kerja yang telah dimulakan daripada tuan. Benvenuto Cellini, yang memperjuangkan haknya sepanjang hidupnya, membandingkan adat ini
pelanggan dengan tindakan; beberapa kedaulatan yang zalim,
yang melakukan kepada kaumnya segala kejahatan yang mereka dapat tanpa memerhatikan
tiada undang-undang, tiada keadilan;
Ramai pelukis bermimpi mencari penaung tetap untuk diri mereka sendiri untuk melupakan masalah material mereka untuk seketika, berfikir bahawa dalam tempoh ini mereka akan mencipta karya mereka, tetapi selalunya ternyata pelanggan tidak memahami seni, yang membebankan pencipta. Dia terpaksa
"untuk bengkok", kadang-kadang untuk membuat produk yang tidak dekat dengannya. Oleh itu, artis kehilangan keperibadiannya, tetapi dia mendapat kestabilan kewangan.
Penaung Renaissance yang paling menarik ialah keluarga Medici, terima kasih kepada mereka, hari ini kita dapat melihat banyak karya cemerlang. Mereka bekerja untuk tuan seperti: Verrocchio, Michelangelo, Botticelli, Giorgio Vasari, Raphael, Titian. Saya telah menyenaraikan nama-nama yang paling "keras" pada tahun-tahun itu, sudah tentu, ini bukan semua wakil lukisan dan arca. Di Florence, dalam harta peribadi mereka, terdapat Galeri Uffizi, di mana terdapat banyak karya agung, kini ia adalah muzium yang paling banyak dikunjungi di Itali, yang boleh dimasuki oleh sesiapa sahaja. Oleh itu, tidak semua pelanggan merosakkan keaslian kreativiti. Tetapi masih, kebanyakan tidak memahami karya agung; diminta untuk membuat semula kerana kebaharuan, dan mungkin beberapa keberanian, dalam biasa, pada pendapat mereka, gaya, dengan itu membunuh semua fenomena dalam tunas. Di bawah, pengarang buku itu menulis tentang syarat yang artis bekerja dengan pelanggan:
“Dari segi material, pembelot kami hanya menang.
Dia tidak membayar untuk perumahan dan dengan mengorbankan perbendaharaan yang diberi makan dan berpakaian
diri anda dan keluarga anda. Tidak membelanjakan wang untuk bekalan seni
yang mana, dalam keadaan lain, dia akan membelanjakan sehingga separuh daripada pendapatannya.
Dia tidak membayar cukai kepada perbendaharaan bandar. Mendapat gaji tetap
(pembayaran yang, bagaimanapun, selalunya terpaksa
mengingatkan raja sendiri atau pegawainya) atau pendahuluan
dan bayaran yang besar untuk kerja yang dilakukan, dan kadang-kadang juga
yang lain bersama-sama, dia terhindar daripada kebimbangan kekal untuk tambahan
sumber pendapatan, yang sangat memalukan beliau yang kurang bernasib baik
bersaudara di mata cendekiawan sastera. Untuk perkhidmatan yang setia
yang berdaulat boleh memberinya harta tanah, memberinya atas rahmatnya
kumpulkan cukai, jadikan dia valet anda,
mulia, kesatria, selamat datang
jata, perkenalkan dia ke dalam kalangan orang yang dipercayai ...
Dalam masyarakat mahkamah, di mana kemalasan adalah cara hidup -
ekspresi demonstratif kemakmuran dijamin
berdaulat kepada semua rakyatnya, terdapat masalah menggunakan
masa lapang. Kod chivalric lama ditentukan
norma aktiviti masa lapang mereka - kejohanan, memburu, pesta, wanita.
Elit baru menambah lingkaran keseronokan dengan meniru
kuno, menuntut daripada wakilnya yang komprehensif dan harmoni
merealisasikan kebolehan praktikal dan rohani.
Seperti dalam masyarakat Rom pada titik perubahan dari Republik ke
empayar, masa lapang sekali lagi menjadi sebahagian daripada kehidupan apabila seseorang berubah
bukan peta politik Eropah, tetapi dirinya sendiri. Hanya dalam kemalasan
Manusia Renaissance boleh, meniru watak Terentius,
adalah penting untuk menyatakan: "Saya seorang lelaki, dan tiada manusia bagi saya
bukan asing; - dan dengan itu memberikan rumusan yang sedikit ironis
ideal manusia sejagat!”
Sekarang artis itu dekat dengan mahkamah, ini mengangkatnya di atas saudara-saudara lain, memaksanya memahami seni, bukan sahaja dalam lukisan, tetapi juga dalam seni bina, arca dan kesusasteraan. Ia adalah perlu untuk mengekalkan ceramah kecil, untuk mengambil bahagian dalam pelbagai perbahasan dan perbincangan mengenai topik budaya. Pada masa yang sama, kehidupan mahkamah tidak boleh dipuji; ramai artis tidak dipertimbangkan. Tetapi untuk kemerdekaan dan untuk yang berasingan " seni percuma”berjuang, bagaimanapun, hanya pada akhir abad ke-16 mereka mula menganggapnya serius, terima kasih kepada Giorgio Vasari.
“Kreativiti telah menjadi perkara individu,
takdir peribadi. Seni tidak lagi tanpa nama - di sini
perbezaan paling ketara antara seni Renaissance dan zaman pertengahan.
Walaupun pada Zaman Pertengahan seni dinilai lebih tinggi daripada zaman Renaissance. Faktor yang bermain di sini ialah masyarakat tidak menerima tuan yang berani menunjukkan apa yang diharamkan pada masa itu, dan tidak kelihatan seperti imej biasa. Oleh itu, nama-nama virtuoso yang paling terkenal dahulunya tidak dipuja, tetapi dijengkelkan oleh masyarakat, dan hanya selepas beberapa ketika, orang ramai menerima karya mereka.
@@
Seni yang paling mudah difahami ialah seni bina Zaman Renaissance, dengan bentuk klasiknya yang betul. Lukisan memasuki fasa baru, seperti sebelum ia dibina dengan ketat mengikut tulisan gereja, dan pengrajin abad ke-15 menambah idea mereka dan menggambarkan orang-orang kudus dalam penglihatan mereka. Tugas mereka bukan hanya untuk menyalin imej, tetapi untuk menyampaikan suasana dan menghanyutkan peristiwa. Mereka tidak lagi menjadi "penulis sejarah" sejarah; seni memahami dan melalui persepsi dalaman setiap pencipta. paling banyak peristiwa penting dalam seni pada masa itu, penampilan lukisan kuda-kuda bermula, dengan itu memberikannya watak bebas, kerana kanvas itu boleh diangkut ke negara yang berbeza. Nama "lukisan kuda-kuda" berasal dari kuda-kuda yang terdapat lukisan. Kaedah baru mengubah lukisan biasa. Ia menjadi perhiasan rumah, kehidupan orang persendirian, dan penduduk boleh memutuskan sendiri jenis lakaran yang dia mahu lihat di persekitarannya. Gambar memberikan keselesaan dan kehidupan intim kepada rumah; pemilik diberi peluang untuk bermimpi dan mengagumi lelaki muda yang ceria, gadis telanjang di bujang, secara umum, untuk mendapatkan keseronokan estetik daripada menonton, dan yang paling penting, di rumah, di pagar dari dunia luar. Maksudnya memberi kebahagiaan kepada pemiliknya.
Penulis buku merumuskan:
"Jadi, dalam Renaissance, perkara yang paling dekat dengan zaman dahulu datang
kesusasteraan, dan seni - seni bina. Arca diketuai
sendiri secara tidak konsisten, lukisan berhenti di kejauhan.
Stepanov juga menunjukkan kepada pembaca bahawa meminjam idea pada abad yang lalu hampir mustahil. Hari ini dalam abad ke-21 kita mempunyai peluang untuk melihat, untuk mempelajari segala-galanya tentang maklumat yang kita minati, tetapi sebelum ini, tidak mungkin untuk mendapatkan akses kepada banyak perkara. Mereka kadang-kadang tidak tahu apa yang pesaing mereka sedang usahakan. Jadi plagiarisme itu, pada masa yang jauh itu, tidak boleh wujud. Penulis juga menegaskan dan menekankan keaslian seninya, yang tidak dikaitkan dengan kebangkitan zaman dahulu.
Seni yang hilang
Selepas Zaman Pertengahan, dasar banyak penguasa berubah, mereka menganggap bahawa kepercayaan rakyat boleh diperolehi oleh kemegahan istana, kemewahan perayaan dan kelimpahan luaran yang lain. Untuk melaksanakan rancangan sedemikian, sarjana seni telah dijemput, yang mencipta semua kemegahan ini untuk mereka:
Bentuk seni bina Renaissance dalam lukisan Quattrocento.
Seni sedemikian tidak bertahan lama, dan orang moden mungkin tidak tahu tentang penciptaan perayaan yang hebat, tetapi para penguasa menyimpan, seperti yang akan kita katakan sekarang, blog - dengan penerangan dan ilustrasi perayaan, di mana semua kemewahan yang dicipta adalah. diberitahu, kepada kejahatan musuh mereka. Beberapa mahkamah terkenal kerana kemegahan mereka, sebagai contoh: Ferrara (karnival, anugerah kesatria), terutamanya cuti di Venice, diadakan di atas air, istana kadang-kadang dihiasi untuk ini, termasuk, pada tahun 1491, dapur depan Doge menjadi; Pengrajin Florentine juga popular. Untuk menonjol dan mendapat prestij, keluarga Medici, seperti kebanyakan orang lain, mencipta kultus untuk dirinya sendiri: "Beberapa perayaan telah digantikan
yang lain, dan pertandingan ketenteraan berlaku ke atas mereka, kemudian mereka diberikan
perwakilan di mana mana-mana heroik
perbuatan zaman dahulu atau kejayaan jeneral besar…. teres, taman dan beberapa dewan di Palazzo Medici telah dijadikan satu ruang perayaan. Pinggan dan piala besar dipamerkan secara bertingkat di sekeliling David terkenal Donatella di halaman.
Oleh itu, mereka memenangi hati rakyat mereka, terkenal dengan kemurahan hati mereka yang tinggi.
Walaupun keperibadiannya yang sederhana, Leonardo da Vinci bekerja untuk seorang dermawan kaya di bandar Milan. Duke membelanjakan sejumlah wang yang "gila", mengatur persembahan berkostum yang tidak dapat dilupakan seperti gelanggang Ferrara. “Untuk perkahwinan anak saudara lelaki itu, Leonardo membina syurga; - adegan berputar dengan tanda-tanda Zodiak. Setiap kali planet ini atau itu mendekati pengantin perempuan, tuhan Rom kuno keluar dari bola dan menyanyikan puisi yang dikarang oleh penyair istana.
Perayaan yang menakjubkan menggembirakan penduduk bandar dan tidak jemu untuk mengejutkan orang lain, jadi menjadi seorang virtuoso mahkamah boleh mendapat gaji yang baik daripada penaung anda jika anda boleh menggembirakannya. Tetapi bukan sahaja keluarga kaya yang menginginkan kemegahan, tetapi pasangan di Rom menugaskan kerja hiasan untuk keinginan peribadi mereka, tidak berkaitan dengan kehidupan gereja.
Paradoks utama
Sarjana Renaissance menggambarkan objek yang tidak kelihatan; peristiwa di atas kanvas adalah rekaan, namun, ia kelihatan semula jadi, ini membuatkan penonton mengalami cerita yang dicipta oleh pengarang.
Trecento
"Semangat zaman" sangat menyedihkan sehingga orang takut akan segala-galanya: wabak, yang membawa banyak orang Eropah ke kubur, serbuan orang Turki, dan banyak sebab yang berbeza menyebabkan orang berfikir tentang kematian, tentang penghakiman yang mengerikan. Ini memberi seni satu lagi sebab untuk perubahan, adalah perlu untuk menghasilkan hiasan baru untuk makam, makam. "Penglihatan
mistik boleh, dengan persetujuan Gereja, memperkayakan seni
plot baharu dan skema ikonografi.
Orang yang ketakutan memutuskan untuk membayangkan sesuatu yang sempurna dan menggembirakan dalam gambar untuk melupakan masalah duniawi, sementara seseorang, sebaliknya, merangkumi semua kengerian peristiwa yang berlaku dalam kerja mereka.
Meninggal dunia St. Francis; di gereja adalah perlu untuk melukis biografinya yang telah disusun, tetapi ia berbeza dari kebenaran, jadi perlu menunggu sehingga orang sezamannya mati supaya tidak ada kritikan yang tidak perlu. Giotto mengambil kerja keras. "Untuk membantu pemerhati membiasakan diri dengan peristiwa itu, Giotto memberi tumpuan kepada detik-detik sedemikian, yang setiap satunya melekat dalam ingatan sebagai formula untuk tindakan tertentu St. Francis, - dan dia berjaya dalam hal ini, cerita; boleh dipertimbangkan secara berasingan tanpa menjejaskan kejelasan dan keindahannya.
Giotto berjaya dan mencipta segala-galanya penting gambar lengkap, dipenuhi dengan kisah "benar" dari kehidupan Francisco. Beliau terkenal sebagai seorang pencerita yang mengagumkan.
Akhirnya.
Saya ingin merumuskan. Era "Renaissance" - kali ini telah menjadi khazanah budaya yang unik, di mana karya agung dicipta, kadang-kadang tidak menyedari keunggulan mereka sendiri. Sudah tentu, dalam tujuh muka surat adalah mustahil untuk menggambarkan setiap wakil semasa atau gayanya, saya cuba menerangkan secara ringkas kejadian apa yang boleh menjejaskan kerja pemikir yang cemerlang pada tahun-tahun itu. Seni bina, arca, lukisan Renaissance memberikan dorongan yang kuat kepada penciptaan gaya hari ini. Banyak idea juga dibawa ke Rusia, yang dipinjam dari zaman itu. Arkitek Itali berusaha untuk mencipta semula kemewahan dan kekayaan dalam seni bina di tanah Rusia. Tsar Rusia mengagumi keindahan monumen dan memerintahkannya untuk diri mereka sendiri, jadi penduduk Rusia dapat menyentuh kesempurnaan seni di tanah air mereka.
Bukan sahaja keindahan, kekuatan bangunan dan lukisan menjadikan era itu tidak dapat dilupakan, tetapi juga kehidupan sekular, yang mula menyimpang sedikit dari gereja. Orang ramai mempunyai konsep "kehidupan peribadi". Setiap orang berusaha untuk mencipta keselesaan di rumah mereka, untuk mengkhianati suasana syurga di mana seseorang boleh bersembunyi dari masalah luaran, berlindung, oleh itu lukisan kuda-kuda berkembang; pada abad ke-21, kita tidak dapat membayangkan bahawa ia mungkin berlaku secara berbeza.
tahun 2012. Di lelongan, lukisan dari era itu menelan belanja yang "hebat", dan, malangnya, "unit kecil" pakar seni memperoleh produk asli, jadi masyarakat moden mampu melawat galeri seni dan "menyentuh" ​​pemandangan naskhah karya hebat. Saya fikir artis abad kita perlu mempelajari kemahiran ini, tetapi tanpa melupakan keperibadian mereka.
Lagipun, perkara yang paling penting dalam hidup adalah menjadi diri sendiri.