Quem pintou os primeiros quadros? Quem pintou os ursos para Shishkin e outros segredos de pinturas famosas O fundo é como o do filme “O Senhor dos Anéis”, com uma névoa azul clara. Cabelo ondulado e nariz aristocrático Madonna - Da Vinci
Em quase todos trabalho significativo a arte é um mistério, um "fundo duplo" ou história secreta que você deseja abrir.
Música nas nádegas
Hieronymus Bosch, "Jardim prazeres terrenos", 1500-1510.
Fragmento de um tríptico
Disputas sobre os significados e significados ocultos obra mais famosa Artista holandês não diminuiu desde o seu início. Na ala direita do tríptico chamado "Inferno Musical" são retratados pecadores que são torturados no submundo com a ajuda de instrumentos musicais. Um deles tem anotações impressas nas nádegas. A estudante da Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, que estudou a pintura, traduziu a notação do século 16 para maneira moderna e gravou "uma música do inferno, que tem 500 anos".
Monalisa nua
A famosa "Gioconda" existe em duas versões: a versão nua se chama "Monna Vanna", foi escrita por artista pouco conhecido Salai, que foi aluno e babá do grande Leonardo da Vinci. Muitos críticos de arte têm certeza de que foi ele o modelo para as pinturas de Leonardo "João Batista" e "Baco". Há também versões que vestidas com vestido de mulher, Salai servia como imagem da própria Mona Lisa.
Velho pescador
Em 1902, o artista húngaro Tivadar Kostka Chontvari pintou o quadro " Velho pescador". Parece que não há nada de incomum na imagem, mas Tivadar colocou nela um subtexto que nunca foi divulgado durante a vida do artista.
Poucas pessoas pensaram em colocar um espelho no meio da imagem. Em cada pessoa pode haver tanto Deus (o ombro direito do Velho é duplicado) quanto o Diabo (o ombro esquerdo do velho é duplicado).
Havia uma baleia?
Hendrik van Antonissen "Cena na Costa".
Parecia uma paisagem comum. Barcos, pessoas na costa e no mar deserto. E apenas um estudo de raios X mostrou que as pessoas se reuniram na costa por um motivo - no original, elas examinaram a carcaça de uma baleia levada à costa.
Porém, o artista decidiu que ninguém iria querer olhar para uma baleia morta e repintou a pintura.
Dois "Cafés da Manhã na Grama"
Édouard Manet, Almoço na Relva, 1863.
Claude Monet, Café da Manhã na Grama, 1865.
Os artistas Edouard Manet e Claude Monet às vezes ficam confusos - afinal, ambos eram franceses, viveram na mesma época e trabalharam no estilo do impressionismo. Até o nome de uma das pinturas mais famosas de Manet, “Café da Manhã na Grama”, Monet pegou emprestado e escreveu seu “Café da Manhã na Grama”.
Gêmeos na Última Ceia
Leonardo da Vinci, A última Ceia", 1495-1498.
Quando Leonardo da Vinci escreveu A Última Ceia, atribuiu particular importância a duas figuras: Cristo e Judas. Ele estava procurando babás para eles há muito tempo. Finalmente, conseguiu encontrar um modelo para a imagem de Cristo entre os jovens cantores. Leonardo não conseguiu encontrar uma babá para Judas durante três anos. Mas um dia ele se deparou com um bêbado caído na sarjeta da rua. Ele era um jovem que envelheceu devido ao consumo excessivo de álcool. Leonardo o convidou para uma taverna, onde imediatamente começou a escrever Judas dele. Quando o bêbado recobrou o juízo, disse ao artista que já havia posado para ele uma vez. Há alguns anos, quando cantava no coral da igreja, Leonardo escreveu Cristo dele.
"Vigilância Noturna" ou "Vigilância Diurna"?
Rembrandt, " A Vigília Noturna", 1642.
Uma das pinturas mais famosas de Rembrandt, “O desempenho da companhia de rifles do capitão Frans Banning Cock e do tenente Willem van Ruytenbürg”, ficou pendurada em salas diferentes por cerca de duzentos anos e foi descoberta pelos historiadores da arte apenas no século XIX. Como as figuras pareciam se destacar contra um fundo escuro, foi chamada de Ronda Noturna e, com esse nome, entrou para o tesouro da arte mundial.
E só durante o restauro, realizado em 1947, descobriu-se que no hall o quadro conseguiu ficar coberto por uma camada de fuligem, que distorceu a sua cor. Depois de limpar a pintura original, foi finalmente revelado que a cena apresentada por Rembrandt realmente se passa durante o dia. A posição da sombra à esquerda do Capitão Kok mostra que a duração da ação não passa de 14 horas.
barco virado
Henri Matisse, "O Barco", 1937.
No Museu de Arte Moderna de Nova York, em 1961, foi exibida a pintura "O Barco" de Henri Matisse. Só depois de 47 dias alguém percebeu que a pintura estava pendurada de cabeça para baixo. A tela mostra 10 linhas roxas e duas velas azuis sobre fundo branco. O artista pintou duas velas por um motivo, a segunda vela é um reflexo da primeira na superfície da água.
Para não se enganar na forma como o quadro deve ser pendurado, é preciso estar atento aos detalhes. A vela maior deve ficar no topo da pintura, e o pico da vela da pintura deve ficar direcionado para o canto superior direito.
Decepção em um autorretrato
Vincent van Gogh, Auto-retrato com um cachimbo, 1889.
Há lendas de que Van Gogh supostamente cortou a própria orelha. Agora, a versão mais confiável é que a orelha de Van Gogh foi danificada em uma pequena briga com a participação de outro artista, Paul Gauguin.
O autorretrato é interessante porque reflete a realidade de forma distorcida: o artista é retratado com a orelha direita enfaixada, pois utilizou um espelho para trabalhar. Na verdade, a orelha esquerda foi danificada.
ursos alienígenas
Ivan Shishkin, "Manhã na floresta de pinheiros", 1889.
A famosa pintura não pertence apenas ao pincel de Shishkin. Muitos artistas amigos muitas vezes recorriam à "ajuda de um amigo", e Ivan Ivanovich, que pintou paisagens durante toda a vida, temia que tocar nos ursos não saísse do jeito que ele precisava. Portanto, Shishkin recorreu ao conhecido pintor de animais Konstantin Savitsky.
Savitsky pintou talvez os melhores ursos da história da pintura russa, e Tretyakov ordenou que seu nome fosse apagado da tela, pois tudo no quadro “desde a ideia até a execução, tudo fala da maneira de pintar, de método criativo característica de Shishkin.
História inocente "gótica"
Grant Madeira, gótico americano", 1930.
A obra de Grant Wood é considerada uma das mais estranhas e deprimentes da história da pintura americana. A imagem de pai e filha sombrios está repleta de detalhes que indicam a severidade, o puritanismo e o retrógrado das pessoas retratadas.
Na verdade, o artista não pretendia retratar nenhum horror: durante uma viagem a Iowa, ele notou uma pequena casa em estilo gótico e decidiu retratar aquelas pessoas que, em sua opinião, seriam ideais como habitantes. A irmã de Grant e seu dentista são imortalizados na forma de personagens que tanto ofenderam o povo de Iowa.
A vingança de Salvador Dali
A pintura “Figura na Janela” foi pintada em 1925, quando Dali tinha 21 anos. Então Gala ainda não havia entrado na vida do artista, e sua irmã Ana Maria era sua musa. A relação entre irmão e irmã piorou quando ele escreveu em uma das pinturas “às vezes cuspo no retrato da minha própria mãe e isso me dá prazer”. Ana Maria não poderia perdoar tal choque.
Em seu livro Salvador Dali, através dos olhos de uma irmã, de 1949, ela escreve sobre seu irmão sem qualquer elogio. O livro enfureceu El Salvador. Por mais dez anos depois disso, ele se lembrou dela com raiva em todas as oportunidades. E assim, em 1954, aparece o quadro “Uma jovem virgem entregando-se ao pecado de sodomia com a ajuda dos chifres de sua própria castidade”. A pose da mulher, seus cachos, a paisagem fora da janela e o esquema de cores da pintura ecoam claramente a Figura na Janela. Há uma versão que diz que Dali se vingou da irmã por causa do livro dela.
Danae de duas caras
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.
Muitos segredos de uma das pinturas mais famosas de Rembrandt foram revelados apenas na década de 60 do século XX, quando a tela foi iluminada com raios X. Por exemplo, a filmagem mostrou que na versão inicial o rosto da princesa, que entrou em caso de amor com Zeus, parecia o rosto de Saskia, esposa do pintor, falecido em 1642. Na versão final da pintura, ela passou a se assemelhar ao rosto de Gertier Dirks, amante de Rembrandt, com quem o artista conviveu após a morte de sua esposa.
O quarto amarelo de Van Gogh
Vincent van Gogh, "Quarto em Arles", 1888 - 1889.
Em maio de 1888, Van Gogh adquiriu uma pequena oficina em Arles, no sul da França, onde fugiu dos artistas e críticos parisienses que não o compreendiam. Em um dos quatro cômodos, Vincent monta um quarto. Em outubro, tudo está pronto e ele decide pintar o Quarto de Van Gogh em Arles. Para o artista a cor, o conforto do ambiente era muito importante: tudo tinha que sugerir pensamentos de relaxamento. Ao mesmo tempo, a imagem é sustentada em tons amarelos perturbadores.
Pesquisadores da criatividade de Van Gogh explicam isso pelo fato de o artista ter tomado dedaleira, remédio para epilepsia, que provoca sérias alterações na percepção das cores do paciente: toda a realidade circundante é pintada em tons verde-amarelos.
Perfeição desdentada
Leonardo da Vinci, "Retrato da Sra. Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.
A opinião geralmente aceita é que Mona Lisa é perfeita e seu sorriso é lindo em seu mistério. No entanto, o crítico de arte americano (e dentista em meio período) Joseph Borkowski acredita que, a julgar pela expressão em seu rosto, a heroína perdeu muitos dentes. Ao examinar fotografias ampliadas da obra-prima, Borkowski também encontrou cicatrizes ao redor da boca. “Ela sorri tanto justamente pelo que aconteceu com ela”, acredita o especialista. “Sua expressão facial é típica de pessoas que perderam os dentes da frente.”
Major em controle de rosto
Pavel Fedotov, Matchmaking do Major, 1848.
O público, que viu pela primeira vez o quadro "Major's Matchmaking", riu muito: o artista Fedotov encheu-o de detalhes irônicos e compreensíveis para os espectadores da época. Por exemplo, o major claramente não conhece as regras da etiqueta nobre: apareceu sem os buquês adequados para a noiva e sua mãe. E a própria noiva foi dispensada pelos pais comerciantes com um vestido de baile noturno, embora fosse dia (todas as lâmpadas da sala estavam apagadas). A menina obviamente experimentou pela primeira vez um vestido decotado, fica sem graça e tenta fugir para o quarto.
Por que a liberdade está nua
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Liberdade nas Barricadas, 1830.
Segundo o historiador de arte Etienne Julie, Delacroix pintou o rosto de uma mulher da famosa revolucionária parisiense - a lavadeira Anna-Charlotte, que foi para as barricadas após a morte de seu irmão nas mãos dos soldados reais e matou nove guardas. O artista a retratou com o peito nu. Segundo o seu plano, este é um símbolo de destemor e altruísmo, bem como do triunfo da democracia: seios nus mostram que Svoboda, como um plebeu, não usa espartilho.
quadrado não quadrado
Kazimir Malevich, Praça Suprematista Negra, 1915.
Na verdade, o "Quadrado Preto" não é nem um pouco preto nem um quadrado: nenhum dos lados do quadrilátero é paralelo a qualquer um dos outros lados, e nenhum dos lados da moldura quadrada que emoldura a imagem. A cor escura- é o resultado da mistura de várias cores, entre as quais não havia preto. Acredita-se que não se tratou de negligência do autor, mas sim de uma posição de princípio, do desejo de criar uma forma dinâmica e móvel.
Especialistas da Galeria Tretyakov descobriram a inscrição do autor em uma famosa pintura de Malevich. A inscrição diz: "Batalha dos Negros em uma caverna escura." Esta frase refere-se ao nome da pintura lúdica do jornalista, escritor e artista francês Alphonse Allais “Batalha dos Negros em uma Caverna Escura na Calada da Noite”, que era um retângulo absolutamente preto.
Melodrama da Mona Lisa austríaca
Gustav Klimt, "Retrato de Adele Bloch-Bauer", 1907.
Uma das pinturas mais significativas de Klimt retrata a esposa do magnata austríaco do açúcar Ferdinand Bloch-Bauer. Toda Viena discutiu o romance tempestuoso de Adele e artista famoso. O marido ferido queria se vingar de suas amantes, mas escolheu um caminho muito maneira incomum: ele decidiu encomendar um retrato de Adele para Klimt e fazê-lo fazer centenas de esboços até que o artista começasse a sair dela.
Bloch-Bauer queria que o trabalho durasse vários anos, e a modelo pôde ver como os sentimentos de Klimt desapareceram. Ele fez uma oferta generosa ao artista, que não pôde recusar, e tudo saiu de acordo com o cenário do marido enganado: a obra foi concluída em 4 anos, os amantes já haviam esfriado um com o outro. Adele Bloch-Bauer nunca descobriu que seu marido sabia de seu relacionamento com Klimt.
A pintura que trouxe Gauguin de volta à vida
Paul Gauguin, "De onde viemos? Quem somos? Para onde vamos?", 1897-1898.
A tela mais famosa de Gauguin tem uma característica: ela é “lida” não da esquerda para a direita, mas da direita para a esquerda, como os textos cabalísticos que interessavam ao artista. É nesta ordem que se desdobra a alegoria da vida espiritual e física de uma pessoa: desde o nascimento da alma (uma criança adormecida no canto inferior direito) até a inevitabilidade da hora da morte (um pássaro com um lagarto em suas garras no canto inferior esquerdo).
A pintura foi pintada por Gauguin no Taiti, onde o artista fugiu diversas vezes da civilização. Mas desta vez a vida na ilha não deu certo: a pobreza total o levou à depressão. Terminada a tela, que se tornaria o seu testamento espiritual, Gauguin pegou numa caixa de arsénico e foi morrer nas montanhas. Porém, ele não calculou a dose e o suicídio falhou. Na manhã seguinte, ele cambaleou até sua cabana e adormeceu e, quando acordou, sentiu uma sede esquecida de vida. E em 1898, seus negócios pioraram e um período mais brilhante começou em seu trabalho.
112 provérbios em uma imagem
Pieter Brueghel, o Velho, "Provérbios da Holanda", 1559
Pieter Brueghel, o Velho, retratou uma terra habitada por imagens literais dos provérbios holandeses daquela época. Existem aproximadamente 112 expressões idiomáticas reconhecíveis na imagem pintada. Algumas delas ainda são utilizadas hoje, como “nadar contra a corrente”, “bater a cabeça na parede”, “armado até os dentes” e “peixe grande come pequeno”.
Outros provérbios refletem a estupidez humana.
Subjetividade da arte
Paul Gauguin, aldeia bretã sob a neve, 1894
A pintura de Gauguin "Aldeia Bretã na Neve" foi vendida após a morte do autor por apenas sete francos e, além disso, sob o nome de "Cataratas do Niágara". O leiloeiro acidentalmente pendurou a pintura de cabeça para baixo depois de ver uma cachoeira nela.
imagem escondida
Pablo Picasso, O Quarto Azul, 1901
Em 2008, o infravermelho mostrou que outra imagem estava escondida sob a “Sala Azul” - o retrato de um homem vestido com um terno com uma borboleta e apoiando a cabeça na mão. “Assim que Picasso nova ideia, ele pegou o pincel e o incorporou. Mas ele não tinha a oportunidade de comprar uma tela nova toda vez que a musa o visitava", explica possível causa esta historiadora de arte Patricia Favero.
Mulheres marroquinas inacessíveis
Zinaida Serebryakova, Nua, 1928
Um dia, Zinaida Serebryakova recebeu uma oferta tentadora - fazer uma viagem criativa para retratar figuras nuas de donzelas orientais. Mas descobriu-se que era simplesmente impossível encontrar modelos nesses locais. Um intérprete de Zinaida veio em socorro - ele trouxe suas irmãs e sua noiva até ela. Ninguém antes e depois disso foi capaz de capturar nuas as mulheres orientais fechadas.
Insight espontâneo
Valentin Serov, "Retrato de Nicolau II com jaqueta", 1900
Por muito tempo Serov não conseguiu pintar um retrato do czar. Quando o artista desistiu completamente, ele pediu desculpas a Nikolai. Nikolai ficou um pouco chateado, sentou-se à mesa, estendendo as mãos na frente dele... E então o artista percebeu - aqui está ele! Um simples militar com jaqueta de oficial e olhos claros e tristes. Este retrato é considerado a melhor representação do último imperador.
De novo dois
© Fedor Reshetnikov
A famosa pintura "Again deuce" é apenas a segunda parte da trilogia artística.
A primeira parte é “Cheguei para as férias”. Obviamente uma família abastada, férias de inverno, um excelente aluno alegre.
A segunda parte é "De novo o empate". Uma família pobre da periferia da classe trabalhadora, no auge do ano letivo, um atordoador chato que novamente acertou em cheio. No lado esquerdo canto superior a imagem "Chegou para as férias" está visível.
A terceira parte é "Reexame". Casa rural, verão, todo mundo está caminhando, um ignorante malicioso que foi reprovado no exame anual é forçado a sentar-se entre quatro paredes e estudar. No canto superior esquerdo você pode ver a imagem "Again deuce".
Como nascem as obras-primas
Joseph Turner, Chuva, Vapor e Velocidade, 1844
Em 1842, a Sra. Simon viajou de trem pela Inglaterra. De repente, começou uma forte chuva. O senhor idoso sentado à sua frente levantou-se, abriu a janela, colocou a cabeça para fora e ficou olhando assim por cerca de dez minutos. Incapaz de conter a curiosidade, a mulher também abriu a janela e olhou para frente. Um ano depois, descobriu o quadro “Chuva, Vapor e Velocidade” numa exposição na Royal Academy of Arts e conseguiu reconhecer nele o próprio episódio do comboio.
Lição de anatomia de Michelangelo
Michelangelo, A Criação de Adão, 1511
Alguns especialistas americanos em neuroanatomia acreditam que Michelangelo realmente deixou algumas ilustrações anatômicas em uma de suas obras mais famosas. Eles acreditam que um cérebro enorme está representado no lado direito da imagem. Surpreendentemente, até componentes complexos como o cerebelo, os nervos ópticos e a glândula pituitária podem ser encontrados. E a fita verde cativante combina perfeitamente com a localização da artéria vertebral.
A Última Ceia de Van Gogh
Vicente van Gogh, Terraço noturno café", 1888
O pesquisador Jared Baxter acredita que o Café Terrace at Night de Van Gogh contém uma dedicatória à Última Ceia de Leonardo da Vinci. No centro da foto está um garçom com cabelo longo e com uma túnica branca, que lembra as roupas de Cristo, e ao seu redor exatamente 12 visitantes do café. Baxter também chama a atenção para a cruz, localizada logo atrás das costas do garçom de branco.
A imagem da memória de Dali
Salvador Dali, A Persistência da Memória, 1931
Não é segredo que os pensamentos que visitaram Dali durante a criação das suas obras-primas sempre foram na forma de imagens muito realistas, que o artista depois transferiu para a tela. Assim, segundo o próprio autor, o quadro “A Persistência da Memória” foi pintado a partir de associações que surgiram ao avistar o queijo fundido.
Sobre o que Munch está gritando
Edvard Munch, "O Grito", 1893.
Munch falou sobre o surgimento de sua ideia de um dos mais pinturas misteriosas na pintura mundial: "Eu estava caminhando por um caminho com dois amigos - o sol estava se pondo - de repente o céu ficou vermelho-sangue, parei, sentindo-me exausto, e me encostei na cerca - olhei para o sangue e as chamas sobre o azulado- fiorde negro e a cidade - meus amigos continuaram, e eu fiquei tremendo de excitação, sentindo o grito interminável perfurando a natureza. Mas que tipo de pôr do sol poderia assustar tanto o artista?
Há uma versão de que a ideia de "Grito" nasceu por Munch em 1883, quando ocorreram várias erupções mais fortes do vulcão Krakatoa - tão poderosas que alteraram a temperatura da atmosfera terrestre em um grau. Uma grande quantidade de poeira e cinzas espalhou-se por todo o globo, chegando até à Noruega. Por várias noites seguidas, os pores do sol pareciam que o apocalipse estava prestes a chegar - um deles se tornou fonte de inspiração para o artista.
Escritor entre o povo
Alexander Ivanov, "A Aparição de Cristo ao Povo", 1837-1857.
Dezenas de modelos posaram para Alexander Ivanov em seu imagem principal. Um deles é conhecido tanto quanto o próprio artista. Ao fundo, entre viajantes e cavaleiros romanos que ainda não ouviram o sermão de João Batista, nota-se um personagem com túnica marrom. Seu Ivanov escreveu com Nikolai Gogol. O escritor comunicou-se estreitamente com o artista na Itália, em particular sobre questões religiosas, e aconselhou-o no processo de pintura. Gogol acreditava que Ivanov "já havia morrido há muito tempo para o mundo inteiro, exceto por seu trabalho".
A gota de Michelangelo
Rafael Santi, A Escola de Atenas, 1511.
Criando o famoso afresco "A Escola de Atenas", Rafael imortalizou seus amigos e conhecidos nas imagens dos antigos filósofos gregos. Um deles foi Michelangelo Buonarroti “no papel” de Heráclito. Durante vários séculos, o afresco guardou os segredos da vida pessoal de Michelangelo, e pesquisadores modernos sugeriram que o joelho estranhamente angular do artista indica que ele tem uma doença articular.
Isto é bastante provável, dadas as peculiaridades do estilo de vida e das condições de trabalho dos artistas da Renascença e do vício crônico em trabalho de Michelangelo.
Espelho dos Arnolfinis
Jan van Eyck, "Retrato dos Arnolfinis", 1434
No espelho atrás do Arnolfinis, é possível ver o reflexo de mais duas pessoas na sala. Muito provavelmente, estas são testemunhas presentes na celebração do contrato. Um deles é van Eyck, como evidencia a inscrição em latim colocada, contrariamente à tradição, acima do espelho no centro da composição: “Jan van Eyck esteve aqui”. Era assim que os contratos costumavam ser selados.
Como uma falha se transformou em talento
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, autorretrato aos 63 anos, 1669.
A pesquisadora Margaret Livingston estudou todos os autorretratos de Rembrandt e descobriu que o artista sofria de estrabismo: nas imagens seus olhos olham em direções diferentes, o que não é observado nos retratos de outras pessoas do mestre. A doença fez com que o artista percebesse melhor a realidade em duas dimensões do que as pessoas com visão normal. Este fenômeno é chamado de “cegueira estéreo” – a incapacidade de ver o mundo em 3D. Mas como o pintor tem que trabalhar com uma imagem bidimensional, é precisamente esta deficiência de Rembrandt que pode ser uma das explicações para o seu talento fenomenal.
Vênus sem pecado
Sandro Botticelli, O Nascimento de Vênus, 1482-1486.
Antes do advento de O Nascimento de Vênus, a imagem do nu corpo feminino na pintura simbolizava apenas a ideia do pecado original. Sandro Botticelli foi o primeiro pintor europeu a não encontrar nele nada de pecaminoso. Além disso, os críticos de arte têm certeza de que a deusa pagã do amor simboliza no afresco imagem cristã: sua aparição é uma alegoria do renascimento da alma que passou pelo rito do batismo.
Tocador de alaúde ou tocador de alaúde?
Michelangelo Merisi da Caravaggio, O tocador de alaúde, 1596.
Durante muito tempo, a pintura foi exposta em l'Hermitage sob o título "Tocador de alaúde". Somente no início do século 20 os historiadores da arte concordaram que a tela ainda retrata um jovem (provavelmente Caravaggio foi posado por seu amigo artista Mario Minniti): nas notas na frente do músico, uma gravação da parte do baixo de é visível o madrigal de Jacob Arcadelt “Você sabe que eu te amo”. Uma mulher dificilmente poderia fazer tal escolha - é apenas difícil para a garganta. Além disso, o alaúde, assim como o violino na extremidade da imagem, era considerado um instrumento masculino na era de Caravaggio.
23.04.2017 20:25
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Quem pintou as primeiras pinturas.
Você adora desenhar? Muito provavelmente, a resposta será “sim”. E com certeza você já esteve no museu, onde acontecem exposições de pinturas. E talvez eles até tenham feito essa pergunta aos adultos - "Quem foi o autor da primeira pintura do mundo."
Os primeiros artistas da terra podem ser legitimamente considerados povos antigos que vivia nas cavernas. No sul da França, assim como na Espanha, pesquisadores descobriram desenhos coloridos de animais pintados nas paredes de cavernas.
Segundo os arqueólogos, essas imagens poderiam ter sido desenhadas cerca de 20 a 30 mil anos aC. Os povos antigos representavam animais selvagens que os cercavam.
Surpreendentemente, apesar da antiguidade, muitos dos desenhos estão bem preservados. Isso se tornou possível porque as cavernas que armazenam pintura primitiva, por muitos séculos não eram conhecidos pelas pessoas.
Também na África e no leste da Espanha, foram encontradas figuras humanas representadas de maneira bastante imperfeita. No entanto, suas poses eram como se estivessem vivos.
Os artistas primitivos usavam várias cores brilhantes em seus desenhos. O ocre de terra serviu como corante - óxido de ferro (ou simplesmente ferrugem) de vários tons - do amarelo brilhante ao laranja escuro. Além disso, o manganês é um elemento metálico.
Essas substâncias foram trituradas pelos antigos até virar pó, depois misturadas com gordura ou gordura animal, e depois aplicadas nas paredes da caverna com algo semelhante a pincéis.
Mas as primeiras pessoas também tinham dispositivos semelhantes a lápis modernos. Eram palitos de madeira cheios de corantes, previamente moídos até virar pó e misturados com banha.
Além disso, eles usavam cinzéis de pedra bem afiados para riscar linhas. Os antigos habitantes do nosso planeta faziam pincéis para desenhar com pêlos de animais ou fibras vegetais.
EM Antigo Egito artistas primitivos criaram pinturas para decorar as pirâmides, bem como os túmulos dos faraós e outras pessoas importantes.
Nas paredes dos túmulos, artistas imortalizaram cenas da vida de um nobre ali sepultado com suas obras de arte. Para este propósito, os antigos pintores egípcios usaram tintas aquarela e branco.
Outro civilização antiga- Egeu, também obteve grande sucesso no desenvolvimento da arte da pintura. Artistas do Egeu criaram um estilo livre e gracioso.
As pinturas retratavam animais, flores, a vida marinha. E também o tema de seus trabalhos foi jogos esportivos. Eles criaram seus desenhos em gesso úmido. Hoje em dia, esse tipo de pintura é denominado afresco.
Como vocês podem ver, pessoal, a arte de desenhar e pintar tem uma história muito antiga.
3 de dezembro de 1961 no Museu de Nova York Arte Moderna ocorreu um acontecimento significativo - o quadro "O Barco" de Matisse, que ficou pendurado de cabeça para baixo por 46 dias, foi devidamente pendurado. Vale dizer que este não é um único caso engraçado associado às pinturas de grandes artistas.
Pablo Picasso pintou um de seus famosos retratos em menos de 5 minutos
Certa vez, um conhecido de Pablo Picasso, olhando suas novas obras, disse sinceramente ao artista: “Sinto muito, mas não consigo entender isso. Essas coisas simplesmente não existem." Ao que Picasso respondeu: “Você também não entende chinês. Mas ainda existe." No entanto, Picasso não foi compreendido por muitos. Certa vez sugeriu ao escritor russo Ehrenburg, seu bom amigo, pinte seu retrato. Ele concordou alegremente, mas não teve tempo de sentar em uma poltrona para posar, pois o artista anunciou que estava tudo pronto.
Ehrenburg manifestou surpresa com a rapidez de execução da obra, afinal, haviam se passado menos de 5 minutos, ao que Picasso respondeu: “Conheço você há 40 anos. E durante todos esses 40 anos aprendi a pintar retratos em 5 minutos.
Ilya Repin ajudou a vender uma pintura que não pintou
Uma senhora comprou no mercado por apenas 10 rublos uma pintura completamente medíocre, na qual a assinatura “I. Repin” ostentava orgulhosamente. Quando um conhecedor de pintura mostrou este trabalho a Ilya Efimovich, ele riu e acrescentou “Este não é Repin” e colocou seu autógrafo. Depois de algum tempo, a empreendedora vendeu o quadro artista desconhecido com o autógrafo do grande mestre já por 100 rublos.
Os ursos da famosa pintura de Shishkin foram pintados por outro artista
Entre os artistas existe uma lei tácita - a assistência mútua profissional. Afinal, cada um deles não tem apenas histórias favoritas e forças, mas também pontos fracos então por que não ajudar uns aos outros. Assim, sabe-se com certeza que para a pintura “Pushkin à beira-mar” de Aivazovsky, a figura do grande poeta foi pintada por Repin, e para a pintura de Levitan “Dia de Outono. Sokolniki, uma senhora de preto, foi pintada por Nikolai Chekhov. O pintor paisagista Shishkin, que conseguia desenhar cada folha de grama e agulhas de suas pinturas, ao criar a pintura “Manhã em floresta de pinheiros“os ursos não apareceram de forma alguma. Portanto, Savitsky pintou ursos para a famosa tela de Shishkin.
Um pedaço de papelão, sobre o qual foi simplesmente derramada tinta, tornou-se uma das pinturas mais caras
A pintura mais cara do mundo em 2006 foi a Número 5 de Jackson Polock, 1948. Em um dos leilões, a pintura foi vendida por US$ 140 milhões. Pode parecer engraçado, mas o artista não se “incomodou” particularmente com a criação deste quadro: simplesmente derramou tinta sobre um pedaço de fibra espalhado no chão.
A data de criação de sua pintura Rubens criptografada pelas estrelas
Por muito tempo, críticos de arte e cientistas não conseguiram estabelecer a data de criação de um dos mais pinturas famosas Rubens - a pintura “A Festa dos Deuses no Olimpo”. O enigma só foi resolvido depois que os astrônomos observaram a imagem mais de perto. Descobriu-se que os personagens da imagem estavam localizados exatamente na mesma ordem em que os planetas estavam localizados no céu em 1602.
O logotipo da Chupa-Chups foi desenhado pelo mundialmente famoso surrealista
Em 1961, Enrique Bernata, dono da empresa Chupa Chups, pediu ao artista Salvador Dali que criasse uma imagem para uma embalagem de doce. Deu o pedido atendido. Hoje, esta imagem, ainda que ligeiramente modificada, é reconhecível nos pirulitos da empresa.
Vale destacar que em 1967 na Itália, com a bênção do Papa, foi lançado com ilustrações de Salvador Dali.
A pintura mais cara Farinha traz infortúnio
A pintura "O Grito" de Munch foi vendida em leilão por US$ 120 milhões e é hoje a pintura mais cara deste artista. Diz-se que Munch caminho da vida que - uma série de tragédias, colocou tanto sofrimento que a imagem absorveu energia negativa e se vingou dos infratores.
Um dos funcionários do Museu Munch de alguma forma deixou cair acidentalmente a pintura, após o que começou a sofrer de terríveis dores de cabeça que levaram o homem ao suicídio. Outro funcionário do museu, que não conseguiu segurar a pintura, sofreu um terrível acidente de carro poucos dias depois. E um visitante do museu, que se permitiu tocar na pintura, depois de algum tempo, queimou vivo no fogo. No entanto, é possível que sejam apenas coincidências.
O "Quadrado Negro" de Malevich tem um "irmão mais velho"
"Quadrado Negro", que talvez seja o mais pintura famosa Kazimir Malevich, é uma tela de 79,5 x 79,5 centímetros, na qual está representado um quadrado preto sobre fundo branco. Malevich pintou sua pintura em 1915. E em 1893, 20 anos antes de Malevich, Alphonse Allais, um humorista francês, desenhou o seu “quadrado preto”. É verdade que a pintura de Alle se chamava "A Batalha dos Negros em uma Caverna Profunda em uma Noite Escura".
Cristo e Judas têm o mesmo rosto na pintura de Da Vinci
Diz-se que a criação do quadro “A Última Ceia” exigiu um esforço titânico de Leonardo da Vinci. O artista rapidamente encontrou a pessoa de quem foi pintada a imagem de Cristo. Um dos cantores do coral da igreja abordou esse papel. Mas "Judas" da Vinci estava procurando há três anos.
Já na rua, o artista viu um bêbado que tentava, sem sucesso, sair da fossa. Da Vinci levou-o a um dos bares, sentou-o e começou a desenhar. Qual foi a surpresa do artista quando, depois de se abrir, o bêbado admitiu que há vários anos já havia posado para ele. Acontece que este é o mesmo cantor.
A Freira de Ilya Repin
Ilya Repin. Freira. 1878. Galeria estatal Tretyakov / Retrato sob raio-X
Uma jovem com roupas monásticas estritas olha pensativamente para o observador do retrato. A imagem é clássica e familiar - provavelmente não teria despertado interesse entre os críticos de arte se não fosse pelas memórias de Lyudmila Alekseevna Shevtsova-Spore, sobrinha da esposa de Repin. Eles têm uma história interessante.
Sophia Repina, nascida Shevtsova, posou para Ilya Repin para The Nun. A garota era cunhada do artista - e certa vez o próprio Repin estava seriamente apaixonado por ela, mas se casou com ela irmã mais nova Fé. Sophia também se tornou esposa do irmão de Repin - Vasily, membro da orquestra do Teatro Mariinsky.
Isso não impediu o artista de pintar repetidamente retratos de Sophia. Para uma delas, a garota posou em um salão de baile cerimonial: vestido leve e elegante, mangas rendadas, cabelos altos. Enquanto trabalhava na pintura, Repin brigou seriamente com a modelo. Como você sabe, todos podem ofender um artista, mas poucos conseguem se vingar de forma tão inventiva quanto Repin. O artista ofendido "vestiu" Sophia no retrato com roupas monásticas.
A história, semelhante a uma piada, foi confirmada por um raio-x. Os pesquisadores tiveram sorte: Repin não limpou o original camada de tinta, o que nos permitiu considerar detalhadamente o traje original da heroína.
"Park Alley" de Isaac Brodsky
Isaac Brodsky. Beco do parque. 1930. Coleção particular/Isaac Brodsky. Beco do parque em Roma. 1911
Não menos que enigma interessante deixado para pesquisadores pelo aluno de Repin - Isaac Brodsky. A Galeria Tretyakov guarda sua pintura “Park Alley”, que à primeira vista não tem nada de notável: Brodsky tinha muitos trabalhos sobre o tema “parque”. No entanto, quanto mais longe no parque, mais coloridas são as camadas.
Um dos pesquisadores notou que a composição da imagem se assemelhava suspeitamente a outra obra do artista - “Park Alley in Rome” (Brodsky era mesquinho com títulos originais). Esta pintura foi considerada perdida por muito tempo e sua reprodução foi publicada apenas em uma edição bastante rara de 1929. Com a ajuda de uma radiografia, foi encontrado um beco romano que havia desaparecido misteriosamente - logo abaixo do soviético. O artista não limpou a imagem já finalizada e simplesmente fez uma série de mudanças simples: vestiu os transeuntes à moda dos anos 30 do século XX, “tirou” o serso das crianças, tirou estátuas de mármore e modifiquei um pouco as árvores. Assim, o ensolarado parque italiano, com alguns movimentos leves das mãos, transformou-se em um exemplar soviético.
Quando questionados sobre por que Brodsky decidiu esconder seu beco romano, eles não encontraram resposta. Mas pode-se presumir que a representação do “modesto encanto da burguesia” em 1930 já era inadequada do ponto de vista ideológico. No entanto, de todas as obras paisagísticas pós-revolucionárias de Brodsky, "Park Alley" é a mais interessante: apesar das mudanças, a imagem manteve a elegância encantadora da modernidade, que, infelizmente, não existia mais no realismo soviético.
"Manhã em uma floresta de pinheiros", de Ivan Shishkin
Ivan Shishkin e Konstantin Savitsky. Manhã em uma floresta de pinheiros. 1889. Galeria Estatal Tretyakov
Uma paisagem de floresta com filhotes brincando em uma árvore caída é talvez a mais trabalho notável artista. Essa é apenas a ideia da paisagem que Ivan Shishkin inspirou outro artista - Konstantin Savitsky. Ele também pintou uma ursa com três filhotes: ursos, um especialista em floresta, Shishkin, não teve sucesso de forma alguma.
Shishkin entendia impecavelmente a flora da floresta, notava os menores erros nos desenhos de seus alunos - ou a casca da bétula não é representada da mesma forma, ou o pinheiro parece falso. Porém, pessoas e animais em seu trabalho sempre foram uma raridade. Foi aqui que Savitsky veio em socorro. Aliás, ele deixou alguns desenhos preparatórios e esboços com filhotes - eu estava procurando poses adequadas. “Manhã em uma floresta de pinheiros” não era originalmente “Manhã”: a pintura se chamava “Família de Ursos na Floresta” e havia apenas dois ursos nela. Como coautor, Savitsky assinou a tela.
Quando a tela foi entregue ao comerciante Pavel Tretyakov, ele ficou indignado: pagou por Shishkin (encomendou trabalho do autor), mas recebeu Shishkin e Savitsky. Shishkin, como Homem justo, não atribuiu autoria a si mesmo. Mas Tretyakov agiu por princípio e apagou blasfemamente a assinatura de Savitsky da foto com terebintina. Mais tarde, Savitsky recusou nobremente os direitos autorais, e os ursos foram atribuídos a Shishkin por um longo tempo.
"Retrato de uma Corista", de Konstantin Korovin
Konstantin Korovin. Retrato de uma corista. 1887. Galeria Estatal Tretyakov / Verso do retrato
No verso da tela, os pesquisadores encontraram uma mensagem de Konstantin Korovin em papelão, que se revelou quase mais interessante do que a própria pintura:
“Em 1883, em Kharkov, um retrato de uma corista. Escrito na varanda de um jardim público comercial. Repin disse, quando este esboço lhe foi mostrado por Mamontov S.I., que ele, Korovin, escreve e está procurando outra coisa, mas para que serve - isso é pintura apenas para pintura. Serov ainda não havia pintado retratos naquela época. E a pintura desse esboço ficou incompreensível??!! Então Polenov me pediu para retirar este esboço da exposição, já que nem os artistas nem os membros - o Sr. Mosolov e alguns outros gostam dele. A modelo era uma mulher feia, até um tanto feia.A “carta” desarmou com a sua franqueza e desafio ousado a toda a comunidade artística: “Serov ainda não tinha pintado retratos naquela altura” - mas foram pintados por ele, Konstantin Korovin. E ele teria sido o primeiro a usar técnicas características do estilo que mais tarde seria chamado de impressionismo russo. Mas tudo isso acabou sendo um mito que o artista criou intencionalmente.Konstantin Korovin
A teoria harmoniosa "Korovin - o precursor do impressionismo russo" foi impiedosamente destruída pela pesquisa técnica e tecnológica objetiva. Na frente do retrato, encontraram a assinatura do artista em tinta, um pouco mais abaixo - em tinta: "1883, Kharkov". Em Kharkov, o artista trabalhou de maio a junho de 1887: pintou cenários para apresentações da Ópera Privada Russa Mamontov. Além disso, os críticos de arte descobriram que o “Retrato de uma corista” foi feito de uma certa maneira artística - a la prima. Esta técnica pintura a óleo permitido pintar um quadro em uma sessão. Korovin começou a usar esta técnica apenas no final da década de 1880.
Depois de analisar essas duas inconsistências, os funcionários da Galeria Tretyakov chegaram à conclusão de que o retrato foi pintado apenas em 1887, e Korovin acrescentou uma data anterior para enfatizar sua própria inovação.
"Homem e Berço", de Ivan Yakimov
Ivan Yakimov. Homem e berço.1770. Galeria Estatal Tretyakov / Versão completa trabalhar
Por muito tempo, a pintura "Um Homem e um Berço" de Ivan Yakimov intrigou os historiadores da arte. E a questão não é que esse tipo de esboço cotidiano não seja absolutamente típico de pintura XVIII século - o cavalo de balanço no canto inferior direito da imagem tem uma corda esticada de maneira muito artificial, que logicamente deveria estar no chão. Sim, e era muito cedo para uma criança desde o berço brincar com esses brinquedos. Além disso, a lareira não cabia nem na metade da tela, o que parecia muito estranho.
A situação foi “iluminada” - no sentido literal - pelo raio X. Ela mostrou que a tela foi cortada à direita e em cima.
EM Galeria Tretyakov a pintura surgiu após a venda da coleção de Pavel Petrovich Tugogoi-Svinin. Ele era dono do chamado "Museu Russo" - uma coleção de pinturas, esculturas e antiguidades. Mas em 1834, por problemas financeiros, a coleção teve que ser vendida - e o quadro “Um Homem e um Berço” acabou na Galeria Tretyakov: não todo, mas apenas a metade esquerda. A direita, infelizmente, foi perdida, mas ainda é possível ver a obra na íntegra, graças a mais uma exposição inédita da Galeria Tretyakov. A versão completa da obra de Yakimov foi encontrada no álbum "Coleção de excelentes trabalhos Artistas russos e Curiosas Antiguidades Domésticas”, que contém desenhos da maioria das pinturas que fizeram parte da coleção Svinin.
