Estética da escrita da vida Na mesma medida em que Bogdanovich compartilhou a predileção de sua era literária pelo folclore nacional, ele prestou homenagem à paixão literária geral pela escrita da vida em suas novas funções estéticas de criar um ambiente material de pleno direito que serve

Filosofia. Estética

I. História da Arte e Estética Geral<…>A poética, privada da base da estética sistemático-filosófica, torna-se instável e acidental em seus próprios fundamentos. A poética, sistematicamente definida, deve ser a estética da criação artística verbal. esta definição

Estética receptiva

A imagem de uma pessoa na literatura do classicismo europeu do século XVII As novas ideias literárias do Renascimento não puderam ser traduzidas para a vida real. A decepção com os ensinamentos dos humanistas leva a mudanças muito significativas na representação do classicismo

A nova visão de mundo de uma pessoa do século XVII. em diferentes regiões da Europa encontrou expressão em formas peculiares de cultura espiritual. Em alguns países, após a crise da cultura renascentista, começa a era barroca (Itália, Flandres), em outros está se formando um novo estilo - o classicismo. No início do século XVII, o barroco já atuava como um estilo único em todos os tipos de arte, enquanto o classicismo era tardio em sua formação. O sistema de estilo do classicismo não pode ser avaliado apenas no século XVII, porque sua distribuição em formas modificadas por toda a Europa cai no século XVIII e início do século XIX. Mas a teoria do classicismo, ao contrário do barroco, foi muito desenvolvida e até saiu à frente da prática artística. Classicismo como um todo sistema de arte tem origem na França. Muitas vezes é chamada de cultura do absolutismo, porque no século XVII. na França está se desenvolvendo padrão clássico estado absolutista. Mas a arte do classicismo não pode ser reduzida ao serviço do absolutismo. O classicismo tomou forma na primeira metade do século, quando a questão do futuro da França permanecia em aberto. Houve um processo de construção estatal e nacional, em que ainda houve um equilíbrio das principais forças sociais do país - o poder real, a nobreza e a crescente burguesia. Não foi o poder real em si, mas precisamente esse equilíbrio que permitiu o surgimento da arte clássica, que glorificava não a submissão absoluta ao monarca, mas a cidadania ideológica. Esta arte exigia de todos - governantes e subordinados ações razoáveis, preocupação com o equilíbrio social, ordem e medida. Classicismo é uma arte reflexiva e construtiva. Tentou criar modelos ideais de um mundo justo e harmonioso com base em ideias razoáveis ​​sobre o bem público. Os teóricos do classicismo consideravam a educação da sociedade a principal tarefa da arte. É claro que nenhuma arte pode ser construída apenas sobre os princípios da razão, caso contrário deixaria de ser arte. O classicismo procedeu da herança renascentista e da experiência da modernidade, portanto, tanto o espírito de análise quanto a admiração pelo ideal eram igualmente característicos dele. O Classicismo vem substituir a cultura do Renascimento, quando esta própria cultura estava em estado de crise, quando o realismo renascentista renasceu na arte estetizada e sem sentido do maneirismo. Nas condições históricas do século XVII. a fé humanística na vitória do bem sobre o mal, no princípio harmonioso da natureza humana, foi perdida. A perda dessa fé levou a uma crise direta da criatividade artística, pois ela perdeu seu ideal - uma pessoa com uma rica vida espiritual e um nobre objetivo. Portanto, o elo mais importante que ligava o classicismo à arte da Alta Renascença foi o retorno ao palco moderno de um herói forte e ativo - uma pessoa decidida e enérgica, ansiosa pela felicidade e apaixonada pela vida. Mas, em contraste com o ideal renascentista, um forte critério moral existente na sociedade atuou no caminho para a felicidade do herói da Nova Era. A moralidade pública, como lei imutável da dignidade humana, deveria inspirar uma pessoa e guiar suas ações. É esse herói que aparece nas tragédias de Corneille, Racine e nas comédias de Molière. Não é por acaso que a teoria estética do classicismo é desenvolvida principalmente em dramaturgia francesa e literatura. Os tratados de escritores e poetas franceses desempenharam um papel de destaque no desenvolvimento das principais formas estilísticas do classicismo. Paralelamente à formação da teoria, surgiram as primeiras obras de arte classicistas completas. Um dos primeiros teóricos e poetas do classicismo foi Nicolas Boileau-Depreo (1636-1711). Em seu tratado poético "Poetic Art" foram pela primeira vez reunidos princípios teóricos classicismo. As normas e cânones do classicismo são apresentados nesta obra de forma viva e inteligível. O sistema poético deve estar sujeito à disciplina da razão. O desenvolvimento racional do tema vem à tona. A chamada de Boileau "Amor pensado em verso" tornou-se o grande princípio da poesia clássica. O principal requisito para um poeta é subordinar sua criatividade à disciplina da razão. A razão deve dominar o sentimento e a imaginação. Mas não só no conteúdo da obra, no sentido, mas também na sua forma. Para refletir perfeitamente o conteúdo, você precisa do método certo verificado, alta habilidade profissional, virtuosismo. A unidade de forma e conteúdo é um dos princípios básicos do classicismo. Classicismo viu o ideal estético de beleza na cultura antiga. A arte antiga foi proclamada a norma tanto para a arte renascentista quanto para a barroca. Mas a correlação desta norma com prática artística classicismo é fundamentalmente diferente. Para o Renascimento arte antiga era uma escola de excelência e um incentivo à busca criativa independente, e não um modelo canônico. Os mestres barrocos teoricamente reconheciam os cânones da antiguidade, mas em suas obras estavam longe deles. Na arte do classicismo, as normas da antiguidade adquirem o significado de uma verdade indiscutível. Seguir esses cânones nas condições da cultura da Nova Era condena a arte do classicismo à natureza "secundária" da verdade. O próprio nome - classicismo, não clássico, enfatiza essa natureza secundária. O classicismo via na cultura antiga não apenas um ideal estético, mas também ético. A arte da Grécia e Roma Antigas foi um exemplo da arte de grande sonoridade social, que pregava elevados ideais civis e morais. O núcleo interno do uso de cânones antigos na arte do classicismo era o princípio racional. Este elemento também ocupou um lugar importante no processo de criatividade no Renascimento. Mas então o racionalismo foi apresentado em oposição ao sentimento irracional da Idade Média como o principal meio de compreender as leis da natureza e da arte. No classicismo, a razão não aparece como um elemento natural atividade humana mas como objeto de adoração. O racionalismo tornou-se a base e a essência da teoria do classicismo. A razão foi proclamada o principal critério de verdade e beleza artística. A arte do classicismo separou-se fundamentalmente da esfera dos sentimentos subjetivos na percepção da beleza. O classicismo pretendia afirmar verdades morais absolutas e inabaláveis formas de arte estabelecida pela razão e expressa em regras. A criatividade deve obedecer a leis. Os clássicos derivaram essas leis com base em suas observações da arte antiga. Um dos primeiros teóricos do classicismo, o grande dramaturgo francês Pierre Corneille (1606-1684), comentando a Poética de Aristóteles e referindo-se à experiência histórica de séculos, tentou deduzir as leis formais do drama. Uma das principais era a lei das três unidades - tempo, lugar e ação. A atividade de Corneille foi uma verdadeira reforma da dramaturgia. É autor de vários tratados sobre a teoria do drama e análises críticas de seus próprios escritos. A tragédia de Corneille "O Jardim" tornou-se o orgulho nacional dos franceses. Muito rapidamente foi traduzido para muitos línguas europeias. A glória da peça e de seu autor foi extraordinária. "Sid" e agora no repertório permanente não só do francês, mas também de muitos outros teatros da Europa. Os enredos de suas peças ("Horace", "Cinna", etc.) Corneille fizeram momentos dramáticos do passado histórico, o destino das pessoas em um período de agudos conflitos políticos e sociais. Com frequência, ele usou o material da história romana, que lhe deu material abundante para reflexões políticas sobre temas contemporâneos. O principal conflito dramatúrgico das tragédias de Corneille é um choque de razão, ... e sentimentos, dever e paixão. A vitória sempre foi com a razão e o dever. O espectador deveria sair do teatro sem contradições e dúvidas. A fonte do trágico é a paixão extrema, e o espectador teve que aprender uma lição - é preciso controlar as paixões. Nas tragédias de outro famoso dramaturgo Jean Racine (1639-1699), o público viu não apenas um herói majestoso, mas uma pessoa com fraquezas e deficiências ("Andromache", "Berenik", "Ifigênia em Aulis"). As peças de Rasi-na refletiam a vida de salão de Versalhes. gregos e romanos, inevitáveis ​​pelas exigências poesia clássica, parecia ser o verdadeiro francês de seu tempo. No palco, eles se apresentaram com perucas enroladas, chapéus armados e com espadas. Os reis que Racine trouxe ao palco eram retratos idealizados de Luís XIV. O reinado do rei durou mais de 50 anos, e em história europeia esta época foi até chamada de século de Luís XIV. Sob circunstâncias favoráveis, a França atingiu tal nível de desenvolvimento econômico e mental e de poder político que se tornou a potência européia proeminente e criadora de tendências de gosto e moda para toda a Europa. O estabelecimento do absolutismo correspondia às inclinações pessoais do rei. Com fome de poder, narcisista, mimado pela bajulação dos cortesãos, Louis gostava de repetir a frase "O estado sou eu". A fim de aumentar o prestígio real, uma atenção especial foi dada à vida da corte. A etiqueta estrita distribuía o tempo real com mesquinhez pontual, e o ato mais comum de sua vida (por exemplo, vestir-se) era decorado com a maior solenidade. Luís XIV não se contentou com a admiração por si mesmo, que viu e ouviu dos cortesãos, começou a atrair escritores proeminentes, franceses e estrangeiros, dando-lhes recompensas monetárias e pensões para que glorifiquem a si mesmo e ao seu reinado. A literatura francesa gradualmente assumiu um caráter cortês. Em 1635, a Academia de Literatura foi criada em Paris. Desde aquela época, o classicismo tornou-se a tendência oficial dominante na literatura. Relativamente longe da corte estava Jean de La Fontaine (1621-1695). Ocupa um lugar peculiar na literatura do classicismo. Lafontaine não tem medo de se interessar por gêneros "inferiores", confia em Sabedoria popular, folclore que define profundamente figura nacional a criatividade dele. Sua herança criativa é multifacetada, mas deve às suas fábulas a fama de um dos maiores poetas da França. (As tradições de Lafontaine foram usadas por IA. Krylov.) Em sua moralidade instrutiva, vemos a manifestação de um dos princípios mais importantes do classicismo - a arte deve educar e convencer. O sistema figurativo do estilo clássico revelou-se improdutivo para a arte da poesia lírica, da pintura e da música. A esfera instável e mutável das emoções era estranha ao classicismo. Os princípios do novo estilo são "equilíbrio harmônico de formas e proporções ideais- eram essencialmente os princípios da arquitetura. É no campo desta arte que se situam as principais conquistas do classicismo, que determinaram a sua difusão ao longo de dois séculos de cultura europeia. Na arquitetura do classicismo, os princípios básicos do estilo encontraram sua incorporação orgânica. Arquitetura clássica desenvolvida na França, Inglaterra e Holanda. Idealmente, esse estilo é exatamente o oposto do barroco. É caracterizada por uma geometria clara de formas, linhas rígidas, volumes claros e um design de composição harmonioso. O classicismo voltou-se para as formas da arquitetura antiga, ele usou não apenas seus motivos e elementos individuais, mas também os padrões de construção. A base da linguagem arquitetônica do classicismo era a ordem em formas mais próximas da antiguidade do que do barroco. Em vez do barroco irracional espontâneo, a imagem arquitetônica do classicismo busca expressar ideias sobre lógica, ordem e medida. Mas no século XVII, a arquitetura ainda não havia chegado a uma incorporação consistente e clara dessas ideias. Na prática, ainda era visível a ligação com o sistema barroco. Especialmente este empréstimo de algumas técnicas barrocas foi visto na arquitetura da França. Os meios figurativos estritamente clássicos não conseguiram resolver os problemas de glorificação da monarquia absoluta, colocados pelos teóricos da arte oficial. Portanto, os arquitetos do classicismo muitas vezes recorreram a métodos barrocos de representatividade cerimonial. Eles decoraram as fachadas de seus edifícios no espírito do barroco, o que às vezes torna difícil para um observador inexperiente definir estritamente o estilo. Somente no século XVIII, quando o poder real assumiu a aparência de uma monarquia esclarecida e mudou sua doutrina social, o classicismo desenvolveu uma estrutura figurativa completamente independente. A França do século XVII é caracterizada pelo entrelaçamento de características renascentistas tardias, góticas e barrocas com características do classicismo. Mas a direção principal era o classicismo, todo o resto o acompanhava. No curso geral da cultura da Nova Era, houve um processo de transformação gradual de um castelo fortificado em um palácio não fortificado. Na cidade, foi incluída na estrutura geral de ruas e praças, fora da cidade foi ligada a um vasto parque. As pontes levadiças foram substituídas por outras de pedra, os fossos tornaram-se elementos do parque, as torres na entrada foram substituídas por pavilhões. Os conjuntos de jardins e parques das Tulherias, Fontainebleau, etc. forma geométrica cones e bolas. O jardineiro tornou-se arquiteto e escultor, começou a pensar em termos de categorias espaciais, a subordinar o material vivo ao design racional. A crescente necessidade de habitação mudou o desenvolvimento da cidade. No início do século, desenvolveu-se em Paris um tipo de hotel que dominou por dois séculos. São casas da nobreza com pátio e jardim. Eles combinam planos simples e convenientes com fachadas ricamente decoradas com escultura, relevo e ordem. No novo visual das casas da cidade grande importância tinham telhados, cujo desenho e forma mudaram. Na década de 30 do século XVII. o arquiteto Mansart propôs uma forma de telhado quebrado usando um sótão para habitação. Este sistema, que leva o nome do autor do sótão, espalhou-se por toda a Europa. COM início do século XVII v. a arquitetura do classicismo inglês está tomando forma. Este período coincide com a época de vigoroso desenvolvimento industrial do país e a formação do capitalismo. O iniciador e criador das primeiras composições em larga escala do classicismo foi o arquiteto Inigo Jones. Ele é dono dos projetos da famosa Banqueting House (edifícios para recepções oficiais) e da Lindsay House em Londres. Ele foi o arquiteto da Quans House (Casa da Rainha) em Greenwich. Este é um exemplo brilhante de classicismo na história da construção de moradias. Nas formas mais estritas do classicismo, foi criado um conjunto de edifícios do Palácio Real de Whitehall, um conjunto do Hospital Greenwich em Londres (arquitetos Jones, Christopher Wren e outros). O Classicismo desenvolveu novas formas em vários campos- criação de praças urbanas de vários tipos (Covent Garden Square em Londres, Place Vendôme em Paris), construção complexos palacianos (Versalhes, Whitehall), igrejas (Catedral de São Paulo em Londres - arquiteto K. Wren, Catedral dos Inválidos - arquiteto Hardouin-Mansart), edifícios públicos - prefeituras, hospitais, edifícios residenciais privados, mansões da nobreza, edifícios de empresas comerciais (o conjunto dos Inválidos - arquiteto Bruant, Trinity College Library em Cambridge", o prédio da alfândega em Londres - arquiteto K. Ren; o prédio da prefeitura em Augsburg - arquiteto Elias Holl, a prefeitura de Amsterdã - arquiteto J. van Kampen , a construção de escalas em Gouda e etc.). O Classicismo desenvolveu formas de linguagem arquitetônica que atenderam tanto aos gostos da monarquia absoluta quanto à ordem social burguesa. Versalhes, a nova residência de Luís XIV, ocupa um lugar especial na arquitetura francesa. Versalhes tornou-se um diapasão estético do estilo da época, um conjunto arquitetônico do palácio sem precedentes em grandeza e integridade Três avenidas partem da enorme praça em frente ao palácio, o eixo central * se estende por 16 quilômetros pela cidade , praça, palácio e parque. Muitos arquitetos participaram da criação do conjunto de Versalhes durante vários períodos de construção - Levo, Orbe, Mansart, Lebrun, Lenotre, Gabriel. Este conjunto incorporou consistentemente os princípios do classicismo - regularidade, simetria estrita, clareza de composição, uma clara subordinação das partes, um ritmo calmo de janelas alternadas, pilastras, colunas. Ao mesmo tempo, os exuberantes acabamentos decorativos, principalmente no interior, lembram o barroco. Os salões do palácio estão localizados em enfileirados, ricamente decorados com decoração escultural, mármore colorido, relevos de bronze dourado, afrescos, espelhos. O parque tornou-se parte importante do conjunto, indissociável de sua expressividade arquitetônica. Pode ser considerado um programa de trabalho de um novo tipo de arte - paisagismo. André Linotre (1613-1700) aperfeiçoou sua arte, que combinava elementos de arquitetura, escultura, horticultura e engenharia hidráulica na base de um conjunto. Pela primeira vez na história, paisagens organizadas por artistas se transformaram em obras de arte. O parque foi decorado com esculturas dos famosos mestres François Girandon (1628-1715) e Antoine Coisevox (1640-1720). Esta escultura tinha um caráter programático - a glorificação do reinado do grande monarca. Os escultores utilizaram os motivos barrocos de forma clássica: procuraram o isolamento de cada figura e a sua colocação simétrica. Um exemplo típico de arquitetura classicista foi a fachada leste do Louvre (às vezes chamada de "Colunata do Louvre") do arquiteto Claude Perrault (1613-1688). Com sua simplicidade racional, equilíbrio harmonioso das partes, clareza de linhas, estática calma e majestosa, a colunata Perrault correspondia ao ideal predominante da época. Em 1677, foi criada a Academia de Arquitetura, cuja principal tarefa era generalizar a experiência acumulada da arquitetura para desenvolver "leis eternas ideais da beleza" . Essas leis deveriam ser seguidas por outras construções. Classicismo foi oficialmente reconhecido como o principal estilo de arquitetura. A arte deveria expressar e glorificar visualmente a grandeza da monarquia, o poder da nação e do estado em magníficos palácios e parques, conjuntos urbanos e edifícios públicos. A Academia fez uma avaliação crítica dos princípios do barroco, reconhecendo-os como inaceitáveis ​​para a França. As proporções eram a base da beleza. Considerou-se obrigatória a divisão clara por piso por ordem e a atribuição do eixo central do edifício, que deve corresponder obrigatoriamente ao ressalto do edifício, varanda ou frontão. As alas da fachada deveriam ser cercadas por pavilhões. O ditame do classicismo oficial também se fez sentir nas artes plásticas. O criador da tendência classicista na pintura foi Nicolas Poussin (1594-1665). Esse artista francês estudou e trabalhou em Roma (dois anos passados ​​a convite de Luís XIII em Paris na corte real não foram frutíferos para o seu trabalho). Poussin combinou um excelente teórico e prático. Em seu atelier romano, onde se reuniam pintores e teóricos, o pensamento do artista encontrou terreno fértil para se difundir. Poussin não escreveu tratados científicos especiais, as reflexões do artista sobre os objetivos e possibilidades da pintura chegaram até nós em sua correspondência e transmissão por outros autores. Ele acreditava que a arte do "estilo majestoso" consiste em 4 elementos - este é o conteúdo, sua interpretação, construção e estilo. O principal é que o conteúdo e o enredo sejam majestosos e bonitos. Para isso, o artista precisa descartar tudo o que é mesquinho, para não contradizer o sentido elevado da história. O sujeito da imagem deve estar "preparado" para a ideia de beleza, o principal nessa preparação é ordem, medida e forma. Ordem e forma - Poussin fala constantemente sobre isso, Descartes, o fundador da filosofia do racionalismo, também fala sobre isso: "as coisas que percebemos com muita clareza e distinção são verdadeiras". Somente uma "preparação" razoável pode espiritualizar a matéria para que ela se torne verdadeiramente bela. A natureza na arte deve ser apresentada de forma enobrecida pela razão, desprovida do que não corresponda à opinião sobre o curso razoável das coisas, as regras de "decência" e boas maneiras. A paisagem deve incorporar o poder épico e a harmonia da natureza, é uma paisagem composta. Como expressão dessa beleza, surge o mundo da Arcádia de Poussin, habitado por celestiais, heróis, sátiros, ninfas e gente bonita ("O Reino da Flora", "Os Pastores Arcádios", "Paisagem com Polifenos"). Ele extraiu temas da mitologia, dos livros das Sagradas Escrituras e das tradições históricas. Poussin foi atraído por personagens fortes, feitos majestosos, o triunfo da razão e da justiça. Ele escolheu tramas que alimentam o pensamento, educam a virtude. Nisso ele viu o propósito social da arte. Poussin traz à tona os temas do dever público, da necessidade moral, apresentados na forma de uma trama dramática: os soldados juram lealdade a Germânico, que foi envenenado por ordem de Tibério, Erminia corta seus luxuosos cabelos para enfaixar o herói ferido e salvá-lo, o rei Salomão atua como portador da justiça moral em uma disputa entre duas mães por um filho (“A Morte de Germânico”, “Tancredo e Erminia”, “A Captura de Jerusalém”, “O Estupro das Sabinas”) . A base da pintura classicista são as leis imutáveis ​​exatas da organização artística da obra. As composições de Poussin são ordenadas, um esquema construtivo claro é visível nelas, a ação principal sempre ocorre em primeiro plano. O significado principal na linguagem artística está ligado à forma, desenho, linha. A fetichização da mente representava uma ameaça à verdadeira arte. Alcançar um equilíbrio entre cálculo e inspiração, entre racional e emocional, intuitivo é uma tarefa criativa muito difícil. Poussin foi o único pintor do século XVII, em cuja obra o conceito de classicismo foi verdadeiramente incorporado de forma produtiva. Para outros mestres, a tarefa se mostrou avassaladora. O princípio racional abstrato prevaleceu e o sistema classicista se transformou em um sistema acadêmico. Foi dominado por uma abordagem dogmática, confiança em cânones estabelecidos. A Academia Francesa de Artes foi criada em 1648 e estava sob a supervisão do primeiro ministro do rei. Na pintura, como em todas as outras formas de arte, houve um processo de estrita regulamentação e subordinação da criatividade artística às tarefas do absolutismo. A Academia foi chamada para desenvolver as regras formais da arte virtuosa. Alguns artistas da época argumentaram que apenas os cientistas podem ser conhecedores de arte. A ideia de aprimorar a pintura pela razão era muito forte. Havia até tabelas matemáticas de conquistas de cada pintor. A Academia se reunia em reuniões regulares, onde artistas proeminentes, na presença de alunos, escolhiam pinturas da coleção real do Louvre. As análises das pinturas foram baseadas na classificação. Tudo foi dividido em categorias de desenho, proporção, cor, composição. O mais alto gênero de pintura era considerado histórico, que incluía cenas da Bíblia, mitologia antiga, obras literárias famosas. Só o perfeito é digno de representação, tudo o que é baixo, como na poesia dos classicistas, foi rejeitado como um detalhe acidental e desnecessário que desvia a atenção do principal. Retrato, paisagem, natureza morta, cenas domésticas eram consideradas um "gênero pequeno". Os acadêmicos desenvolveram todo um sistema de regras baseado na correspondência de movimentos e gestos a certos Estados mentais- medo, raiva, alegria, surpresa, etc. Nos tratados clássicos, foram dadas instruções precisas sobre como transmitir certos estados emocionais e foram anexados desenhos-diagramas. Proporções corpo humano foram construídos de acordo com os cânones antigos. Com a primazia do desenho sobre a pintura, as figuras nas telas dos classicistas assemelhavam-se a esculturas antigas. Mas a antiguidade tornou-se forma natural expressões do ideal, mas adereços obrigatórios para obras de "alto estilo". A normatividade razoável e seca levou à degeneração do classicismo em academicismo. Ele baniu da arte a imaginação, a fantasia, a visão individual. O conjunto de regras que regem o processo criativo contribuiu para a regulamentação da arte, subordinando-a ao controle do absolutismo. O papel historicamente necessário do classicismo foi o desenvolvimento de um princípio consciente inerente a qualquer criatividade. Mas devido às condições históricas, essa tendência assumiu um tom muito seco e racional. A consciência da criação artística se transformou em conveniência mecânica. A ideia da primazia do pensamento se transformou em seu oposto - formalismo sem vida. As fórmulas de estilo de elenco desempenharam um papel positivo e negativo. Devemos ser capazes de ver a arte clássica em toda a riqueza e diversidade de seu conteúdo. A prática artística é sempre mais rica que a teoria e, via de regra, sobrevive à sua época. Os dramas de Corneille e Racine, as comédias de Molière e as fábulas de La Fontaine, as paisagens de Poussin e Lorrain ainda estão vivas, confirmando sua imortalidade na história da cultura mundial. Questões 1. Quais são as características comuns do estilo do classicismo? 2. Como se relacionam os ideais culturais da antiguidade, renascimento e classicismo? 3. Que papel desempenhou o princípio racional na arte do classicismo? 4. Quais princípios do classicismo foram formados na dramaturgia francesa? 5. Como os teóricos do classicismo entenderam a principal tarefa da arte? 6. Quais são as principais características do classicismo na arquitetura e na pintura.

O classicismo é uma tendência esteticamente significativa na arte que se originou no século XVII, se desenvolveu no século XVIII e pode ser rastreada no século XIX. Caracteriza-se por um apelo aos clássicos antigos como modelo normativo estrito de perfeita harmonia. ideias estéticas classicismo são formados na veia do racionalismo, que espalhou seu domínio naquela época - uma doutrina filosófica e científica, segundo a qual a razão é a mais alta capacidade humana, permitindo-lhe conhecer e até mesmo transformar o mundo, tornando-se parcialmente igual a Deus , reorganizar as sociedades. A razão, do ponto de vista do racionalismo, não é apenas a principal, mas também a única capacidade totalmente adequada da mente humana. Os sentimentos são apenas a premissa do raciocínio racional, em si mesmos obscurecendo a verdade clara; a intuição mística é valiosa por sua inclusão no sistema de argumentação racional. Tal visão não poderia deixar de afetar a relação entre as esferas da cultura, que começaram a se configurar nos mais altos círculos da sociedade nos países europeus: ciência, filosofia e matemática em particular - essas são as principais forças motrizes para o progresso do conhecimento; à arte é atribuído um papel mais modesto e secundário de prazer sentimental, entretenimento leve e edificação inteligível e impressionante; a religião tradicional, não "iluminada" pelas idéias racionais do deísmo filosófico, é a fé de um povo simples e sem instrução que é útil para o organismo social - uma espécie de estabilizador no campo dos costumes sociais.
Classicismo é baseado na teoria estética normativa. Já René Descartes, matemático e filósofo francês da primeira metade do século XVII, em suas obras originais para a época “Discurso sobre o Método”, “Compêndio de Música”, etc., defende que a arte deve estar sujeita a estrita regulamentação pela mente. Ao mesmo tempo, a linguagem das obras de arte, segundo R. Descartes, deve ser diferenciada pela racionalidade, a composição deve ser baseada em regras estritamente estabelecidas. A principal tarefa do artista é convencer, antes de tudo, pelo poder e pela lógica do pensamento. A teoria estética normativa do classicismo é caracterizada pelo racionalismo, clareza equilibrada, cálculo formal com foco na proporcionalidade, integridade, unidade, equilíbrio e completude das formas, conexão com as ideias do absolutismo político e do imperativo moral. Os princípios normativos do classicismo implicavam uma clara divisão em gêneros altos e baixos.
Esses princípios do classicismo se manifestam em todos os tipos de arte: no teatro, que aderiu às generalizações ideológicas de N. Boileau (Cornel, Racine, Molière, Lope de Vega e outros); na literatura (Lafontaine) na arquitetura, especialmente secular - palácio e parque (a imagem de Versalhes) e civil e igreja (Levo, Hardouin-Mansart, Lebrun, Le Nôtre, Jones, Ren, Quarenghi, Bazhenov, Voronikhin, Kazakov, Rossi, etc.); na pintura (Poussin, Velasquez, Vermeer, Rembrandt, Van Dyck): na escultura (Canova, Thorvaldsen, etc.) na música (Gluck, Haydn, Mozart, Beethoven antigo, etc.) Alguns dos grandes criadores de arte listados em seus ideias expressivas profundas foram além da normatividade estrita do classicismo, postulada por ele a separação de gêneros altos e baixos, mas seu trabalho ainda está unido pelos princípios de clareza expressiva, concisão e harmonia de estilo, característicos desta época.
O representante mais proeminente da teoria estética da arte da época foi Nicolas Boileau (1636 - 1711) - um poeta satírico francês, teórico do classicismo, cujas normas e regras são estabelecidas por ele no tratado poético "Poetic Art" - um tipo de instrução para um poeta novato, artista.
N. Boileau é um defensor da predominância na obra do poeta (e na arte em geral) da esfera intelectual sobre a emocional. Ele acredita que as obras de arte são dirigidas não tanto ao sentimento quanto à razão. Os sinais mais importantes de beleza - algo que é facilmente captado pela mente - é a clareza, a distinção. Tudo é incompreensível e feio ao mesmo tempo. A ideia da obra, sua concretização deve ser clara, as partes e toda a arquitetônica da obra devem ser claras e distintas. Simplicidade e clareza - este é o motivo do famoso princípio das "três unidades", estendido por N. Boileau à poesia e à dramaturgia em sua composição perfeita: unidade de lugar (a ação é geograficamente localizada, embora envolva uma mudança de cenas) , unidade de tempo (a ação deve caber em um dia, um dia), unidade de ação (as cenas sucessivas devem corresponder à ordem temporal dos eventos). Ao mesmo tempo, os personagens retratados não devem mudar ao longo da obra. Esses princípios, segundo N. Boileau, sendo manifestações diretas das leis da razão, disciplina possibilidades criativas poeta e permitir que o leitor ou espectador compreenda facilmente e, portanto, de forma satisfatória, o conteúdo que está sendo transmitido.
A plausibilidade é o conceito-chave da estética da arte de N. Boileau. Já que N. Boileau apresenta o belo como razoável e natural. A razão é a base da validade universal das normas de gosto. Assim, o belo de alguma forma obedece à verdade. Mas a verdade da vida é também uma idealização normativa, e não apenas uma reflexão correta. A beleza, segundo N. Boileau, é introduzida no mundo por algum tipo de princípio espiritual racional, e uma obra de arte, como produto da atividade racional, acaba sendo mais perfeita do que as criações da natureza. A beleza espiritual é colocada acima do físico e a arte - acima da natureza.
N. Boileau concretiza a teoria dos gêneros que se desenvolveu no classicismo quando eles são divididos em superiores e inferiores: Portanto, a tragédia deve retratar o alto e o heróico, e a comédia - o baixo e o cruel. Os heróis da comédia são pessoas simples, expressando seus pensamentos não na linguagem pomposa da retórica, mas em uma linguagem secular moderna e leve.
As novas ideias do Iluminismo foram amplamente associadas aos princípios do classicismo e representaram uma unidade orgânica com ele em muitos fenômenos culturais do século XVIII. A Era do Iluminismo em seus princípios axiomáticos é tão racionalista quanto a visão de mundo emergente do século 17. Mas, ao contrário do racionalismo inicial, o Iluminismo é um programa completo que visa não tanto dominar as forças da natureza às custas conhecimento científico suas leis (este processo, que começou no século XVII, é claro, continuou), mas na transformação de toda a cultura e de toda a sociedade com base na razão, com base no novo conhecimento científico, em muitos aspectos contradizendo o tradição espiritual, que estava enraizada nas atitudes da Idade Média. Projeto iluminista, cujos autores são pensadores franceses, ingleses e alemães (D. Diderot, Voltaire (M.F. Arue), J.-J. Rousseau, J. Locke, D. Hume, I. Herder e outros, muitos dos quais foram membros de sociedades místicas secretas de persuasão racionalista, como os Illuminati (do latim illuminatio - iluminação) - consistiam em várias áreas inter-relacionadas: a consolidação do conhecimento científico e a disseminação do conhecimento racional de um novo tipo para questões de compreensão filosófica do homem, da sociedade, da cultura, inclusive incluindo a arte; divulgação do conhecimento científico e dos valores da nova geração entre o público em geral, apelando para um público educado; aprimoramento das leis pelas quais a sociedade vive, até mudanças revolucionárias.
Nesse sentido, uma das linhas da filosofia do Iluminismo é a identificação dos limites da mente cognoscente e sua conexão com outras forças cognoscentes e ativas do homem, como o sentimento compreensivo - daí o surgimento da estética filosófica como disciplina independente, como a vontade, cujo escopo foi interpretado como uma esfera da mente prática. A relação entre naturalidade e cultura foi compreendida pelos iluministas de diferentes maneiras: às ideias dominantes do progressismo cultural e civilizacional opuseram-se a tese da naturalidade do homem, brilhantemente expressa no apelo de Jean-Jacques Rousseau: "De volta à natureza. " Outro aspecto relacionado à implementação das tarefas programáticas do Iluminismo é o surgimento do conhecimento nos horizontes da cultura mundial, o início do desenvolvimento da experiência não europeia de cultura, arte e religião e, em particular, o surgimento de o conceito de cultura artística mundial (J. Goethe).
As ideias do Iluminismo na arte foram expressas em uma série de novos fenômenos na vida artística do século XVIII. - na democracia - a emergência da arte além dos salões seculares, escritórios e palácios em salas de concerto públicas, bibliotecas, galerias, na abordagem de temas vida popular E história nacional, na rejeição da aristocracia heróica e no canto de imagens de plebeus, na mistura de gêneros altos e baixos, na popularidade do gênero cotidiano e do gênero da comédia; interessado em vida pública e progresso; no anticlericalismo e na crítica caricaturalmente irônica dos remanescentes dilapidados da Idade Média e costumes viciosos, incluindo aqueles velados pela piedade pessoal; no liberalismo - pregando a liberdade do indivíduo e ao mesmo tempo na pregação moral da simplicidade e naturalidade do homem, coordenada com o bem da sociedade; em amplos interesses enciclopédicos e atenção às culturas não européias; no realismo - exibindo uma natureza simples, contexto social e aura psicológica de imagens humanas, numa idílica aposta na naturalidade e na fidelidade ao sentimento humano, por oposição à mente que pode cometer erros.
Na literatura e no teatro, isso se refletiu na obra de Beaumarchais, Lessing, Sheridan, Goldoni, Gozzi, Schiller, Goethe, Defoe, Swift; na pintura - Hogarth, Gainsborough, Reynolds, Chardin, Grez, David, Goya, Levitsky; na escultura - Houdon, Shubin, etc.
Muitas ideias do Iluminismo foram implementadas nas formas de arte desenvolvidas pela estética do classicismo, pelo que podemos falar da real semelhança destes estilos com uma certa delimitação ideológica dos seus princípios. Alguns motivos educacionais estavam em harmonia com o estilo lúdico e refinado da corte do rococó. No quadro das ideias do Iluminismo tardio, formou-se um estilo original de sentimentalismo (especialmente na poesia e na pintura), caracterizado pelo devaneio, pela sensibilidade, pelo papel especial do sentimento transmitido na compreensão da vida e pela compaixão (simpatia) na educação moral, conformidade natural e pastoral idílica - no espírito da filosofia de J.J. Rousseau. O sentimentalismo, por um lado, e imagens simbólicas altamente expressivas de criadores de arte do final do século XVIII como F. ​​Schiller, J. Goethe, F. Goya, J.-L. David, permitem-nos falar de um palco especial do pré-romantismo, elaborado nas profundezas da estética e da vida do Iluminismo.
As ideias filosóficas da estética do Iluminismo foram claramente expressas na obra de vários dos principais pensadores do século XVIII, incluindo:
Alexander Baumgarten (1714 - 1762) - filósofo alemão, seguidor de Leibniz e Wolff, fundador da estética da filosofia clássica alemã. Em 1735
A. Baumgarten introduziu pela primeira vez o termo "estética", que designou a ciência filosófica do conhecimento sensorial, compreendendo e criando beleza e expressa nas imagens da arte. As visões estéticas de Baumgarten são expostas nas obras: "Reflexões filosóficas sobre algumas questões relativas a uma obra poética", "Estética".
Gotthold Ephraim Lessing (1729 - 1781) - filósofo alemão - educador, dramaturgo, crítico literário, teórico da arte, que defendia a convergência da literatura e da arte com a vida; por sua libertação dos grilhões da normatividade aristocrática de classe. A arte, segundo Lessing, é a imitação da natureza, interpretada amplamente como o conhecimento da vida. Comprovando a teoria da arte realista, conta com a terminologia de Aristóteles e da obra de Shakespeare para combater o classicismo. A principal obra teórica de Lessing: “Laocoonte. Nos limites da pintura e da poesia.
Johann Goethe (1749 - 1832) - poeta alemão, fundador literatura alemã Novo tempo, pensador e naturalista. Em sua juventude, Goethe foi um dos líderes do movimento Sturm und Drang. A arte, segundo Goethe, é chamada a resistir às convenções obsoletas, à moral dilapidada, a lutar contra a opressão do indivíduo. I. Goethe interpretou a arte como "imitação" da natureza. Na verdade, ele formulou a ideia de "Tipificação". Para designar qualquer força criativa, Goethe introduziu o conceito de "demoníaco". As principais obras de I. Goethe: “Uma simples imitação da natureza. Maneiras. Estilo", "A Doutrina da Luz".
Immanuel Kant (1724 - 1804) - o fundador da filosofia clássica alemã. A principal obra de I. Kant sobre os problemas da estética é "Crítica da capacidade de julgamento". Para I. Kant, o princípio estético acaba por ser uma forma fundamental a priori (que determina a constituição da consciência antes de qualquer experiência empírica) - uma forma de um julgamento de gosto desinteressado que é universal em sua aplicação. O juízo de gosto está ligado à capacidade de sentir prazer ou desprazer com base no princípio da "conveniência sem finalidade", cujos derivados são a conveniência prática da ação da vontade humana e a legalidade da atividade da vontade mente. As principais categorias da estética de Kant são conveniência (a conexão harmônica das partes e do todo), o belo e o sublime. Kant dissipou as noções racionalistas e utilitárias de beleza ao reduzir o sentido da beleza ao prazer "desinteressado" que advém da contemplação da forma estética. Ao mesmo tempo, a principal vantagem de uma obra de arte, segundo I. Kant, não é tanto seu conteúdo vital, mas uma forma perfeita, apelando para a capacidade estética experimental de uma pessoa. A essência do sublime, segundo Kant, está em violação da medida usual. O julgamento do sublime requer uma imaginação desenvolvida e alta moralidade. Para a percepção da arte é preciso gosto, para a criação - um gênio - uma personalidade única dotada de um alto grau imaginação criativa.
Georg Hegel (1770 - 1831) - um destacado representante da filosofia clássica alemã, cujas visões foram formadas sob a influência do racionalismo, característico do Iluminismo. No entanto, G. Hegel em seu sistema filosófico verdadeiramente universal superou a estrutura das ideias iluministas. Na formação de sua metodologia original, ele também foi influenciado pelos primeiros motivos românticos, perceptíveis nas concepções dos filósofos alemães do início do século XIX. I. Fichte e F. Schelling. G. Hegel tornou o método de reflexão racional mais perfeito, capaz de compreender as contradições do ser e da consciência, integrando em si modelos estritamente lógico-racionais e especificamente estéticos e até místicos do movimento do pensamento, que, segundo Hegel, se encaixam nas coordenadas mais amplas da lógica dialética, porém, transformando-se assim em modalidades da mente. G. Hegel é o criador do sistema de idealismo objetivo baseado no método da dialética.
No período inicial da criatividade, G. Hegel acreditava que o ato mais elevado da razão, abrangendo todas as ideias, é um ato estético e que a verdade e a bondade estão unidas por laços familiares apenas na beleza. Mais tarde, a estética de G. Hegel aparece como uma filosofia da arte. A arte assume um subordinado, em comparação com a filosofia como forma absoluta de autoconhecimento do espírito, um degrau na desenvolvimento histórico consciência histórica.
A novidade da estética de G. Hegel do período maduro consistia em enfatizar a conexão da arte e da beleza com a atividade humana e com o desenvolvimento do "espírito objetivo", isto é, em outras palavras, a cultura da sociedade como um todo. A beleza, segundo Hegel, é sempre humana. A categoria estética mais geral em Hegel é o belo. A estética de Hegel é inerente princípio histórico consideração do material. A tríade dialética de autodesenvolvimento da arte é formada por suas formas, mudando sucessivamente ao longo da história: simbólica (Oriente Antigo), clássica (Antiguidade) e romântica (Europa cristã). Na Estética de Hegel, as formas de arte foram consideradas em detalhes. Em todos os lugares ele tentou compreender o princípio do desenvolvimento. A principal obra, que delineia o conceito estético de G. Hegel, são as Lectures on Aesthetics.