arte renascentista. Cultura e arte do renascimento - resumo Obra de arte no ensaio renascentista
A era renascentista refere-se, segundo algumas fontes, aos séculos XIV-XVII. segundo outros - aos séculos XV - XVIII. Há também o ponto de vista de não destacar o renascimento como uma época, mas considerá-lo como o final da Idade Média. Este é o período da crise do feudalismo e do desenvolvimento das relações burguesas na economia e na ideologia. O termo renascimento (Renaissance) foi introduzido para mostrar que nesta época os melhores valores e ideais da antiguidade, destruídos pelos bárbaros (arquitetura, escultura, pintura, filosofia, literatura), foram revividos, mas este termo foi interpretado muito condicionalmente, porque. Você não pode restaurar todo o passado. Este não é um renascimento do passado em sua forma pura - é a criação de um novo usando muitos dos valores espirituais e materiais da antiguidade. Além disso, era impossível riscar os valores dos nove séculos da Idade Média, principalmente os valores espirituais associados ao cristianismo. O Renascimento é uma síntese das tradições antigas e medievais, mas em um nível superior. Em cada estágio desta era, uma certa direção era dominante. Se a princípio era "prometeísmo", ou seja, uma ideologia que assume a igualdade de todas as pessoas por natureza, bem como o reconhecimento do interesse privado e do individualismo. Além disso, aparecem novas teorias sociais que refletem o espírito da época, e a teoria do humanismo ocupa o papel principal. O humanismo da era renascentista está centrado no livre-pensamento e, consequentemente, em uma estrutura justa de relações sociais e vida pública, que na maioria das vezes se supõe ser alcançado em bases democráticas dentro da estrutura de um sistema republicano. As opiniões sobre religião também estão passando por mudanças. A filosofia natural está se tornando popular novamente e o "pantemismo" (uma doutrina que nega Deus como pessoa e o aproxima da natureza) está se tornando difundido. O último período do Renascimento é a era da Reforma, completando esta maior reviravolta progressiva no desenvolvimento da cultura européia. Normalmente, o significado histórico do Renascimento está associado às ideias e realizações artísticas do humanismo, que proclamava, em contraste com o ascetismo cristão medieval, a grandeza e a dignidade do homem. Seu direito à atividade racional, ao gozo e à felicidade na vida terrena. Os humanistas viam no homem a mais bela e perfeita criação de Deus. Eles estenderam ao homem a criação, as habilidades criativas inerentes a Deus, viram seu destino no conhecimento e transformação do mundo, adornado com seu trabalho, no desenvolvimento das ciências e ofícios. Começando na Alemanha, a Reforma varreu vários países europeus e levou ao afastamento da Igreja Católica da Inglaterra, Escócia, Dinamarca, Suécia, Noruega, Holanda, Finlândia, Suíça, República Tcheca, Hungria e parcialmente Alemanha. Este é um amplo movimento religioso e sócio-político que começou no início do século XVI na Alemanha e visava transformar a religião cristã.A era renascentista refere-se, segundo algumas fontes, aos séculos XIV-XVII. segundo outros - aos séculos XV - XVIII. Há também o ponto de vista de não destacar o renascimento como uma época, mas considerá-lo como o final da Idade Média. Este é o período da crise do feudalismo e do desenvolvimento das relações burguesas na economia e na ideologia. O termo renascimento (Renaissance) foi introduzido para mostrar que nesta época os melhores valores e ideais da antiguidade, destruídos pelos bárbaros (arquitetura, escultura, pintura, filosofia, literatura), foram revividos, mas este termo foi interpretado muito condicionalmente, porque. Você não pode restaurar todo o passado. Este não é um renascimento do passado em sua forma pura - é a criação de um novo usando muitos dos valores espirituais e materiais da antiguidade. Além disso, era impossível riscar os valores dos nove séculos da Idade Média, principalmente os valores espirituais associados ao cristianismo.O Renascimento é uma síntese das tradições antigas e medievais, mas em um nível superior. Em cada estágio desta era, uma certa direção era dominante. Se a princípio era "prometeísmo", ou seja, uma ideologia que assume a igualdade de todas as pessoas por natureza, bem como o reconhecimento do interesse privado e do individualismo. Além disso, aparecem novas teorias sociais que refletem o espírito da época, e a teoria do humanismo ocupa o papel principal. O humanismo renascentista está focado no pensamento livre e, consequentemente, em um arranjo justo da vida pública e estatal, que na maioria das vezes se supõe ser alcançado em uma base democrática dentro da estrutura de um sistema republicano.As visões sobre religião também estão mudando. A filosofia natural está se tornando popular novamente e o "pantemismo" (uma doutrina que nega Deus como pessoa e o aproxima da natureza) está se tornando difundido. O último período do Renascimento é a Reforma, completando esta maior revolução progressiva no desenvolvimento da Europa cultura. Normalmente, o significado histórico do Renascimento está associado às ideias e realizações artísticas do humanismo, que proclamava, em contraste com o ascetismo cristão medieval, a grandeza e a dignidade do homem. Seu direito à atividade racional, ao gozo e à felicidade na vida terrena. Os humanistas viam no homem a mais bela e perfeita criação de Deus. Eles estenderam ao homem a criação, as habilidades criativas inerentes a Deus, viram seu destino no conhecimento e transformação do mundo, adornado com seu trabalho, no desenvolvimento das ciências e ofícios. Começando na Alemanha, a Reforma varreu vários países europeus e levou ao afastamento da Igreja Católica da Inglaterra, Escócia, Dinamarca, Suécia, Noruega, Holanda, Finlândia, Suíça, República Tcheca, Hungria e parcialmente Alemanha. Este é um amplo movimento religioso e sócio-político que começou no início do século XVI na Alemanha e visava transformar a religião cristã.
Trabalho de controle na disciplina: "Culturologia"
sobre o tema: "Cultura do Renascimento (Renascimento)"
Concluído:
Estudante
São Petersburgo 2008
Introdução
1. Cultura do Renascimento
2. A arte do renascimento
3. Poesia do Renascimento
4. Teatro do Renascimento
Conclusão
Introdução
O Renascimento é uma etapa muito importante no desenvolvimento da cultura europeia. Incluído cronologicamente em história medieval nações européias que surgiu nas profundezas da cultura feudal, o Renascimento abre uma era cultural, marcando o início da luta da burguesia pelo domínio da sociedade.
Nesse estágio inicial de desenvolvimento, a ideologia burguesa era uma ideologia progressista e refletia os interesses não apenas da própria burguesia, mas também de todas as outras classes e estados subordinados à estrutura feudal de relações que estava se tornando obsoleta.
O Renascimento é um período de inquisição desenfreada, uma divisão na Igreja Católica, guerras brutais e revoltas populares que ocorreram no contexto da formação do individualismo burguês.
A cultura do Renascimento teve origem na segunda metade do século XIV. E continuou a se desenvolver ao longo dos séculos XV e XVI, cobrindo gradualmente todos os países da Europa, um após o outro. O surgimento da cultura renascentista foi preparado por uma série de condições históricas pan-europeias e locais.
Nos séculos XIV - XV. nasceram as primeiras relações capitalistas, mercadoria-dinheiro. A Itália foi uma das primeiras a trilhar esse caminho, em grande parte facilitado por: alto grau de urbanização, subordinação do campo à cidade, ampla produção artesanal, negócios financeiros, voltados não apenas para o doméstico, mas também para o mercado externo.
A formação de uma nova cultura também foi preparada pela consciência pública, pelas mudanças de humor de vários estratos sociais da primeira burguesia. O ascetismo da moralidade da igreja na era do empreendedorismo comercial, industrial e financeiro ativo estava seriamente em desacordo com a prática da vida real desses estratos sociais com seu desejo de bens mundanos, acumulação, desejo de riqueza. Na psicologia dos mercadores, da elite artesanal, apareciam claramente as características de racionalismo, prudência, coragem nos empreendimentos comerciais, consciência das habilidades pessoais e amplas oportunidades. Existia uma moral que justificava o "enriquecimento honesto", as alegrias da vida mundana, cuja coroa de sucesso era considerada o prestígio da família, o respeito pelos concidadãos, a glória na memória dos descendentes.
O termo "renascimento" (renascimento) apareceu no século XVI. O termo "Renascimento" originalmente significava não tanto o nome de toda a época, mas o próprio momento do surgimento de uma nova arte, que geralmente era programada para coincidir com o início do século XVI. Só mais tarde o conceito adquiriu um significado mais amplo e passou a designar a época em que na Itália, e depois em outros países, se formou e floresceu uma cultura oposta ao feudalismo. Engels descreveu o Renascimento como "a maior reviravolta progressiva de todas as que a humanidade experimentou até aquele momento".
1. Cultura do Renascimento
Os séculos XIII - XVI foram uma época de grandes mudanças na economia, na vida política e cultural dos países europeus. O rápido crescimento das cidades e o desenvolvimento do artesanato e, posteriormente, o surgimento da produção manufatureira, a ascensão do comércio mundial, que envolveu áreas cada vez mais remotas em sua órbita, a implantação gradual das principais rotas comerciais do Mediterrâneo ao norte, que terminou após a queda de Bizâncio e as grandes descobertas geográficas do final do século XV e início do século XVI mudaram a face da Europa medieval. Em quase todos os lugares, as cidades estão se destacando. Uma vez que as forças mais poderosas do mundo medieval - o império e o papado - estavam em profunda crise. No século 16, o decadente Sacro Império Romano da nação alemã tornou-se palco das duas primeiras revoluções antifeudais - a Grande Guerra dos Camponeses na Alemanha e a Revolta da Holanda. A natureza transitória da época, o processo de libertação dos grilhões medievais ocorrendo em todas as áreas da vida e, ao mesmo tempo, o ainda subdesenvolvimento das relações capitalistas emergentes não podiam deixar de afetar as características da cultura artística e do pensamento estético da época .
Todas as mudanças na vida da sociedade foram acompanhadas por uma ampla renovação da cultura - o florescimento das ciências naturais e exatas, a literatura nas línguas nacionais e, em particular, as artes plásticas. Com origem nas cidades da Itália, essa renovação conquistou outros países europeus. O advento da imprensa abriu oportunidades sem precedentes para a disseminação de literatura e trabalhos científicos, e uma comunicação mais regular e estreita entre os países contribuiu para a penetração generalizada de novos movimentos artísticos.
Isso não significa que a Idade Média recuou diante das novas tendências: as ideias tradicionais foram preservadas na consciência de massa. A igreja resistiu às novas ideias, usando um meio medieval - a Inquisição. ideia de liberdade personalidade humana continuou a existir em uma sociedade dividida em classes. A forma feudal de dependência dos camponeses não desapareceu completamente e em alguns países (Alemanha, Europa Central) houve um retorno à servidão. O sistema feudal mostrava bastante vitalidade. Cada país europeu viveu-o à sua maneira e no seu próprio quadro cronológico. Capitalismo por muito tempo existia como modo de vida, abrangendo apenas parte da produção tanto na cidade quanto no campo. No entanto, a lentidão medieval patriarcal começou a retroceder no passado.
As grandes descobertas geográficas desempenharam um papel enorme neste avanço. Em 1456, os navios portugueses chegaram a Cabo Verde e, em 1486, a expedição de B. Diaz circulou o continente africano pelo sul, passando pelo Cabo da Boa Esperança. Dominando a costa da África, os portugueses enviaram simultaneamente navios para o mar aberto, a oeste e sudoeste. Como resultado, as ilhas dos Açores e da Madeira, anteriormente desconhecidas, apareceram nos mapas. Em 1492, aconteceu um grande acontecimento - H. Colombo, um italiano que se mudou para a Espanha, atravessou o Oceano Atlântico em busca de um caminho para a Índia e pousou perto das Bahamas, descobrindo um novo continente - a América. Em 1498, o viajante espanhol Vasco da Gama, contornando a África, trouxe com sucesso seus navios para a costa da Índia. A partir do século XVI Os europeus estão penetrando na China e no Japão, dos quais antes tinham apenas uma vaga ideia. A partir de 1510, começa a conquista da América. No século XVII A Austrália foi descoberta. A ideia da forma da terra mudou: a volta ao mundo do português F. Magalhães (1519-1522) confirmou a conjectura de que tem a forma de uma bola.
2. A arte do renascimento
A arte da antiguidade é um dos fundamentos da cultura artística do Renascimento. Os representantes do Renascimento encontram na cultura antiga algo que está em consonância com suas próprias aspirações - compromisso com a realidade, alegria, admiração pela beleza. mundo terreno diante da grandeza do feito heróico. Ao mesmo tempo, tendo-se concretizado em diferentes condições históricas, tendo absorvido as tradições dos estilos românico e gótico, a arte do Renascimento traz a marca do seu tempo. Comparado com a arte da antiguidade clássica, o mundo espiritual do homem está se tornando mais complexo e multifacetado.
Nesta época, a sociedade italiana começa a se interessar ativamente pela cultura da Grécia e Roma Antigas, os manuscritos de escritores antigos estão sendo procurados, então foram encontrados os escritos de Cícero e Tito Lívio.
Desenhando o ideal da personalidade humana, as figuras do Renascimento enfatizaram sua bondade, força, heroísmo, capacidade de criar e criar um novo mundo ao seu redor. A ideia elevada de uma pessoa estava inextricavelmente ligada à ideia de seu livre arbítrio: uma pessoa escolhe seu próprio caminho de vida e é responsável por seu próprio destino. O valor de uma pessoa passou a ser determinado por seus méritos pessoais, e não por sua posição na sociedade: “Nobreza, como uma espécie de esplendor que emana da virtude e ilumina seus donos, seja de que origem forem”. (Do Livro da Nobreza de Poggio Bracciolini, humanista italiano do século XV).
O Renascimento é uma época de grandes descobertas, grandes mestres e suas obras marcantes. É marcado pelo aparecimento de toda uma galáxia de artistas-cientistas, entre os quais o primeiro lugar pertence a Leonardo da Vinci. Era a época do titanismo, que se manifestava tanto na arte quanto na vida. Basta recordar as imagens heróicas criadas por Michelangelo e seu criador (poeta, artista, escultor). Pessoas como Michelangelo ou Leonardo da Vinci foram exemplos reais de possibilidades ilimitadas pessoa.
As belas artes do Renascimento atingem um florescimento sem precedentes. Isso se deve ao aumento econômico, com uma grande mudança na mente das pessoas que se voltaram para o culto da vida terrena e da beleza. No Renascimento, a imagem objetiva do mundo era vista pelos olhos de uma pessoa, então um dos problemas importantes enfrentados pelos artistas era o problema do espaço.
Os artistas começaram a ver o mundo de maneira diferente: plano, como se as imagens incorpóreas da arte medieval dessem lugar a um espaço tridimensional, em relevo e convexo. Rafael Santi (1483-1520), Leonardo da Vinci (1452-1519), Michelangelo Buonarroti (1475-1564) cantaram com criatividade a personalidade perfeita, na qual a beleza física e espiritual se fundem de acordo com as exigências da estética antiga. Os artistas renascentistas confiam nos princípios da imitação da natureza, usam a perspectiva, a regra da "seção áurea" na construção corpo humano. Leonardo da Vinci caracteriza a pintura como "a maior das ciências". O princípio da “conformidade com a natureza”, o desejo de reproduzir o objeto representado com a maior precisão possível, bem como o interesse pela individualidade inerente a este período, conferem um psicologismo sutil às obras dos mestres renascentistas.
As obras dos artistas tornam-se assinaturas, ou seja, sublinhado pelo autor. Mais e mais auto-retratos aparecem. Um sinal indubitável de uma nova autoconsciência é o fato de que os artistas estão cada vez mais evitando as ordens diretas, entregando-se ao trabalho por um impulso interior. No final do século XIV, a posição externa do artista na sociedade também mudou significativamente. Os artistas estão começando a receber todos os tipos de reconhecimentos públicos, cargos, sinecuras honorárias e monetárias. E Michelangelo, por exemplo, é elevado a tal altura que, sem medo de ofender os coroados, recusa as altas honras que lhe são oferecidas. O título "divino" é suficiente para ele. Ele insiste que todos os títulos sejam omitidos nas cartas para ele, e eles simplesmente escrevem "Michelangelo Buonarotti". O gênio tem nome. O título é um fardo para ele, porque está associado a circunstâncias inevitáveis e, portanto, pelo menos a uma perda parcial dessa mesma liberdade de tudo o que impede a sua criatividade. Mas o limite lógico para o qual o artista do Renascimento gravitou foi a aquisição de total independência pessoal, assumindo, é claro, principalmente a liberdade criativa.
Se Michelangelo pode ser considerado o artista renascentista mais brilhante, Leonardo é a maior ideia do artista renascentista. Michelangelo materializou o espírito e Leonardo espiritualizou a natureza. Se Leonardo e Michelangelo podem ser imaginados como dois pólos do Renascimento, Rafael pode ser chamado de meio. Foi sua obra que expressou mais plenamente todos os princípios da Renascença, ela se encaixou na Renascença. A arte de Raphael para sempre tornou-se um símbolo de harmonia, incorporando-a em si mesma.
Na arte do Renascimento, o homem tornou-se um valor real e independente. Na arquitetura, isso se manifesta não apenas na humanização das proporções dos edifícios, mas também na criação de ideias de piso. Na arquitetura, o apelo à tradição clássica desempenhou um papel particularmente importante. Manifestou-se não só na rejeição das formas góticas e no renascimento do antigo sistema de ordem, mas também na clássica proporcionalidade das proporções, no desenvolvimento de um tipo de edifício centrado na arquitetura do templo com um espaço interior facilmente visível. Especialmente muitas coisas novas foram criadas no campo da arquitetura civil. No Renascimento, os edifícios da cidade de vários andares (prefeituras, casas de guildas mercantis, universidades, armazéns, mercados, etc.) adquirem uma aparência mais elegante, surge uma espécie de palácio da cidade (palazzo) - a residência de um burguês rico, bem como uma espécie de casa de campo. Questões relacionadas ao planejamento das cidades estão sendo resolvidas de uma nova forma, os centros urbanos estão sendo reconstruídos. A atitude em relação à arquitetura como manifestação da habilidade individual está sendo formada.
Na música, o desenvolvimento da polifonia vocal e instrumental continua. Particularmente notável é a escola polifônica holandesa que se desenvolveu no século XV, que desempenhou um papel significativo na música profissional européia por dois séculos, até o advento da ópera (compositores J. Despres, O. Lasso). Novos gêneros aparecem na música secular: frottole - uma canção de origem folclórica na Itália; villanisco - uma canção sobre qualquer assunto, do lírico e pastoral ao histórico e moralizante - na Espanha; madrigal - um tipo de letra de música executada na língua nativa. Ao mesmo tempo, algumas figuras musicais justificam as vantagens da música monádica, em oposição à paixão pela polifonia. Aparecem gêneros que contribuem para o estabelecimento da homofonia (monofonia) - canção solo, cantata, oratório. A teoria musical também está se desenvolvendo.
3. Poesia do Renascimento
Falando do Renascimento como uma grande convulsão histórica, F. Engels, no prefácio de A dialética da natureza, enfatizou que durante essa convulsão se formaram nações na Europa, nasceram literaturas nacionais, forjaram-se novo tipo pessoa. Esta era "precisava de titãs" - e "deu à luz titãs em força de pensamento, paixão e caráter, mas em versatilidade e aprendizado".
É difícil encontrar uma figura cultural importante da Renascença que não escrevesse poesia. Poetas talentosos foram Rafael, Michelangelo e Leonardo da Vinci; poemas foram escritos por Giordano Bruno, Thomas More, Ulrich von Hutten, Erasmo de Rotterdam. A arte de escrever poesia foi ensinada por Ronsard aos príncipes da França. Poemas foram compostos por papas e príncipes italianos. Até a extravagante aventureira Mary Stuart soltou graciosas linhas poéticas, despedindo-se da França, onde fluiu sua alegre juventude. Poetas líricos eram proeminentes escritores de prosa e dramaturgos. Obviamente, a grande convulsão teve seu próprio ritmo, claramente captado por pessoas talentosas, e seu pulso batia. No caos visível eventos históricos que caiu sobre a Europa - nas guerras, revoltas, grandes campanhas para terras distantes, em novas e novas descobertas - soou aquela "música das esferas", aquela voz da história que é sempre inteligível nas épocas revolucionárias para quem sabe ouvi-la . Esses novos ritmos de vida soaram com muita força na poesia que nascia em novas línguas europeias, que em muitos casos adquiriu leis de troca justamente em conexão com as atividades dos poetas.
importante e momento comum pois toda a poesia européia do Renascimento foi que ela se separou da arte do canto e logo do acompanhamento musical, sem a qual as letras folclóricas da Idade Média, bem como a arte dos poetas cavaleiros - trovadores e cantores, eram inconcebíveis. À custa dos esforços de ousados reformadores, a poesia tornou-se um espaço de criatividade estritamente individual, em que uma nova personalidade, nascida nas tempestades do Renascimento, revelava a sua relação com os outros, com a sociedade, com a natureza. Coleções de poetas italianos dos séculos XIV-XV ainda são chamadas à moda antiga: "Songbooks" - "Canzoniere", mas poemas já estão sendo impressos para serem ditos em voz alta ou lidos para si mesmo, para o bem de uma crescente tribo de poesia amantes que esqueceram o mundo inteiro por causa de um livro de poemas, como jovens heróis" Divina Comédia» Paolo e Francesca.
No entanto, a poesia dos tempos modernos ajudou a quebrar completamente a conexão com a música, principalmente o folk. Além disso, foi precisamente na era do início do Renascimento que uma poderosa onda de poesia popular, principalmente poesia cantada, varreu todos os países da Europa. Pode-se dizer que o florescimento da poesia lírica naquela época começou justamente com a poesia das massas populares - camponesas e urbanas, que em toda a Europa sentiam como crescia sua força, seu impacto na vida da sociedade. O Renascimento foi a época de grandes movimentos populares que minaram os fundamentos da Idade Média, anunciando a chegada de um novo tempo.
As profundas conexões entre a revolta popular e a crítica à ideologia feudal são reveladas em The Vision of Peter the Plowman, um poema da década de 1470 atribuído ao obscuro perdedor William Langland e repleto de ecos do folclore. O portador da verdade moral aqui é um trabalhador, um lavrador. No século XIV, obviamente, formou-se o enredo da espinha dorsal das baladas sobre o rebelde e protetor do povo Robin Hood, que se tornou uma das leituras folclóricas favoritas assim que as impressoras começaram a funcionar na Inglaterra.
A reserva original da balada, onde ainda existe como um gênero poético vivo, tornou-se os numerosos arquipélagos do Atlântico Norte com sua população mista de origem predominantemente dinamarquesa. A balada renascentista dinamarquesa, cujos exemplos estão incluídos neste volume, tornou-se um gênero clássico da poesia popular do norte da Europa.
Desde meados do século XV, as impressoras jogam fora muitas publicações destinadas a uma ampla gama de leitores, amostras de poesia folclórica - canções, romances, enigmas, bem como "livros folclóricos" (entre eles - um livro sobre Til Ulenspiegel e um livro sobre o Dr. Faust). Elas são processadas e utilizadas por escritores humanistas, mesmo aqueles que estão muito distantes do movimento de massas, mas que sentem ânsia por fontes populares. Vamos examinar as peças de Shakespeare, seus contemporâneos e predecessores. Quantas baladas folclóricas encontraremos no próprio coração de seus projetos; na canção de Desdemona sobre salgueiro-salgueiro, na canção de Ofélia sobre o Dia dos Namorados, na atmosfera da floresta das Ardenas ("Much Ado About Nothing"), onde Jacques vagueia, tão reminiscente de outra floresta - Sherwood, o covil do atirador Robin Hood e ele verde alegre irmãos. Mas, antes de entrar nos tinteiros dos escritores, esses motivos percorriam as praças das cidades inglesas, em feiras rurais e tabernas de beira de estrada, eram interpretados por cantores errantes e assustavam os devotos puritanos.
O poeta daquela época tinha outra fonte de inspiração: a antiguidade clássica. O amor apaixonado pelo conhecimento levou o poeta a longas viagens aos teatros anatômicos, às forjas e laboratórios, mas também às bibliotecas. Até o século XV, o europeu educado conhecia algumas obras da literatura latina que haviam sobrevivido da Roma antiga, por sua vez, aprendeu muito com a cultura da Grécia antiga. Mas a própria cultura grega tornou-se amplamente conhecida mais tarde, especialmente após o século 15, quando Bizâncio, o último pilar da civilização grega medieval no Oriente Médio, desabou na luta contra os turcos. Milhares de refugiados gregos que saíram das terras conquistadas pelos turcos para os países cristãos da Europa levaram consigo o conhecimento de sua língua e arte nativas, muitos se tornaram tradutores nos tribunais europeus, professores grego em universidades europeias, como assessores de grandes gráficas que publicavam os clássicos antigos no original e nas traduções.
A antiguidade tornou-se, por assim dizer, o segundo mundo em que viveram os poetas do Renascimento. Eles raramente adivinhavam que a cultura da antiguidade foi construída com o suor e o sangue dos escravos; imaginaram as pessoas da antiguidade como uma analogia às pessoas de seu tempo, e assim as retrataram. Um exemplo disso é a multidão rebelde nas tragédias de Shakespeare, camponeses e artesãos "antigos" nas telas de artistas renascentistas, ou pastores e pastoras em seus poemas e poemas.
Gradualmente, duas tendências surgiram na corrente de desenvolvimento literário da época: uma, na luta pela formação de uma nova literatura nacional, foi guiada por amostras antigas, preferiu sua experiência com a tradição popular, ensinou os jovens a escrever “de acordo com Horácio” ou “segundo Aristóteles”. Às vezes, no desejo de se aproximar dos modelos antigos, esses poetas "dourados" chegavam a descartar a rima, conquista indiscutível da poesia medieval européia. Representantes de outra direção - entre eles Shakespeare e Lone de Vega - valorizando muito a literatura antiga e frequentemente extraindo enredos e imagens de seus tesouros para suas obras, defenderam, no entanto, para o escritor não apenas o direito, mas também o dever, antes de tudo, de estudar e reproduzir em poesia vivendo a vida. Hamlet fala sobre isso com atores, em relação às habilidades de palco, Lone de Vega repete a mesma coisa em seu tratado “Sobre a nova arte de escrever comédias”. É Lipe quem expressa diretamente a ideia da necessidade de contar com a tradição popular na arte. Mas Shakespeare, em seus sonetos, falando de um certo colega escritor que desafiou sua fama poética, opõe sua maneira "erudita", "enfeitada" com seu próprio estilo "simples" e "modesto". Ambas as correntes em seu conjunto constituíam uma única corrente de poesia humanista, e embora nela houvesse contradições internas, devido a diferentes causas sociais em diferentes países, os poetas humanistas se opunham aos escritores de seu tempo que tentavam defender o velho mundo feudal, ultrapassado normas estéticas e velhas técnicas poéticas.
O século XV trouxe muitas novidades para a poesia italiana. A essa altura, as famílias patrícias começaram a tomar gradualmente o poder nas cidades, que de estados-comunas mercantis se transformaram em ducados e principados. Os filhos dos ricos florentinos, por exemplo, a famosa casa bancária dos Medici, ostentavam educação humanística, patrocinavam as artes e não eram estranhos a eles. Poetas humanistas escreveram versos latinos pensando em leitores educados. Sob a pena de talentos como Angelo Poliziano, o culto de galantes cavaleiros e belas damas foi revivido para as necessidades da nobreza da cidade. A cidade-comuna, defendendo seus direitos das pesadas garras da casa dos Medici, respondeu ao surgimento de uma nova cultura aristocrática com o rápido desenvolvimento de canções folclóricas satíricas e cotidianas; Pulci zombou da paixão romântica pelo passado feudal no poema heróico "Big Morgant". No entanto, em Florença e, em particular, em Ferrara, capital-fortaleza dos duques d "Este, o poema cavalheiresco de amor-aventura foi revivido em versão atualizada. Conde Matteo Boiardo, e mais tarde, já no século XVI, o Ludovico Ariosto, poeta de Ferrara, narra em elegantes oitavas as façanhas e aventuras inéditas do cavaleiro Roland (Orlando), que se transformou de um severo herói de um épico medieval em um amante ardente e ciumento. povos, Ariosto criou uma obra em que muito prenuncia Dom Quixote.
A última contribuição para a poesia europeia do Renascimento pertence aos poetas da Península Ibérica; uma virada decisiva em direção a uma nova visão de mundo e nova cultura ocorreu aqui apenas na virada dos séculos XV e XVI, para o qual havia razões. Em primeiro lugar, a reconquista prolongada, que exigiu o esforço de todas as forças dos povos fraternos desunidos e muitas vezes hostis que habitavam a península. O desenvolvimento histórico da Espanha ocorreu de maneira peculiar. O poder real não tinha uma posição forte nas cidades espanholas e, embora por sua vez quebrasse a aristocracia recalcitrante e as comunas urbanas, não havia estado real e unificação nacional: os reis espanhóis governavam, contando apenas com o poder das armas e da igreja inquisição. A descoberta da América no final do século XV e a captura de suas vastas áreas com minas de ouro e prata por um curto período de tempo levaram a um enriquecimento sem precedentes da Espanha e, posteriormente, a uma queda do preço do ouro e a um empobrecimento catastrófico da país, onde a busca do dinheiro fácil substituiu a preocupação com o desenvolvimento do artesanato e da agricultura. O estado espanhol começou a perder seu poder político, no final do século 16 a Holanda se afastou dele, em 1588 a Armada Invencível, a frota espanhola enviada para conquistar a Inglaterra, foi derrotada. Houve uma reação. Multidões de mendigos e vagabundos se estendiam ao longo dos campos e estradas queimados pelo sol do país, que, tendo se tornado o reino de aventureiros e saqueadores, permaneceu em grande parte um país feudal.
E, no entanto, uma brilhante cultura renascentista floresceu na Espanha. Já a literatura do final da Idade Média era rica e variada aqui. As tradições aragonesas, castelhanas, andaluzas fundiram-se em algo novo, absorvendo as influências da Galiza com a sua escola de trovadores, e da Catalunha, e sobretudo de Portugal, que já no século XV começou a lutar por novas rotas marítimas e ultrapassou geralmente a Espanha no campo da desenvolvimento cultural. Laços culturais estreitos com a Espanha foram fortalecidos por meio século (1580 - 1640) de subjugação de Portugal à coroa espanhola. Muito importante para as literaturas da Península Ibérica foi a sua proximidade secular com as literaturas do mundo árabe. Por este bairro, os poetas espanhóis receberam muitos motivos e imagens, especialmente perceptíveis nos romances dos séculos XV-XVI. Por outro lado, a Espanha naquela época estava intimamente ligada ao reino siciliano, com Veneza, mantinha guarnições e frotas em muitas cidades e portos da Itália. Durante sua formação, a poesia renascentista espanhola experimentou a influência mais forte e duradoura da poesia italiana. (O mesmo se aplica à literatura de Portugal)
Os românticos em qualquer literatura da Europa Ocidental foram sucessores e alunos dos mestres do Renascimento. Sua arte pura e humana serviu de modelo para numerosos poetas progressistas do século XX. O artista do realismo socialista, Johannes R. Becher, achou necessário incluir em seus estudos sobre literatura moderna "Uma Pequena Doutrina do Soneto" - um estudo contendo uma análise cuidadosa dos seis aspectos linguísticos do soneto: francês, alemão, Inglês, italiano, português e espanhol.
Dante, Shakespeare, Lope de Vega, Cervantes, publicados em muitas línguas dos povos da URSS, tornaram-se não apenas nossos contemporâneos, mas também nossos camaradas de armas. Como as pinturas dos artistas renascentistas, a dramaturgia, as canções e os poemas dos poetas renascentistas entraram na vida cultural do povo soviético.
Um dos titãs do Renascimento - Giordano Bruno - chamou seu livro: "Diálogo sobre o entusiasmo heróico". Este nome define com muita precisão a atmosfera espiritual do Renascimento, capturada na poesia dos séculos XIV - XVI. Essa poesia revelou a beleza do homem, a riqueza de sua vida interior e a inumerável variedade de suas sensações, mostrou a magnificência do mundo terreno, proclamou o direito humano à felicidade terrena. A literatura do Renascimento elevou a vocação do poeta à elevada missão de servir à humanidade.
4. Teatro do Renascimento
Teatro é a arte de apresentar obras dramáticas no palco. Tal definição deste conceito dá Dicionário Ozhegov.
O teatro renascentista é um dos fenômenos mais brilhantes e significativos da história de toda a cultura mundial; é uma poderosa fonte de arte teatral européia - para todos os tempos. O novo teatro nasceu da necessidade de colocar a energia jovem em ação. E se você se perguntar, em que esfera da arte essa ação deveria ter ocorrido, este é um mar de diversão, então a resposta é clara: claro, na esfera do teatro. A brincadeira carnavalesca não poderia mais permanecer em seu antigo estágio de atuação amadora espontânea e adentrou as margens da arte, tornando-se criatividade enriquecida com a vivência de literaturas antigas e novas.
Na Itália - pela primeira vez na Europa - atores profissionais subiram ao palco e surpreenderam o mundo com um jogo brilhante e forte, nascido ali mesmo, na frente do espectador, e encantando com sua liberdade, emoção, brilho e inteligência.
Assim, na Itália, foi estabelecido o início da arte teatral dos novos tempos. Aconteceu em meados do século XVI.
O teatro renascentista atingiu seu auge na Inglaterra. Agora ele realmente absorveu todas as esferas da vida, penetrou nas profundezas do ser. Uma poderosa coorte de talentos surgiu como se do chão. E o principal milagre do século foi um homem de Stratford que veio a Londres para escrever peças para o Globe Theatre. O nome alto do teatro foi justificado - o mundo realmente se abriu nas obras de Shakespeare: as distâncias históricas do passado eram visíveis, as principais verdades do século atual foram esclarecidas e milagrosamente, através do véu do tempo, os contornos do futuro eram visíveis.
Na majestosa era do Renascimento, na era de Dante, Leonardo e Michelangelo, uma pequena bandeira tremulando sobre o Globo anunciava uma grandiosa conquista. A genialidade de Shakespeare reuniu tudo o que já havia sido alcançado no drama e no palco. Agora, em duas ou três horas, podiam-se ver mundos e épocas em seis ou oito metros quadrados.
Um verdadeiro grande teatro. O novo teatro nasceu na Itália. Este nascimento não pode ser atribuído a uma data, nome ou trabalho estritamente definido. Houve um longo processo multilateral - tanto no "topo" quanto na "base" da sociedade. Deu um resultado historicamente completo somente após o necessário trindade de drama, palco e grande público.
Sobre as primeiras experiências da dramaturgia renascentista, pode-se dizer com toda certeza que foram criações da pena, mas não do palco. Surgido do ventre materno da literatura, o drama humanístico, se saiu das estantes, então apenas ocasionalmente e sem grandes esperanças de sucesso nos palcos. E farsas folclóricas descomplicadas e improvisações de máscaras de carnaval atraíam multidões de espectadores, embora não possuíssem nem um décimo dos méritos literários das peças escritas. Foi no carnaval que a fonte da commedia dell'arte - este verdadeiro progenitor do novo teatro europeu - marcou. Deve ser dito que em um estágio inicial no desenvolvimento do novo teatro, a alienação mútua do palco e do drama foi para ambos. O drama revelou-se livre dos primitivos do palco farsesco, e o palco, ou seja, as artes cênicas, desprovidas de drama e entregues a si mesmas, tiveram a oportunidade de desenvolver intensamente seus próprios recursos criativos.
O erudito estúdio de Pomponio tornou-se o primeiro encontro de amadores que representavam as comédias de Plauto. Personagens que estão em uma posição por muitos séculos heróis literários, novamente atravessou o palco (embora, provavelmente, ainda não com muita confiança).
A notícia da descoberta do cientista romano logo se espalhou pela Itália. Entre outros espetáculos nas cortes, tornou-se moda exibir as comédias de Plauto. A moda era tão grande que Plauto foi tocado em latim no Vaticano. Porém, nem todos entendiam latim, então no final dos anos 70, o humanista Batista Guarini traduziu as obras de Plauto e Terêncio para o italiano.
Desenvolvimento bem sucedido a comédia foi determinada pelo fato de que o esquema antigo tradicional - a luta de um jovem pela posse de sua amada, guardada por pais rígidos, e os truques de servos evasivos e enérgicos - acabou sendo conveniente para esquetes animados da vida moderna .
Durante o carnaval de 1508 no palácio Ferrara, o poeta Ludovico Ariosto exibiu sua Comédia do Baú.
E foi como se as comportas tivessem rompido, retendo por muito tempo o fluxo vivificante. No ano seguinte, aparece a segunda comédia de Ariosto, The Changelings, e em 1513 o cardeal Bibbiena demonstra sua Calandria em Urbino. Em 1514, o mais astuto Niccolo Machiavelli, ex-secretário da República Florentina, escreveu a melhor peça da época - Mandrake.
comedia italiana O século XVI desenvolveu um certo padrão de tramas dinâmicas: as mesmas situações se repetiam constantemente aqui com crianças substitutas, com meninas disfarçadas, as artimanhas dos criados, o fiasco cômico dos velhos apaixonados.
Os humanistas italianos estudavam intensamente o legado de Sêneca; então os trágicos gregos - Sófocles e Eurípides - caíram na órbita de seus interesses. Sob a influência desses autores antigos, nasceu a tragédia italiana do Renascimento, cujo primeiro exemplo foi Sofonisba de Giangiorgio Trissino (1515).
Trissino era um profundo conhecedor do antigo teatro grego. Compondo sua própria tragédia, ele foi guiado pelas obras de Sófocles e Eurípides. Em "Sofonisba" foram utilizados todos os componentes da antiga tragédia - coro, confidentes, mensageiros, não houve divisão em atos, foram observadas as leis de três unidades e três atores. Mas na tragédia não havia nada principal - um tema social significativo, a dinâmica das paixões, uma ação holística.
O público moderno se interessou pelo gênero trágico seja em termos puramente acadêmicos, seja na expectativa de encontrar aqui alimento para "choques".
Tal comida, a tragédia italiana deu em abundância.
A nova tragédia procurou "capturar o espírito" do público. O pai matou os filhos de sua filha, nascidos de um casamento secreto, e ofereceu-lhe as cabeças e as mãos em uma bandeja, a filha chocada matou o pai e se esfaqueou (“Orbecca” de G. Cinthio, 1541). A esposa, abandonada pelo marido, obrigou a rival a matar os filhos que ele havia adotado dele, após o que ela a matou e mandou as cabeças mortas para o marido; o marido, por sua vez, decapitou o amante de sua esposa. No final, os cônjuges de coração duro se envenenavam (“Dalida” de L. Groto, 1572).
"Tragédias de Horrores" atordoados com suas cenas sangrentas, sem despertar pensamentos, sem levantar questões sobre o sentido da vida e os deveres de uma pessoa.
Numa época em que a comédia estava em declínio e a tragédia não entrava no caminho principal da arte, o vencedor pastoral apareceu na arena dramática.
A princípio, a direção pastoral recebeu a expressão mais vívida na poesia - nas obras de Boccaccio ("Ameto", "Fiesolan Nymphs") e nas letras dos petrarquistas. Mas logo um novo nasceu gênero dramático.
Se a paixão fatal dominava na tragédia e a atração sensual prevalecia na comédia, então o “amor puro” reinava na pastoral, aparecendo fora das conexões específicas da vida como uma espécie de ideal poético.
O teatro do Renascimento inglês é Shakespeare e sua brilhante comitiva: Marlowe, Greene, Beaumont, Fletcher, Chapman, Nash, Ben Jonson. Mas todos esses sobrenomes pertencem à sua idade e nação; Shakespeare, que expressou profundamente o espírito de seu tempo e a vida de seu povo, pertence a todas as épocas e a todos os povos.
Teatro Shakespeare - é uma espécie de síntese da cultura do Renascimento. Tendo identificado o estágio mais maduro dessa cultura, Shakespeare falou com sua época e com os séculos vindouros, como se fosse em nome de toda a época da "maior convulsão progressiva".
Criatividade de Shakespeare foi o resultado do desenvolvimento do teatro inglês nacional. Ao mesmo tempo, até certo ponto, resumiu as conquistas de toda a cultura poética, dramática e cênica anterior dos tempos antigos e modernos. Portanto, nos dramas de Shakespeare, pode-se sentir o alcance épico da trama homérica, a modelagem titânica das monotragédias dos antigos gregos e o turbilhão das tramas da comédia romana. O teatro de Shakespeare é rico no alto lirismo dos poetas petrarquistas. Nas obras de Shakespeare, as vozes dos humanistas modernos são claramente audíveis, de Erasmo de Rotterdam a Montaigne.
O desenvolvimento profundo do herdado - esse foi o pré-requisito mais importante para o nascimento de um novo e mais perfeito tipo de drama renascentista, o drama de Shakespeare.
Conclusão
As ideias do humanismo são a base espiritual para o florescimento da arte renascentista. A arte do Renascimento está imbuída dos ideais do humanismo, criou a imagem de uma pessoa bela e harmoniosamente desenvolvida. Os humanistas italianos exigiam a liberdade do homem. “Mas a liberdade está na compreensão do Renascimento italiano”, escreveu A.K. Dzhivelegov, - significava uma pessoa separada. O humanismo provou que uma pessoa em seus sentimentos, em seus pensamentos, em suas crenças não está sujeita a nenhuma tutela, que não deve haver força de vontade sobre ela, impedindo-a de sentir e pensar como quiser. Na ciência moderna, não há compreensão inequívoca da natureza, estrutura e quadro cronológico do humanismo renascentista. Mas, é claro, o humanismo deve ser considerado o principal conteúdo ideológico da cultura renascentista, inseparável de todo o curso do desenvolvimento histórico da Itália na época do início da desintegração do feudal e do surgimento das relações capitalistas. O humanismo foi um movimento ideológico progressivo que contribuiu para o estabelecimento de um meio de cultura, apoiando-se principalmente no patrimônio antigo. O humanismo italiano passou por uma série de etapas: formação no século XIV, um brilhante apogeu no século seguinte, reestruturação interna e declínios graduais no século XVI. A evolução do Renascimento italiano esteve intimamente ligada ao desenvolvimento da filosofia, ideologia política, ciência e outras formas de consciência social e, por sua vez, teve um impacto poderoso na cultura artística do Renascimento.
Recuperado em uma base antiga, o conhecimento humanitário, incluindo ética, retórica, filologia, história, tornou-se a principal área na formação e desenvolvimento do humanismo, cujo núcleo ideológico era a doutrina do homem, seu lugar e papel na natureza e sociedade. Esta doutrina desenvolveu-se principalmente na ética e foi enriquecida em várias áreas da cultura renascentista. A ética humanista trouxe à tona o problema do destino terreno do homem, a conquista da felicidade por seus próprios esforços. Os humanistas abordaram as questões da ética social de uma maneira nova, em cuja solução se apoiaram em ideias sobre o poder da capacidade criativa e da vontade do homem, sobre suas amplas possibilidades de construir a felicidade na terra. Eles consideravam a harmonia dos interesses do indivíduo e da sociedade um importante pré-requisito para o sucesso, apresentavam o ideal do livre desenvolvimento do indivíduo e da melhoria do organismo social e das ordens políticas, que estão indissociavelmente ligadas a ele. Isso deu um caráter pronunciado a muitas idéias e ensinamentos éticos dos humanistas italianos.
Muitos problemas desenvolvidos na ética humanística adquirem um novo significado e relevância especial em nossa época, quando os estímulos morais da atividade humana desempenham uma função social cada vez mais importante.
A visão de mundo humanista tornou-se uma das maiores conquistas progressivas do Renascimento, que teve forte influência em todo o desenvolvimento subsequente da cultura européia.
A Reforma desempenhou um papel importante na formação da civilização mundial. Sem proclamar nenhum ideal sócio-político específico, sem exigir uma reformulação da sociedade em uma direção ou outra, sem fazer descobertas científicas ou conquistas no campo artístico e estético, a Reforma mudou a consciência do homem, abriu-lhe novos horizontes espirituais . Uma pessoa recebeu a liberdade de pensar de forma independente, libertou-se da tutela da igreja, recebeu a mais alta sanção para ela - uma sanção religiosa que apenas sua própria mente e consciência lhe ditam como viver. A Reforma contribuiu para o surgimento de um homem da sociedade burguesa - um indivíduo autônomo independente com liberdade de escolha moral, independente e responsável em seus julgamentos e ações.
Lista de literatura usada
1. L.M. Bragina "Visões sociais e éticas dos humanistas italianos" (segunda metade do século XV) MGU Publishing House, 1983
2. Da história da cultura da Idade Média e do Renascimento. Editora "Ciência", M 1976
3. 5 0 biografias de mestres da arte da Europa Ocidental. Editora "Artista soviético", Leningrado 1965
4. Garay E. Problemas do Renascimento italiano. - M., 1996.
5. História da arte de países estrangeiros. - M., 1998.
6. Culturologia. História da Cultura Mundial: Livro Didático para Escolas Secundárias / Ed. prof. UM. Markova. -M, 1995.
7. Culturologia. Teoria e História da Cultura: Manual. - M.: Sociedade "Conhecimento" da Rússia, CINO, 1996.
8. Losev L.F. Estética do Renascimento. - M., 1993.
9. Polikarpov V.S. Palestras sobre Estudos Culturais. - M.: "Gardarika", "Expert Bureau", 1997.
arte renascentista
Trabalho de graduação
Aluno 4 classe "E"
Escola de Arte nº 2
Galaydy Yura
Introdução .......................................... . ................ 3
1. Renascimento italiano..............................3
2. Renascimento do Norte............................................. .5
3. Holanda.................................................. ..........9
Conclusão................................................. ............. 13
Detalhes sobre os artistas:
1.Leonardo da Vinci …………………………………14
2.Rafael Santi…………………………………….19
3. Michelangelo Buonarroti……………………..24
Introdução.
Na Idade Média na Europa, ocorreram rápidas mudanças nas esferas econômica, social e religiosa da vida, que não podiam deixar de levar a mudanças na arte. A qualquer momento de mudança, a pessoa tenta repensar o mundo ao seu redor de novo, há um doloroso processo de “reavaliação de todos os valores”, usando a famosa expressão de F. Nietzsche.
Essas buscas, antes de tudo e de forma mais expressiva, se manifestam na obra de pessoas de arte, que, como os mais finos diapasões, entram em ressonância com o mundo instável ao redor e tecem uma sinfonia de sentimentos em suas obras.
Assim, na Idade Média, Itália, Alemanha, Holanda e França tornaram-se o foco de tais mudanças. Vamos tentar descobrir o que realmente aconteceu nesses países naquele tempo distante de nós, que pensamentos ocupavam as mentes dos pensadores de tempos passados, vamos tentar através das obras de arte mergulhar na essência dos fenômenos ocorridos na época, chamado "Renascimento".
1. Renascimento italiano.
Devido à natureza transitória do Renascimento, o quadro cronológico deste período histórico é bastante difícil de estabelecer. Com base nos sinais que serão indicados posteriormente (humanismo, antropocentrismo, modificação da tradição cristã, renascimento da antiguidade), a cronologia ficará assim: Protorenaissance (ducento e trecento - séculos XII-XIII - XIII-XIV), Primeira Renascença (séculos quattrocento XIV-XV), Alta Renascença (séculos cinquecento XV-XVI).
O Renascimento italiano não é um movimento pan-italiano, mas uma série de movimentos simultâneos ou alternados em diferentes centros da Itália. A fragmentação da Itália não foi o último motivo aqui. As características mais completas do Renascimento se manifestaram em Florença, Roma. Milão, Nápoles e Veneza também viveram essa época, mas não tão intensamente quanto Florença.
O termo "Renaissance" (Renascimento) foi introduzido pelo próprio pensador e artista da época, Giorgio Vasari ("Biografia de famosos pintores, escultores e arquitetos"). Então ele chamou o tempo de 1250 a 1550. Do seu ponto de vista, era hora renascimento da antiguidade. Para Vasari, a antiguidade parece ideal.
No futuro, o conteúdo do termo evoluiu. O renascimento começou a significar a emancipação da ciência e da arte da teologia, um esfriamento em relação à ética cristã, o nascimento das literaturas nacionais, o desejo do homem de se libertar das restrições da Igreja Católica. Ou seja, o Renascimento, em essência, passou a significar humanismo.
Por que havia um foco tão claro no homem na cultura e na estética do Renascimento? Do ponto de vista sociológico, a cultura urbana tornou-se a causa da independência do homem, da sua crescente autoafirmação. Na cidade, mais do que em qualquer outro lugar, uma pessoa descobriu as virtudes de uma vida normal e comum.
Isso aconteceu porque os habitantes da cidade eram pessoas mais independentes do que os camponeses. Inicialmente, as cidades eram habitadas por verdadeiros artesãos, artesãos, porque eles, tendo saído da economia camponesa, esperavam viver apenas de suas habilidades artesanais. Reabastecido o número de residentes urbanos e pessoas empreendedoras. Circunstâncias reais os forçaram a confiar apenas em si mesmos, formaram uma nova atitude perante a vida.
A produção simples de mercadorias também desempenhou um papel significativo na formação de uma mentalidade especial. O sentimento do proprietário, que ao mesmo tempo produz e dispõe de renda, certamente também contribuiu para a formação de um espírito independente especial dos primeiros habitantes das cidades.
As cidades italianas floresceram não apenas pelas razões indicadas, mas também por sua participação ativa no comércio de trânsito. (A rivalidade das cidades competindo no mercado externo foi, inclusive, um dos motivos da fragmentação da Itália). Nos séculos VIII-IX, o Mar Mediterrâneo voltou a ser um local de concentração de rotas comerciais. Todos os moradores do litoral, segundo o historiador francês F. Braudel, se beneficiaram com isso. Isso explica em grande parte que as cidades que não tinham recursos naturais, floresceu. Eles conectaram os países costeiros entre si. As cruzadas desempenharam um papel especial no enriquecimento das cidades.
Assim, a cultura urbana criou novas pessoas, formou uma nova atitude perante a vida, criou uma atmosfera na qual nasceram grandes ideias e grandes obras. Mas ideologicamente, tudo isso foi formalizado no nível da elite. Os residentes comuns estavam longe da formulação ideológica da visão de mundo.
A nova visão de mundo emergente de uma pessoa precisava de um apoio ideológico. A antiguidade forneceu esse suporte. Claro, não foi por acaso que os habitantes da Itália se voltaram para ela, porque esta península, proeminente no Mar Mediterrâneo, foi habitada por representantes da antiga civilização (romana) há mais de mil anos. " O mais apelo ao clássico a antiguidade é explicada por nada mais do que a necessidade de encontrar suporte para as novas necessidades da mente e novas aspirações de vida,- escreveu o historiador russo N. Kareev no início do século.
Assim, o Renascimento é um apelo à antiguidade. Mas toda a cultura desse período prova mais uma vez que o Renascimento em sua forma pura, o Renascimento como tal, não existe. Os pensadores renascentistas viram o que queriam na antiguidade. Portanto, não é por acaso que o neoplatonismo passou por um desenvolvimento intelectual especial nesta época. A.F. Losev mostra brilhantemente em seu livro "Estética do Renascimento" as razões da prevalência especial desse conceito filosófico na era do Renascimento italiano. O neoplatonismo antigo (na verdade cosmológico) não poderia deixar de atrair a atenção dos revivalistas com a ideia de emanação (origem) do significado divino, a ideia de saturação do mundo (cosmos) com significado divino e, finalmente, a ideia do Uno como o desígnio mais concreto da vida e do ser.
Deus está se aproximando do homem. É concebido de forma panteísta (Deus se funde com o mundo, ele espiritualiza o mundo). É por isso que o mundo atrai uma pessoa. A compreensão do homem de um mundo repleto de beleza divina torna-se uma das principais tarefas ideológicas do Renascimento.
Personagem ficção Renascimento.
A melhor maneira de compreender a beleza divina, dissolvida no mundo, é justamente reconhecida como obra dos sentimentos humanos. Portanto, há um interesse tão grande na percepção visual, daí o florescimento das artes espaciais (pintura, escultura, arquitetura). Afinal, são essas artes, segundo os líderes do Renascimento, que permitem captar com mais precisão a beleza divina. Portanto, a cultura do Renascimento tem um caráter artístico distinto.
O interesse pela antiguidade está associado entre os revivalistas à modificação da tradição cristã (católica). Graças à influência do neoplatonismo, a tendência panteísta se fortalece. Isso confere singularidade e singularidade à cultura da Itália dos séculos XIV-XVI. Os avivalistas deram uma nova olhada em si mesmos, mas ao mesmo tempo não perderam a fé em Deus. Eles começaram a se perceber responsáveis \u200b\u200bpor seu destino, significativos, mas ao mesmo tempo não deixaram de ser pessoas da Idade Média.
A natureza contraditória da cultura do Renascimento: a alegria da autoafirmação e a tragédia da cosmovisão. A presença dessas duas tendências que se cruzam (a antiguidade e a modificação do catolicismo) determinou a inconsistência da cultura e da estética do Renascimento. Por um lado, o homem renascentista conheceu a alegria da auto-afirmação, por outro lado, compreendeu toda a tragédia da sua existência. Tanto um como o outro estão ligados na atitude do homem renascentista para com Deus.
As origens da tragédia na obra dos artistas renascentistas são mostradas de forma convincente pelo filósofo russo N. Berdyaev. O choque de princípios antigos e cristãos foi a causa de uma profunda bifurcação do homem, enfatizou. Os grandes artistas da Renascença estavam obcecados com a descoberta de outro mundo transcendental. O sonho dele já foi dado ao homem por Cristo. Os artistas estavam focados em criar um ser diferente, eles sentiam em si forças semelhantes às forças do Criador; colocam-se problemas essencialmente ontológicos. No entanto, essas tarefas eram obviamente impossíveis na vida terrena, no mundo da cultura. Criatividade artística, que se distingue não por uma natureza ontológica, mas por uma natureza psicológica, não resolve e não pode resolver tais problemas. A confiança dos artistas nas conquistas da antiguidade e sua aspiração ao mundo superior, descoberto por Cristo, não coincidem. Isso leva a uma visão de mundo trágica, ao desejo de ressurreição. Berdyaev escreve: “O segredo do Renascimento é que ele falhou. Nunca antes tais forças criativas foram enviadas ao mundo, e nunca antes a tragédia da sociedade foi tão revelada.
A cultura do Renascimento italiano deu ao mundo toda uma galáxia de figuras brilhantes que enriqueceram imensuravelmente o tesouro da cultura mundial. Entre eles, é preciso citar os nomes de Dante Alighieri (1265-1321), do pintor Giotto di Bondone (1266-1337), do poeta humanista Francesco Petrarca (1304-1374), do poeta, escritor humanista Giovanni Boccaccio (1313 -1375), o arquiteto Filippo Brunelleschi, o escultor Donatello Donato di Nicollo di Betto Bardi (1386-1466), o pintor Masaccio Tommaso di Giovanni di Simone Guidi (1401-1428), o escritor humanista Lorenzo Vallu (1407-1457), o escritor humanista Pico della Mirandola (1463-1494), filósofo humanista Marsilio Ficino (1433-1499), pintor Sandro Botticelli (1445-1510), pintor, cientista Leonardo da Vinci (1452-1519), pintor, escultor, arquiteto Michelangelo Buonaroti (1475- 1564), pintor Giorgione (1477-1510), pintor Tiziano Vecellio li Cadore (1477-1566), pintor Rafael Santi (1484-1520), pintor Jacopo Tintoretto (1518-1594) e muitos outros.
2. Renascimento do Norte.
Sob o "Renascimento do Norte", costuma-se referir à cultura dos séculos XV-XVI nos países europeus situados ao norte da Itália.
Este termo é bastante arbitrário. É usado por analogia com o Renascimento italiano, mas se na Itália tivesse um significado original direto - o renascimento das tradições cultura antiga, então em outros países, em essência, nada "renasceu": havia poucos monumentos e memórias da era antiga. A arte da Holanda, Alemanha e França (principais centros do Renascimento do Norte) no século XV se desenvolveu como uma continuação direta do gótico, como sua evolução interna no final dos séculos 15 e 16 foi uma época de grande agitação para os países da Europa, a época mais dinâmica e tempestuosa de sua história. Guerras religiosas generalizadas, a luta contra o domínio da Igreja Católica - a Reforma, que se transformou em uma grande Guerra Camponesa na Alemanha, uma revolução na Holanda, uma intensidade dramática no final da Guerra dos Cem Anos entre a França e a Inglaterra, rixas sangrentas entre católicos e huguenotes na França. Parece que o clima da época não era propício para a formação de formas claras e majestosas da Alta Renascença na arte. E de fato: a tensão gótica e a febre na Renascença do Norte não desaparecem. Mas, por outro lado , a educação humanística está se espalhando e a atratividade da arte italiana está aumentando. A fusão das influências italianas com as tradições góticas originais é a originalidade do estilo renascentista do norte.
A principal razão pela qual o termo "Renascimento" se aplica a toda a cultura européia desse período reside na semelhança das tendências internas do processo cultural. Ou seja, no crescimento e desenvolvimento generalizado do humanismo burguês, no afrouxamento da visão de mundo feudal, na crescente autoconsciência do indivíduo.
O fator econômico desempenhou um papel significativo na formação do Renascimento alemão: o desenvolvimento da mineração, da impressão e da indústria têxtil. A penetração cada vez mais profunda na economia das relações mercadoria-dinheiro, o envolvimento nos processos de mercado pan-europeus afetou grandes massas de pessoas e mudou sua consciência.
Para a formação da visão de mundo renascentista nos países românicos, no sul da Europa, a influência da herança antiga foi de enorme importância. Estabeleceu ideais e modelos de caráter brilhante e afirmador da vida. A influência da cultura antiga para o Renascimento do Norte é insignificante, foi percebida indiretamente. Portanto, na maioria de seus representantes, é mais fácil detectar vestígios de gótico não completamente obsoleto do que encontrar motivos antigos. Na Alemanha, fragmentada em centenas de pequenos estados feudais, havia um princípio unificador: o ódio à Igreja Católica, que impunha impostos e pesadas regulamentações à vida espiritual do país. Portanto, uma das principais direções da luta pelo “reino de Deus na terra” é a luta com o papado pela reforma da igreja. O sul da Europa será muito menos afetado pelos processos de reforma.
A tradução de Martinho Lutero da Bíblia para o alemão pode ser considerada o verdadeiro início do Renascimento do Norte. Este trabalho continuou por vinte anos, mas fragmentos individuais tornaram-se conhecidos antes. A Bíblia Luterana faz uma era, em primeiro lugar, na língua alemã: torna-se a base de uma língua alemã unificada; em segundo lugar, estabelece o precedente para a tradução da Bíblia para uma linguagem literária moderna, e as traduções para o inglês, francês e outros seguirão em breve.
As idéias do luteranismo unem os círculos mais progressistas da Alemanha: pensadores humanistas como Philipp Melanchthon, os artistas Dürer e Holbein, o padre e líder do movimento popular Thomas Münter também estão envolvidos nele.
A literatura renascentista na Alemanha baseou-se no trabalho dos Meistersingers. Os exemplos mais perfeitos de poesia da época foram apresentados pelo sucessor dessas tradições folclóricas, Hans Sachs. Erasmo de Rotterdam tornou-se um notável escritor de prosa do Renascimento do Norte. Dele melhor livro O Elogio da Loucura foi publicado em 1509.
Entre os tipos de atividade artística, a pintura liderava - como no Renascimento italiano. O primeiro entre os grandes mestres desse período deveria se chamar Hieronymus Bosch. A sua obra sintetiza as realizações da pintura medieval e serve de prólogo ao Renascimento. Nas pinturas de Bosch, escritas principalmente sobre temas religiosos, é impressionante a combinação de fantasias e símbolos medievais sombrios com elementos do folclore e detalhes realistas precisos. E mesmo as alegorias mais terríveis são escritas com um sabor surpreendentemente folclórico que causam uma impressão de afirmação da vida. Nenhum dos mestres da pintura subsequentes em todo o mundo pintará imagens tão fantásticas que beiram a loucura, mas a influência de H. Bosch no século 20 será sentida na obra dos surrealistas.
O maior mestre do Renascimento do Norte em belas-Artes foi Albrecht Dürer. Deixou um legado colossal: pinturas, obras gráficas, artigos, correspondências.
A obra de Dürer foi influenciada pelos mestres italianos: ele gostava de visitar a Itália, especialmente Veneza. No entanto, a especificidade da visão de mundo de Albrecht Dürer está na busca da reflexão mais objetiva do mundo, o realismo idealizador italiano era estranho para ele, ele buscava alcançar a autenticidade total da pintura e do desenho. Esse pathos está impregnado de seus auto-retratos, principalmente a lápis em cartas ao irmão, e o retrato de sua mãe antes de sua morte também pode ser atribuído aqui.
Você pode tentar entender a profundidade dos gráficos de Dürer através da decodificação dos símbolos medievais que ele realmente possui. Mas é preciso buscar pistas para essas imagens fascinantes na época da Reforma. Talvez as folhas de suas gravuras refletissem mais claramente a resistência do espírito do povo da época, sua prontidão para rejeitar qualquer tentação, suas lamentáveis invenções sobre o lamentável resultado da guerra. É nisso que você pensa quando olha para o Cavaleiro do Apocalipse, Melancolia.
Há um início lírico na obra de Dürer. Isso inclui a mais delicada pintura colorida “A Festa das Coroas Rosa”, o ciclo de gravuras “A Vida de Maria”, que inspirou o ciclo de poemas de Rilke no século XIX. No século 20, o compositor Hindemith criou um ciclo de romances baseados nesses versos.
O ápice da obra de Albrecht Dürer foi a grandiosa imagem dos quatro apóstolos, um verdadeiro hino ao homem, uma das expressões mais marcantes do humanismo renascentista.
Inerente a esta época e ao trabalho de Lucas Cranach, o Velho. Suas Madonas e outras heroínas bíblicas são obviamente habitantes da cidade e contemporâneos do artista. Uma de suas melhores obras é a "Crucificação", escrita de forma inovadora. Uma composição nitidamente assimétrica, ângulos incomuns de figuras tradicionais, cores ricas dão a impressão de confusão, presságio de convulsões sociais. Mathis Niethard, também conhecido como Grunewald (1470-75 - 1528), surpreende pela riqueza e brilho das fantasias religiosas, êxtase, composição inventiva. A principal obra de Grunewald é o Altar de Isenheim. A imagem de Maria com o bebê está inscrita em uma composição festiva multifigurada com anjos tocando instrumentos musicais para eles. Em contraste com essa cena leve, a Crucificação é escrita, sombria e naturalista. A imagem do Cristo plebeu, que andava muito descalço, emaciado, à beira da agonia, está associada aos participantes da guerra camponesa.
Gais Holbein, o Jovem (1497-1543) pode ser considerado um dos melhores retratistas desse período. Ele possui retratos de Erasmo de Rotterdam e do astrônomo Nicholas Kratzer, Thomas More e Jane Seymour, interpretando as imagens de contemporâneos como pessoas cheias de dignidade, sabedoria, força espiritual contida. Ele também criou ilustrações maravilhosas para a Bíblia e "Praise of Stupidity", uma série de gravuras "Dance of Death".
Uma individualidade peculiar também foi notada na obra do chefe da escola de pintura do Danúbio, Albrecht Altdorfer (1480-1538). Ele pertence à prioridade na formação do gênero paisagem. No entanto, sua pintura mais interessante continua sendo a Batalha de Alexandre com Dario (1529). A cena da batalha na Terra é repetida pelo Sol, Lua e nuvens competindo no céu. A imagem está repleta de muitos detalhes decorativos, de cores requintadas, deliciosas em sua habilidade pictórica. Além disso, esta é uma das primeiras cenas de batalha pintadas a óleo, pelo que Altdorfer pode ser considerado o fundador de outro género pictórico.
A era do Renascimento do Norte durou pouco. A Guerra dos Trinta Anos interveio nesse processo e atrasou o desenvolvimento da cultura alemã. Mas na história permaneceu como uma era incrivelmente integral, como um clube de gênios, mestres da palavra e da pintura, que se comunicam, participam de uma luta comum, viajam, pintam retratos incríveis uns dos outros e se inspiram mutuamente por ideias. O envolvimento dos povos dos países do norte no processo cultural pan-europeu começou na época do Renascimento do Norte.
3. Holanda.
Um pequeno país, incluindo o território da atual Bélgica e Holanda, estava destinado a se tornar o centro mais brilhante da arte européia na Itália no século XV. As cidades holandesas, embora não fossem politicamente independentes, há muito vinham enriquecendo e se fortalecendo, conduzindo amplo comércio e, então, desenvolvendo a produção manufatureira de tecidos, tapetes e vidro. centro principal o comércio internacional era a antiga Bruges, a poética cidade dos canais; no final do século 15, ela se extinguiu, dando lugar à animada Antuérpia.
A arquitetura gótica da Holanda não é apenas templos, mas ainda mais prefeituras, muralhas e torres da cidade, casas de mercadores.
E guildas artesanais, galerias comerciais, armazéns e, finalmente, edifícios residenciais de um tipo característico e antigo: com fachadas estreitas e empenas altas triangulares ou escalonadas.
Como as igrejas eram construídas mais de tijolo do que de pedra, a escultura da igreja não recebeu muito desenvolvimento. Klaus Sluter e seus alunos permaneceram uma exceção brilhante na cultura da Holanda. Seu principal poder artístico na Idade Média se manifestou em outra coisa - na pintura em miniatura. No século XV, a miniatura atingiu um alto grau de perfeição, como pode ser visto no famoso Livro de Horas do Duque de Berry, ilustrado pelos irmãos Limburg.
O olhar amoroso, diligente e poético do mundo foi herdado da miniatura pela grande pintura do século XV, iniciada por Jan van Eyck. Pequenas imagens que adornam manuscritos se transformaram em grandes pinturas que adornam as portas dos altares. Ao mesmo tempo, surgiram novas qualidades artísticas. Apareceu algo que não poderia ser em miniatura: o mesmo olhar atento e concentrado para uma pessoa, para seu rosto, no fundo de seus olhos.
O Hermitage tem uma pintura de um proeminente mestre holandês Rogier van der Weyden “St. Lucas pinta a Madona" (o evangelista Lucas era considerado um artista e patrono da oficina dos pintores). Contém muitas composições típicas do favorito holandês: um panorama da cidade e do canal, pintado tão pequeno, com ternura e cuidado, com duas figuras humanas pensativas na ponte. Mas o mais notável é o rosto e as mãos de Lucas, que pinta a Madona "da vida". Ele tem uma expressão especial - a expressão de escuta cuidadosa e trêmula de um homem que entrou completamente em contemplação. Era assim que os antigos mestres holandeses olhavam para a natureza.
Voltemos a Jan van Eyck. Ele começou como miniaturista, trabalhando ao lado de seu irmão mais velho, Hubert. Os irmãos van Eyck foram tradicionalmente creditados com a invenção da tecnologia. pintura a óleo; isso é impreciso - o método de usar óleos vegetais como aglutinante era conhecido antes, mas os van Eycks o aprimoraram e deram impulso à sua distribuição. O óleo logo suplantou a têmpera.
As tintas a óleo escurecem com o tempo. As pinturas antigas que vemos nos museus pareciam diferentes quando apareciam, muito mais claras e brilhantes. Mas a pintura de van Eycks tem qualidades técnicas realmente incomuns: as tintas não secam e mantêm o frescor por séculos. Eles quase brilham, lembrando o brilho dos vitrais.
A obra mais célebre dos van Eycks, o grande retábulo de Ghent, foi iniciada por Hubert e, após sua morte, foi continuada e concluída em 1432 em janeiro de 1432. As asas do grandioso altar são pintadas em duas camadas, tanto por dentro quanto por fora. Nas laterais externas há uma anunciação e figuras ajoelhadas de doadores (clientes): assim ficava o altar fechado nos dias de semana. Nos feriados, as portas eram escancaradas, quando abertas, o altar ficava seis vezes maior, e diante dos paroquianos, em todo o esplendor das cores de Van Eyck, surgia um espetáculo que, na totalidade de suas cenas, deveria encarnar a ideia da redenção dos pecados humanos e da iluminação vindoura. No topo, no centro, está a deesis - Deus Pai no trono com Maria e João Batista nas laterais. Esses números são maiores do que o crescimento humano. Então Adão e Eva nus em crescimento humano e grupos de anjos musicais e cantores. No nível inferior, uma cena lotada de adoração ao Cordeiro, resolvida em escala muito menor, muito espacialmente, entre uma ampla paisagem florida, e nas alas laterais há procissões de peregrinos. O enredo da adoração do Cordeiro é retirado do “Apocalipse de João”, que diz que após o fim do mundo pecaminoso, a cidade de Deus descerá à terra, na qual não haverá noite, mas luz eterna, e o rio da vida “brilhante como cristal”, e a árvore da vida, frutífera todos os meses, e a cidade é “ouro puro, como vidro transparente”. O Cordeiro é um símbolo místico da apoteose que aguarda os justos. E, aparentemente, os artistas tentaram colocar nas pinturas do Altar de Ghent todo o seu amor pelos encantos da terra, pelos rostos humanos, pelas ervas, árvores, águas, a fim de incorporar o sonho dourado de sua eternidade e incorruptibilidade.
Jan van Eyck também foi um excelente pintor de retratos. No retrato emparelhado dos cônjuges Arnolfini, que pertence a ele, a imagem pessoas comuns, vestido da maneira então pretensiosa, em uma sala comum com lustre, dossel, espelho e cachorro de colo, parece uma espécie de sacramento maravilhoso. É como se ele adorasse a chama de uma vela, o rubor das maçãs e um espelho convexo; ele está apaixonado por cada traço do rosto longo e pálido de Arnolfini, que segura sua mansa esposa pela mão como se estivesse realizando uma cerimônia secreta. Pessoas e objetos - tudo congelou em antecipação solene, em seriedade reverente; todas as coisas têm um significado oculto, sugerindo a santidade do voto conjugal e do lar.
Assim começou a pintura cotidiana dos burgueses. Esse escrúpulo sutil, amor ao conforto, apego quase religioso ao mundo das coisas. Mas quanto mais longe, mais a prosa saiu e a poesia recuou. Nunca mais tarde a vida dos burgueses foi retratada em tons tão poéticos de sacralidade e dignidade.
Os primeiros burgueses dos países nórdicos também não eram tão "burgueses limitados" quanto seus descendentes posteriores. É verdade que o escopo e a versatilidade dos italianos não são característicos dele, mas mesmo em uma escala mais estreita de visão de mundo, o burguês não é estranho a um tipo especial de grandeza modesta. Afinal, foi ele, o burguês, quem criou as cidades, defendeu sua liberdade dos senhores feudais e ainda teve que defendê-la dos monarcas estrangeiros e da gananciosa Igreja Católica. Sobre os ombros dos burgueses estão grandes feitos históricos que formaram personagens marcantes, que, além de aumentar o respeito pelos valores materiais, também desenvolveram resiliência, coesão corporativa, lealdade ao dever e à palavra, autoestima. Como diz Thomas Mann, o burguês era "uma pessoa mediana no mais alto sentido do termo".
Essa definição não se encaixa nos italianos do Renascimento: eles não se sentiam como pessoas comuns, mesmo em um sentido elevado. Arnolfini, interpretado por Jan van Eyck, era um italiano que vivia na Holanda; se um compatriota o tivesse pintado, o retrato provavelmente teria um espírito diferente. Um profundo interesse no indivíduo, em sua aparência e caráter - isso reúne os artistas do Renascimento italiano e do norte. Mas eles estão interessados nisso de maneiras diferentes e veem coisas diferentes nele. Os holandeses não têm o sentido do titanismo e da omnipotência da pessoa humana: vêem o seu valor na integridade burguesa, nas qualidades, entre as quais a humildade e a piedade, a consciência da própria pequenez perante o universo, não são as últimas, embora mesmo nesta humildade a dignidade do indivíduo não desaparece, mas até como é sublinhada.
Em meados e na segunda metade do século XV, muitos pintores excelentes trabalharam na Holanda: o já mencionado Rogier van der Weyden, Dirk Boats, Hugo van der Goes, Memling, Geertgen Toth Sint Jans. Suas individualidades artísticas são distintamente distinguíveis, embora não com o mesmo grau de estilo individual dos quattrocentistas italianos. Eles pintaram principalmente altares e retratos pintados e pintaram pinturas de cavalete encomendadas por cidadãos ricos. Suas composições imbuídas de um clima contemplativo e manso têm um charme especial. Eles adoraram as tramas do Natal e a adoração do bebê, essas tramas são resolvidas por eles de maneira sutil e engenhosa. Em “A Adoração dos Pastores” de Hugo van der Goes, o bebê é magro e miserável, como qualquer recém-nascido, os que o cercam olham para ele, indefeso e retorcido, com profunda ternura espiritual, a Madona está quieta, como uma freira , não levanta os olhos, mas sente-se cheia de pudor o orgulho da maternidade. E fora do berçário, avista-se a paisagem da Holanda, ampla, montanhosa, com estradas sinuosas, árvores raras, torres, pontes.
Há muito toque aqui, mas não há doçura: é perceptível a angularidade gótica das formas, um pouco de sua rigidez. Os rostos dos pastores em van der Goes são característicos e feios, como sempre nas obras góticas. Até os anjos são feios.
Os artistas holandeses raramente retratam pessoas com rostos e figuras bonitas e regulares, e isso também difere dos italianos. A simples consideração de que os italianos, descendentes diretos dos romanos, eram geralmente mais bonitos do que os filhos pálidos e flácidos do norte pode, é claro, ser levado em consideração, mas o principal motivo ainda não é esse, mas a diferença de o conceito artístico geral. O humanismo italiano está imbuído do pathos do grande homem e da paixão pelas formas clássicas, os holandeses poetizam o “homem médio”, pouco têm a ver com a beleza clássica e as proporções harmoniosas.
Os holandeses têm uma paixão pelo detalhe. Eles são para eles portadores de um significado secreto. Um lírio em um vaso, uma toalha, um bule, um livro - todos os detalhes, exceto os diretos, também carregam um significado oculto. As coisas são retratadas com amor e parecem inspiradas.
O respeito por si, pelo cotidiano, pelo mundo das coisas era refratado por uma cosmovisão religiosa. Tal era o espírito das reformas protestantes sob as quais o Renascimento holandês está ocorrendo.
Percepção menos antropomórfica em comparação com os italianos, a predominância do princípio panteísta e a continuidade direta do gótico afetam todos os componentes do estilo da pintura holandesa. Entre os quattrocentistas italianos, qualquer composição, por mais detalhada que seja, gravita em torno de uma tectônica mais ou menos estrita. Os grupos são construídos como um baixo-relevo, ou seja, o artista geralmente tenta colocar as figuras principais em uma área frontal relativamente estreita, em um espaço fechado bem definido; ele os equilibra arquitetonicamente, eles ficam firmes em seus pés: já podemos encontrar todos esses recursos em Giotto. As composições dos holandeses são menos fechadas e menos tectônicas. Eles são atraídos pela profundidade e pela distância, sua sensação de espaço é mais viva, mais arejada do que na pintura italiana. As figuras são mais caprichosas e instáveis, sua tectônica é perturbada por dobras divergentes para baixo em forma de leque, dobras quebradas de mantos. Os holandeses adoram o jogo de linhas, mas não servem a tarefas escultóricas de construção de volume, mas sim ornamentais.
Os holandeses não têm uma acentuação distinta do centro da composição, uma ênfase maior nas figuras principais. A atenção do artista é dispersa por diversos motivos, tudo lhe parece tentador e o mundo é diverso e interessante. Algumas cenas ao fundo afirmam ser uma composição de enredo separada.
Por fim, há também um tipo de composição em que não há centro algum e o espaço é preenchido por muitos grupos e cenas iguais. Ao mesmo tempo, o principal personagensàs vezes eles acabam em algum lugar no canto.
Composições semelhantes são encontradas no final do século XV com Hieronymus Bosch. Bosch é um artista notavelmente idiossincrático. A atenção e a observação puramente holandesas são combinadas com uma fantasia extraordinariamente produtiva e um humor muito negro. Uma de suas histórias favoritas é A Tentação de Santo Antônio, onde o eremita é assediado por demônios. Bosch povoou suas pinturas com legiões de pequenas criaturas rastejantes e medrosas. Torna-se absolutamente assustador quando você percebe partes do corpo humano nesses monstros. Toda essa Kunstkamera de demônios bizarros é significativamente diferente das quimeras medievais: elas eram mais majestosas e longe de serem tão sinistras. A apoteose da demonologia de Bosch é o seu "Inferno Musical", semelhante a um jardim de tortura: pessoas nuas, misturadas com monstros escalando-as por todos os lados, contorcem-se em luxúria atormentadora, são crucificadas nas cordas de alguns instrumentos musicais gigantes, espremidas e serrado em dispositivos misteriosos, enfiado em poços, engolido.
As estranhas fantasmagorias de Bosch nascem dos esforços filosóficos da mente. Ele estava no limiar do século 16, e esta era uma época que fazia pensar dolorosamente. Bosch, aparentemente, foi dominado por pensamentos sobre a vitalidade e onipresença do mal mundial, que, como uma sanguessuga, adere a todos os seres vivos, sobre o ciclo eterno de vida e morte, sobre a extravagância incompreensível da natureza, que semeia larvas e germes de vida em todos os lugares - tanto na terra quanto no subsolo, e em um pântano podre e estagnado. Bosch observou a natureza, talvez com mais nitidez e vigilância do que os outros, mas não encontrou nela nem harmonia nem perfeição. Por que o homem, a coroa da natureza, está condenado à morte e à decadência, por que é fraco e miserável, por que atormenta a si mesmo e aos outros, é constantemente submetido ao tormento?
O próprio fato de Bosch fazer tais perguntas fala de uma curiosidade despertada - um fenômeno que acompanha o humanismo. O humanismo não significa apenas a glorificação de tudo o que é humano. Significa também o desejo de penetrar na essência das coisas, de desvendar os mistérios do universo. Em Bosch, esse desejo foi pintado em tons sombrios, mas foi um sintoma da sede mental que levou Leonardo da Vinci a explorar tudo - bonito e feio. O poderoso intelecto de Leonardo percebeu o mundo como um todo, sentiu unidade nele. Na mente de Bosch, o mundo refletia-se fragmentado, partido em milhares de fragmentos que entravam em combinações incompreensíveis.
Mas vale citar as correntes românticas, ou seja, influenciadas pelo Cinquecento italiano, começaram a se espalhar na Holanda no século XVI. Sua falta de originalidade é muito perceptível. A imagem da "nudez clássica", que era linda entre os italianos, definitivamente não foi dada à Holanda e até parecia um tanto cômica, como "Netuno e Anfitrite" de Jan Gossaert, com seus magníficos corpos inchados. Os holandeses também tinham seu próprio "maneirismo" provincial.
Observemos o desenvolvimento dos gêneros de pinturas de cavalete domésticas e paisagísticas feitas por artistas holandeses no século XVI. Seu desenvolvimento foi facilitado pelo fato de que os círculos mais amplos, odiando o papado e o clero católico, estavam se afastando cada vez mais do catolicismo e exigindo reformas da igreja. E as reformas de Lutero e Calvino incluíram um elemento de iconoclastia; os interiores das igrejas protestantes deveriam ser completamente simples, nus - nada como a rica e espetacular decoração das igrejas católicas. arte religiosa muito reduzido em volume, deixou de ser um culto.
Começou a parecer limpo pinturas de gênero com a imagem de comerciantes em lojas, cambistas em escritórios, camponeses no mercado, jogadores de cartas. gênero doméstico cresceu do retrato e da paisagem - daqueles fundos de paisagem que tanto gostavam dos mestres holandeses. Os fundos cresceram e havia apenas um passo para uma paisagem pura.
Porém, tudo redime e concentra em si o colossal talento de Pieter Brueghel. Ele está dentro o mais alto grau possuía o que se chama de identidade nacional: todas as características marcantes de sua arte remontam às tradições holandesas originais. Como ninguém, Brueghel expressou o espírito de seu tempo e seu sabor popular. Ele é popular em tudo: sendo indubitavelmente um pensador-artista, ele pensa aforicamente e metaforicamente. A filosofia de vida contida em suas alegorias é amarga, irônica, mas também corajosa. O tipo de composição preferido de Bregel é um espaço amplo, como se visto de cima, para que as pessoas pareçam pequenas e corram pelos vales, mas tudo é escrito com detalhes e clareza. A narrativa é geralmente associada ao folclore, Brueghel pintou pinturas de parábolas.
Bruegel usa o tipo de composição espacial-paisagística comum entre os holandeses sem enfatizar as principais pessoas e eventos de forma que toda uma filosofia de vida seja revelada nela. A Queda de Ícaro é especialmente interessante aqui. A pintura de Brueghel retrata uma paisagem pacífica à beira-mar: um lavrador segue um arado, um pastor cuida de ovelhas, um pescador está sentado com uma vara de pescar e os navios navegam no mar. Onde está Ícaro e o que sua queda tem a ver com isso? Você precisa olhar de perto para ver no canto direito pernas nuas patéticas saindo da água. Ícaro caiu do céu, mas ninguém percebeu. A vida comum flui, como sempre. Para um camponês, sua terra arável, para um pastor, seu rebanho é muito mais importante do que os altos e baixos de alguém. O significado dos acontecimentos extraordinários não se revela logo, os contemporâneos não percebem, imersos nas preocupações do dia a dia.
A atividade criativa de Pieter Bregeil não durou muito, ele morreu em 1569, na casa dos quarenta anos, e não viveu para ver os acontecimentos da revolução holandesa. Pouco antes de sua morte, ele pintou o quadro "The Blind". Este é o acorde final mais poderoso da arte de Bregueil, que pode ser imaginado como uma sinfonia permeada por um único tema. Amando sua pátria sofredora, o artista não perdoava seus compatriotas por uma coisa: passividade, surdez, cegueira, imersão na vaidade hoje e a incapacidade de escalar aqueles picos montanhosos que dão uma visão do todo, do uno, do comum.
Conclusão.
O tema do Renascimento é rico e inesgotável. Um movimento tão poderoso determinou o desenvolvimento de toda a civilização europeia por muitos anos. Fizemos apenas uma tentativa de penetrar na essência dos processos em andamento. Para um estudo mais aprofundado, precisamos restaurar com mais detalhes o humor psicológico do homem renascentista, ler os livros da época, ir às galerias de arte.
Agora, no final do século 20, pode parecer que tudo isso é questão de tempos idos, antiguidade coberta por uma espessa camada de poeira, não interesse de pesquisa em nossa época turbulenta, mas sem estudar as raízes, como vamos entender o que alimenta o tronco, o que mantém a coroa no vento da mudança?
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci (15 de abril de 1452, Vinci perto de Florença - 2 de maio de 1519, Castelo Cloux, perto de Amboise, Touraine, França), pintor, escultor, arquiteto, cientista, engenheiro italiano.
Combinando o desenvolvimento de novos meios de linguagem artística com generalizações teóricas, Leonardo da Vinci criou uma imagem de uma pessoa que atende aos ideais humanísticos do Alto Renascimento. Na pintura "A Última Ceia" (1495-1497, no refeitório do mosteiro de Santa Maria delle Grazie em Milão), um alto conteúdo ético é expresso em padrões estritos de composição, um sistema claro de gestos e expressões faciais de personagens . O ideal humanístico da beleza feminina está incorporado no retrato da Mona Lisa (La Gioconda, por volta de 1503). Numerosas descobertas, projetos, pesquisas experimentais no campo da matemática, ciências naturais, mecânica. Defendeu a importância decisiva da experiência no conhecimento da natureza ( cadernos e manuscritos, cerca de 7 mil folhas).
Leonardo nasceu na família de um tabelião rico. Desenvolveu-se como mestre, estudando com Andrea del Verrocchio em 1467-1472. Os métodos de trabalho da oficina florentina da época, onde a obra do artista estava intimamente associada a experimentos técnicos, bem como o conhecimento do astrônomo P. Toscanelli, contribuíram para o surgimento dos interesses científicos do jovem Leonardo. Em suas primeiras obras (a cabeça de um anjo no Batismo de Verrocchio, depois de 1470, a Anunciação, cerca de 1474, ambas nos Uffizi, a Benois Madonna, cerca de 1478, o Hermitage) enriquece as tradições da pintura do Quattrocento, enfatizando o volume suave de formas com claro-escuro suave, animando rostos finos, sorriso quase imperceptível. Em A Adoração dos Magos (1481-82, inacabada; subpintura nos Uffizi), transforma uma imagem religiosa num espelho de várias emoções humanas, desenvolvendo métodos inovadores de desenho. Registrando o resultado de inúmeras observações em croquis, esboços e estudos de campo (lápis italiano, lápis de prata, sanguíneo, pena e outras técnicas), Leonardo consegue uma nitidez rara na transmissão das expressões faciais (por vezes recorrendo ao grotesco e à caricatura), e à estrutura e os movimentos do corpo humano conduzem em perfeita harmonia com a dramaturgia da composição.
A serviço do governante de Milão, Lodovico Moro (desde 1481), Leonardo atua como engenheiro militar, engenheiro hidráulico e organizador das festividades da corte. Há mais de 10 anos trabalha no monumento a Francesco Sforza, pai de Lodovico Moro; O modelo de argila em tamanho real do monumento, cheio de poder plástico, não foi preservado (destruído quando Milão foi tomada pelos franceses em 1500) e é conhecido apenas por esboços preparatórios.
Este período é responsável pelo florescimento criativo do pintor Leonardo. Na Madonna in the Rocks (1483-94, Louvre; a segunda versão - 1487-1511, National Gallery, Londres), o mais fino claro-escuro (“sfumato”) amado pelo mestre aparece como um novo halo que substitui os halos medievais: este é igualmente mistério divino-humano e natural, onde a gruta rochosa, refletindo as observações geológicas de Leonardo, não desempenha papel menos dramático do que as figuras de santos em primeiro plano.
"A última Ceia"
No refeitório do mosteiro de Santa Maria delle Grazie, Leonardo cria a pintura "A Última Ceia" (1495-97; devido à arriscada experiência que o mestre fez, usando óleo misturado com têmpera para o afresco, a obra chegou até nós de uma forma muito danificada). O alto conteúdo religioso e ético da imagem, que representa a reação tempestuosa e contraditória dos discípulos de Cristo às suas palavras sobre a próxima traição, é expresso em claros padrões matemáticos da composição, subjugando imperiosamente não apenas o pintado, mas também o real arquitetura espaço. A lógica de palco clara de expressões faciais e gestos, bem como o paradoxo emocionante, como sempre com Leonardo, combinação de estrita racionalidade com um mistério inexplicável feito " última Ceia"uma das obras mais significativas da história da arte mundial.
Também envolvido com arquitetura, Leonardo desenvolve várias versões da "cidade ideal" e do templo com cúpula central. Nos anos seguintes, o mestre passa em viagens constantes (Florença - 1500-02, 1503-06, 1507; Mântua e Veneza - 1500; Milão - 1506, 1507-13; Roma - 1513-16). A partir de 1517 viveu na França, onde foi convidado pelo rei Francisco I.
"Batalha de Angyari". Gioconda (Retrato de Mona Lisa)
Em Florença, Leonardo está trabalhando em uma pintura no Palazzo Vecchio (“Batalha de Anghiari”, 1503-1506; não terminada e não preservada, conhecida por cópias de papelão, bem como por um esboço descoberto recentemente - uma coleção particular, Japão ), que está na origem do gênero da batalha na arte dos tempos modernos; a fúria mortal da guerra é incorporada aqui na batalha frenética dos cavaleiros.
Na pintura mais famosa de Leonardo, o retrato da Mona Lisa (a chamada "La Gioconda", por volta de 1503, Louvre), a imagem de uma mulher rica da cidade aparece como uma personificação misteriosa da natureza como tal, sem perder um caráter puramente astúcia feminina; O significado interno da composição é dado pela paisagem cosmicamente majestosa e ao mesmo tempo perturbadoramente alienada, derretendo em uma névoa fria.
pinturas posteriores
As obras posteriores de Leonardo incluem: projetos para um monumento ao marechal Trivulzio (1508-1512), pintura "Santa Ana com Maria e o Menino Jesus" (cerca de 1500-1507, Louvre). Este último resume, por assim dizer, suas pesquisas no campo da perspectiva luz-ar, cor tonal (com predominância de tons frios e esverdeados) e composição piramidal harmônica; ao mesmo tempo, isso é harmonia sobre o abismo, já que um grupo de personagens sagrados, unidos pela proximidade familiar, é representado à beira do abismo. A última pintura de Leonardo, "São João Batista" (cerca de 1515-1517, ibid.), é cheia de ambigüidade erótica: o jovem Precursor aqui não parece um santo asceta, mas um tentador cheio de charme sensual. Em uma série de desenhos retratando uma catástrofe universal (o ciclo com o "Dilúvio", lápis italiano, caneta, circa 1514-1516, Royal Library, Windsor), reflexões sobre a fragilidade e insignificância do homem diante do poder dos elementos são combinados com os racionalistas, antecipando a cosmologia do "vórtice" das idéias de R. Descartes sobre a natureza cíclica dos processos naturais.
"Tratado de Pintura"
A fonte mais importante para estudar as visões de Leonardo da Vinci são seus cadernos e manuscritos (cerca de 7 mil folhas), escritos em italiano coloquial. O próprio mestre não deixou uma apresentação sistemática de seus pensamentos. O “Tratado de Pintura”, elaborado após a morte de Leonardo por seu aluno F. Melzi e que teve um grande impacto na teoria da arte, consiste em passagens em grande parte extraídas arbitrariamente do contexto de suas anotações. Para o próprio Leonardo, arte e ciência estavam inextricavelmente ligadas. Dando a palma da mão à pintura como a mais intelectual, a seu ver, tipo de criatividade na “disputa das artes”, o mestre a entendia como uma linguagem universal (semelhante à matemática no campo das ciências), que dá corpo a toda a diversidade do universo através de proporções, perspectiva e claro-escuro. “A pintura”, escreve Leonardo, “é uma ciência e filha legítima da natureza..., parente de Deus”. Ao estudar a natureza, o naturalista perfeito passa a conhecer a "mente divina" escondida sob aparência natureza. Envolvendo-se em competição criativa com este princípio divino-inteligente, o artista assim afirma sua semelhança com o supremo Criador. Como ele "tem primeiro em sua alma e depois em suas mãos" "tudo o que existe no universo", ele também é "uma espécie de deus".
Leonardo é um cientista. Projetos técnicos
Como cientista e engenheiro, Leonardo da Vinci enriqueceu quase todas as áreas do conhecimento da época com observações e conjecturas perspicazes, considerando suas anotações e desenhos como esboços para uma gigantesca enciclopédia natural-filosófica. Ele era representante proeminente novo, baseado no experimento da ciência natural. Leonardo prestou atenção especial à mecânica, chamando-a de "o paraíso das ciências matemáticas" e vendo nela a chave para os segredos do universo; ele tentou determinar os coeficientes de atrito de deslizamento, estudou a resistência dos materiais e se envolveu com entusiasmo na hidráulica. Numerosos experimentos hidrotécnicos foram expressos em projetos inovadores para canais e sistemas de irrigação. A paixão pela modelagem levou Leonardo a espantosas previsões técnicas, muito à frente de seu tempo: tais são os esboços de projetos de fornos metalúrgicos e laminadores, teares, máquinas de impressão, marcenaria e outras, um submarino e um tanque, além dos desenhos de aeronaves e aeronaves desenvolvidas após um estudo minucioso do voo das aves.
óptica
As observações coletadas por Leonardo sobre a influência dos corpos transparentes e translúcidos na cor dos objetos, refletidas em sua pintura, levaram ao estabelecimento dos princípios da perspectiva aérea na arte. A universalidade das leis ópticas foi associada para ele à ideia da uniformidade do universo. Ele esteve perto de criar um sistema heliocêntrico, considerando a Terra "um ponto no universo". Ele estudou a estrutura do olho humano, especulando sobre a natureza da visão binocular.
Anatomia, botânica, paleontologia
Nos estudos anatômicos, resumindo os resultados das autópsias de cadáveres, lançou as bases da ilustração científica moderna em desenhos detalhados. Estudando as funções dos órgãos, considerou o corpo como um modelo de "mecânica natural". Pela primeira vez, ele descreveu vários ossos e nervos, deu atenção especial aos problemas de embriologia e anatomia comparada, tentando introduzir o método experimental na biologia. Tendo aprovado a botânica como disciplina independente, deu descrições clássicas arranjo foliar, helio e geotropismo, pressão radicular e movimento da seiva da planta. Ele foi um dos fundadores da paleontologia, acreditando que os fósseis encontrados no topo das montanhas refutam a noção de um "dilúvio global".
Revelando o ideal do "homem universal" renascentista, Leonardo da Vinci foi compreendido na tradição subsequente como a pessoa que mais claramente delineou a gama de buscas criativas da época. Na literatura russa, o retrato de Leonardo foi criado por D. S. Merezhkovsky no romance "Os Deuses Ressuscitados" (1899-1900).
Pinturas de Leonardo da Vinci:
“Virgem e criança com o bebê John “Mona Lisa” 1503 por Baptist e St. Ana “
“ Cabeça de uma jovem "Madonna e criança"
“ A última Ceia ” 1495-1497
Rafael Santi
Raffaello Santi (1483-1520), pintor e arquiteto italiano. Representante da Alta Renascença. Com clareza clássica e espiritualidade sublime, ele incorporou os ideais de afirmação da vida do Renascimento. As primeiras obras ("Madonna Conestabile", ca. 1502-03) estão imbuídas de graça e lirismo suave. Ele glorificou a existência terrena do homem, a harmonia das forças espirituais e físicas nas pinturas das estrofes (salas) do Vaticano (1509-17), alcançando um impecável senso de proporção, ritmo, proporções, harmonia de cores, unidade de figuras e fundos arquitetônicos majestosos. Numerosas imagens da Mãe de Deus ("Sistine Madonna", c. 1513), conjuntos artísticos nos murais da Villa Farnesina (1514-18) e nas loggias do Vaticano (1519, com estudantes). Os retratos criaram uma imagem ideal de um homem renascentista (B. Castiglione, 1514-15). Projetou a Catedral de St. Pedro, construiu a Capela Chigi da Igreja de Santa Maria del Popolo (1512-20) em Roma.
RAFAEL (nome verdadeiro Raffaello Santi) (Raffaello Santi) (26 ou 28 de março de 1483, Urbino - 6 de abril de 1520, Roma), artista e arquiteto italiano. Filho do pintor Giovanni Santi. Segundo Vasari, ele estudou com Perugino. Mencionado pela primeira vez como mestre independente em 1500. Em 1504-08 trabalhou em Florença. No final de 1508, a convite do Papa Júlio II, mudou-se para Roma, onde, juntamente com Michelangelo, assumiu uma posição de destaque entre os artistas que trabalharam na corte de Júlio II e seu sucessor, Leão X.
Já nas primeiras pinturas, escritas antes de se mudar para Florença, o harmonioso depósito de talento inerente a Rafael, sua capacidade de encontrar uma concordância impecável de formas, ritmos, cores, movimentos, gestos, foi afetado - e em tais obras de pequeno formato, quase miniaturas, como a Madonna Conestabile (c. 1502-03, Hermitage), O Sonho de um Cavaleiro (c. 1504, National Gallery, Londres), As Três Graças (Condé Museum, Chantilly), São Jorge (c. 1504, National Gallery, Washington) e no formato maior "Betrothal of Mary" (1504, Brera, Milão).
período florentino (1504-08)
A mudança desempenhou um papel importante no desenvolvimento criativo de Raphael. De suma importância para ele era a familiaridade com o método de Leonardo da Vinci. Seguindo Leonardo, ele começou a trabalhar muito com a natureza, estudando anatomia, mecânica dos movimentos, posturas e ângulos complexos, buscando fórmulas composicionais compactas e ritmicamente equilibradas. Nas últimas obras florentinas de Rafael (The Entombment, 1507, Borghese Gallery, Roma; St. Catherine of Alexandria, c. 1507-08, National Gallery, Londres), há um interesse pelas fórmulas complexas do movimento dramático agitado desenvolvido por Michelangelo.
O tema principal da pintura do período florentino é a Madonna and Child, que é dedicada a pelo menos 10 obras. Entre eles, destacam-se três pinturas fechadas em solução composicional: “Madonna with a Goldfinch” (c. 1506-07, Uffizi), “Madonna in Greens” (1506, Kunsthistorisches Museum, Viena), “Beautiful Gardener” (1507, Louvre ). Variando o mesmo motivo neles, representando uma jovem mãe tendo como pano de fundo uma paisagem idílica e crianças brincando a seus pés - Cristo e João Batista, ele une as figuras com um ritmo estável e harmoniosamente equilibrado da Pirâmide Composta, amada por os mestres do Renascimento.
período romano (1509-20)
Tendo se mudado para Roma, o mestre de 26 anos recebeu o cargo de "artista da Sé Apostólica" e a comissão de pintar as câmaras da frente do Palácio do Vaticano, a partir de 1514 supervisionou a construção da Catedral de St. Pedro, trabalha na área da arquitetura de igrejas e palácios, em 1515 foi nomeado Comissário de Antiguidades, responsável pelo estudo e proteção de monumentos antigos, escavações arqueológicas.
Afrescos no Palácio do Vaticano
O lugar central na obra deste período é ocupado pelas pinturas das câmaras cerimoniais do Palácio do Vaticano. Os murais de Stanza della Senyatura (1509-11) são uma das criações mais perfeitas de Rafael. Majestosas composições de várias figuras nas paredes (combinando de 40 a 60 caracteres) de "Disputa" ("Disputa sobre o sacramento"), "Escola ateniense", "Parnaso", "Fundação do canônico e lei civil”e suas quatro alegóricas correspondentes figuras femininas nas abóbadas personificam teologia, filosofia, poesia e jurisprudência.
Sem repetir uma única figura e pose, nem um único movimento, Raphael os entrelaça com um ritmo flexível, livre e natural que flui de figura em figura, de um grupo para outro.
Na vizinha Estação de Elidor (1512-14), nas pinturas murais (“A Expulsão de Elidor do Templo”, “A Expulsão Milagrosa do Apóstolo Pedro da Masmorra”, “Missa em Bolsena”, “Encontro do Papa Leão I com Átila”) e cenas bíblicas nas abóbadas prevalece o enredo-narrativa e o início dramático, cresce a emoção patética dos movimentos, dos gestos, dos contrapontos complexos, intensificam-se os contrastes de luz e sombra. Em A Exposição Milagrosa do Apóstolo Pedro da Masmorra, Rafael, com um incomum para o artista da Itália Central, sutileza pictórica transmite os efeitos complexos da iluminação noturna - um brilho deslumbrante envolvendo um anjo, a luz fria da lua, o vermelho chama de tochas e seus reflexos nas armaduras dos guardas.
Entre as melhores obras do muralista Rafael também estão encomendadas pelo banqueiro e filantropo Agostino Chigi, os murais nas abóbadas da capela Chigi (c. 1513-14, Santa Maria della Pace, Roma) e o afresco “O Triunfo de Galatea ” cheio de alegria pagã (c. 1514-15 , Villa Farnesina, Roma).
Feitas em 1515-16, tapeçarias de papelão com episódios da história dos apóstolos Pedro e Paulo (Victoria and Albert Museum, Londres) estão estilisticamente próximas dos murais da Stanz, mas já mostram os primeiros sinais do esgotamento do estilo clássico de Rafael - traços de perfeição fria, paixão pelo começo espetacular, exibicionismo de poses, excesso de gesticulação. Em maior medida, isso é característico dos afrescos do Vaticano Stanza del Incendio (1514-17), feitos de acordo com os desenhos de Rafael por seus assistentes Giulio Romano e J. F. Penny. Facilidade, graça, riqueza de imaginação se distinguem por pinturas puramente decorativas feitas pelos assistentes de Rafael de acordo com seus desenhos no Salão Psique da Villa Farnesina (c. 1515-16) e no chamado. Loggias de Rafael do Palácio do Vaticano (1518-19).
madonas romanas
No período romano, Rafael se volta para a imagem da Madona com muito menos frequência, encontrando uma solução nova e mais profunda para ela. Em Madonna della Sedia (c. 1513, Pitti, Florença), uma jovem mãe vestida como um plebeu romano, o pequeno João Batista e Cristo são unidos por uma moldura circular (tondo); Madonna parece estar tentando esconder seu filho em seus braços - um pequeno Titã com uma aparência infantilmente séria. Uma nova interpretação polifonicamente complexa da imagem da Madonna encontrou sua expressão mais completa em uma das criações mais perfeitas de Rafael - o altar "Sistine Madonna" (c. 1513, Art Gallery, Dresden).
retratos
Os primeiros retratos pertencem ao período florentino (Agnolo Doni, c. 1505, Pitti, Florença; Maddalena Strozzi, c. 1505, ibid; Donna Gravida, c. 1505, ibid.). No entanto, apenas em Roma Rafael superou a aridez e alguma rigidez de seus primeiros retratos. Entre as obras romanas, o retrato do humanista Baldassare Castiglione (c. 1514-15, Louvre) e os chamados. “Donna Velata”, possivelmente um modelo da “Madona Sistina” (c. 1516, Pitti, Florença), com sua nobre e harmoniosa estrutura de imagens, equilíbrio compositivo, sutileza e riqueza de esquema de cores.
obras arquitetônicas
Rafael deixou uma marca notável na arquitetura italiana. Entre seus edifícios está a pequena igreja de San Eligio degli Orefici (construída c. 1509) com seu interior austero, a capela Chigi na Igreja de Santa Maria del Popolo (estabelecida c. 1512) cujo interior é um exemplo de unidade de arquitetura e decoração, raras até para o Renascimento, desenhadas por Rafael - murais, mosaicos, esculturas, e a inacabada Villa Madama.
Rafael teve grande influência no desenvolvimento posterior da pintura italiana e européia, tornando-se, junto com os mestres da antiguidade, o maior exemplo de excelência artística.
Pinturas de Raphael Santi:
"Ninfa Galatea"
"Madonna e criança"
“São Jorge luta contra o dragão”
“A Visão do Profeta Ezerkiel” “Adão e Eva”
Michelangelo Buonarroti
Michelangelo Buonarroti (1475-1564), escultor, pintor, arquiteto e poeta italiano. Com a maior força, ele expressou os ideais profundamente humanos do Alto Renascimento, cheios de pathos heróico, bem como o sentido trágico da crise da visão de mundo humanista durante o Renascimento tardio. Monumentalidade, plasticidade e dramaticidade das imagens, admiração pela beleza humana apareceu já nas primeiras obras (“Lamentação de Cristo”, c. 1497-98; “David”, 1501-04; papelão “Batalha de Kashin”, 1504-06). A pintura da abóbada da Capela Sistina no Vaticano (1508-12), a estátua de "Moisés" (1515-16) confirmam a beleza física e espiritual do homem, suas ilimitadas possibilidades criativas. Notas trágicas, causadas pela crise dos ideais renascentistas, soam no conjunto da Sacristia Nova da Igreja de San Lorenzo em Florença (1520-34), no afresco "O Juízo Final" (1536-41) na parede do altar da Capela Sistina, nas versões posteriores da "Lamentação de Cristo" ( c. 1550-55), etc. O princípio plástico, o contraste dinâmico das massas dominam na arquitetura de Michelangelo (a biblioteca Laurentina em Florença, 1523- 34). A partir de 1546 supervisionou a construção da Catedral de St. Pedro, a criação do conjunto do Capitólio em Roma. A poesia de Michelangelo se distingue pela profundidade do pensamento e pela alta tragédia.
Michelangelo Buonarroti (1475, Caprese - 1564, Roma), escultor, pintor, arquiteto, poeta italiano, um dos principais mestres do Alto Renascimento.
Juventude. anos de estudo
Ele recebeu sua educação inicial em uma escola de latim em Florença. Estudou pintura com Ghirlandaio, escultura com Bertoldo di Giovanni na escola de arte fundada por Lorenzo Medici nos Jardins Medici. Copiou os afrescos de Giotto e Masaccio, estudou a escultura de Donatello e, em 1494, em Bolonha, conheceu as obras de Jacopo della Quercia. Na casa de Lorenzo, onde Michelangelo morou por dois anos, conheceu a filosofia do neoplatonismo, que mais tarde teve forte influência em sua visão de mundo e criatividade. A atração pela ampliação monumental das formas já era evidente em suas primeiras obras - os relevos “Madonna at the Stairs” (c. 1491, Casa Buonarroti, Florença) e “Batalha dos Centauros” (c. 1492, ibid.).
Primeiro período romano (1496-1501)
Em Roma, Michelangelo continuou seu estudo dos Jardins Medici. escultura antiga, que se tornou uma das fontes de sua rica plasticidade. A antiga estátua de Baco (c. 1496, Museu Nacional, Florença) e o grupo escultórico "Pieta" (c. 1498-99), que testemunham o início da maturidade criativa do mestre, pertencem ao primeiro período romano.
período florentino (1501-06). estátua de davi
Retornando a Florença em 1501, Michelangelo recebeu uma ordem do governo da república para criar uma estátua de David de 5,5 metros (1501-04, Academia, Florença). Instalado na praça principal de Florença ao lado da prefeitura do Palazzo Vecchio (agora substituído por uma cópia), deveria se tornar um símbolo da liberdade da república. Michelangelo retratou Davi não como um adolescente frágil pisando na cabeça decepada de Golias, como fizeram os mestres do século 15, mas como um gigante bonito e atlético no momento anterior à batalha, cheio de confiança e força formidável (os contemporâneos a chamavam terribilita - incrível).
Ao mesmo tempo, em 1501-05, Michelangelo trabalhou em outro pedido do governo - papelão para o afresco "Batalha de Cascine", que, junto com a pintura de Leonardo da Vinci "A Batalha de Anghiari", deveria decorar o salão do Palazzo Vecchio. Os murais não foram executados, mas o esboço de papelão de Michelangelo foi preservado, prenunciando a dinâmica de poses e gestos da pintura do teto da Capela Sistina.
Segundo período romano (1505-16)
Em 1505, o Papa Júlio II convocou Michelangelo a Roma, confiando-lhe o trabalho de sua lápide. O projeto de Michelangelo previa a criação, em contraste com as lápides de parede tradicionais da Itália da época, um majestoso mausoléu autônomo, decorado com 40 estátuas maiores que um ser humano. O rápido esfriamento de Júlio II a essa ideia e a cessação do financiamento da obra causaram uma briga entre o mestre e o papa e a partida desafiadora de Michelangelo para Florença em março de 1506. Ele voltou a Roma apenas em 1508, tendo recebido uma ordem de Júlio II para pintar a Capela Sistina.
Afrescos na Capela Sistina
Os afrescos do teto da Capela Sistina (1508-12) são os mais grandiosos dos planos realizados por Michelangelo. Rejeitando o projeto que lhe foi proposto com as figuras dos 12 apóstolos nas partes laterais da abóbada e com o preenchimento ornamental de sua parte principal, Michelangelo desenvolveu seu próprio programa de pinturas murais, que ainda hoje causa diversas interpretações. A pintura da enorme abóbada que cobre a vasta capela papal (40,93 x 13,41 m) inclui 9 grandes composições no espelho da abóbada sobre os temas do livro do Gênesis - da Criação do Mundo ao Dilúvio, 12 enormes figuras de sibilas e profetas nas faixas laterais da abóbada, o ciclo "Ancestrais de Cristo" na cofragem e lunetas, 4 composições nas velas de canto sobre os temas da milagrosa libertação do povo judeu. Dezenas de personagens majestosos que habitam esse universo grandioso, dotado de aparência titânica e energia espiritual colossal, exibem uma riqueza extraordinária dos mais complexos gestos, poses, contrapontos e ângulos imbuídos de poderosa movimentação.
Lápide do Papa Júlio II
Após a morte de Júlio II (1513), Michelangelo recomeça a trabalhar em sua lápide, cria três estátuas em 1513-16 - “O Escravo Moribundo”, “O Escravo Ressuscitado” (ambos no Louvre) e “Moisés”. O projeto original, repetidamente revisado pelos herdeiros de Júlio II, não foi implementado. De acordo com o sexto contrato celebrado com eles, em 1545 na igreja romana de San Pietro in Vincoli, foi instalada uma lápide de parede de dois níveis, que incluía "Moisés" e 6 estátuas, feitas no início da década de 1540. no estúdio de Michelangelo.
Quatro estátuas inacabadas de "escravos" (c. 1520-36, Accademia, Florença), originalmente destinadas a uma lápide, dão uma ideia do método criativo de Michelangelo. Ao contrário dos escultores contemporâneos, ele processou um bloco de mármore não de todos os lados, mas apenas de um lado, como se extraísse figuras da espessura da pedra; em seus poemas, ele repetidamente diz que o escultor só libera a imagem originalmente escondida na pedra. Apresentados em tensas poses dramáticas, os “Escravos” parecem tentar escapar da massa de pedra que os prende.
Capela dos Medici
Em 1516, o Papa Leão X dos Médici encarregou Michelangelo de desenvolver um projeto para a fachada da Igreja de San Lorenzo em Florença, construída no século XV. Brunelleschi. Michelangelo queria fazer da fachada desta igreja paroquial dos Medici um "espelho de toda a Itália", mas a obra foi interrompida por falta de fundos. Em 1520, o Cardeal Giulio Medici, o futuro Papa Clemente VII, encarregou Michelangelo de transformar a Nova Sacristia da Igreja de San Lorenzo em um grandioso túmulo da família Medici. O trabalho neste projeto, interrompido pela revolta contra os Medici de 1527-30 (Michelangelo foi um dos líderes da defesa de três anos da sitiada Florença), não foi concluído quando Michelangelo partiu para Roma em 1534; as estátuas que ele fez foram instaladas apenas em 1546.
A Capela dos Médici é um complexo conjunto arquitetónico e escultórico, cujo conteúdo figurativo deu origem a diversas interpretações. As estátuas dos duques de Lorenzo e Giuliano Medici, sentadas em nichos rasos contra o pano de fundo de uma decoração arquitetônica antiga e vestidas com armaduras de imperadores romanos, são desprovidas de semelhança com retratos e, talvez, simbolizem a Vida Ativa e a Vida Contemplativa. Os contornos graficamente leves do sarcófago são contrastados pelo poder plástico das enormes estátuas de Dia e Noite, Manhã e Tarde, deitadas nas tampas inclinadas do sarcófago em poses dolorosamente desconfortáveis, como se estivessem prestes a escorregar delas. Michelangelo expressou o pathos dramático dessas imagens em uma quadra escrita por ele como se em nome da Noite:
É doce para mim dormir e mais - ser uma pedra,
Quando a vergonha e o crime estão por toda parte:
Não sentir, não ver - alívio.
Cale a boca, amigo, por que me acordar? (Traduzido por A. Efros).
Biblioteca Laurenziana
Durante os anos de trabalho em Florença em 1520-34, formou-se o estilo do arquiteto Michelangelo, que se distingue pela maior plasticidade e riqueza pitoresca. A escada da biblioteca laurenziana foi resolvida de forma ousada e inesperada (projeto c. 1523-34, realizado após a partida de Michelangelo para Roma). A monumental escadaria de mármore, preenchendo quase totalmente o vasto vestíbulo, inicia-se logo na soleira da sala de leitura situada no segundo andar, sai do vão da porta em um lance estreito de degraus íngremes e, expandindo-se rapidamente, formando três braços, desce apenas tão abruptamente; o ritmo dinâmico dos grandes degraus de mármore, direcionados para quem sobe no corredor, é percebido como uma espécie de força que precisa ser superada.
Terceiro período romano. "Juízo Final"
A mudança de Michelangelo para Roma em 1534 abre o último e dramático período de sua obra, que coincidiu com a crise geral do Renascimento florentino-romano. Michelangelo se aproxima do círculo da poetisa Vittoria Colonna, as ideias de renovação religiosa que agitavam os membros desse círculo deixaram uma marca profunda em sua visão de mundo desses anos. No colossal (17 x 13,3 m) afresco O Juízo Final (1536-41) na parede do altar da Capela Sistina, Michelangelo se desvia da iconografia tradicional, retratando não o momento do Juízo Final, quando os justos já estão separados dos pecadores , mas seu começo: Cristo punindo com um gesto de mão erguida derruba o Universo que perece diante de nossos olhos. Se no teto da Capela Sistina as titânicas figuras humanas eram a fonte do movimento, agora elas são arrebatadas, como um redemoinho, por uma força externa que as ultrapassa; os personagens perdem a beleza, seus corpos titânicos parecem inchar com tubérculos de músculos que quebram a harmonia das linhas; os movimentos cheios de desespero e os gestos são bruscos, desarmônicos; levados pelo movimento geral, os justos são indistinguíveis dos pecadores.
De acordo com Vasari, o Papa Paulo IV na década de 1550. ia derrubar o afresco, mas em vez disso o artista Daniele da Volterra foi contratado para "vestir" os santos ou cobrir sua nudez com tangas (essas entradas foram parcialmente removidas durante a restauração, que terminou em 1993).
O pathos trágico também está imbuído das últimas pinturas de Michelangelo - os afrescos "A Crucificação do Apóstolo Pedro" e "A Queda de Saulo" (1542-50, Capela Paolina, Vaticano). Em geral, a pintura tardia de Michelangelo teve uma influência decisiva na formação do maneirismo.
esculturas tardias. Poesia
A complexidade dramática das soluções figurativas e da linguagem plástica distingue as últimas obras escultóricas de Michelangelo: "Pieta com Nicodemus" (c. 1547-55, Catedral de Florença) e "Pieta Rondanini" (grupo inacabado, c. 1555-64, Castello Sforzesco) .
No último período romano, a maioria dos quase 200 poemas de Michelangelo que chegaram até nós são escritos, diferindo profundidade filosófica pensamentos e expressividade tensa da linguagem.
Catedral de St. Petra
Em 1546, Michelangelo foi nomeado arquiteto-chefe da Catedral de St. Pedro, cuja construção foi iniciada por Bramante, que conseguiu construir na altura da sua morte (1514) quatro pilares gigantes e arcos de cruz média, bem como parcialmente uma das naves. Sob seus sucessores - Peruzzi, Rafael, Sangallo, que se afastaram parcialmente do plano de Bramante, a construção quase não avançou. Michelangelo voltou ao plano cêntrico de Bramante, ao mesmo tempo em que amplia todas as formas e articulações, dando-lhes força plástica. Michelangelo conseguiu terminar durante sua vida Parte oriental a catedral e o vestíbulo de uma enorme cúpula (42 m de diâmetro) erguida após sua morte por Giacomo della Porta.
Conjunto do Capitólio
O segundo grandioso projeto arquitetônico de Michelangelo foi concluído apenas no século XVII. Conjunto Capitólio. Inclui o palácio medieval dos senadores (câmara municipal), reconstruído segundo o projeto de Michelangelo, coroado por uma torre, e dois majestosos palácios dos conservadores com fachadas idênticas, unidos pelo poderoso ritmo das pilastras. A antiga estátua equestre de Marco Aurélio, instalada no centro da praça, e uma ampla escadaria que descia para os bairros residenciais da cidade completavam este conjunto, que ligava a nova Roma às grandiosas ruínas do antigo Fórum Romano situado na outro lado do Monte Capitolino.
Funeral em Florença
Apesar dos repetidos convites do duque Cosimo de 'Medici, Michelangelo recusou-se a retornar a Florença. Após sua morte, seu corpo foi secretamente retirado de Roma e solenemente enterrado no túmulo dos famosos florentinos - a igreja de Santa Croce.
Funciona Michelangelo Buonarroti:
“ Davi ”
“ Separação da luz das trevas ”
"A Criação do Sol e da Lua"
O Renascimento é uma das páginas mais impressionantes da história da arte mundial. Abrange cerca de três séculos (séculos XIV - XVI). Em comparação com as eras do Mundo Antigo (cerca de 5.000 mil anos), a Idade Média (cerca de 1.000 anos), o Renascimento parece ser um período de tempo muito curto. No entanto, pelo número de obras de arte brilhantes, a novidade e a coragem da busca por mestres daquela época patrimônio artístico O Renascimento não é inferior aos estágios anteriores no desenvolvimento da arte mundial.
A Itália foi o berço do Renascimento. Já no século XIV, nas obras do grande poeta humanista italiano Francesco Petrarca (1304-1374), surgiu o conceito de Rinascimento - Renascimento (em francês "Renaissance").
Durante esse tempo, foram lançadas as bases da ciência moderna. alto nível atinge a literatura, que, com a invenção da imprensa pelo alemão Johannes Gutenberg, recebeu oportunidades de distribuição até então inéditas. Nesta época, Cristóvão Colombo, Copérnico fazem suas descobertas, os grandes italianos Dante, Petrarca, o francês François Rabelais, autor do romance "Gargântua e Pantagruel", Michel Montaigne, o criador dos famosos "Experimentos" escrevem suas obras imortais . As tragédias de Shakespeare, "Don Quixote" de Cervantes, marcantes com a profundidade da penetração na psicologia do homem, o conhecimento de suas paixões e aspirações, foram escritas no Renascimento.
A direção filosófica do humanismo (do latim "humanus" - uma pessoa) torna-se a base ideológica da cultura renascentista. O homem torna-se novamente a "medida de todas as coisas". O lema da arte renascentista pode ser retirado das palavras incorporadas pelo humanista italiano do século XV. O conde Pico della Mirandola em seu panegírico, na boca de Deus Criador, dirigindo-se ao homem: "Eu te coloco no centro do mundo..."
Ao contrário da cultura românica e gótica, a cultura medieval do Renascimento era de natureza secular, embora o círculo principal de assuntos permanecesse conectado a temas mitológicos e bíblicos. A era do Renascimento opôs a cosmovisão dos humanistas, que afirmavam o valor da pessoa humana, aos dogmas da Igreja.
Um dos fundamentos da arte renascentista é a nova compreensão da herança da antiguidade.
Os ideais do humanismo também se refletem na arquitetura: os edifícios adquirem uma aparência claramente harmoniosa, suas proporções e escalas se correlacionam com uma pessoa.
O verdadeiro fundador das artes plásticas do Alto Renascimento foi o brilhante florentino Leonardo da Vinci (1452-1519)
Os manuscritos de Leonardo atestam que ele não foi apenas um grande pintor e escultor, mas também arquiteto, mecânico, engenheiro, botânico e anatomista.
Multitalentoso, Leonardo da Vinci se interessava por tudo que o cercava, anotando suas impressões em um caderno que sempre carregava consigo. "Entregando-me a uma sede insaciável de conhecimento, sonho em compreender a origem de inúmeras criaturas da natureza", disse ele sobre si mesmo. Ao longo da sua vida, o artista considera o mundo com toda a sua diversidade de formas, como uma criação da natureza, que tem a sua “mente” própria, convocando os pintores a serem mediadores entre a natureza e a arte.
