Cubismo. Desenvolvimento do cubismo

CUBISMO O cubismo é a revolução artística mais completa e radical desde o Renascimento J.Golding

O cubismo (cubisme francês, de cubo - cubo) é uma direção na arte do primeiro quartel do século XX. A linguagem plástica do cubismo baseava-se na deformação e decomposição dos objetos em planos geométricos, a mudança plástica da forma. Muitos artistas russos passaram por uma paixão pelo cubismo, muitas vezes combinando seus princípios com as técnicas de outras tendências artísticas modernas - futurismo e primitivismo. futurismo do primitivismo Cubo-futurismo tornou-se uma variante específica da interpretação do cubismo em solo russo. kybofutypism

O nascimento do cubismo cai no ano - véspera da Primeira Guerra Mundial. A nova tendência na arte modernista causou um frenesi natural entre os filisteus. Além do cubismo belas-Artes ao mesmo tempo, havia um círculo de poetas e críticos que seguiam a filosofia de Bergson, também muito condicionalmente chamados de cubistas. O líder indiscutível dessa direção foi o poeta e publicitário G, Apollinaire. G, Apollinaire. Em 1912, foi publicado o primeiro livro da teoria cubista dos artistas Gleizes e Metzinger On Cubism. Em 1913, apareceu uma coleção de artigos de Apollinaire, The Cubist Artists. Foi apenas em 1920 que a obra clássica de Kahnweiler, The Rise of Cubism, foi criada.

Delaunay, Robert (Delaunay, Robert) (1885-1941), artista francês, criador do estilo orfismo. Nasceu em Paris em 12 de abril de 1885 em uma família aristocrática. Saindo da faculdade em 1902, ele teve aulas particulares de pintura, decidindo se tornar pintor de teatro. Ele foi influenciado pelo neo-impressionismo de J. Seurat, bem como pela teoria da cor desenvolvida pelo físico M. Chevreil. Em 1910 casou-se com o artista S. Turk (S. Delone), que se tornou seu fiel companheiro na arte. Em 1911, ele participou da exposição de Munique da Blue Rider Society. Ele viveu principalmente em Paris, e no Primeiro guerra Mundial e nos anos do pós-guerra (até 1920) - na Espanha e em Portugal. Do pós-impressionismo inicial, ele mudou no início dos anos 1910 para uma série de paisagens urbanas generalizadas e coloridas que se tornaram evidências de sua maturidade artística. Desde 1910, eles são dominados pelo motivo da Torre Eiffel, como se flutuassem livremente entre os fragmentos rodopiantes do espaço. A cristalinidade das estruturas composicionais torna essas telas relacionadas ao cubismo e a dinâmica espacial ao futurismo, mas o espírito de pura contemplação, propenso a grandes harmonias “musicais” de cores, confere às obras de Delaunay um caráter muito especial. Suas pinturas muitas vezes assumiram o caráter de painéis decorativos (City of Paris, 1910–1912, Museu Nacional arte contemporânea, Paris). O artista delineou sua compreensão das possibilidades decorativas e dinâmicas da cor, o sistema de seus contrastes ideais no ensaio On Color (1912), que se tornou o manifesto do Orfismo (a nova tendência deve seu nome a G. Apollinaire). No mesmo ano, ele criou pinturas não objetivas (Simultaneously Open Windows, Tate Modern Gallery, Londres; etc.), incluindo as chamadas. formas circulares, nascidas de observações sobre a natureza concêntrico-circular da radiação luminosa e do espectro de cores. Na década de 1920, Delaunay voltou à arte figurativa, continuando, em particular, uma série de "torres Eiffel" e escrevendo muitos retratos expressivos (F. Soupault, 1922, Centre J. Pompidou, Paris). Então, na virada da década seguinte, voltou-se para a abstração (o ciclo de pinturas Ritmos Infinitos - de 1933 - composições alongadas horizontalmente, muito mais contidas em cores). Junto com sua esposa, ele criou uma série de grandes painéis para os pavilhões ferroviários e de aviação da Exposição Mundial de Paris (1937). Com a eclosão da Segunda Guerra Mundial, mudou-se para Auvergne. Delaunay morreu em Montpellier em 25 de outubro de 1941.

LEGER, Fernand (Léger, Fernand) (1881-1955), pintor francês, escultor, artista gráfico, ceramista e decorador, campeão dos chamados. "estética das formas das máquinas" e "arte mecânica". Nasceu em 4 de fevereiro de 1881 em Argentan, na família de um camponês normando; aos 16 anos começou a trabalhar em um escritório de arquitetura em Caen e em 1900 foi desenhista em um estúdio de arquitetura em Paris. Depois de servir no exército, ele se estabeleceu em uma casa pitoresca e atraente para artistas com as oficinas "La Ruche" ("Colmeia"), onde conheceu mestres como A. Archipenko, A. Laurent, J. Lipchitz, Delaunay, M. Chagall e X.Sutin. Em 1910 conheceu P. Picasso e J. Braque. Leger pintou suas primeiras telas sob a influência da pintura de P. Cézanne, em particular O Casamento (1910), a famosa Dama de Azul (1912) e a série Elementos Geométricos (1913-1914). Após a Primeira Guerra Mundial, Léger interessou-se teorias modernas movimento e mecânica. Esse interesse foi expresso na criação de obras como a Cidade (1919), Mecânica (1920), Grande Café da Manhã (outro nome Três Mulheres, 1921) e Estação (1923). Nelas, os elementos do corpo humano lembram as formas de tubos, motores, hastes e engrenagens. Léger realizou grandes projetos decorativos na Exposição Artes decorativas em Paris (1925), em Bruxelas exposição internacional(1935) e no prédio da ONU em Nova York (1952). De 1931 a 1939, Léger visitou os EUA várias vezes. Durante a Segunda Guerra Mundial (a partir de 1940), ele recebeu asilo lá e lecionou na Universidade de Yale. Retornando a Paris em dezembro de 1945, ele completou uma série de composições importantes Goodbye New York (1946), Entertainment (1949), Constructors (1950), Country Company (1953), Grand Parade (1954). Leger se interessou por diferentes áreas da arte: mosaico, vidro colorido, ilustração de livro, produção de cartolinas para tapetes, cenários teatrais. Em todos os lugares ele procurou transmitir movimento. No cinema, Léger realizou o primeiro filme sem roteiro, Balé Mecânico (1924). Em 1934, A. Korda pediu-lhe que fizesse cenário para um filme baseado no roteiro de H. Wells A Forma do Futuro. Junto com A. Calder, M. Duchamp, M. Ernst e M. Ray, trabalhou no filme Sonhos que o dinheiro pode comprar ("Hans Richter Film", 1948). Léger morreu em Giff-sur-Yvette (Seine-et-Oise) em 17 de agosto de 1955.

Picasso Pablo (Picasso, Pablo) (gg.), artista francês, espanhol de origem. Escultor, artista gráfico, pintor, ceramista e desenhista, o mais famoso, versátil e prolífico entre seus contemporâneos. Pablo Picasso nasceu em 25 de outubro de 1881 em Málaga (Espanha) na família do artista José Ruiz Blasco e Maria Picasso Lopez. Em sua juventude, Picasso decidiu levar mais sobrenome raro mãe em vez do Ruiz comum. Ele era uma criança extraordinariamente talentosa e aos quatorze anos ingressou na Escola belas-Artes em Barcelona, ​​​​completando em um dia papel de exame para o qual um mês foi dado. Estudou na Real Academia de Artes de San Fernando em Madrid. Em 1899, Picasso voltou a Barcelona, ​​​​onde passou a frequentar o famoso café Four Cats, que reunia artistas e escritores. Os anos de 1901 a 1904 na biografia criativa do mestre foram chamados de " período azul"devido à predominância do tom azul em suas pinturas da época. Durante esses anos, ele morou em Paris ou em Barcelona. Foi então que começou sua longa amizade com o poeta Max Jacob e o escultor Julio Gonzalez. Em 1904, Picasso estabeleceu-se em Paris, na Rue Ravignon, na famosa casa de Bato Lavoir ("Lavanderia Flutuante"), onde moravam muitos artistas. Em 1904 conheceu Fernanda Olivier, que se tornou sua amante e inspiradora de sua arte. Em 1905, o "período azul" é substituído pelo "rosa"; Picasso conhece o crítico Guillaume Apollinaire e os americanos Leo e Gertrude Stein. , dentro de alguns anos, o colecionador russo Sergei Shchukin adquiriu cerca de cinquenta de suas obras. Naquela época, Shchukin tinha a melhor coleção de pinturas de Picasso na Europa. a coleção Morozov. Em 1907, Picasso pintou a pintura Donzelas de Avignon, que é considerada um ponto de virada nas artes plásticas do século XX. No mesmo ano conheceu J. Braque. Braque e Picasso se tornaram os fundadores e líderes do cubismo. Em 1917 é a primeira experiência de Picasso como artista de teatro. Ele criou esboços de figurinos e cenários para a produção do balé Parade for "Russian Seasons" de Sergei Diaghilev. EM Próximo ano casou-se com uma das bailarinas da trupe Diaghilev, Olga Khokhlova.

Na década de 1920, Picasso continuou a trabalhar para o teatro, e também pintou em uma variedade de estilos, do neoclássico ao cubista e ao surrealismo. Em Picasso, junto com seu velho amigo Gonzalez, criou obras a partir de estruturas metálicas soldadas. No início dos anos 1930, o artista realizou várias séries gráficas, incluindo 30 gravuras para as Metamorfoses de Ovídio para a editora Skira e para a obra-prima desconhecida de Balzac encomendada pelo colecionador Ambroise Vollard. Vários dos principais motivos normalmente associados à obra de Picasso - o Minotauro, o artista e a modelo, etc. - foram incluídos na famosa série de gravuras da Suite de Vollard, na qual começou a trabalhar nestes anos, a obra de Picasso casamento acabou; sua nova amante era Marie-Thérèse Walter. Em 1936, quando a Espanha começou Guerra civil, Picasso ficou do lado do governo republicano e, em confirmação de sua lealdade, aceitou a oferta de assumir o cargo honorário de diretor do Museu do Prado. No final de abril de 1937, o mundo soube do bombardeio de Guernica, com o qual a pequena cidade basca foi varrida da face da terra. Picasso expressou sua atitude em relação ao que aconteceu no painel Guernica. Foi destinado ao pavilhão espanhol na Exposição Mundial de Paris e, em seguida, mantido no Museu de Arte Moderna de Nova York. Em 1981, seis anos após a morte de Franco, a pintura foi transferida para o Prado. Durante a Segunda Guerra Mundial, Picasso viveu em Paris com Françoise Gilot, que lhe deu dois filhos. Em 1946, o mestre voltou-se para a arte da cerâmica e, praticamente por conta própria, reviveu o artesanato cerâmico que outrora floresceu ali na cidade de Vallauris, na Riviera. Picasso sempre se interessou por novas tecnologias e desenvolveu uma técnica especial de litografia. Em 1944, o artista ingressou no Partido Comunista Francês. As convicções políticas de Picasso, refletidas em Guernica, reapareceram na pintura A Guerra da Coreia (1951) e em dois grandes painéis Guerra e Paz (1952) criados para decorar o Templo da Paz em Vallauris. A década de 1950 viu várias exposições retrospectivas de Picasso; ao mesmo tempo em que conheceu Jacqueline Roque, com quem se casou na década de 1950, o artista dialogou com os grandes mestres do passado: em escreveu diversas variações sobre o tema do quadro Mulheres de Argel, de Delacroix, em Menin, de Velásquez, e no Café da Manhã na Grama, de Manet. Na década de 1960, Picasso criou uma monumental composição escultural 15 m de altura para um centro comunitário em Chicago. Em 1970, o artista doou mais de oitocentas obras suas ao Museu do Palácio Aguilar, em Barcelona. Picasso morreu em Mougins (França) em 8 de abril de 1973.

PICASSO PABLO. VASO COM DANÇARINOS. Ok Museu Nacional de Arte Moderna, Paris.

GRIS, Juan (Gris, Juan) (1887-1927), artista espanhol, um dos fundadores do cubismo. Nascido em Madrid em 23 de março de 1887, nome verdadeiro - José Victoriano Gonzalez (Jos Victoriano Gonz lez). Inicialmente, ganhava a vida desenhando para publicações humorísticas e ao mesmo tempo estudava pintura. Em 1906, Gris chegou a Paris e se estabeleceu em Montmartre, não muito longe de seu compatriota Pablo Picasso. Durante seus anos de formação, no início do período parisiense (1906-1912), Gris ficou fascinado com o cubismo. Dele trabalho cedo(1911-1912) são feitas de maneira "analítica", remontando tanto a Cézanne quanto a Picasso e Braque. Desenvolvendo-se rapidamente, Gris já em 1913-1914 desenvolve sua própria versão do cubismo "sintético". Ele define sua pintura como “uma variante da arquitetura plana e colorida”, ou melhor, sua “premonição”, um arranjo harmônico de formas e cores. Ele acreditava que “a essência da pintura é uma interação expressiva entre o artista e o mundo exterior”, mas chamou as pinturas, desprovidas de início pictórico, de “exercício técnico falho”. A versão de Gris do cubismo era mais severa e clássica, menos espontânea que a de Braque ou Picasso. Nas telas de 1920-1927, o artista cultiva "um lado refinado e estetizado da pintura, para o qual ainda não havia encontrado lugar em sua obra". Com isso, seu estilo adquiriu extraordinária liberdade, lirismo e, ao mesmo tempo, ousadia e integridade. Gris morreu em Boulogne-Billancourt (França) em 11 de maio de 1927.

JUAN GRIS. SMOKER Museu Thyssen-Bornemisza, Madrid.

CASAMENTO, GEORGE (Braque, Georges) (1882-1963), pintor, artista gráfico, escultor e decorador francês; junto com Picasso é o criador do cubismo. Nasceu em 13 de maio de 1882 em Argenteuil (departamento do Sena e Oise) na família de um artista-decorador. Em 1900-1901 estudou na Escola Técnica de Paris. Em 1902–1904 frequentou aulas na Escola de Belas Artes e na Amber Academy, museus e coleções particulares, estudou pintura impressionista e pós-impressionista, pintura egípcia e escultura grega, bem como obras de Corot e Cézanne. Em Braque, pintou várias séries de paisagens, nas quais se sente a influência da pintura dos fauves e de Cézanne. As Donzelas de Avignon (1907), de Picasso, causaram-lhe uma forte impressão. No verão seguinte, Braque produziu uma série de paisagens inovadoras, nas quais seguiu o apelo de Cézanne: "Retrate a natureza nas formas de cilindros, esferas e cones". Essas paisagens não foram aceitas pelo Salon d'Automne. Henri Matisse disse que eles eram feitos de cubos, daí a palavra "cubismo" veio. Em 1908-1914, Braque e Picasso trabalharam juntos, desenvolvendo os princípios do novo direção artística. A princípio, eles destruíram analiticamente as imagens habituais dos objetos, como se os "separassem" em formas e estruturas espaciais separadas. Em 1912 começaram a trabalhar na técnica de colagem e apliques e se interessaram pelo processo inverso - a síntese de objetos a partir de elementos dissimilares. Uma contribuição significativa de Braque para o processo criativo foi o uso de inscrições e diversos técnicas decorativas. A grande composição O Músico (1917–1918, Basel, Coleção de Arte Pública) foi o resultado da fase do cubismo sintético na obra de Braque e marcou ponto de partida em suas novas atividades criativas. Na década de 1920, elementos do cubismo desaparecem gradualmente das obras de Braque, ele usa motivos mais pictóricos. O reconhecimento público veio a ele em 1922, após uma exposição na qual o artista apresentou uma série de pinturas escritas em rica forma pictórica: Lareiras, Mesas e Canéforos (meninas carregando cestas com utensílios de sacrifício). No final da década de 1920, Braque abandonou os efeitos de pintura chamativos e continuou a experimentar formas e cores; pintou marinhas, banhistas, motivos neoclássicos e cabeças de perfil duplo. Nas décadas de 1930 e 1940, Braque pintou naturezas-mortas e composições de interiores, às vezes com músicos, modelos e pintores, e às vezes completamente desprovidos de figuras humanas. Após a guerra, o trabalho de Braque assumiu um caráter mais contemplativo e esotérico, como evidenciado pela série de 8 pinturas Workshop (1949-1956). Em 1952-1953, o artista pintou os plafonds do Louvre. Os grandes pássaros pretos representados neles contra o céu azul tornaram-se um dos motivos mais encontrados nas obras posteriores do mestre. Braque produziu muitos desenhos, gravuras e obras esculturais, mas o principal lugar em sua obra foi ocupado pela pintura. Braque morreu em Paris em 31 de agosto de 1963. 31

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As principais tendências e estilos na arte do início do século XX cubismo fauvismo futurismo expressionismo dadaísmo surrealismo abstracionismo

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Cubi zm (fr. Cubisme) é uma tendência modernista nas artes visuais, principalmente na pintura, que se originou no início do século XX e é caracterizada pelo uso de formas condicionais geometrizadas enfaticamente, o desejo de “dividir” objetos reais em primitivas estereométricas. O surgimento do cubismo é tradicionalmente datado de 1906 a 1907. O termo "cubismo" apareceu em 1908, depois que o crítico de arte Louis Vaucelles chamou as novas pinturas de Georges Braque de "caprichos cúbicos".

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Kubi zm é uma direção artística fundada no primeiro quartel do século XX na pintura, cujos representantes retratam o mundo objetivo na forma de combinações de volumes geométricos regulares: um cubo, uma bola cúbica, um cilindro cúbico, um cone cúbico, a fim de expressar mais plenamente as idéias das coisas, os artistas usam a perspectiva tradicional como ilusão de óptica e se esforce para dar a eles uma imagem abrangente, decompondo a forma e combinando vários de seus tipos na estrutura de uma imagem. Um maior interesse pela forma leva a uma distinção no uso das cores. cores quentes para elementos salientes do motivo da trama, cores frias para elementos remotos ou distantes da imagem. Na arquitetura e na escultura, é caracterizado pelo uso de formas condicionais geometrizadas enfaticamente, pelo desejo de dividir objetos reais em primitivos estereométricos, pelo desejo de identificar as formas geométricas mais simples subjacentes aos objetos.

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No desenvolvimento do cubismo, distinguem-se três períodos: Cezanov, analítico, sintético. 1. O período “Cezanovsky” ou “Negro” está associado à descoberta e repensamento da arte primitiva, iniciada por Paul Cezan. Este período é caracterizado por pinturas que retratam quebras bruscas de formas, grandes volumes, que, por assim dizer, se dispõem sobre um plano, criando uma sensação de relevo na imagem. O esquema de cores enfatizou e esmagou o volume. As composições são criadas principalmente com base em paisagens, figuras, naturezas mortas pintadas da natureza. 2. O período analítico é caracterizado pelo fato de que o objeto retratado foi completamente esmagado em suas partes constituintes, estratificado em pequenas faces separadas umas das outras. A paleta de cores foi reduzida a preto e branco. Este período no desenvolvimento do cubismo foi mais transitório do que independente. 3. A fase sintética durou de 1912 a 1914. Nesse período, prevalece a decoratividade, as pinturas ficam mais parecidas com painéis.

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Representantes Pintura Pablo Picasso, Georges Braque, Aristarkh Lentulov Escultura Alexander Archipenko, Konstantin Brancusi Fotografia Iosif Badalov

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Maioria representantes proeminentes O cubismo e seus fundadores são considerados dois grandes artistas - Pablo Picasso e Georges Braque. Os artistas em suas obras compararam superfícies geométricas com semelhança mínima com os objetos representados, eles acreditavam que a forma deveria estar longe do objeto representado. Não havia riqueza emocional nas obras. Linhas e formas substituíram os sentimentos. A cor nas obras dos cubistas recebia um valor mínimo, os artistas procuravam utilizá-la o mínimo possível. Eles eram principalmente cinza, preto, cores marrons. As imagens nas obras dos cubistas não tiveram protótipos em vida, perderam a realidade, tornaram-se abstratas, compreensíveis apenas para o próprio autor. Os pintores representavam o objeto como se de vários pontos de vista de cima, de baixo, de dentro, de lado, colocassem essas imagens em uma tela, sobrepostas umas às outras. O desejo de retratar o inimaginável levou a uma simplificação dos gêneros da pintura.

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Os cubistas não subdividiram as obras por gênero (retrato, paisagem, natureza morta), mas deram a elas um nome comum - pintura. A principal conquista dos cubistas, os historiadores da arte consideram a liberdade ilimitada. Para expandir as possibilidades de sua direção, os cubistas combinaram uma variedade de técnicas e materiais na imagem: papel colorido, papéis de parede, etc. um dos novos meio de expressão tornou-se uma colagem - uma montagem de uma imagem de adesivos. Com o tempo, a nova direção parou. Em busca de novos meios de expressão, os artistas colaram jornais no quadro e pintaram sobre o papel de embrulho. Eles acreditavam que isso lhes permitia criar espaço.

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Pablo Picasso Pablo Picasso (1861-1973)- excelente artista Pintor, desenhista, gravador, escultor do século XX, um dos fundadores do cubismo. Pablo Picasso recebeu o básico das artes plásticas de seu pai, um professor de desenho. Depois, a partir dos 14 anos, estudou na Academia de Artes de Barcelona, ​​​​aos 16 ingressou na Real Academia de San Fernando, em Madrid. Em 1904 o artista mudou-se para Paris.

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Uma das primeiras obras no estilo do cubismo foi a pintura "Avignon Girls" (1907). Nesta tela, o enredo é visível, mas o realismo já está desaparecendo. As figuras das mulheres são representadas com formas geométricas e planos côncavo-convexos do padrão. A presença de modelagem de luz e sombra com sombreamento ainda é parcialmente sentida, mas o traço já é usado ativamente.

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Os acontecimentos na Espanha encontraram uma resposta na obra de P. Picasso, ele pintou a pintura "Guernica" (1937). Aqui você pode ver alguns elementos de realismo. A imagem tornou-se um aviso para a humanidade sobre a guerra que se aproximava, sobre os horrores do fascismo, causou uma explosão emocional na sociedade. O autor expressou seu protesto e ansiedade com a ajuda de linhas quebradiças que cortam os rostos dos personagens da foto.

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Georges Braque Georges Braque (1882-1963) - pintor, escultor, gravador francês, um dos fundadores do cubismo. J. Braque nasceu em Argenteuil. Ele estudou artes plásticas primeiro com seu pai, depois no estúdio de um artista-decorador. Em 1902 ingressou na Amber Academy em Paris. No início de seu trabalho, Braque estava associado ao fauvismo, pintando principalmente paisagens usando esquemas de cores complexos. Período inicial sua obra coincide com o período do cubismo analítico. Trabalha naturezas-mortas e paisagens, utilizando uma gama quase monocromática. Durante a Primeira Guerra Mundial, Braque foi chamado para o front, foi ferido e passou por uma operação séria. Após a recuperação, ele retorna novamente à criatividade. Aos poucos, Braque se afasta do cubismo, passando para a criação de pinturas planares de cores mais diversas. A partir de 1930, o artista passa a utilizar em composições figuras humanas no interior, muito próximo do estilo da arte abstrata. Pinturas posteriores de J. Braque tornam-se lacônicas. As parcelas das planícies desérticas e da costa marítima da Normandia combinam-se harmoniosamente com os motivos de um barco abandonado e um arado em um campo de outono. As composições são harmoniosas e muito próximas do classicismo.

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Em 1949-1956. Braque criou a série "Oficinas", uma de suas obras mais significativas, que inclui oito telas de grande formato representando objetos de arte, onde há uma imagem brilhante de um pássaro branco - um símbolo de vôo criativo. Os objetos tornam-se mais reconhecíveis, o esquema de cores tornou-se mais versátil. Mais tarde, a imagem do pássaro desenvolve-se na sua obra para um tema independente ("Black Birds", 1956-1957).

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Aristarkh Lentulov (1882-1943) Nasceu em 1882 na aldeia de Vorona, província de Penza, na família de um padre. A mãe de Aristarkh Lentulov ficou viúva cedo com quatro filhos, o mais novo dos quais era o futuro artista. Depois da Escola Teológica de Penza, Lentulov mudou-se para o seminário. No entanto, uma escola de arte foi aberta em Penza e Aristarkh Lentulov entrou no primeiro set. Avançar Educação Artistica Lentulov recebido em Kiev escola de Artes, no estúdio de São Petersburgo de D. Kardovsky. A partir de 1909 ele viveu em Moscou.

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Ao retornar de Paris, o artista criou uma série de painéis retratando os monumentos arquitetônicos de Moscou. Essas obras conectam a impressão natural de arquitetura medieval, brilho do folclore tradicional e transformação cubo-futurista da forma. Em muitas obras da década de 1910, Lentulov usou apliques. " Nizhny Novgorod» (1915)

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Alexander Archipenko (1887-1964) escultor ucraniano-americano, nascido em Kiev. Em 1906 mudou-se para Moscou e em 1908 para Paris. Lá, na biografia de Archipenko, foi colocado o desenvolvimento de sua técnica cúbica na escultura, onde logo se juntou aos cubistas, e em 1923 mudou-se para os EUA. A escultura de Archipenko é baseada em uma deformação acentuada e estilização geométrica da forma plástica, mantendo apenas uma conexão distante com a realidade. Suas obras se distinguem pela distorção deliberada de proporções e ritmo linear agudo.

• Cubismo(fr. cubismo) é uma tendência vanguardista nas artes plásticas, principalmente na pintura, que se originou no início do século XX e se caracteriza pelo uso de formas condicionais geometrizadas enfaticamente, pelo desejo de “dividir” objetos reais em primitivos estereométricos.

A ASCENSÃO DO CUBISMO

• O surgimento do cubismo é tradicionalmente datado de 1906 - 1907 e está associado ao trabalho de Pablo Picasso e Georges Braque. O termo "cubismo" apareceu em 1908 depois que o crítico de arte Louis Vaucelles chamou as novas pinturas de Braque de "peculiaridades cúbicas".
• A partir de 1912, nasceu uma nova ramificação do cubismo, que os críticos de arte chamaram de "cubismo sintético" É bastante difícil dar uma formulação simples dos principais objetivos e princípios do cubismo; na pintura, distinguem-se três fases desta corrente, reflectindo diferentes concepções estéticas, e cada uma pode ser considerada separadamente: cubismo de Cézanne (1907-1909), analítico (1909-1912) e sintético (1913-1914).

• As obras cubistas mais famosas do início do século 20 foram as pinturas de Picasso " Avinhão garotas”, “Guitar”, obras de artistas como Juan Gris, Fernand Leger, Marcel Duchamp, esculturas de Alexander Archipenko, etc.

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CEZANNE CUBISMO

• Esse costuma ser o nome da primeira fase do cubismo, que se caracteriza por uma tendência à abstração e simplificação das formas dos objetos. Seguindo o transcendentalismo do final do século XIX, eles argumentaram que realidade real possui a ideia, não seu reflexo no mundo material.

• Uma influência direta na formação do cubismo teve experimentos com a forma na pintura de Paul Cézanne. Em 1904 e 1907, exposições de seu trabalho foram realizadas em Paris. No retrato de Gertrude Stein, criado por Picasso em 1906, já se sente a paixão pela arte de Cézanne. Em seguida, Picasso pintou a pintura Donzelas de Avignon, que é considerada o primeiro passo para o cubismo.

Retrato de Gertrude Stein

• Durante 1907 e início de 1908, Picasso continuou a usar formas de escultura negra em suas obras (mais tarde, essa época começou a ser chamada de período "negro" em sua obra).
• No outono de 1907, dois eventos importantes: exposição retrospectiva de Cézanne e os conhecidos de Braque e Picasso. O verão de 1907 Casamento passou em Estaca, onde se interessou pela pintura de Cézanne. A partir do final de 1907, Braque e Picasso começaram a trabalhar no estilo cubista.

"MULHER COM VENTILADOR". 1909 PABLO PICASSO

"BIDON E TAÇAS". 1908 PABLO PICASSO

CUBISMO ANALÍTICO

• O cubismo analítico, a segunda fase do cubismo, caracteriza-se pelo desaparecimento das imagens dos objetos e pelo gradual obscurecimento da distinção entre forma e espaço. A disposição das formas no espaço e sua relação com grandes massas composicionais está em constante mudança. O resultado é uma interação visual de forma e espaço.

"RETRATO DE DANIEL-HENRY CAWEILER". 1910 PABLO PICASSO

"RETRATO DE AMBROISE VOLLARD". 1915 G. PABLO PICASSO

CUBISMO SINTÉTICO

• O cubismo sintético marcou uma mudança radical na percepção artística movimento. Isso se manifestou pela primeira vez nas obras de Juan Gris, que se tornou um adepto ativo do cubismo a partir de 1911. Essa fase do estilo é caracterizada pela negação do significado da terceira dimensão na pintura e pela ênfase na superfície pictórica. Se no cubismo analítico e hermético tudo meios artísticos deveriam servir para criar uma imagem da forma, então no cubismo sintético a cor, a textura da superfície, o padrão e a linha são usados ​​para construir (sintetizar) um novo objeto

HOMEM EM UM CAFÉ, 1914 JUAN GRIS

"Natureza morta com uma cadeira de vime"(1911-1912) PABLO PICASSO

"VIOLINO E GUITARRA" (1913). PABLO PICASSO

Cubismo. Avant-garde - uma direção na pintura no início do século XX. Os fundadores são os artistas franceses Pablo Picasso e Georges Braque. Os contemporâneos viram no cubismo uma rejeição revolucionária das "convenções do realismo óptico" em favor de uma nova visão artística da realidade através do prisma das formas geométricas (cubo, cone, cilindro). O nome "cubismo" surgiu de uma avaliação negativa das obras dessa direção, chamadas pelos críticos de "um monte de cubos". Pablo Picasso. Instrumentos musicais.

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MHK grau 11

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"História da fotografia" - As pessoas há muito procuram encontrar uma maneira de obter imagens. Foto. câmera pinhole ( Forma geral). O francês Joseph Nicephore Niepce (1765 - 1833), Louis-Jacques Mande Daguerre. Câmera pinhole. Sob a influência da luz solar, as soluções de sais de ferro mudam de cor. Diagrama de uma câmera escura. Sabe-se que os óculos foram inventados já no século XIII. Niepce. Em 1827, Niépce se encontrou com Louis Daguerre. História da fotografia. Fotografia antes da fotografia.

"Classicismo na arte russa" - Classicismo da arquitetura de São Petersburgo. Retrato de P.A. Demidov. Classicismo na Rússia. Classicismo na pintura russa do século XVIII. Vladimir e Rogneda. A.N. Voronikhin. Achado arquitetônico de A. Zakharov. Andrei Nikiforovich Voronikhin, arquiteto da catedral. Retrato de Struyskaya. Classicismo na arte russa. Edifício do Almirantado ADZakharov. As obras dos classicistas foram apresentadas com clareza. Mudanças significativas nas artes visuais.

"Características da arte primitiva" - Amostras de cerâmica. Ritual misterioso. Arte Neolítica. Rituais primitivos. Idade da Pedra. Primitivo. Ritual de magia. localização central em Arte do rock. EM região de Sverdlovsk encontrou um assentamento mesolítico. A prática da magia. Condições climáticas. Centros de Civilizações. Paleo Vênus. Assentamento Mesolítico. Ferramentas. Trabalhos de arte. Imagem generalizada de uma mulher.

1 diapositivo

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Se os fauvistas sonhavam em criar arte que agradasse aos olhos e acalmasse os sentidos, os cubistas queriam "perturbar as almas humanas". A nova direção foi em grande parte ditada pelo desejo de continuar as pesquisas experimentais no campo da forma. “Muitos acreditam que o cubismo”, escreveu P. Picasso, “é um tipo especial de arte de transição, um experimento, e seus resultados só serão sentidos no futuro. Pensar assim é entender mal o cubismo. O cubismo não é uma “semente” ou “embrião”, mas uma arte para a qual a forma é o mais importante, e a forma, uma vez criada, não pode desaparecer e vive uma vida independente.

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Caracterização semelhante foi retomada pelo jornalista Louis Vexel em resenha sobre uma exposição de pinturas de Georges Braque (1882-1963), realizada em Paris em novembro de 1908 e que se tornou um grande evento em vida artística Europa. E embora os próprios artistas considerassem o termo "cubismo" muito restrito em relação à sua arte, ele se enraizou e passou a designar uma das novas tendências da pintura. Além disso, o cubismo teve um impacto significativo em outras artes: escultura, arquitetura, artesanato, balé, cenografia e até literatura.

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Jorge Braque. Violino e paleta. 1910 Museu de Arte Moderna, Nova York Cor e assunto em cubismo executado papel menor, os principais foram desenho, construção estática e composição. Pablo Picasso observou: “O cubismo não difere das tendências usuais na arte. Os mesmos princípios e elementos se aplicam aqui como em qualquer outro lugar. O fato de o cubismo ter permanecido incompreendido por muito tempo e de ainda existirem pessoas que nada entendem sobre ele não significa que seja insustentável. O fato de eu não ler alemão... não significa que língua alemã não existe".

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A imagem se tornou um verdadeiro encrenqueiro artista espanhol Pablo Picasso (1881-1973) Meninas de Avignon. Pablo Picasso. Meninas de Avignon. 1907 Museu de Arte Moderna, Nova Iorque

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Foi ela quem marcou o início de uma nova direção na arte do cubismo. Matisse viu nela uma caricatura das tendências modernas da pintura e a considerou apenas um mau truque de seu amigo. J. Braque, um dos primeiros a ver esta obra, declarou indignado que Picasso quer fazê-lo "comer estopa e beber querosene". O famoso colecionador russo e grande admirador do talento da artista S. I. Shchukin, ao vê-la na oficina, exclamou com lágrimas nos olhos: “Que perda para pintura francesa!" Felizmente, os numerosos ataques dos críticos acabaram sendo apenas um incentivo para as novas buscas criativas de Picasso. A enorme tela foi o resultado de longas reflexões da artista, que obviamente negligenciou os cânones da beleza feminina clássica. Picasso explicou: “Fiz metade do quadro, senti que não era isso! Eu fiz diferente, me perguntei se deveria refazer tudo. Aí ele falou: não, eles vão entender o que eu quis dizer.

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O que a artista “queria dizer” e o que tanto confundiu o público nela? cinco nus figuras femininas, capturados de diferentes ângulos, preencheram quase toda a superfície da tela. Figuras congeladas semelhantes a ídolos são esculpidas descuidadamente em madeira maciça ou pedra. Faces de máscaras estranhas são fortemente distorcidas e deformadas. Privados de quaisquer sentimentos e emoções, eles assustam e fascinam ao mesmo tempo... A menina da direita olha indiferente pela cortina entreaberta. A figura, sentada de costas, virou-se e olhou atentamente para o espectador. Em cada olhar - uma reprovação muda e reprovação à sociedade, que rejeitou as mulheres e as condenou à doença e à morte. Assim, segundo o autor, o quadro deveria despertar a consciência adormecida dos contemporâneos, e por isso foi percebido como a voz apaixonada da artista em defesa da beleza ultrajada, mulher humilhada e impotente.

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A segunda etapa no desenvolvimento de uma nova direção na pintura é considerada o cubismo sintético, usando vários itens Vida real. Pablo Picasso. Natureza morta com cadeira de palha. 1912 Museu Picasso, Paris

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Pablo Picasso. Natureza morta com cadeira de palha. 1912 Museu Picasso, Paris Braço de violão, borda de toalha de mesa, perna cilíndrica de copo, gargalo de garrafa, curva de cachimbo, baralho de cartas - tudo poderia servir de pretexto para decifrar as pinturas. Letras e números, fragmentos de palavras, fragmentos de linhas de telégrafo ou jornal, inscrições nas vitrines de lojas e cafés, números de carros, marcas de identificação nas laterais das aeronaves foram introduzidos com frequência ... Além disso, nas pinturas eles usaram materiais que eram estrangeiros para pintura a óleo: areia, serragem, ferro, vidro, gesso, carvão, tábuas, papel de parede. Este foi o início da arte da colagem (colar materiais que diferem dela em cor e textura em uma base).

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Um dia, Picasso pegou um oleado, que representava uma grade de uma cadeira de vime. Recortando um pedaço da forma que precisava, ele colou na tela. Assim foi criada a "Natureza morta com cadeira de palha". A pequena pintura de formato oval estava repleta de detalhes que iam contra as normas vigentes da pintura. Elementos díspares, conectados de uma certa maneira, criaram, no entanto, um todo único. Pablo Picasso. Natureza morta com cadeira de palha. 1912 Museu Picasso, Paris "Picasso viola deliberadamente percepção harmônica pinturas, combinando objetos em uma tela, cuja realidade é percebida em graus diferentes. Mas eles se unem de tal forma que criam um jogo de sentimentos contraditórios e ao mesmo tempo complementares ”(R. Penrose).

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Além da natureza morta, os cubistas frequentemente se voltavam para o gênero retrato. A figura de um homem, apresentada em formas geométricas, reproduzia muito remotamente o modelo real. A cabeça parecia uma bola, os braços um retângulo, as costas um triângulo. O rosto se dividiu em muitos elementos separados, segundo os quais era difícil restaurar a aparência da pessoa retratada. No entanto, é conhecido um caso em que um crítico americano reconheceu em um café parisiense um homem que lhe era familiar apenas por um retrato cubista de Picasso. Pablo Picasso. Retrato de Ambroise Vollard, 1909-1910 Museu Pushkin im. A. S. Pushkin, Moscou

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Uma incrível "semelhança" foi alcançada pelo artista no famoso "Retrato de Ambroise Vollard". Criado em um cenário de cristais intrincados, transmite vagamente o nariz um tanto achatado de um colecionador conhecido. A testa alta e reta se destaca da gama de cores cinza predominante com a ajuda de tons suaves. Traços faciais quase imperceptíveis são absorvidos por formas cúbicas. O próprio Vollard afirmou que, embora muitos não pudessem reconhecê-lo na tela, o filho de quatro anos de um de seus amigos, ao ver o retrato pela primeira vez, exclamou imediatamente: “Este é o tio Ambroise!” Pablo Picasso, Retrato de Ambroise Vollard, 1909-1910, Museu Estatal de Belas Artes Pushkin, Moscou

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Seu nome já foi cercado de lendas durante sua vida. Eles o admiravam e discutiam sobre ele. Ele foi derrubado e novamente erguido nos picos do Olimpo. Centenas de estudos foram escritos sobre isso. Segundo Pablo Picasso, a arte do século 20, na qual ele fez suas brilhantes descobertas, será medida por muito tempo. As palavras aforísticas de seu contemporâneo Andre Breton (1898-1966) ainda mantêm seu significado e significado: "Não há nada para fazer por onde Picasso passou."