Qual é a diferença entre um artista e um cientista? Uma pessoa talentosa é talentosa em tudo, um artista e um escritor juntos.
O anterior mostrou que arte e ciência têm algo a apresentar uma à outra, além de agradar e intrigar. É por isso que entre eles são colocadas amplas artérias de transporte, ao longo das quais há uma troca constante do que foi alcançado. Assim como um cientista alimenta os mestres da arte com informações científicas de primeira linha, ele próprio mergulha no mundo da arte, assimilando seus valores. É somente graças a esse apoio mútuo que eles podem justificar sua permanência na Terra da maneira mais elevada.
É claro que a ciência e a arte ocupam pólos opostos na cultura, estabelecem objetivos específicos e atendem a diferentes necessidades humanas. Mas justamente por serem diferentes, eles têm todos os motivos para se unirem para o apoio mútuo. Pois o que falta ao artista, ele pode aprender com a ciência, e vice-versa: o pesquisador compensa a falta de comunicação com a arte. Eles não têm motivos para viver inconsistentemente. Não é à toa que L. Tolstoi comparou a conexão entre ciência e arte à que existe entre os pulmões e o coração: se um órgão está doente, é ruim para o outro.
De fato. A ciência é capaz de se desenvolver à parte da arte, sem tocar em suas chaves vivificantes? Ela então corre o risco de ficar sem alma, sem asas. Mas mesmo a arte sem dependência da ciência será desprovida de profundidade de conteúdo, vazia. Eles estão tão intimamente relacionados que seus sucessos são praticamente comuns, e o progresso em uma área invariavelmente afeta a situação em outra. Portanto, para entender os acontecimentos que ocorreram, por exemplo, na arte, é preciso recorrer à ciência, e para desvendar as reviravoltas do pensamento científico e técnico, vale a pena olhar atentamente para o que está acontecendo nas proximidades, na arte.
Eu gostaria de desenhar as palavras de Ch. Snow. Apesar do fato de ciência e arte frequentemente se divorciarem, às vezes até em confronto, elas frequentemente convergem, e então "o choque de duas disciplinas, duas galáxias - se você não tem medo de ir tão longe! - não pode deixar de acender uma faísca criativa".
E certo. Na história da humanidade, faíscas de tais reuniões surgiam de vez em quando, aquecendo para uma verdadeira inspiração criativa. A ciência ajuda as pessoas da arte a ver o mundo com os olhos da verdade, livres de substitutos e conjecturas. Por sua vez, a arte, refletindo figurativamente o mundo, enriquece o cientista com a capacidade de olhar sua tarefa de outras alturas, cativar com a beleza da busca. Isso afirma uma união estreita, embora nem sempre claramente visível, do científico e do artístico.
Sua comunidade se inflama mais vividamente nos pontos em que os talentos do cientista e do artista convergem em uma pessoa. E se essas pessoas trazem resultados igualmente notáveis ao mundo em ambas as áreas, o sucesso também pode ser explicado pelo fato (ou principalmente pelo fato) de termos diante de nós uma combinação bem-sucedida das inclinações desses dois tipos de criatividade ao mesmo tempo.
Assim, nossa atenção foi capturada pela história do pensamento humano, demonstrando generosamente os talentos de duas dimensões: uma determina a medida da arte de uma pessoa, a outra - a profundidade de suas habilidades de pesquisa. Criar, criar, tal pessoa, sendo cientista, se ajuda pelo fato de também ser artista, e sendo artista, fortalece seu dom com as habilidades de cientista. E mesmo que esses fios de ligação não sejam tão visíveis externamente, ainda há uma troca interna de talentos, métodos de dominar o mundo, formas de abordar a realidade refletida e vivida.
Primeiro, vamos falar sobre aqueles notáveis criadores de arte que deixaram uma marca notável, embora talvez não tão brilhante, também na ciência.
Um dos primeiros nesta constelação é o grande poeta e cientista persa e tadjique do século XI Omar Khayyam. Ele começou como matemático e astrônomo, depois mergulhou em outras seções do conhecimento natural, tendo dominado muitas ciências. Ele foi considerado aluno e sucessor do brilhante explorador da natureza Ibn Sina. E só o lazer poderia se dedicar à poesia. No entanto, foi na poesia que ele provavelmente se imortalizou.
Por muito tempo, até o século 19, o mundo conheceu dois Khayyams: o poeta Omar Khayyam e o matemático Al-Qayyami. Ou eles não adivinharam, ou simplesmente não podiam acreditar que esta era uma pessoa chamada: Giyas ad-Din Abu-l-Fath Omar ibn Ibrazhm al-Khayyam an-Naysubarn. tão incomum nome longo decodificar assim. "Ghiyath ad-Din" - o título tradicional de um cientista, literalmente "ajuda da fé". Em seguida, está escrito seu próprio nome, depois o nome de seu pai e profissão (Khayyam, que significa "mestre de tenda"). Finalmente, o local de residência é indicado - Naysubarn ou Nishapur (agora uma cidade ao sul de Ashgabat).
Uma das razões pelas quais havia dois O. Khayyams, talvez, é que ele escreveu poesia na língua literária do farsi, e trabalhos científicos- em árabe "acadêmico", mas o papel principal foi desempenhado, presumivelmente, apenas por uma combinação incomum de talentos matemáticos e poéticos. Da mesma forma, ao mesmo tempo a Europa acreditava em dois M. Lomonosovs. No entanto, mais sobre isso mais tarde.
O poeta O. Khayyam deixou cerca de quatrocentos (e para ser preciso, trezentos e oitenta e dois) rubai. São quadras nas quais brilhantes aforismos filosóficos, reflexões sociais se combinam com um tema lírico profundamente pessoal.
Como cientista, ele é famoso por compilar um calendário de incrível precisão que rivaliza até mesmo com o calendário gregoriano atualmente em uso. Se no último um erro de um dia acumula mais de 3300 anos, então no calendário de O. Khayyam por 4500 anos! Infelizmente, tem outros inconvenientes e, portanto, é difícil de usar.
O. Khayyam conhecia a propriedade do chamado triângulo aritmético, descoberto na Europa apenas 16 séculos depois. Qualquer número desse triângulo acaba sendo igual à soma dos números que estão acima dele. O. Khayyam também possuía uma revisão sistemática da solução de equações até o terceiro grau inclusive, ele expressou muitas ideias geométricas que ecoavam as verdades de Euclides, etc. Em uma palavra, temos um homem de grandes talentos científicos e artísticos que coexistiram alegremente em uma pessoa.
Passemos rapidamente pela Idade Média, quando a ciência e a prática artística unido conceito geral"Sete Artes liberais". Estes incluíam: música, retórica (eloquência), pedagogia, que personificava a própria arte, bem como aritmética, geometria, astronomia e gramática, que constituíam uma seção da ciência. Muitas vezes as mesmas pessoas progrediam nelas.
E agora nos encontraremos imediatamente no século 18, onde as criações do gênio do povo alemão, W. Goethe, nos esperam.
Claro, ele é principalmente um poeta e escritor. E essa glória ofuscou sua outra glória - um grande cientista. Tão grande que, mesmo que W. Goethe não fosse tão personalidade marcante no céu da arte, ainda entraria na história da cultura como naturalista.
Deixaram 14 volumes (!) pesquisa científica. Além disso, 45 volumes de cartas, diários, ensaios, nos quais há muitas páginas de reflexões sobre temas de ciências naturais. Não é à toa que K. Timiryazev considerou W. Goethe o único exemplo na história do pensamento humano de combinar um grande poeta, pensador e um notável cientista em uma pessoa. Obviamente, K. Timiryazev apresentou critérios superestimados. Na história mundial, W. Goethe não está sozinho, mas é de fato uma personalidade marcante.
Especialmente valiosos foram seus investimentos em biologia. No século XIX, a morfologia (o estudo das formas e estrutura do corpo) tornou-se a principal seção da ciência dos vivos, sua base e mestra. W. Goethe foi um dos que se colocaram, pode-se dizer, nas origens dessa disciplina, considerado por direito seu teórico. Foi ele quem conseguiu identificar várias leis importantes na estrutura do mundo vegetal.
Em geral, W. Goethe começou a estudar ciências naturais relativamente tarde, aos trinta anos, quando era ministro do "anão" principado de Weimar, onde ficava a cidade de Jena com sua famosa universidade. Mas logo já publicou a obra "Experiência na explicação da metamorfose das plantas", na qual, talvez pela primeira vez, a ideia da unidade do reino vegetal e seu desenvolvimento a partir de um certo terreno comum. A "experiência" não é acidentalmente chamada de precursora da abordagem evolutiva das plantas.
O próprio W. Goethe expressou a principal conclusão de seu trabalho desta forma: "Diferentes partes de uma planta surgem de um órgão idêntico, que, permanecendo basicamente o mesmo, é modificado e alterado através do desenvolvimento progressivo." Assim, as folhas têm uma natureza comum, embora difiram na sua localização no caule, na forma e na função. Acontece que a flor também é uma folha, só que muito modificada. O poeta Goethe não perdeu a oportunidade de traduzir esses resultados da ciência natural em um texto poético. Assim surgiram as “Metamorfoses das Plantas”, onde encontramos magníficos versos:
Em cada flor há uma semelhança com as outras, mas também há uma diferença: é claro que no todo se esconde uma lei poderosa e maravilhosa, se esconde um enigma maravilhoso.
W. Goethe não foi compreendido nem por cientistas, nem por pessoas de arte e amigos. Suas opiniões eram ousadas demais para aqueles acostumados ao antigo dogma pré-formista. Segundo seus postulados, o embrião já contém todos os órgãos que um indivíduo adulto possui, só que eles são desprezíveis. Portanto, no embrião de um burro existem orelhas, cascos e tudo mais. No futuro, ocorre apenas um simples aumento quantitativo. Com tal abordagem, não poderia haver qualquer desenvolvimento qualitativo do organismo, especialmente a evolução do animal.
W. Goethe não foi entendido de outra maneira. Sabe-se que ele é o dono da descoberta do chamado osso intermaxilar em humanos, cuja presença os cientistas negaram unanimemente, acreditando que é isso que distingue os humanos dos animais. Comparando os crânios de ambos, W. Goethe encontrou suturas em uma pessoa, que, embora fracas, indicavam vestígios do osso pré-maxilar. Ele também estudou ossos em crânios quebrados, estudou crânios de crianças e até fetos, enfim, trabalhou como um verdadeiro naturalista. E ele provou seu ponto.
Infelizmente! O artigo de W. Goethe não foi publicado. O proeminente anatomista P. Camper, por exemplo, motivou sua recusa da seguinte maneira: "No entanto, estou um tanto ofendido com a reaproximação de nossa raça (isto é, o homem) com a raça do gado." E somente em 1820, ou seja, quase 40 anos após a data em que foi escrito, o artigo foi publicado, e então de forma escassa: sem figuras e tabelas. Apareceu na íntegra apenas em 1831. Mas nessa época, a pré-maxila humana já havia sido descrita por outros.
O poeta também tratou de outras questões das ciências naturais. Sim, ele descobriu nova forma nuvens - pente, reabastecendo com ele a variedade de espécies desse interessante fenômeno natural. O céu também o atraía com distâncias maiores: acenava com o segredo do seu azul. Eu queria desvendá-lo e W. Goethe se interessou pela doutrina da cor - cromática. Foi assim que ele definiu o problema da cor. Eu tenho pesquisado isso por cerca de vinte anos. O resultado foi sua própria teoria da questão. É apresentado em uma obra de dois volumes (mais de 1400 páginas) com um atlas de tabelas, uma descrição de experimentos, etc. Então ele não deixou esta obra até o final de sua vida, complementando-a com artigos e comentários.
As conclusões foram baseadas na ideia errônea de que o conceito óptico de I. Newton é falso, e os resultados de sua experiência de decomposição da luz branca em cores do arco-íris e sua síntese em luz branca são insustentáveis. A teoria de I. Newton, disse W. Goethe, é um velho castelo cheio de ratos e corujas, um castelo que perdeu seu significado militar e deve ser arrasado.
O que ele sugeriu em vez disso? Segundo ele, as cores não chegam ao olho na forma de raios, mas surgem no olho, são criadas por ele. Curiosamente, W. Goethe colocou sua própria teoria bem acima de suas criações artísticas. Pouco antes de sua morte, por exemplo, ele ditou ao seu secretário pessoal I. Eckerman: "Não tenho ilusões sobre o que criei como poeta. Excelentes poetas viveram sob meu comando, melhores ainda viveram antes de mim e também viverão depois de mim."
Deve-se notar que W. Goethe, de acordo com especialistas, percebeu com perspicácia uma série de ambiguidades no então conceito corpuscular dominante de I. Newton. Ele foi o primeiro a chamar a atenção, por exemplo, para o fato de ela não ser capaz de explicar muitos efeitos ópticos, e abalou a fé em sua infalibilidade.
E, no entanto, o principal não é isso. Vários cientistas então e posteriormente apoiaram as idéias de W. Goethe, não apenas na crítica, mas também na parte positiva. Para citar apenas alguns: G. Helmholtz, V. Ostwald, K. Timiryazev, A. Stoletov, V. Vernadsky, V. Heisenberg, M. Born ... concorda que todo mundo é uma autoridade, todo mundo é uma estrela de primeira grandeza.
Qual é o problema? W. Goethe lançou as bases de um novo ensino - a teoria psicofisiológica da cor. Na década de 20 do século 19, proeminentes fisiologistas, o tcheco J. Purkine (apelidado de "despertar") e o alemão I. Müller, declararam-se seguidores e alunos de W. Goethe e continuaram seu trabalho.
I. Müller, por exemplo, acredita que W. Goethe está certo, assim como I. Newton está certo. Mas eles investigaram diferentes planos de cor: o primeiro - sua psicofisiologia (o mecanismo da formação nervosa da sensação), o segundo - a física dos estímulos externos que causam uma sensação óptica de cor. Eles não se opõem, mas se complementam.
Como podemos ver, W. Goethe também não é um estranho nas ciências naturais. Eles têm muito sobrando aqui. Assim, combinou com sucesso um poeta e um cientista, o que, obviamente, se manifestou da forma mais favorável tanto em seus assuntos literários quanto científicos.
Continuando a história sobre grandes artistas, que abriu caminho na ciência, gostaria de destacar JI. Carroll, autor de obras-primas literárias de alto perfil. Além das aventuras de Alice no País das Maravilhas, sobre as quais escrevemos, ele deixou outro livro, Através do Espelho e o que Alice viu por lá, ou Alice Através do Espelho.
No entanto, poucas pessoas sabiam durante sua vida (e mesmo depois) que a pessoa que criou os magníficos contos de fadas infantis que os adultos leem para ler é um matemático que também alcançou grande sucesso na ciência. Por 26 anos ele foi professor na famosa Universidade de Oxford. Dizem que quando a Rainha Vitória, tendo chegado ao deleite de "Alice", desejou ler tudo o que foi escrito por JI. Carroll, eles colocaram na frente dela... uma pilha de tratados de geometria. Mas vamos ouvir o que os especialistas têm a dizer. O conhecido geômetra soviético I. Yaglom observa que L. Carroll tem "um extraordinário talento literário e notável sofisticação lógica". Este último lhe permitiu obter uma série de resultados matemáticos interessantes, porém, de nível inferior às suas descobertas artísticas.
Agora resta-nos informar que o verdadeiro nome deste pessoa interessante-Charles Dodgson. E Lewis Carroll é um pseudônimo. Ele inventou isso de uma maneira bastante engraçada. Primeiro ele traduziu do inglês para o latim seu primeiro nome Charles - "Carolus". Então ele traduziu o nome do meio de Lutwidge - "Ludvikus". (Observe que o nações européias ao nascer, uma criança geralmente recebe vários nomes - em homenagem a parentes, amigos, conhecidos. Por exemplo, Hegel tem três nomes: Georg, Friedrich, Wilhelm.) Então, acabou sendo "Carolus Ludvikus". Reorganizando estes nomes latinos lugares e traduzindo-os novamente para o inglês, Lewis Carroll conseguiu seu pseudônimo. Logo eclipsou seu verdadeiro nome, o nome de um professor de geometria, obrigado a dar palestras áridas e fazer melancolia com exercícios práticos. Dizem que alguns anos depois um de seus alunos comentou: "Pense só! Naquela época ele estava compondo" Alice "..."
O escritor austríaco R. Musil, um clássico da literatura de língua alemã do século XX, tem uma série de excelentes obras no Peru. Especialmente famoso é seu romance satírico de três volumes "Um homem sem qualidades", que combina a apresentação figurativa tradicional com uma análise filosófica profunda. O leitor desdobra uma tela em grande escala do colapso do estado austro-húngaro como uma espécie de "modelo" da crise geral da Europa burguesa.
Mas, ao contrário de muitos de seus colegas romancistas, R. Musil era um representante do conhecimento exato. Ele recebeu uma educação técnica militar e estudou exaustivamente matemática, física e psicologia experimental. E embora aqui ele também tenha conseguido algo, no entanto, o principal sucesso recaiu sobre ele na obra literária.
Entre as pessoas que tinham um dom artístico ao lado do talento de um cientista, temos o prazer de citar o nome de um compatriota, um maravilhoso escritor I. Efremov. Ele não é apenas um engenheiro de minas qualificado, um bom geólogo, mas também um doutor em ciências biológicas e um excelente conhecedor da história. Provavelmente, essa bolsa versátil, essa combinação de geólogo, biólogo, historiador em uma pessoa permitiu que ele dissesse uma palavra bastante importante na ciência. I. Efremov é listado como o criador de uma nova disciplina - tafonomia. Esta é uma seção da geologia histórica que estuda os padrões de ocorrência dos restos de organismos antigos em camadas crosta da terrra. Aqui, era necessária uma visão biológico-histórico-geológica. Em 1952 foi agraciado com o Prêmio Estadual por seu livro "Tafonomia e a Crônica Geológica".
Além disso, I. Efremov foi o líder de várias expedições. Em uma delas, no deserto de Gobi, ele descobriu o maior "cemitério de dragões" (acúmulo de ossos de dinossauros) do mundo. Em uma palavra, estamos lidando com um naturalista notável. Essa combinação de talentos fortaleceu ainda mais, fortaleceu mutuamente suas inclinações como escritor e como cientista.
Quanto mais o tempo nos separa da vida de grandes pessoas como Platão, Péricles, Pitágoras, mais significativas e elevadas as imagens desses titãs do espírito e do pensamento aparecem diante de nós. Entre eles, sem dúvida, está o grande artista, brilhante cientista, o maior humanista de sua época, Leonardo da Vinci.
Seus contemporâneos o chamavam de "homem universal". Mesmo assim, ficou claro que tudo o que ele fez na vida espiritual e social da época era único e incomum. Este homem combinou muitos talentos e talentos incríveis. Ele não foi apenas um grande artista, um grande matemático, mecânico e engenheiro, a quem os mais diversos ramos da ciência devem suas descobertas. Foi também um astrônomo e cosmógrafo igualmente destacado, geólogo e botânico, anatomista e linguista, lexicógrafo e poeta, romancista e escritor realista, um pensador perspicaz que introduziu critérios humanísticos em tudo o que constituía o espaço de sua obra.
Seria uma tarefa desesperada tentar resumir em poucas palavras tudo o que glorificou o nome deste insuperável criador de sua época, o tornou eternamente vivo aos olhos da posteridade. Vamos destacar apenas o principal, em nossa opinião, que formou a base de sua fama mundial - a ciência e a arte. Aos olhos do artista, ciência e arte eram apenas lados diferentes de um único processo criativo. Uma ajudava a outra: a arte não poderia atingir a perfeição sem a ciência, o sopro da arte tinha que estar presente na ciência.
E hoje, a obra de Leonardo da Vinci é para nós aquele modelo ainda inatingível, onde se fundiram as qualidades de um cientista-criador e de um artista-pensador. O pensamento de um cientista, combinado com o mais alto potencial espiritual do indivíduo, deu origem a ideias brilhantes, criou inestimáveis trabalhos de arte fez descobertas inesperadas e brilhantes.
George Vasari, o primeiro historiador da arte no verdadeiro sentido da palavra, não teve medo de chamar Leonardo da Vinci de "celestial" e "divino". Hoje, passados mais de quinhentos anos, podemos com maior razão juntar as suas palavras. Pois é hoje que nos chega a realização desse significado verdadeiramente planetário, que todas as grandes personalidades personificam. Só hoje começamos a entender que tudo pessoas proeminentes, todos os grandes talentos são focos de energias superiores, nas quais força motriz evolução. São eles que criam a glória e a vitalidade de seus países. É através deles e por eles que se realizam as mudanças evolutivas na vida do planeta.
Os séculos passam, uma era substitui a outra, os coroados ocupam tronos e os abandonam ... Mas eles não ficam na memória da humanidade, mas daqueles que criam com o poder da arte, o poder de seu gênio, a grandeza de seu espírito história verdadeira. Leonardo da Vinci sem dúvida pertence a esses grandes arquitetos do planeta.
A história lista as diversas e incríveis obras de Leonardo da Vinci em todas as áreas da vida. Ele deixou registros matemáticos incríveis, explorou a natureza da aeronáutica, mergulhou em considerações médicas. Ele inventou instrumentos musicais, estudou a química das tintas, amou as maravilhas da história natural. Ele decorou as cidades com edifícios magníficos, palácios, escolas, depósitos de livros; construiu extensos quartéis para as tropas; cavou um porto, o melhor em toda a costa ocidental do mar Adriático, e construiu grandes canais; estabeleceram poderosas fortalezas; veículos de combate construídos; quadros militares pintados... Grande variedade!
Mas depois de tudo notável, Leonardo permaneceu um artista na visão do mundo, um grande artista. Não é uma vitória da criatividade?!
Responder a essa pergunta é tão difícil quanto dizer, por exemplo, como um golfinho difere de uma gazela. Mas a resposta não é sem sentido: do ponto de vista biológico, um golfinho é um parente mais próximo de uma gazela do que, digamos, um cavalo que se parece muito mais com ela. Apenas para que essa semelhança se torne óbvia, você precisa se aprofundar na essência do problema, aplicando a teoria da evolução e aprendendo a comparar características aparentemente indiretas, mas na verdade importantes. Portanto, para responder na íntegra, seria necessário um livro, talvez mais de um, mas aqui só podemos dar alguns esboços.
Em primeiro lugar, devemos levar em consideração o meio no qual a criação se torna disponível para os outros - uma espécie de "habitat". Para um artista, isso é uma tela, uma fotografia, um arquivo com uma imagem ... alguém até borda retratos fotograficamente precisos com fios. Para um cientista, principalmente um teórico, um médium não é algum tipo de dispositivo ou substância complicada, como é retratado nos desenhos animados. princípio principal ciência - a reprodutibilidade das experiências e dos resultados obtidos. Assim, o fruto da atividade de um cientista é, antes de tudo, um artigo em Jornal cientifico ou no domínio público. Além disso, quanto maior o grau de ciência (leia-se: matemática), menos oportunidade resta para dar algumas ilustrações visíveis. E se a imagem, pelo menos externamente, pode ser percebida por mais ou menos todos, então, para entender o artigo, a qualificação para um conhecimento superficial é muito maior.
Por esta razão, ao contrário de um artista, um cientista moderno não pode fornecer à sua obra alguns significados ocultos, símbolos, dos quais, em última análise, consiste uma obra de arte. Mesmo que seja difícil para os especialistas lidar com trabalhos sobre temas semelhantes, este trabalho deve ser apresentado da forma mais clara e clara possível, em termos geralmente reconhecidos.
Mas é aqui que começa a diversão - começam as semelhanças. Deixe a imagem agir principalmente sobre os sentimentos, ela, como o artigo, deve ser entendida. Não necessariamente por todos, mesmo que apenas pelo público-alvo, mesmo que esse público seja um amigo underground e meio - mas entendido. Ou seja, a “linguagem” da foto, ao final, deve estar disponível, assim como a terminologia de um artigo científico.
Para produzir o efeito adequado, a foto deve ter composição - mas isso também vale para artigos. Como organizar o material no artigo, no que prestar atenção, quais cálculos e conclusões omitir porque são compreensíveis para o público e que material incluir porque geralmente é desconhecido do público - isso deve ser enfrentado constantemente. Elegância é uma palavra que está longe de ser estranha à ciência, e muitos cientistas eminentes apontam que simplicidade, beleza e verdade geralmente andam de mãos dadas.
A última comparação refere-se, antes, à parte mais abstrata da ciência - a física teórica e a matemática. O ponto é o que menos ciência amarrado à mundo real- onde a física ultrapassa os limites dos buracos negros e sob o raio de Planck, e ainda mais cedo para a matemática - surge mais liberdade para a criatividade. A criatividade está na escolha dos axiomas e abordagens usadas para desenvolver a teoria. No entanto, deve ser consistente com as observações e resultados anteriores. E aqui quero involuntariamente fazer uma analogia não só com a arte, mas também com a pintura holandesa.
Qual é a peculiaridade da pintura de Rembrandt, o que o torna único em comparação com seus contemporâneos. O fato é que na pintura holandesa da época aspirava ao hiper-realismo - trabalhando com um pincel em um fio de cabelo, o artista reproduzia cada fiapo do tapete, todos os reflexos e refrações de uma complexa decoração dourada em um vaso de vidro ainda mais complexo ... E aí vem Rembrandt, e pinta o olho humano com três pinceladas. Representa o cabelo, riscando a camada escura com o dorso do pincel e revelando a camada anteriormente clara. Ele desenha roupas, colocando tanta tinta que consegue um relevo. Imagine as discussões que ele teve com outros artistas sobre a justificativa de sua técnica.
E me lembro de uma disputa que tive uma vez com meu amigo e colega, compatriota de Rembrandt. A disputa era sobre o que - no caso generalizado em que estávamos trabalhando na época - considerar as chamadas funções suaves. Brahm - esse é o nome de seu colega - acreditava que isso deveria ser determinado por objetos já existentes para os quais outro método já foi inventado, I - que essa definição geralmente pode ser sugada do dedo e a teoria pode ser ajustada à escolha já feita. Nós quase brigamos então. Mas, embora nossa disputa fosse sobre uma área muito abstrata da ciência, nossos argumentos não eram de natureza científica - eram exclusivamente estéticos. No final, tínhamos estilos diferentes de trabalhar com ele. Da mesma forma, é desejável que cada artista desenvolva seu próprio estilo.
Esse estilo - o estilo do artista - pode ser qualquer coisa: do hiper-realismo e imitação dos clássicos - ao dadaísmo e ao quadrado de Malevich. Mas, da mesma forma, os estilos em matemática diferem - da metamatemática, teoria da prova - e até disciplinas bastante aplicadas que estão diretamente relacionadas à velocidade e precisão dos cálculos de processos físicos em problemas de engenharia. Todo mundo escolhe abordagens e ferramentas para si mesmo, às vezes há, senão contradições irreconciliáveis, pelo menos sérios mal-entendidos entre pessoas que desenvolvem direções diferentes - assim como em estilos diferentes arte.
E nesse nível profundo, apaga-se a diferença entre o artista e o cientista, assim como se apaga a diferença entre um golfinho, uma gazela e um infusório - afinal, todos eles são, em última análise, eucariontes.
Leonardo da Vinci (1452-1519) - a maior figura, o gênio multifacetado do Renascimento, o fundador da Alta Renascença. Conhecido como artista, cientista, engenheiro, inventor.
Leonardo da Vinci nasceu em 15 de abril de 1452 na cidade de Anchiano, perto da cidade de Vinci, localizada perto de Florença. Seu pai era Piero da Vinci, um tabelião que vinha de uma família importante da cidade de Vinci. Segundo uma versão, a mãe era uma camponesa, segundo outra - a dona da taverna, conhecida como Katerina.
Por volta dos 4,5 anos, Leonardo foi levado para a casa do pai e, nos documentos da época, é chamado de filho ilegítimo de Piero.
Em 1469 ele entrou na oficina artista famoso, escultor e joalheiro Andrea del Verrocchio (1435/36–1488). Aqui Leonardo percorreu todo o caminho do aprendizado: desde esfregar tintas até trabalhar como aprendiz. Segundo relatos de contemporâneos, ele pintou a figura esquerda de um anjo na pintura "Batismo" de Verrocchio (por volta de 1476, Galeria Uffizi, Florença), que imediatamente chamou a atenção. A naturalidade do movimento, a suavidade das linhas, a suavidade do claro-escuro - distingue a figura de um anjo da escrita mais rígida de Verrocchio. Leonardo morou na casa do mestre, e depois foi admitido na Guilda de São Lucas em 1472, a guilda dos pintores.
Um dos poucos desenhos datados de Leonardo foi criado em agosto de 1473. A vista do Vale do Arno em altura foi feita com uma caneta de pinceladas rápidas, transmitindo vibrações de luz e ar, o que indica que o desenho foi feito a partir da natureza (Galeria Uffizi, Florença).
A primeira pintura atribuída a Leonardo, embora sua autoria seja contestada por alguns especialistas, é A Anunciação (c. 1472, Galeria Uffizi, Florença). Infelizmente, autor desconhecido fez correções posteriores, o que piorou significativamente a qualidade do trabalho.
"Retrato de Ginevra de Benci" (1473-1474, galeria Nacional, Washington) é permeado por um clima melancólico. Parte da foto abaixo está cortada: provavelmente, as mãos da modelo foram retratadas ali. Os contornos da figura são suavizados com a ajuda do efeito sfumato, criado antes de Leonardo, mas foi ele quem se tornou o gênio dessa técnica. Sfumato (it. sfumato - nebuloso, esfumaçado) - uma técnica desenvolvida no Renascimento na pintura e nos gráficos, que permite transmitir a suavidade da modelagem, a indefinição dos contornos dos objetos, a sensação do ambiente aéreo.
Entre 1476 e 1478 Leonardo abre sua oficina. Este período inclui "Madonna com uma flor", o chamado. Benois Madonna (cerca de 1478, Hermitage Estadual, São Petersburgo). A sorridente Madona se dirige ao menino Jesus sentado em seu colo, os movimentos das figuras são naturais e plásticos. Nesta foto, há um interesse característico na arte de Leonardo para mostrar o mundo interior.
A pintura inacabada A Adoração dos Magos (1481-1482, Galeria Uffizi, Florença) também pertence aos primeiros trabalhos. O lugar central é ocupado pelo primeiro plano grupo - Madonna and Child and Magi.
Em 1482, Leonardo partiu para Milão, a cidade mais rica da época, sob o patrocínio de Lodovico Sforza (1452-1508), que apoiou o exército, gastou grandes quantias em festividades luxuosas e na compra de obras de arte. Apresentando-se ao seu futuro patrono, Leonardo fala de si mesmo como músico, especialista militar, inventor de armas, carros de guerra, máquinas, e só então fala de si mesmo como artista. Leonardo viveu em Milão até 1498, e esse período de sua vida foi o mais frutífero.
A primeira encomenda recebida por Leonardo foi a criação de uma estátua equestre em homenagem a Francesco Sforza (1401–1466), pai de Lodovico Sforza. Trabalhando nisso por 16 anos, Leonardo criou muitos desenhos, além de um modelo de argila de oito metros. Em um esforço para superar todas as estátuas equestres existentes, Leonardo queria fazer uma escultura grandiosa em tamanho, para mostrar um cavalo empinado. Mas diante de dificuldades técnicas, Leonardo mudou a ideia e resolveu retratar um cavalo ambulante.
Em novembro de 1493, o modelo do Cavalo sem Cavaleiro foi exposto ao público, e foi esse evento que tornou Leonardo da Vinci famoso.
Foram necessárias cerca de 90 toneladas de bronze para fundir a escultura. A coleta de metais que havia começado foi interrompida e estátua equestre nunca foi escalado.
Em 1499, Milão foi capturada pelos franceses, que usaram a escultura como alvo. Depois de um tempo, desabou. O cavalo, um projeto grandioso mas nunca concluído, é uma das obras significativas da arte plástica monumental do século XVI e, segundo Vasari, “quem viu um enorme modelo de barro...
Na corte de Sforza, Leonardo também trabalhou como decorador de muitas festividades, criando cenários e mecanismos até então inéditos, e fez figurinos para figuras alegóricas.
A pintura inacabada de Leonardo "São Jerônimo" (1481, Museu do Vaticano, Roma) mostra o santo no momento do arrependimento em uma curva complexa com um leão a seus pés. A imagem foi pintada em preto e branco. Mas depois de envernizá-lo no século 19, as cores se transformaram em verde-oliva e dourado.
"Madonna in the Rocks" (1483-1484, Louvre, Paris) - pintura famosa Leonardo, pintado por ele em Milão. A imagem da Madona, do menino Jesus, do pequeno João Batista e de um anjo em uma paisagem é um novo motivo em pintura italiana naquela época. Na abertura da rocha, vê-se uma paisagem, à qual se conferem feições sublimemente ideais e onde se evidenciam as conquistas da perspetiva linear e aérea. Embora a caverna esteja mal iluminada, a imagem não é escura, rostos e figuras emergem suavemente das sombras. O mais fino claro-escuro (sfumato) cria a impressão de uma luz fraca difusa, modela rostos e mãos. Leonardo conecta as figuras não apenas com um clima comum, mas também com a unidade do espaço.
“Lady with an Armine” (1484, Museu Czartoryski, Cracóvia) é uma das primeiras obras de Leonardo como pintor de retratos da corte. A pintura retrata a amante de Lodovik Cecilia Gallerani com o emblema da família Sforza, um arminho. A complexa virada da cabeça e a delicada curvatura da mão da senhora, a pose curvada do animal - tudo fala da autoria de Leonardo. O fundo foi repintado por outro artista.
"Retrato de um músico" (1484, Pinacoteca Ambrosiana, Milão). Apenas o rosto do jovem está completo, o resto da imagem não está completo. O tipo de rosto se aproxima dos rostos dos anjos de Leonardo, só que executados com mais coragem.
Outro trabalho único foi criado por Leonardo em um dos salões do Palácio Sforza, que se chama "Burro". Nas abóbadas e paredes deste salão, pintou coroas de salgueiro, cujos ramos se entrelaçam intrincadamente, amarrados com cordas decorativas. Posteriormente, parte da camada de tinta desmoronou, mas uma parte significativa foi preservada e restaurada.
Em 1495, Leonardo começou a trabalhar em A Última Ceia (área 4,5 × 8,6 m). O afresco está localizado na parede do refeitório do mosteiro dominicano de Santa Maria delle Grazie, em Milão, a uma altura de 3 m do chão e ocupa toda a parede final da sala. Leonardo orientou a perspectiva do afresco para o observador, assim ele entrou organicamente no interior do refeitório: a redução da perspectiva das paredes laterais representadas no afresco continua o espaço real do refeitório. Treze pessoas estão sentadas em uma mesa paralela à parede. No centro está Jesus Cristo, à esquerda e à direita dele estão seus discípulos. É mostrado o momento dramático de exposição e condenação da traição, o momento em que Cristo acaba de proferir as palavras: “Um de vocês me trairá”, e diferentes reações emocionais dos apóstolos a essas palavras. A composição é construída sobre um cálculo matemático rigorosamente verificado: no centro está Cristo, representado contra o fundo da abertura central, maior da parede do fundo, o ponto de fuga da perspectiva coincide com sua cabeça. Os doze apóstolos são divididos em quatro grupos de três figuras cada. Cada um recebe uma característica vívida por meio de gestos e movimentos expressivos. A principal tarefa era mostrar Judas, separá-lo do resto dos apóstolos. Ao colocá-lo na mesma linha da mesa que todos os apóstolos, Leonardo o separou psicologicamente pela solidão.
A criação de A Última Ceia foi um evento notável na vida artística da Itália naquela época. Como um verdadeiro inovador e experimentador, Leonardo abandonou a técnica do afresco. Ele cobriu a parede com uma composição especial de resina e mástique e pintou em têmpera. Esses experimentos levaram maior tragédia: o refeitório, que foi consertado às pressas por ordem de Sforza, as pitorescas inovações de Leonardo, a planície onde ficava o refeitório - tudo isso prestou um triste serviço à preservação da Última Ceia. A tinta começou a descascar, conforme já mencionado por Vasari em 1556.
A Última Ceia foi restaurada repetidamente nos séculos 17 e 18, mas as restaurações não foram qualificadas (as camadas de tinta foram simplesmente reaplicadas).
Em meados do século 20, quando a pintura caiu em um estado deplorável, eles começaram a restauração científica: tudo foi corrigido primeiro camada de tinta, então as camadas posteriores foram removidas, a pintura a têmpera de Leonardo foi aberta. E embora a obra estivesse muito danificada, estes trabalhos de restauro permitiram dizer que esta obra-prima renascentista foi salva. Trabalhando no afresco por três anos, Leonardo criou a maior criação do Renascimento.
Após a queda do poder de Sforza em 1499, Leonardo viaja para Florença, parando em Mântua e Veneza no caminho. Em Mântua, ele cria uma cartolina com um Retrato de Isabella d "Este (1500, Louvre, Paris), feito em giz preto, carvão e pastel.
Na primavera de 1500, Leonardo chegou a Florença, onde logo recebeu a encomenda de pintar um altar no mosteiro da Anunciação. O pedido nunca foi concluído, mas uma das opções é a chamada. Burlington House Cardboard (1499, National Gallery, Londres).
Uma das encomendas significativas recebidas por Leonardo em 1502 para decorar a parede do Salão do Conselho da Signoria em Florença foi a "Batalha de Anghiari" (não preservada). Outra parede para decoração foi dada a Michelangelo Buonarroti (1475-1564), que ali pintou o quadro "A Batalha de Cascine".
Os esboços de Leonardo, agora perdidos, mostravam o panorama da batalha, no centro da qual ocorreu a batalha pelo estandarte. As caricaturas de Leonardo e Michelangelo, exibidas em 1505, foram um sucesso retumbante. Como no caso de A Última Ceia, Leonardo fez experiências com tintas, fazendo com que a camada de tinta se desintegrasse gradativamente. No entanto, desenhos preparatórios, exemplares que dão, em parte, uma ideia da dimensão desta obra. Em particular, foi preservado um desenho de Peter Paul Rubens (1577-1640), que mostra a cena central da composição (por volta de 1615, Louvre, Paris).
Pela primeira vez na história da pintura de batalha, Leonardo mostrou o drama e a fúria da batalha.
"Mona Lisa" - a obra mais famosa de Leonardo da Vinci (1503-1506, Louvre, Paris). Mona Lisa (abreviação de Madonna Lisa) foi a terceira esposa do comerciante florentino Francesco di Bartolomeo del Giocondo. Agora a imagem mudou ligeiramente: as colunas foram originalmente desenhadas à esquerda e à direita, agora cortadas. De tamanho pequeno, a imagem causa uma impressão monumental: a Mona Lisa é mostrada tendo como pano de fundo uma paisagem, onde a profundidade do espaço, a névoa do ar são transmitidas com a maior perfeição. A famosa técnica do sfumato de Leonardo é levada aqui a alturas sem precedentes: o mais fino, como se derretesse, a névoa do claro-escuro, envolvendo a figura, suaviza os contornos e as sombras. Há algo de indescritível, fascinante e atraente em um leve sorriso, na vivacidade da expressão facial, na calma imponente da pose, na imobilidade das linhas suaves das mãos.
Em 1506, Leonardo recebeu um convite para ir a Milão de Luís XII da França (1462-1515).
Tendo dado a Leonardo total liberdade de ação, pagando-lhe regularmente, os novos patronos não exigiam dele certos empregos. Leonardo gosta de pesquisa científica, às vezes voltando-se para a pintura. Em seguida, a segunda versão da Madonna in the Rocks foi escrita (1506–1508, British National Gallery, Londres).
“Santa Ana com Maria e o Menino Jesus” (1500-1510, Louvre, Paris) é um dos temas da obra de Leonardo, ao qual ele recorreu repetidamente. O último desenvolvimento deste tema permaneceu inacabado.
Em 1513, Leonardo viaja para Roma, para o Vaticano, para a corte do Papa Leão X (1513-1521), mas logo perde o favor do papa. Ele estuda as plantas Jardim Botânico, traça planos de drenagem dos Pântanos Pontine, escreve notas para um tratado sobre a estrutura da voz humana. Nessa época, ele criou o único "Autorretrato" (1514, Reale Library, Turim), preenchido com sangue, mostrando um velho de cabelos grisalhos, longa barba e olhar.
A última pintura de Leonardo também foi pintada em Roma - "São João Batista" (1515, Louvre, Paris).
Novamente, Leonardo recebe uma oferta do rei francês, desta vez de Francisco I (1494-1547), sucessor de Luís XII: mudar-se para a França, para uma propriedade perto do castelo real de Amboise.
Em 1516 ou 1517, Leonardo chega à França, onde recebe apartamentos na propriedade Cloux. Cercado pela respeitosa admiração do rei, recebe o título de "O primeiro artista, engenheiro e arquiteto do rei". Leonardo, apesar da idade e da doença, dedica-se ao desenho de canais no Vale do Loire, participa da preparação das festividades da corte.
Leonardo da Vinci morreu em 2 de maio de 1519, deixando seus desenhos e papéis para Francesco Melzi, um aprendiz que os guardou por toda a vida. Porém, após sua morte, todos os inúmeros papéis foram distribuídos ao redor do mundo, alguns se perderam, outros estão guardados em diferentes cidades, em museus ao redor do mundo.
Cientista por vocação, Leonardo ainda hoje impressiona pela amplitude e diversidade de seus interesses científicos. Sua pesquisa no campo do design de aeronaves é única. Ele estudou o vôo, o planejamento dos pássaros, a estrutura de suas asas e criou os chamados. ornitóptero, uma aeronave com asas batendo e um projeto não realizado.
Leonardo criou um paraquedas piramidal, um modelo de hélice em espiral (uma variante da hélice moderna). Observando a natureza, tornou-se um especialista no campo da botânica: foi o primeiro a descrever as leis da filotaxia (as leis que regem a disposição das folhas em um caule), heliotropismo e geotropismo (as leis da influência do sol e da gravidade nas plantas), descobriu uma maneira de determinar a idade das árvores por anéis anuais.
Ele era um especialista no campo da anatomia: foi o primeiro a descrever a válvula do ventrículo direito do coração, demonstrou a anatomia etc. Ele criou um sistema de desenhos que ainda ajuda os alunos a entender a estrutura corpo humano: mostrou um objeto em quatro vistas para examiná-lo de todos os lados, criou um sistema para representar órgãos e corpos em corte transversal.
Sua pesquisa no campo da geologia é interessante: ele deu descrições de rochas sedimentares, explicações de depósitos marinhos nas montanhas da Itália.
Como cientista óptico, ele sabia que as imagens visuais na córnea do olho são projetadas de cabeça para baixo. Ele foi provavelmente o primeiro a usar uma câmera obscura para esboçar paisagens (do latim camera - quarto, obscurus - escuro) - uma caixa fechada com um pequeno orifício em uma das paredes; raios de luz são refletidos no vidro fosco do outro lado da caixa e criam uma imagem colorida invertida, usada por paisagistas do século XVIII para reproduzir com precisão as vistas).
Nos desenhos de Leonardo está o projeto de um instrumento para medir a intensidade da luz, um fotômetro, criado apenas três séculos depois. Ele projetou canais, eclusas, represas. Entre suas ideias podem ser vistas: sapatos leves para caminhar sobre a água, uma bóia salva-vidas, luvas com membranas para nadar, um dispositivo de movimento subaquático semelhante a um traje espacial moderno, máquinas para a produção de corda, moedores e muito mais.
Comunicando-se com o matemático Luca Pacioli, que escreveu o livro "Sobre a Proporção Divina", Leonardo se interessou por essa ciência e criou ilustrações para este livro.
Leonardo também atuou como arquiteto, mas nenhum de seus projetos foi concretizado. Participou do concurso para o desenho da cúpula central da Catedral de Milão, desenhou o mausoléu para os membros da família real em estilo egípcio, projeto que propôs ao sultão turco para construir uma enorme ponte sobre o Bósforo, sob a qual os navios poderiam passar.
Um grande número de desenhos de Leonardo permaneceu, feito com giz de cera, giz de cera colorido, pastéis (atribui-se a Leonardo a invenção dos pastéis), lápis de prata e giz.
Em Milão, Leonardo começa a escrever um "Tratado de Pintura", obra que continuou ao longo de sua vida, mas nunca foi concluída. Neste guia de vários volumes, Leonardo escreveu sobre como recriar na tela o mundo, sobre linear e perspectiva aérea, proporções, anatomia, geometria, mecânica, ótica, interação de cores, reflexos.
A vida e a obra de Leonardo da Vinci deixaram uma marca colossal não só na arte, mas também na ciência e na tecnologia. Pintor, escultor, arquiteto - foi naturalista, mecânico, engenheiro, matemático, fez muitas descobertas para as gerações futuras.
Leonardo da Vinci é a maior personalidade do Renascimento.
Pela criatividade literária não teriam feito suas descobertas na ciência. Talvez seja o surto emocional atividade artística preparou e empurrou-os para um avanço criativo na ciência.
Para descobrir as leis de proporção da seção áurea tanto para a ciência quanto para a arte, os antigos cientistas gregos tinham que ser artistas em suas almas. E de fato é. Pitágoras estava interessado em proporções e proporções musicais. Além disso, a música era a base de toda a doutrina pitagórica dos números. Sabe-se que A. Einstein, no século XX. derrubando muitos estabelecidos ideias científicas, a música ajudou em seu trabalho. Tocar violino lhe dava tanto prazer quanto trabalho.
Muitas descobertas de cientistas prestaram um serviço inestimável à arte.
físico francês do século XIX Pierre Curie pesquisou a simetria dos cristais. Ele descobriu algo interessante e importante para a ciência e a arte: uma ausência parcial de simetria dá origem ao desenvolvimento de um objeto, enquanto a simetria completa estabiliza sua aparência e estado. Esse fenômeno foi chamado de dissimetria (não de simetria). A lei de Curie diz: a dissimetria cria um fenômeno.
Em meados do século XX. na ciência, também apareceu o conceito de “antissimetria”, ou seja, contra a simetria (oposta). Se o conceito geralmente aceito de "assimetria" tanto para a ciência quanto para a arte significa "simetria não exatamente exata", então a antissimetria é uma certa propriedade e sua negação, ou seja, oposição. Na vida e na arte, esses são opostos eternos: bem - mal, vida - morte, esquerda - direita, cima - baixo, etc.
“Esqueceram-se de que a ciência se desenvolveu a partir da poesia: não levaram em consideração que, com o passar do tempo, ambos podem se reencontrar perfeitamente em um nível superior para benefício mútuo.” 4. Goethe
Hoje esta profecia está se tornando realidade. Síntese do conhecimento científico e conhecimento artístico leva ao surgimento de novas ciências (sinergética, geometria fractal, etc.), forma uma nova linguagem artística arte.
O artista e geômetra holandês Maurits Escher (1898-1972) construiu suas obras decorativas com base na antissimetria. Ele, assim como Bach na música, era um matemático muito forte em gráficos. A imagem da cidade na gravura "Dia e Noite" é simétrica ao espelho, mas à esquerda é dia, à direita - noite. As imagens de pássaros brancos voando na noite formam as silhuetas de pássaros pretos correndo para o dia. É especialmente interessante observar como as figuras vão surgindo gradualmente das formas irregulares e assimétricas do fundo.
Encontre na literatura de referência os conceitos de "sinergética", "fractal", "geometria fractal". Considere como essas novas ciências se relacionam com a arte.
Lembre-se do fenômeno da música colorida, familiar a você, que se difundiu graças à obra do compositor do século XX. A. N. Scriabin.
Como você entende o significado da afirmação de A. Einstein: "O verdadeiro valor é, em essência, apenas a intuição."
nome obras literárias com nomes antissimétricos (exemplo "O Príncipe e o Mendigo"). Lembre-se dos contos populares, cujo enredo foi baseado em eventos assimétricos.
Tarefa artística e criativa
Ouça amostras de música clássica, eletrônica e popular em seu computador ativando o recurso de visualização. Escolha uma imagem que esteja em sintonia com a música: dança de círculos bizarros, voo espacial, apaziguamento, flash, etc.
Sob a influência das descobertas da radioatividade e dos raios ultravioleta na ciência, o artista russo Mikhail Fedorovich Larionov (1881-1964) fundou em 1912 um dos primeiros movimentos abstratos da Rússia - o rayonismo. Ele acreditava que era necessário retratar não os próprios objetos, mas os fluxos de energia vindos deles, apresentados na forma de raios.
O estudo dos problemas da percepção óptica motivou o pintor francês Robert Delaunay (1885-1941) no início do século XX. na ideia da formação de superfícies e planos circulares característicos, que, criando uma tempestade multicolorida, apoderaram-se dinamicamente do espaço da imagem. O ritmo abstrato das cores despertou as emoções do público. A interpenetração das cores principais do espectro e o cruzamento de superfícies curvas nas obras de Delaunay criam dinâmicas e desenvolvimento musical ritmo.
Um de seus primeiros trabalhos foi um disco colorido, em forma de alvo, mas as transições de cores de seus elementos vizinhos possuem cores adicionais, o que confere ao disco uma energia extraordinária.
O artista russo Pavel Nikolayevich Filonov (1882-1941) completou na década de 20. século 20 composição gráfica - uma das "fórmulas do Universo". Nele, ele previu o movimento de partículas subatômicas, com a ajuda das quais os físicos modernos estão tentando encontrar
fórmula do universo.
Veja as gravuras mais famosas de M. Escher "Dia e Noite", "Sol e Lua". Que estados emocionais eles transmitem? Explique por quê. Dê uma interpretação do enredo das gravuras.
Ouça um trecho poema sinfônico A. Scriabin "Prometeu". Desenhe uma pontuação de cor para esta peça.
Tarefas artísticas e criativas
> Esboçar um brasão, marca ou emblema (lápis, caneta, tinta;colagem ouaplique ;
computação gráfica ) usando tipos diferentes simetria.
> Imagine qualquer objeto ou fenômeno na forma de fluxos de energia que emanam dele, como faziam os artistas radiantes. Realize uma composição em qualquer técnica. Escolha a música associada a esta composição.
> Realizar trabalhos decorativos utilizando a antissimetria como princípio de obtenção de imagem (semelhante às gravuras de M. Escher).
