Arus dan arah utama era baru estetika. Trend utama dalam pembangunan estetika abad XIX - XX

Pada separuh pertama abad ke-20, salah satu sekolah budaya dan estetika yang paling popular pada abad kita, Freudianisme, telah dibentuk. Pengasasnya, ahli falsafah Austria dan pakar psikiatri Sigmund Freud (1856-1939), memperkenalkan penjelasan tentang alam bawah sedar dari sudut pandangan teori intuisi rakan-rakannya. kehidupan seksual orang. Dan walaupun tidak ada pembentangan teori estetik yang sistematik dalam karya ahli falsafah, pertimbangan berasingan mengenai isu estetika dan budaya artistik terkandung dalam Lectures on Introduction to Psychoanalysis (1918), dalam buku Dissatisfaction with Culture (1930), sebagai serta dalam artikel Leonardo da Vinci. Kajian dalam Psikoseksualiti" (1910), "Dostoevsky dan Parricide" (1928), "Penyair dan Fantasi" (1911). Doktrin Freud tentang struktur-naluri bawaan yang tidak sedarkan diri mempunyai kesan yang besar terhadap amalan yang dipanggil "budaya massa" yang terbentuk pada awal abad ke-20. Sesungguhnya, dalam teori ketidaksadarannya, ahli falsafah itu bermula dari fakta bahawa intipati manusia dinyatakan dalam kebebasan daripada naluri. Pengaruh utama Freudianisme terhadap " budaya massa terletak pada penggunaan naluri ketakutan, seks dan agresifnya. Psikoanalisis Freud mencipta sekolah yang sangat representatif yang masih wujud hari ini. Peranan istimewa dalam pembangunan doktrin Freudian adalah milik O. Rank, G. Sachs dan khususnya K.G. Jung. Pada abad ke-20, idea-idea pemikir abad yang lalu A. Schopenhauer dan F. Nietzsche diringkaskan dalam konsep estetik elit ahli falsafah Sepanyol José Ortega y Gasset (1883-1955). Pada tahun 1925, karyanya yang paling terkenal, bertajuk "The Dehumanization of Art", yang didedikasikan untuk masalah perbezaan antara seni lama dan baru, diterbitkan di Eropah. Perbezaan utama antara seni baru dan yang lama, menurut Ortega y Gasset, ialah ia ditujukan kepada golongan elit masyarakat, dan bukan kepada massanya.

Buku Ortega y Gasset "The Dehumanization of Art" berhak menjadi manifesto avant-garde sebenar. Ahli falsafah berpihak kepada bahagian cerdik pandai kreatif Eropah pada awal abad ini, yang cuba mencipta seni baru. Dalam hal ini, adalah perlu untuk menganalisis trend artistik yang paling menarik, trend dan gaya yang telah mengisytiharkan diri mereka dalam tempoh sejarah ini.

Avant-garde (dari detasmen hadapan avant-garde Perancis) ialah konsep yang menyatukan pelbagai sekolah dan trend seni Eropah 10-20-an abad ke-20 mengenai prinsip pembaharuan radikal amalan artistik. Istilah "avant-garde" telah memantapkan dirinya dalam estetika kritikan seni dalam 20-an. Kumpulan utama sekolah avant-garde (Futurisme, Dadaisme, Kubisme, Ekspresionisme, Suprematisme) mengisytiharkan dirinya dengan nihilisme yang melampau, tahap penafian terakhir tradisi budaya pengalaman artistik klasik sebelumnya. Pelaksanaan praktikal avant-garde adalah ciri pelbagai jenis seni: kesusasteraan (L. Aragon, V. Khlebnikov, V. Mayakovsky), teater (V. Meyerhold, B. Brecht, G. Kaiser), muzik (M. Čiurlionis, A. Schoenberg, A. Scriabin). Walau bagaimanapun, avant-garde paling jelas direalisasikan seni yang bagus. Lukisan pelbagai aliran avant-garde dicirikan oleh penolakan kehidupan artistik. Seni avant-garde, dengan pengecualian yang jarang berlaku (kubisme, yang bersyarat geometri alam, abstraksi, dengan geometri yang hebat semata-mata), adalah bukan kiasan. Penolakan objektiviti dan transformasi menjadi penghujung dengan sendirinya cara artistik seperti warna, komposisi, tekstur telah ditentukan oleh rasa krisis tamadun moden.

Pada separuh kedua abad ke-20, pencarian kreatif dan eksperimen berani diteruskan dalam estetika dan seni Eropah, idea-idea berpengaruh, sekolah seni baharu, dan penemuan menjanjikan yang ketara muncul. Aliran estetik eksistensialisme, strukturalis, sosiobudaya, diwakili oleh nama-nama J.-P. Sartre, A. Camus, K. Levi-Strauss, R. Bart, T. Adorno dan lain-lain. Sekolah estetika yang paling penting, yang dibentuk di Perancis pada tahun 1940-an dan 1950-an, tergolong dalam aliran eksistensialisme dan memanifestasikan dirinya dengan jelas dalam karya J.P. Sartre dan A. Camus. Harus diingat bahawa pengasas eksistensialisme falsafah, Soren Kierkegaard (1813-1855), menganggap falsafah sebagai refleksi tentang kewujudan manusia peribadi - "kewujudan". Konsep estetik eksistensialisme juga diakui sebagai benar hanya kewujudan individu seseorang dan kemungkinan mengetahui "kewujudan" dengan bantuan imaginasi dan emosi manusia, yang seterusnya merupakan sisi kreativiti artistik yang paling penting.

Ahli falsafah dan penulis Perancis Jean-Paul Sartre (1905-1980) dalam tulisannya "Imagination" (1936), "Essay on the Theory of Emotions" (1939), "Imaginary" (1940) membincangkan secara terperinci tentang pelbagai sifat. kesedaran manusia. Sartre menafsirkan kesedaran manusia sebagai transendental, iaitu, melampaui had mana-mana pengalaman dan menjadi sumber, asas penting, termasuk aktiviti kreatif manusia. Pada pandangan ahli falsafah, karya seni bukanlah gambaran langsung realiti, oleh itu apa yang dipanggil "kesedaran membayangkan" mana-mana artis mempunyai watak kreatif, kerana ia timbul dengan sendirinya dan bebas daripada semua manifestasi realiti. Ungkapan pandangan estetik Albert Camus(1913-1960) adalah bab terakhir beliau karangan falsafah"Mitos Sisyphus" (1942), di mana dia mengembangkan idea utama karyanya - kemustahilan kewujudan manusia di dunia. "Kemustahilan", perasaan kesunyian dan terasing dari dunia luar, kemahakuasaan kematian menjadi tetap dalam dramaturgi, prosa dan estetika Camus. Yang tidak masuk akal, menurut Camus, juga tergolong dalam karya seni. Walau bagaimanapun, tindakan kreativiti artistik membolehkan seseorang mengekalkan kesedaran dalam dunia huru-hara. Selepas itu, "Estetika Absurd" berkembang dengan ahli falsafah menjadi "estetika pemberontakan". Pada tahun 1951, esei politik "The Rebellious Man" diterbitkan, di mana Camus menentang keterlaluan dalam seni, baik ideologi dan formalistik semata-mata. Kedua-dua dalam The Rebellious Man dan dalam ucapan Hadiah Nobelnya (1957), Camus menekankan bahawa seni sebenar mencerminkan takdir manusia dan berusaha untuk menguasai nasib.

Pada tahun 1950-an, konsep intuitif dan eksistensialisme dalam estetika Eropah Barat memudar ke latar belakang, memberi laluan kepada strukturalisme. Intipati strukturalisme dinyatakan oleh ahli teori utamanya Claude Levi-Strauss (lahir 1908). Beliau merumuskan peringkat utama ahli struktur analisis penerokaan: "membaca" teks, analisis mikro, tafsiran, penyahkodan dan pemodelan terakhirnya. Strukturalisme menjadi asas kepada gerakan sastera dan estetik yang sangat popular pada tahun 60-an, dipanggil Kritikan Baru, yang diketuai oleh profesor Paris Roland Barthes (1915-1980). Dalam buku Kritikan dan Kebenaran (1966), beliau mengemukakan pendirian bahawa ilmu kesusasteraan tidak seharusnya mementingkan penjelasan makna karya, tetapi harus mewujudkan undang-undang sejagat bagi pembinaan bentuk sastera.

Pada tahun 1960-an dan 1970-an, konsep sosiologi yang diwakili oleh nama T. Adorno, G. Marcuse, E. Fromm tersebar secara meluas di Eropah Barat dan Amerika Syarikat. Nama-nama ini dijelaskan oleh keinginan untuk meneroka korespondensi struktur imanen dalaman karya seni dengan jenis hubungan sosial tertentu yang mantap.

Waktu terbaharu juga termasuk hari era seni: avant-garde dan realisme. keaslian daripada zaman ini terletak pada hakikat bahawa mereka tidak berkembang secara berurutan, tetapi secara sejarah selari.

kumpulan seni avant-garde n uy ( pramodernisme, modenisme, neomodernisme, pascamodenisme) berkembang selari dengan kumpulan realistik (realisme kritikal abad ke-19, realisme sosialis, prosa luar bandar, neorealisme, realisme magis, realisme psikologi, realisme intelektual). Dalam perkembangan selari zaman ini muncul pecutan umum pergerakan sejarah.

Salah satu peruntukan utama konsep artistik trend avant-garde: huru-hara, kekacauan "Undang-undang kehidupan moden masyarakat manusia. Seni menjadi chaosology, mengkaji undang-undang gangguan dunia.

Semua aliran avant-garde menyekat kesedaran dan meningkatkan permulaan tidak sedar dalam kreatif dan dalam proses penerimaan. Kawasan ini memberi perhatian yang besar kepada seni massa dan masalah pembentukan kesedaran individu.

Ciri-ciri yang menyatukan pergerakan seni avant-garde: pandangan baru pada kedudukan dan tujuan manusia di alam semesta, penolakan peraturan dan norma yang telah ditetapkan sebelumnya, dari tradisi dan

ketangkasan, eksperimen dalam bidang bentuk dan gaya, pencarian cara dan teknik artistik baharu.

Pramodernisme - tempoh pertama (awal) pembangunan artistik era avant-garde; sekumpulan aliran artistik dalam budaya separuh kedua abad ke-19, membuka seluruh peringkat (peringkat ilusi yang hilang) perkembangan seni terkini.

Naturalisme ialah hala tuju artistik, invariant konsep artistik yang merupakan penegasan seorang manusia yang berdaging dalam dunia material-material; seseorang, walaupun hanya diambil sebagai individu biologi yang sangat teratur, patut diberi perhatian dalam setiap manifestasi; untuk semua ketidaksempurnaannya, dunia adalah stabil, dan semua butiran mengenainya adalah kepentingan umum. Dalam konsep artistik naturalisme, keinginan dan kemungkinan, cita-cita dan realiti adalah seimbang, rasa puas hati tertentu masyarakat dirasakan, kepuasannya dengan kedudukannya dan keengganan untuk mengubah apa-apa di dunia.

Naturalisme mendakwa bahawa seluruh dunia yang kelihatan adalah sebahagian daripada alam semula jadi dan boleh dijelaskan oleh undang-undangnya, dan bukan oleh sebab-sebab ghaib atau paranormal. Naturalisme lahir daripada penghapusan realisme dan di bawah pengaruh teori biologi Darwin, kaedah saintifik kajian masyarakat dan idea deterministik Taine dan positivis lain.

Impresionisme - arah artistik (separuh kedua abad ke-19 - awal abad ke-20), invarian konsep artistik yang merupakan penegasan tentang personaliti yang halus, responsif lirik, mudah dipengaruhi, mengagumi keindahan dunia. Impresionisme membuka jenis persepsi baru tentang realiti. Tidak seperti realisme, yang tertumpu pada penghantaran tipikal, impresionisme tertumpu pada penglihatan istimewa, individu dan subjektif mereka oleh artis.

Impresionisme adalah penguasaan warna, chiaroscuro, keupayaan untuk menyampaikan kepelbagaian, kehidupan pelbagai warna, kegembiraan menjadi, untuk menangkap detik-detik pencahayaan yang singkat dan keadaan umum dunia yang berubah-ubah, untuk menyampaikan udara terbuka - permainan cahaya dan bayang-bayang di sekeliling seseorang dan benda, persekitaran udara, pencahayaan semula jadi, memberikan penampilan estetik objek yang digambarkan.

Impresionisme menampakkan dirinya dalam lukisan (C. Monet, O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, V. Van Gogh, P. Gauguin, A. Matisse, Utrillo, K. Korovin) dan dalam muzik (C. Debussy dan M Ravel, A. Scriabin), dan dalam kesusasteraan (sebahagiannya G. Maupassant, K. Hamsun, G. Kellermann, Hofmannsthal, A. Schnitzler, O. Wilde, A. Simone).

Eklektikisme- arah artistik (yang memanifestasikan dirinya terutamanya dalam seni bina), yang melibatkan, apabila mencipta karya, apa-apa gabungan mana-mana bentuk masa lalu, mana-mana tradisi kebangsaan, hiasan terus terang, pertukaran dan kesetaraan unsur dalam karya, pelanggaran hierarki dalam sistem seni dan melemahkan sistem dan integriti.

Eklektikisme dicirikan oleh: 1) hiasan yang berlebihan; 2) kepentingan yang sama pelbagai elemen, semua bentuk gaya; 3) kehilangan perbezaan antara bangunan besar dan unik dalam ensembel bandar atau karya sastera dan karya lain dalam proses sastera; 4) kekurangan perpaduan: fasad memisahkan diri dari badan bangunan, perincian - dari keseluruhan, gaya fasad - dari gaya pedalaman, gaya pelbagai ruang dalaman - antara satu sama lain ; 5) komposisi simetri-paksi pilihan (berlepas dari peraturan bilangan tingkap ganjil pada fasad), keseragaman fasad; 6) prinsip "non-finito" (ketidaksiapan kerja, keterbukaan komposisi); 7) pengukuhan

pemikiran asosiatif pengarang (artis, penulisan la, arkitek) dan penonton; 8) pembebasan daripada tradisi kuno dan pergantungan pada budaya era yang berbeza dan bangsa yang berbeza; keinginan untuk eksotik; 9) pelbagai gaya; 10) keperibadian yang tidak terkawal (tidak seperti klasisisme), subjektivisme, manifestasi bebas unsur-unsur peribadi; 11) demokrasi: kecenderungan untuk mewujudkan jenis perumahan bandar yang universal dan tidak berkelas.

Secara fungsional, eklektikisme dalam kesusasteraan, seni bina dan seni lain bertujuan untuk berkhidmat kepada "harta pusaka ketiga". Bangunan utama Baroque adalah gereja atau istana, bangunan utama klasikisme adalah bangunan negara, bangunan utama eklektikisme adalah bangunan pangsapuri ("untuk semua orang"). Dekoratif eklektik adalah faktor pasaran yang telah timbul untuk menarik pelanggan yang luas ke bangunan pangsapuri di mana pangsapuri disewakan. Rumah yang menguntungkan - jenis perumahan yang besar.

Modenisme- era seni yang menyatukan gerakan seni yang konsep seninya mencerminkan pecutan sejarah dan pengukuhan tekanannya terhadap seseorang (simbolisme, rayonisme, fauvisme, primitivisme, kubisme, akmeisme, futurisme); tempoh penjelmaan paling lengkap avant-garde. Semasa zaman modenisme, perkembangan dan perubahan aliran seni berlaku dengan pesat.

Aliran artistik moden dibina dengan menyahbina struktur tipologi karya klasik - beberapa elemennya menjadi objek eksperimen artistik. Dalam seni klasik, unsur-unsur ini seimbang. Modenisme mengganggu keseimbangan ini dengan menguatkan beberapa elemen dan melemahkan yang lain.

Simbolisme- arah artistik era modenisme, yang menegaskan konsep seni: impian penyair adalah kesatria dan wanita cantik. Mimpi tentang

kesatriaan, penyembahan kepada seorang wanita cantik mengisi puisi perlambangan.

Simbolisme timbul di Perancis. Tuannya ialah Baudelaire, Mallarmé, Verlaine dan Rimbaud.

Acmeism adalah arah artistik kesusasteraan Rusia pada awal abad ke-20, yang muncul pada "Zaman Perak", wujud terutamanya dalam puisi dan mendakwa: penyair- seorang ahli sihir dan penguasa dunia yang sombong, membongkar misterinya dan mengatasi kekacauannya.

Kepunyaan acmeism: N. Gumilyov, O. Mandelstam, A. Akhmatova, S. Gorodetsky, M. Lozinsky, M. Zenkevich, V. Narbug, G. Ivanov, G. Adamovich dan lain-lain Futurisme- arah artistik era modenisme, menegaskan personaliti militan yang agresif dalam kekacauan dunia yang dianjurkan oleh bandar.

Mentakrifkan artistik faktor futurisme - dinamik. Futurists melaksanakan prinsip percubaan tanpa had dan mencapai penyelesaian inovatif dalam kesusasteraan, lukisan, muzik dan teater.

Primitivisme- arah artistik yang memudahkan manusia dan dunia, berusaha untuk melihat dunia melalui mata kanak-kanak, dengan gembira dan ringkas, di luar "dewasa» kesukaran. Keinginan ini menimbulkan kekuatan dan kelemahan primitivisme.

Primitivisme adalah nostalgia atavistik untuk masa lalu, merindukan cara hidup pra-tamadun.

Primitivisme berusaha untuk menangkap garis besar utama dunia yang kompleks, mencari warna dan garis yang menggembirakan dan boleh difahami di dalamnya. Primitivisme adalah tindak balas kepada realiti: dunia menjadi lebih kompleks, dan artis memudahkannya. Walau bagaimanapun, artis kemudian memudahkan dunia untuk mengatasi kerumitannya.

Kubisme - pelbagai geometri primitivisme yang memudahkan realiti, melihatnya dengan mata kebudak-budakan atau "biadab".

watak primitivisasi dahulu: penglihatan dunia melalui bentuk angka biasa secara geometri.

Kubisme dalam lukisan dan arca telah dibangunkan oleh artis Itali D. Severini, U. Boccione, K. Kappa; Jerman - E.L. Kirchner, G. Richter; Amerika - J. Pollock, I. Rey, M. Weber, Mexico Diego Rivera, E. Pettoruti Argentina, dsb.

Dalam kubisme, pembinaan seni bina dirasai; jisim dikawinkan secara mekanikal antara satu sama lain, dan setiap jisim mengekalkan kemerdekaannya. Kubisme membuka arah asas baru dalam seni kiasan. Karya bersyarat Kubisme (Braque, Gris, Picasso, Léger) mengekalkan hubungannya dengan model. Potret-potret itu sepadan dengan yang asal dan boleh dikenali (seorang pengkritik Amerika di kafe Paris mengenali seorang lelaki yang dikenalinya hanya dari potret oleh Picasso, terdiri daripada angka geometri).

Kubis tidak menggambarkan realiti, tetapi mencipta "realiti yang berbeza" dan tidak menyampaikan rupa objek, tetapi reka bentuk, arkitektonik, struktur, intipatinya. Mereka tidak menghasilkan semula "fakta naratif", tetapi secara visual merangkumi pengetahuan mereka tentang subjek yang digambarkan.

Abstraksiisme- arah seni seni abad ke-20, konsep seni yang menegaskan keperluan untuk individu melarikan diri dari realiti cetek dan khayalan.

Karya seni abstrak dipisahkan daripada bentuk kehidupan itu sendiri dan merangkumi kesan warna subjektif dan fantasi artis.

Terdapat dua aliran dalam abstraksionisme. Arus pertama lirik-emosi, abstraksi psikologi - simfoni warna, penyelarasan gabungan warna yang tidak berbentuk. Trend ini lahir dari kepelbagaian kesan impresionistik tentang dunia, yang terkandung dalam kanvas Henri Matisse.

Pencipta karya pertama abstraksi psikologi adalah V. Kandinsky, yang melukis lukisan "Gunung".

Arus kedua abstraksionisme geometri (logik, intelek) ("neoplastik") ialah kubisme bukan kiasan. P. Cezanne dan Cubists, yang mencipta jenis baru ruang seni dengan menggabungkan berbeza bentuk geometri, satah berwarna, garis lurus dan patah.

Suprematisme(pengarang istilah dan fenomena artistik yang sepadan Kazimir Malevich) - untuk abstraksi, mengasah dan mendalami ciri-cirinya. Malevich membuka trend "Suprematisme" pada tahun 1913 dengan lukisan "Black Square". Kemudian, Malevich merumuskan prinsip estetiknya: seni berkekalan kerana nilai abadinya; kepekaan plastik tulen - "maruah karya seni." Estetika dan puitis Suprematisme menegaskan formula dan gubahan bergambar universal (Suprematist) - binaan ideal unsur-unsur tetap dari segi geometri.

Rayonisme adalah salah satu aliran hampir abstrak yang menegaskan kesukaran dan kegembiraan kewujudan manusia dan ketidakpastian dunia, di mana semua objek diterangi. sumber yang berbeza cahaya, ternyata sinar cahaya ini dibedah dan kehilangan kiasan yang jelas.

Luchisme berasal dari 1908 - 1910 gg. dalam karya artis Rusia Mikhail Larionov dan isterinya Natalia Goncharova.

semasa neomodernisme, semua pergerakan seni avant-garde berasal daripada pemahaman tentang realiti sedemikian: seseorang tidak dapat menahan tekanan dunia dan menjadi manusia baru. Dalam tempoh ini, pembangunan

Terdapat pergerakan seni avant-garde yang menegaskan konsep artistik dunia dan personaliti yang tidak menggembirakan dan pesimis. Antaranya Dadaisme, konstruktivisme, surealisme, eksistensialisme, neo-abstraksiisme, dll.

Dadaisme ialah gerakan artistik yang mengesahkan konsep seni; dunia- kegilaan yang tidak masuk akal, menyemak semula akal dan iman.

Prinsip Dadaisme ialah; putus dengan tradisi budaya dunia, termasuk tradisi bahasa; melarikan diri dari budaya dan realiti, idea dunia sebagai kekacauan kegilaan, di mana orang yang tidak berdaya dilemparkan; pesimisme, ketidakpercayaan, penafian nilai, perasaan kehilangan umum dan tidak bermakna keberadaan, kemusnahan cita-cita dan tujuan hidup. Dadaisme adalah ungkapan krisis nilai budaya klasik, pencarian bahasa baru dan nilai baru.

Surrealisme ialah gerakan seni yang memfokuskan kepada orang yang keliru dalam dunia yang misteri dan tidak diketahui. Konsep keperibadian dalam surealisme boleh diringkaskan dalam formula agnostikisme: "Saya seorang lelaki, tetapi sempadan keperibadian saya dan dunia telah kabur. Saya tidak tahu di mana "Saya" saya bermula dan di mana ia berakhir, di mana dunia dan apakah itu?

Surrealisme sebagai hala tuju artistik telah dibangunkan oleh: Paul Eluard, Robert Desnos, Max Ernst, Roger Vitran, Antonin Artaud, Rene Char, Salvador Dali, Raymond Quenot, Jacques Prevert.

Surealisme timbul daripada Dadaisme, asalnya sebagai arahan sastera, yang kemudiannya menemui ekspresinya dalam lukisan, serta dalam pawagam, teater dan sebahagiannya dalam muzik.

Bagi surealisme, manusia dan dunia, ruang dan masa adalah cair dan relatif. Mereka kehilangan sempadan mereka. Relativisme estetik diisytiharkan: semuanya mengalir, semuanya ada

ia seolah-olah bercampur-campur, ia kabur; tiada yang pasti. Surealisme menegaskan relativiti dunia dan miliknya nilai. Tidak ada sempadan antara kebahagiaan dan ketidakbahagiaan, individu dan masyarakat. Kekacauan dunia menyebabkan kekacauan pemikiran artistik- ini adalah prinsip estetika surealisme.

Konsep artistik surrealisme mengesahkan misteri dan ketidaktahuan dunia, di mana masa dan sejarah hilang, dan seseorang hidup dalam alam bawah sedar dan tidak berdaya dalam menghadapi kesukaran.

Ekspresionisme- arah artistik yang menegaskan: terasing, seseorang hidup dalam dunia yang bermusuhan. Sebagai wira pada masa itu, ekspresionisme mengemukakan keperibadian yang gelisah, dikuasai oleh emosi, [tidak dapat membawa keharmonian kepada dunia yang dikoyak oleh nafsu. -

Ekspresionisme sebagai arah artistik timbul berdasarkan hubungan dengan pelbagai bidang aktiviti saintifik: dengan psikoanalisis Freud, fenomenologi Husserl, epistemologi neo-Kantian, falsafah Bulatan Vienna dan psikologi Gestalt.

Ekspresionisme menampakkan diri dalam pelbagai jenis seni: M. Chagall, O. Kokotka, E. Munch - dalam lukisan; A. Rimbaud, A. Yu. Strindberg, R. M. Rilke, E. Toller, F. Kafka - dalam kesusasteraan; I. Stravinsky, B. Bartok, A. Schoenberg - dalam muzik.

Ekspresionisme berdasarkan budaya abad XX. menghidupkan kembali romantisme. ekspresionisme ketakutan yang wujud terhadap dunia dan percanggahan antara dinamisme luaran dan idea tentang intipati dunia yang tidak berubah (tidak percaya pada kemungkinan peningkatannya). Mengikut artistik konsep ekspresionisme, kuasa-kuasa penting personaliti diasingkan dalam menentang lelaki dan institusi awam yang bermusuhan: semuanya tidak berguna. Ek ekspresionisme adalah ekspresi kesakitan seorang seniman humanis,

disebabkan oleh ketidaksempurnaan dunia kepadanya. Konsep keperibadian ekspresionis: Manusia- makhluk "semulajadi" yang emosi, asing kepada dunia perindustrian dan rasional, bandar di mana dia terpaksa hidup.

Konstruktivisme- arah artistik (20-an abad XX), invarian konseptual yang merupakan idea- kewujudan manusia berlaku dalam persekitaran kuasa industri yang terasing daripadanya; dan wira masa- rasionalis masyarakat industri.

Prinsip neo-positivis kubisme, yang dilahirkan dalam lukisan, telah diperluaskan dalam bentuk yang diubah kepada kesusasteraan dan seni lain dan disatukan ke arah yang baru, menumpu dengan idea-idea teknik - konstruktivisme. Yang terakhir menganggap produk industri sebagai bebas, terasing daripada individu dan menentang nilainya. Konstruktivisme muncul pada awal revolusi saintifik dan teknologi dan idealkan idea-idea teknologi; dia menghargai mesin dan produk mereka berbanding individu. Malah yang paling berbakat dan karya kemanusiaan faktor pengasingan konstruktivisme kemajuan teknologi dipandang remeh. Konstruktivisme penuh dengan kesedihan kemajuan perindustrian, kesesuaian ekonomi; ia adalah teknokratik.

Estetika konstruktivisme berkembang antara ekstrem (kadang-kadang jatuh ke dalam salah satu daripadanya) - utilitarianisme, memerlukan pemusnahan estetika, dan estetika. Dalam seni visual dan dalam seni bina, prinsip kreatif konstruktivisme adalah sedekat mungkin dengan kejuruteraan dan termasuk: pengiraan matematik, laconicism cara artistik, skema komposisi, logik.

Dalam kesusasteraan, konstruktivisme sebagai arah artistik berkembang (1923 - 1930) dalam kerja kumpulan

LCC (Pusat Sastera Konstruktivis): I.L. Selvinsky, B.N. Agapov, V.M. Inber, H.A. Aduev, E.Kh. Bagritsky, B.I. Gabrilovich, K.L. Zelinsky (ahli teori kumpulan) dan lain-lain. Konstruktivisme juga mempengaruhi teater (karya pengarah Vsevolod Meyerhold, yang membangunkan prinsip biomekanik, kejuruteraan teater dan memperkenalkan aksi pentas unsur-unsur tontonan sarkas. Idea konstruktivisme merangkumi pelbagai jenis seni dengan pengaruhnya, tetapi ia mempunyai pengaruh terbesar terhadap seni bina. Ini terutamanya menjejaskan kerja Le Corbusier, I. Leonidov, V.A. Shchuko dan V.G. Gelfreich.

Eksistensialisme- konsep kewujudan manusia, tempat dan peranannya di dunia ini, hubungan dengan Tuhan. Intipati eksistensialisme- keutamaan kewujudan daripada intipati (manusia sendiri membentuk kewujudannya dan, memilih apa yang perlu dilakukan dan apa yang tidak boleh dilakukan, membawa intipati menjadi wujud). Eksistensialisme menegaskan keperibadian yang mementingkan diri sendiri yang kesepian dalam dunia yang tidak masuk akal. Bagi eksistensialisme, individu berada di atas sejarah.

Dalam konsep seninya, eksistensialisme (J.P. Sartre, A. Camus) mendakwa bahawa asas kewujudan manusia adalah tidak masuk akal, jika hanya kerana manusia adalah fana; cerita tu dari teruk jadi teruk dan kembali teruk. Tiada pergerakan ke atas, yang ada hanya tupai roda sejarah di mana kehidupan manusia berputar tanpa rasa.

Kesepian asas, yang ditegaskan oleh konsep artistik eksistensialisme, mempunyai akibat logik yang bertentangan: kehidupan bukanlah sesuatu yang tidak masuk akal di mana seseorang meneruskan dirinya dalam kemanusiaan. Tetapi jika seseorang adalah penyendiri, jika dia adalah satu-satunya nilai di dunia, maka dia secara sosial merendahkan nilai, dia tidak mempunyai masa depan, dan kemudian kematian adalah mutlak. Ia menconteng seseorang, dan kehidupan menjadi tidak bermakna.

Neo-abstraksiisme(abstraksionisme gelombang kedua) - ekspresi diri spontan-impulsif; penolakan asas kiasan, menggambarkan realiti, atas nama ekspresi murni; aliran kesedaran ditangkap dalam warna.

Neo-abstraksiisme telah dicipta oleh generasi baru abstraksionis: J. Paul Lak, De Kuhn dan Yig, A. Manisirer dan lain-lain. Mereka menguasai teknik surreal dan prinsip "automatisme mental". Paul Lak menekankan dalam tindakan kreatif bukan kerja, tetapi proses penciptaannya. Proses ini menjadi penamat dengan sendirinya dan di sini asal-usul "tindakan melukis" terbentuk.

Prinsip-prinsip neo-abstraksiisme telah dibuktikan oleh M. Brion, G. Reid, Sh.-P. Brew, M. Raton. Ahli teori Itali D. Severini menggesa untuk melupakan realiti, kerana ia tidak menjejaskan ekspresi plastik. Seorang lagi ahli teori, M. Zefor, menganggap merit lukisan abstrak ialah ia tidak membawa apa-apa daripada persekitaran normal kehidupan manusia. Fotografi menghilangkan kiasan lukisan, meninggalkan yang terakhir hanya kemungkinan ekspresif untuk mendedahkan dunia subjektif artis.

Pautan lemah dalam teori abstraksionisme dan neo-abstraksiisme ialah ketiadaan kriteria nilai yang jelas untuk membezakan kreativiti daripada spekulasi, kesungguhan daripada jenaka, bakat daripada biasa-biasa, kemahiran daripada tipu daya.

Penyelesaian artistik abstraksiisme dan neo-abstraksiisme (pengharmonian warna dan bentuk, penciptaan "keseimbangan" satah dengan saiz yang berbeza kerana keamatan warnanya) digunakan dalam seni bina, reka bentuk, seni hiasan, teater, pawagam dan televisyen.

Pascamodenisme sebagai era seni membawa paradigma seni yang mendakwa bahawa seseorang tidak dapat menahan tekanan dunia dan menjadi pasca manusia. Semua arah artistik ini

tempoh meresap dengan paradigma ini, memanifestasikan dan membiaskannya melalui konsep invarian mereka tentang dunia dan keperibadian: seni pop, sonopucmuka, aleatorik, pointilisme muzik, hiperrealisme, kejadian, dsb.

Seni Pop- seni kiasan baharu. Seni pop menentang penolakan abstraksionis terhadap realiti dengan dunia kebendaan yang kasar, yang dikaitkan dengan status artistik dan estetik.

Ahli teori seni pop berpendapat bahawa dalam konteks tertentu, setiap objek kehilangan makna asalnya dan menjadi karya seni. Oleh itu, tugas artis difahami bukan sebagai penciptaan objek artistik, tetapi sebagai memberikan kualiti artistik kepada objek biasa dengan mengatur konteks tertentu untuk persepsinya. Estetika dunia material menjadi prinsip seni pop. Artis berusaha untuk mencapai daya tarikan, keterlihatan dan kebolehfahaman ciptaan mereka, menggunakan puitis label dan pengiklanan untuk ini. Seni pop ialah gubahan objek harian, kadangkala digabungkan dengan model atau arca.

Kereta renyuk, gambar pudar, serpihan surat khabar dan poster yang ditampal pada kotak, ayam sumbat di bawah balang kaca, kasut lusuh dicat dengan cat minyak putih, motor elektrik, tayar lama atau dapur gas - ini adalah pameran seni seni pop.

Antara artis seni pop boleh dikenal pasti: E. Warhol, D, Chamberlain, J. Dine dan lain-lain.

Seni pop sebagai arah seni mempunyai beberapa jenis (trend): seni op (artistik kesan optik tersusun, gabungan geometri garisan dan bintik), env-apm(komposisi, organisasi artistik persekitaran di sekeliling penonton), emel(objek bergerak dengan bantuan motor elektrik

dan pembinaan, aliran seni pop ini menonjol sebagai hala tuju artistik bebas - kinetisme).

Seni pop mengemukakan konsep identiti pengguna masyarakat "penggunaan massa". Keperibadian ideal seni pop ialah pengguna manusia, yang baginya kehidupan masih estetik bagi komposisi komoditi harus menggantikan budaya rohani. Perkataan digantikan dengan barang, kesusasteraan digantikan dengan benda, keindahan digantikan dengan kegunaan, ketamakan kepada material, penggunaan komoditi, menggantikan keperluan rohani, adalah ciri seni pop. Arah ini pada asasnya berorientasikan kepada orang yang massa, bukan kreatif, kehilangan pemikiran bebas dan meminjam pemikiran "nya" daripada pengiklanan dan media massa, seseorang yang dimanipulasi oleh televisyen dan media lain. Personaliti ini diprogramkan oleh seni pop untuk memenuhi peranan yang diberikan sebagai pemeroleh dan pengguna, dengan patuh memusnahkan pengaruh tamadun moden yang mengasingkan. Personaliti Seni Pop - Zombi Budaya Massa.

Hiperrealisme ~ pergerakan artistik yang konsep seninya tidak berubah: tidak bersifat peribadi sistem hidup dalam dunia yang kejam dan kasar.

Hiperrealisme - mencipta karya supernaturalistik yang indah yang menyampaikan butiran terkecil objek yang digambarkan. Plot hiperrealisme sengaja cetek, imej dengan tegas "objektif". Arah ini mengembalikan artis kepada bentuk dan cara seni halus yang biasa, khususnya kepada kanvas lukisan, yang ditolak oleh seni pop. Hiperrealisme menjadikan alam sekitar bandar yang mati, buatan manusia, "kedua" sebagai tema utama lukisannya: stesen minyak, kereta, tingkap kedai, bangunan kediaman, pondok telefon, yang dipersembahkan sebagai terasing daripada manusia.

Hiperrealisme menunjukkan akibat pembandaran yang berlebihan, kemusnahan ekologi alam sekitar, membuktikan bahawa metropolis mewujudkan persekitaran yang tidak berperikemanusiaan. topik utama hiperrealisme - kehidupan berjentera impersonal di bandar moden.

Asas teori hiperrealisme ialah idea falsafah mazhab Frankfurt, yang menegaskan keperluan untuk beralih daripada bentuk pemikiran kiasan yang diideologikan.

Karya seni fotorealisme adalah berdasarkan gambar yang sangat besar dan sering dikenal pasti dengan hiperrealisme. Walau bagaimanapun, kedua-dua dari segi teknologi mencipta imej dan, yang paling penting, dari segi invarian konsepsi artistik dunia dan keperibadian, ini, walaupun dekat, tetapi arah artistik yang berbeza. Hyperrealists meniru foto dengan cara bergambar di atas kanvas, photorealists meniru lukisan dengan memproses (dengan cat, kolaj) gambar.

Fotorealisme menegaskan keutamaan konsep dokumentari dan artistik: seorang yang boleh dipercayai, orang biasa dalam dunia yang boleh dipercayai dan biasa.

Tujuan fotorealisme ialah imej kehidupan seharian moden. Jalan-jalan, orang yang lalu-lalang, tingkap kedai, kereta, lampu isyarat, rumah, barangan rumah dihasilkan semula dalam karya fotorealisme secara tulen, objektif dan sangat serupa.

Ciri-ciri utama fotorealisme: 1) kiasan, menentang tradisi abstraksiisme; 2) tarikan kepada plot; 3) keinginan untuk mengelakkan "klise realistik" dan dokumentari; 4) pergantungan kepada pencapaian artistik teknologi fotografi.

Sonoristik- arah dalam muzik: permainan timbres, menyatakan "I" pengarang. Bagi wakilnya, bukan padang yang penting, tetapi timbre. Mereka mencari yang baru muzikal warna, bunyi tidak lazim: mereka bermain di atas rotan, di atas

gergaji, penyepit pada tali piano, tampar pada dek, pada alat kawalan jauh, bunyi dihasilkan dengan mengelap corong dengan sapu tangan.

Dalam muzik nyaring tulen, melodi, harmoni dan irama tidak memainkan peranan yang istimewa, hanya bunyi timbre yang penting. Keperluan untuk memperbaikinya menghidupkan bentuk grafik khas rakaman timbre dalam bentuk garisan nipis, tebal, beralun, berbentuk kon. Kadangkala julat di mana pemain perlu bermain juga ditunjukkan.

Pengasas muzik sonora ialah komposer Poland K. Penderecki, dan inisiatifnya diteruskan oleh K. Serocki, S. Bussotti dan lain-lain.

Pointilisme muzik- arah dalam pandangan hadapan * cirinya ialah pecahnya fabrik muzik, penyebarannya dalam daftar, kerumitan irama dan tandatangan masa, banyaknya jeda.

Pointillism muzik enggan mencipta realiti artistik yang boleh difahami (dari realiti yang boleh difahami berdasarkan tradisi muzik dan seni dunia dan menggunakan kod semiotik muzik tradisional). Pointillisme mengorientasikan individu ke arah penghijrahan ke dunia jiwanya dan mengesahkan pemecahan dunia sekeliling.

Aleatorica- arah artistik kesusasteraan dan muzik, berdasarkan tanggapan falsafah bahawa peluang memerintah dalam kehidupan, dan mengesahkan konsep seni: manusia- pemain dalam dunia situasi rawak.

Wakil-wakil aleatorik: K. Stockhausen, P. Boulez, S. Bussotti, J. Cage, A. Pusser, K. Serotsky dan lain-lain. Peluang menceroboh ke dalam karya sastera atau muzik secara mekanikal: dengan membaling cip (dadu), bermain catur, mengocok halaman atau pelbagai serpihan, dan juga melalui

improvisasi: teks muzik ditulis dalam "tanda-simbol" dan kemudian ditafsirkan secara bebas.

berlaku- ini adalah salah satu jenis budaya seni moden di Barat. A. Keprou adalah pengarang produksi pertama "Courtyard", "Creations". Persembahan yang berlaku melibatkan tindakan misteri, kadangkala tidak logik oleh para penghibur dan dicirikan dengan banyaknya prop yang dibuat daripada benda yang digunakan malah diambil dari tapak pelupusan sampah. Peserta yang hadir memakai pakaian yang terang dan tidak masuk akal, menekankan ketidakhidupan para penghibur, persamaan mereka sama ada dengan kotak atau baldi. Beberapa persembahan terdiri, sebagai contoh, pelepasan yang menyakitkan dari bawah kain terpal. Pada masa yang sama, tingkah laku individu pelakon adalah improvisasi. Kadang-kadang pelakon berpaling kepada penonton dengan permintaan untuk membantu mereka. Kemasukan penonton dalam tindakan ini sepadan dengan semangat yang berlaku.

Konsep dunia dan keperibadian yang dikemukakan oleh yang berlaku boleh dirumuskan seperti berikut: dunia- rantaian peristiwa rawak, seseorang mesti secara subjektif merasakan kebebasan sepenuhnya, tetapi sebenarnya mematuhi satu tindakan, dimanipulasi.

Kejadian menggunakan lukisan cahaya: cahaya terus berubah warna dan kekuatan, diarahkan terus kepada pelakon atau bersinar melalui skrin yang diperbuat daripada bahan yang berbeza. Selalunya ia disertai dengan kesan bunyi (suara manusia, muzik, berdenting, berderak, mengisar). Bunyi kadangkala sangat kuat, tidak dijangka, direka untuk kesan kejutan. Pembentangan termasuk ketelusan dan bingkai filem. Laura juga menggunakan bahan aromatik. Pelaku menerima tugas daripada pengarah, tetapi tempoh tindakan peserta tidak ditentukan. Semua orang boleh meninggalkan permainan pada bila-bila masa mereka mahu.

Acara diatur di tempat yang berbeza: di tempat letak kereta, di halaman yang dikelilingi oleh bangunan tinggi, di bawah tanah. benteng, loteng. Ruang yang berlaku, mengikut prinsip tindakan ini, tidak seharusnya mengehadkan imaginasi artis dan penonton.

Ahli teori yang berlaku M. Kerby merujuk jenis tontonan ini kepada bidang teater, walaupun dia menyatakan bahawa berlaku berbeza daripada teater jika tiada struktur tradisional persembahan: plot, watak dan konflik. Penyelidik lain mengaitkan sifat kejadian dengan lukisan dan arca, dan bukan dengan teater.

Dengan asal usulnya, kejadian berbalik kepada pencarian artistik pada awal abad ke-20, kepada percubaan beberapa pelukis dan pengukir untuk mengalihkan tumpuan daripada lukisan atau arca kepada proses penciptaan mereka. Dalam erti kata lain, berlaku juga mengambil masa asal usul dalam "lukisan aksi": dalam "percikan titisan" J. Pollock, dalam pukulan "menebas" De Kooning, dalam persembahan bergambar berkostum oleh J. Mathieu.

seni yang merosakkan diri- ini adalah salah satu fenomena aneh pascamodenisme. Lukisan yang dilukis dengan cat yang semakin pudar di hadapan penonton. Buku "Nothing", diterbitkan di Amerika Syarikat pada tahun 1975 dan dicetak semula di England. Ia mempunyai 192 muka surat, dan tiada satu pun daripadanya mempunyai satu baris. Penulis mendakwa bahawa dia menyatakan pemikiran: Saya tidak mempunyai apa-apa untuk memberitahu anda. Semua ini adalah contoh seni yang merosakkan diri. Ia juga mempunyai ekspresinya dalam muzik: persembahan sekeping pada piano yang runtuh atau pada biola yang mereput, dan sebagainya.

Konseptualisme- ini adalah aliran seni dalam seni Barat, yang dalam konsep artistiknya menegaskan seseorang yang terlepas daripada makna langsung (segera) budaya dan yang dikelilingi oleh produk aktiviti intelektual yang estetik.

Karya konseptualisme tidak dapat diramalkan berbeza dalam tekstur dan penampilannya: foto, salinan dari teks, telegram, pengeluaran semula, grafik, lajur nombor, skema. Konseptualisme tidak menggunakan produk intelektual aktiviti manusia untuk tujuan yang dimaksudkan: penerima tidak seharusnya membaca dan mentafsir makna teks, tetapi menganggapnya sebagai produk estetik semata-mata, menarik dalam penampilannya.

Wakil konseptualisme; Artis Amerika T. Atkinson, D. Bainbridge, M. Baldwin, X. Harrell, Joseph Kossuth, Lawrence Weiner, Robert Berry, Douglas Huebler dan lain-lain.

Realisme kritikal abad ke-19,- arah artistik” yang mengemukakan konsep: dunia dan manusia tidak sempurna; keluar- tidak menentang kejahatan dengan keganasan dan memperbaiki diri.

M realisme sosialis- arah artistik yang mengesahkan konsep seni: seseorang aktif secara sosial dan termasuk dalam penciptaan sejarah dengan cara yang ganas"

realisme petani- hala tuju seni yang menegaskan bahawa petani adalah pembawa utama akhlak dan tunjang kehidupan negara.

Realisme petani (prosa kampung) - arah sastera prosa Rusia (60-an - 80-an); tema utama ialah kampung moden, watak utama- petani adalah satu-satunya wakil rakyat yang sebenar dan pembawa cita-cita.

neorealisme- arah artistik realisme abad ke-20, yang menunjukkan dirinya dalam pawagam Itali pasca perang dan sebahagiannya dalam kesusasteraan. Ciri-ciri: neorealisme menunjukkan minat yang rapat terhadap seorang lelaki dari rakyat, dalam kehidupan orang biasa: perhatian akut terhadap perincian, pemerhatian dan penetapan unsur-unsur yang memasuki kehidupan selepas Perang Dunia Kedua. produk-

Ajaran neorealisme menegaskan idea-idea humanisme, kepentingan nilai kehidupan yang sederhana, kebaikan dan keadilan dalam hubungan manusia, kesaksamaan manusia dan maruah mereka, tanpa mengira status harta mereka.

Realisme ajaib- arah artistik realisme, yang mengesahkan konsep: seseorang hidup dalam realiti yang menggabungkan kemodenan dan sejarah, alam ghaib dan semula jadi, paranormal dan biasa.

Keanehan realisme ajaib- episod hebat berkembang mengikut undang-undang logik setiap hari sebagai realiti setiap hari.

realisme psikologi- pergerakan artistik abad ke-20, mengemukakan konsep: individu bertanggungjawab; dunia rohani harus dipenuhi dengan budaya yang menggalakkan persaudaraan sesama manusia dan mengatasi keegoan dan kesunyian mereka.

realisme intelek- Ini adalah arah artistik realisme, dalam karya-karya yang drama idea terungkap dan watak-watak di wajah "melakonkan" pemikiran pengarang, menyatakan pelbagai aspek konsep artistiknya. Realisme intelektual mengandaikan pemikiran konseptual dan falsafah artis. Jika realisme psikologi berusaha untuk menyampaikan keplastikan pergerakan pemikiran, mendedahkan dialektik jiwa manusia, interaksi dunia dan kesedaran, maka realisme intelektual berusaha menyelesaikan masalah sebenar secara artistik dan meyakinkan, untuk menganalisis keadaan dunia.

Maklumat yang serupa.

Asas budaya rasionalis

Tidak mustahil untuk menarik sempadan yang tepat antara budaya abad ke-16 dan ke-17. Sudah pada abad ke-16, idea-idea baru tentang dunia mula terbentuk dalam ajaran ahli falsafah semula jadi Itali. Tetapi titik perubahan sebenar dalam sains alam semesta berlaku pada pergantian abad ke-16 dan ke-17, apabila Giordano Bruno, Galileo Galilei dan Kepler, mengembangkan teori heliosentrik Copernicus, sampai pada kesimpulan tentang pluraliti dunia, kira-kira infiniti alam semesta, di mana bumi bukanlah pusat, tetapi zarah kecil apabila penciptaan teleskop dan mikroskop mendedahkan kepada manusia kewujudan yang tidak terhingga jauh dan yang tidak terhingga kecil.

Pada abad ke-17, pemahaman manusia, tempatnya di dunia, hubungan antara individu dan masyarakat berubah. Keperibadian manusia Renaissance dicirikan oleh perpaduan dan integriti mutlak, ia tidak mempunyai kerumitan dan pembangunan. Personaliti - zaman Renaissance - menegaskan dirinya selaras dengan alam semula jadi, yang merupakan kuasa yang baik. Tenaga seseorang, serta kekayaan, menentukan jalan hidupnya. Namun, humanisme "indah" ini tidak lagi sesuai era baru apabila seseorang berhenti mengiktiraf dirinya sebagai pusat alam semesta, apabila dia merasakan semua kerumitan dan percanggahan kehidupan, apabila dia terpaksa melancarkan perjuangan sengit menentang reaksi feudal Katolik.

Keperibadian abad ke-17 tidak berharga dengan sendirinya, seperti keperibadian Renaissance, ia sentiasa bergantung pada alam sekitar, pada alam semula jadi, dan pada jisim orang, kepada siapa ia ingin menunjukkan dirinya, untuk menarik perhatian dan meyakinkannya. Kecenderungan ini, di satu pihak, untuk menyerang imaginasi orang ramai, dan sebaliknya, untuk meyakinkan mereka, adalah salah satu ciri utama seni abad ke-17.

Seni abad ke-17, seperti seni Renaissance, dicirikan oleh pemujaan pahlawan. Tetapi ini adalah seorang wira yang dicirikan bukan oleh tindakan, tetapi oleh perasaan, pengalaman. Ini dibuktikan bukan sahaja oleh seni, tetapi juga oleh falsafah abad ke-17. Descartes mencipta doktrin nafsu, manakala Spinoza menganggap keinginan manusia "seolah-olah ia adalah garis, pesawat dan badan."

Persepsi baru tentang dunia dan manusia ini boleh mengambil arah dua arah pada abad ke-17, bergantung pada cara ia digunakan. Dalam dunia alam semula jadi dan jiwa manusia yang kompleks, bertentangan, bercanggah ini, sisinya yang kacau-bilau, tidak rasional, dinamik dan emosi, sifat ilusinya, kualiti sensualnya boleh ditekankan. Laluan ini membawa kepada gaya Baroque.

Tetapi penekanan juga boleh diberikan pada idea-idea yang jelas dan jelas yang melihat melalui kebenaran dan ketertiban dalam kekacauan ini, pada pemikiran yang bergelut dengan konfliknya, pada akal mengatasi nafsu. Jalan ini membawa kepada klasikisme.

Baroque dan klasikisme, setelah menerima reka bentuk klasik mereka masing-masing di Itali dan Perancis, merebak ke satu tahap atau yang lain di seluruh negara Eropah dan merupakan trend dominan dalam budaya seni abad ke-17.

Prinsip estetik Baroque

Gaya Baroque berasal dari Itali, di negara yang berpecah-belah menjadi negeri-negeri kecil, di negara yang mengalami reformasi balas dan reaksi feudal yang kuat, di mana rakyat kaya bertukar menjadi bangsawan darat, di negara di mana teori dan amalan Mannerisme berkembang, dan di mana, pada masa yang sama, dalam semua kecemerlangannya, tradisi terkaya budaya seni Renaissance telah dipelihara. Baroque mengambil subjektivitinya daripada Mannerisme, keghairahannya terhadap realiti daripada Renaissance, tetapi kedua-duanya dalam pembiasan gaya baharu. Dan walaupun sisa-sisa Mannerisme terus mempengaruhi dekad pertama dan bahkan kedua abad ke-17, pada dasarnya, mengatasi Mannerisme di Itali boleh dianggap selesai pada tahun 1600.

Salah satu masalah ciri estetika barok adalah masalah persuasi, yang berasal dari retorik. Retorik tidak membezakan kebenaran daripada kebolehpercayaan; sebagai cara untuk memujuk, mereka seolah-olah setara - dan oleh itu ilusi, fantastik, subjektivisme seni barok, digabungkan dengan klasifikasi teknik "seni" untuk menghasilkan kesan yang mewujudkan tanggapan subjektif, mengelirukan tentang kebolehpercayaan, mengikuti.

Berdasarkan fakta bahawa konsep utama estetika Baroque adalah keupayaan untuk memujuk, ia difahami sebagai keupayaan untuk meyakinkan penonton dengan bantuan alat pengaruh tertentu, yang merupakan karya seni. Retorik menghiasi pertuturan, memberikan konsep dan bentuk objek yang lebih mudah dirasakan. Retorik berkait rapat dengan sastera dan puisi, yang sering mengenal pasti dirinya dengan retorik. Keupayaan memujuk mesti meyakinkan, menyentuh, mengejutkan orang yang dituju. Oleh itu, pengarang mesti mengetahui sekecil-kecilnya kepada siapa karyanya ditujukan, mesti mempelajarinya dan berpandukan pengetahuan ini semasa mencipta karyanya.

Adakah terdapat kaedah yang diiktiraf dan wajib untuk memujuk penonton, pembaca, pendengar kerana keberkesanannya? Semua kaedah adalah sesuai, dengan syarat mereka mencapai matlamat utama mereka - untuk meyakinkan orang yang dimaksudkan. Dalam hal ini, masalah kebenaran atau kepalsuan karya seni diturunkan ke latar belakang, ia menjadi tidak penting. Ilusi menjadi prinsip. Pembaca dan penonton mesti pertama sekali terpegun, terkejut, dan ini boleh dilakukan dengan bantuan pemilihan gambar yang pelik dan luar biasa yang digubah dengan mahir.

Kebanyakan ahli teori Baroque adalah penulis, tetapi dalam kenyataan mereka seseorang dapat merasakan dengan jelas trend utama era Baroque - ke arah penumpuan pelbagai jenis seni. Semua seni saling berkaitan dan mempunyai satu intipati. Mereka berbeza hanya dalam cara ekspresi.

Rasionalisme dan normativisme estetika klasikisme

Klasikisme adalah salah satu bidang seni yang paling penting. Setelah memantapkan dirinya dalam karya dan kreativiti banyak generasi, mengemukakan galaksi penyair dan penulis yang cemerlang, pelukis dan pemuzik, arkitek, pengukir dan pelakon, klasikisme meninggalkan tonggak sejarah di jalan pembangunan seni umat manusia sebagai tragedi. Corneille, Racine, Milton, Voltaire, komedi Molière muzik lully, syair La Fontaine, taman dan ensembel seni bina Versailles, lukisan oleh Poussin.

Klasikisme memulakan perhitungannya dari abad ke-16, menguasai pada abad ke-17, dengan kuat dan berterusan menegaskan dirinya pada abad ke-18 dan awal abad ke-19. Sejarah itu sendiri mengesahkan daya maju tradisi sistem artistik klasik dan nilai konsep dunia dan manusia yang mendasarinya, terutamanya ciri penting moral klasikisme.

Perkataan "klasikisme" (dari bahasa Latin classicus - teladan) merangkumi orientasi mantap seni baru kepada "sampel" kuno. Walau bagaimanapun, kesetiaan kepada semangat kuno tidak bermakna bagi golongan klasik sama ada pengulangan mudah model kuno ini, atau penyalinan langsung teori kuno. Klasikisme adalah cerminan era monarki mutlak dan bangsawan dan birokrasi yang menjadi asas kepada monarki. Rayuan kepada seni Greece dan Rom, yang juga ciri khas Renaissance, dengan sendirinya masih tidak boleh dipanggil klasikisme, walaupun ia sudah mengandungi banyak ciri trend ini.

Monarki mutlak telah memainkan peranan ganda dalam sejarah Perancis. Dasar budaya monarki mutlak dan doktrin estetiknya - klasikisme - dibezakan oleh dualitas yang sama. Mahkamah beraja dicirikan oleh keinginan untuk menundukkan semua kuasa seni kepada organisasi yang berpusat. Kardinal Richelieu mencipta pusat rasmi dalam bidang kesusasteraan dan bahasa - Akademi Perancis. Di bawah Louis XIV, Akademi Seni Halus telah diwujudkan. Di pusat-pusat budaya seni ini, banyak kerja telah dilakukan untuk mencipta satu bahasa sastera, membebaskannya daripada ciri-ciri wilayah dan peninggalan zaman dahulu, membangunkan ucapan sastera yang betul, mengklasifikasikan genre, dan sebagainya. Akademi Seni, yang menghimpunkan pelukis dan ahli teori seni yang paling terkemuka, terlibat dalam aktiviti yang sama. Secara umum, semua aktiviti ini mempunyai kepentingan yang progresif.

Menurut kod seni, artis terutamanya dikehendaki mempunyai "kebangsawanan reka bentuk." Plot gambar mestilah mempunyai nilai pengajaran. Oleh itu, semua jenis alegori sangat dihargai, di mana lebih kurang imej kehidupan yang diambil secara konvensional secara langsung menyatakan idea umum. Genre tertinggi dianggap "bersejarah", yang termasuk mitologi kuno, plot dari karya sastera terkenal, dari Alkitab, dan sebagainya. Potret, landskap, adegan kehidupan sebenar dianggap "genre kecil". Genre yang paling tidak penting ialah still life.

Dalam puisi, klasikisme membawa kepada perkembangan rasional tema mengikut peraturan tertentu. Contoh yang paling menarik ialah "Seni Puisi" bualo- risalah yang dinyatakan dalam ayat-ayat yang indah dan mengandungi banyak idea yang menarik. Boileau mengemukakan tuntutan untuk keutamaan kandungan dalam seni puisi, walaupun prinsip ini dinyatakan dalam dirinya dalam bentuk yang terlalu berat sebelah - dalam bentuk subordinasi abstrak perasaan kepada alasan.

Estetika Pencerahan Eropah

Teori-teori estetika Pencerahan telah dibentuk semasa revolusi borjuasi awal abad ke-17-18 dan merupakan sebahagian daripada ideologi dan budaya pada zaman mereka. Pencerahan percaya bahawa penyusunan semula sistem sosial yang usang harus dijalankan melalui penyebaran idea-idea maju, melalui perjuangan menentang kejahilan, dadah agama, skolastik abad pertengahan, moral feudal yang tidak berperikemanusiaan, seni dan estetika, yang memenuhi keperluan lapisan atasan. negara feudal-absolutisme.

Untuk semua kemajuan mereka, para pencerahan tidak boleh melampaui batas zaman mereka. Dalam intrik masyarakat yang harmoni, para pencerahan bergantung pada beberapa "warganegara" yang abstrak, pada kesedaran politik dan moralnya, dan tidak sama sekali pada orang sebenar yang sebenarnya dibentuk di bawah kapitalisme.

Pencerahan melalui pendidikan moral, politik dan estetika cuba mencapai transformasi masyarakat atas prinsip kesaksamaan dan keadilan. Mereka cukup jelas menyedari hakikat bahawa terdapat percanggahan antara kepentingan peribadi dan awam, antara aspirasi dan tugas peribadi, antara individu dan masyarakat. Mereka berharap untuk menyelesaikan percanggahan ini sebahagian besarnya melalui pendidikan estetik. Oleh itu, mereka mempunyai keyakinan bahawa prinsip estetik mampu mengurangkan keegoan semula jadi manusia, untuk mengubah seseorang menjadi "individu".

Dari sudut pandangan mendidik "warganegara", orang baru, pencerahan menganggap konsep asas: indah, agung, harmoni, rahmat, rasa ( Burke, Diderot ); masalah intipati dan fungsi sosial seni, konflik artistik, watak, kebenaran dalam seni, dan sebagainya diperlakukan dalam semangat yang sama. Leitmotif konsep estetik Pencerahan adalah pertahanan seni pathos sivik yang tinggi, prinsip realisme dan humanisme. Dia bercakap tentang hubungan antara yang indah dan moral Shaftesbury .

Dalam menafsirkan kategori estetika, para pencerahan bermula dari prinsip sensasi, yang merupakan arah dalam teori pengetahuan, mengikut mana keghairahan adalah bentuk utama pengetahuan yang boleh dipercayai. Formula klasik yang mencirikan sensasi adalah milik Stoik: "Tiada apa-apa dalam minda yang tidak sebelum ini dalam deria."

Reka bentuk teori subjek estetika

Pengasas estetika Jerman Pencerahan dan "godfather" bahagian bebas pengetahuan falsafah adalah Baumgarten . Sistem epistemologinya dibahagikan kepada dua bahagian: estetika dan logik. Yang pertama ialah teori "rendah", pengetahuan deria, yang kedua - lebih tinggi, "intelek". Untuk menetapkan pengetahuan yang lebih rendah, beliau memilih istilah "estetika", yang pada masa yang sama ditafsirkan sebagai sensasi, perasaan dan pengetahuan. Oleh itu, jika logik adalah ilmu pengetahuan intelek, iaitu hukum-hukum dan bentuk pemikiran, maka estetika adalah ilmu pengetahuan pancaindera. Sehubungan itu, terdapat dua jenis pertimbangan: "logik" dan "sensitif" (deria). Yang pertama bergantung pada idea yang berbeza, yang kedua pada yang kabur. Yang berdasarkan idea yang jelas dia panggil pertimbangan akal, dan yang berdasarkan idea yang kabur dia panggil pertimbangan rasa. Penghakiman akal memberi kita kebenaran, penilaian rasa memberi kita keindahan. Asas objektif penghakiman minda dan penghakiman rasa adalah kesempurnaan, iaitu, kesesuaian objek dengan konsepnya.

Intipati dan Tujuan Umum Seni pada Zaman Pencerahan

Intipati seni dilihat dalam tiruan alam semula jadi oleh pencerah Jerman Winkelman. Peniruan alam semula jadi yang indah boleh sama ada diarahkan kepada satu objek, atau mengumpulkan bersama-sama pemerhatian pada beberapa objek tunggal. Dalam kes pertama, salinan serupa, potret, diperolehi, dalam yang kedua - imej yang ideal. Winkelman menganggap cara kedua lebih membuahkan hasil. Di sini artis tidak bertindak sebagai penyalin, tetapi sebagai pencipta sebenar, kerana sebelum mencipta imej, dia merangka konsep umum kecantikan dan kemudian mengikuti prototaipnya. Kecantikan yang ideal mengatasi bentuk jirim biasa, mengatasi batasannya.

ESTETIK sains kognisi deria yang memahami dan mencipta keindahan dan dinyatakan dalam imej seni.

Konsep "estetika" telah diperkenalkan ke dalam penggunaan saintifik pada pertengahan abad ke-18. Ahli falsafah Pencerahan Jerman Alexander Gottlieb Baumgarten Estetika, 1750). Istilah ini berasal dari perkataan Yunani

aisthetikos perasaan, berkaitan dengan persepsi deria. Baumgarten memilih estetika sebagai disiplin falsafah yang bebas. SUBJEK ESTETIK Seni dan kecantikan telah lama menjadi subjek kajian. Selama lebih daripada dua milenium, estetika telah berkembang dalam kerangka falsafah, teologi, amalan artistik dan kritikan seni.

Dalam proses pembangunan, subjek menjadi lebih kompleks dan diperkaya estetika. Pada zaman purba, estetika menyentuh persoalan falsafah umum tentang sifat keindahan dan seni; teologi mempunyai kesan yang besar terhadap estetika zaman pertengahan, yang berfungsi sebagai salah satu alat untuk mengenal Tuhan; dalam Renaissance, pemikiran estetik berkembang terutamanya dalam bidang amalan artistik, dan kreativiti artistik dan hubungannya dengan alam semula jadi menjadi subjeknya. Pada permulaan Zaman Baru, estetika berusaha membentuk norma seni. Politik mempunyai kesan yang besar terhadap estetika Pencerahan, memberi tumpuan kepada tujuan sosial kreativiti artistik, kepentingan moral dan kognitifnya.

Klasik falsafah Jerman, Immanuel Kant, secara tradisinya menganggap subjek estetika sebagai indah dalam seni. Tetapi estetika, menurut Kant, tidak mengkaji objek kecantikan, tetapi hanya penilaian tentang kecantikan, i.e. adalah kritikan terhadap fakulti penilaian estetik. Georg Hegel mendefinisikan subjek estetika sebagai falsafah seni atau falsafah aktiviti artistik dan percaya bahawa estetika berkenaan dengan penentuan tempat seni dalam sistem semangat dunia.

Pada masa akan datang, subjek estetika telah dipersempitkan kepada pengesahan teori tentang arah tertentu dalam seni, analisis gaya artistik, sebagai contoh, romantisme (Novalis), realisme (V. Belinsky, N. Dobrolyubov), eksistensialisme (A. Camus, J.-P. Sartre). Marxis mendefinisikan estetika sebagai sains sifat dan undang-undang asimilasi estetik realiti dan budaya seni masyarakat.

A.F. Losev menganggap subjek estetika sebagai dunia bentuk ekspresif yang dicipta oleh manusia dan alam semula jadi. Dia percaya bahawa estetika bukan sahaja mengkaji yang indah, tetapi juga yang hodoh, yang tragis, komik, dan lain-lain, oleh itu ia adalah sains ekspresi secara umum. Berdasarkan ini, estetika boleh ditakrifkan sebagai sains persepsi deria tentang bentuk ekspresif dunia sekeliling. Dalam pengertian ini, konsep bentuk seni adalah sinonim dengan karya seni. Daripada semua yang telah dikatakan, kita boleh membuat kesimpulan bahawa subjek estetika adalah mudah alih dan boleh diubah, dan dalam perspektif sejarah, masalah ini tetap terbuka.

AKTIVITI ESTETIK Karya seni dicipta hasil daripada aktiviti seni, yang merupakan bentuk tertinggi aktiviti estetik manusia. Tetapi sfera penerokaan estetik dunia jauh lebih luas daripada seni itu sendiri. Ia juga menyentuh aspek yang bersifat praktikal: reka bentuk, taman dan budaya taman, budaya kehidupan seharian, dsb. Fenomena ini terlibat dalam estetika teknikal dan praktikal. Estetika teknikal ialah teori reka bentuk, penerokaan dunia mengikut undang-undang kecantikan dengan cara perindustrian. Idea estetika teknikal bermula pada pertengahan abad ke-19. di England. John Ruskin dalam karyanya Pra-Raphaelitisme(1851) dan Ekonomi politik seni(1857) memperkenalkan konsep produk bernilai estetik. William Morris mengenai Teori (Works Seni hiasan, hubungannya dengan kehidupan moden, 1878;Berita entah dari mana, atau era kebahagiaan, 1891 dsb.) dan praktikal (penciptaan syarikat industri seni) membangunkan masalah estetika buruh, status industri seni, reka bentuk, seni dan kraf, dan organisasi estetik persekitaran. Arkitek dan ahli teori seni Jerman Gottfried Semper pada tahun 1863 menerbitkan "Pengalaman dalam Estetika Praktikal", sebuah esei Gaya dalam seni teknikal dan tektonik, di mana beliau, berbeza dengan idealisme falsafah pada zamannya, menekankan nilai asas pembentukan gaya bahan dan teknologi.

Estetika kehidupan seharian, tingkah laku manusia, kreativiti saintifik, sukan, dll. adalah dalam bidang estetika praktikal. Bidang pengetahuan estetik ini masih kurang berkembang, tetapi ia mempunyai masa depan yang hebat, kerana skop kepentingannya luas dan pelbagai.

Oleh itu, aktiviti estetik adalah sebahagian asimilasi praktikal-spiritual realiti oleh manusia.

Aktiviti estetik mengandungi prinsip kreatif dan bermain yang penting dan dikaitkan dengan unsur-unsur tidak sedar jiwa ( lihat juga TAK SEDAR). Konsep "bermain" sebagai salah satu ciri penting aktiviti estetik telah diperkenalkan ke dalam estetika oleh I. Kant dan dibangunkan oleh F. Schiller. Kant merumuskan dua konsep estetik yang paling penting: "penampilan estetik" dan "permainan bebas". Di bawah yang pertama dia memahami bidang kewujudan keindahan, di bawah yang kedua - kewujudannya secara serentak dalam rancangan sebenar dan bersyarat. Membangunkan idea ini, Schiller Surat tentang lelaki pendidikan estetik(1794) menulis bahawa kecantikan, yang wujud dalam dunia objektif, boleh dicipta semula, boleh menjadi "objek dorongan untuk bermain." Seorang lelaki, menurut Schiller, adalah manusia sepenuhnya hanya apabila dia bermain. Permainan ini tidak dikekang oleh keperluan semula jadi atau kewajipan sosial, ia adalah penjelmaan kebebasan. Semasa permainan, "penampilan estetik" dicipta yang mengatasi realiti, lebih sempurna, elegan dan emosi daripada dunia sekeliling. Tetapi, sambil menikmati seni, seseorang menjadi rakan sejenayah dalam permainan dan tidak pernah melupakan sifat dua keadaan. lihat juga PERMAINAN.

aktiviti seni . Jenis aktiviti estetik yang paling tinggi dan tertumpu, bebas daripada permulaan utilitarian, ialah aktiviti artistik. Matlamat penciptaan artistik ialah penciptaan karya seni tertentu. Ia dicipta oleh personaliti istimewa seorang pencipta dengan kebolehan artistik ( lihat juga PERSONALITI KREATIF). Dalam estetika, hierarki kebolehan artistik diiktiraf, yang kelihatan seperti ini: bakat, bakat, genius.

Genius. Pada zaman dahulu, genius difahami sebagai fenomena yang tidak rasional. Sebagai contoh, Plotinus menjelaskan genius artis sebagai aliran tenaga kreatif yang datang daripada idea asas dunia. Dalam Renaissance, terdapat kultus genius sebagai individu kreatif. Rasionalisme menegaskan idea untuk menggabungkan genius semula jadi artis dengan disiplin minda. Tafsiran pelik tentang genius dibentangkan dalam risalah oleh Abbé Jean-Baptiste Dubos (16701742) Refleksi Kritis Puisi dan Lukisan(1719). Pengarang risalah menganggap masalah itu pada peringkat estetik, psikologi dan biologi. Seorang genius, dalam fikirannya, bukan sahaja mempunyai semangat yang cergas dan imaginasi yang jelas, tetapi juga komposisi darah yang baik. Menjangkakan peruntukan utama sekolah budaya-sejarah Hippolyte Taine, Dubos menulis bahawa masa dan tempat, serta iklim, adalah sangat penting untuk kemunculan genius. Kant meletakkan kandungan istimewa ke dalam konsep "genius". Genius Kant adalah eksklusif rohani, ia adalah bakat seni yang melaluinya alam mempengaruhi seni, menunjukkan kebijaksanaannya. Genius tidak mematuhi mana-mana peraturan, tetapi mencipta corak dari mana peraturan tertentu boleh disimpulkan. Kant mentakrifkan genius sebagai keupayaan untuk melihat idea-idea estetik, i.e. imej yang tidak dapat difikirkan.

Inspirasi. Pandangan sejarah tentang sifat genius sentiasa berkembang sesuai dengan perkembangan pemahaman proses kreatif itu sendiri dan salah satu elemen utamanya - inspirasi. Lebih Plato dalam dialog Dan dia Dia bercakap tentang hakikat bahawa pada masa tindakan kreatif penyair berada dalam keadaan kegilaan, dia didorong oleh kuasa ilahi. Aspek kreativiti yang tidak rasional ditekankan oleh Kant. Dia menyatakan ketidaktahuan perbuatan kreatif itu. Kaedah kerja artis, dia menulis dalam Kritikan terhadap keupayaan penghakiman, tidak dapat difahami, adalah misteri kepada kebanyakan orang, dan kadang-kadang kepada artis itu sendiri.

Jika teori kreativiti yang tidak rasional menyedari sifat perbuatan kreatif sebagai manifestasi khas semangat, maka berorientasikan positivistik. tradisi estetik menganggap inspirasi sebagai fenomena yang boleh dikenali, tidak mengandungi apa-apa mistik dan ghaib. Inspirasi adalah hasil kerja terdahulu yang sengit, pencarian kreatif yang panjang. Dalam tindakan inspirasi, bakat dan kemahiran artis, pengalaman hidup dan pengetahuannya digabungkan.

Intuisi artistik. Intuisi artistik adalah elemen yang sangat penting untuk inspirasi. Masalah ini dibangunkan oleh saintis Perancis Henri Bergson. Dia percaya bahawa intuisi artistik adalah renungan mistik yang tidak berminat dan sama sekali tidak mempunyai permulaan yang berguna. Ia bergantung pada ketidaksadaran seseorang. Dalam kerja evolusi kreatif(Terjemahan Rusia, 1914) Bergson menulis bahawa seni, melalui intuisi artistik, merenungkan dunia secara keseluruhan, dalam perkembangan berterusannya dalam keunikan fenomena yang unik. Intuisi kreatif membolehkan artis meletakkan ekspresi maksimum ke dalam karyanya. Kedekatan persepsi membantu dia menyampaikan perasaannya. Kreativiti, sebagai kelahiran berterusan yang baru, adalah, menurut Bergson, intipati kehidupan, bertentangan dengan aktiviti intelek, yang tidak mampu mencipta yang baru, tetapi hanya menggabungkan yang lama.

Dalam estetika intuitif Benedetto Croce, yang paling diwakili sepenuhnya dalam karya Estetika sebagai sains ekspresi dan sebagai linguistik umum(1902) seni tidak lain hanyalah gerak hati lirik. Menekankan sifat kreatif, formatif intuisi tidak logik, menggenggam (bertentangan dengan konsep), unik, tidak boleh berulang. Seni dalam Croce tidak peduli dengan pengetahuan intelektual, dan kesenian tidak bergantung pada idea karya itu.

Imej artistik. Dalam proses kreativiti artistik, di mana pemikiran, imaginasi, fantasi, pengalaman, inspirasi, intuisi artis mengambil bahagian, imej artistik dilahirkan. Mencipta imej artistik, pencipta secara sedar atau tidak sedar mengambil impaknya kepada orang ramai. Salah satu elemen kesan sedemikian boleh dianggap sebagai kekaburan dan meremehkan. imej artistik.

Inuendo merangsang pemikiran penerima, memberikan ruang untuk imaginasi kreatif. Penghakiman yang sama telah dinyatakan oleh Schelling dalam perjalanan kuliah Falsafah seni(18021805), di mana konsep "infiniti ketidaksadaran" diperkenalkan. Pada pendapatnya, artis itu memasukkan karyanya, sebagai tambahan kepada idea, "sejenis infiniti", tidak boleh diakses oleh mana-mana "fikiran terbatas". Mana-mana karya seni membenarkan jumlah tafsiran yang tidak terhingga. Oleh itu, kewujudan penuh imej artistik bukan sahaja merealisasikan konsep artistik dalam karya siap, tetapi juga persepsi estetiknya, yang merupakan proses kompleks keterlibatan dan penciptaan bersama subjek persepsi.

Persepsi. Isu penerimaan (persepsi) adalah dalam bidang pandangan ahli teori "sekolah Constanz" (H.R. Jauss, V. Iser dan lain-lain), yang timbul di Jerman pada akhir 1960-an. Berkat usaha mereka, prinsip estetika reseptif telah dirumuskan, idea utamanya adalah kesedaran tentang kepelbagaian sejarah makna karya, yang merupakan hasil interaksi subjek persepsi (penerima) dan pengarang.

imaginasi kreatif. Syarat yang diperlukan untuk penciptaan dan persepsi karya seni ialah imaginasi kreatif. F. Schiller menekankan bahawa seni hanya boleh dicipta oleh kuasa bebas imaginasi, dan oleh itu seni adalah cara untuk mengatasi kepasifan.

Sebagai tambahan kepada bentuk aktiviti estetik yang praktikal dan artistik, terdapat bentuk dalaman, rohani: emosi-intelek, menghasilkan tanggapan dan idea estetik, cita rasa dan cita-cita estetik, serta teori, mengembangkan konsep dan pandangan estetik. Bentuk aktiviti estetik ini secara langsung berkaitan dengan konsep "kesedaran estetik".

kesedaran estetik. Keistimewaan kesedaran estetik adalah bahawa ia adalah persepsi makhluk dan semua bentuk dan jenisnya dari segi estetika melalui prisma. ideal estetik. Kesedaran estetik setiap era menyerap semua pantulan keindahan dan seni yang wujud di dalamnya. Ia termasuk idea lazim tentang sifat seni dan bahasanya, cita rasa artistik, keperluan, cita-cita, konsep estetik, penilaian artistik dan kriteria yang dibentuk oleh pemikiran estetik.

Elemen utama kesedaran estetik ialah rasa estetik. Ia boleh dianggap sebagai keupayaan dan reaksi emosi seseorang individu yang dikaitkan dengan pengalaman melihat objek estetik. Perkembangan rasa estetik membawa kepada keperluan estetik, iaitu kepada keperluan untuk melihat dan meningkatkan yang indah dalam kehidupan. Perasaan dan keperluan estetik dinyatakan dalam rasa estetik kebolehan untuk mencatat nilai estetik sesuatu. Masalah rasa adalah pusat kepada estetika Pencerahan. Diderot, menafikan salah satu peruntukan paling penting dalam estetika Cartesian tentang rasa semula jadi, percaya bahawa rasa diperoleh dalam amalan seharian. Rasa sebagai kategori estetik juga dipertimbangkan secara terperinci oleh Voltaire. Dia mentakrifkannya sebagai keupayaan untuk mengenali yang cantik dan yang hodoh. Cita-cita seorang artis ialah lelaki yang geniusnya digabungkan dengan rasa. Rasa bukanlah kualiti subjektif semata-mata. Penghakiman rasa secara amnya sah. Tetapi jika rasa mempunyai kandungan objektif, maka, akibatnya, ia meminjamkan dirinya kepada pendidikan. Voltaire melihat resolusi antinomi rasa baik dan buruk dalam pencerahan masyarakat.

Ciri-ciri psikologi pertimbangan rasa dikaji oleh ahli falsafah Inggeris David Hume. Dalam kebanyakan tulisannya Mengenai norma rasa,Tentang tragedi itu,Mengenai penghalusan rasa dan kesan dsb.), beliau berpendapat bahawa rasa bergantung pada bahagian semula jadi, emosi organisma hidup. Dia membezakan akal dan rasa, percaya bahawa akal memberikan pengetahuan tentang kebenaran dan kebatilan, rasa memberi pemahaman tentang keindahan dan keburukan, dosa dan kebajikan. Hume mencadangkan bahawa keindahan sesebuah karya bukan terletak pada dirinya sendiri, tetapi pada perasaan atau cita rasa orang yang melihatnya. Dan apabila seseorang kehilangan perasaan ini, dia tidak dapat memahami keindahan, walaupun dia dididik secara menyeluruh. Rasa dibezakan oleh keteraturan tertentu, yang boleh dikaji dan diubah suai dengan bantuan hujah dan refleksi. Kecantikan memerlukan aktiviti fakulti intelek seseorang yang mesti "menyalakan jalan" untuk perasaan yang betul.

Masalah rasa menduduki tempat yang istimewa dalam refleksi estetik Kant. Dia melihat antinomi rasa, percanggahan yang, pada pendapatnya, adalah wujud dalam mana-mana penilaian estetik. Di satu pihak, tidak ada pertikaian tentang rasa, kerana penilaian rasa adalah sangat individu, dan tiada bukti boleh menafikannya. Sebaliknya, dia menunjukkan sesuatu persamaan yang wujud antara citarasa dan membolehkannya dibincangkan. Oleh itu, beliau menyatakan percanggahan antara cita rasa individu dan umum, yang pada asasnya tidak larut. Pada pendapatnya, pertimbangan yang berasingan dan bercanggah tentang rasa boleh wujud bersama dan sama benar.

Pada abad ke-20 masalah rasa estetik dibangunkan oleh H.-G. Gadamer. Dalam kerja Kebenaran dan Kaedah(1960) beliau mengaitkan konsep "rasa" dengan konsep "fesyen". Dalam fesyen, menurut Gadamer, detik generalisasi sosial yang terkandung dalam konsep rasa menjadi realiti tertentu. Fesyen mencipta ketagihan sosial yang hampir mustahil untuk dielakkan. Di sinilah terletaknya perbezaan antara fesyen dan rasa. Walaupun rasa beroperasi dalam sfera sosial yang sama seperti fesyen, ia tidak tertakluk kepadanya. Berbanding dengan kezaliman fesyen, rasa mengekalkan kekangan dan kebebasan.

Rasa estetik ialah generalisasi pengalaman estetik. Tetapi ini sebahagian besarnya adalah keupayaan subjektif. Lebih mendalam menyamaratakan amalan estetik ideal estetik. Masalah ideal sebagai masalah teori estetika pertama kali dikemukakan oleh Hegel. DALAM Kuliah tentang estetika beliau mendefinisikan seni sebagai manifestasi ideal. Ideal estetik adalah mutlak yang terkandung dalam seni, yang seni bercita-cita dan secara beransur-ansur meningkat. Nilai ideal estetik dalam proses kreatif sangat besar, kerana atas dasar rasa artis, rasa orang ramai terbentuk.

KATEGORI ESTETIK Kategori asas estetika ialah kategori "estetik". Estetika bertindak sebagai konsep universal generik yang komprehensif untuk sains estetik, sebagai "metakategori" berhubung dengan semua kategorinya yang lain.

Paling hampir dengan kategori "estetik" ialah kategori "cantik". Yang indah adalah contoh bentuk yang difikirkan dengan sensual, ideal yang sesuai dengan fenomena estetik lain yang dipertimbangkan. Apabila mempertimbangkan yang luhur, tragis, komik, dan lain-lain, yang indah bertindak sebagai ukuran. Mulia bahawa ukuran ini melebihi. tragik sesuatu yang menunjukkan percanggahan antara ideal dan realiti, sering membawa kepada penderitaan, kekecewaan, kematian. komik sesuatu yang turut menjadi saksi kepada percanggahan antara ideal dan realiti, cuma percanggahan ini diselesaikan dengan ketawa. Dalam teori estetik moden, bersama-sama dengan kategori positif, antipoda mereka dibezakan - hodoh, rendah, dahsyat. Ini dilakukan atas dasar bahawa menonjolkan nilai positif mana-mana kualiti membayangkan kewujudan yang bertentangan. Oleh itu, Kajian saintifik harus mempertimbangkan konsep estetik dalam korelasinya.

PERINGKAT UTAMA PERKEMBANGAN PEMIKIRAN ESTETIK. Unsur-unsur refleksi estetik terdapat dalam budaya Mesir Purba, Babylon, Sumer dan orang-orang lain di Timur Purba. Pemikiran estetik menerima perkembangan sistematik hanya di kalangan orang Yunani kuno.

Contoh pertama doktrin estetik dicipta oleh Pythagoreans (abad ke-6 SM). Pandangan estetik mereka berkembang dalam tradisi falsafah kosmologi, berdasarkan hubungan rapat manusia dan alam semesta. Pythagoras memperkenalkan konsep kosmos sebagai satu kesatuan yang teratur. Harta utamanya ialah keharmonian. Dari Pythagoreans datang idea keharmonian sebagai kesatuan manifold, keharmonian yang bertentangan.

Pythagoras dan pengikutnya mencipta doktrin yang dipanggil "keharmonian sfera", i.e. muzik yang dicipta oleh bintang dan planet. Mereka juga mengembangkan doktrin jiwa, iaitu harmoni, atau lebih tepatnya konsonan, berdasarkan nisbah digital.

Doktrin golongan sofis, yang menyumbang kepada kelahiran estetika, muncul pada abad ke-5. BC. Akhirnya dirumuskan oleh Socrates dan diterangkan oleh murid-muridnya, ia adalah bersifat antropologi.

Berdasarkan keyakinan bahawa ilmu itu mulia, dia memahami keindahan sebagai keindahan makna, kesedaran, akal. Prasyarat yang paling penting untuk keindahan objek adalah kesesuaian dan justifikasi berfungsi.

Dia memiliki idea bahawa yang cantik itu sendiri berbeza daripada objek cantik individu. Socrates buat pertama kalinya membezakan yang indah sebagai universal yang ideal daripada manifestasi kehidupan sebenar. Beliau mula-mula menyentuh masalah epistemologi saintifik dalam estetika dan merumuskan persoalan: apakah maksud konsep "cantik" itu sendiri.

Socrates mengemukakan peniruan sebagai prinsip kreativiti artistik ( mimesis), yang dianggap sebagai tiruan kehidupan manusia.

Estetika antropologi menimbulkan persoalan kepada falsafah, jawapan yang kita dapati dalam Plato dan Aristotle. Pengajaran estetik terperinci Plato dibentangkan dalam karya seperti kenduri,Phaedrus,Dan dia, Hippias the Greater,negeri dan lain-lain. Aspek penting estetika Platonik ialah kefahaman keindahan. Kecantikan dalam pemahamannya adalah sejenis intipati rohani yang istimewa, idea. Idea mutlak dan luar biasa tentang yang indah adalah di luar masa, ruang, di luar perubahan. Oleh kerana yang indah adalah idea (eidos), ia tidak dapat difahami dengan perasaan. Yang indah difahami melalui minda, intuisi intelek. DALAM Pira Plato bercakap tentang sejenis tangga kecantikan. Dengan bantuan tenaga eros, seseorang itu naik dari kecantikan jasmani kepada rohani, dari rohani kepada keindahan akhlak dan undang-undang, kemudian kepada keindahan pengajaran dan sains. Keindahan yang terungkap di penghujung perjalanan ini adalah keindahan mutlak yang tidak dapat diungkapkan dengan kata-kata biasa. Ia adalah di luar menjadi dan mengetahui. Memperluas hierarki kecantikan dengan cara ini, Plato membuat kesimpulan bahawa kecantikan adalah manifestasi prinsip ketuhanan dalam diri manusia. Keistimewaan yang indah di Plato terletak pada fakta bahawa ia dikeluarkan dari batas seni. Seni, dari sudut pandangannya, adalah tiruan dunia perkara yang masuk akal, dan bukan dunia sebenar idea. Oleh kerana perkara sebenar adalah salinan idea, seni, meniru dunia yang waras, adalah salinan salinan, bayangan bayang-bayang. Plato membuktikan kelemahan dan ketidaksempurnaan seni dalam perjalanan menuju keindahan.

Aristotle, walaupun terdapat kesinambungan pandangan estetik, mencipta teori estetiknya sendiri, berbeza daripada Platonisme. Dalam risalahnya Mengenai seni puisi (Puisi),Retorik,Dasar,Metafizik teks dipersembahkan dengan cara tertentu yang berkaitan dengan estetika. Di dalamnya, dia mentakrifkan kecantikan, ciri-ciri sejagat yang saiz dan susunannya. Tetapi keindahan Aristotle tidak terhad kepada ciri-ciri ini. Mereka tidak cantik dalam diri mereka, tetapi hanya berkaitan dengan persepsi manusia, apabila mereka berkadar dengan mata dan pendengaran manusia. Membahagikan aktiviti manusia kepada kajian, tindakan dan penciptaan, dia merujuk seni kepada penciptaan berdasarkan peraturan. Berbanding dengan Plato, dia meluaskan doktrin peniruan (mimesis) dengan ketara, yang dia fahami sebagai imej umum.

Katarsis(gr.

katarsis pembersihan). Ia kembali kepada Pythagoreanisme purba, yang mengesyorkan muzik untuk penyucian jiwa. Heraclitus, menurut kesaksian Stoik, bercakap tentang penyucian dengan api. Plato mengemukakan doktrin katarsis sebagai pembebasan jiwa dari badan, dari nafsu, dari kesenangan. Aristotle mengembangkan doktrin katarsis sebagai asas pengalaman estetik. Kreativiti artistik, menurut Aristotle, dengan bantuan tiruan mencapai destinasinya dalam bentuk indah yang diciptanya. Bentuk yang dicipta oleh pencipta menjadi subjek keseronokan untuk penonton yang menerima. Tenaga yang dilaburkan dalam kerja yang memenuhi semua keperluan ketukangan sebenar dan bentuk yang cantik menjana tenaga baru - aktiviti emosi jiwa yang menerima. Masalah keseronokan adalah bahagian penting dalam estetika Aristotle. Keseronokan dalam seni sepadan dengan idea yang munasabah dan mempunyai alasan yang munasabah. Keseronokan dan pembersihan emosi adalah matlamat utama seni, katarsis.

Kalokagatiya. Aristotle juga mengembangkan doktrin kalokagatia, ciri zaman dahulu (dari bahasa Yunani.

kalos cantik dan agathos baik, sempurna dari segi moral) perpaduan "baik" dari segi etika dan "cantik" dari segi estetika. Kalokagatiya difikirkan sebagai sesuatu yang utuh dan bebas. Ahli falsafah memahami "baik" sebagai manfaat kehidupan luaran (kuasa, kekayaan, kemasyhuran, kehormatan), dan "cantik" sebagai kebaikan dalaman (keadilan, keberanian, dll.). , maka tidak ada perbezaan di antara mereka. Kalokagatiya, menurut Aristotle, adalah kesatuan dalaman moral dan keindahan berdasarkan penciptaan, penggunaan dan peningkatan kekayaan material.

Entelechy(dari bahasa Yunani.

entelecheia selesai, selesai). Entelechy ialah proses mengubah jirim tanpa bentuk menjadi sesuatu yang utuh dan teratur. Segala sesuatu yang mengelilingi seseorang, menurut ahli falsafah itu, berada dalam keadaan huru-hara. Mekanisme entelechy membolehkan dalam proses aktiviti kreatif mengubah "zat kehidupan" yang tidak teratur menjadi "zat bentuk" yang teratur. Seni menjalankan proses ini melalui bentuk artistik, ketertiban dan keharmonian, mengimbangi nafsu, katarsis. Banyak idea yang diungkapkan oleh Aristotle mendapati perkembangan selanjutnya dalam teori estetika Eropah berikutnya.

Pada akhir zaman dahulu, konsep kecantikan dan seni baru dikemukakan oleh Plotinus. Neoplatonismenya dalam estetika antik lewat adalah penghubung antara zaman kuno dan Kristian. Karya-karya yang dikumpul ahli falsafah dipanggil Ennead. Estetika Plotinus dalam karyanya tidak selalu dinyatakan secara terbuka. Ia didedahkan dalam konsep falsafah umum pemikir. Bagi Plotinus, keindahan terkandung dalam persepsi visual dan pendengaran, dalam gabungan perkataan, melodi dan irama, dalam tindakan, pengetahuan, dan kebaikan manusia. Tetapi sesetengah objek cantik dalam diri mereka sendiri, sementara yang lain hanya disebabkan oleh penyertaan mereka dalam sesuatu yang lain. Kecantikan tidak timbul dalam jirim itu sendiri, tetapi terdapat beberapa jenis intipati bukan material, atau eidos (idea). Eidos ini menghubungkan bahagian yang berbeza dan membawanya kepada perpaduan, bukan luaran dan mekanikal, tetapi dalaman. Eidos adalah kriteria semua penilaian estetik.

Plotinus mengajar bahawa manusia berasal dari sumber utama semua makhluk, kebaikan mutlak, yang pertama. Dari sumber ini datang pancaran (aliran keluar) tenaga yang tidak terbatas yang pertama kepada keperibadian, yang secara beransur-ansur melemah, ketika dalam perjalanannya ia menghadapi rintangan jirim lengai gelap, ketiadaan tanpa bentuk. Lelaki individu adalah makhluk yang terputus dari tempatnya yang sepatutnya dalam yang asal. Oleh itu, dia sentiasa merasakan keinginan untuk pulang ke rumah, di mana tenaga lebih kuat. Jalan metafizik pengembara ini berfungsi dalam falsafah Plotinus sebagai penjelasan pengalaman moral dan estetik. Cinta untuk kecantikan difahami sebagai kerinduan metafizik jiwa untuk bekas rumahnya. Dia merindukan tempat tinggalnya dahulu untuk kebaikan, untuk Tuhan dan untuk kebenaran. Oleh itu, idea utama pengajaran estetik Plotinus adalah untuk memahami keindahan dari keseronokan sensual kepada bergabung dengan kesatuan primordial yang tidak dapat difahami. Kecantikan dicapai hanya hasil perjuangan roh dengan perkara berahi. Ideanya tentang pengembaraan jiwa yang gelisah meninggalkan kediamannya dan kembalinya mempunyai pengaruh yang besar pada karya Augustine, Thomas Aquinas, karya Dante, dan pada keseluruhan pemikiran falsafah dan estetik Zaman Pertengahan.

Estetika Byzantium. Pembentukan estetika Byzantine berlaku pada abad ke-4-6. Ia berdasarkan ajaran wakil patristik Timur Gregory dari Nazianzus, Athanasius dari Alexandria, Gregory dari Nyssa, Basil the Great, John Chrysostom, serta karya Pseudo-Dionysius the Areopagite Areopagitik, yang mempunyai kesan yang besar terhadap estetika zaman pertengahan kedua-dua Timur dan Barat. Keindahan transendental mutlak dalam ajaran estetik ini adalah Tuhan, yang menarik kepada dirinya sendiri, membangkitkan cinta. Pengetahuan tentang Tuhan dicapai dengan cinta. Pseudo-Dionysius menulis bahawa yang indah sebagai punca utama adalah had segala-galanya dan objek cinta. Ia juga merupakan model, kerana mengikutnya segala-galanya mendapat kepastian. Pemikir Byzantine berkongsi konsep keindahan transendental dan duniawi, mengaitkannya dengan hierarki makhluk syurgawi dan duniawi. Menurut Pseudo-Dionysius, keindahan ketuhanan mutlak berada di tempat pertama, keindahan makhluk angkasa berada di tempat kedua, dan keindahan objek dunia material berada di tempat ketiga. Sikap orang Byzantine terhadap kecantikan material, yang dirasakan secara sensual adalah ambivalen. Di satu pihak, dia dihormati sebagai hasil ciptaan ilahi, sebaliknya, dia dikutuk sebagai sumber keseronokan sensual.

Salah satu masalah utama estetika Byzantine ialah masalah imej. Ia memperoleh keperluan mendesak berkaitan dengan pertikaian ikonoklastik (kurun ke-8-9). Para ikonoklas percaya bahawa imej mesti selaras dengan prototaip, i.e. menjadi replika yang sempurna. Tetapi kerana prototaip itu mewakili idea prinsip ketuhanan, ia tidak boleh digambarkan dengan bantuan imej antropomorfik.

Yohanes dari Damsyik dalam khutbah Menentang mereka yang menolak ikon suci dan Fedor Studit (759826) dalam Penafian ikonoklas menegaskan perbezaan antara imej dan prototaip, dengan alasan bahawa imej archetype ketuhanan harus sama dengannya bukan "pada dasarnya", tetapi hanya "dalam nama". Ikon ialah imej penampilan kelihatan ideal (eidos dalaman) prototaip. Tafsiran hubungan antara imej dan prototaip ini adalah berdasarkan pemahaman tentang sifat bersyarat imej. Imej itu difahami sebagai kompleks struktur seni sebagai "serupa yang tidak serupa".

Cahaya. Salah satu kategori estetika Byzantine yang paling penting ialah kategori cahaya. Dalam budaya lain tidak ada kepentingan sedemikian diberikan kepada cahaya. Masalah cahaya terutamanya dibangunkan dalam kerangka estetika pertapa yang berkembang di kalangan monastikisme Byzantine. Estetika dalaman ini (dari lat.

dalaman dalaman) mempunyai orientasi etika dan mistik dan mengkhabarkan penolakan keseronokan indria, sistem latihan rohani khas yang bertujuan untuk merenungkan cahaya dan penglihatan lain. Wakil utamanya ialah Macarius dari Mesir, Nil Ancyra, John dari Tangga, Ishak dari Syria. Menurut ajaran mereka, cahaya adalah rahmat. Terdapat dua jenis cahaya: kelihatan dan rohani. Cahaya yang boleh dilihat menyumbang kepada kehidupan organik, cahaya rohani menyatukan kuasa rohani, mengubah jiwa kepada makhluk yang sebenar. Cahaya rohani tidak dapat dilihat dengan sendirinya, ia tersembunyi di bawah pelbagai imej. Ia dilihat oleh mata minda, mata minda. Cahaya dalam tradisi Byzantine muncul sebagai kategori yang lebih umum dan lebih rohani daripada kecantikan.

Warna. Satu lagi pengubahsuaian kecantikan dalam estetika Byzantine ialah warna. Budaya warna adalah hasil daripada kanonik ketat seni Byzantine. Dalam lukisan gereja, simbolisme warna yang kaya telah dibangunkan dan hierarki warna yang ketat diperhatikan. Setiap warna mempunyai makna keagamaan yang mendalam.

Estetika Byzantine sedang menyemak semula sistem kategori estetik, dengan cara yang berbeza daripada yang kuno, meletakkan penekanan dalam bidang ini. Dia kurang memberi perhatian kepada kategori seperti keharmonian, ukuran, kecantikan. Pada masa yang sama, dalam sistem idea yang tersebar luas di Byzantium, tempat yang besar diduduki oleh kategori yang luhur, serta konsep "imej" dan "simbol".

Simbolisme adalah salah satu fenomena paling ciri budaya zaman pertengahan, kedua-dua Timur dan Barat. Simbol difikirkan dalam teologi, kesusasteraan, seni. Setiap objek dianggap sebagai imej sesuatu yang sepadan dengannya dalam sfera yang lebih tinggi, menjadi simbol yang lebih tinggi ini. Pada Zaman Pertengahan, simbolisme adalah universal. Berfikir adalah mencari makna tersembunyi selama-lamanya. Menurut konsep patristik, Tuhan adalah transenden, dan Alam Semesta adalah sistem simbol dan tanda (tanda) yang menunjuk kepada Tuhan dan sfera rohani makhluk. Dalam kesedaran zaman pertengahan estetik, dunia deria digantikan oleh dunia simbolik yang ideal. Simbolisme zaman pertengahan menganggap dunia hidup sebagai sifat pemantulan, sifat ilusi. Di sinilah datangnya simbolisme keseluruhan seni Kristian.

Estetika tradisional Timur. India. Asas idea-idea estetik India Purba adalah tradisi mythopoetic, yang mendapati ekspresi dalam sistem kiasan Brahmanisme. Doktrin Brahman ideal universal dikembangkan dalam Upanishad, yang paling awal bermula pada abad ke-8-6. sebelum ini. AD "Mengetahui" Brahman hanya mungkin melalui pengalaman makhluk yang paling kuat (kontemplasi estetik). Renungan yang luar biasa ini nampaknya merupakan kebahagiaan tertinggi dan berkaitan secara langsung dengan keseronokan estetik. Estetika dan simbolisme Upanishad mempunyai pengaruh yang besar pada imejan dan estetika puisi epik India. Mahabharata Dan Ramayana dan pada keseluruhan perkembangan seterusnya pemikiran estetik India.

Ciri ciri pantulan estetik India zaman pertengahan ialah kurangnya minat dalam soalan tentang estetika dalam alam semula jadi dan kehidupan. Subjek refleksi hanyalah seni, terutamanya sastera dan teater. Tujuan utama sesebuah karya seni ialah emosi. Estetika berasal daripada emosi. Konsep utama semua ajaran estetik ialah konsep "bangsa" (harfiah "rasa"), menandakan emosi artistik dalam sejarah seni. Terutama doktrin kaum ini dikembangkan oleh ahli teori aliran Kashmir, antaranya yang paling terkenal ialah Anandavardhana (abad ke-9), Shankuka (abad ke-10), Bhatta Nayaka (abad ke-10) dan Abhinavagupta (abad ke-10-11). Mereka berminat dengan kekhususan emosi estetik, yang tidak boleh dikelirukan dengan perasaan biasa. Rasa, bukan perasaan khusus, adalah pengalaman yang timbul dalam subjek persepsi dan hanya boleh diakses oleh pengetahuan dalaman. Peringkat tertinggi pengalaman estetik adalah pengecapan bangsa, atau dengan kata lain, menenangkan dalam kesedarannya, iaitu, keseronokan estetik.

China.Perkembangan pemikiran estetika tradisional di China secara langsung dipengaruhi oleh dua arus utama falsafah Cina: Konfusianisme dan Taoisme. Ajaran estetik Confucius (552/551479 SM) dan pengikutnya berkembang dalam kerangka teori sosio-politik mereka. Tempat pusat di dalamnya diduduki oleh konsep "kemanusiaan" dan "ritual", yang terkandung dalam tingkah laku "orang mulia". Tujuan kategori moral ini adalah untuk mengekalkan asas etika dalam masyarakat dan mengatur susunan dunia yang harmoni. Kepentingan besar dilampirkan kepada seni, yang dilihat sebagai cara kesempurnaan moral dan pendidikan keharmonian semangat. Confucianisme menundukkan keperluan estetik kepada keperluan etika. Yang sangat "cantik" dalam Confucius adalah sinonim untuk "baik", dan cita-cita estetik dilihat sebagai kesatuan yang indah, yang baik dan yang berguna. Dari sini muncul permulaan didaktik yang kuat dalam estetika tradisional China. Tradisi estetik ini mempertahankan keaslian dan warna-warni seni. Dia menganggap kreativiti sebagai kemuncak kemahiran profesional, dan artis sebagai pencipta seni.

Satu lagi baris berkaitan dengan ajaran Tao. Lao Tzu (abad ke-6 SM) dan Chuang Tzu (abad ke-43 SM) dianggap sebagai pengasasnya. Jika Confucians memberi perhatian utama dalam pengajaran mereka kepada prinsip etika, maka Taoisme memberi perhatian utama kepada prinsip estetika. Tempat utama dalam Taoisme diduduki oleh teori "Tao" - jalan, atau kebolehubahan abadi dunia. Salah satu sifat Tao, yang mempunyai makna estetik, adalah konsep "tszyran" semula jadi, spontan. Tradisi Tao menegaskan kespontanan kreativiti artistik, sifat semula jadi bentuk artistik dan kesesuaiannya dengan alam semula jadi. Oleh itu timbullah ketidakterpisahan estetika dan semula jadi dalam estetika tradisional China. Kreativiti dalam Taoisme dilihat sebagai wahyu dan kemasukan, dan artis sebagai alat untuk "penciptaan diri" seni.

Jepun. Perkembangan estetika tradisional Jepun berlaku di bawah pengaruh Zen Buddhisme. Akidah ini sangat mementingkan meditasi dan kaedah latihan psiko lain yang berfungsi untuk mencapai satori keadaan pencerahan dalaman, ketenangan fikiran dan keseimbangan. Buddhisme Zen dicirikan oleh pandangan hidup dan dunia material sebagai sesuatu yang berumur pendek, berubah dan menyedihkan. Estetika Jepun tradisional, menggabungkan pengaruh Confucian dari China dan sekolah Jepun Zen Buddhism, telah membangunkan prinsip khas yang asas kepada seni Jepun. Antaranya, yang paling penting ialah "wabi" estetika dan prinsip moral menikmati kehidupan yang tenang dan tidak tergesa-gesa, bebas daripada kebimbangan duniawi. Maksudnya mudah dan kecantikan semula jadi dan keadaan fikiran yang jelas dan kontemplatif. Upacara minum teh, seni menyusun bunga, dan seni berkebun adalah berdasarkan prinsip ini. Satu lagi prinsip estetika Jepun, "sabi", yang dikaitkan dengan kesunyian wujud seseorang dalam alam semesta yang tidak terhingga, kembali kepada Buddhisme Zen. Menurut tradisi Buddha, keadaan kesunyian manusia harus diterima dengan rendah hati dan mencari di dalamnya sumber inspirasi. Konsep "yugen" (keindahan kesedihan yang sunyi) dalam agama Buddha dikaitkan dengan kebenaran yang sangat tersembunyi yang tidak dapat difahami secara intelek. Ia difikirkan semula sebagai prinsip estetik, yang bermaksud kecantikan "dunia lain" misteri yang dipenuhi dengan misteri, kekaburan, ketenangan dan inspirasi.

Estetika Zaman Pertengahan Eropah Barat teologi yang mendalam. Semua konsep asas estetika mendapati penyelesaiannya dalam Tuhan. Dalam estetika awal Zaman Pertengahan, teori estetik yang paling holistik diwakili oleh Augustine Aurelius. Di bawah pengaruh Neoplatonisme, Augustine berkongsi idea Plotinus tentang keindahan dunia. Dunia ini indah kerana ia diciptakan oleh Tuhan, yang sendiri adalah keindahan tertinggi, dan merupakan sumber segala keindahan. Seni tidak mencipta imej sebenar keindahan ini, tetapi hanya bentuk materialnya. Oleh itu, Augustine percaya, bukan karya seni itu sendiri yang patut digemari, tetapi idea ketuhanan yang terkandung di dalamnya. Mengikuti zaman dahulu, St. Augustine memberikan definisi kecantikan, bermula dari tanda-tanda keharmonian formal. Dalam esei Tentang kota Allah dia bercakap tentang kecantikan sebagai perkadaran bahagian yang digabungkan dengan kesenangan warna. Dengan konsep kecantikan, beliau turut mengaitkan konsep perkadaran, bentuk dan susunan.

Tafsiran kecantikan zaman pertengahan yang baru adalah bahawa keharmonian, keharmonian, susunan objek tidak cantik dalam diri mereka sendiri, tetapi sebagai cerminan perpaduan seperti tuhan yang lebih tinggi. Konsep "perpaduan" adalah salah satu yang utama dalam estetika Augustine. Dia menulis bahawa bentuk semua keindahan adalah perpaduan. Semakin sempurna sesuatu, semakin banyak perpaduan yang ada. Yang indah adalah satu, kerana menjadi itu sendiri adalah satu. Konsep perpaduan estetik tidak boleh timbul daripada persepsi deria. Sebaliknya, ia sendiri menentukan persepsi kecantikan. Memulakan penilaian estetik, seseorang sudah mempunyai di lubuk jiwanya konsep perpaduan, yang kemudiannya dicari dalam sesuatu.

Doktrin kontras dan pertentangan Augustine mempunyai pengaruh yang besar pada estetika zaman pertengahan. Dalam risalah Tentang kota Allah dia menulis bahawa dunia dicipta seperti puisi yang dihiasi dengan antitesis. Perbezaan dan kepelbagaian memberikan keindahan kepada setiap perkara, dan kontras memberikan ekspresi istimewa kepada keharmonian. Agar persepsi kecantikan menjadi lengkap dan sempurna, hubungan yang betul mesti menghubungkan perenung keindahan dengan cermin mata itu sendiri. Jiwa terbuka kepada sensasi yang selaras dengannya dan menolak sensasi yang tidak sesuai untuknya. Untuk persepsi kecantikan, adalah perlu untuk bersetuju antara objek yang indah dan jiwa. Adalah perlu bahawa seseorang harus mempunyai cinta yang tidak mementingkan kecantikan.

Thomas Aquinas dalam karya utamanya Jumlah teologi sebenarnya merumuskan estetika zaman pertengahan Barat. Dia mensistematisasikan pandangan Aristotle, Neoplatonists, Augustine, Dionysius the Areopagite. Tanda ciri pertama kecantikan, Thomas Aquinas bergema selepas pendahulunya, adalah bentuk yang dirasakan oleh perasaan manusia yang tinggi (penglihatan, pendengaran). Kecantikan mempengaruhi perasaan seseorang dengan organisasinya. Dia cukup menyokong konsep sedemikian yang berkaitan dengan ciri-ciri objektif kecantikan sebagai "kejelasan", "integriti", "perkadaran", "konsistensi". Perkadaran, pada pandangannya, ialah nisbah rohani dan material, dalaman dan luaran, idea dan bentuk. Dengan kejelasan, dia memahami kedua-dua sinaran yang kelihatan, kecemerlangan sesuatu, dan sinaran rohani dalamannya. Kesempurnaan bermakna tiada kekurangan. Pandangan dunia Kristian sentiasa memasukkan konsep kebaikan dalam konsep kecantikan. Baru dalam estetika Thomas Aquinas ialah pengenalan perbezaan antara mereka. Dia melihat perbezaan ini pada hakikat bahawa kebaikan adalah objek dan matlamat aspirasi manusia yang berterusan, kecantikan adalah matlamat yang dicapai apabila akal manusia dibebaskan daripada semua aspirasi kehendak, apabila dia mula mengalami kesenangan. Ciri matlamat yang baik, dalam keindahan sudah, seolah-olah, tidak lagi menjadi matlamat, tetapi adalah bentuk tulen, diambil sendiri, tanpa minat. Pemahaman tentang keindahan oleh Thomas Aquinas sebegini membolehkan F. Losev menyimpulkan bahawa takrifan subjek estetik sebegitu adalah titik permulaan bagi keseluruhan estetika Renaissance.

Estetika Zaman Renaissance estetika individualistik. Kekhususannya terletak pada penegasan diri secara spontan seseorang yang berfikir dan bertindak secara artistik, memahami alam sekelilingnya dan persekitaran sejarah sebagai objek keseronokan dan peniruan. Doktrin estetik Zaman Renaisans dipenuhi dengan motif yang menegaskan kehidupan dan kesedihan heroik. Ia didominasi oleh kecenderungan antroposentrik. Dalam estetika Renaissance, pemahaman tentang yang indah, luhur, heroik juga dikaitkan dengan antroposentrisme. Seseorang, tubuhnya menjadi model kecantikan. Manusia dilihat sebagai manifestasi dari titanic, ketuhanan. Dia mempunyai kemungkinan pengetahuan yang tidak terhad dan menduduki kedudukan yang luar biasa di dunia. Kerja program, yang mempunyai pengaruh besar pada pemikiran artistik era, adalah risalah Pico dela Mirandola Atas maruah manusia(1487). Pengarang merumuskan konsep baru tentang personaliti manusia. Dia mengatakan bahawa seseorang itu sendiri adalah pencipta, tuan terhadap imejnya sendiri. Ini membuktikan sikap baru terhadap artis. Ini bukan lagi seorang tukang zaman pertengahan, tetapi orang yang berpendidikan menyeluruh, ungkapan konkrit cita-cita orang sejagat.

Dalam Renaissance, pandangan seni sebagai kreativiti telah ditubuhkan. Estetika kuno dan zaman pertengahan menganggap seni sebagai aplikasi kepada perkara bentuk siap sedia yang sudah ada dalam jiwa artis. Dalam estetika Renaissance, idea dilahirkan bahawa artis itu sendiri mencipta, mencipta semula bentuk ini sendiri. Salah seorang yang pertama merumuskan idea ini ialah Nicholas dari Cusa (1401-1464) dalam risalahnya Tentang fikiran. Beliau menulis bahawa seni bukan sahaja meniru alam, tetapi kreatif, mencipta bentuk semua perkara, menambah dan membetulkan alam semula jadi.

Amalan artistik yang kaya pada zaman Renaissance menimbulkan banyak risalah tentang seni. Ini adalah tulisan-tulisan Mengenai lukisan, 1435; Mengenai ukiran, 1464; Mengenai seni bina, 1452 Leona Battista Alberti; Pada Kadar Ilahi Luca Pacioli (14451514); Buku tentang lukisan Leonardo da Vinci. Di dalamnya, seni diiktiraf sebagai ekspresi fikiran penyair dan artis. Ciri penting risalah ini ialah perkembangan teori seni, masalah perspektif linear dan udara, chiaroscuro, proportionality, simetri, dan komposisi. Semua ini membantu menjadikan penglihatan artis stereoskopik, dan objek yang digambarkan olehnya, timbul dan ketara. Perkembangan intensif teori seni telah dirangsang oleh idea untuk mencipta ilusi kehidupan sebenar dalam karya seni.

Abad ke-17-18, Pencerahan. Untuk abad ke-17 penguasaan estetika falsafah berbanding praktikal adalah ciri. Dalam tempoh ini, ajaran falsafah Francis Bacon, Thomas Hobbes, Rene Descartes, John Locke, Gottfried Leibniz muncul, yang mempunyai pengaruh besar pada refleksi estetik Zaman Baru. Sistem estetik yang paling holistik diwakili oleh klasisisme, asas ideologinya adalah rasionalisme Descartes, yang berpendapat bahawa asas pengetahuan adalah minda. Klasikisme adalah, pertama sekali, penguasaan akal. Salah satu ciri ciri estetika klasikisme boleh dipanggil penubuhan peraturan yang ketat untuk kreativiti. Karya seni difahami bukan sebagai organisma yang wujud secara semula jadi, tetapi sebagai fenomena buatan yang dicipta oleh manusia mengikut rancangan, dengan tugas dan tujuan tertentu. Kod norma dan kanun klasikisme adalah risalah dalam ayat oleh Nicolas Boileau seni puisi(1674). Beliau percaya bahawa untuk mencapai cita-cita dalam seni, seseorang mesti menggunakan peraturan yang ketat. Peraturan ini adalah berdasarkan prinsip kuno kecantikan, keharmonian, yang agung, yang tragis. Nilai utama sesebuah karya seni ialah kejelasan idea, keluhuran idea dan bentuk yang dikalibrasi dengan tepat. Dalam risalah Boileau, teori hierarki genre yang dibangunkan oleh estetika klasikisme, peraturan "tiga kesatuan" (tempat, masa dan tindakan), orientasi ke arah tugas moral ( lihat juga PERPADUAN (TIGA): MASA, TEMPAT, TINDAKAN).

Dalam pemikiran estetik abad ke-17. arah barok menonjol, tidak diformalkan dalam sistem yang koheren. Estetika Baroque diwakili oleh nama seperti Baltasar Gracian y Marales (16011658), Emmanuele Tesauro (15921675) dan Matteo Peregrini. Dalam tulisan mereka Kecerdasan, atau Seni Minda Pantas(1642) Graciana; kaca mata Aristotle(1654) Tesauro; Risalah pada akal(1639) Peregrini) salah satu daripada konsep yang paling penting estetika barok "akal", atau "fikiran cepat". Ia dianggap sebagai daya kreatif utama. Kecerdasan barok ialah keupayaan untuk menyatukan yang tidak serupa. Asas kecerdasan adalah metafora yang menghubungkan objek atau idea yang kelihatan sangat jauh. Estetika Baroque menekankan bahawa seni bukan sains, ia tidak berdasarkan undang-undang pemikiran logik. Kepintaran adalah tanda genius, yang diberikan oleh Tuhan, dan tiada teori yang dapat membantu untuk mencarinya.

Estetika Baroque mewujudkan sistem kategori di mana konsep kecantikan diabaikan, dan bukannya harmoni, konsep ketidakharmonian dan disonansi dikemukakan. Menolak idea struktur harmoni Alam Semesta, Baroque mencerminkan pandangan dunia seorang lelaki pada permulaan Zaman Baru, yang memahami ketidakkonsistenan makhluk. Sikap ini terutama sekali diwakili oleh pemikir Perancis Blaise Pascal. Refleksi falsafah Pascal, karya sasteranya menduduki tempat penting dalam estetika abad ke-17. Dia tidak berkongsi pragmatisme dan rasionalitas masyarakat moden. Visinya tentang dunia memperoleh warna yang sangat tragis. Ia dikaitkan dengan idea "Tuhan yang tersembunyi" dan "keheningan dunia". Di antara dua manifestasi ini terletak manusia dalam kesepiannya, yang sifatnya tragis dua. Di satu pihak dia hebat dalam rasional dan perhubungan dengan Tuhan, di sisi lain dia tidak penting dalam kerapuhan fizikal dan moralnya. Idea ini dinyatakan dalam definisi terkenalnya: "manusia adalah buluh berfikir". Pascal dalam formula ini mencerminkan bukan sahaja visinya tentang dunia, tetapi menyampaikan suasana umum abad ini. Falsafahnya meresap dalam seni Baroque, yang menjurus kepada plot dramatik yang mencipta semula gambaran dunia yang huru-hara.

Estetika Inggeris abad ke-17-18 mempertahankan prinsip sensualistik, bergantung pada ajaran John Locke atas dasar pemikiran sensual. Empirisme dan sensasi Locke menyumbang kepada perkembangan idea tentang "sensasi dalaman", perasaan, keghairahan, intuisi. Idea tentang hubungan rapat asas antara seni dan moral, yang menjadi dominan dalam estetika Pencerahan, juga dibuktikan. Dia menulis tentang hubungan antara kecantikan dan kebaikan dalam karyanya Ciri-ciri orang, adab, pendapat dan masa(1711) wakil daripada apa yang dipanggil "estetika moralisasi" A.E.K. Shaftesbury. Dalam falsafah moralnya, Shaftesbury bergantung pada sensasi Locke. Beliau percaya bahawa idea-idea kebaikan dan kecantikan mempunyai asas sensual, datang dari perasaan moral yang wujud dalam diri seseorang itu sendiri.

Idea Pencerahan Inggeris mempunyai pengaruh yang besar terhadap pemikir Perancis Denis Diderot. Sama seperti pendahulunya, dia mengaitkan kecantikan dengan moral. Diderot adalah pengarang teori realisme Pencerahan, yang dibuktikan dalam risalahnya Kajian falsafah tentang asal usul dan sifat kecantikan(1751). Beliau memahami kreativiti artistik sebagai aktiviti sedar yang mempunyai matlamat yang munasabah dan berdasarkan peraturan umum seni. Diderot melihat tujuan seni dalam melembutkan dan memperbaiki akhlak, dalam pendidikan budi. Ciri ciri teori estetika Diderot ialah perpaduannya dengan kritikan seni.

Perkembangan estetika Pencerahan Jerman dikaitkan dengan nama Alexander Baumgarten, Johann Winckelmann, Gotthold Lessing, Johann Herder. Dalam karya mereka, buat pertama kalinya, estetika ditakrifkan sebagai sains, prinsip pendekatan sejarah terhadap karya seni dibentuk, perhatian diberikan kepada kajian identiti nasional budaya artistik dan cerita rakyat (I. Herder Dalam semak kritikan, 1769;Mengenai pengaruh puisi terhadap adat resam masyarakat pada zaman dahulu dan moden, 1778;Calligone, 1800), terdapat kecenderungan untuk kajian perbandingan pelbagai jenis seni (G. Lessing Laocoön, atau mengenai Had Lukisan dan Puisi, 1766;Dramaturgi Hamburg, 17671769), asas sejarah seni teori sedang dicipta (I. Winkelman Sejarah seni purba, 1764).

Estetika dalam falsafah klasik Jerman. Pencerahan Jerman mempunyai pengaruh yang besar terhadap perkembangan seterusnya pemikiran estetik di Jerman, terutamanya zaman klasiknya. Estetika klasik Jerman (akhir ke-18 - awal abad ke-19) diwakili oleh Immanuel Kant, Johann Gottlieb Fichte, Friedrich Schiller, Friedrich Wilhelm Schelling, Georg Hegel.

Pandangan estetik I. Kant digariskan dalam Kritikan terhadap keupayaan penghakiman, di mana beliau menganggap estetika sebagai sebahagian daripada falsafah. Dia mengembangkan secara terperinci masalah estetika yang paling penting: doktrin rasa, kategori estetik utama, doktrin genius, konsep seni dan hubungannya dengan alam semula jadi, klasifikasi bentuk seni. Kant menerangkan sifat pertimbangan estetik, yang berbeza daripada pertimbangan logik. Penghakiman estetik ialah penilaian rasa, yang logik mempunyai matlamat mencari kebenaran. jenis istimewa penilaian estetik rasa adalah indah. Ahli falsafah mengetengahkan beberapa perkara dalam persepsi kecantikan. Pertama, ini adalah ketidakpentingan perasaan estetik, yang berpunca daripada kekaguman murni terhadap objek. Ciri kedua yang indah ialah ia adalah objek kekaguman sejagat tanpa bantuan kategori sebab. Dia juga memperkenalkan tanggapan "kemanfaatan tanpa tujuan" ke dalam estetikanya. Pada pendapatnya, kecantikan, sebagai satu bentuk kesesuaian sesuatu objek, harus dilihat tanpa sebarang idea tentang apa-apa tujuan.

Salah seorang Kant yang pertama memberikan klasifikasi bentuk seni. Beliau membahagikan seni kepada lisan (seni kefasihan dan puisi), bergambar (arca, seni bina, lukisan) dan seni permainan sensasi (muzik).

Masalah estetika menduduki tempat penting dalam falsafah G. Hegel. Eksposisi sistematik teori estetika Hegelian terkandung dalam beliau Kuliah tentang estetika(diterbitkan pada 18351836). Estetika Hegel ialah teori seni. Beliau mentakrifkan seni sebagai satu peringkat dalam perkembangan semangat mutlak bersama dengan agama dan falsafah. Dalam seni, semangat mutlak mengenali dirinya dalam bentuk renungan; dalam agama, dalam bentuk perwakilan; dalam falsafah, konsep. Keindahan seni lebih tinggi daripada keindahan alam, kerana semangat lebih tinggi daripada alam. Hegel menyatakan bahawa sikap estetik sentiasa antropomorfik, kecantikan sentiasa manusia. Hegel mengemukakan teori seninya dalam bentuk sistem. Dia menulis tentang tiga bentuk seni: simbolik (Timur), klasik (kuno), romantis (Kristian). Dengan pelbagai bentuk seni, dia menghubungkan sistem seni yang berbeza, berbeza dalam bahan. Hegel menganggap permulaan seni sebagai seni bina, sepadan dengan peringkat simbolik dalam perkembangan kreativiti artistik. Untuk seni klasik arca adalah ciri, dan untuk lukisan romantis, muzik dan puisi.

Berdasarkan ajaran falsafah dan estetik Kant, F.W. Schelling mencipta teori estetiknya sendiri. Ia dipaparkan dalam tulisannya. Falsafah seni, ed. 1859 dan Mengenai hubungan seni halus dengan alam semula jadi, 1807. Seni, dalam pemahaman Schelling, adalah idea-idea yang, sebagai "konsep kekal" kekal dalam Tuhan. Oleh itu, permulaan segera semua seni adalah Tuhan. Schelling melihat dalam seni sebagai pancaran yang mutlak. Artis berhutang karyanya kepada idea abadi manusia, yang terkandung dalam Tuhan, yang berkaitan dengan jiwa dan membentuk satu keseluruhan dengannya. Kehadiran prinsip ketuhanan dalam diri seseorang adalah "genius" yang membolehkan individu itu menjelmakan dunia yang ideal. Beliau menegaskan idea keunggulan seni berbanding alam semula jadi. Dalam seni, dia melihat penyempurnaan semangat dunia, penyatuan semangat dan alam semula jadi, objektif dan subjektif, luaran dan dalaman, sedar dan tidak sedar, keperluan dan kebebasan. Seni baginya adalah sebahagian daripada kebenaran falsafah. Dia membangkitkan persoalan mencipta bidang estetika baru - falsafah seni dan meletakkannya di antara ketuhanan mutlak dan fikiran berfalsafah.

Schelling adalah salah seorang ahli teori utama estetika Romantikisme. Asal romantisisme dikaitkan dengan sekolah Jena, yang wakilnya adalah saudara August Schlegel dan Friedrich Schlegel, Friedrich von Hardenberg (Novalis), Wilhelm Heinrich Wackenroder (17731798), Ludwig Tieck.

Asal-usul falsafah romantisme adalah dalam idealisme subjektif Fichte, yang mengisytiharkan subjektif "I" sebagai permulaan. Berdasarkan konsep bebas, tidak terhad Fichte aktiviti kreatif, romantik menyokong autonomi artis berhubung dengan dunia luar. dunia luar mereka berubah dunia dalaman genius puitis. Dalam estetika romantisme, idea kreativiti telah dibangunkan, mengikut mana artis dalam karyanya tidak mencerminkan dunia sebagaimana adanya, tetapi menciptanya sebagaimana mestinya dalam fikirannya. Sehubungan itu, peranan artis itu sendiri meningkat. Jadi, di Novalis, penyair bertindak sebagai peramal dan ahli silap mata, menghidupkan semula alam yang tidak bernyawa. Romantikisme dicirikan oleh penafian normativiti kreativiti artistik, pembaharuan bentuk artistik. Seni romantik adalah metafora, bersekutu, samar-samar, ia tertarik kepada sintesis, ke arah interaksi genre, jenis seni, ke arah hubungan dengan falsafah dan agama.

1920 abad Dari pertengahan abad ke-19 Pemikiran estetik Eropah Barat berkembang dalam dua arah. Yang pertama berkaitan dengan falsafah positivis Auguste Comte, pengarang Kursus Falsafah Positif(18301842). Positivisme mengisytiharkan keutamaan pengetahuan saintifik konkrit berbanding falsafah, berusaha menjelaskan fenomena estetik melalui kategori dan idea yang dipinjam daripada sains semula jadi. Dalam kerangka positivisme, aliran estetik seperti estetika naturalisme dan analisis sosial terbentuk.

Arah kedua estetika berorientasikan positivis dibentangkan dalam karya Hippolyte Taine, yang menjadi salah seorang pakar pertama dalam bidang sosiologi seni. Dia mengembangkan persoalan tentang hubungan antara seni dan masyarakat, pengaruh alam sekitar, bangsa, momen pada kreativiti artistik. Seni, dalam pemahaman Taine, adalah produk keadaan sejarah tertentu, dan dia mentakrifkan karya seni sebagai produk persekitaran.

Estetika Marxis juga keluar dari sudut positivisme. Marxisme menganggap seni sebagai sebahagian daripada proses sejarah umum, asas yang mereka lihat dalam perkembangan cara pengeluaran. Menghubungkaitkan perkembangan seni dengan perkembangan ekonomi, Marx dan Engels melihatnya sebagai sesuatu yang sekunder kepada asas ekonomi. Peruntukan utama teori estetika Marxisme ialah prinsip konkrit sejarah, peranan kognitif seni, dan watak kelasnya. Manifestasi watak kelas seni adalah, seperti yang dipercayai oleh estetika Marxis, kecenderungannya. Marxisme meletakkan prinsip asas yang menemui perkembangan selanjutnya dalam estetika Soviet.

Penentangan terhadap positivisme dalam pemikiran estetika Eropah pada separuh kedua abad ke-19. Terdapat gerakan artis yang mengemukakan slogan "seni demi seni". Estetika "seni tulen" berkembang di bawah pengaruh kuat konsep falsafah Arthur Schopenhauer. Dalam kerja Dunia sebagai Wasiat dan Perwakilan (1844) beliau menggariskan elemen asas konsep budaya elitis. Pengajaran Schopenhauer adalah berdasarkan idea perenungan estetik. Dia membahagikan manusia kepada "orang genius", yang mampu renungan estetik dan kreativiti artistik, dan "orang guna", berorientasikan aktiviti utilitarian. Genius membayangkan kebolehan luar biasa untuk merenung idea. Keinginan sentiasa wujud dalam orang yang praktikal, seorang artis-genius adalah pemerhati yang tenang. Menggantikan akal dengan renungan, ahli falsafah dengan itu menggantikan konsep kehidupan rohani dengan konsep keseronokan estetik yang halus dan bertindak sebagai pelopor doktrin estetika "seni tulen".

Idea "seni demi seni" dibentuk dalam karya Edgar Allan Poe, Gustave Flaubert, Charles Baudelaire, Oscar Wilde. Meneruskan tradisi romantis, wakil estetika berpendapat bahawa seni wujud untuk kepentingannya sendiri dan memenuhi tujuannya dengan menjadi cantik.

Pada akhir abad ke-19 dalam pemikiran falsafah dan estetik Eropah, terdapat proses semakan radikal terhadap bentuk falsafah klasik. Penolakan dan penyemakan nilai estetika klasik dibuat oleh Friedrich Nietzsche. Beliau menyediakan keruntuhan konsep estetik transendental tradisional dan sebahagian besarnya mempengaruhi pembentukan falsafah dan estetika pascaklasik. Dalam estetika Nietzsche, satu teori telah dibangunkan Seni Apollonian dan Dionysian. Dalam esei Lahirnya tragedi daripada semangat muzik (1872) dia menyelesaikan antinomi Apollonian dan Dionysian sebagai dua yang bertentangan, tetapi tidak dapat dipisahkan antara satu sama lain permulaan yang mendasari setiap fenomena budaya. Seni Apollonian berusaha untuk menyelaraskan dunia, menjadikannya seimbang, jelas dan seimbang secara harmoni. Tetapi prinsip Apollonian hanya menyangkut sisi luar makhluk. Ini adalah ilusi dan penipuan diri yang berterusan. Penstrukturan huru-hara Apollonian ditentang oleh mabuk ekstasi Dionysian. Prinsip seni Dionysian bukanlah penciptaan ilusi baru, tetapi seni unsur-unsur hidup, kegembiraan spontan yang berlebihan. Kegilaan Dionysian dalam tafsiran Nietzsche ternyata menjadi cara untuk mengatasi pengasingan manusia di dunia. Melangkaui batas pengasingan individualistik adalah kreativiti sebenar. Bentuk seni yang paling benar bukanlah yang mencipta ilusi, tetapi yang membolehkan anda melihat ke dalam jurang alam semesta.

Konsep estetika dan falsafah Nietzsche menemui aplikasi yang meluas dalam teori dan amalan estetika modenisme pada akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20. Perkembangan asal idea-idea ini diperhatikan dalam estetika Rusia Zaman Perak. Pertama sekali di Vladimir Solovyov, dalam falsafahnya "perpaduan sejagat", berdasarkan kemenangan tenang kemenangan abadi prinsip terang atas kekeliruan huru-hara. dan estetika Nietzschean menarik simbolis Rusia. Mengikuti Nietzsche, mereka menganggap dunia sebagai fenomena estetik yang dicipta oleh artis theurgist.

Teori estetik abad ke-20. Masalah estetik abad ke-20 Ia dibangunkan tidak begitu banyak dalam kajian khas seperti dalam konteks sains lain: psikologi, sosiologi, semiotik, linguistik.

Antara konsep estetik yang paling berpengaruh menonjolkan estetika fenomenologi, berdasarkan falsafah Edmund Husserl. Ahli falsafah Poland Roman Ingarden (1893-1970) boleh dianggap sebagai pengasas estetika fenomenologi. Konsep utama fenomenologi ialah intentionality (dari bahasa Latin intentio aspiration, intention, direction), yang difahami sebagai pembinaan objek kognisi oleh kesedaran.

Fenomenologi menganggap karya seni sebagai fenomena renungan yang disengajakan sendiri tanpa sebarang konteks, bermula dari dirinya sendiri. Segala sesuatu yang dapat diketahui tentang sesebuah karya itu terkandung di dalamnya sendiri, ia mempunyai nilai bebasnya sendiri, kewujudan autonomi dan dibina mengikut undang-undangnya sendiri.

Nikolai Hartmann (18821950) bercakap dari kedudukan fenomenologi. Kategori utama estetika yang indah difahami dalam keadaan ekstasi dan mimpi. Sebab, sebaliknya, tidak membenarkan seseorang untuk menyertai bidang kecantikan. Oleh itu, tindakan kognitif tidak sesuai dengan perenungan estetik.

Michel Dufrenne (1910-1995) mengkritik tamadun Barat moden, mengasingkan manusia daripada alam semula jadi, intipatinya sendiri dan nilai tertinggi makhluk. Beliau berusaha untuk mengenal pasti asas asas budaya, yang akan memungkinkan untuk mewujudkan hubungan yang harmoni antara manusia dan dunia. Setelah melihat penderitaan konsep seni Heidegger sebagai "kebenaran wujud", Dufrenne mencari alasan sedemikian dalam kekayaan pengalaman estetik, ditafsirkan dari sudut ontologi fenomenologi.

Kaedah penyelidikan fenomenologi mendasari metodologi formalisme Rusia, strukturalisme Perancis dan "kritikan baru" Anglo-Amerika yang timbul sebagai penentangan terhadap positivisme. Dalam karya J.K. Tebusan ( Kritikan baru, 1941), A. Tate ( karangan reaksioner, 1936), C. Brooks dan R.P. Warren ( Memahami puisi, 1938; Memahami prosa, 1943) meletakkan prinsip asas teori neo-kritikal: kajian adalah berdasarkan teks terpencil yang wujud sebagai objek secara bebas daripada artis-pencipta. Teks ini mempunyai struktur organik dan integral yang boleh wujud sebagai organisasi khas imej, simbol, mitos. Dengan bantuan bentuk organik sedemikian, kognisi realiti dijalankan (konsep neo-kritikal "puisi sebagai pengetahuan").

Kepada bidang pemikiran estetik lain yang penting pada abad ke-20. termasuk konsep psikoanalisis Z. Freud dan G. Jung, estetika eksistensialisme (J.-P. Sartre, A. Camus, M. Heideger), estetika personalisme (S. Peguy, E. Munier, P. Ricoeur ), estetika strukturalisme dan pasca strukturalisme (K. Levi Strauss, R. Barth, J. Derrida), konsep estetik sosiologi T. Adorno dan G. Marcuse.

Pemikiran estetik moden juga berkembang seiring dengan pascamodenisme (I. Hassan, J.F. Lyotard). Estetika pascamodenisme dicirikan oleh pengabaian secara sedar terhadap sebarang peraturan dan sekatan yang dibangunkan oleh tradisi budaya terdahulu, dan, sebagai akibatnya, sikap ironis terhadap tradisi ini.

Peralatan konsep estetik mengalami perubahan yang ketara, kategori utama estetik sedang menjalani penilaian semula yang bermakna, contohnya, yang luhur digantikan dengan yang menakjubkan, yang hodoh telah menerima status sebagai kategori estetik bersama dengan yang cantik, dll. Apa yang secara tradisinya dianggap sebagai bukan estetik menjadi estetik atau ditakrifkan secara estetik. Ini juga menentukan dua baris perkembangan budaya moden: satu baris bertujuan untuk meneruskan estetika tradisional (estetika kehidupan seharian dianggap sebagai manifestasi yang melampau, oleh itu, sebagai contoh, hiperrealisme, seni pop, dll.), surealisme, seni konsep ).

Tempat istimewa dalam estetika moden diberikan kepada tradisi pelanggaran, pergi "di luar norma estetik dan artistik", i.e. kreativiti marginal atau naif, yang sering memperoleh status estetik selepas masa yang lama (sejarah budaya banyak dengan contoh kreativiti artis, pemuzik, dan penulis seperti itu).

Kepelbagaian teori dan konsep estetik sains estetik moden membuktikan perkembangan pemikiran estetik secara kualitatif, berbanding dengan zaman klasik. Penggunaan pengalaman banyak kemanusiaan dalam estetika moden membuktikan prospek besar sains ini.

Ludmila Tsarkova

KESUSASTERAAN Sejarah pemikiran estetik, tt. 15. M., 19851990
Losev A.F. Borang. Gaya. Ungkapan. M., 1995
Bransky V.P. Seni dan falsafah. Kaliningrad, 1999
Bychkov V.V. 2000 tahun budaya Kristian estetika subspesies . Tt. 12. M. SPb, 1999
Gilbert K.E., Kuhn G. Sejarah estetika. St. Petersburg, 2000
Gulyga A.V. Estetika dalam cahaya aksikologi. St. Petersburg, 2000
Croce B. Estetika sebagai sains ekspresi dan sebagai linguistik umum. M., 2000
Mankovskaya N. Estetika pascamodenisme. St. Petersburg, 2000
Adorno T. teori estetik. M., 2001
Krivtsun O.A. Estetika. M., 2001
Yakovlev E.G. Estetika. M., 2001
Borev Yu.B. Estetika. M., 2002

Perkembangan sains estetik di negara-negara Eropah Barat dan Amerika Syarikat pada separuh pertama abad kita menyatakan tempoh yang bercanggah ini dalam banyak konsep dan teorinya, terutamanya bersifat tidak realistik, untuk kebanyakannya istilah "modernisme" telah ditubuhkan.

Modenisme (dari bahasa Perancis moden - terkini, moden) adalah simbol umum untuk trend seni abad ke-20, yang dicirikan oleh penolakan kaedah tradisional perwakilan artistik dunia.

Modenisme sebagai sistem seni telah disediakan oleh dua proses perkembangannya: kemerosotan (iaitu penerbangan, penolakan kehidupan sebenar, pemujaan kecantikan sebagai satu-satunya nilai, penolakan masalah sosial) dan avant-garde (yang manifestonya menyeru untuk dipecahkan. dengan warisan masa lalu dan mencipta sesuatu yang baru, bertentangan dengan tetapan artistik tradisional).

Semua aliran utama dan arus modenisme - kubisme, ekspresionisme, futurisme, konstruktivisme, khayalan, surealisme, abstraksionisme, seni pop, hiperrealisme, dan lain-lain, sama ada menolak atau mengubah sepenuhnya keseluruhan sistem cara dan teknik artistik. Secara khusus, dalam pelbagai jenis seni, ini dinyatakan: dalam perubahan dalam imej spatial dan penolakan corak artistik dan kiasan dalam seni visual; dalam semakan organisasi melodi, berirama dan harmoni dalam muzik; dalam kemunculan "aliran kesedaran", monolog dalaman, montaj bersekutu dalam kesusasteraan, dan lain-lain. Idea-idea voluntarisme tidak rasional A. Schopenhauer dan F. Nietzsche, doktrin gerak hati oleh A. Bergson dan N. Lossky, psikoanalisis 3 mempunyai pengaruh yang besar terhadap amalan modenisme.Freud dan C. G. Jung, eksistensialisme M. Heidegger, J.-P. Sartre dan A. Camus, teori falsafah sosial Sekolah Frankfurt T. Adorno dan G. Marcuse.

Suasana emosi umum karya seniman moden boleh dinyatakan dalam frasa berikut: kekacauan kehidupan moden, perpecahannya menyumbang kepada gangguan dan kesunyian seseorang, konfliknya tidak dapat diselesaikan dan tidak ada harapan, dan keadaan di mana dia berada. diletakkan tidak dapat diatasi.

Selepas Perang Dunia Kedua, kebanyakan aliran modernis dalam seni kehilangan jawatan avant-garde mereka dahulu. Di Eropah dan Amerika selepas perang, budaya "massa" dan "elit" mula aktif menampakkan diri, dengan pelbagai aliran dan arah estetik yang sepadan dengan mereka, dan sekolah estetik yang bersifat bukan Marxis juga mengisytiharkan diri mereka. Secara umumnya, peringkat pasca perang dalam pembangunan estetika asing boleh ditakrifkan sebagai pascamoden.

Pascamodenisme ialah satu konsep yang menunjukkan tahap baru, yang terakhir setakat ini, super dalam rantaian aliran budaya yang secara semula jadi mengubah satu sama lain sepanjang sejarah. Postmodernisme sebagai paradigma budaya moden adalah hala tuju umum pembangunan budaya Eropah terbentuk pada tahun 70-an. abad ke-20

Kemunculan aliran pascamoden dalam budaya dikaitkan dengan kesedaran tentang batasan kemajuan sosial dan ketakutan masyarakat bahawa hasilnya mengancam kemusnahan masa dan ruang budaya. Pascamodenisme, seolah-olah, harus menetapkan had campur tangan manusia dalam pembangunan alam, masyarakat dan budaya. Oleh itu, postmodernisme dicirikan oleh pencarian bahasa seni universal, penumpuan dan penggabungan pelbagai gerakan artistik, lebih-lebih lagi, "anarkisme" gaya, kepelbagaian mereka yang tidak berkesudahan, eklektikisme, kolaj, alam montaj subjektif.

ciri ciri postmodernisme ialah:

Orientasi budaya pascamoden dan "massa" dan "elit" masyarakat;

Pengaruh seni yang ketara pada bidang bukan seni aktiviti manusia (pada politik, agama, sains komputer, dll.);

Gaya pluralisme;

Nukilan luas dalam ciptaan karya seni era terdahulu mereka;

Ironi terhadap tradisi seni budaya masa lalu;

Menggunakan teknik permainan semasa mencipta karya seni.

Dalam penciptaan seni pascamoden, terdapat orientasi semula secara sedar daripada kreativiti kepada kompilasi dan petikan. Bagi postmodernisme, kreativiti tidak sama dengan penciptaan. Jika sistem "artis - karya seni" berfungsi dalam budaya pra-postmodern, maka dalam pascamodenisme penekanan dialihkan kepada hubungan "karya seni - penonton", yang menunjukkan perubahan asas dalam kesedaran diri artis. Dia tidak lagi menjadi "pencipta", kerana makna karya itu dilahirkan secara langsung dalam tindakan persepsinya. Sebuah karya seni pascamoden mesti dilihat, dipamerkan, ia tidak boleh wujud tanpa penonton. Kita boleh mengatakan bahawa dalam pascamodenisme terdapat peralihan daripada "karya seni" kepada "pembinaan seni".

Postmodernisme sebagai teori mendapat justifikasi yang signifikan dalam karya J. Baudrillard "The System of Things" (1969), J. F. Lyotard "Postmodern Knowledge" (1979) dan "Dispute" (1984), P. Sloterdijk "Magic Tree" (1985). ) dan lain-lain

Dalam bahagian ini, hanya aliran estetik yang paling penting dan aliran orientasi bukan Marxis, serta masalah utama sains estetik abad ke-20, akan dianalisis.