Gitar sanatı ve gitaristlerin eğitimi hakkında. Rus gitar performansının oluşumu Gitarda performans sanatının oluşumu
Rus gitar performansının oluşumu1. 19. - 20. yüzyılın başlarında Rusya'da yedi telli gitar çalma sanatının ortaya çıkışı
Gitarın Rusya'daki varlığının özgünlüğü, yedi telli ve altı telli olmak üzere iki çeşidin paralel varlığında yatmaktadır. Ancak müzik yapımındaki "payları" farklıydı: XX yüzyılın 20'li yıllarının ikinci yarısından itibaren, bu kitabı incelemeyi aşan bir dönemde, altı telli gitar giderek daha popüler hale geldi. Bu arada, 19. yüzyılın neredeyse tamamı boyunca, yerli müzik yapımında, tam anlamıyla Rus halk çalgısı diyebileceğimiz çeşitli çalgılar egemendi. Ve sadece, Rusya nüfusunun baskın kısmı olan müzikal ve sanatsal açıdan elit olmayanlara odaklanma ile bağlantılı sosyal kriterlere göre değil. Özel bir "Rus" akortlu yedi telli gitarda, milliyetin etnik unsuru daha az belirgin değildir: iki yüzyıldan fazla bir süredir ülkemizde yaygın olarak kullanılmaktadır ve geleneksel türleri ifade etmek için hala mevcuttur. ulusal müzik. G-dur üçlüsünün seslerine göre akort, bir oktava ikiye katlandı ve bir kuart aralıklı alt tel 18. yüzyılın ikinci yarısında Rusya'da ortaya çıktı ve şarkı söylemeyi sevdikleri kentsel ortamda son derece organik olduğu ortaya çıktı. Değişmez bas-akor eşlik formülleriyle şarkılar ve romanslar (Evde 19. yüzyılın başlarındaki müzik yaşamında, böyle bir enstrümana genellikle "Polonya sisteminin" gitarı deniyordu. G-dur üçlüsü yalnızca Rusya'da yaygınlaştı (tek istisna, diğer ülkelerdeki Rus göçmenlerin ortamı olabilir).
Ev müziği yapımında yedi telli bir gitar eşliğinde, genellikle kulakla - bu tür bir eşliğin en basit armonik işlevleri son derece erişilebilir hale geldi. Şarkıların ve romanların yazarları genellikle az bilinen amatörlerdi, ancak bazen 19. yüzyılın önde gelen bestecileri, A.E. Varlamov, A.L. Gurilev, A.A. Alyabyev, A.I. Dyubuk gibi M.I. A. L. Gurilev'in “Çan monoton bir şekilde çıngırdıyor”, A. E. Varlamov'un “Kar fırtınası caddeyi süpürüyor”, A. I. Dubuk'un “Beni azarlama canım” gibi şarkıların “yedi telli” performansı ve diğerleri yaygın olarak popülerler - genel nüfus arasında tam olarak Rus halk şarkıları olarak var olmaya başlamaları tesadüf değil.
Yedi telli gitarın aktif olarak yayılmasında Rus çingenelerinin sanatı önemli bir rol oynadı. Muhteşem yedi telli gitaristler, Ilya Osipovich ve Grigory Ivanovich Sokolov, Alexander Petrovich Vasilyev, daha sonra Nikolai Sergeevich Shishkin, Rodion Arkadevich Kalabin ve diğerleri gibi çingene korolarının liderleriydi (K. A. Baurov'un belirttiği gibi, “Rusya'daki çingene koroları ile moda oluyor. hafif el A. G. Orlov'u sayın. Birçok soylu, varlıklı toprak sahibi ve tüccar kendi çingene korolarını edinir.
18. yüzyılın sonunda, yedi telli gitar aristokrat salonlarda ve hatta kraliyet sarayında bile duyulabiliyordu. ondokuzuncu orta yüzyılda önemli ölçüde demokratikleştiği gözlemlenmiştir. M. A. Stakhovich, ilk olarak 1854'te yayınlanan “Yedi telli gitarın tarihi üzerine bir deneme” adlı eserinde şunları yazdı: “Yedi telli gitar, Rusya'da en yaygın enstrümandır, çünkü eğitimlilere ek olarak en yaygın olanıdır. sınıf, sıradan insanlar tarafından da oynanır.”
Aynı zamanda, 18. yüzyılın sonunda, bu gitar türü akademik akımın bir temsilcisi olarak da gelişmeye başladı. müzik sanatı. Şehir şarkılarının ve romanslarının gitar eşliğinde söylenmesi, yazılı olmayan işitsel bir gelenekle karakterize edildiyse, o zaman ev müziği yapımında gitarda solo performansa yönelik aynı şarkılar çeşitli müzik koleksiyonlarında yayınlandı. Bunlar esas olarak çeşitlemelerdi - türkü ezgilerinin aranjmanları. Burada yazarlar, temayı süslerken yaratıcı hayal gücünü, çok çeşitli seçeneklerde renkli "renklendirmesini" gösterdiler.
Yedi telli gitar için önemli besteler de ortaya çıkıyor. zaten içinde erken XIX yüzyılda V. Lvov'un bir gitar düeti için Sonatı yayınlandı. Giderek artan bir şekilde, çeşitli gitar parçaları basılmaya, öğretim ve metodolojik el kitaplarına yerleştirilmeye veya ayrı baskılarda yayımlanmaya başlandı. Örneğin, ünlü gitarist-öğretmen ve metodist Ignaz Geld (1766-1816) tarafından yaratılan, esas olarak dans türlerinde - mazurkalar, valsler, kır dansları, ekosezler, polonezler ve serenatlar, eğlenceler gibi çok sayıda minyatür vardır.
Ignaz Geld
Neredeyse tüm yaratıcı yaşamını Rusya'da geçirmiş olan bu Ruslaştırılmış Çek, akademik gitar çalmayı popülerleştirmek için çok şey yaptı. 1798'de, Fransızca başlığı olan "Yedi telli gitar için okul eğitimi" St. Petersburg'da yayınlandı - "Methode facile pour apprendre a pincer la guitare a sept cordes sans maitre". Çeşitli teorik bilgilerin yanı sıra, hem gitar için düzenlenmiş hem de yazarın kendi besteleri için birçok müzik örneği içerir. Bunlar Prelude, Waltz, Dumka, Polonaise, March, Allegretto; baskının sonunda flüt ve gitar için bir sonat, keman ve gitar için parçalar, ses ve gitar için parçalar bile var.
Okul defalarca yeniden basıldı ve çeşitli yeni materyallerle tamamlandı (özellikle üçüncü baskı, Rus ve Ukrayna halk şarkılarının kırk düzenlemesiyle genişletildi). Yüksek sanatsal değerleri, doğal ve yapay harmonikleri çıkarmak için metodolojik bir temel haline gelmesiyle zaten kanıtlanabilir. Bu, infaz yöntemlerini yayına eklerinde yayınlayan ve burada ayrı bir bölümde ayıran S. N. Aksenov tarafından yapıldı.
Bir dizi müzik bestesinin yazarı olan öğretmenin “Yedi Telli Gitar Okulu” Dmitry Fedorovich Kushenov-Dmitrievsky (c. 1772-1835) de zamanında önemli bir fenomen haline geldi. Gitar kılavuzu, "1808'de Bay Kushenov-Dmitrievsky tarafından bestelenen Yeni ve Eksiksiz Gitar Okulu veya gitar için bir kendi kendine eğitim kılavuzudur; İlk olarak 1808'de St. Petersburg'da yayınlanan Teacher”, 19. yüzyılın ilk yarısında büyük ilgi gördü ve defalarca yeniden basıldı. Yazar, kendi kendine çalışma sağlamasına rağmen, bilişteki başarının büyük ölçüde "iyi bir öğretmenin yardımıyla" elde edildiğini vurguladı. 1817 Okulu'nun yeniden baskısında yazar daha da kategorik olarak şöyle diyor: “... mükemmel bilgi için bir akıl hocası veya rehber gerektirmeyen tek bir bilim yoktur. Bu nedenle, bunun için yetenekli ve oldukça bilgili bir öğretmen bulunana kadar, o zamandan önce öğretmeye başlamanızı tavsiye etmiyorum.
D. F. Kushenov-Dmitrievsky, yedi telli gitar için bir dizi halk şarkısı fantezisi ve uyarlaması yarattı, 1818'de "Interdubele veya yedi telli gitar için örnek parçalar Koleksiyonu" adlı bir gitar parçaları koleksiyonu yayınladı. Yüz içerir müzikal sayılar, özellikle kendi minyatürleri, halk müziği düzenlemeleri ve W.A. Mozart, A. O. Sichra, F. Carulli ve diğer bestecilerin oyunlarının transkripsiyonları.
18. yüzyılın ikinci yarısının - 19. yüzyılın başlarının ünlü Rus besteci-kemancıları, yedi telli gitara mükemmel bir şekilde sahipti. Bunların arasında, balalayka sanatı alanında olduğu gibi, her şeyden önce, gitar için müzik de yazan ve onun için Rus halk şarkılarının temaları üzerine bir dizi varyasyon besteleyen (maalesef korunmadı) Ivan Evstafyevich Khandoshkin'den bahsedilmelidir. . Aynı bağlamda, gitar eserlerini 19. yüzyılın ilk on yıllarında yayınlayan Gavriil Andreevich Rachinsky'nin (1777-1843) adını vermek istiyorum.
Yerli profesyonel gitar performansının gerçek çiçeklenmesi, seçkin gitarist öğretmen Andrei Osipovich Sikhra'nın (1773-1850) yaratıcı etkinliğiyle başlar. Eğitimli bir arpçı olarak ve bu enstrümanın performansında mükemmel bir şekilde ustalaşarak, yine de tüm hayatını yedi telli gitarın tanıtımına adadı: gençliğinde konser faaliyetleri, ardından pedagoji ve aydınlanma ile uğraştı.
Andrey Osipoviç Sihra
18. yüzyılın sonunda Sichra, Vilnius'tan Moskova'ya geldi ve burada gitarla ilgilenmeye başladı ve 1813'te St. Petersburg'a taşındı. 1801 yılından itibaren Moskova ve St. 18. yüzyılın sonlarında “Altı telli bir gitardan arpej açısından daha eksiksiz ve arp'a daha yakın, aynı zamanda arptan daha melodik bir enstrüman yapma fikrini buldum. ve yedinci teli gitara bağladı, aynı zamanda akortunu değiştirerek altı tele G-dur tonunda iki tonik akor grubu verdi [...] Yedinci telde en kalın bası yerleştirdi, alt oktav - re (D) oluşturan ve üst baskın ton G-dur'un ana sesini içeren. arpejleri kendi özel enstrümanı olan arp'a çevirir.” Bu bilgi herhangi bir belgesel doğrulama bulmasa da, bir şey tartışılmaz: Müzisyen, öğrencileri gibi, , bu tür gitarın Rusya'daki geniş popülaritesine büyük katkıda bulundu.).
A. O. Sikhra, o zamanlar "dergi" olarak adlandırılan müzik yayınları sayesinde özel bir başarı kazandı. Böylece, 1800'de, Fransızca "Journal pour la Guittare a sept cordes par A. Sychra" ("A. Sychra'nın yedi telli gitar günlüğü") başlığı altında böyle bir baskı yayınlandı. Dergi, iki yıl sonra yeniden basılmasının da kanıtladığı gibi açık bir başarıydı. Rus halk şarkılarının birçok aranjmanı, müzik klasiklerinin aranjmanları, dans türlerinde basit minyatürler buraya yerleştirildi.
Sonraki yıllarda, 1838'e kadar, müzisyen, çok çeşitli eserler, opera müziğinden transkripsiyonlar, aşklar, şarkılar ve danslar, klasik eserlerden temalar üzerine varyasyonlar vb. Sunan bir dizi benzer gitar dergisi yayınladı. derecesi enstrümanın artan popülaritesine katkıda bulunmuştur.
1826'dan beri "Sychra tarafından yayınlanan, kulağa hoş gelen ve çalması kolay çeşitli besteler içeren, gitar için Petersburg dergisi" adıyla yayınlanan dergi, özellikle ün kazandı. Hayatının son yıllarında, çoğunlukla bir gitar düeti için parçalar besteledi ve kendisi daha düşük bir tessitura, ikinci bölüm seslendirdi ve birinci, daha yüksek dereceli - tertz gitarları öğrencilerinden birine emanet etti.
Müzisyenin metodik faaliyeti de önemliydi. 1850'de "Yedi Telli Gitar için Teorik ve Pratik Okulu" üç bölümden oluştu (ilk bölüm - "Genel Olarak Müziğin Kuralları Üzerine", ikinci - teknik alıştırmalar, ölçekler ve arpejler, üçüncü - müzik materyali, esas olarak Sychra'nın öğrencilerinin eserlerinden). 19. yüzyılın ikinci yarısında, okulu defalarca yeniden yayınlayan F. T. Stellovsky, klasik bestecilerin eserlerinden birçok düzenleme ekleyerek repertuarı önemli ölçüde genişletti.
Bir diğer önemli öğretici ve pedagojik el kitabı, bir gitaristin teknik becerilerini geliştirmek için bir tür yüksek okul olan A. O. Sikhra'nın “Dört Egzersizden Oluşan Pratik Kurallar”, o zamanın yedi telli gitar çalma teknikleri ve yöntemleri ansiklopedisi idi. Burada sadece etütlere yer verilmesine rağmen, özünde bunlar uzun oyunlardır ve bu nedenle bu bölümün ayrı bir bölümünde ele alınacaktır.
Sichra, yedi telli gitarı solo bir akademik enstrüman olarak kuran ilk kişiydi ve çok çeşitli amatör gitaristlerin estetik eğitimi için çok şey yaptı. Çok sayıda öğrenci yetiştirdi ve en önemlisi, öğrencinin yaratıcı bireyselliğine ve sanatsal düşüncesinin aktivasyonuna, performans sanatlarının bir kombinasyonuna çok yönlü ilgi ile karakterize edilen kendi performans okulunu sanatsal bir yön olarak yarattı. müzik besteleme, türkü malzeme işleme yaygınlığı ile. Sichra'nın gitar alanındaki pedagojik faaliyetinin, örneğin böyle kişiler tarafından çok değer görmesi tesadüf değildir. ünlü besteciler, A. E. Varlamov, M. I. Glinka, A. S. Dargomyzhsky olarak.
Gitar sesinin inceliğini ve inceliğini yakalamak için öğrencileriyle çok çalışan bu müzisyen, onlardan bir cantilena oyunu geliştirmek istemedi, gitarı bir arp'a benzetti. Örneğin, müzisyen, en yetenekli takipçilerinden biri tarafından bol miktarda vibrato ile çalan etkileyici mirası "çingene" olarak adlandırdı, ancak elbette, performans tarzının bu özelliğinin açıklanmasına müdahale etmedi, çünkü M. G. Dolgushina, "en iyi öğrencisi olduğunu ve özellikle onun için teknik olarak karmaşık bir dizi eser yarattığını" belirtiyor. Bu öğrenci Semyon Nikolaevich Aksenov'du (1784-1853). 1810-1830'larda, asıl mesleği büyük bir memurluk yapmakla birlikte, enstrümanın belki de en önde gelen destekçisiydi (1810'da Moskova'dan St. Petersburg'a taşındıktan sonra, S. N. Aksenov hızlı bir resmi kariyer yapmaya başladı: 1823). Rusya Savaş Bakanı altında özel görevler için bir memurdu, uzun zamandır Bahriye Nezaretinde aynı görevde bulunmuş, askeri rütbe albay).
Semyon Nikolayeviç Aksenov
S. N. Aksenov'un oyunu, olağanüstü melodikliği, tonun sıcaklığı ve bununla birlikte - büyük virtüözlük ile ayırt edildi. Müzisyen, performans tekniğinin geliştirilmesine önemli bir katkı yaptı: daha önce de belirtildiği gibi, yedi telli bir gitarda dikkatlice bir yapay harmonik sistemi geliştiren ilk kişi oydu. 1819'da I. Geld's School'un yeniden baskısına önemli eklemeler yaparak, ona sadece armoni üzerine bir bölüm değil, aynı zamanda birçok yeni parça ve türkü aranjmanı da sağladı.
Aksenov'un faaliyetinin en önemli yönlerinden biri müzikal aydınlanmaydı. Özellikle 1810'larda, Rus halk şarkılarının temaları üzerine kendi varyasyonları olan popüler opera aryalarının birçok transkripsiyonunu yayınladığı Müzik Severlere Adanmış Yeni Yedi Telli Gitar Dergisi'ni yayınlamaya başladı. Gitaristin Rus şarkı folkloruna olan tutkusunun da etkisiyle öğretmeni A. O. Sikhra, halk şarkılarının aranjmanlarına çok daha fazla önem vermeye başladı.
A. O. Sikhra'nın ilk öğrencileri arasında Vasily Sergeevich Alferyev'den (1775-c. 1835) de bahsetmek gerekir. Zaten 1797'de Rus halk şarkısı "Seni nasıl üzdüm" konulu fantezisi yayınlandı ve 1808'de "Yedi Telli Gitar için Rus Cep Şarkı Kitabı" nın aylık sayılarını yayınlamaya başladı. Çok sayıda "varyasyonlu şarkı", ayrı minyatürler, o dönemde popüler olan opera aryalarının transkripsiyonları, müzik klasikleri eserleri, ses ve gitar için aşk romanları içeriyordu. Hem gitar soloları hem de gitar düetleri için çeşitli moda danslar da burada yayınlandı (V. S. Alferyev aynı zamanda Özgür Rus Edebiyatı Aşıklar Derneği'nin bir üyesiydi. M. G. Dolgushina'nın belirttiği gibi, “öncelikle hayırsever hedefler ilan ederek, kendi etrafında birleşti. soyluların çok çeşitli ilgili temsilcileri". Müzisyen aynı zamanda Rus folklorunun büyük bir aşığı ve koleksiyoncusuydu. Aynı kitaba göre, V. S. Alferyev'in yanı sıra S. N Aksenov'un romanları - esas olarak şu sözlerle yaratılmışlardı: çağdaş şairler).
A. O. Sikhra'nın öğrencileri arasında yetenekli bir gitarist olan Fedor Mihayloviç Zimmerman (1813-1882) da vardı. Çağdaşları ona sık sık "gitarın Paganini" adını verdiler, ellerinin tekniğine, bağımsızlığına ve hareketliliğine hayran kaldılar, "sanki her elde beş değil on parmak varmış gibiydi", gitarda mükemmel bir şekilde doğaçlama yaptı, yarattı. çok çeşitli oyunlar - fanteziler, valsler, mazurkalar, etütler vb.
Vasily Stepanovich Sarenko (1814-1881) gitar sanatında da gözle görülür bir iz bıraktı.
Vasili Stepanoviç Sarenko
19. yüzyılın önde gelen Rus bestecisi ve piyanisti, birçok popüler şarkının ve romantizmin yazarı A. I. Dubuk, sanatını şu şekilde tanımladı: “Oyuncu birinci sınıftı ve müziği mükemmel biliyordu, çok fazla zevki ve hayal gücü vardı, genellikle kapsamlı bir şekilde gelişmiş bir müzisyen. Zarif, temiz ve sorunsuz oynandı; telleri hem hızlı hem de yavaş tempoda şarkı söylüyordu. V. S. Sarenko tarafından bestelenen oyunlar ve etütler genellikle etkileyici melodi ve gelişmiş doku ile doyurulur. Ayrıca birçok gitar aranjmanı ve transkripsiyonu yaptı. A. O. Sikhra'nın böylesine yetenekli bir öğrencisinden, gitar sınıfının harika bir öğretmeni olan, birçok minyatürün yazarı olan Pavel Feodosievich Beloshein'den de bahsetmeliyiz.
Vladimir Ivanovich Morkov (1801-1864) aynı zamanda A. O. Sikhra'nın yüksek eğitimli bir öğrencisiydi.
Vladimir İvanoviç Morkov
(1839'da yapılan alıntılanan portre, büyük soylu Havuç ailesinde bir serf olan seçkin Rus ressam Vasily Andreevich Tropinin'in (1776-1857) fırçasına aittir, Rus Devlet Müzesi'nde saklanmaktadır. . Petersburg. 2007'de "Rus Müzesi sunar" serisinin üçüncü cildinde "V. I. Morkov'un Portresi" yayınlandı. 19. yüzyılın ilk yarısının resmi. Almanak "(Sayı 193). V. A. Tropinin, Böyle bir görüntünün 1823 tarihli ve Devlet Tretyakov Galerisi'nde saklanan varyantlarından biri , orijinalinin renkli renkleriyle kitabın kapağındadır.) Birçok müzik klasiğinin düzenlemelerine sahiptir. bir ve iki gitar için tasarlanmıştır. Ayrıca "Yedi Telli Gitar Okulu" nu yayınladı ve 1861'de tüm büyük ve küçük tonlarda gitar için Yirmi Dört Prelüd yazdı (Gitar çalmanın yanı sıra, V. I. Morkov aynı zamanda bir müzik eleştirmeni, çeşitli yazarların yazarıydı. başkentin gazete ve dergilerinde makaleler ve incelemeler yazdı, 1862'de St. o zamanın topluluğu, bununla ilgili bir makale önde gelen bir Rus eleştirmen A. N. Serov tarafından yazıldı.Bu arada, müzik V. I. Morkov'un mesleği değildi - gerçek bir eyalet meclis üyesinin yüksek rütbesine sahipti, asıl hizmet yeri Departmandı. Askeri kayıtlar.).
Rus gitar çalmasının gelişimindeki en önemli figürlerden biri Mikhail Timofeevich Vysotsky'dir (1791-1837).
Mihail Timofeyeviç Vysotsky
Onu bu enstrümanla ilk tanıştıran, aynı zamanda akıl hocası olan S. N. Aksenov'du.
M. T. Vysotsky'nin icra tarzı, çeşitli halk şarkısı melodilerinde cesur bir yaratıcı hayal gücü uçuşu, olağanüstü teknik beceri ve müzikal telaffuzun olağanüstü ifadesi ile işaretlendi. “Onun oyunu, gücü ve klasik ton düzgünlüğü ile ayırt edildi; olağanüstü hız ve cesaretle, aynı zamanda şefkatli bir samimiyet ve melodiklik yayıyordu. En ufak bir çaba göstermeden tamamen özgürce oynadı; onun için hiçbir zorluk yok gibiydi, [...] arpın gücünü kemanın melodikliğiyle birleştirdiği melodik legatosunun özgünlüğü ve arpejlerin lüksüyle vurdu; özel bir özgün beste tarzı onun oyununu etkiledi; çalması dinleyiciyi büyüledi, büyüledi ve sonsuza kadar silinmez bir izlenim bıraktı [...] Vysotsky'nin çağdaşlarını şaşırtan başka bir çalma türü vardı: kendisi buna "sondalar" veya "akorlar" adını verdi. Aslında bedava bir başlangıçtı. En lüks pasajlarda, modülasyonlarda, sonsuz sayıda akorla başlangıç yapabilirdi ve bu bakımdan yorulmak bilmezdi, ”V. A. Rusanov onun hakkında yazdı.
M. T. Vysotsky, klasik bestecilerin eserlerinin, özellikle W. A. Mozart, L. Beethoven, D. Field'ın eserlerinin birçok düzenlemesini ve transkripsiyonunu yarattı, gitar için birçok minyatür yazdı - prelüdler, fanteziler, dans türlerinde parçalar. Besteci mirasının en değerli kısmı, daha sonra tartışılacak olan Rus halk şarkılarının temalarındaki varyasyonlardı.
Müzisyen, doğaçlama-işitsel performans tarzının bir temsilcisiydi ve bunda geleneksel Rus halk müziği yapımına yakın. Bugün sıklıkla icra edilen Rus halk şarkılarının temalarındaki son derece sanatsal varyasyonlar kendisi tarafından kaydedilmedi ve ancak daha sonra öğrencileri tarafından müzik metnine kaydedildi (V. A. Rusanov, gitaristin alışılmadık doğaçlama sanatına da dikkat çekti: " Bir keresinde ders sırasında A. I. Dubuc'a gelen ve öğrencisi tarafından icra edilen Kramer'in etütlerini duyan Vysotsky çok sevindi ve bir gitar alarak bu etütleri çoğaltmaya ve çeşitlendirmeye başladı, böylece A. I. Dubuc hayrete düştü, Vysotsky'ye bu fanteziyi yazmasını tavsiye etti ve kendisi buna aktif olarak katılmayı kabul etti).
M. T. Vysotsky'nin, öğrencilerin işitsel izlenimlerine dayanarak, enstrümanı yalnızca öğretmenin "ellerinden" ve "parmaklarından" çalma becerilerinin aktarılmasından oluşan pedagojik yöntemi de karşılık geliyordu. Bununla birlikte, pedagojik çalışması çok verimliydi. Gitaristin icra tarzının ilham verici tarzı, derslerde gerçekten yaratıcı bir atmosfer yarattı, öğrencilere ilham verdi ve onunla çalışan kişiler tarafından büyük beğeni topladı (Vysotsky, öğretmenlik deneyimini ölümünden kısa bir süre önce "Pratik ve Teorik Okul"da kaydetti. Gitar", 1836'da Moskova'da yayınlandı, ancak ne metodolojik tavsiyelerin önemi ne de sunulan repertuarın hacmi ve sırası açısından (okulda sadece 24 sayfa var) büyük rol Rus gitar performansının oluşumunda oynamadı.). Kendisinden özellikle “Sesler” şiirini öğretmenine ithaf eden on altı yaşındaki şair M. Yu Lermontov gitar dersleri aldı.
Gitarist, öğrencilerinde aktif olarak Rus halk şarkıları sevgisini geliştirdi. Öğrencileri arasında ünlü bir Rus folkloristi, gitar eşliğinde türkü koleksiyonları yazarı, şair ve yazar olan ve aynı zamanda Rusça'nın kökeni hakkında yayınlanan ilk kitabı da yazan Mikhail Aleksandrovich Stakhovich'in (1819-1858) olması tesadüf değildir. gitar performansı - “Yedi Telli Gitarın Tarihi Üzerine Bir Deneme "(St. Petersburg, 1864). Bir dizi oyun ve düzenlemenin yazarı Ivan Egorovich Lyakhov (1813-1877), “100 Rus Halk Şarkısı” koleksiyonunun yaratıcısı Alexander Alekseevich Vetrov, yedi telli gitar için oyunlar ve düzenlemeler, halk şarkısı varyasyon döngüleri, ayrıca M. T. Vysotsky'nin öğrencileriydi. I. O. Sokolov, F. I. Gubkin ve diğerleri gibi çingene korolarının birçok gitaristi-lideri de M. T. Vysotsky ile çalıştı.
19. yüzyılın ikinci yarısından itibaren, gusel sanatı gibi Rus gitar sanatı da gerilemeye başladı. Ancak ilahi, günlük müzik yapımından kaybolmaya başlarsa, o zaman kentsel şarkı ve romantizm, çingene şarkı söyleme alanında eşit derecede değişmeden eşlik eden bir enstrüman olarak kalan gitar, profesyonel düzeydeki düşüş nedeniyle yerli toplumdaki önemini yavaş yavaş kaybetti. gitaristlerin. Bu süre zarfında Sikhra, Vysotsky veya Aksenov gibi seçkin sanatçılar ve öğretmenler ortaya çıkmadı, ciddi metodolojik kılavuzların yayınlanması neredeyse durduruldu ve yayınlanan kendi kendine eğitim kitapları çoğunlukla günlük müzik yapmayı sevenlerin iddiasız ihtiyaçları için tasarlandı. ve genellikle düşük kaliteli olan yalnızca popüler romantizm, şarkı, dans örneklerini içeriyordu (Bu bağlamda, A. S. Famintsyn'in gözleminden alıntı yapmak ilginçtir: “Toplumun alt katmanları arasında bir tuhafiye aracı haline gelen, önemsizliğin bir işareti -burjuva uygarlığı, gitar bayağılaştı, sesleri sıradan "hassas" aşklara eşlik etmeye başladı. Tütün dükkanlarının ticaretine konu olan bu "hizmetkar" enstrümanda kendi kendine çalan gitar, - kötü zevkin bir işareti oldu toplum; gitar ondan tamamen kayboldu").
19. yüzyılın sonunda - 20. yüzyılın başında Rusya'da gitara yönelik yeni bir halk ilgisi dalgası meydana geldi. Bu yıllarda önde gelen gitaristlerin, icracıların ve öğretmenlerin faaliyetleri yaygın olarak bilinmektedir. Bunların arasında öncelikle Alexander Petrovich Solovyov'un (1856-1911) adını vermek isterim. Yarattığı ve yayınladığı “Yedi Telli Gitar Okulu” (1896), enstrüman çalmak için öğretim yöntemlerinin geliştirilmesine önemli bir katkı oldu (1964'te A.P. Solovyov okulu yeniden yayınlandı (R.F. Meleshko'nun editörlüğünde) ) Muzyka yayınevi tarafından.) . Kılavuzun ilk bölümü kapsamlı teorik materyal içerir; yirmi beş derse bölünmüş, çok profesyonel ve aynı zamanda erişilebilir bir şekilde sunulmaktadır. Okulun diğer bölümleri değerli teknik alıştırmalar ve repertuar içerir - Rus ve Batı Avrupa klasiklerinin eserlerinin transkripsiyonları, türkü düzenlemeleri.
Alexander Petrovich Solovyov
Ek olarak, A.P. Solovyov gitar için çok sayıda düzenleme yaptı ve bu da seyircinin enstrümanın sanatsal araçlarına ilişkin anlayışını önemli ölçüde genişletti. F. Liszt'in İkinci ve Altıncı Macar Rapsodileri, C. Saint-Saens'in "Ölüm Dansı", L. Beethoven, F. Chopin, F. Mendelssohn'un eserlerinden bahsetmek yeterlidir. Ayrıca Ukrayna halk şarkılarının kırk aranjmanını, ses ve gitar için çingene romantizm koleksiyonlarını, düet, trio ve gitar dörtlüsü için parçalar içeren dört albüm yayınladı, seksen beşi yayınlanmış üç yüzden fazla beste yazdı.
A.P.'nin ünlü öğrencileri arasında. 1962).
Ancak Solovyov'un en parlak öğrencisi Valerian Alekseevich Gusanov'du (1866-1918). Alışılmadık derecede çok yönlü bir kişilikti: bir öğretmen, müzik bestelerinin yazarı ve en önemlisi, önde gelen bir tarih yazarı ve gitar propagandacısı (V. A. Rusanov'un Moskova Halk Çalgıları Aşıklar Çalma Derneği'nin başkanı olarak da ün kazanması dikkat çekicidir. İçinde bir halk - bir enstrümantal orkestra düzenlediği kompozisyon, daha sonra tartışılacak olan V. V. Andreev ve ortakları tarafından geliştirilenden açıkça farklıdır.Bu enstrümantal kompozisyonda balalaykalar mandolinler, gitarlar ve piyano ile bir arada var oldu.).
1904'ten 1906'ya kadar var olan tüm Rusya dergisi "Guitarist" in yayınını düzenleyerek Rus gitaristleri bir araya getirmeyi başaran V. A. Rusanov'du. Onlara
Music of the Guitarist, Accord dergilerinde birçok makale yazıldı, bilgilendirici ayrıntılı makaleler yayınlandı - Guitar and Guitarists, Catechism of the Guitar ve diğerleri. Özellikle önemli bir yayın, ilk kez Rusya'da Gitar adlı kitabıydı. yerli edebiyat enstrümanın çok detaylı bir geçmişi sunulmaktadır.
Valerian Alekseevich Rusanov
V. A. Rusanov'un pedagojik faaliyeti de verimli geçti. Öğrencisi, örneğin, 1920'lerin - 1930'ların ikinci yarısında bu alanda yerli öğretmenlerin ve metodolojistlerin lideri olan P. S. Agafoshin'di. altı telli gitar.
20. yüzyılın başlarındaki gitaristler arasında, yedi ve altı telli gitarlar için birçok farklı beste ve düzenlemenin yazarı, parlak bir icracı olan Vasily Petrovich Lebedev'den (1867-1907) bahsetmek isterim. 1898'de V. V. Andreev'in onu St. Petersburg Askeri Bölgesi Muhafız alaylarında halk enstrümanları ve halk müziği öğretmeni olarak çalışmaya davet ettiğini belirtmek isterim.
Burada V.P. Lebedev, en çeşitli müzik ve eğitim çalışmalarını yürüttü. Büyük Rus Orkestrası'nın konserlerinde yedi telli gitarda solist olarak sahne aldı, odasını ve yumuşak sesini sevdi (V.P. Lebedev'in Paris'teki 1900 Dünya Sergisinde Büyük Rus V.V. Andreev Orkestrası ile yaptığı tur özel bir başarı elde etti. ). 1904'te metodolojik bir el kitabı da yayınladı - "Rus ve İspanyol sisteminin yedi telli gitar okulu" (ikincisi, klasik altı telli gitara alt tel "P" eklemek anlamına geliyordu).
Böylece, 19. yüzyılda ve özellikle 20. yüzyılın başlarında gitar sanatı, geniş kitlelerin müzik ve sanat eğitiminde domra veya balalayka çalma sanatı kadar önemli bir rol oynadı. Bu nedenle, Rusya'nın genel nüfusuna hitap ederek, müzikal seçkinlere doğru harekette güvenilir adımlar atmayı başardı ve sonuç olarak, sosyal statüsü açısından bir halk çalgısının en önemli niteliklerini kazandı.
Altı telli (İspanyolca) ve yedi telli (Rusça) gitar
Gitar, dünyanın birçok ülkesinde en sevilen ve popüler enstrümanlardan biridir. Gitar sanatının tarihi, zengin olaylarla, yaratıcı arayışlarla, hem enstrümanın kendisinin hem de çalma tekniğinin sürekli iyileştirilmesiyle doludur.
Gitar, moderne yakın görünümünü ancak 18. yüzyılda aldı. Lavta, lir, Yunan cithara, İtalyan viyola ve İspanyol vihuela gibi mızraplı çalgılar haklı olarak selefleri olarak kabul edilir.
Şu anda birkaç ana gitar çeşidi vardır: klasik altı telli ("İspanyol"), yedi telli ("Rusça") ve ayrıca "Hawaii", caz gitar, elektro gitar.
Dünyadaki en yaygın altı telli gitarın doğum yeri İspanya'dır, yedi telli gitar haklı olarak Rusya olarak kabul edilir.
Gitar sanatını sevenler arasında tartışmalar hala bitmiyor: Bu enstrümanlardan hangisi tercih edilmeli? Altı telli gitarın destekçileri, enstrümanlarının büyük virtüözlüğüne, onu kullanan bestecilerin ve icracıların elde ettiği gerçekten önemli yaratıcı başarıya işaret ediyor. Yedi telli gitarın hayranları, müzisyenlerin büyük başarılarına ve 19. yüzyılda Rusya'nın sanatsal kültüründe gelişen performans geleneklerine de atıfta bulunarak, enstrümanın Rus şarkısı olan halk melodilerinin doğasına yakınlığını vurguluyor. Haklı olarak, karakteristik yumuşak lirizmi ve samimiyeti, duyguların sıcaklığı, şehir folkloruna yakınlığı ile eski Rus romantizm türünün gelişiminin büyük ölçüde yedi telli gitardan kaynaklandığını belirtiyorlar.
Bize göre sorulan soruların cevabı oldukça net: hem altı telli gitarın hem de yedi telli gitarın kendi değerleri ve gelenekleri var, bu enstrümanların her biri çeşitli sanatsal görevleri çözebilir. Belirli bir gitar türünü kullanmanın meşruiyeti, yalnızca bestecinin yaratıcı fikri somutlaştırmak için hangi ifade araçlarına ihtiyaç duyduğuna, onun yardımıyla hangi figüratif içeriği ortaya çıkarmak istediğine bağlı olabilir.
Gitar edebiyatının uzun bir tarihi ve gelenekleri vardır. Gitaristlerin repertuarında başta lavta olmak üzere diğer enstrümanlar ve onun hemen öncülleri için yazılmış eserlerin aranjmanları önemli bir yer tutar.
Seçkin İspanyol virtüöz gitarist ve öğretmen Andres Torres Segovia (1893 - 1987), altı telli gitar çalmaya yönelik modern akademik okulun kurucusu olarak kabul edilir.
Birçok keman bestesi gitaristler tarafından başarıyla yorumlanmıştır. Örneğin, Andres Segovia, keman müziğinin başyapıtlarından biri olan J. S. Bach'ın en zor Chaconne'unun eşsiz bir icracısıdır.
Ama en önemlisi: gitar için konçertolar, sonatlar, varyasyonlar, parçalardan oluşan, sürekli büyüyen orijinal bir solo repertuar var; besteciler tarafından topluluk ve eşlik eden enstrüman olarak aktif olarak kullanılmaktadır.
Gitar repertuarının oluşturulmasında önemli bir rol İspanyol bestecilere aittir: Fernando Sora (1778-1839), Francisco Tarrega Eixea (1852-1909), Miguel Llobet (1878-1938), Emilio Pujol Villarubi (d. 1886) ve a. diğerlerinin sayısı. Tarzı C. Debussy, M. Ravel'in piyano besteleri üzerinde belirli bir etkisi olan gitar için yetenekli eserler yarattılar. Gitar için dikkat çekici eserler N. Paganini, F. Schubert, K. M. Weber, G. Berlioz; yüzyılımızda - M. de Falley, A. Roussel, D. Millau, A. Jolivet, E. Vila Lobos, X. Rodrigo.
Gitar için bir dizi önemli eser yazılmıştır. Sovyet bestecileri. Bunların arasında B. Asafiev'in yaylı dörtlü, klarnet ve timpani ile gitar için Konçertosu, V. Shebalin'in Sonatı'nı saymak isterim. Gitar için eserler I. Boldyrev, Yu Obedov, L. Birnov, N. Chaikin, Yu Shishakov, G. Kamaldinov ve diğer besteciler tarafından yaratıldı.
Rusya'da yaygınlaşan yedi telli gitarın tarihçesi ilginçtir. Müzik hayatına geniş çapta girdi. Evde müzik yapımı gitar olmadan tamamlanmış sayılmazdı, ona eşlik eden aşklar ve şarkılar söylenirdi, solo ve topluluk enstrümanı olarak kullanılırdı.
Yedi telli gitar çalma sanatının altın çağı, zamanlarının önemli müzisyenleri olan A. Sikhra (1773-1850) ve M. Vysotsky'nin (c. 1791-1837) faaliyetleriyle ilişkilidir. Rus halkının sempati ve sevgisinden, ulusal kültür figürlerinin saygı ve takdirinden zevk aldılar.
Sichra öğrencileri gitar çalma sanatına katkıda bulundular. Bunlar arasında, "Müzikseverlere adanmış yedi telli gitar için yeni dergi" yayınlayan gitarist ve besteci S. Aksenov'u (1784-1853) belirtmek gerekir; yedi telli gitarda ilk profesyonel icracılardan biri olan V. Svintsov (ö. 1880); harika doğaçlamalarıyla tanınan F. Zimmermann (1810-1882); V. Morkov (1801-1864), yedi telli gitar için eserlerin ve transkripsiyonların yazarı.
Altı telli gitar çalma sanatı da Rusya'da gelişiyor. M. Sokolovsky (1818-1883), hem Rusya'da hem de birçok Avrupa ülkesinde konser etkinliği büyük bir başarıyla gerçekleştirilen, üzerinde dikkate değer bir icracıydı. Klasik altı telli gitarın sanatçısı ve popülerleştiricisi N. Makarov (1810-1890) da önemli bir ün kazandı.
Rus Sovyet virtüöz gitaristi ve öğretmeni Pyotr Spiridonovich Agafoshin (1874 - 1950)
Ancak 19. yüzyılın ikinci yarısında hem Avrupa'da hem de Rusya'da profesyonel müzisyenlerin gitara olan ilgisi azaldı, giderek artan bir şekilde sanatsal önemi olmayan bir enstrüman olarak görülüyor ve bu nedenle ilgiyi hak etmiyor, ifade olanakları ve özgünlüğü hafife alınıyor.
20. yüzyılda gitar sanatında yeni bir gelişme yaşanıyor ve tüm alanları etkiliyor: müzik bestelemek, performans sergilemek, pedagoji. Gitar, konser sahnesinde diğer enstrümanlarla birlikte eşit bir yer kaplar. Gitar sanatını ve gitarist müzisyenlerin faaliyetlerini tanıtmak için Rusya'da özel dergiler yayınlanıyor: "Guitarist", "Guitarist's Music". Zamanımızda önemini kaybetmemiş bilgiler içerirler.
Son on yıllarda Farklı ülkeler uluslararası gitarist yarışmaları ve festivalleri düzenleniyor, birçok müzik akademisinde ve konservatuarda gitar dersleri açılıyor, çok sayıda icracı, profesyonel ve amatör dernek ve dernekleri faaliyet gösteriyor, özel kitap ve müzik literatürü yayınlanıyor. Gitar müziği radyo ve televizyonda sürekli duyulur, plaklara ve kompakt kasetlere kaydedilir.
Yüzyılımızın gitaristleri arasında en önde gelen yer haklı olarak büyük İspanyol müzisyen Andres Segovia'ya (d. 1893) aittir. Çok yönlü performans, öğretim, eğitim faaliyetleri, transkripsiyonların yaratılması, gitar sanatının daha da gelişmesi üzerinde büyük bir etkiye sahipti.
Segovia defalarca Sovyetler Birliği'ni ziyaret etti. Her zaman başarılı olan konserleri, ülkemizde gitara olan ilginin canlanmasına katkıda bulunmuş, enstrümanın önemli teknik ve sanatsal yeteneklerini açıkça ortaya koymuş, P. Agafoshin ( 1874-1950), P. Isakov (1886-1958), V. Yashnev (1879-1962), A. Ivanov-Kramskoy (1912-1973).
Sovyet virtüöz gitaristi ve öğretmeni Alexander Mihayloviç İvanov-Kramskoy (1912 - 1973)
RSFSR'nin Onurlu Sanatçısı Alexander Mihayloviç İvanov-Kramskoy'un Sovyet gitar okulunun gelişiminin önemini özellikle belirtmek isterim. Gitar ve orkestra için iki konçerto ve bu enstrüman için yüzden fazla parçanın yazarı A. Ivanov-Kramskoy, konser etkinliklerini, radyo kayıtlarını ve gramofon plaklarını pedagoji ile başarılı bir şekilde birleştirdi. P. I. Tchaikovsky'nin adını taşıyan Moskova Devlet Konservatuarı'ndaki müzik okulunun duvarları içinde hazırladı. bütün çizgi ilginç müzisyenler A. Ivanov-Kramskoy, genç gitaristlerin eğitiminde önemli rol oynayan "Altı Telli Gitar Çalma Okulu" nu yayınladı.
Şu anda klasik altı telli gitar, P. Veshchitsky, N. Komoliatov, E. Larichev, A. Frauchi, B. Khlopovsky ve diğer birçok gitarist tarafından aktif olarak tanıtılmaktadır.
V. Sazonov (1912-1969), M. Ivanov (1889-1953), V. Yuryev (1881-1962) yedi telli gitarın gelişimine ve tanıtımına büyük katkı sağlayan; bugün - B. Okunev, S. Orekhov, L. Menro ve bir dizi başka müzisyen.
Ülkemizde konser pratiğinde hem altı telli hem de yedi telli gitar. Eğitim, bir dizi yüksek ve orta dereceli özel eğitim kurumlarında, birçok çocuk ve akşam müzik okulunda, Öncüler ve Okul Çocukları Saraylarındaki stüdyolar ve çevrelerde ve kulüp kurumlarında verilmektedir.
Gitar çalma sanatı yurtdışında sürekli gelişmektedir. M. Zelenka, V. Mikulka (Çekoslovakya), L. Sendrei-Karper (Macaristan) ünlü; 3. Behrend (Almanya), L. Brouwer (Küba), D. Blanke, M. Cubedo, A. Membrado (İspanya), D. Brim, D. Williams (İngiltere), M. L. Anido, E. Bitetti ( Arjantin) , A. Diaz (Venezuela) ve diğer birçok sanatçı.
20. yüzyılda caz ve popun gelişmesiyle birlikte enstrümantal müzik 1930'larda elektrikli bir müzik aleti haline gelen caz gitar da yaygınlaştı. Çok çeşitli caz ve pop topluluklarında ve orkestralarda, folklor gruplarında kullanılmakta ve üzerinde solo eserler de icra edilmektedir.
Ülkemizde caz gitarın gelişimi, baba ve oğul Kuznetsov, Alexei Yakushev, Stanislav Kashirin ve diğer birçok müzisyenin isimleriyle ilişkilendirilir.
Gitar, vokal ve enstrümantal topluluklardaki ana enstrümanlardan biridir. Emperyalist baskılara karşı barış için, ulusal bağımsızlık için mücadele şarkıları icra eden solist ve topluluklar tarafından kullanılır.
İnsanların kalpleri ve zihinleri üzerindeki etkinin canlı bir örneği, anavatanında demokrasi ve sosyal ilerleme mücadelesinde hayatını veren Şilili şarkıcı ve gitarist Victor Jara'nın sanatıdır.
Gitar sanatı sürekli gelişiyor, bu enstrümanla ilgili literatür, çeşitli türlerde yeni orijinal eserlerle sürekli olarak güncelleniyor. Gitarın büyük popülaritesi, önemli virtüözü ve ifade olanakları, bu demokratik enstrümanı çalma sanatının daha da gelişmesini varsaymak için zemin veriyor.
MÖ II binyıl ile ilgili. Kaplumbağa kabuğu veya su kabağından yapılmış küçük gövdeli aletleri tasvir ederler.
Eski Mısır'da gitar benzeri enstrümanlar, insanların yaşamıyla o kadar yakından ilişkilendirildi ki, iyiliğin sembolü haline geldiler ve ana hatları "iyi" anlamına gelen hiyeroglif işaretlere girdi.
Gitarın Orta Doğu'da ortaya çıktığı ve oradan Asya ve Avrupa'ya yayıldığı varsayımı var.
Rusya, altı telli gitarla, hükümdarlar ve saray soylularının sarayında görev yapan İtalyanlar tarafından tanıtıldı. Tarih, iki İtalyan'ın adını korudu - Giuseppe Sarti ve Carlo Canobbio. İtalyan besteci Kontes V.N.'ye göre Giuseppe Sarti. Golovina, isteyerek gitar çaldı. Carlo Canobbio, Paul I'in üç kızına gitar çalmayı öğretti ve bu dersler için çok sağlam bir ödül aldı - yılda 1 bin ruble.
O zamanlar gitarın çok az hayranı vardı. Saray soylularının salonlarında performans sergileyen İtalyan virtüöz müzisyen Pasquale Gagliani, enstrüman severlerin çevresini bir şekilde genişletmeyi başardı. Rossi'de birkaç yıl çalıştıktan sonra Galliani, gitar ders kitabı gibi bir şey olan bir etüt ve alıştırma koleksiyonu yayınladı.
İtalyanlar halk şarkılarını gitar için işlemeye çalıştılar, ancak başarılı olamadılar: altı telli gitar, Rus halk müziğinin yapısına tam olarak uyarlanmamıştı. Bu nedenle, aynı sıralarda Rus yedi telli gitarı ortaya çıktı.
1821'de Marcus Aurelius Zani de Ferranti (1800-1878) Rusya'ya geldi. Pek çok gitar virtüözü dinlemiş olan Niccolo Paganini, Zani de Ferranti'nin icrasını şu şekilde değerlendirmiştir: "Zani de Ferranti'nin duyduğum en büyük gitaristlerden biri olduğuna ve harika, keyifli çalışıyla bana tarifsiz zevk verdiğine tanıklık ederim." Rusya'nın altı telli gitarın burada yaygın olarak tanınmasını bu gitariste borçludur. Müzisyen çok konser verdi ve oynamak zorunda kaldı. büyük salonlar. Aynı zamanda bir balo bestecisiydi - geceler, fanteziler, dans müziği besteledi. Tsani de Ferranti, bir öğrenciyi profesyonel bir gitariste dönüştürme görevi olmaksızın, dileyenlere gitar dersleri verdi, ancak yalnızca ilk olanları.
Yedi telli olanın aksine, altı telli çeşidi Rusya'da 17.-19.
19. yüzyılın başında, I. Geld ve I. Berezovsky'nin altı telli gitarı için okullar ve kılavuzlar ortaya çıktı; burada çoğunlukla İspanyol ve İtalyan klasiklerine - Mauro Giuliani, Matteo'nun gitar çalışmaları - güven bulundu. Carcassi, Luigi Legnani, Ferdinando Carulli, Fernando Sora, önde gelen Batı Avrupa bestecilerinin piyano müziğinin transkripsiyonları üzerine. Altı telli gitarın Rusya'daki dağıtımında önemli bir rol, seçkin yabancı gitaristlerin turu tarafından oynandı - 1822'de İtalyan Mauro Giuliani'nin performansları St.Petersburg'da ve 1923'te İspanyol Ferdinand Sor tarafından Moskova'da gerçekleşti. .
Batılı müzisyenler Rusya'da klasik gitara ilgi uyandırdı. Konser afişlerinde hemşehrilerimizin isimleri yer almaya başladı. Altı telli gitarın propagandacıları olan en büyük Rus sanatçılar Nikolai Petrovich Makarov (1810 - 1890) ve Mark Danilovich Sokolovsky (1818 - 1883) idi.
N.P. Makarov, bir toprak sahibinin ailesinde Kostroma eyaletinde doğdu. 1829'da Paganini'nin çaldığını dinleyecek kadar şanslıydı ve 1830'da bir Chopin konserine katıldı.
Niccolo Paganini, Makarov'u o kadar şok etti ki, sonraki müzisyenlerin hiçbiri onun çalma izlenimini gölgeleyemedi.
N.P. Makarov, birinci sınıf gitar çalmak için yola çıktı. Müzisyen, günde 01 - 12 saat meşguldü. 1841'de ilk konseri Tula'da gerçekleşti. Kendisine bir gitarist olarak tanınma ve hatta ciddi bir ilgi bulamayınca, Avrupa turuna çıkar. Dünyanın birçok ülkesinde N.P. Makarov, en karmaşık gitar bestelerinin parlak bir yorumcusu olan mükemmel bir virtüöz gitarist olarak ün kazandı. Müzisyen, turları sırasında önde gelen yabancı gitaristlerle bir araya geldi: Tzani de Ferranti, Matteo Carcassi, Napoleon Cost.
Gitarın eski ihtişamını yeniden canlandırmak için Makarov, Avrupa'da uluslararası bir yarışma düzenlemeye karar verir. Brüksel'de gitar bestecileri ve ustaları için bir yarışma düzenliyor. Yarışmadan önce gitarist kendi bestelerini ve diğer yazarların eserlerini seslendirdiği kendi konserini veriyor. Makarov on telli bir gitar çalıyordu.
Müzisyen, bu yarışma sayesinde müzik alanındaki çalışmalarını gözle görülür şekilde yoğunlaştırmayı başardı. gitar müziği enstrümanın yeni yapıcı çeşitlerinin yaratılmasına katkıda bulunmak için bir dizi Batı Avrupalı besteci ve gitar yapımcısı.
Makarov, bir dizi makalenin ve edebi anıların yazarıdır. Kendi kitaplarını ve Venedik Karnavalı, mazurkalar, romanslar, gitar için konçerto, türkü aranjmanları gibi kendi müzikal oyunlarını yayınladı. Ancak yarattığı müzik çok etkileyici değildi ve yaygın olarak kullanılmadı. 1874'te "yüksek gitar çalmanın birkaç kuralı" yayınlandı. Broşür, gitar tekniğini geliştirmeye yönelik değerli tavsiyeler içeriyordu: tril çalma, armonikler, kromatik ölçekler, oyunda küçük parmağı kullanma vb.
Başka bir Rus gitarist Mark Danilovich Sokolovsky (1812 - 1883), seyirciyi karmaşık teknik tekniklerle etkilemeye çalışmadı. Dinleyiciler, olağanüstü müzikalitesi ile büyülendi.
Çocukken Sokolovsky keman ve çello çaldı, ardından gitar çalmaya başladı. Enstrümana yeterince hakim olduktan sonra, 1841'de aktif bir konser faaliyetine başladı. Konserleri Zhytomyr, Kiev, Vilna, Moskova, St. Petersburg'da yapıldı. 1857'de gitariste Moskova'da Asil Meclis'in bin kişilik salonunda sahne alma fırsatı verildi. 1860 yılında "Moskova halkının gözdesi" olarak anıldı. 1864'ten 1868'e müzisyen Avrupa şehirlerini geziyor. Londra, Paris, Berlin ve diğer şehirlerde konserler veriyor. Her yerde ona büyük bir başarı eşlik ediyor. Müzisyenin muzaffer turu, ona en büyük gitaristlerden birinin ününü getirdi. Sokolovsky'nin performanslarının çoğunda eşlikçisinin seçkin Rus piyanist N.G. Rubinstein.
Sokolovsky'nin icra tarzını ayırt eden nitelikler arasında her şeyden önce nüansın inceliğini, tını paletinin çeşitliliğini, kantinin yüksek virtüözlüğünü ve sıcaklığını ayırmak gerekiyor. Bu nitelikler, özellikle M. Giuliani'nin üç konçertosunu yorumlamasında ve transkripsiyonların icrasında kendini gösterdi. piyano parçaları F. Chopin ve kendi minyatürleri, birçok açıdan Chopin'in tarzına yakın - prelüdler, polonezler, varyasyonlar vb. M. D. Sokolovsky'nin son halka açık konseri 1877'de St. Petersburg'da gerçekleşti ve ardından müzisyen, öğretim faaliyetlerinde bulunduğu Vilnius'a yerleşti.
Yerli gitaristler N.P.'nin konser performansları. Makarov ve M.D. Sokolovsky, Rusya'da bu enstrümanın çok sayıda hayranı için önemli bir müzik eğitimi aracı haline geldi.
18. ve 19. yüzyıllarda yedi telli gitar
Evde genellikle gitara kulaktan eşlik ederlerdi - en basit armonik işlevlerden böyle bir eşlik temeldi ve bu akortla son derece erişilebilirdi. Şarkıların ve romanların yazarları genellikle az tanınan amatör müzisyenlerdi, ancak bazen 19. yüzyılın önde gelen bestecileriydi - A. Varlamov, A. Gurilev, A. Alyabyev, A. Dubuk, A. Bulakhov ve diğerleri.
Yedi telli gitar çingenelerin müziğinde de önemli bir yer tutardı. Çingene korolarının liderleri muhteşem gitaristlerdi - I. Sokolov, I. Vasiliev, M. Shishkin, R. Kalabin.
Rus gitar tarihinde özel bir yer, yedi telli Rus gitarı için ilk "Okul" un yazarı Ignatius Geld'e (1766 - 1816) aittir. Uyruk olarak bir Çek, neredeyse tüm yaratıcı yaşamını Rusya'da yaşadı ve yedi telli gitarı ciddi bir akademik enstrüman olarak popüler hale getirmek için çok şey yapmayı başardı.
18. yüzyılın sonlarından itibaren yedi telli gitar akademik bir enstrüman olarak gelişmeye başladı. Gitar için başlıca besteler görünür. Böylece, 1799'da I. Kamensky'nin Sonatı, 19. yüzyılın başında yayınlandı - V. Lvov'un iki gitarı için Sonatı. 19. yüzyılın ilk yarısında, gitar edebiyatı o kadar çok üretildi ki, diğer müzik aletleri, hatta piyano için bile edebiyattan sayıca üstündü. Öğretim ve metodolojik kılavuzlara yerleştirilen veya ayrı baskılarda çıkan çeşitli gitar parçaları yayınlandı. Örneğin, ünlü gitarist-öğretmen ve metodolog Ignatius Geld tarafından yaratılan, esas olarak dans türlerinde - mazurkalar, valsler, ekosezler, polonezler, serenatlar, eğlenceler gibi çok sayıda minyatür vardır.
18. yüzyılın ikinci yarısı - 19. yüzyılın başlarındaki bazı tanınmış Rus besteciler yedi telli gitar çalmayı çok seviyorlardı. Bunlar arasında, enstrüman için Rus halk şarkılarının temaları üzerine bir dizi varyasyon besteleyen Ivan Evstafievich Khandoshkin (1747 - 1804) ve yedi telli gitar için on parça yayınlayan Gavriil Andreevich Rachinsky (1777 - 1843) bulunmaktadır. 1817. Bunlar arasında beş polonez ve Rus halk şarkılarının temaları üzerine iki varyasyon döngüsü var. Aynı zamanda, enstrüman için artık unutulmuş bestecilerin - Gornostaev - eserleri yayınlandı. Konovkina, Maslova.
Yedi telli gitarda profesyonel performansın gerçek çiçeklenmesi, seçkin gitarist öğretmen Andrei Osipovich Sikhra'nın (1773 - 1850) yıllarca süren yaratıcı faaliyetine düşer. Bir arp sanatçısı olarak, tüm hayatını gitarı tanıtmaya adadı. Yalnızca müzikle uğraşan Andrei Osipovich, gençliğinin ilk yıllarında hem virtüöz bir icracı hem de besteci olarak ünlendi. Sychra sadece arp ve gitar için değil, piyano için de besteler yapmıştır.
18. yüzyılın sonunda Sychra, Mostka'ya taşındı ve müzik aletinin enerjik ve aktif bir destekçisi oldu. Gitarı Moskova halkı arasında hemen birçok hayran bulur. Burada, Moskova'da "ilk" Moskova okulu şekilleniyor: birçok öğrenciye ders veriyor, kendi kendine çalışıyor, enstrümanını geliştiriyor, çeşitli metodolojik materyaller yaratıyor, yedi telli gitar repertuarının temelini atıyor ve çalıyor. öğrenciler konserlerde Öğrencilerinin çoğu daha sonra seçkin gitaristler ve besteciler oldular ve büyük öğretmenleri tarafından başlatılan çalışmaya devam ettiler. A.O.'nun takipçileri Sichry - S.N. Aksenov, V.I. Morkov, V.S. Sarenko, F.M. Zimmerman - Rus halk şarkılarının birçok oyununu ve düzenlemesini yarattı.
1800 yılından ömrünün sonuna kadar A.O. Sychra bu enstrüman için birçok parça yayınladı, bunlar popüler aryaların aranjmanları, dans müziği, konser planının en karmaşık fantezileri. Sychra'nın çalışmaları her yönüyle gelişti. Ünlü ve modaya uygun bestecilerin temaları üzerine fanteziler, Rus halk şarkıları temaları üzerine fanteziler, mazurkalar, valsler, ekosaziler, kadriller gibi orijinal eserler de dahil olmak üzere gitar solosu, gitar düeti, keman ve gitar için parçalar yarattı. egzersizler. Sykhra, M.I.'nin transkripsiyonlarını ve düzenlemelerini gerçekleştirdi. Glinka, V.A. Mozart, G. Donizetti, K. Weber, D. Rossini, D. Verdi.
AO Sichra, yedi telli gitarı solo bir akademik enstrüman olarak kuran ilk kişiydi ve çok çeşitli amatör gitaristlerin estetik eğitimi için çok şey yaptı.
1802 yılında A.O. Rus halk şarkılarının aranjmanlarını, müzik klasiklerinin transkripsiyonlarını yayınlayan Sychry”. Sonraki yıllarda, 1838'e kadar, müzisyen bir dizi benzer dergi yayınlayarak enstrümanın popülaritesinde önemli bir artışa katkıda bulunur.
Yedi telli gitar için çok sayıda çalışmanın yanı sıra Sychra, öğrencisi V.I.'nin ısrarı üzerine yazdığı "Okul" dan ayrıldı. Havuç. 1840 yılında yayınlandı.
Sihra okulunun ana figürü Semyon Nikolaevich Aksenov'dur (1784 - 1853). Bir zamanlar enstrüman ve beste ustalığında kimse onu geçemedi. Moskova'da müzisyen en iyi virtüöz gitarist olarak kabul edildi. Aksenov'un çalışı, olağanüstü melodikliği, tonunun sıcaklığı ve bununla birlikte büyük virtüözlüğü ile dikkat çekiciydi. Meraklı bir zihne sahip olarak enstrümanda yeni teknikler aradı. Böylece, bir yapay flageolet sistemi geliştirdi. Müzisyen, enstrümanda inanılmaz bir yansıma yeteneğine sahipti. Aksyonov, kuşların şarkısını, davul sesini, çanların sesini, yaklaşan ve uzaklaşan koroyu vb. Bu ses efektleriyle seyirciyi hayrete düşürdü. Ne yazık ki Aksyonov'un bu türden oyunları bize gelmedi.
S.N.'nin eğitim faaliyeti. Aksenova. 1810'dan başlayarak, popüler opera aryalarının birçok transkripsiyonunu ve Rus halk şarkılarının temaları üzerine varyasyonları içeren Müzik Severlere Adanmış Yeni Yedi Telli Gitar Dergisi'ni yayınladı. Aksyonov ayrıca bir gitar eşliğinde ses için romanslar yarattı.
Aksyonov, kısa süre sonra Moskova'daki Rus gitaristler okuluna ün kazandıran, zekice yetenekli gitarist Mikhail Vysotsky'yi yetiştirdi.
Mikhail Timofeevich Vysotsky'nin (1791 - 1837) yaratıcı etkinliği, profesyonel ve akademik Rus gitar performansının gelişmesinde büyük rol oynadı.
Müzisyenin çalması yalnızca laik salonlarda ve tüccar toplantılarında duyulmuyordu. Gitarist, özellikle son yıllarda, büyük ihtiyaç duyduğunda, apartman penceresinden halka da çaldı. Bu konserler, yedi telli gitarın orta sınıf ve zanaatkarlar arasında yayılmasına katkıda bulundu.
Müzisyenin doğaçlama olarak harika bir yeteneği vardı. Vysotsky, sonsuz sayıda akor ve modülasyonla saatlerce doğaçlama yapabilirdi.
Gitarist ayrıca zamanında moda olan dans müziklerini de besteledi: mazurkalar, polonezler, valsler, ekoseler. Bütün bu parçalar çok zarif ve müzikal. Vysotsky, V.A.'nın eserlerinin transkripsiyonlarını yaptı. Mozart, L. Beethoven, D. Field. Müzisyen bestelerini küçük baskılarda ve yeniden basılmadan yayınladı ve bu nedenle koleksiyonlar anında tükendi ve neredeyse anında bibliyografik bir nadirlik haline geldi. Vysostky'nin el yazısıyla yazılmış bestelerinden yalnızca birkaçı ve Gutheil'in baskısında yayınlanan 84 oyun hayatta kaldı.
Rusya'da yedi telli gitar çalmak için ilk kendi kendine eğitim kılavuzları 18. yüzyılın sonunda çıktı. 1798'de St.Petersburg'da, I. Geld'in defalarca yeniden basılan ve yeni materyallerle tamamlanan "Yedi Telli Gitar için Semantik Kılavuz" yayınlandı. Üçüncü baskı, Rus ve Ukrayna halk şarkılarından oluşan 40 aranjmanla genişletildi. 1808'de D.F.'nin "yedi telli gitar okulu". Kushenov-Dmitrievsky, St. Petersburg'da açıldı. Bu koleksiyon o zamandan beri birkaç kez yeniden basıldı. 1850'de A.O. Sikhra'nın "Yedi Telli Gitar için Teorik ve Pratik Okulu" üç bölüm halinde yayınlandı. İlk bölüm “Genel Olarak Müziğin Kuralları Üzerine”, ikinci bölüm teknik alıştırmalar, diziler ve arpejler, üçüncü bölüm ağırlıklı olarak Sykhra öğrencilerinin bestelerinden oluşan müzik materyallerini içeriyordu. Bir diğer önemli öğretici ve pedagojik el kitabı, A.O. senkri. Bu, bir gitaristin teknik becerilerini geliştirmek için bir tür yüksek okul.
1819'da S.N. Aksenov, I. Geld'in "Okul" un bir sonraki baskısına önemli eklemeler yaptı. Doğal ve yapay armoniklerle ilgili bir bölüm eklendi, birçok yeni eser, etüt ve türkü aranjmanı tanıtıldı. kendi kompozisyonu. Yedi telli gitarı öğrenmek için çeşitli kılavuzlar V.I. Morkov, M.T. Vysotsky ve 19. yüzyılın ilk yarısının diğer gitaristleri.
Rusya'da yedi telli gitar paralel olarak var oldu - hem akademik hem de halk enstrümanı olarak. 19. yüzyılın ilk on yıllarında, evde müzik yapmanın geleneksel katmanının bir ifadesi olan yedi telli gitar, esas olarak işçiler, zanaatkârlar, çıraklar ve çeşitli hizmet insanları - arabacılar, uşaklar - arasında dağıtılıyordu. Enstrüman, genel nüfus için bir eğitim ve müzik kültürü ile tanışma aracı haline gelir.
1840'lardan beri, guselny sanatı gibi gitar sanatı da gerilemeye başlar. Ancak ilahi, günlük müzik yapımından kaybolmaya başladıysa, o zaman kentsel şarkı, romantizm ve çingene şarkı söyleme alanında eşit derecede değişmeden eşlik eden bir enstrüman olarak kalan gitar, profesyonelliğin azalması nedeniyle halkın sosyal niteliklerini yavaş yavaş kaybetti. gitarist seviyesi. Yüzyılın ikinci yarısında A.O. kadar parlak sanatçılar ve öğretmenler yoktu. Syhra, S.N. Aksenov ve M.T. Vysotsky. Önemli metodolojik el kitaplarının basımı neredeyse sona erdi ve yayınlanan öğreticiler çoğunlukla günlük müzik yapmayı sevenlerin gösterişsiz ihtiyaçları için tasarlandı ve yalnızca örnekler içeriyordu. popüler aşklar, şarkılar, danslar, çoğunlukla düşük sanatsal kaliteye sahip.
Rus domrasında performans oluşumu
Domra adının kendisi ancak 16. yüzyılda ün kazanmasına rağmen, Rus dilinde parmaklı (tanbur biçimli) çalgılarla ilgili ilk bilgiler 10. yüzyıldan itibaren bize ulaşmaktadır. Ruslar arasında Tanbur halk enstrümanları 903 ile 912 yılları arasında Kiev'i ziyaret eden onuncu yüzyılın Arap seyyahı İbn Dasta tarafından anlatılmıştır.
Domra'nın bize ulaşan ilk sözü 1530 yılına kadar uzanıyor. "Metropolitan Daniel'in Öğretileri", domra çalmanın yanı sıra kilise hizmetlilerinin arp ve smyk (bip sesleri) çalmasından bahseder. 17. yüzyılın başlarında, halk tarafından çok sevilen gusli bile popülaritesinde "domramlara büyük ölçüde yol açtı". 17. yüzyılda Moskova'da domraların satıldığı bir “ev kavgası” vardı. Sonuç olarak, bu aletlere olan ihtiyaç o kadar büyüktü ki, satışları için bir dizi dükkan düzenlemek gerekliydi. Domraların sadece Moskova'da değil, büyük miktarlarda yapıldığı bilgisi, Rus devletinin yerel pazarlarında günlük ücretlerin kaydedildiği gümrük defterleriyle ikna edici bir şekilde doğrulanabilir.
Rus'taki Domra, insanların hayatının kalınlığına düştü. Kamusal, demokratik bir araç haline geldi. Enstrümanın hafifliği ve küçük boyutu, sesi (her zaman bir mızrapla domra çaldılar), zengin sanatsal teknik yetenekler - tüm bunlar soytarıların beğenisine sunuldu, Domra o günlerde her yerde geliyordu: köylü ve kraliyet mahkemelerinde, içinde saatlerce süren eğlence ve hüzünlü anlar. Eski bir Rus atasözü "Domramı övmekten memnunum" der.
Soytarılar genellikle popüler huzursuzluğun kışkırtıcıları ve katılımcılarıydı. Bu yüzden önce ruhban sınıfı, sonra da devlet yöneticileri, onların sanatına karşı bu kadar silaha sarılmıştır.
Neredeyse 100 yıl boyunca (1470'den 1550'ye kadar) sekiz kraliyet kararnamesinde müzik aleti çalmak yasaklandı. Soytarılara ve müziklerine yönelik zulüm özellikle XV. XVII yüzyıl x - köylülerin çarlık hükümetine ve toprak ağalarına karşı organize protestoları sırasında (Ivan Bolotnikov ve Stepan Razin liderliğindeki köylü savaşları).
1648'de Çar Alexei Mihayloviç tarafından, halkı müzik enstrümanlarından aforoz etmek için önlemlerin yasallaştırıldığı bir tüzük yayınlandı: “Ve domralar ve surnlar, kornalar, arplar ve kutsal kornalar nerede olacak ve bu şeytani emirleri vereceksiniz. gemilere el konulacak ve bu şeytani oyunları çözerek yakılmalarını emredecek.
1654 yaz ve sonbaharında, Patrik Nikon'un talimatıyla, “siyah” dan toplu müzik aletleri ele geçirildi. Her yerde yok ediliyorlardı. Moskova Nehri'nin karşısına gusli, borular, domralar, borular, tefler getirildi ve yakıldı.
Halk çalgılarının çalınmasını yasaklayan kraliyet fermanları nedeniyle 17. yüzyılın ortalarında uzman zanaatkarların domra üretimi durdurulmuştur. Aletlerin üretimi ve hatta depolanması için ağır cezalar geldi. Soytarılık sanatının ortadan kalkmasıyla birlikte domrache müzisyenlerinin profesyonel icrası da ortadan kalkar.
Ancak soytarı sanatı sayesinde. Domra halk arasında geniş bir popülerlik kazanmıştır. En uzak ve sağır köylere girdi.
16. - 17. yüzyılların el yazmalarında, özellikle domralar ve üzerlerinde icracılar - domracheev olmak üzere halk enstrümanlarının resimlerini içeren çok sayıda resim vardır. Bu resimler, o zamanlar domra'nın Rusya'daki en yaygın müzik aletlerinden biri olduğunu gösteriyor.
XVI'da eski Rus domrası - XVII yüzyıllar iki versiyonu vardı: modern domraya son derece yakın bir şekle sahip olabilirdi ve diğeri bir tür lavtaydı - büyük bir gövdeye, oldukça kısa bir boyuna ve geriye doğru bükülmüş bir kafaya sahip çok telli bir enstrüman.
O zamanın tarihi belgeleri, domra üzerindeki ortak performansın yanı sıra domra çeşitlerinin bir arada var olduğuna tanıklık ediyor: küçük, orta ve büyük domra. Bir şerit veya bir tüy ile domra oynadılar.
16. yüzyıl, eski Rus skomorosh domrasının en geniş dağıtım dönemidir. 18. yüzyılın başlarına dayanan Lubok resimleri, genellikle iki soytarı-soytarı - Foma ve Yerema'yı tasvir ediyordu. Birinin elinde telli ve telli bir çalgı görebilirsiniz. Küçük oval gövdeli ve dar boyunludur. Rus popüler baskısının araştırmacısı, önde gelen sanat tarihçisi D.A. Rovinsky, çizimlere açıklama olarak, Thomas ve Yerema hakkında bütün bir ayet hikayesinden alıntı yapıyor. Diyor ki: "Yerema'nın arpı var ve Foma'nın domrası var."
Domra genellikle açık havada ve dahası bazen dinamik olarak daha yüksek sesli enstrümanlarla bir toplulukta geliyordu.
Eski Rus domrasının tüm görüntülerini ve diğer halkların benzer enstrümanlarını karşılaştırırken, son derece dikkat etmek önemlidir. ilginç özellik: tüm enstrümanlar kobzadır (enstrüman 16.-17. yüzyıllarda Ukrayna'da yaygındı, büyük oval veya yarım daire biçimli bir gövdeye ve üzerinde 5-6 telli gerilmiş bir boyuna, başı geriye doğru bükülmüş - yani lavta tipine sahipti) veya küçük gövdeli ve 3-4 telli bir enstrüman), oryantal domralar ve diğerleri - yalnızca solo olarak sunulur. Diğer enstrümanlar onlarla birlikte hiçbir yerde gösterilmez. Bununla birlikte, 16. - 17. yüzyıllara ait eski Rus domrasının görüntüleri, diğer enstrümanlarla ortak oyunda kullanımından bahsediyor. Eski domra, öncelikle toplu müzik yapımına yönelik bir enstrümandı ve çeşitli tessitura çeşitlerinde mevcuttu. Örneğin günümüze kadar gelen minyatürlerde çeşitli boyutlarda domralar tasvir edilmiştir. Küçük gövdeli domra, modern küçük domra ölçülerine tekabül etmektedir. Eski çizimlerde, daha da küçük gövdeli bir domra görüntüsü vardır: bu "domrishko" nun çok yüksek tessitura sahip bir enstrüman olması mümkündür.
18. yüzyılın ikinci yarısında domra yavaş yavaş insanların hafızasından silinir.
18. - 19. yüzyıllarda Balalayka
17. yüzyılın son üçte birinde - 1688'de - "domra" adının ortadan kalkmasıyla birlikte, balalaykalardan ilk söz ortaya çıkıyor. Halkın domraya benzer, yapımı kolay ve gür, ritmik olarak net bir sesi olan telli bir çalgıya ihtiyacı vardı. Bu doğru, ev yapımı zanaatkar bir şekilde yapılmış ve domra - balalayka'nın yeni bir versiyonunu yaygara.
Balalayka, 17. yüzyılın ikinci yarısında domranın halk versiyonu olarak ortaya çıktı. Tarihçi J. Shtelin'e göre, 18. yüzyılda olağanüstü bir popülerlik kazandı ve "Rus ülkesindeki en yaygın enstrüman" oldu. Buna bir dizi koşul katkıda bulundu - daha önce var olan enstrümanların (arp, domra, bip sesi) önde gelen öneminin kaybı, balalayka'da ustalaşmanın mevcudiyeti ve kolaylığı, üretiminin basitliği.
Rusya'nın çeşitli illerindeki halk balalaykaları biçimleri bakımından farklılık gösteriyordu. 18. yüzyılda ve 19. yüzyılın başlarında, kabaktan yapılan yuvarlak (alttan kesik) ve oval gövdeli balalaykalar popülerdi. Onlarla birlikte 18. yüzyılda üçgen gövdeli enstrümanlar giderek daha sık görünmeye başladı. Görüntüleri çeşitli popüler baskılarda verilmiştir. Dörtgen ve yamuk gövdeli, tel sayısı 2'den 5'e (bakır veya bağırsak) kadar olan çalgılar vardı. Aletlerin üretimi için malzeme çeşitli ağaç türleri ve güney bölgelerinde kabaktı. Balalayka çeşitleri ve sistemleri farklıydı. Dördüncü, beşinci, karışık dördüncü-beşli ve tert akortlu üç telli balalaykalar vardı. Klavyeye 4 - 5 adet hareketli perde yerleştirildi.
Halk arasında var olan ilkel balalaykalar el yapımıydı, diyatonik bir ölçeğe ve çok sınırlı yeteneklere sahipti.
Balalaykaların boyutları genellikle bir askıda tutulmaları gerekecek şekildeydi: sözde genişlik 0 1 ayak. yaklaşık 30,5 cm uzunluğunda, 1,5 fit (46 cm) uzunluğunda ve boyun "vücut uzunluğunun en az 4 katı", yani 1,5 metreye ulaştı. Balalayka'yı tek tek telleri çekerek, takırdatarak ve ayrıca bir mızrap yardımıyla - 18. yüzyılda çalmanın tipik bir yolu - oynadılar.
18. yüzyılın ikinci yarısında enstrüman hem amatör alanda hem de profesyonel müzisyenler arasında yayıldı. Halkın geniş varlığıyla birlikte, balalayka zaten bu dönemde "seçkin" evlerde buluştu ve hatta katıldı. müzik düzenlemesişenlikli mahkeme törenleri. O zamanlar şehirli balalayka oyuncularının repertuarı sadece halk şarkıları ve danslarını değil, aynı zamanda sözde laik müzik eserlerini de içeriyordu: aryalar, minuetler, Polonya dansları ve ayrıca "andante, allegro ve presto eserleri".
Profesyonel şehir tipi balalayka oyuncularının ortaya çıkışı bu dönemlere dayanmaktadır. Bunlardan ilki parlak kemancı Ivan Evstafievich Khandoshkin (1747 - 1804) olarak adlandırılmalıdır. Bu müzisyenin balalayka için beste yapma olasılığı göz ardı edilmedi. Khandoshkin, hem kemanda hem de balalaykada Rus halk şarkılarının eşsiz bir icracısıydı; onun arkasında uzun süre ilk balalayka virtüözünün itibarı korunmuştur. Potemkin ve Naryshkin gibi üst düzey soyluları enstrümanıyla "müzikal bir öfke" içine sokan kişinin Khandoshkin olduğu biliniyor. Başlangıçta Khandoshkin, su kabağından yapılmış ve enstrümana özel bir ses veren kırık kristalle yapıştırılmış halk tarzı bir balalayka ve daha sonra harika keman yapımcısı Ivan Batov tarafından yapılan bir enstrüman çaldı. Batov'un balalaykasının sadece gelişmiş bir gövdeyle değil, aynı zamanda gömme perdelerle de olması oldukça olasıdır. A.S. Famintsyn "Domra ve ilgili müzik aletleri", müzisyenin yedi gömme perdeli gelişmiş bir balalayka çaldığı "19. yüzyılın başlarından kalma üçgen bir balalayka ile Halkın icracısı" resmini yayınladı.
Tanınmış profesyonel balalayka oyuncuları arasında, sadece kemanda değil, aynı zamanda balalaykada da Khandoshkin'in öğrencisi olan II. Catherine'in saray kemancısı I.F. Bu enstrüman için eserler besteleyen seçkin balalayka sanatçısı hiç şüphesiz Moskovalı kemancı, besteci ve orkestra şefi Vladimir Ilyich Radivilov'dur (1805 - 1863). Çağdaşlar, Radivilov'un balalayka'yı dört telli hale getirerek geliştirdiğini ve "oynayarak seyirciyi şaşırtacak kadar mükemmelliğe ulaştığını" ifade ediyor. Tüm teklifler kendi kompozisyonuydu.
18. - 19. yüzyılların dönüşü, balalayka çalma sanatının en parlak dönemidir.
Bu döneme ait belgelerde, çoğu isimsiz kalan balalayka oyuncuları arasında profesyonel icracıların varlığını doğrulayan bilgiler yer almaktadır.
Seçkin balalayka oyuncusu M.G. hakkında bilgi aldık. "Özel tasarım" balalayka oynayan Khrunov. Çağdaşlar, bu basit halk enstrümanına yönelik küçümseyici tavra rağmen, müzisyenin çalması hakkında mükemmel bir değerlendirme yapıyor.
Basılı yayınlar, bu enstrümana ustaca sahip olan birkaç balalayka sanatçısının daha adını verir. Bunlar P.A. Bayer ve A.S. Paskin, Tver vilayetinden bir toprak sahibi ve olağanüstü bir performans sergileyen, şifreli bir soyadına (P.A. La-ky) sahip bir Oryol toprak sahibidir ve “balalaika'yı taklit edilemez bir teknikle, özellikle armonilerini sergileyerek çalmıştır. Bu müzisyenler en iyi ustalar tarafından yapılmış enstrümanlar çalıyorlardı.
Şehirde var olan balalaykalar sıradan insanlardan farklıydı; performansın kendisi farklıydı. V.V. Andreev, şehirde yedi perdeli enstrümanlarla tanıştığını ve A.S. Paskin, orijinal teknikler ve buluntularla dolu profesyonel oyunuyla onu kelimenin tam anlamıyla şaşkına çevirdi.
Köylerde partilerde balalayka oyuncusunun oyunu bir kulüpte ödenirdi. Birçok toprak sahibinin mülkünde, ev eğlencesi için oynayan bir balalayka oyuncusu tutuldu.
19. yüzyılın başında, balalayka için bir makale çıktı - Rus halk şarkısı "Elnik, benim ladin ormanım" temasının varyasyonları. Bu eser, Mariinsky Theatre N.V.'nin ünlü opera şarkıcısı olan büyük bir balalayka aşığı tarafından yazılmıştır. Lavrov ( gerçek adÇirkin). Varyasyonlar Fransızca olarak yayınlandı ve o zamanın ünlü bestecisi A.A.'ya ithaf edildi. Alyabiev. Başlık sayfası, eserin üç telli bir balalayka için yazıldığını gösterir. Bu, o zamanki geniş popülariteye tanıklık ediyor. üç telli çalgı.
Tarihsel belgeler, balalayka'nın halk müzik aletleriyle çeşitli kombinasyonlarda - bip sesi, gayda, akordeon, korna ile düetlerde; üçlü olarak - bir davul ve kaşıkla; keman, gitar ve teften oluşan küçük orkestralarda; flüt ve kemanlı topluluklarda. Balalayka'nın opera temsillerinde de kullanıldığı bilinmektedir. Sokolovsky’nin “Değirmenci, Büyücü, Aldatıcı ve Çöpçatan” operasında Melnik’in üçüncü perdeden “Yaşlı adam ve yaşlı kadının yürüdüğü yol” aryası bir balalayka eşliğinde seslendirildi.
Balalayka'nın kitleler arasındaki popülaritesi hem türkülere hem de kurguya yansır. A.S.Puşkin, M.Yu Lermontov, F.I. Dostoyevski, L.N. Tolstoy, A.P. Chekhov, I.Turgenev, N.V. Gogol ve diğerleri.
19. yüzyılın ortalarında, balalayka'nın bir kitle enstrümanı olarak popülaritesi azalmaya başladı. Balalayka, ilkel haliyle artık yeni estetik talepleri tam olarak karşılayamıyordu. Önce yedi telli gitar ve ardından armonika, balalaykayı ev halk müziği yapımından çıkardı. Balalayka'nın yavaş yavaş yok olma süreci halk müziği hayatında da başlar. Enstrümanın her yerde dağıtılmasından, giderek artan bir şekilde müzikal arkeoloji konusuna dönüştü.
İyi çalışmalarınızı bilgi bankasına göndermek basittir. Aşağıdaki formu kullanın
Bilgi tabanını çalışmalarında ve işlerinde kullanan öğrenciler, lisansüstü öğrenciler, genç bilim adamları size çok minnettar olacaklar.
Yayınlanan http://www.allbest.ru/
Yayınlanan http://www.allbest.ru/
Ukrayna Kültür Bakanlığı
Kharkiv Devlet Kültür Akademisi
"Usta" derecesi için çalışmaya kabul için
gitar sanatı tarihsel fenomen müzik kültürü
Pikhulya Taras Olegoviç
Harkov 2015
Plan
giriiş
1. Klasik gitar çalmanın oluşumu ve gelişimi için ön koşullar
1.1 Gitar performansının ortaya çıkışı, gelişimi ve iyileştirilmesinin tarihi
1.2 SSCB ve Rusya'da gitar sanatının oluşumu
2. Sanatta pop-caz akımının ortaya çıkışının ve gelişiminin tarihi
2.1 Pop-caz sanatında kullanılan gitar çeşitleri
2.2 60-70'lerin pop-caz performansının ana yönleri
Kaynakça
İÇİNDEyürütmek
XX yüzyılın müzik sanatı. hızlı ve hızlı gelişti. Bu gelişimin temel karakteristik özellikleri, çeşitli tarzların ve akımların özümsenmesi, yeni bir müzik dilinin kristalleşmesi, yeni besteleme, biçimlendirme ilkeleri ve çeşitli estetik platformların oluşturulmasıydı. Bu süreç sadece bestecileri, icracıları, sanat tarihçilerini değil, kendisi için müzik eseri yaratılan milyonlarca dinleyiciyi de kapsamaktadır.
Konunun alaka düzeyi, klasik ve pop-caz enstrümantal müziğinin gitar sanatının evrimsel gelişimi, yani yeni türlerin ve akımların oluşumu açısından ele alınmasından kaynaklanmaktadır.
Çalışmanın amacı, klasik ve pop-caz enstrümantal müziklerini ve bunların yeni tarzların oluşumundaki etkilerini, icra becerilerini ve genel olarak gitar kültürünü ele almaktır.
Araştırma hedefleri:
1) Avrupa, Rusya ve SSCB'de gitar kültürünün ortaya çıkışı, gelişimi ve oluşumunun tarihini düşünün.
2) Pop-caz sanatının kökenlerini, kökenlerini ve yeni stillerin oluşumunu ele alır.
Araştırmanın amacı, klasik ve pop-caz enstrümantal müziğinin oluşumudur.
Çalışmanın metodolojik temeli, Avrupa, Afrika ve Rus sanatsal geleneklerinin temeli olarak müzik ve konuşma ilkelerinin birliğine odaklanan tonlama analizi yöntemidir.
Eserin bilimsel yeniliği, eserin gitar sanatının oluşumu, gelişimi ve gitar kültürünün oluşumundaki etkisi üzerine bir çalışma olması gerçeğinde yatmaktadır.
Çalışmanın pratik değeri, malzemelerini tarihsel ve teorik müzik disiplinlerini inceleme sürecinde kullanma olasılığında yatmaktadır.
1. ÖnkoşullaroluşumVegelişimoyunlarAçıkklasikgitar
1.1 Gitar performansının ortaya çıkışı, gelişimi ve iyileştirilmesinin tarihi
Bu müzik aletinin kökeni, gelişimi ve iyileştirilmesinin tarihi o kadar şaşırtıcı ve gizemli ki, daha çok heyecan verici bir dedektif hikayesi gibi. Gitarla ilgili ilk bilgiler eski çağlara kadar dayanmaktadır. Bin yıl önceki Mısır anıtlarında, gitara benzeyen bir müzik aletinin - "nabla" görüntüleri var. Gitar, Asur, Babil ve Fenike'nin mimari anıtlarındaki resimlerle de doğrulanan Asya'da da yaygındı. 13. yüzyılda Araplar onu İspanya'ya getirdi ve kısa süre sonra tam olarak tanındı. 15. yüzyılın sonunda, İspanya'nın zengin aileleri bilim ve sanatın himayesinde birbirleriyle rekabet etmeye başladılar. Gitar, lavta ve diğer çalınan enstrümanlarla birlikte mahkemelerde favori bir enstrüman haline gelir. İÇİNDE Kültürel hayatİspanya'da 16. yüzyıldan itibaren çok sayıda dernek, akademi, çevre ve toplantı - düzenli olarak gerçekleştirilen "salonlar" önemli bir rol oynadı. O zamandan beri, mızraplı çalgılara olan tutku geniş halk kitlelerine nüfuz etti ve onlar için özel müzik literatürü yaratıldı. Onu temsil eden bestecilerin isimleri uzun bir dizi oluşturuyor: Milan, Corbetto, Fuenllana, Marin i Garcia, Sanz ve diğerleri.
Uzun bir geliştirme yolundan geçen gitar, modern bir görünüme kavuştu. 18. yüzyıla kadar daha küçüktü ve gövdesi oldukça dar ve uzundu. Başlangıçta, enstrümana bir lavta gibi dörtte bir ayarlanmış beş tel yerleştirildi. Daha sonra gitar, açık tellerin sesini daha iyi kullanmak için açık pozisyonlarda çalmaya daha uygun bir akort ile altı telli hale geldi. Böylece 19. yüzyılın ortalarında gitar son halini almış oldu. Üzerinde bir sistemle altı tel belirdi: mi, si, salt, re, la, mi.
Gitar Avrupa'da büyük bir popülarite kazandı ve Kuzey ve Güney Amerika ülkelerine getirildi. Gitarın bu kadar yaygın kullanımını nasıl açıklayabiliriz? Esas olarak büyük bir potansiyele sahip olduğu için: solo olarak çalınabilir, ses, keman, çello, flüt eşliğinde, çeşitli orkestra ve topluluklarda bulunabilir. Küçük boyutlar ve uzayda kolay hareket etme olasılığı ve en önemlisi alışılmadık derecede melodik, derin ve aynı zamanda şeffaf bir ses, romantik turistlerden profesyonel müzisyenlere kadar geniş bir hayran kitlesinin bu evrensel müzik aletine olan sevgisini haklı çıkarıyor.
18. yüzyılın sonunda İspanya'da besteciler ve virtüözler ortaya çıktı.
F. Sor ve D. Aguado, onlarla aynı anda İtalya'da - M. Giuliani. L. Leniani, F. Carulli, M. Carcassi ve diğerleri. Gitar için küçük parçalardan sonatlara ve bir orkestra ile konçertolara kadar geniş bir konser repertuarı ve ayrıca kapsamlı bir eğitici ve yapıcı repertuar olan harika "Altı telli gitar çalmak için okullar" yaratırlar. Bu pedagojik literatürün ilk yayınlarından bu yana yaklaşık iki yüz yıl geçmesine rağmen, hem öğretmenler hem de öğrenciler için hala değerli bir mirastır.
Besteci Sor, Batı Avrupa ve Rusya şehirlerinde büyük başarı ile konserler veriyor. Külkedisi, Ressam Olarak Lubok, Herkül ve Omphale baleleri ve Telemachus operası St. Petersburg, Moskova ve Batı Avrupa'nın büyük şehirlerinde defalarca sahnelendi. Polifonik tarz, zengin hayal gücü ve içerik derinliği Sora'nın çalışmalarını karakterize ediyor. Bu, eğitimli bir müzisyen-besteci, performansının derinliği ve tekniğinin parlaklığından etkilenen virtüöz bir gitarist. Besteleri, gitaristlerin repertuarına sağlam bir şekilde girmiştir. İtalyan Giuliani, İtalyan gitar okulunun kurucularından biridir. Harika bir gitarist ve aynı zamanda mükemmel bir kemancıydı. 1813'te Beethoven'ın yedinci senfonisi Viyana'da ilk defa yazarın yönetiminde icra edildiğinde, Giuliani onun icrasında kemancı olarak yer aldı. Beethoven, Giuliani'ye bir besteci ve müzisyen olarak büyük saygı duyuyordu. Sonatları, orkestralı konçertoları modern gitaristler tarafından icra ediliyor ve pedagojik literatür hem öğretmenler hem de öğrenciler için değerli bir miras.
Ünlü İtalyan gitarist-öğretmen, besteci M. Carcassi'nin ülkemizde en ünlü ve en sık yayınlanan "Altı Telli Gitar Çalma Okulu" üzerinde özellikle durmak istiyorum. Mekteb'in önsözünde yazar şöyle der: "... Bilimsel bir eser yazmak gibi bir niyetim yoktu. Ben sadece bu enstrümanın tüm özelliklerini daha yakından tanımayı mümkün kılabilecek bir plan ortaya koyarak gitar öğrenmeyi kolaylaştırmak istedim. Bu sözlere göre, M. Carcassi'nin kendisine gitar çalmayı öğrenmek için evrensel bir el kitabı oluşturma görevini koymadığı ve bunun pek mümkün olmadığı açıktır. "Okul", sol ve sağ ellerin tekniği, gitar çalmanın çeşitli karakteristik yöntemleri, farklı pozisyonlarda ve tuşlarda çalma hakkında bir dizi değerli talimat verir. Müzikal örnekler ve parçalar, artan zorluk sırasına göre sırayla verilir, bir besteci ve öğretmen olarak büyük bir ustalıkla yazılır ve eğitim materyali olarak hala çok değerlidir.
Modern bir bakış açısıyla, bu "Okul" un bir takım ciddi eksiklikleri olmasına rağmen. Örneğin, apoyando (destekle oynama) gibi sağ eli oynamanın bu kadar önemli bir tekniğine çok az dikkat edilmiştir; 18. yüzyıl Batı Avrupa geleneğinin müziğine dayanan müzik dili biraz monotondur; parmak geliştirme, melodik-harmonik düşünme konularına pratik olarak değinilmez, sadece sol ve sağ ellerin parmaklarının doğru yerleştirilmesinden bahsediyoruz, bu da performanstaki birçok teknik zorluğu çözmemize, sesi iyileştirmemize, ifade etmemize olanak tanır. , vesaire.
19. yüzyılın ikinci yarısında, gitar tarihinde İspanyol besteci, virtüöz solist ve öğretmen Francisco Tarrega'nın yeni parlak ismi ortaya çıktı. Kendi yazı stilini yaratır. Elinde gitar küçük bir orkestraya dönüşüyor.
Bu olağanüstü müzisyenin performans çalışması, arkadaşlarının çalışmalarını etkiledi - besteciler: Albeniz, Granados, de Falla ve diğerleri. Piyano eserlerinde genellikle gitar taklidi duyulabilir. Kötü sağlık, Tarrega'ya konser verme fırsatı vermedi, bu yüzden kendini öğretmenliğe adadı. Tarrega'nın kendi gitar çalma okulunu yarattığını rahatlıkla söyleyebiliriz. En iyi öğrencileri arasında Miguel Llobet, Emelio Pujol, Domenico Prat, Daniel Fortea, Illarion Lelupe ve diğer ünlü konser sanatçıları bulunmaktadır. Bugüne kadar E. Pujol, D. Fortea, D. Prat, I. Lelupe, I. Ahrens ve P. Rocha'nın Tarrega öğretim yöntemine dayalı "Okullar"ı yayınlandı. Ünlü İspanyol gitarist, öğretmen ve müzikolog E. Pujol'un "Altı Telli Gitar Çalma Okulu" örneğini kullanarak bu yönteme daha yakından bakalım. "Okul" un ayırt edici bir özelliği, klasik gitar çalmanın tüm ana "sırlarının" cömert, ayrıntılı bir sunumudur. Gitar tekniğinin en temel konuları özenle geliştirilmiştir: ellerin konumu, çalgı, ses üretme yöntemleri, çalma teknikleri vb. Malzemenin dizilişi, gitaristin sistematik teknik ve sanatsal hazırlığına katkıda bulunur. "Okul" tamamen orijinal müzik materyali üzerine inşa edilmiştir: neredeyse tüm etütler ve alıştırmalar, özellikle ilgili bölümler için yazar tarafından (F. Tarrega'nın metodolojisi dikkate alınarak) bestelenmiştir.
Bu eğitici yayının sadece gitar çalmanın zorluklarını detaylandırmakla kalmayıp, aynı zamanda bunların nasıl üstesinden gelineceğini de detaylı bir şekilde anlatması özellikle değerlidir. Özellikle sağ ve sol elle çalarken doğru parmak kullanma problemine çok dikkat edilir, bunun yanı sıra sol elin farklı pozisyonlarda, çeşitli hareketlerde, kaymalarda çalış teknikleri gelişime kesinlikle katkı sağlar. parmak düşünme. Pujol'un "Okulunun" etkinliği, özellikle ülkemizde, Avrupa'da ve Amerika'da bir dizi eğitim kurumunda kullanılmasıyla doğrulanmaktadır.
20. yüzyılın en büyük İspanyol gitaristinin yaratıcı faaliyeti, dünya gitar sanatının gelişimi için büyük önem taşıyordu. Andres Segovia. Enstrümanın gelişim tarihindeki rolünün istisnai önemi, yalnızca performans ve pedagojik yetenekleri değil, aynı zamanda bir organizatör ve propagandacı olarak yetenekleriydi. Araştırmacı M. Weisbord şöyle yazıyor: “… gitarı bir konser enstrümanı olarak kurmak için, örneğin piyano veya kemanın sahip olduğu, son derece sanatsal bir repertuardan yoksundu. Andres Segovia'nın tarihi değeri, her şeyden önce böyle bir repertuarın yaratılmasında yatmaktadır…”. Ve ayrıca: “M. Ponce (Meksika), M.K. Tedesco (İtalya), J. Ibert, A. Roussel (Fransa) K. Pedrel (Arjantin), A. Tansman (Polonya) ve D. Duart (İngiltere), R. Smith (İsveç)…”. Bu küçük ve uzak yerden tam liste besteciler, klasik gitar için profesyonel bestelerin coğrafyasının hızla genişlemesinin A. Segovia sayesinde olduğu ve zamanla bu enstrümanın birçok seçkin sanatçının - E. Vila Lobos, B. Britten - dikkatini çektiği açıktır. Öte yandan, aynı zamanda profesyonel sanatçılar olan yetenekli bestecilerin tüm takımyıldızları da var - A. Barrios, L. Brouwer, R. Dyens, N. Koshkin, vb.
1. 2 oluşumgitarsanatVSSCBVeRusya
Bugün, SSCB'ye dört ziyaret (1926 ve 1935, 1936) dahil olmak üzere dünyanın birçok ülkesini başarıyla gezdi.Klasik gitaristlerin eserlerini seslendirdi: Sora, Giuliani, Tchaikovsky, Schubert, Haydn ve orijinal eserlerin transkripsiyonları. İspanyol bestecilerin eserleri: Turin, Torroba, Tansman, Castelnuovo-Tedesco ve diğer besteciler. Segovia, sorularına isteyerek cevap verdiği Sovyet gitaristleriyle birçok görüşme yaptı. Gitar çalma tekniğiyle ilgili sohbetlerde Segovia, yalnızca el ele tutuşmanın değil, aynı zamanda parmakları doğru kullanmanın da özel önemine dikkat çekti. Gitar, Rusya'nın müzik sanatında parlak bir iz bıraktı. 1735'ten 1785'e kadar Moskova'da yaşayan akademisyen J. Shtelin, Rusya'da gitarın yavaş yayıldığını, ancak virtüöz gitaristler Tsani de Ferranti, F. Sor, M. Giuliani ve diğer konuk sanatçıların yanı sıra diğerlerinin ortaya çıkmasıyla bu enstrümanın yaygınlaştığını yazdı. sempati kazanıyor ve yaygın olarak kullanılıyor.
18. yüzyılın ikinci yarısından itibaren Rusya'da bir G-majör üçlüsünün bir oktav olarak ikiye katlandığı ve bir litre aralıklı bir alt telin bulunduğu yedi telli orijinal bir çeşit elde edildiğinde, gitarın bas akor eşliğine en uygun olduğu ortaya çıktı. kentsel bir şarkı ve romantizm.
Bu enstrümanda profesyonel performansın gerçek gelişimi, seçkin gitarist öğretmen Andrei Osipovich Sikhra'nın (1773-1850) yaratıcı faaliyeti sayesinde başlar. Eğitimli bir arpçı olarak, tüm hayatını yedi telli gitarın tanıtımına adadı - gençliğinde konser faaliyetleri, ardından pedagoji ve aydınlanma ile uğraştı. 1802'de A. Sikhra'nın Yedi Telli Gitar Dergisi, Rus halk şarkılarının aranjmanları ve müzik klasiklerinin aranjmanlarıyla St. Petersburg'da yayımlanmaya başlandı. Sonraki yıllarda, 1838'e kadar, müzisyen, A.O. enstrümanının popülaritesinde önemli bir artışa katkıda bulunan bir dizi benzer dergi yayınladı. Sychra çok sayıda öğrenci yetiştirdi ve onların gitar için müzik bestelemeye, özellikle de türkü melodilerinin temaları üzerine varyasyonlara olan ilgilerini uyandırdı. Öğrencilerinin en ünlüsü S.N. Aksenov, V.I. Morkov, V.S. Sarenko, F.M. Zimmerman ve diğerleri - Rus şarkılarının birçok oyununu ve düzenlemesini bıraktı. Mikhail Timofeevich Vysotsky'nin (1791-1837) etkinliği, profesyonel-akademik Rus gitar performansının gelişmesinde büyük önem taşıyordu. Onu gitarla tanıştıran ilk kişi S.N. Aksenov, aynı zamanda akıl hocası oldu.
Yaklaşık 1813'ten beri M.T. Vysotsky çok popüler oldu. Çalışı, orijinal bir doğaçlama tarzı, çeşitli halk şarkıları melodilerinde cesur bir yaratıcı hayal gücü uçuşu ile ayırt edildi. M.T. Vysotsky, doğaçlama işitsel performans tarzının bir temsilcisidir - bu konuda geleneksel Rus halk müziği yapımına yakındır. Ulusal performans okulunun gelişimine katkıda bulunan Rus gitar performansının diğer temsilcileri hakkında çok şey söylenebilir, ancak bu ayrı bir konuşma. Gerçek Rus okulu şu özelliklerle ayırt edildi: artikülasyon netliği, güzel müzik tonu, enstrümanın melodik yeteneklerine odaklanma ve birçok yönden benzersiz, özel parmak "boşlukları" kullanmanın ilerici bir yöntemi olan belirli bir repertuarın yaratılması. , denemeler ve kadanslar, enstrümanın yeteneklerini ortaya koyuyor.
Enstrüman çalma sistemi, her tuşta ayrı ayrı ezberlenen ve öngörülemeyen bir ses hareketine sahip olan müzikal işlevlerin, tonlamaların ve bunların çekiciliklerinin çalınmasını içeriyordu. Genellikle bu tür bireysel parmaklar, melodik-harmonik "boşluklar" gayretle korunur ve yalnızca en iyi öğrencilere aktarılırdı. Doğaçlama özel olarak çalışılmamıştı, ortak bir teknik temelin sonucuydu ve iyi bir gitarist bir şarkının tanıdık tonlamalarını armonik bir sekansla birleştirmeyi başardı. Çeşitli kadanslardan oluşan bir dizi genellikle bir müzik cümlesini çevreler ve müzik dokusuna tuhaf bir renk verirdi. Böylesine yaratıcı bir öğretim yöntemi, tamamen Rus bir keşif gibi görünüyor ve o zamanın yabancı eserlerinde hiçbir yerde bulunmuyor. Ne yazık ki, XVIII-XIX yüzyılların Rus gitar performansı gelenekleri. haksız yere unutuldu ve sadece meraklıların çabaları sayesinde bu yöndeki durum daha iyiye doğru değişiyor.
Gitar sanatı da Sovyet döneminde gelişti, ancak yetkililerin bu müzik aletinin gelişimine karşı tutumu, en hafif tabirle, havalı idi. Seçkin öğretmen, icracı ve besteci A.M.'nin rolünü abartmak zordur. Ivanov-Kramskoy. Çalma okulu ve gitarist ve öğretmen P.A. Agafoshina, genç gitaristler için vazgeçilmez bir öğretim yardımcısıdır. Bu aktivite, çok sayıda öğrenci ve takipçisi tarafından parlak bir şekilde sürdürülmektedir: E. Larichev, N. Komoliatov, A. Frauchi, V. Kozlov, N. Koshkin, A. Vinitsky (cazda klasik gitar), S. Rudnev (Rusça klasik gitar) stil) ve diğerleri.
gitar klasik pop caz
2. HikayeoluşumVeevrimpop-caztalimatlarVsanat
2.1 Pop-caz sanatında kullanılan gitar çeşitleri
Modern pop müzikte esas olarak dört tür gitar kullanılır:
1. Flat Top (Flat Top) - metal telli olağan halk gitarı.
2. Klasik (Klasik) - naylon telli klasik gitar.
3. Arch Top (Arch Top) - ses tahtasının kenarlarında "efs" bulunan büyütülmüş bir keman şeklinde bir caz gitarı.
4. Elektro gitar - elektromanyetik alıcılara ve yekpare bir ahşap güverteye (çubuk) sahip bir gitar.
Bundan 120-130 yıl önce bile Avrupa ve Amerika'da sadece bir gitar türü popülerdi. Farklı ülkelerde kullanılıyor farklı sistemler ayarlar ve bazı yerlerde dizi sayısını bile değiştirdi (örneğin Rusya'da altı değil yedi dizi vardı). Ancak formda, tüm gitarlar çok benzerdi - 12. perdede boyun ile birleşen vücudun nispeten simetrik üst ve alt kısımları.
Küçük boyutlu, oluklu avuç içi, geniş boyunlu, yelpaze şeklinde yaylar vb. - tüm bunlar bu tür bir gitarı karakterize etti. Aslında yukarıdaki çalgı biçim ve içerik olarak günümüz klasik gitarına benzemektedir. Günümüz klasik gitarının formu ise yaklaşık 120 yıl önce yaşamış İspanyol usta Torres'e aittir.
Geçen yüzyılın sonunda gitar dramatik bir şekilde popülerlik kazanmaya başladı. Bundan önce gitarlar sadece özel evlerde ve salonlarda çalınıyorsa, o zaman geçen yüzyılın sonunda gitar sahnelerde boy göstermeye başladı. Sesi yükseltme ihtiyacı vardı. İşte o zaman, klasikler ile şimdi çoğunlukla halk gitarı veya western olarak adlandırılanlar arasında daha net bir ayrım vardı. Teknoloji, daha yüksek ses çıkaran metal teller yapmaya başladı.
Ek olarak, kabinin kendisi de büyüyerek sesin daha derin ve daha yüksek olmasını sağladı. Yalnız bırak ciddi problem- metal tellerin güçlü gerilimi aslında üst güverteyi öldürdü ve kabuk duvarlarının kalınlaşması sonunda titreşimi ve bununla birlikte sesi de öldürdü. Ve sonra ünlü X şeklindeki yaylı montaj parçası icat edildi. Yaylar çapraz olarak yapıştırıldı, böylece üst güvertenin gücü artırıldı, ancak titreşmesine izin verildi.
Böylece, net bir ayrım vardı - o zamandan beri pek değişmeyen klasik gitar (daha önce olduğu gibi sinüsten değil, sadece teller sentetikten yapılmaya başlandı) ve birkaç tane olan folk-batı gitarı formlar, ancak neredeyse her zaman X-şekilli yaylar, metal teller, büyütülmüş gövde vb.
Aynı zamanda, başka bir gitar türü gelişiyordu - "kemer tepesi" (kemer tepesi). Nedir? Martin gibi şirketler yaylar takarak sesi yükseltme sorunuyla uğraşırken, Gibson gibi şirketler keman gibi şekillendirilmiş ve yapılmış gitarlar yaparak diğer yöne gittiler. Bu tür enstrümanlar, kavisli bir üst ses tahtası, kontrbas benzeri bir somun ve bir kuyruk parçası ile karakterize edildi. Kural olarak, bu enstrümanların ortasındaki geleneksel yuvarlak delik yerine ses tahtasının kenarlarında keman kesikleri vardı. Bu gitarlar, sıcak ve derin değil, dengeli ve vurucu bir sese sahipti. Böyle bir gitarla her nota net bir şekilde duyulabiliyordu ve cazcılar görüş alanlarında ne kadar "karanlık bir atın" göründüğünü hemen anladılar. Caz gitarları olarak adlandırılan "kemer tepeleri" popülaritesini caza borçludur. 1930'larda ve 1940'larda, esas olarak yüksek kaliteli mikrofonların ve alıcıların ortaya çıkması nedeniyle durum değişmeye başladı. Ayrıca yeni bir popüler müzik tarzı olan blues arenaya girdi ve hemen dünyayı fethetti. Bildiğiniz gibi blues, esas olarak fakir siyah müzisyenlerin çabaları sayesinde gelişti. Parmaklarla, kazmalarla ve hatta bira şişeleriyle her şekilde oynadılar (bira şişe boyunları modern slaytların doğrudan atalarıydı). Bu insanların pahalı enstrümanlar için paraları yoktu, kendilerine her zaman yeni teller alma imkanları yoktu, ne tür caz gitarları var? Ve çoğunlukla daha yaygın enstrümanlar olan westernler üzerinde, yapmaları gereken her şeyi çaldılar. O yıllarda, Gibson şirketi pahalı "archtops" a ek olarak hala büyük bir ürün üretiyordu. diziliş"tüketici" halk gitarları. Piyasadaki durum öyleydi ki Gibson, ucuz ama kaliteli halk gitarları üreten neredeyse tek şirketti. Blues'cuların çoğunun, daha mükemmel bir şey için paraları olmadığı için Gibson'ları ellerine almaları mantıklı. Yani şimdiye kadar onlardan ayrılmadılar.
Caz gitarlarına ne oldu? Manyetiklerin ortaya çıkmasıyla birlikte, bu tür enstrümanların dengeli ve net sesinin o zamanın amplifikasyon sistemi için en uygun olduğu ortaya çıktı. Caz gitar kesinlikle modern Fender veya Ibanez'e benzemese de, önce caz gitarları ve manyetiklerle denemeler yapmasaydım, Leo Fender muhtemelen Telecasters ve Stratocaster'larını asla yaratmayacaktı. Bu arada, daha sonra elektrik blues da çalındı ve pikaplı caz enstrümanlarında çalındı, sadece içlerindeki gövde kalınlığı azaltıldı. Bunun çarpıcı bir örneği, bugün birçok kişinin blues elektro gitar standardı olarak gördüğü B.B. King ve onun ünlü Lussil gitarıdır.
Bir gitar sesini elektrikle yükseltmeye yönelik bilinen ilk deneyler, mühendis ve mucit Lloyd Loar'ın telli çalgıların rezonatör kutusunun titreşimlerini kaydeden bir elektrostatik manyetik icat ettiği 1923 yılına kadar uzanır.
1931'de Georges Beauchamp ve Adolph Rickenbacker, bir elektrik darbesinin bir mıknatısın sargısından geçtiği ve titreşen bir telden gelen sinyalin yükseltildiği bir elektromanyetik alan yarattığı bir elektromanyetik alıcı icat etti. 1930'ların sonlarına doğru, çok sayıda deneyci, manyetikleri daha geleneksel görünümlü İspanyol içi boş gövdeli gitarlara dahil etmeye başladı. Eh, en radikal seçenek gitarist ve mühendis Les Paul (Les Paul) tarafından önerildi - gitarın ses tahtasını yekpare yaptı.
Tahtadan yapılmıştı ve kısaca - "Bar" (Kütük) olarak adlandırılıyordu. Katı veya neredeyse sağlam bir parça ile diğer mühendisler deneyler yapmaya başladı. XX yüzyılın 40'lı yıllarından beri hem bireysel meraklılar hem de büyük şirketler bunu başarıyla yapıyor.
Gitar üreticilerinin pazarı, ürün yelpazesini sürekli genişleterek aktif olarak gelişmeye devam ediyor. Ve daha önceki "trend belirleyiciler" yalnızca Amerikalılarsa, şimdi Yamaha, Ibanez ve diğer Japon firmaları, hem modellerini hem de üretimdeki liderler arasında ünlü gitarların mükemmel kopyalarını yaparak, lider konumlarını sağlam bir şekilde işgal ediyorlar.
Rock müzikte gitarın - ve öncelikle elektrikli - özel bir yeri vardır. Bununla birlikte, en iyi rock gitaristlerinin neredeyse tamamı, caza büyük saygı göstererek rock müzik tarzının ötesine geçiyor ve bazı müzisyenler rock'tan tamamen koptu. En iyi gitar çalma gelenekleri cazda yoğunlaştığı için bunda şaşırtıcı bir şey yok.
Tanınmış caz okulunda şöyle yazan Joe Pass'ın dikkatine çok önemli bir nokta çekiliyor: “Klasik gitaristlerin performansa organik, tutarlı bir yaklaşım - "doğru" yöntem geliştirmek için birkaç yüzyılı oldu. Caz gitar, mızrap gitar ancak yüzyılımızda ortaya çıktı ve elektro gitar hala o kadar yeni bir fenomen ki, tam teşekküllü bir müzik aleti olarak yeteneklerini yeni yeni anlamaya başlıyoruz. Bu gibi durumlarda, birikmiş deneyim, gitar ustalığının caz gelenekleri özellikle önemlidir.
Zaten blues'un erken formunda, "arkaik" veya "kırsal", genellikle İngilizce "country blues" (country blues) terimi olarak da adlandırılır, gitar tekniğinin daha da gelişmesini belirleyen ana unsurları oluşturuldu. Blues gitaristlerinin ayrı teknikleri daha sonra sonraki stillerin oluşumu için temel oldu.
Country blues'un en eski kayıtları 20'li yılların ortalarına kadar uzanıyor, ancak özünde güney eyaletlerinin (Teksas, Louisiana, Teksas) siyahları arasında oluşan orijinal tarzdan neredeyse hiç farklı olmadığına inanmak için her türlü neden var. Alabama vb.) ) XIX yüzyılın 70-80'lerinde.
Bu tarzın önde gelen şarkıcı-gitaristleri arasında, sadece blues değil, daha sonraki bir dönemin birçok müzisyeni üzerinde gözle görülür bir etkisi olan Blind Lemon Jefferson (1897-1930) var. Blake, 1895 -1931), kayıtlarının çoğu hala mükemmel teknikleri ve doğaçlama ustalıkları ile hayranlık uyandırıyor. Blake haklı olarak gitarın solo enstrüman olarak kullanılmasını başlatanlardan biri olarak kabul edilir. Yaygın olarak Leadbelly (1888-1949) olarak bilinen Huddie Leadbetter, bir zamanlar "on iki telli gitarın kralı" olarak anılıyordu. Oyuncu olarak kendisinden aşağı olmasına rağmen bazen Jefferson ile düet yaptı. Leadbelly, eşlikte karakteristik bas figürlerini tanıttı - daha sonra cazda yaygın olarak kullanılacak olan "gezici bas".
Country blues gitaristleri arasında öne çıkan Lonnie Johnson (Lonnie Johnson, 1889-1970), caza çok yakın bir virtüöz müzisyen. Mükemmel blues'ları vokalsiz kaydettiler ve genellikle arabulucu olarak çaldı, sadece mükemmel tekniği değil, aynı zamanda olağanüstü doğaçlama becerilerini de gösterdi.
Swing'e geçiş yapan geleneksel cazın gelişiminde Chicago döneminin özelliklerinden biri enstrümanların yerini almasıydı: kornet, tuba ve banjo yerine trompet, kontrbas ve gitar ön plana çıktı.
Bunun nedenleri arasında mikrofonların ortaya çıkması ve elektromekanik kayıt yöntemi vardı: gitar nihayet kayıtlarda tam olarak ses çıkardı. Chicago cazının önemli bir özelliği, solo doğaçlamanın artan rolüydü. Gitarın kaderinde önemli bir dönüş burada gerçekleşti: tam teşekküllü bir solo enstrüman haline geldi.
Bunun nedeni, gitarı diğer enstrümanlara özgü birçok caz tekniğini, özellikle de üflemeli enstrümanların cümleleme özelliğini çalmaya sokan Eddie Lang'ın (Eddie Lang, gerçek adı - Salvador Massaro) adından kaynaklanmaktadır. Eddie Lang ayrıca daha sonra baskın hale gelen caz çalma tarzını bir arabulucu olarak yarattı. İlk önce bir mızrap gitar kullandı - caz çalmak için yuvarlak bir rozetin yokluğunda normal İspanyollardan farklı olan özel bir gitar. Bunun yerine, güvertede kemandakilere benzer efs ve kazma darbelerine karşı koruma sağlayan çıkarılabilir bir panel kalkanı ortaya çıktı. Toplulukta Eddie Lang oynamak, güçlü bir ses üretimi ile ayırt edildi. Sık sık geçiş sesleri, kromatik diziler kullandı; bazen mızrapın klavyeye göre açısını değiştirerek belirli bir ses elde etti.
Lang'ın tarzının karakteristik özelliği, sessiz telli akorlar, sert vurgular, paralel akor olmayanlar, tam tonlu ölçekler, kendine özgü glissando, yapay harmonikler, artırılmış akor ilerlemeleri ve pirinç ifadelerdir. Pek çok gitaristin akorlarda bas notalarına daha fazla dikkat etmeye başlaması ve mümkünse daha iyi ses liderliği elde etmesi Eddie Lang'ın etkisinde diyebiliriz. Elektro gitarın icadı, yeni gitar okullarının ve trendlerinin ortaya çıkması için itici güç oldu. İki caz gitaristi tarafından kuruldu: Amerika'da Charlie Christian ve Django Reinhardt
(Django Reinhardt) Avrupa'da
Ünlü Alman eleştirmen I. Berendt, “From Reg to Rock” adlı kitabında şöyle yazar: “Modern bir caz müzisyeni için gitarın tarihi Charlie Christian ile başlar. Caz sahnesinde geçirdiği iki yıl boyunca gitar çalmada devrim yarattı. Elbette ondan önce de gitaristler vardı ama öyle görünüyor ki Christian'dan önce çalan gitar ile ondan sonra çalan gitar iki farklı enstrüman.”
Charlie, çağdaşları için kesinlikle ulaşılamaz görünen bir virtüözlükle oynadı. Onun gelişiyle gitar, caz topluluklarının eşit üyesi oldu. Trompet ve tenor saksafonlu bir topluluğa üçüncü ses olarak bir gitar solosu sunan ilk kişi oydu ve enstrümanı orkestradaki tamamen ritmik işlevlerden kurtardı. Diğerlerinden önce C. Christian, elektro gitar çalma tekniğinin akustik gitar çalma yöntemlerinden önemli ölçüde farklı olduğunu fark etti. Uyum içinde, artan ve azalan akorları denedi, en iyi caz melodileri (herdem yeşil) için yeni ritmik kalıplar icat etti. Pasajlarda, dinleyicileri melodik ve ritmik ustalıkla etkileyerek yedinci akorlara sık sık eklentiler kullandı. Temanın uyumuna değil, ana akorların arasına yerleştirdiği geçiş akorlarına güvenerek doğaçlamalarını ilk geliştiren oydu. Melodik alanda, sert staccato yerine legato kullanımı ile karakterize edilir.
C. Christian'ın performansı, olağanüstü ifade gücü ve yoğun salınımla birleştiğinde her zaman ayırt edilmiştir. Caz teorisyenleri, icrasıyla yeni bir caz tarzı bebop'un (be-bop) ortaya çıkmasını beklediğini ve yaratıcılarından biri olduğunu iddia ediyor.
Christian ile eş zamanlı olarak, eşit derecede seçkin bir caz gitaristi olan Django Reinhardt, Paris'te parladı. Charlie Christian, Oklahoma'daki kulüplerde performans sergilemeye devam ederken, Django'ya hayran kaldı ve plaklara kaydedilen sololarını sık sık tekrarladı, ancak bu müzisyenler çalma biçimleri bakımından birbirlerinden keskin bir şekilde farklıydı. Birçok tanınmış müzikolog ve caz sanatçısı, Django'nun caz gitar çalma tarzının gelişimine katkılarından ve ustalığından bahsetti. D. Ellington'a göre, “Django bir süper sanatçı. Aldığı her nota bir hazine, her akort onun sarsılmaz zevkinin kanıtı.
Django, etkileyici, zengin sesi ve kendine özgü çalma stili, birkaç ölçüden sonra uzun kadansları, ani hızlı geçişleri, kararlı ve keskin vurgulu ritmiyle diğer gitaristlerden farklıydı. Doruk anlarında genellikle oktavlarda oynadı.
Bu tür bir teknik ondan C. Christian tarafından ve on iki yıl sonra - W. Montgomery tarafından ödünç alındı. Hızlı parçalarda, daha önce yalnızca üflemeli çalgılarda performansta bulunan böyle bir ateş ve baskı yaratmayı başardı. Yavaş olanlarda, Negro blues'a yakın prelüd ve rapsodi eğilimliydi. Django sadece mükemmel bir virtüöz solist değil, aynı zamanda mükemmel bir eşlikçiydi. Küçük yedinci akorlar, azaltılmış, artırılmış ve diğer geçen akorların kullanımında çağdaşlarının çoğunun önündeydi. Django, parçaların armonik şemalarının uyumuna büyük önem vermiş, akor dizilerinde her şey doğru ve mantıklıysa melodinin kendiliğinden akacağını sık sık vurgulamıştır.
Bir eşlikçi olarak, genellikle pirinç bölümün sesini taklit eden akorlar kullandı. Charlie Christian ve Django Reinhardt'ın caz gitar tarihine katkıları paha biçilemez. Bu iki seçkin müzisyen, enstrümanınızın tükenmez olanaklarını yalnızca eşlikte değil, aynı zamanda doğaçlama soloda da gösterdiler ve elektro gitar çalma tekniğinin uzun yıllar boyunca ana gelişim yönlerini önceden belirlediler.
Gitarın solo bir enstrüman olarak artan rolü, sanatçıların küçük topluluklarda (kombolar) çalma arzusuna yol açtı. Burada gitarist, hem eşlikçi hem de solist işlevlerini yerine getiren, grubun tam teşekküllü bir üyesi gibi hissetti. Gitarın popülaritesi her geçen gün artıyordu, daha yetenekli caz gitaristleri ortaya çıktı ve büyük grupların sayısı sınırlı kaldı. Ayrıca büyük orkestraların birçok lideri ve aranjörü gitarı her zaman ritim bölümüne sokmadı. Örneğin şunu söylemek yeterlidir.
Eşlikte gitar ve piyano sesini birleştirmekten hoşlanmayan Duke Ellington. Ancak bazen bir big band'de ritmi korumaya yarayan "mekanik" çalışma gerçek bir caz sanatına dönüşüyor. Gitarın akor-ritim tarzının önde gelen temsilcilerinden biri olan Freddie Green'den bahsediyoruz.
Virtüöz bir akort tekniği, harika bir salınım duygusu, ince bir müzik zevki, çalışını ayırt eder. Neredeyse hiç solo çalmadı, ama aynı zamanda çoğu zaman tüm orkestrayı içeren bir römorkörle karşılaştırıldı.
Count Basie'nin büyük grubuna, ritim bölümünün alışılmadık bir kompaktlığını, oyunun özgürleşmesini ve özlülüğünü büyük ölçüde borçlu olan Freddie Green'dir. Bu ustanın, uzun pasajlar ve tek sesli doğaçlamalar oyununa eşlik etmeyi ve akor doğaçlamayı tercih eden gitaristler üzerinde büyük etkisi oldu. Charlie Christian, Django ve Freddie Green'in çalışmaları caz gitar aile ağacının üç kolunu oluşturuyor. Bununla birlikte, biraz ayrı duran, ancak zamanımızda giderek daha fazla tanınma ve dağıtım kazanan bir yönden daha bahsedilmelidir.
Gerçek şu ki, tüm gitaristler, gitarın ellerinde üflemeli çalgıların sesini aldığı Ch. Her şeyden önce, akustik gitarda parmak çalanlar için tarzı imkansızdı.
C. Christian tarafından geliştirilen tekniklerin çoğu (uzun legato, armonik desteği olmayan uzun doğaçlama çizgiler, uzun notalar, kıvrımlar, açık tellerin nadiren kullanımı, vb.), özellikle naylon telli enstrümanlar çalarken onlar için etkisizdi. Ayrıca klasik, gitar, flamenko ve Latin Amerika müziğinin unsurlarını caz ile yaratıcı bir şekilde birleştiren gitaristler ortaya çıktı. Bunlar arasında başlıca iki önemli caz müzisyeni yer alıyor: Çalışmaları birçok gitaristi etkileyen Laurindo Almeida (Laurindo Almeida) ve Charlie Byrd (Charlie Byrd). klasik tarz, pratikte akustik gitarın sınırsız olanaklarını gösteriyor. Haklı olarak "cazda klasik gitar" tarzının kurucuları sayılabilirler.
Zenci gitarist Wes John Leslie Montgomery, C. Christian'dan bu yana caz sahnesine çıkan en parlak müzisyenlerden biri. 1925'te Indianapolis'te doğdu; Charlie Christian plaklarının etkisi ve ünlü vibrafonist Lionel Hampton'ın orkestrasında piyano ve kontrbas çalan kardeşleri Buddy ve Monk'un coşkusu ile gitara ancak 19 yaşında ilgi duymaya başladı. Alışılmadık derecede sıcak, "kadifemsi" bir ses elde etmeyi başardı (bir kazma yerine sağ elinin başparmağını kullanarak) ve oktav tekniğini o kadar geliştirdi ki, tüm doğaçlama koroları oktavlarda inanılmaz bir kolaylık ve saflıkla, genellikle oldukça yüksek sesle icra etti. hızlı tempolar Yeteneği ortakları o kadar etkiledi ki, Wes'e şaka yollu "Bay Octave" lakabını taktılar. W. Montgomery'nin kaydını içeren ilk disk 1959'da piyasaya sürüldü ve hemen gitariste başarı ve geniş bir tanınma getirdi. Caz severler, çalışındaki virtüözlük, rafine ve ölçülü artikülasyon, doğaçlamaların melodikliği, sürekli bir blues tonlama hissi ve canlı bir swing ritmi duygusu karşısında şok oldular. Wes Montgomery'nin bir solo elektro gitarı yaylı çalgılar grubu da dahil olmak üzere büyük bir orkestranın sesiyle kombinasyonu çok ilginç.
Jim Hall, Joe Pass, John McLaughlin, George Benson, Larry Coryell gibi ünlü müzisyenler de dahil olmak üzere sonraki caz gitaristlerinin çoğu, Wes Montgomery'nin çalışmaları üzerindeki büyük etkisini fark etti. Zaten 40'lı yıllarda, swing tarafından geliştirilen standartlar birçok müzisyeni tatmin etmeyi bıraktı. Şarkı formunun uyumunda yerleşik klişeler, söz dağarcığı, çoğu zaman önde gelen caz ustalarının doğrudan alıntılarına indirgenmiş, ritmik monotonluk ve ticari müzikte swing kullanımı yolda bir fren haline geldi. Daha fazla gelişme tür. Swing'in "altın döneminden" sonra, yeni, daha gelişmiş biçimler arama zamanı. Kural olarak ortak bir noktada birleşen daha fazla yeni yön ortaya çıkıyor. isim - modern caz (Modern Caz). Bebop ("caz-staccato"), hard bop, progresif, havalı, üçüncü akım, bossa nova ve Afro-Küba caz, modal caz, caz-rock, serbest caz, füzyon ve diğerlerini içerir: Bu tür çeşitlilik, karşılıklı etki ve Farklı akımların karşılıklı nüfuzu, özellikle birçoğu aynı anda çeşitli şekillerde çaldığı için, bireysel müzisyenlerin çalışmalarının analizini zorlaştırır. Örneğin, Ch. Byrd'ın kayıtlarında boss nova, blues, swing temaları, klasik aranjmanları ve country rock ve çok daha fazlasını bulabilirsiniz. B. Kessel'in oyununda - salıncak, bebop, bossa nova, modal caz unsurları vb. Caz gitaristlerinin, çalışmalarını değerlendirmek için ilkel bir yaklaşım olduğunu düşünerek, onları şu veya bu caz yönü olarak sınıflandırma girişimlerine genellikle oldukça sert tepki vermeleri karakteristiktir. Bu tür ifadeler Larry Coryell, Joe Pass, John McLaughlin ve diğerlerinde bulunabilir.
2 .2 Anatalimatlarpop-cazverim60-70 - Xyıl
Yine de caz eleştirmenlerinden biri olan I. Berendt'e göre, 60'lar-70'lerin eşiğinde, modern gitar performansında dört ana yön gelişti: 1) ana akım (ana akım); 2) caz-rock; 3) blues yönü; 4) kaya. Ana akımın en önemli temsilcileri Jim Hall, Kenny Burrell ve Joe Pass sayılabilir. Sıklıkla "caz şairi" olarak anılan Jim Hall, 50'li yılların sonlarından günümüze kadar halk tarafından tanınmakta ve sevilmektedir.
"Caz gitar virtüözü", Joe Pass (Joe Pass, tam adı Joseph Anthony Jacoby Passalaqua) olarak adlandırılır. Eleştirmenler onu Oscar Peterson, Ella Fitzgerald ve Barney Kessel gibi müzisyenlerle aynı seviyeye getirdi. Ella Fitzgerald ve Herb Ellis ile düet kayıtları, Oscar Peterson ve basçı Nils Pederson ile üçlüsü ve özellikle solo diskleri "Joe Pass the Virtuoso" büyük başarı elde ediyor. Joe Pass, Jacgo Reinhardt, Charlie Christian ve Wes Montgomery geleneğindeki en ilginç ve çok yönlü caz gitaristlerinden biriydi. Çalışmaları modern cazın yeni trendlerinden pek etkilenmiyor: bebop'u tercih etti. Joe Pass, konser etkinliklerinin yanı sıra çok şey öğretti ve başarılı bir şekilde metodolojik çalışmalar yayınladı; aralarında okulu "Joe Pass Guitar Style" özel bir yer tutuyor "2E
Ancak, tüm caz gitaristleri "ana akıma" bu kadar bağlı değildir. Cazın gelişiminde yeniye yönelen seçkin müzisyenler arasında George Benson, Carlos Santana, Ola di Meola'ya dikkat edilmelidir. Meksikalı müzisyen Carlos Santana (Carlos Santana, 1947 doğumlu), Latin Amerika ritimlerinin (samba, rumba, salsa vb.) Rocky tarzında, flamenko unsurlarıyla bir araya getirilmesine dayanan "Latin rock" tarzında çalıyor. .
George Benson, 1943'te Pittsburgh'da doğdu ve çocukken blues söyledi, gitar ve banjo çaldı. George, 15 yaşında hediye olarak küçük bir elektro gitar aldı ve 17 yaşında okuldan mezun olduktan sonra şarkı söyleyip çaldığı küçük bir rock and roll grubu kurdu. Bir yıl sonra caz orgcusu Jack McDuff, Pittsburgh'a geldi. Bugün bazı uzmanlar, Jack McDuff ile ilk kayıtlarının Benson'ın tüm diskografisinin en iyisi olduğunu düşünüyor. Benson, Django Reinhardt ve Wes Montgomery'nin çalışmalarından, özellikle de Wes Montgomery'nin tekniğinden büyük ölçüde etkilenmişti.
Caz-rock çalan ve nispeten yeni bir caz tarzı - füzyon geliştiren yeni nesil gitaristler arasında Ol di Meola (AI di Meola) öne çıkıyor. Genç müzisyenin caz gitar tutkusu, Larry Coryell'in (birkaç yıl sonra tesadüfen Al di Meola'nın yerini aldığı) yer aldığı bir üçlünün kaydını dinlemesiyle başladı. Zaten 17 yaşında, kayıtlara katılıyor. Chikom Corea. Ol di Meola ustaca gitar çalıyor - hem parmaklarıyla hem de mızrapla. Yazdığı "Bir arabulucu tarafından gitar çalmanın karakteristik yöntemleri" ders kitabı uzmanlar tarafından büyük beğeni topladı.
Zamanımızın yenilikçileri arasında zor bir süreçten geçen yetenekli gitarist Larry Coryell de var. yaratıcı yol-- rock and roll tutkusundan modern caz müziğinin en yeni trendlerine kadar.
Aslında, Django'dan sonra, yalnızca bir Avrupalı gitarist dünya çapında koşulsuz tanınma elde etti ve genel olarak cazın gelişimini etkiledi - İngiliz John McLaughlin. Yeteneğinin altın çağı, yirminci yüzyılın 70'lerinin ilk yarısına denk geliyor - cazın üslup sınırlarını hızla genişlettiği, rock müzikle, elektronik ve avangart müzik deneyleriyle ve çeşitli halk müziği gelenekleriyle birleştiği bir dönem. Sadece caz hayranlarının McLaughlin'i "kendilerinin" olarak görmemesi tesadüf değil: onun adını herhangi bir rock müzik ansiklopedisinde bulacağız. 1970'lerin başında McLaughlin, Mahavishnu (Büyük Vishnu) orkestrasını organize etti. Klavye, gitar, davul ve basın yanı sıra kemanı da kompozisyonuna dahil etti. Gitarist, bu orkestra ile halk tarafından coşkuyla karşılanan bir dizi plak kaydetti. Eleştirmenler, Hint müziğinin unsurlarının kullanılması nedeniyle McLaughlin'in virtüözlüğüne, düzenlemedeki yeniliğe, sesin tazeliğine dikkat çekiyor. Ama asıl mesele şu ki, bu disklerin ortaya çıkışı yeni bir caz akımının kurulmasına ve gelişmesine işaret ediyor: caz-rock.
Şu anda, geçmişin ustalarının geleneklerini sürdüren ve artıran birçok seçkin gitarist ortaya çıktı. Dünya pop-caz kültürü için büyük önem taşıyan, Jimm Hall'un en ünlü öğrencisi Pat Mattini'nin eseridir. Yenilikçi fikirleri, modern pop müziğin melodik-harmonik dilini büyük ölçüde zenginleştirdi. Ayrıca Mike Stern, Frank Gambal, Joe Satriani, Steve Vai, Joe Pass'in öğrencisi Lee Ritenour ve diğerlerinin harika performans ve öğretim aktivitelerini de not etmek isterim.
Ülkemizde pop-caz (elektrik ve akustik) gitar çalma sanatının gelişimine gelince, V. Manilov, V. Molotkov, A. Kuznetsov'un uzun yıllar süren başarılı eğitim ve öğretim çalışmaları olmasaydı bu mümkün olmazdı. , A. Vinitsky ve takipçileri S. Popov, I. Boyko ve diğerleri. A. Kuznetsov, I. Smirnov, I. Boyko, D. Chetvergov, T. Kvitelashvili, A. Chumakov, V. Zinchuk ve diğerleri gibi müzisyenlerin konser icra etme faaliyetleri büyük önem taşıyor. Blues'tan caz-rock'a geçen gitar, olanaklarını tüketmekle kalmadı, aksine cazın birçok yeni yönünde liderlik kazandı. Akustik ve elektrikli gitar çalma teknikleri, elektronik kullanımı, flamenko unsurlarının dahil edilmesi, klasik tarz vb. Bu nedenle, yeni nesil müzisyenlerin seleflerinin - caz gitaristlerinin - deneyimlerini incelemesi çok önemlidir. Sadece bu temelde bireysel bir icra tarzı, kişisel gelişim yolları ve pop-caz gitarını daha da geliştirmek mümkündür.
sonuçlar
Zamanımızda, 6 telli bir gitarda performans becerilerini geliştirme konusu, şu anda birçok okul ve eğitim sistemi olduğu için geçerliliğini koruyor. Klasik icra ekolünden caz, latin, blues ekollerine kadar farklı yönler içerirler.
Caz stilinin geliştirilmesinde, enstrümanın caz kullanımının ve onun ifade yeteneklerinin - melodik, tonlamalı, ritmik, armonik vb. - karakteristik özelliği olan belirli bir enstrümantal teknik çok önemli bir rol oynar. Blues, cazın oluşumunda önemli bir rol oynadı. Buna karşılık, "blues'un daha önceki ve daha az resmileştirilmiş Negro folklor türlerinden kristalleşmesindeki belirleyici faktörlerden biri, gitarın bu ortamda 'keşfi' idi."
Gitar sanatının gelişim tarihi, gitar çalmayı öğrenmek için çok sayıda öğretim aracı yaratan birçok gitarist-öğretmen, besteci ve icracı adını bilir, bunların çoğu parmakla düşünmeyi geliştirme sorunuyla doğrudan veya dolaylı olarak ilgilidir.
Gerçekten de zamanımızda gitarist kavramı, hem temel klasik tekniklere hakim olmayı hem de fonksiyona eşlik eden stilin yeteneğini ve anlayışını, dijitalde çalma ve doğaçlama becerisini, tüm incelikleri ve blues ve caz düşüncesinin özellikleri.
maalesef Son zamanlarda medya sadece ciddi klasiklere değil, aynı zamanda ticari olmayan pop-caz müzik türlerine de çok az etki ediyor
Listekullanılmışedebiyat
1. Bahmin A.A. Altı telli gitar çalmak için kendi kendine kullanım kılavuzu / A.A. Bahmin. M.: ASS-merkez, 1999.-80 s.
2. Boyko I.A. Elektro gitarda doğaçlama. Bölüm 2 "Akor tekniğinin temelleri" - M.; Hobi Merkezi, 2000-96 s.;
3. Boyko I.A. Elektro gitarda doğaçlama. Bölüm 3 "Aşamalı doğaçlama yöntemi" - M .; Hobi Merkezi, 2001-86 s.
4. Boyko I.A. Elektro gitarda doğaçlama. Bölüm 4 "Pentatonik ve ifade olanakları" - M.; Hobi Merkezi, 2001 - 98 s.; hasta.
5. Brandt V.K. Bir pop topluluğu gitaristinin tekniğinin temelleri / Müzik okulları için eğitimsel ve metodolojik rehber - M. 1984 - 56 s.
6. Dmitrievsky Yu.V. / Blues'tan caz-rock'a gitar / Yu.V. Dmitrievsky - M.: Müzikal Ukrayna, 1986. - 96 s.
7. Ivanov-Kramskoy A.M. Altı telli gitar çalma okulu / A.M. Ivanov-Kramskoy. - M.: Sov. Besteci, 1975. - 120 s.
8. Manilov V.A. Gitarda eşlik etmeyi öğrenin / V.A. Manilov. - K .: Müzikal Ukrayna, 1986. - 105 s.
9. Pass, D. Joe Pass / Joe Pass, Bill Thrasher / Comp.: "Guitar College" - M.: "Guitar College", 2002 - 64 s.; hasta.
10. Popov, S. Temel / Comp.; "Gitar Koleji" - M .; "Gitar Koleji", 2003 - 127s.;
11. Puhol M. Altı telli gitar çalma okulu / Per. ve N. Polikarpov - M.'nin yazı işleri ofisi; baykuşlar Besteci, 1987 - 184 s.
12. Al Di Meola "Aracı ile oynama tekniği"; Başına. / Komp.; GIDinform
13. Yalovets A. Django Reichard - "Krugozor", M.; 1971 Sayı 10 - s. 20-31
Allbest.ru'da barındırılıyor
...Benzer Belgeler
Caz müziğinin uyum ve melodisinin modern pop-caz performansı ve pedagojisinde geliştirilmesi ve kullanılması. Be-bop tarzında caz melodisi. Bir pop vokalistinin caz repertuarındaki çalışmalarını optimize etmek için pratik öneriler.
tez, 17/07/2017 eklendi
Yazının özellikleri, farklı zaman dilimlerinde melisma icrası, melismenin sebepleri. kullanım müzikal resepsiyon vokal pop-caz performansında. Vokallerde ince ses tekniğinin geliştirilmesine yönelik çalışmalar.
tez, 11/18/2013 eklendi
Rönesans müzik kültürünün ayırt edici özellikleri: şarkı biçimlerinin (madrigal, villancico, frottol) ve enstrümantal müziğin ortaya çıkışı, yeni türlerin ortaya çıkışı (solo şarkı, cantata, oratoryo, opera). Müzikal doku kavramı ve ana türleri.
özet, 18.01.2012 tarihinde eklendi
Bir sanat formu olarak müziğin oluşumu. Müziğin oluşumunun tarihsel aşamaları. Tiyatro gösterilerinde müzik oluşumunun tarihi. Konsept " müzik tarzı". Müziğin dramaturjik işlevleri ve başlıca müzik türleri.
özet, 23/05/2015 eklendi
Klasik müziğin oluşum mekanizması. Klasik müziğin konuşma sisteminden büyümesi müzikal ifadeler (ifadeler), müzik sanatı türlerinde (korolar, kantatlar, opera) oluşumları. Yeni bir sanatsal iletişim olarak müzik.
özet, 25/03/2010 eklendi
Dünya rock kültürünün doğuşu: "ülke", "ritim ve blues", "rock and roll". Rock and roll ihtişamının şafağı ve düşüşü. Rock tarzının ortaya çıkışı. Hikaye efsanevi grup"The Beatles". Efsanevi rock yıldızları. Gitarların kralları, hard rock oluşumu.
özet, 06/08/2010 eklendi
Çocukların müzikle yetiştirilmesinde ve eğitiminde halk kültürünün gelenekleri. Okul öncesi çocuklar için bir tür müzik etkinliği olarak müzik aletleri çalmak. Çocukların müzik yeteneklerinin gelişimi için enstrümantal kültürün kullanımına ilişkin öneriler.
tez, 05/08/2010 eklendi
20. yüzyılın kitlesel müzik kültüründe rock müziğin yeri, genç dinleyiciler üzerindeki duygusal ve ideolojik etkisi. Şu anki pozisyon V. Tsoi'nin çalışması örneğinde Rus rock: kişilik ve yaratıcılık, kültürel bir olgunun gizemi.
dönem ödevi, 26.12.2010 tarihinde eklendi
Bir okul çocuğunun müzik ve estetik kültürünün oluşum sürecini, müzik derslerinde gelişiminin teknolojisini etkileyen modern sosyo-kültürel durumun özellikleri. Ergenlerde müzik kültürü eğitimine katkı sağlayan etkili yöntemler.
tez, 07/12/2009 eklendi
Afrika sentezi ve Avrupa kültürleri ve gelenekler. Cazın gelişimi, caz müzisyenleri ve bestecileri tarafından yeni ritmik ve armonik modellerin geliştirilmesi. Yeni Dünyada Caz. Caz müziği türleri ve temel özellikleri. caz müzisyenleri Rusya.
Rusya'daki gitar performansının kendine özgü bir tarihi var. Ancak bu çalışmada sadece yedi telli gitar çalma pratiği ile doğrudan ilgili olan ve Rus gitar stilinin oluşumunun altında yatan özellikleri etkileyen sayfaları ele alacağız.
Rus gitar okulu, Batı Avrupa'da klasik gitarın kendisini bağımsız bir solo konser enstrümanı olarak ilan ettiği bir zamanda kuruldu. Özellikle İtalya'da popülerdi. İspanya. Bir dizi icracı ve besteci ortaya çıktı. yeni, klasik bir repertuar yarattı. Bunların en ünlüsü D. Aguado. M. Giuliani. F. Carulli, M. Carcassi. Daha sonra Franz Schubert, Niccolò Paganini, Carl Weber ve diğerleri gibi olağanüstü müzisyenler PR'a döndüler ve bunun için yazdılar.
Rus gitarı ile Avrupa'da popüler olan klasik gitar arasındaki temel fark, tel sayısı (altı değil yedi) ve akort edilme ilkesiydi. Altı ya da yedi telli bir gitarın avantajı hakkındaki asırlık tartışmada her zaman mihenk taşı olagelmiş olan akort sorunudur. Bu konunun özel önemini anlayarak, yedi telli gitarın kökeni ve Rusya'daki görünümü konusuna dönmeyi gerekli görüyoruz.
XVIII yüzyılın sonunda. Avrupa'da çeşitli tasarımlarda, boyutlarda, farklı sayıda teller ve bunları akort etmenin birçok yolu olan birkaç gitar türü vardı (tel sayısının beş ila on iki arasında değiştiğini belirtmek yeterlidir) -. Büyük bir gitar grubu, tellerin dörtte biri ortada olacak şekilde akort edilmesi ilkesine göre birleştirildi (kolaylık olması için bu akordu dördüncü olarak adlandıracağız). Bu enstrümanlar İtalya'da yaygın olarak kullanılıyordu. İspanya. Fransa.
Büyük Britanya, Almanya, Portekiz ve Orta Avrupa'da, ses tellerini akort ederken üçte birinin tercih edildiği (örneğin, iki büyük tert dördüncü ile ayrıldı) sözde tert sistemine sahip bir enstrüman grubu vardı.
Bu enstrüman gruplarının her ikisi de, bir dizi için yazılan müziğin başka bir ölçekteki bir enstrüman üzerinde küçük bir aranjman kullanılarak çalınabilmesi gerçeğiyle birleşmişti.
Bizi ilgilendiren, İngiltere'den Avrupa'ya ve Avrupa'dan Rusya'ya (St. Petersburg) gelen dört çift telli bir gitar. Bu gitarın yapısının iki türü vardı: dördüncü ve üçüncü. İkincisi, yedi telli Rus gitarından boyut olarak farklıydı (çok daha küçüktü), ancak genişletilmiş ana üçlüye (g, e, c, G, F, C, G) göre akortunun ilkelerini pratik olarak tahmin ediyordu. Bu gerçek bizim için çok önemli.
Gitar gövdesinin dönüşümü, boyutu ve tellerin genel ölçeği hakkında tarihsel kanıtların olmaması, yalnızca onların gelişimi için seçenekler varsaymamıza izin veriyor. Büyük olasılıkla, gitar boynunun boyutları, çalmanın rahatlığıyla belirlendi ve tellerin gerginliği, akortları, şarkı sesinin tessitura'sına karşılık geldi. Belki de iyileştirmeler vücutta bir artışa, metal kabukların tellerle değiştirilmesine ve dolayısıyla sesin tessiturasında bir azalmaya, genel sistemin "kaymasına" yol açtı.
Rus "yedi telli" nin prototipi olarak hizmet verenin bu gitar olduğunu doğrulayan güvenilir bir bilgi yok, ancak aralarındaki ilişki açık. Rusya'daki gitar performansının tarihi, üçüncü ve üçüncü gitarları çalan yabancı gitaristlerin Büyük Katerina döneminde (1780-90'lar) ortaya çıkmasıyla ilişkilidir. Bunlar arasında Giuseppe Sarti, Jean-Baptiste Guenglez de var. 5-6 telli gitar için parça koleksiyonlarının yayınları, gitar dergileri bulunmaktadır.
Ignaz von Geld (Ignatius von Geld) ilk kez "Yedi telli gitar çalmayı öğretmen olmadan öğrenmenin kolay bir yöntemi" adlı bir el kitabı yayınlıyor. Ne yazık ki, bu ilk Rus gitar çalma okulunun tek bir kopyası ve yazarının öğretim yöntemleri hakkında bilgi yok. gitar tipi, nasıl kurulur. Sadece çağdaş tanıklıklar var. O Geld harika bir İngiliz gitaristiydi.
Ama Rus gitar okulunun gerçek kurucusu 18. yüzyılın sonlarında Moskova'ya yerleşen bendim. eğitimli bir müzisyen, muhteşem bir arp sanatçısı Andrey Osipovich Sikhra. Daha sonra Rus olarak bilinen d, h, g, D, H, G, D sistemine sahip yedi telli bir gitarı pratik müzik yapımına sokan oydu.
A. Sichra'nın farklı sayıda teller ve bunları akortlama yöntemleriyle gitarlar yaratma konusundaki Avrupa deneylerine ne kadar aşina olduğunu, sonuçlarını klasik altı telin "geliştirilmesi" (ancak kendi sözleriyle) konusundaki çalışmasında kullanıp kullanmadığını bilemeyiz. - telli gitar. Bu çok önemli değil.
Önemli olan A. Sihra'nın olmasıdır. gitar performansının ateşli bir hayranı, parlak bir öğretmen ve fikirlerinin yetkin bir popülerleştiricisi olarak, Rus enstrümantal performansının gelişim tarihinde parlak bir iz bıraktı. Klasik İspanyol gitar okulunun en iyi başarılarını kullanarak, yedi telli gitarı öğretmek için bir metodoloji geliştirdi ve bunu daha sonra 1832 ve 1840'ta yayınlanan bir kitapta ortaya koydu. "Okul". Klasik formları ve türleri kullanma. Sychra, özellikle Rus gitarı için yeni bir repertuar yarattı ve parlak bir öğrenci takımyıldızı yetiştirdi.
A. O. Sikhra ve ortaklarının faaliyetleri sayesinde, yedi telli gitar farklı sınıfların temsilcileri arasında olağanüstü bir popülerlik kazandı: Rus entelijansiyası ve orta sınıfın temsilcileri buna düşkündü, profesyonel müzisyenler ve günlük müzik severler ona yöneldi: çağdaşlar onu Rus şehir halk müziğinin özüyle ilişkilendirmeye başladılar. Yedi telli gitarın büyüleyici sesinin tarifi, Puşkin'in içten dizelerinde bulunabilir. Lermontov, Turgenev. Çehov, Tolstoy ve diğer birçok şair ve yazar. Gitar, Rus müzik kültürünün doğal bir parçası olarak algılanmaya başlandı.
A. Sikhra'nın gitarının Rusya'da yedi telli gitarın neredeyse hiç görülmediği koşullarda ortaya çıktığını hatırlayın, onu ne dükkanlardan ne de zanaatkarlardan satın almak imkansızdı. Şimdi, aralarında en büyük kemancıların da bulunduğu bu ustaların ne kadar çabuk (2-3 on yılda) Rus gitarının üretimini kurabildiklerini merak edebilirsiniz. Bu Ivan Batov, Ivan Arhuzen. Ivan Krasnoshchekov. Viyanalı usta I. Scherzer'in gitarları en iyilerden biri olarak kabul edildi. Çağdaşlara göre, F. Savitsky, E. Eroshkin, F. Paserbsky'nin gitarları benzersiz bireysellikleriyle ayırt edildi. Ama şimdi bunun üzerinde durmayacağız çünkü bu ayrı bir tartışmayı hak ediyor.
Yedi telli gitarın ulusal tadı, Rus halk şarkılarının temaları üzerine yazılan düzenlemelerle de verildi. “Halk müziğinin müzik sanatına etkisi elbette birçok milletin geleneklerinin bir parçası olarak başlayacaktır. Bununla birlikte, Rusya'da halk müziği, halkın kendi müziğine duyduğu en çılgın coşkunun konusu haline geldi ve belki de Rus ruhunun en dikkat çekici hareketlerinden biri oldu.
Adil olmak gerekirse, not edilmelidir. A. Sikhra'nın Rus temaları üzerine eserlerinin klasik varyasyonlar tarzında yazıldığı ve diğer Rus gitaristlerin aranjmanlarını ayıran o kadar orijinal, tamamen Rus bir tada sahip olmadığı. Özellikle, Rus halk şarkıları temaları üzerine çok sayıda bestenin yaratıcısı olan Mikhail Timofeevich Vysotsky, Rus gitar okulunun orijinal bir ulusal fenomen olarak oluşumuna büyük katkı yaptı. M. Vysotsky, Moskova Üniversitesi rektörü şair M. Kheraskov'un malikanesindeki Ochakovo köyünde (Moskova'ya 12 km) Rus halk geleneklerine sevgi ve saygı atmosferinde büyüdü. Oğlan harika dinleyebilirdi halk şarkıcıları halk ayinlerine katılmak. Bir serfin oğlu olmak. Misha, ancak yaratıcı entelijansiya ve Kheraskov'ların evinin toplantılarına katılarak, eğitimli misafirlerin şiirlerini, tartışmalarını ve doğaçlama performanslarını dinleyerek eğitim alabilirdi.
Bunların arasında M. Vysotsky'nin ana öğretmeni Semyon Nikolaevich Aksenov da vardı. Çocuğun yetenekli olduğunu fark etti ve ona Rus gitarı çalma dersleri vermeye başladı. Ve bu dersler sistematik olmamasına rağmen, çocuk önemli ilerleme kaydetti. M. Vysotsky'nin 1813'te özgürlüğüne kavuşması ve ileri eğitim için Moskova'ya taşınması S. Aksenov'un çabaları sayesinde oldu. Daha sonra ünlü müzisyen, besteci A. Dubuk, Vysotsky'ye müzikal ve teorik disiplinlerde ustalaşma konusunda önemli yardımlar sağladı.
M. Vysotsky harika bir gitarist oldu - doğaçlamacı, besteci. Kısa süre sonra eşsiz bir virtüöz gitaristin ünü ona geldi. Çağdaşlara göre, Vysotsky'nin oyunu yalnızca olağanüstü tekniğiyle değil, aynı zamanda ilhamı ve zenginliğiyle de etkiledi. müzikal fantezi. Gitarla birleşiyor gibiydi: Ruhsal ruh halinin, düşüncelerinin yaşayan bir ifadesiydi.
Öğrencisi ve meslektaşı gitarist I. E. Lyakhov, Vysotsky'nin çalmasını şu şekilde değerlendirdi: - Çalması anlaşılmaz, tarif edilemezdi ve hiçbir notanın ve kelimenin aktaramayacağı bir izlenim bıraktı. Burada hüzünlü, şefkatle, melankolik bir tokatçının şarkısı önünüzde geliyordu; küçük bir fermato - ve yanıt olarak her şey onunla konuşuyor gibiydi: iç çekerek, baslar diyorlar, tizlerin ağlayan sesleriyle yanıtlanıyorlar ve tüm bu koro, zengin uzlaştırıcı akorlarla kaplı; ama sonra yorgun düşünceler gibi sesler çift üçlüye dönüşür, şarkıcı sanki başka bir şey düşünüyormuş gibi tema neredeyse kaybolur; ama hayır, yine konuya, düşüncesine geri döner ve kulağa ciddi ve eşit gelir, dualı bir adagioya dönüşür. Kutsallığa yükseltilmiş bir Rus köpeği Duyuyorsunuz (Sudet. Her şey çok güzel ve doğal, çok derinden samimi ve müzikal, diğer Rus şarkıları bestelerinde nadiren gördüğünüz gibi. Burada buna benzer bir şey hatırlamayacaksınız: buradaki her şey yeni ve orijinal Önümüzde ilham verici bir Rus müzisyen, önünüzde Vysotsky.
Vysotsky'nin çalışmalarının ayırt edici bir özelliği, Rus halk şarkılarının güçlü katmanlarına ve kısmen enstrümantal yaratıcılığa dayanmasıydı. Moskova şubesi olan Rus gitar okulunun gelişimini belirleyen şey buydu. M. Vysotsky, çok sayıda ders vermesine rağmen, belki de yedi telli gitar çalmayı öğrenmeye yönelik tavsiyeleri sistematik hale getirmekle daha az ilgileniyordu. Ancak çalışmalarında, yedi telli Rus gitarı gerçekten ulusal enstrüman, kendi özel repertuarı, özel teknikleri ve üslup farklılıkları, icra tarzı, müzik formları içindeki gelişim kalıpları (bir şarkının şiirsel içeriği ile bir müzik bestesindeki değişken gelişim süreci arasındaki bağlantıyı kastediyoruz). Bu bakımdan M. Vysotsky bizim için. muhtemelen Rus gitar çalmasının en önemli figürü. Çalışmaları, özgün bir çalma tarzının yanı sıra melodik bir ses elde etme ilkesi ve ona eşlik eden tekniklerin temelini attı. Ancak bu daha sonra tartışılacaktır.
Böylece, Rusya'da orijinal bir gitar okulunun ortaya çıkışı, en iyi öğrencilerinin yanı sıra A. Sikhra ve M. Vysotsky isimleriyle ilişkilendirilir.
Sonuç olarak söylemek isterim ki kısa bir tarihsel süreçte Rusya'da gitarın yaygınlaşması tesadüf olamaz. Aksine, aracın uygulanabilirliğinin iyi bir kanıtıdır. Rus gitar okulunun başarılarından gurur duymak için yeterince sebep var. Ancak enstrümanımız ve onun için yaratılan miras hakkındaki tüm gerçeği bilmediğimizi acı bir şekilde ifade edebiliriz. Rusya'nın geçmişte gurur duyduğu neredeyse her şeyin yerle bir edildiği ve onun yerini alacak hiçbir şeyin yaratılmadığı bugün bunu bilmek ve anlamak önemlidir. Belki de yüzünüzü Rus gitar mirasına çevirmenin zamanı gelmiştir?! Döneminin en eğitimli insanlarının eserlerinden, metotlarından ve repertuarlarından oluşur. İşte bazı isimler: M. Stakhovich - asilzade, tarihçi, yazar; A. Golikov - asilzade, üniversite kayıt memuru; V. Sarenko - Tıp Bilimleri Doktoru; F. Zimmerman - asilzade, toprak sahibi; I. Makarov - bir toprak sahibi, büyük bir bibliyografyacı; V. Morkov - bir asilzade, gerçek bir eyalet meclis üyesi: V. Rusanov - bir asilzade, orkestra şefi, seçkin bir editör.
