17. yüzyılda hangi enstrümanlar popülerdi? 17. yüzyılın enstrümantal müziği

17. ve 18. yüzyılların müziği

16.-17. yüzyılların başında, Rönesans müziğine hakim olan çok seslilik yerini homofoniye bırakmaya başladı (Yunanca "homos" - "bir", "aynı" ve "arka plan" - "ses", "ses"). Tüm seslerin eşit olduğu polifoniden farklı olarak, homofonik polifonide biri ana temayı icra ederek öne çıkar ve geri kalanı eşlik (eşlik) rolünü oynar. Eşlik genellikle bir akor sistemidir (armoni). Bu nedenle, müzik bestelemenin yeni yolunun adı - homofonik harmonik.

Kilise müziği hakkındaki fikirler değişti. Şimdi besteciler, bir kişinin dünyevi tutkulardan vazgeçmesini sağlamak için değil, ruhsal deneyimlerinin karmaşıklığını ortaya çıkarmak için çok çabaladılar. Dini metinler veya olay örgüsü üzerine yazılmış, ancak kilisede zorunlu icraya yönelik olmayan eserler vardı. ("Manevi" kelimesi "dini" kelimesinden daha geniş bir anlama sahip olduğu için bu tür kompozisyonlara manevi denir.) 17-18. Yüzyılların ana manevi türleri. - kantat ve oratoryo. Laik müziğin önemi arttı: sarayda, aristokratların salonlarında, halk tiyatrolarında oynandı (bu tür ilk tiyatrolar 17. yüzyılda açıldı). Yeni bir tür müzik sanatı ortaya çıktı - opera.

Enstrümantal müzik, özellikle enstrümantal konçerto olmak üzere yeni türlerin ortaya çıkmasıyla da dikkat çekiyor. Keman, klavsen, org yavaş yavaş solo çalgılara dönüştü. Onlar için yazılan müzik, sadece besteci için değil, icracı için de yetenek göstermeyi mümkün kıldı. Her şeyden önce, yavaş yavaş kendi içinde bir amaç ve birçok müzisyen için sanatsal bir değer haline gelen virtüözlüğe (teknik zorluklarla başa çıkma yeteneği) değer verildi.

17.-18. yüzyılların bestecileri genellikle sadece müzik bestelemekle kalmaz, aynı zamanda ustaca çalan enstrümanlar da öğrenirler. pedagojik aktivite. Sanatçının refahı büyük ölçüde belirli müşteriye bağlıydı. Kural olarak, her ciddi müzisyen ya bir hükümdarın ya da zengin bir aristokratın sarayında (soyluların birçok üyesinin kendi orkestraları ya da opera binaları vardı) ya da bir tapınakta yer bulmaya çalıştı. Dahası, çoğu besteci, kilise müziği yapımını laik bir patronun hizmetiyle kolayca birleştirdi.

Oratoryo ve kantat

Bağımsız bir müzik türü olarak oratoryo (İtalyan oratoryosu, geç Latin oratoryumundan - "şapel") 16. yüzyılda İtalya'da şekillenmeye başladı. Müzikologlar, oratoryonun kökenlerini ayinle ilgili dramada görürler ("Tiyatro" makalesine bakın). Ortaçağ avrupası") - İncil olaylarını anlatan tiyatro gösterileri.

Tapınaklarda da benzer eylemler oynandı - bu nedenle türün adı. İlk başta, oratoryolar Kutsal Yazıların metinleri üzerine yazılmıştı ve kilisede icra edilmeleri amaçlanmıştı. İÇİNDE XVII yüzyıl besteciler modern tarzda oratoryolar bestelemeye başladılar. şiirsel metinler manevi içerik Oratoryonun yapısı bir operanınkine yakındır. Bu, dramatik bir olay örgüsüne sahip, solo şarkıcılar, koro ve orkestra için önemli bir çalışmadır. Ancak operadan farklı olarak oratoryoda sahne eylemi yoktur: olayları anlatır ama göstermez.

17. yüzyılda İtalya'da. başka bir tür oluşturuldu - cantata (o. cantata, lat. canto- "şarkı söyle"). Oratoryo gibi kantata da genellikle solist, koro ve orkestra tarafından icra edilir, ancak oratoryodan daha kısadır. Kantatlar ruhani ve dünyevi metinler üzerine yazılmıştır.

İtalya Müziği

16. yüzyılın sonunda, İtalya'da Barok sanat tarzı gelişti (um. barocco'dan - "garip", "tuhaf"). Bu tarz, ifade, drama, eğlence, sentez arzusu (bağlantı) ile karakterizedir. farklı şekiller sanat. Bu özellikler, 16-17. Yüzyılların başında ortaya çıkan operada tam olarak ortaya çıktı. Müzik, şiir, dramaturji ve tiyatro resmini birleştiren bir eser Başlangıçta operanın farklı bir adı vardı: "drama for music" (it. dramma per musica); "opera" kelimesi (o. opera - "kompozisyon") yalnızca 17. yüzyılın ortalarında ortaya çıktı. "Müzik için drama" fikri, Floransa'da Florentine Camerata sanat çevresinde doğdu. Çemberin toplantıları evde bir odada (İtalyan kamerasından - "oda") yapıldı. 1579'dan 1592'ye kadar aydın müzikseverler, şairler, bilim adamları Kont Giovanni Bardi'nin evinde toplandı. Ayrıca profesyonel müzisyenler - şarkıcılar ve besteciler Jacopo Peri (1561 - 1633) ve Giulio Caccini (yaklaşık 1550-1618), teorisyen ve besteci Vincenzo Galilei (yaklaşık 1520-1591), ünlü bilim adamı Galileo Galilei'nin babası tarafından da ziyaret edildi.

Florentine Camerata'nın katılımcıları, müzik sanatının gelişimi konusunda heyecanlıydı. Geleceğini müzik ve drama kombinasyonunda gördüler: bu tür eserlerin metinleri (16. yüzyılın karmaşık koro polifonik ilahilerinin aksine) dinleyici tarafından anlaşılır hale gelecekti.

Çemberin üyeleri, antik tiyatroda söz ve müziğin ideal birleşimini buldular: mısralar tekdüze bir sesle söylendi, her sözcük, her hece net geliyordu. Böylece Florentine camerata, bir enstrüman - monody (Yunanca "monos" - "bir" ve "ode" - "şarkı") eşliğinde solo şarkı söyleme fikrini ortaya attı. yeni bir tarzşarkı söyleme, anlatım olarak adlandırılmaya başlandı (ondan. recitare - "okumak"): müzik metni takip etti ve şarkı monoton bir anlatımdı. Müzikal tonlamalar etkileyici değildi - karakterlerin duygularını aktarmaya değil, kelimelerin net telaffuzuna vurgu yapıldı.

İlk Floransa operaları antik mitolojiden sahnelere dayanıyordu. Yeni türün bize gelen ilk eserleri, besteciler Peri (1600) ve Caccini'nin (1602) aynı adı taşıyan "Eurydice" adlı iki operasıdır. Orpheus mitinin arsasında yaratıldılar. Şarkıya, cembalo (piyanonun öncüsü), lir, lavta, gitar vb.'den oluşan enstrümantal bir topluluk eşlik etti.

İlk operaların kahramanları kader tarafından yönetildi ve iradesi haberciler tarafından ilan edildi. Eylem, sanatın erdemlerinin ve gücünün söylendiği bir önsözle başladı. Diğer performanslar arasında vokal toplulukları (birkaç katılımcının aynı anda şarkı söylediği opera numaraları), bir koro ve dans bölümleri yer aldı. Değişimleri üzerine bir müzik bestesi inşa edildi.

Opera hızla ve her şeyden önce mahkeme müziği olarak gelişmeye başladı. Soylular sanatı koruyordu ve bu ilgi sadece güzele olan sevgiyle açıklanmıyordu: sanatın refahı, güç ve zenginliğin vazgeçilmez bir niteliği olarak görülüyordu. İtalya'nın büyük şehirlerinde - Roma, Floransa, Venedik, Napoli - kendi opera okulları gelişti.

Farklı okulların en iyi özellikleri - şiirsel kelimeye dikkat (Floransa), eylemin ciddi bir manevi alt metni (Roma), anıtsallık (Venedik) - Claudio Monteverdi (1567-1643) tarafından yapılan çalışmada birleştirildi. besteci doğdu İtalyan şehri Doktorun ailesindeki Cremona. Bir müzisyen olarak Monteverdi, gençliğinde gelişti. Madrigaller yazdı ve oynadı; org, viyola ve diğer enstrümanları çaldı. Monteverdi, o dönemin tanınmış bestecilerinden beste eğitimi aldı. 1590'da bir şarkıcı ve müzisyen olarak Mantua'ya, Dük Vincenzo Gonzaga'nın sarayına davet edildi; daha sonra mahkeme şapelini yönetti. 1612'de Monteverdi, Mantua'daki hizmetten ayrıldı ve 1613'ten itibaren Venedik'e yerleşti. Büyük ölçüde Monteverdi sayesinde 1637'de dünyanın ilk halk opera binası Venedik'te açıldı. Orada besteci, San Marco Katedrali'nin şapelini yönetti. Claudio Monteverdi, ölmeden önce kutsal emirler alıyordu.

Peri ve Caccini'nin çalışmalarını inceleyen Monteverdi, bu türden kendi eserlerini yarattı. Besteci, ilk operalarda - "Orpheus" (1607) ve "Ariadne" (1608) - müzikal yollarla derin ve tutkulu duyguları aktarmayı, gergin bir dramatik eylem yaratmayı başardı. Monteverdi birçok operanın yazarıdır, ancak yalnızca üçü hayatta kalmıştır - "Orpheus", "Ulysses'in anavatanına dönüşü" (1640; antik Yunan destanı "Odyssey" olay örgüsüne dayanmaktadır) ve "Poppea'nın Taç Giymesi" ( 1642).

Monteverdi'nin çalışmaları müzik ve metni uyumlu bir şekilde birleştirir. Operalar, her kelimenin net bir şekilde seslendirildiği ve müziğin ruh halinin tonlarını esnek ve ustaca aktardığı bir monoloğa dayanmaktadır. Monologlar, diyaloglar ve koro bölümleri sorunsuz bir şekilde birbirine akar, eylem yavaş gelişir (Monteverdi'nin operalarında üç-dört perde), ancak dinamik olarak. Besteci, orkestraya önemli bir rol verdi. Örneğin "Orpheus" da o dönemde bilinen hemen hemen tüm enstrümanları kullandı. Orkestra müziği sadece şarkıya eşlik etmekle kalmaz, aynı zamanda sahnede meydana gelen olayları ve karakterlerin deneyimlerini de anlatır. Orpheus'ta ilk olarak bir uvertür ortaya çıktı (Fransız ouverture veya Latin apertura - "açılış", "başlangıç") - büyük bir müzik parçasına enstrümantal bir giriş. Claudio Monteverdi'nin operaları Venedikli besteciler üzerinde önemli bir etkiye sahipti ve Venedik opera okulunun temellerini attı.

Monteverdi sadece operalar değil, aynı zamanda kutsal müzik, dini ve seküler madrigaller de yazdı. Polifonik ve homofonik yöntemlere karşı çıkmayan ilk besteci oldu - operalarının koro bölümleri çok sesli teknikleri içeriyor. Monteverdi'nin çalışmasında yeni, eskiyle birleştirildi - Rönesans gelenekleri.

XVIII yüzyılın başlarında. Napoli'de bir opera okulu kuruldu. Bu okulun özellikleri - müziğin baskın rolü olan şarkı söylemeye artan ilgi. Bel canto vokal tarzı (İtalyan bel canto - "güzel şarkı") Napoli'de yaratıldı. Bel canto, ses, melodi ve teknik mükemmelliğin olağanüstü güzelliği ile ünlüdür. Yüksek sicilde (sesin ses aralığı), şarkı söyleme, tınının hafifliği ve şeffaflığı, düşük sicilde - kadifemsi yumuşaklık ve yoğunluk ile ayırt edildi. Sanatçı, sesin tınısının birçok tonunu yeniden üretebilmeli ve ayrıca ana melodi - coloratura (o. coloratura - "dekorasyon") üzerine bindirilmiş çok sayıda hızlı ses dizisini ustaca aktarabilmelidir. Sesin düzgünlüğü özel bir gereklilikti - yavaş melodilerde nefes alma duyulmamalıdır.

18. yüzyılda opera, İtalya'da konservatuarlarda okuyan yüksek profesyonel şarkıcılar tarafından kolaylaştırılan ana müzik sanatı türü haline geldi (it. conservatorio, err lat. conserve - "Ben koruyorum") - eğitim veren eğitim kurumları müzisyenler O zamana kadar, İtalyan operasının merkezlerinde - Venedik ve Napoli'de dört konservatuar yaratılmıştı. Türün popülaritesine, ülkenin farklı şehirlerinde açılan ve toplumun her kesimine ulaşabilen opera evleri de hizmet etti. İtalyan operaları büyük Avrupa başkentlerinin tiyatrolarında sahnelendi ve Avusturya, Almanya ve diğer ülkelerden besteciler İtalyanca metinlere dayalı operalar yazdılar.

İtalya müziğinin önemli başarıları XVII-XVIII yüzyıllar. ve enstrümantal türler alanında. Besteci ve orgcu Girolamo Frescobaldi (1583-1643) org yaratıcılığını geliştirmek için çok şey yaptı. "Kilise müziğinde yeni bir tarzın temelini attı. Org besteleri, fantezi (ücretsiz) bir ambarın ayrıntılı besteleridir. Frescobaldi, virtüöz çalması ve org ve clavier üzerinde doğaçlama sanatı ile ünlendi. Keman sanatı gelişti. O zamana kadar İtalya'da keman üretim gelenekleri gelişmişti.Cremona şehrinden Amati, Guarneri, Stradivari ailelerinin kalıtsal ustaları, kemanın tasarımını, yapım yöntemlerini derin bir sır olarak saklayıp geçmiştir. Bu ustaların yaptığı enstrümanlar insan sesine benzeyen inanılmaz güzel, sıcak bir sese sahip, topluluk ve solo enstrüman olarak popülerlik kazandı.

Roma keman okulunun kurucusu, konçerto grosso türünün yaratıcılarından biri olan Arcangelo Corelli'dir (1653-1713). Bir konserde genellikle bir solo enstrüman (veya bir enstrüman grubu) ve bir orkestra bulunur. "Büyük Konçerto", solo bölümler ve 17. yüzyılda oda ve çoğunlukla yaylılardan oluşan tüm orkestranın sesi üzerine inşa edildi. Corelli'nin solistleri çoğunlukla keman ve çello idi. Konserleri farklı karakterde parçalardan oluşuyordu; sayıları keyfi idi.

Keman müziğinin seçkin ustalarından biri de Antonio Vivaldi'dir (1678-1741). Parlak bir keman virtüözü olarak ünlendi.

Çağdaşları, beklenmedik zıtlıklarla dolu dramatik performans tarzından etkilendi. Corelli geleneklerini sürdüren besteci, "harika konser" türünde çalıştı. Yazdığı eserlerin sayısı çok fazla - dört yüz altmış beş konçerto, kırk opera, kantat ve oratoryo.

Konserler yaratan Vivaldi, parlak ve sıra dışı sesler için çabaladı. Sesleri karıştırdı farklı enstrümanlar, genellikle müzikte uyumsuzluklar (keskin ünsüzler) içerir; o zamanlar solist olarak ender enstrümanlar seçti - fagot, mandolin (bir sokak enstrümanı olarak kabul edildi). Vivaldi'nin konçertoları, ilk ve sonuncusu hızlı, ortası yavaş icra edilen üç bölümden oluşur. Birçok Vivaldi konçertosunun bir programı, bir başlığı ve hatta edebi bir ithafı vardır. "Mevsimler" döngüsü (1725), programın en eski örneklerinden biridir. orkestra müziği. Bu döngünün dört konseri - "İlkbahar", "Yaz", "Sonbahar", "Kış" - rengarenk doğa resimleri çiziyor. Vivaldi, kuşların şarkı söylemesini ("İlk bölüm", ilk bölüm), bir fırtına ("Yaz", üçüncü bölüm), yağmur ("Kış", ikinci bölüm) müzikle aktarmayı başardı. Ustalık, teknik karmaşıklık dinleyicinin dikkatini dağıtmadı, ancak akılda kalıcı bir görüntünün yaratılmasına katkıda bulundu. Vivaldi'nin konser çalışması, enstrümantal müzikte Barok tarzın canlı bir düzenlemesi haline geldi.

Operaseria ve operabuffa

18. yüzyılda. opera seria (it. opera seria - "ciddi opera") ve operabuffa (it. opera buffa - "komik opera") gibi opera türleri oluşturuldu. Operaseria, kurucusu ve kurucusu Alessandro Scarlatti'nin (1660-1725) çalışmalarında kendini kurdu. en büyük temsilci Napoliten opera okulu. Hayatı boyunca bu tür yüzden fazla eser besteledi. Opera dizisi için genellikle mitolojik veya tarihi bir olay örgüsü seçilmiştir. Bir uvertürle açıldı ve tamamlanmış sayılardan oluşuyordu - aryalar, anlatımlar ve korolar. Ana rolü büyük aryalar oynadı; genellikle üç bölümden oluşuyorlardı ve üçüncüsü, birincinin tekrarıydı. Aryalarda karakterler meydana gelen olaylara karşı tutumlarını ifade ettiler.

Birkaç arya türü vardı: kahramanca, acıklı (tutkulu), kederli vb. hüzünlü olanlarda - kahramanın heyecanını vb. Kahramanlar, daha sonraki eylemler için planları tartıştı, meydana gelen olayları birbirlerine anlattı. Anlatımlar iki türe ayrıldı: secco (İtalyanca secco'dan - "kuru") - klavsenin ortalama akorlarına hızlı bir tekerleme ve eşlik eden (It. Assotraniato - "eşlikli") - sese anlamlı bir anlatım bir orkestra. Secco daha çok kahramanın düşüncelerini ve duygularını iletmek için eşlik eden eylemi geliştirmek için kullanıldı. Korolar ve ses toplulukları neler olduğunu yorumladı, ancak etkinliklerde yer almadı.

Aktif bağlantıların sayısı olay örgüsünün türüne bağlıydı ve kesin olarak tanımlanmıştı; aynısı karakterlerin ilişkileri için de geçerlidir. Solo ses numaralarının türleri ve sahnedeki yeri belirlendi. Her karakterin kendi ses tınısı vardı: lirik kahramanlar - soprano ve tenor, asil baba veya kötü adam - bariton veya bas, ölümcül kadın kahraman - kontralto.

XVIII yüzyılın ortalarında. opera dizisinin eksiklikleri ortaya çıktı. Gösteri genellikle mahkeme kutlamalarına denk gelecek şekilde zamanlandı, bu nedenle iş bazen mantıksız ve doğal olmayan görünen mutlu bir şekilde sona ermek zorunda kaldı. Çoğu zaman metinler yapay, zarif bir dille yazılmıştı. Besteciler bazen içeriği ihmal edip sienanın karakterine ya da duruma uymayan müzikler yazdılar; çok fazla pul vardı, gereksiz dış etkiler. Şarkıcılar, aryanın eserdeki rolünü bir bütün olarak düşünmeden kendi virtüözlüklerini gösterdiler. Operuseria "kostümlü bir konser" olarak anılmaya başlandı. Seyirci operaya ciddi bir ilgi göstermedi, ancak ünlü şarkıcının "taç" aryası için performanslara gitti; Eylem sırasında seyirciler salona girip çıktı.

Operabuffa da Napoliten ustalar tarafından oluşturuldu. Böyle bir operanın ilk klasik örneği, besteci Giovanni Battista Pergolesi'nin (1710-1736) yazdığı The Maid's Servant (1733) operasıdır. Opera seria'da ön planda - aryalar varsa, o zaman opera buffa'da - konuşma dili diyalogları, ile dönüşümlü vokal toplulukları. Operebuffa'da tamamen farklı ana karakterler. Bunlar, kural olarak, sıradan insanlardır - hizmetkarlar, köylüler. Konu, giyinme, aptal zengin sahibini hizmetkarlar tarafından kandırma vb. İle eğlenceli bir entrikaya dayanıyordu.

Operubuffa, ulusal komedi Carlo Goldoni'nin yaratıcısı İtalyan oyun yazarı tarafından büyük ölçüde etkilendi. Bu türün en esprili, canlı ve canlı eserleri Napoliten besteciler tarafından yaratıldı: Niccolo Piccinni (1728-1800) - "Chekkina veya Good Daughter" (1760); Giovanni Paisiello (1740-1816) - "Seville Berberi" (1782), "Değirmenci" (1788); şarkıcı, kemancı, klavsenci ve besteci Domenico Cimarosa (1749-1801) - "Gizli Evlilik" (1792).

Telli çalgılar

Modern telli yaylı çalgıların - keman, viyola, çello ve kontrbas - öncüleri viyoladır. 15. yüzyılın sonunda - 16. yüzyılın başında ortaya çıktılar. ve çok geçmeden yumuşak ve nazik sesleri sayesinde orkestralarda başrol oynamaya başladılar.

Yavaş yavaş, viyolaların yerini yeni, daha gelişmiş telli yaylı çalgılar aldı. XVI-XVII yüzyıllarda, tüm zanaatkar okulları yaratılışları üzerinde çalıştı. Bunların en ünlüsü, İtalya'nın kuzeyinde - Cremona ve Brescia şehirlerinde ortaya çıkan keman yapımcılarının hanedanlarıdır.

Cremonese okulunun kurucusu Andrea Amati'dir (yaklaşık 1520 - yaklaşık 1580). Torunu Nicolo Amati (1596-1684) özellikle sanatıyla ünlüydü. Keman aparatını neredeyse mükemmel hale getirdi, enstrümanın sesini güçlendirdi; aynı zamanda tınının yumuşaklığı ve sıcaklığı korunmuştur. Guarneri ailesi, 17.-18. yüzyıllarda Cremona'da çalıştı. Hanedanın kurucusu, Nicolò Amati'nin öğrencisi Andrea Guarneri'dir (1626-1698). Seçkin usta Azuseppe Guarneri (1698-1744), Amati enstrümanından farklı olarak yeni bir keman modeli geliştirdi.

Amati okulunun gelenekleri Antonio Stradivari (1644-1737) tarafından sürdürüldü. Nicolò Amati ile çalıştı ve 1667'de kendi işini açtı. Stradivari, keman sesini insan sesinin tınısına diğer ustalardan daha fazla yaklaştırmayı başarmıştır.

Magini ailesi Breche'de çalıştı; en iyi kemanlar Giovanni Magini (1580-1630 veya 1632) tarafından yapılmıştır.

En yüksek sicile sahip telli yaylı çalgı kemandır. Bunu ses aralığına göre azalan sırayla viyola, çello, kontrbas takip eder. Kemanın gövdesinin (veya rezonans kutusunun) şekli, insan vücudunun ana hatlarını andırır. Gövde, birincisi ladin ve ikincisi akçaağaçtan yapılmış bir üst ve alt güverteye (Alman Decke - "kapak") sahiptir. Güverte, sesi yansıtmaya ve yükseltmeye hizmet eder. Üstte rezonatör delikleri vardır (Latince f harfi şeklinde; bunlara "efs" denmesi tesadüf değildir). Vücuda bir boyun takılır; genellikle abanozdan yapılır. Bu, üzerine dört telin gerildiği uzun ve dar bir levhadır. Telleri germek ve ayarlamak için mandallar kullanılır; onlar da klavyede.

Viyola, çello ve kontrbas yapı olarak kemana benzer, ancak ondan daha büyüktür. Viyola çok büyük değil, omuzda tutuluyor. Çello viyoladan daha büyüktür ve çalarken müzisyen bir sandalyeye oturur ve enstrümanı yere, bacaklarının arasına koyar. Kontrbas çellodan daha büyüktür, bu nedenle icracının yüksek bir tabureye oturması veya ayakta durması ve enstrümanı önüne koyması gerekir. Oyun sırasında müzisyen telleri at kılı gerilmiş tahta bir baston olan yayla yönetir; tel titreşir ve melodik bir ses çıkarır. Ses kalitesi, yay hareketinin hızına ve ipe bastırdığı kuvvete bağlıdır. Sanatçı sol elinin parmaklarıyla teli kısaltır, klavyeye karşı çeşitli yerlere bastırır - bu şekilde farklı perdeler elde eder. Bu tür çalgılarda ses, yayın tahta kısmıyla ipin çekilmesi veya vurulmasıyla da çıkarılabilir. Yaylı tellerin sesi çok etkileyici, icracı müziğe en ince nüansları verebilir.

Üflemeli çalgılar, antik çağlardan Orta Çağ'a kadar gelen en eski müzik aleti türüdür. Bununla birlikte, ortaçağ Batı medeniyetinin gelişimi ve oluşumu sürecinde, üflemeli çalgıların kapsamı büyük ölçüde genişledi: Oliphant gibi bazıları asil senyörlerin mahkemelerine aittir, diğerleri - flütler - hem halk arasında hem de profesyoneller arasında kullanılır. müzisyenler ve trompet gibi diğerleri, yalnızca askeri müzik aletleri haline geldi.

En yaşlı temsilci Fransa'daki üflemeli çalgılar muhtemelen fretel (fretel) veya "Pan'ın flütü" olarak düşünülmelidir. Benzer bir enstrüman, 11. yüzyıla ait bir el yazmasından bir minyatürde görülebilir. Paris Ulusal Kütüphanesi'nde (Res. I). Bu, bir ucu açık ve diğer kapalı farklı uzunluklarda bir dizi borudan (kamış, kamış veya tahta) oluşan çok namlulu bir flüttür. Fretel, XI-XII yüzyılların romanlarında diğer flüt türleri ile birlikte sıklıkla bahsedilir. Ancak, zaten XIV yüzyılda. fretelden sadece köy bayramlarında çalınan bir müzik aleti olarak bahsedilir, sıradan halkın bir enstrümanı haline gelir.

Flüt (fluûte) ise tam tersine bir "yükseliş" yaşıyor: sıradan bir halk çalgısından saray çalgısına. En eski flütler, Gallo-Roma kültürel katmanında (MS I-II yüzyıllar) Fransa topraklarında bulundu. Çoğu kemiktir. 13. yüzyıla kadar flüt, 10. yüzyıl el yazmasından bir minyatürde olduğu gibi genellikle çifttir. Paris Ulusal Kütüphanesi'nden (Şekil 3) ve tüpler aynı veya farklı uzunluklarda olabilir. Flüt namlusundaki deliklerin sayısı değişmiş olabilir (dörtten altıya, yediden). Flütler genellikle âşıklar, hokkabazlar tarafından çalınırdı ve çoğu zaman onların oyunu, ciddi bir alay veya bazı yüksek rütbeli kişilerin ortaya çıkmasından önce gelirdi.

Âşıklar ayrıca farklı boylarda trompetlerle çift flüt çaldılar. Böyle bir flüt, 13. yüzyıldan kalma bir el yazmasından bir skeç üzerinde gösterilmiştir. (İncir. 2). Minyatür resimde üç âşıktan oluşan bir orkestra görülüyor: biri viyol çalıyor; ikincisi, modern klarnete benzer benzer bir flüt üzerinde; üçüncüsü, bir çerçeve üzerine gerilmiş deriden yapılmış kare bir tef vurur. Dördüncü karakter, müzisyenlerin kendilerini yenilemeleri için şarap doldurur. Benzer flüt, davul ve keman orkestraları 19. yüzyılın başlarına kadar Fransa'nın köylerinde vardı.

XV.Yüzyılda. haşlanmış deriden yapılmış flütler ortaya çıkmaya başladı. Dahası, oluğun kendisi hem yuvarlak hem de sekizgen olabilir ve sadece düz değil, aynı zamanda dalgalı da olabilir. Benzer bir araç korunmuştur özel koleksiyon Bay Fo (Şek. 4). Uzunluğu 60 cm, en geniş yerinde çapı 35 mm'dir. Gövde siyah kaynatılmış deriden, dekoratif başlık boyalıdır. Böyle bir flüt, serpan borusunun yaratılması için bir prototip görevi gördü. Serpan flütleri hem kiliselerde ilahi ayinlerde hem de laik şenliklerde kullanılırdı. Enine flütlerin yanı sıra flageoletlerden ilk olarak 14. yüzyıl metinlerinde bahsedilir.

Bir diğer üflemeli çalgı türü de gaydadır. Ortaçağ Fransa'sında da birkaç türü vardı. Bu bir chevrette - keçi derisi bir çanta, bir hava tüpü ve bir dudadan oluşan bir üflemeli çalgı. Bu enstrümanı çalan bir müzisyen (Res. 6), 14. yüzyıldan kalma bir el yazmasında tasvir edilmiştir. Paris Ulusal Kütüphanesi'nden "Gülün Romantizmi". Bazı kaynaklar chevret ile gaydayı birbirinden ayırırken, diğerleri chevretten basitçe "küçük gayda" olarak söz eder. Görünüşünde bir şevret'i çok andıran alet, 19. yüzyılda. Fransa'nın Burgundy ve Limousin eyaletlerinin köylerinde buluştu.

Başka bir gayda türü horo veya horumdu (choro). Manastırdan bir el yazmasında bulunan bir açıklamaya göre, St. Blaise (IX yüzyıl), bu, hava sağlamak için bir borusu ve bir borusu olan bir üflemeli çalgıdır ve her iki boru da aynı düzlemde bulunur (birbirlerinin devamı gibidirler). Horonun orta kısmında işlenmiş deriden yapılmış mükemmel bir küresel şekle sahip bir hava deposu bulunmaktadır. Müzisyen horoya üflediğinde “torbanın” derisi titremeye başladığından, ses biraz tıkırtılı ve keskindi (Res. 6).

Gayda (coniemuese), bu enstrümanın Fransızca adı Latince corniculans'tan (boynuzlu) gelir ve sadece 14. yüzyıldan kalma el yazmalarında bulunur. 14. yüzyıldan kalma bir el yazmasından bir görüntüden de görülebileceği gibi, ne görünüşü ne de ortaçağ Fransa'sındaki kullanımı, bildiğimiz geleneksel İskoç gaydalarından farklı değildi. (Şek. 9).

Boynuzlar ve boynuzlar (korne). Büyük olipant boynuzu da dahil olmak üzere tüm bu üflemeli çalgılar, tasarım ve kullanım açısından birbirinden çok az farklılık gösterir. Tahta, haşlanmış deri, fildişi, boynuz ve metalden yapılmışlardı. Genellikle kemere takılırlardı. Sondaj boynuzlarının aralığı geniş değil, ancak XIV yüzyılın avcıları. üzerlerinde belirli sinyallerden oluşan basit melodiler çalındı. Av boynuzları, daha önce de söylediğimiz gibi, önce bele takılırdı, sonra 16. yüzyıla kadar omuza asılırdı; benzer bir pandantife genellikle resimlerde, özellikle de Gaston Phoebe'nin Avlanma Kitabı'nda rastlanır (Şek. 8). Soylu bir lordun av borusu değerli bir şeydir; bu nedenle, "Nibelungların Şarkısı" ndaki Siegfried, avlanmak için yanında ince işçilikli bir altın boynuz taşıdı.

Ayrı olarak, alifant hakkında da söylenmelidir - olifantın sahibinin sağ tarafına asılabilmesi için özel olarak yapılmış metal halkalara sahip büyük bir boynuz. Fil dişlerinden oliphant yaptılar. Avlanmada ve askeri operasyonlar sırasında düşmanın yaklaştığını belirtmek için kullanılır. Oliphant'ın ayırt edici bir özelliği, yalnızca baronların tabi olduğu egemen senyöre ait olabilmesidir. Bu müzik aletinin onursal niteliği, 12. yüzyıl heykeliyle doğrulanmaktadır. Vaselles'teki manastır kilisesinden, yanında bir olipant ile bir meleğin tasvir edildiği ve Kurtarıcı'nın Doğuşunu ilan ettiği (Şekil 13).

Av boynuzları, âşıkların kullandıklarından farklıydı. İkincisi, daha gelişmiş bir tasarıma sahip bir alet kullandı. Vazelle'deki aynı manastır kilisesinden bir sütunun başlığında, sadece boru boyunca değil, aynı zamanda zil üzerinde de modüle etmeyi mümkün kılan deliklerin açıldığı bir boru çalan bir ozan (Res. 12) tasvir edilmiştir. ses, ona daha fazla veya daha az ses verir.

Borular, gerçek boru (trompe) ve bir metreden daha uzun kavisli borular - busin ile temsil edildi. Mürver, 13. yüzyıla ait bir el yazmasından bir minyatürde görülebileceği gibi, tahtadan, kaynatılmış deriden, ancak çoğunlukla pirinçten yapılmıştır. (Şek. 9). Sesleri keskin ve yüksekti. Ve uzaktan duyulduğu için, sabah uyandırma çağrısı için orduda yaşlılar kullanıldı, kampın kaldırılması, gemilerin yelken açması için işaretler verildi. Ayrıca kraliyet ailesinin gelişini de duyurdular. Böylece 1414'te VI. Charles'ın Paris'e girişi yaşlıların sesleriyle duyuruldu. Orta Çağ'da sesin özel yüksekliği nedeniyle, meleklerin mürver çalarak kıyametin başlangıcını ilan edeceğine inanılıyordu.

Trompet, yalnızca askeri bir müzik aletiydi. Orduda yükseltmek için görev yaptı savaşçı ruh, asker toplamak. Boru, mürverden daha küçüktür ve sonunda bir soket bulunan metal bir borudur (düz veya birkaç kez bükülmüş). Terimin kendisi 15. yüzyılın sonunda ortaya çıktı, ancak bu tür bir alet (düz borular) 13. yüzyıldan beri orduda kullanılıyordu. XIV yüzyılın sonunda. borunun şekli değişir (gövdesi bükülür) ve borunun kendisi mutlaka bir arma ile bir flama ile süslenir (Şek. 7).

Özel bir boru türü - bir serpan (yılan) - birçok modern nefesli çalgı için bir prototip görevi gördü. Bay Fo'nun koleksiyonunda, kaynatılmış deriden yapılmış, yüksekliği 0,8 m ve toplam uzunluğu 2,5 m olan bir orak vardır (Res. 10), Müzisyen enstrümanı iki eliyle tutarken sol eliyle tutar. kıvrık kısım (A) ve sağ elin parmakları orağın üst kısmında açılan deliklerin üzerinden geçti. Serpanın sesi güçlüydü, bu üflemeli saz hem askeri bandolarda hem de kilise ayinlerinde kullanılıyordu.

Org (orgue), üflemeli çalgılar ailesinden biraz farklıdır. Körüklerle üflenen havayla sese ayarlanmış birkaç düzine borudan (kayıtlardan) oluşan bu klavye pedallı alet, şu anda yalnızca büyük sabit organlarla - kilise ve konser - ilişkilidir (Şek. 14). Bununla birlikte, Orta Çağ'da, belki de bu enstrümanın başka bir türü olan el organı (orgue de main) daha yaygındı. Açıklıkları vanalarla kapatılmış bir tanktan borulara giren basınçlı havanın yardımıyla sese ayarlanan "Pan'ın oluğuna" dayanmaktadır. Bununla birlikte, antik çağda, Asya, Antik Yunanistan ve Roma'da hidrolik kontrollü büyük organlar biliniyordu. Batı'da, bu enstrümanlar yalnızca 8. yüzyılda ortaya çıktı ve o zaman bile Bizans imparatorlarından Batı hükümdarlarına sunulan hediyeler olarak (Konstantin V Copronymus, böyle bir organı Kısa Pepin'e ve Konstantin Curopolat, Şarlman ve Louis'e hediye olarak gönderdi. İyi).

El organlarının görüntüleri Fransa'da yalnızca 10. yüzyılda ortaya çıkıyor. Müzisyen sağ eliyle tuşları sıralar, sol eliyle hava pompalayan körüklere basar. Enstrümanın kendisi genellikle müzisyenin göğsünde veya karnında bulunur.Manuel organlarda genellikle sekiz boru ve buna göre sekiz tuş bulunur. 13.-14. yüzyıllarda el organları pratik olarak değişmedi, ancak boru sayısı değişebilir. Manuel organlarda ancak 15. yüzyılda ikinci bir boru sırası ve çift klavye (dört kayıt) ortaya çıktı. Borular her zaman metal olmuştur. 15. yüzyıl Alman eserinin el organı. Münih Pinotek'te mevcuttur (Şek. 15).

El organları, çalgıya eşlik etmenin yanı sıra şarkı da söyleyebilen gezici müzisyenler arasında yaygınlaştı. Şehir meydanlarında, köy bayramlarında çınlardı ama kiliselerde asla.

Kilise organlarından daha küçük, ancak manuel olanlardan daha fazla olan organlar bir zamanlar kalelere (örneğin V. Charles'ın mahkemesine) yerleştirildi veya ciddi törenler sırasında sokak platformlarına kurulabilirdi. Bavyeralı Isabella şehre ciddi bir giriş yaptığında, Paris'te birkaç benzer organ çaldı.

Belki de davul benzeri bir müzik aleti icat etmemiş bir medeniyet yoktur. Bir tencerenin üzerine gerilmiş kuru bir deri veya oyulmuş bir kütük - bu zaten bir davul. Bununla birlikte, davul eski Mısır'dan beri bilinmesine rağmen, Orta Çağ'ın başlarında çok az kullanılıyordu. Davullardan (tambur) söz edilmesi ancak Haçlı Seferleri döneminden itibaren ve 12. yüzyıldan itibaren düzenli hale geldi. bu isim altında çok çeşitli formlarda enstrümanlar vardır: uzun, çift, tef vb. 12. yüzyılın sonunda. savaş meydanlarında ve ziyafet salonlarında ses veren bu enstrüman, şimdiden müzisyenlerin ilgisini çekiyor. Aynı zamanda o kadar yaygın ki 13. yüzyılda. Sanatlarında eski gelenekleri koruduklarını iddia eden Trouvers, "daha asil" enstrümanların yerini alan davul ve teflerin "baskınlığından" şikayet ediyor.

Tefler ve davullar sadece şarkılara, ozanların performanslarına eşlik etmekle kalmaz, aynı zamanda gezgin dansçılar, oyuncular, hokkabazlar tarafından da alınır; kadınlar tef çalarak danslarına eşlik ederek dans ederler. Aynı zamanda tef (tef, bosquei) bir elinde tutulur ve diğeri serbest, ritmik olarak ona vurur. Bazen flüt çalan âşıklar, sol omuzlarına bir kayışla bağladıkları bir tef veya davulla eşlik ederlerdi. Âşık, 13. yüzyıla ait heykelde görüldüğü gibi, başıyla yaptığı tefe ritmik darbelerle eşlik ederek flüt çalıyordu. Reims'deki Müzisyenler Evi'nin cephesinden (Res. 17).

Müzisyenler Evi'nin heykellerine göre Sarazen veya çift davul da bilinmektedir (Res. 18). Haçlı Seferleri döneminde, eyerin her iki yanına kolayca yerleştirildikleri için orduda dağıtım buldular.

Fransa'da Orta Çağ'da yaygın olan bir başka vurmalı müzik aleti türü, tınıydı (timbre, cembel) - iki yarım küre ve daha sonra - ritmi, dansların ritmik eşliğini yenmek için kullanılan bakır ve diğer alaşımlardan yapılmış plakalar. 12. yüzyıla ait bir Limoges el yazmasında. Paris Ulusal Kütüphanesi'nden dansçı bu enstrümanla tasvir edilmiştir (Res. 14). 15. yüzyılda O'daki manastır kilisesinin sunağından orkestrada tını kullanılan bir heykel parçasına atıfta bulunur (Res. 19).

Tını, bir zil (zil) içermelidir - kendisine bronz tüpler lehimlenmiş bir halka olan, uçlarında çalkalandığında çanların çaldığı bir alet, bu aletin görüntüsü 13. yüzyıla ait bir el yazmasından bilinmektedir. Saint Blaise Manastırı'ndan (Res. 20). Zil, Fransa'da zamanında yaygındı. erken ortaçağ ve hem laik yaşamda hem de kiliselerde kullanıldı - onlara ibadete başlamaları için bir işaret verildi.

Çanlar (chochettes) ayrıca ortaçağ vurmalı çalgılarına aittir. Çok yaygındılar, konserler sırasında çanlar çalındı, giysilere dikildiler, evlerde tavana asıldılar - kilisede çanların kullanılmasından bahsetmiyorum bile ... Danslara çanlar da eşlik ediyordu ve bunun örnekleri var - 10. yüzyılın başlarına kadar uzanan minyatürlerdeki resimler! Chartres, Sens, Paris'te katedrallerin portallarında, asılı çanlara vuran bir kadının Liberal Sanatlar ailesindeki müziği simgelediği kabartmalar bulabilirsiniz. Kral Davut çanları çalarken tasvir edilmiştir. 13. yüzyıla ait İncil'deki minyatürde de görülebileceği gibi, onları tokmakların yardımıyla oynuyor (Res. 21). Çan sayısı değişebilir - genellikle beş ila on veya daha fazla.

Askeri bir müzik aleti olan Türk çanları da Orta Çağ'da doğdu (bazıları Türk çanlarına zil diyor).

XII.Yüzyılda. giysilere dikilen çan veya çan modası yaygınlaştı. Hem bayanlar hem de erkekler tarafından kullanıldılar. Üstelik ikincisi, XIV.Yüzyıla kadar uzun süre bu modadan ayrılmadı. O zamanlar kıyafetleri kalın altın zincirlerle süslemek alışılmış bir şeydi ve erkekler genellikle onlardan çanlar asardı. Bu moda, yüksek feodal soylulara ait olmanın bir işaretiydi (Şekil 8 ve 22) - küçük soyluların ve burjuvazinin çan takması yasaktı. Ama zaten XV yüzyılda. çanlar sadece soytarıların kıyafetlerinde kalır. Bunun orkestral hayatı vurmalı çalgı bu güne kadar devam ediyor; ve o zamandan beri pek değişmedi.

Tüm ortaçağ yaylı telli çalgılar arasında viyola (vièle) en asil ve icra edilmesi en zor olanıdır. XIII.Yüzyılda Dominik keşiş Moravyalı Jerome'un açıklamasına göre. viyolün beş teli vardı, ancak daha önceki minyatürlerde hem üç hem de dört telli çalgılar görülüyor (Şekil 12 ve 23, 23a). Aynı zamanda ipler hem "at" üzerinde hem de doğrudan güvertede çekilir. Açıklamalara bakılırsa, viyola sesi yüksek değil ama çok melodik geliyordu.

Müzisyenler Evi'nin ön cephesindeki heykel ilginçtir, üç telli bir viyola çalan gerçek boyutlu bir müzisyeni (Res. 24) göstermektedir. Teller aynı düzlemde gerildiğinden, bir telden ses çıkaran yay diğerlerine dokunabilir. 13. yüzyılın ortaları için "modernize edilmiş" özel bir ilgiyi hak ediyor. yay şekli.

XIV yüzyılın ortalarında. Fransa'da viyolanın şekli modern gitara yakındır ve bu muhtemelen onu yay ile çalmayı kolaylaştırmıştır (Şekil 25).

XV.Yüzyılda. büyük viyolalar belirir - viola de gamba. Enstrüman dizlerinin arasında çalınırdı. Onbeşinci yüzyılın sonunda, viyola de gamba yedi telli hale geldi. Daha sonra viyola de gamba'nın yerini çello alacaktır. Ortaçağ Fransa'sında her tür viyola çok yaygındı ve hem şenliklere hem de samimi akşamlara eşlik ediyordu.

Viyola, ses tahtasındaki tellerin çift bağlanmasıyla crouth'tan ayırt edildi. Bu ortaçağ enstrümanında kaç tel olursa olsun (en eski çemberlerde üç tel vardır), bunlar her zaman "ata" bağlanır. Ek olarak, ses tahtasının kendisinde teller boyunca iki delik vardır. Bu delikler açıktır ve parmakları dönüşümlü olarak ipleri güverteye bastıran ve sonra serbest bırakan sol elin içinden geçmesine hizmet eder. Oyuncu genellikle sağ elinde bir yay tutardı. Kroot'un en eski tasvirlerinden biri, 11. yüzyıla ait bir el yazmasında bulunur. Limoges manastırından St. Savaşçı (Şek. 26). Ancak krut'un ağırlıklı olarak İngiliz ve Sakson çalgısı olduğu vurgulanmalıdır. Bir çemberdeki dizilerin sayısı zamanla artar. Ve tüm yaylı çalgıların atası olarak kabul edilmesine rağmen, krut Fransa'da hiçbir zaman kök salmadı. 11. yüzyıldan sonra çok daha yaygın. ruber veya gige burada bulunur.

Görünüşe göre Gigue (gigue, kıkırdama) Almanlar tarafından icat edildi, şekil olarak bir viyola benziyor, ancak güvertede bir müdahale yok. Jig, bir ozanın en sevdiği enstrümandır. Bu enstrümanın performans yetenekleri viyoladan önemli ölçüde daha zayıftı, ancak performansta daha az beceri gerektiriyordu. Görüntülere bakılırsa, müzisyenler jigi (Şek. 27) bir keman gibi çaldılar ve dönemi omuzlarına koydular, bu da "Dünyanın Harikaları Kitabı" el yazmasından skeçte görülebiliyor. 15. yüzyılın başı.

Ruber (rubère) - Arap rebabını anımsatan telli yaylı bir çalgı. Uda benzer şekilde, yakutun bir "sırt" üzerine gerilmiş tek bir ipi vardır (Şekil 29), St. Blaise (IX yüzyıl). Jerome Moravsky'ye göre, XII - XIII yüzyıllarda. rubert zaten iki telli bir enstrümandır, topluluk icrasında kullanılır ve her zaman “alt” bas kısmını yönetir. Zhig, sırasıyla - "üst". Böylece, bir dereceye kadar kontrbasın atası olarak hizmet eden yaylı bir yaylı çalgı olan monokordun (monokorde) aynı zamanda bir tür yakut olduğu ortaya çıktı, çünkü toplulukta aynı zamanda bir enstrüman olarak da kullanıldı. bas tonu. Vaselles'teki manastır kilisesinin ön cephesindeki heykelde de görülebileceği gibi, bazen yaysız monokord çalmak mümkündü (Res. 28).

Yaygın kullanımına ve çok sayıda çeşidine rağmen, yakut viyola ile eşit bir enstrüman olarak görülmedi. Onun alanı - daha çok sokak, halk tatilleri. Bununla birlikte, bazı araştırmacılar (Jerome Moravsky) düşük oktavlardan bahsederken, diğerleri (Aymeric de Peyrac) ruber sesinin keskin ve "gürültülü" olduğunu iddia ettiğinden, ruber sesinin gerçekte ne olduğu tam olarak net değildir. "kadın çığlığına" benzer. Ancak belki de farklı zamanların enstrümanlarından bahsediyoruz, örneğin XIV veya XVI.

Muhtemelen, hangi enstrümanın eski olduğuna dair argümanlar alakasız olarak kabul edilmelidir, çünkü telli çalgı, lir, telli çalgıların hikayesine başlayacağımız müziğin amblemi haline geldi.

Antik lir, ahşap bir ses tahtasına monte edilmiş iki direk arasında dikey olarak gerilmiş üç ila yedi telli telli bir çalgıdır. Lirin telleri ya parmakla çalınır ya da bir mızrap rezonatörü yardımıyla çalınırdı. X-XI yüzyılların bir el yazmasından bir minyatürde. (Şekil 30), Paris Ulusal Kütüphanesi'nde saklanan, üçlü gruplar halinde toplanmış ve farklı yüksekliklerde gerilmiş on iki telli bir lir görebilirsiniz (Şekil 30a). bunun için kemeri takmak mümkündü, bu da müzisyenin çalmasını açıkça kolaylaştırdı.

Lir, Orta Çağ'da antik Yunanistan'da da ortaya çıkan sitar (cithare) ile karıştırılmıştır. Başlangıçta altı telli koparılmış alet. Moravia'lı Jerome'ye göre Orta Çağ'daki sitar üçgen şeklindeydi (daha doğrusu Yunan alfabesindeki "delta" harfinin şekline sahipti) ve üzerindeki tel sayısı on iki ile yirmi dört arasında değişiyordu. Bu türden bir sitar (9. yüzyıl), St. Vlasia (Şek. 31). Bununla birlikte, aletin şekli değişebilir, saplı düzensiz yuvarlak bir sitar görüntüsünün oyunu ortaya çıkardığı bilinmektedir (Şekil 32). Bununla birlikte, sitar ve psalterion (aşağıya bakınız) ve diğer telli çalgılar arasındaki temel fark, tellerin bir tür "sondaj kabına" değil, basitçe çerçeveye çekilmesidir.

Ortaçağ guiterne (guiterne) de kökenini sitardan alır. Bu enstrümanların şekli de çeşitlidir, ancak genellikle bir mandoline veya bir gitara (kanun) benzer. Bu tür enstrümanların sözleri 13. yüzyıldan itibaren bulunmaya başlar ve hem kadınlar hem de erkekler tarafından çalınır. Gitern, icracının şarkı söylemesine eşlik etti, ancak onu ya bir rezonatör-mızrap yardımıyla ya da onsuz çaldılar.Benoit de Saint-Maur'un (XIII.Yüzyıl) "The Romance of Troy" el yazmasında âşık şarkı söylüyor, çalıyor mızrapsız giter (Şek. 34) . Bir başka örnekte, "Tristan ve Isolde" romanında (13. yüzyıl ortası), bir ozanı, yoldaşının dansına hytern çalarak eşlik ederken tasvir eden bir minyatür vardır (Res. 33). Hytern üzerindeki teller düz gerilmiş (kısraksız) fakat gövde üzerinde bir delik (rozet) bulunmaktadır. O'daki manastır kilisesinden bir müzisyenin heykelinde açıkça görülen başparmak ve işaret parmağıyla tutulan bir kemik çubuk arabulucu görevi görmüştür (Res. 35).

Mevcut görüntülere bakılırsa Gitern, bir topluluk enstrümanı olabilir. Heykeltıraşın fildişi üzerine büyüleyici bir tür sahnesi oyduğu Cluny Müzesi koleksiyonundan (XIV.Yüzyıl) bir tabutun kapağı biliniyor: iki genç adam bahçede oynuyor, kulağa zevk veriyor; birinin elinde lavta, diğerinin ise hytern vardır (Res. 36).

Bazen guitern, daha önceki sitar gibi, ortaçağ Fransa'sında bir şirket (ezberci) olarak adlandırılırdı, on yedi teli vardı. Şirket, Aslan Yürekli Richard tarafından esaret altında oynandı.

XIV.Yüzyılda. githeron'a benzer başka bir enstrümandan söz edilir - lavta (luth). 15. yüzyılda şekli zaten nihayet şekilleniyor: ses tahtasında yuvarlak bir delik bulunan çok dışbükey, neredeyse yarım daire biçimli bir gövde. "Boyun" uzun değildir, "kafa" ona dik açıdadır (Şek. 36). Aynı enstrüman grubuna, 15. yüzyılda var olan mandolin, mandora aittir. en çeşitli biçim.

Arp (harpe) aynı zamanda kökeninin antikliğiyle de övünebilir - görüntüleri zaten Antik Mısır. Yunanlılar arasında arp, sitarın sadece bir çeşididir; Keltler arasında buna sambuk denir. Arpın şekli değişmez: farklı uzunluklardaki tellerin az çok açık bir açı şeklinde bir çerçeve üzerine gerildiği bir çalgıdır. Eski arplar diyatonik ölçekte akortlanmış on üç tellidir. Arpı ayakta veya oturarak, iki elleriyle ve dikey duruşu icracının göğsüne gelecek şekilde güçlendirerek çalıyorlardı. XII.Yüzyılda, farklı sayıda telli küçük boyutlu arplar da ortaya çıktı. Reims'deki Müzisyenler Evi'nin cephesindeki bir heykelde karakteristik bir arp türü tasvir edilmiştir (Res. 37). Hokkabazlar performanslarında yalnızca onları kullandılar ve tüm arpçı toplulukları yaratılabilirdi. İrlandalılar ve Bretonlar en iyi arpçılar olarak kabul edildi. 16. yüzyılda. arp, Fransa'da fiilen ortadan kayboldu ve burada yalnızca yüzyıllar sonra modern haliyle ortaya çıktı.

İki koparılmış ortaçağ enstrümanından özel olarak bahsedilmelidir. Bunlar psaltery ve sifondur.

Eski psalterion, arpımıza belli belirsiz benzeyen, üçgen biçimli telli bir çalgıdır. Orta Çağ'da enstrümanın şekli değişti - minyatürlerde kare mezmurlar da temsil ediliyor. Oyuncu onu kucağında tuttu ve parmaklarıyla veya bir mızrapla yirmi bir tel çaldı (enstrümanın aralığı üç oktavdı). Mezmurun mucidi, efsaneye göre kuş gagasını mızrap olarak kullanan Kral Davut'tur. Strazburg Kütüphanesi'ndeki Gerard of Landsberg'in el yazmasından bir minyatür, İncil'deki kralı yavrularıyla oynarken tasvir ediyor (Şekil 38).

Ortaçağ Fransız edebiyatında mezmurlardan söz edilmeye başlanır. erken XII c., enstrümanların şekli çok farklı olabilirdi (Şek. 39 ve 40), sadece âşıklar tarafından değil, aynı zamanda kadınlar - asil hanımlar ve maiyetleri tarafından da çalınırdı. XIV.Yüzyılda. psalterion yavaş yavaş sahneyi terk ederek yerini harpsikorda bırakır, ancak klavsen, çift telli psalterionların özelliği olan kromatik sesi elde edemedi.

Bir dereceye kadar, 15. yüzyılda pratikte ortadan kaybolan başka bir ortaçağ enstrümanı sıvaya benzer. Bu bir sifon (şifoni) - Rus çark arpının Batı versiyonu. Ancak sifon, sap döndürüldüğünde üç düz tele değen tahta fırçalı çarkın yanı sıra sesini de düzenleyen tuşlarla donatılmıştır.Sifon üzerinde yedi tuş vardır ve bunlar yerleştirilmiştir. tekerleğin üzerinde döndüğünün karşısındaki uçta. Sifonu genellikle iki kişi çalardı, çalgının sesi kaynaklara göre ahenkli ve sessizdi. Boshville'deki (XII. yüzyıl) sütunlardan birinin başlığındaki bir heykelden alınan çizim, benzer bir oyun tarzını göstermektedir (Res. 41). En yaygın sifon XI-XII yüzyıllardaydı. XV.Yüzyılda. bir müzisyenin çaldığı küçük sifonia popülerdi. Paris Ulusal Kütüphanesi'ndeki "The Romance of Gerard de Nevers and the beautiful Ariane" adlı el yazmasında, kahramanı âşık kılığına girmiş ve yanında benzer bir çalgı ile tasvir eden bir minyatür vardır (Res. 42).

2. BÖLÜM Gitar Avrupa'yı Fethediyor

17. yüzyılda gitar Avrupa'yı fethetmeye devam etti.
O zamanın gitarlarından biri Londra'daki Royal College of Music müzesine ait. Melchior Dias adlı biri tarafından 1581'de Lizbon'da yaratıldı.
Bu gitarın yapısı, iki yüzyılı aşkın bir süredir müzik enstrümanlarının ustalarının eserlerinde tekrarlanacak özelliklere sahip.

Milano'daki Sforza Kalesi koleksiyonundan 17. yüzyıl İtalyan battente gitarı.

O zamanın tüm gitarları zengin bir şekilde süslenmişti. Zanaatkarlar, böylesine zarif bir ürünün üretimi için değerli malzemeler kullanır: nadir ahşaplar (özellikle siyah - abanoz), fildişi, kaplumbağa kabuğu. Alt güverte ve yanlar kakma ile dekore edilmiştir. Üst güverte, aksine, basit kalır ve iğne yapraklı ağaçtan (çoğunlukla ladin) yapılır. Titreşimi bastırmamak için sadece rezonatör deliği ve kasanın kenarları tüm çevresi boyunca ahşap mozaiklerle süslenmiştir.
Ana dekoratif unsur, kabartmalı deriden yapılmış bir rozettir. Bu rozet sadece tüm kabinin güzelliğine rakip olmakla kalmıyor, aynı zamanda üretilen sesleri de yumuşatıyor. Açıkçası, bu lüks enstrümanların sahipleri, sesin karmaşıklığı kadar güç ve güçle ilgilenmiyorlardı.
17. yüzyıl gitarlarının günümüze ulaşan ilk örneklerinden biri Paris Konservatuarı Müzik Aletleri Müzesi koleksiyonundadır. Zanaatkar Venedikli Cristofo Coco'nun adını ve 1602 tarihini taşır. Düz gövde tamamen kahverengi tahtadan dar şeritlerle tutturulmuş fildişi levhalardan yapılmıştır.

Augustine Quesnel Gitarist 1610

17. yüzyılda popüler olduğu İspanya'dan getirilen razgueado stili Avrupa'nın büyük bir kısmına yayıldı. Gitar, ciddi müzisyenler için eskiden sahip olduğu önemi hemen kaybeder. Louis de Briseno'nun "Metod" un önsözünde yazdığı gibi (Paris, 1626), "şarkı söylemek, oynamak, dans etmek, zıplamak ... ayaklarınızı yere vurmak" için artık yalnızca eşlik için kullanılıyor.
Bordeaux'lu teorisyen Pierre Trichet de üzüntüyle belirtiyor (c. 1640): "Gitar veya hyterna, Fransızlar ve İtalyanlar arasında yaygın olarak kullanılan bir enstrümandır, ama özellikle İspanyollar arasında, onu başka hiçbir yerde olmadığı kadar dizginsizce kullananlar. ulus." Dans eden danslara müzik eşliğinde hizmet ediyor, "her tarafı seğiriyor, gülünç ve gülünç bir şekilde el hareketleri yapıyor, böylece enstrümanı çalmak belirsiz ve kafası karışmış hale geliyor." Pierre Trichet, gözlemlemek zorunda kaldığı şeye kızarak devam ediyor: "Fransa'da İspanyol modasına aşina olan hanımlar ve fahişeler onu taklit etmeye çalışıyor. Bunda, kendi evlerinde güzelce yemek yemek yerine komşuya gidip domuz pastırması, soğan ve kara ekmek yiyenlere benzerler.

David Teniers Genç Gitarist

Mattia Pretti Konseri 1630'lar

Buna rağmen gitar Fransa'da popüler olmaya devam ediyor. Gitar balede rahatlıkla kullanılır. The Fairy of Saint-Germain's Forest (1625) ve The Rich Widow'da (1626), İspanyol kostümleri giymiş müzisyenler daha fazla güvenilirlik uğruna gitar çalıyorlar. İlk balede, chaconne icracıları "gitarlarının seslerini ayaklarının çevik hareketlerine uyarlar". Majesteleri tarafından Louvre'un Büyük Salonunda sahnelenen ikincisinde, el bombalarının girişi de gitar eşliğinde açılır. Mercure de France'a göre, XIII.Louis bu performansta iki sarabande dansçıya gitarda eşlik etti.

Gerrit van Honthorst Gitar Çalıyor 1624

Jan Vermeer Gitarist 1672

17. yüzyılın ortalarında gitarda yeni bir altın çağ başlıyor. Ve bu kez güncelleme Fransa'dan geliyor. Ünlü öğretmen ve müzisyen Francesco Corbetta (1656), genç Fransız kralına gitar öğretmek için mahkemeye çağrılır. Louis XIV'ün on sekiz ayda öğretmenini geride bıraktığını (bazı saray mensuplarının aksine) iddia etmeye cesaret edememekle birlikte, kralın enstrümana olan gerçek tutkusundan şüphe edilemez. Saltanatı sırasında gitar yeniden aristokrasinin ve bestecilerin sevgilisi olur. Ve yine gitar modası tüm Avrupa'yı fethediyor.

Pieces for Guitar'ın eski bir baskısının kapağından gravür. 1676

Francisco Goya Nehir Kıyısında Dans 1777

Francisco Goya Kör Gitarist 1788

Ramon Baie Gitarı olan genç bir adam. 1789 Prado Müzesi. Madrid

Louis XIV'in (ö. 1715) saltanatının sonunda, gitar tarihinde bir dönüm noktası gelir - kraliyet mahkemesi ona kayıtsız kalır.
Ancak yine de halk arasında popülerdir. Ismarladığı portrede Matmazel de Charolais, elinde tellerini hafifçe çalan bir gitarla sunulur. Watteau ve Lancret, gitarı aşk sahnelerinin tasvirine dahil ediyor. Ve aynı zamanda, komedi oyuncuları ve gezici komedyenler için bir araçtır!
Watteau ve Lancret'in çalışmaları ve gitar, Fransız resminin ayrı bir sayfasıdır, bu yüzden bu malzemede bu sanatçılara ayrı galeriler ayırmaya karar verdim.

Jean Antoine Watteau
Jean Antoine Watteau

Rosalba Carriere Jean-Antoine Watteau'nun Portresi 1721

Fransız ressam ve ressam, Rokoko stilinin kurucusu ve en büyük ustası. 1698-1701'de Watteau, ısrarı üzerine Rubens, Van Dyck ve diğer Flaman ressamların eserlerini kopyaladığı yerel sanatçı Gerin ile çalıştı. 1702'de Watteau Paris'e gitti ve kısa süre sonra modern tiyatro hayatından sahneler çizen bir tiyatro sanatçısı ve dekoratör olan Claude Gillot'un şahsında bir öğretmen ve patron buldu. Watteau, öğretmenini beceri ve yakl. 1708, dekoratör Claude Audran'ın stüdyosuna girdi. 1709'da Watteau, Sanat Akademisi Grand Prix'sini kazanmayı başaramadı, ancak çalışmaları, aralarında hayırsever ve resim uzmanı Jean de Julienne, sanat tüccarı Edmond Francois Gersin, bankacı da dahil olmak üzere birçok etkili kişinin dikkatini çekti. ve sanatçının bir süre evinde yaşadığı koleksiyoncu Pierre Crozat vb. 1712'de Watteau akademisyen unvanıyla tanıştı ve 1717'de Kraliyet Resim ve Heykel Akademisi'ne üye oldu. Watteau, 18 Temmuz 1721'de Nogent-sur-Marne'de öldü.

Jean-Antoine Watteau İtalyan komedisi 1714

Jean Antoine Watteau, Pierre Crozat 1714-16 Parkı'ndaki Ağaçların Arasından Görünüm

Jean-Antoine Watteau Gilles ailesiyle birlikte 1716

Jean Antoine Watteau Pierrot'un hikayesi

Jean Antoine Watteau Aşk Şarkısı 1717

Jean-Antoine Watteau Mezzetin 1717-19

Nicola Lancre
Nicolas Lancret

Nicolas Lancre Otoportre 1720

Fransız sanatçı, Paris'te doğdu. Önce Pierre Dulin ile çalıştı ve ardından yaklaşık 1712'den itibaren, çalışmaları üzerinde büyük etkisi olan Jean Antoine Watteau ile tanıştığı Claude Gillot'un rehberliğinde birkaç yıl çalıştı. Lancre, Watteau ile aynı konulara yöneldi: İtalyan commedia dell'arte karakterlerini ve "cesur şenlikler" sahnelerini yazdı. Ayrıca La Fontaine'in masallarını resimledi ve tür resimleri yarattı. Lancret 1743'te Paris'te öldü.

Parkta Nicola Lancret Konseri 1720

Nicola Lancre Bahçede Tatil

Parkta Nicola Lancre Konseri

Nicola Lancre cesur sohbet

Michel Brenet'e göre gitarın yeni yükselişi, salonlarda performans sergileyen iki yetenekli şarkıcının ortaya çıkmasıyla ilişkilendiriliyor. Kendilerine eşlik ederek düet yapıyorlar. Bunlar ünlü Pierre Geliot ve Pierre de la Garde.
Michel Bartolomeo Olivier'nin ünlü tablosu İngilizce Çay ve Prenses de Conti'nin Evinde Bir Konser bu laik toplantıların atmosferini aktarıyor.

müzik aletlerini tasvir eden çok sayıda resim var. Sanatçılar, farklı tarihsel dönemlerde benzer konulara yöneldiler: antik çağlardan günümüze.

Yaşlı Brueghel, Jan
İŞİTME (parça). 1618

Müzik aletleri görsellerinin sanat eserlerinde sıklıkla kullanılması, müzik ve resim arasındaki yakın ilişkiden kaynaklanmaktadır.
sanatçıların resimlerinde müzik aletleri sadece değil dönemin kültürel yaşamı ve o döneme ait müzik aletlerinin gelişimi hakkında fikir vermekle birlikte, aynı zamanda bazı sembolik anlamları vardır.

melozzo

evet forli
Melek
1484

Uzun zamandır aşk ve müziğin ayrılmaz bir şekilde bağlantılı olduğuna inanılıyor. Ve müzik aletleri yüzyıllardır aşk duygularıyla ilişkilendirilmiştir.

Ortaçağ astrolojisi, tüm müzisyenleri aşk tanrıçası "Venüs'ün çocukları" olarak görüyordu. Farklı dönem sanatçılarının birçok lirik sahnesinde müzik aletleri önemli bir rol oynar.

Jan Mens Molenaer
Arkadaki bayan
17. yüzyıl
17. yüzyıldan kalma bir Hollanda atasözünde de görüldüğü gibi, müzik uzun bir süre aşkla ilişkilendirilmiştir: "Lud ve spinet çalmayı öğrenin, çünkü tellerin kalpleri çalma gücü vardır."

andrea solario
lavtalı kadın

Vermeer'in bazı resimlerinde müzik, Ana teması. Bu müzik enstrümanı resimlerinin olay örgüsünde ortaya çıkışı, karakterlerin rafine ve romantik ilişkilerine ince bir ima olarak yorumlanıyor.

"Müzik Dersi" (, Kraliyet Meclisi, St. James Sarayı).

Bir klavsen türü olan virginal, ev müziği için bir müzik aleti olarak çok popülerdi. Uzmanlar, görüntünün doğruluğuna göre, dünyaca ünlü Antwerp'teki Ruckers atölyesinde yapıldığını tespit edebildi. Bakirenin kapağındaki Latince yazıt şöyledir: "Müzik, neşe arkadaşı ve üzüntülerde şifacıdır."

Müzisyenler genellikle Rokoko stilinin kurucusu Fransız ressam Jean Antoine Watteau'nun resimlerinde karakter oldular.

Watteau'nun çalışmalarının ana türü "cesur şenlikler"dir: aristokrat bir toplum,
doğanın koynunda, sohbet, dans, müzik ve flört ile meşgul

Benzer bir görüntü çemberi, Fransa'nın yaratıcı çevrelerinde son derece popülerdi. Bu, Watteau'nun bazı resimlerinin, sanatçının çağdaşı ve Fransız besteci François Couperin'in klavsen parçalarıyla aynı adlara sahip olmasıyla kanıtlanmaktadır. İnce duyarlı uzmanlar, Watteau'nun yalnızca pitoreskliğini değil, aynı zamanda müzikalitesini de takdir ettiler. “Watto, F. Couperin ve C.F.E. Bach," dedi büyük sanat filozofu Oswald Spengler (Ek II).

Ayrıca müzik aletleri mitolojik karakterlerle ilişkilendirilebilir.

Pek çok müzik aleti ilham perilerini sembolize eder ve onların vazgeçilmez nitelikleridir. Yani Clio için tarihin ilham perileri trompettir; Euterpe için (müzik, lirik şiir) - bir flüt veya başka bir müzik aleti; Thalia için (komedi, pastoral şiir) - küçük bir viyola; Melpomene için (trajedi) - bir borazan; Terpsichore (dans ve şarkı) için - viyola, lir veya diğer telli çalgılar;

Erato için (lirik şiir) - tef, lir, daha az sıklıkla bir üçgen veya viyola; Calliope için (epik şiir) - trompet; polihymnia için (kahramanca ilahiler) - taşınabilir bir organ, daha az sıklıkla - bir lavta veya başka bir enstrüman.

Urania dışındaki tüm İlham perilerinin sembolleri veya nitelikleri arasında müzik aletleri vardır. Neden? Bu, şu gerçeğiyle açıklanmaktadır: antik çağçeşitli türlerden şiirler şarkı söyleyen bir sesle söylendi ve bir dereceye kadar müzikal bir unsur içeriyordu. Bu nedenle, çeşitli şiir türlerini koruyan ilham perilerinin her birinin kendi enstrümanı vardı.

Dirk Hals
Müzisyenler
16'ncı yüzyıl

Enstrümanların sembolik anlamı tam olarak bu karakterlerle ilişkilendirilir. Örneğin, Orta Çağ ve Rönesans Avrupa kültüründeki arp, mezmurların efsanevi yazarı, İncil'deki Kral Davut ile güçlü bir şekilde ilişkilendirildi. Büyük kral, politikacı, savaşçı aynı zamanda en büyük şair ve müzisyendi; Aziz Augustine, David'in arpının on telinin sembolizmi aracılığıyla İncil'deki on emrin anlamını açıkladı. Resimlerde, David genellikle bu enstrümanı çalan bir çoban olarak tasvir edilmiştir.

Jan de Bray. David arp çalıyor. 1670

Böyle bir yorum İncil hikayesi Kral Davut'u lir çalarak hayvanları sakinleştiren Orpheus'a yaklaştırdı.

(C) Altın arp, Kelt tanrısı Dagda'nın bir özelliğiydi. Keltler, arpın üç kutsal melodi üretebildiğini söylediler. İlk melodi bir hüzün ve şefkat melodisidir. İkincisi uyku getirir: onu dinlediğinizde ruh bir huzur hali ile dolar ve uykuya dalar. Arpın üçüncü ezgisi neşe ve baharın dönüşü ezgisidir.

Kutsal korularda arp sesleriyle Keltlerin rahipleri olan druidler tanrılara döndüler, şanlı işlerini söylediler ve ayinler yaptılar. Savaşlar sırasında, yeşil çelenklerle taçlandırılmış küçük arplı ozanlar tepelere tırmanır ve savaşçılara cesaret aşılayarak dövüş şarkıları söylerdi.

Dünyanın tüm ülkeleri arasında, yalnızca İrlanda'nın arması bir müzik aletini tasvir ediyor. Bu, telleri gümüş olan altın bir arp. Uzun zamandır Arp, İrlanda'nın hanedan sembolüydü. 1945'ten beri arması da olmuştur.

W. Bosch - "Dünyevi sevinçlerin bahçesi" -
Bu çalgının tellerinde çarmıha gerilmiş bir adamın resmi vardır. Burada, muhtemelen, bir kişinin dünyevi yaşamı boyunca yaşadığı sevgi ve gerilimi, ıstırabı, şokları aynı anda ifade eden sicim geriliminin sembolizmi hakkındaki fikirler yansıtılıyor.

Hıristiyanlığın ve kutsal kitaplarının yayılmasıyla birlikte sanatçılar tarafından müzik aletleriyle melek tasvirleri sıklaşır. Müzik aletleri çalan melekler, 12. yüzyıldan kalma İngilizce el yazmalarında görülür. Gelecekte, bu tür görüntülerin sayısı sürekli artıyor.

Meleklerin elinde bulunan birçok müzik aleti, şekilleri ve tasarımları, kombinasyonlarının özellikleri hakkında fikir vermekte ve ayrıca o dönemde var olan müzik toplulukları hakkında bilgi sahibi olmanızı sağlamaktadır.

Rönesans'ta geliyor en güzel saat» melekler için. Resim ustaları, bu mükemmel ve uyumlu kreasyonlardan giderek daha fazla ilham alıyor.

Rönesans sanatçılarının eserlerinde Tanrı'yı ​​\u200b\u200byücelten sahneler, o dönemin müzik kültürünü inceleyebileceğiniz gerçek melek konserlerine dönüşüyor. Org, lavta, keman, flüt, arp, ziller, trombon,viola da gamba ... Bu, meleklerin çaldığı enstrümanların tam listesi değildir.

Piero della Francesca.
Noel. Londra. Ulusal Galeri. 1475

müzik aletlerinin görüntüleri birkaç gruba ayrılabilir:

1) lirik olay örgülerinde müzik aletleri kullanılır;

2) müzik aletlerinin görüntüsünün, ilham perilerini sembolize ettikleri ve vazgeçilmez nitelikleri oldukları antik gibi mitolojiyle bir bağlantısı vardır:

3) Hıristiyanlıkla ilgili olay örgülerinde, müzik aletleri çoğunlukla en yüce fikirleri ve imgeleri kişileştirir ve İncil tarihinin doruklarına eşlik eder;

4) enstrüman görüntüleri ayrıca enstrüman toplulukları ve müzik teknikleri hakkında fikir verir,

mevcut tarihi dönem bir resim oluşturmak;

5) genellikle belirli enstrümanların görüntüsü, örneğin Vanitas konulu natürmortlarda olduğu gibi felsefi fikirler taşır;

6) aletlerin sembolizmi, örneğin Bosch'un Dünyevi Zevkler Bahçesi tablosunda olduğu gibi, sanatçının niyetine ve resmin genel içeriğine (bağlam) bağlı olarak değişebilir.
büyüleyici ve ben ve bazen sanatın gizemli yönü.
Sonuçta, birçok eski aletler, müzik toplulukları, çalım teknikleri artık sadece resimlerde görülebiliyor.

Hendrik van Balen
Apollon ve İlham Perileri

Judith Leyster
genç flütçü
1635

Arplı bayan
1818

John Meliush Stradwick Vespers
1897

Jean Van Biglert
Konser

E.Degas
Fagot (detay)

Flüt, en eski müzik aletlerinden biridir. Enine ve boyunadırlar. Boyuna olanlar, oluğun üst ucundaki deliğe hava üfleyerek dümdüz önde tutulur. Enine olanlar, oluğun yan deliğine hava üfleyerek yatay bir yönde tutulur.

Uzunlamasına flütten ilk söz Yunan mitolojisinde ve Mısır tarihinde (MÖ 3. bin yıl) mevcuttur.

Çin'de, beş veya altı parmak deliği olan enine bir oluğun ilk sözü, tıpkı Japonya ve Hindistan'da olduğu gibi, MÖ 1. binyıla kadar uzanıyor. Flüt tasarımındaki devrim niteliğindeki değişiklikler, Theobald Boehm'in yardımıyla on dokuzuncu yüzyılın tam ortasında gerçekleşti.

Modern flütler nefesli çalgılar olsalar da genellikle altın, gümüş ve hatta platin kullanılarak metal alaşımlarından yapılırlar. Bu, onlara geçmiş yüzyıllarda metal flütlerden önce gelen tahta flütlerden daha parlak bir ses ve çalması daha kolay verir.

Flüt, bir senfoni orkestrasındaki en virtüöz enstrümanlardan biridir. Pariaları arpejler ve pasajlarla doludur.

Pirinç müzik aletleri

Pirinç aletler - grup rüzgar müzik aletleri Üflenen hava akışının gücünü veya dudakların konumunu değiştirerek harmonik ünsüzler elde etmek olan çalma ilkesi.

"Bakır" adı tarihsel olarak bu aletlerin yapıldığı malzemeye kadar uzanır, zamanımızda bakırın yanı sıra genellikle imalatlarında kullanılırlar. pirinç, daha az sıklıkla gümüş ve Orta Çağ ve Barok'un bazı enstrümanları benzer bir ses üretme yöntemiyle (örneğin, yılan ) tahtadan yapılmıştır.

Pirinç enstrümanlar arasında modern boynuz, trompet, kornet, flugelhorn, trombon, tuba . Ayrı bir grup ise saksofon . Eski pirinç aletler -çuval (modern trombonun selefi), yılan ve diğerleri Bazı halk çalgıları da bakırdır, örneğin Orta Asya karnay.

Pirinç enstrümanların tarihi

Boşluğa üfleme sanatı korna hayvanın veya bir kabuğun içinde olduğu zaten eski zamanlarda biliniyordu. Daha sonra insanlar, metalden, boynuza benzeyen ve askeri, avcılık ve dini amaçlar için tasarlanmış özel aletler yapmayı öğrendiler.

Modern pirinç enstrümanların ataları av kornaları, askeri kornalar ve posta borularıdır. Mekanizması olmayan bu aletler vanalar birkaç ses verdidoğal ölçek , yalnızca oyuncunun dudaklarının yardımıyla alındı. Buradan, müzik pratiğinde sağlam bir şekilde yerleşmiş olan, doğal ölçeğin seslerine dayanan askeri ve avcılık tantanaları ve işaretleri ortaya çıktı.

Metal işleme teknolojisinin ve metal ürünlerin üretiminin gelişmesiyle, rüzgar enstrümanları için belirli boyutlarda ve istenen bitirme derecesinde borular üretmek mümkün hale geldi. Bakır rüzgar borularının gelişmesi ve üzerlerindeki doğal ölçekten önemli miktarda ses çıkarma sanatının gelişmesiyle birlikte kavram ortaya çıktı.doğal aletler yani, mekanizması olmayan, yalnızca doğal bir ölçek üretebilen aletler.

19. yüzyılın başında, performans tekniğini önemli ölçüde değiştiren ve pirinç üflemeli çalgıların yeteneklerini artıran valf mekanizması icat edildi.

Bakır aletlerin sınıflandırılması

Pirinç üflemeli çalgılar birkaç aileye ayrılır:

• Vana araçları icracının parmakları tarafından kontrol edilen birkaç kapısı (genellikle üç veya dört) vardır. Valfin prensibi, ana boruya anında aletin uzunluğunu artıran ve tüm sistemini alçaltan ek bir taç eklemektir. Farklı uzunluklardaki tüpleri birbirine bağlayan birkaç valf, kromatik bir ölçek elde etmeyi mümkün kılar. Modern pirinç aletlerin çoğu valflidir - kornalar, trompetler, tubalar, saksafonlar vb. Valfin iki tasarımı vardır - "döner" ve "ayakta" (piston).
• boyunduruk araçları U şeklinde özel bir geri çekilebilir tüp kullanın - hareketi kanaldaki havanın uzunluğunu değiştiren, böylece çıkarılan sesleri azaltan veya artıran bir sahne. Müzikte kullanılan başlıca rock enstrümanı trombondur.
• doğal aletler ek tüpleri yoktur ve yalnızca doğal skaladaki sesleri çıkarabilirler. 18. yüzyılda özeldoğal korna orkestraları . 19. yüzyılın başlarına kadar müzikte yaygın olarak kullanılan doğal çalgılar, daha sonra kapak mekanizmasının icadıyla kullanılmaz hale geldi. Doğal enstrümanlar bazen 19.-20. yüzyıl bestecilerinin (Wagner, R. Strauss, Ligeti) özel müzik için notalarında da bulunur ses efektleri. Doğal enstrümanlar arasında antik trompetler ve Fransız kornolarının yanı sıraalp boynuzu , tantana, borazan, sinyal kornaları (avlanma, posta) ve benzerleri.
• Valf Aletleri gövdesinde icracının parmaklarıyla açılıp kapanan delikler vardırnefesli çalgılar . Bu tür enstrümanlar 18. yüzyıla kadar yaygındı, ancak onları çalmanın bazı sakıncaları nedeniyle, onlar da kullanılmaz hale geldi. Temel Valfli Pirinç Aletler - kornet (çinko), yılan , ophicleid, vana borusu . Ayrıca içerirler posta kornası.

Günümüzde erken dönem müziğe olan ilginin canlanmasıyla birlikte, doğal ve valfli enstrümanlar üzerinde çalmak yeniden bir pratik haline geliyor.

Pirinç aletler akustik özelliklerine göre de sınıflandırılabilir:

• Tam dolu― harmonik ölçeğin temel tonunu çıkarabileceğiniz enstrümanlar.
• yarım― ana tonun çıkarılamadığı ve gamın ikinci armonik ünsüzle başladığı enstrümanlar.

Müzikte üflemeli çalgıların kullanımı

Pirinç üflemeli çalgılar, çeşitli müzik türlerinde ve bestelerde yaygın olarak kullanılmaktadır. Bir parçası olarakSenfoni Orkestrası ana gruplarından birini oluştururlar. Bir senfoni orkestrasının standart bileşimi şunları içerir:

• Boynuzlar (ikiden sekize kadar çift sayı, çoğunlukla dört)
• Borular (ikiden beşe, çoğunlukla ikiden üçe)
• Trombonlar (genellikle üç: iki tenor ve bir bas)
• Tüp (genellikle bir)

19. yüzyılın notalarında, senfoni orkestrası da sıklıkla yer aldı. kornetler ancak performans tekniklerinin gelişmesiyle birlikte parçaları borular üzerinde yapılmaya başlandı. Diğer pirinç enstrümanlar orkestrada yalnızca ara sıra görünür.

Bakır aletler temeldirbando , yukarıdaki araçlara ek olarak şunları da içerir: saksofon farklı boyutlar.

Pirinç için solo edebiyat oldukça fazladır - doğal borular ve kornalar üzerinde virtüöz icracılar Barok çağın başlarında zaten vardı ve besteciler bestelerini onlar için isteyerek yarattılar. Romantizm çağında üflemeli çalgılara olan ilgideki bir miktar düşüşün ardından, 20. yüzyılda nefesli çalgılar için yeni icra olanakları keşfedildi ve repertuarlarında önemli bir genişleme oldu.

Oda topluluklarında, pirinç aletler nispeten nadiren kullanılır, ancak bunlar en yaygın olan topluluklarda birleştirilebilirler. pirinç beşli (iki trompet, boru, trombon, tuba).

Trompet ve trombonlar önemli bir rol oynamaktadır. caz ve bir dizi başka çağdaş müzik türü.

Ksilofon

Ksilofon(Yunancadan. ξύλον - ağaç + φωνή - ses) -vurmalı çalgı belirli bir perde ile. Belirli notalara göre ayarlanmış, farklı boyutlarda bir dizi ahşap bloktur. Çubuklara küresel uçlu sopalarla veya küçük kaşıklara benzeyen özel çekiçlerle vurulur (müzisyenlerin jargonunda bu çekiçlere "keçi bacağı" denir).

tını ksilofon keskin ve kuvvetlidir ve piyanoda yumuşaktır.

Enstrümanın tarihi

Ksilofonun eski bir kökeni vardır - bu türden en basit enstrümanlar farklı insanlar arasında olmuştur ve hala bulunmaktadır. Afrika, Güneydoğu Asya , Latin Amerika .

Avrupa'da, ksilofonun ilk sözü 16. yüzyılın başlarına kadar uzanıyor: Arnolt Schlick, müzik enstrümanları üzerine bir incelemede, hueltze glechter adlı benzer bir enstrümandan bahsediyor. 19. yüzyıla kadar, Avrupa ksilofonu, bir zincire bağlanmış ve çalmak için düz bir yüzeye yerleştirilmiş yaklaşık iki düzine ahşap çubuktan oluşan oldukça ilkel bir enstrümandı. Böyle bir enstrümanı taşımanın rahatlığı gezici müzisyenlerin ilgisini çekmiştir.

Guzikov tarafından geliştirilmiş ksilofon

Ksilofonun gelişimi 1830'lara kadar uzanıyor. Belaruslu müzisyen Mikhoel Guzikov aralığını iki buçuk oktava çıkardı ve ayrıca tasarımı değiştirerek çubukları dört sıra halinde özel bir şekilde düzenledi. Ksilofonun bu modeli yüz yıldan fazla bir süredir kullanılmaktadır.

Modern bir ksilofonda, çubuklar piyano tuşları gibi iki sıra halinde düzenlenmiş, kalay tüp şeklinde rezonatörlerle donatılmış ve hareket kolaylığı için özel bir masa sehpası üzerine yerleştirilmiştir.

Ksilofonun müzikteki rolü

Ksilofonun bir orkestrada bilinen ilk kullanımı Yedi Varyasyon'dur.Ferdinand Cauer 1810'da yazılmış yıl. Fransız besteci Kastner eserlerinde kendi bölümlerine yer vermiştir. Ksilofonun dahil olduğu en ünlü bestelerden biri senfonik bir şiirdir.Camille Saint-Saens "Ölüm dansı" ( 1872 ).

Şu anda, ksilofonSenfoni Orkestrası , sahnede, son derece nadiren - solo bir enstrüman olarak (ksilofon ve orkestra için "Japon gravürlerinin temaları üzerine fantezi", Op. 211, ( 1964) Alana Hovaness).

domra

Domra, eski bir Rus telli müzik aletidir. Kaderi şaşırtıcı ve kendi türünde benzersiz.

Domra'nın nereden geldiği, Rusya'da nasıl ve ne zaman ortaya çıktığı araştırmacılar için hala bir muamma olmaya devam ediyor. Tarihi kaynaklarda domra hakkında çok az bilgi korunmuştur, eski Rus domrasının daha da az görüntüsü bize ulaşmıştır. Ve bize gelen belgelerde domraların mı yoksa o günlerde yaygın olan diğer bazı koparma aletlerinin mi tasvir edildiği de bilinmiyor. Domra'nın ilk sözü 16. yüzyıl kaynaklarında bulundu. Domra'dan o dönemde Rusya'da oldukça yaygın olan bir çalgı olarak söz ediliyor.

Şu anda, domranın kökenine dair en olası iki versiyon var. İlk ve en yaygın olanı, Rus domrasının doğu kökleri hakkındaki versiyondur. Gerçekten de, tasarım ve ses çıkarma yöntemi bakımından benzer enstrümanlar Doğu ülkelerinin müzik kültürlerinde vardı ve hala var. Kazak dombrasını, Türk bağlamasını veya Tacik rubabını daha önce gördüyseniz veya duyduysanız, hepsinin yuvarlak veya oval bir şekle, düz bir ses tahtasına sahip olduğunu, sesin farklı frekans ve yoğunlukta bir mızrap vurularak çıkarıldığını fark etmişsinizdir. Genel olarak tüm bu enstrümanların tek bir atası olduğu kabul edilir - doğu tanburu. Oval bir şekle ve düz bir ses tahtasına sahip olan tamburdu, doğaçlama malzemelerden oyulmuş özel bir çiple - bir mızrapla çaldılar. Muhtemelen daha sonra bir domraya dönüşen enstrüman, ya Tatar-Moğol boyunduruğu sırasında ya da Doğu ülkeleri ile ticari ilişkiler sırasında getirilmiştir. Ve "domra" adının da şüphesiz bir Türk kökü vardır.

Başka bir versiyon, domra'nın soyunu Avrupa udundan aldığı varsayımından hareket eder. Prensip olarak, Orta Çağ'da gövdesi, boynu ve telleri olan herhangi bir telli çalgıya lavta deniyordu. Lavta da bir doğu enstrümanından - Arapça al-ud'dan geliyordu. Belki de domranın görünümü ve tasarımı Batı, Avrupa, Slavların enstrümanlarından, örneğin Polonya-Ukrayna kobzasından ve onun geliştirilmiş versiyonundan - banduradan etkilenmiştir. Sadece bandura, doğrudan lavtadan çok şey ödünç aldı. Orta Çağ'da Slavların sürekli olarak karmaşık tarihsel ve kültürel ilişkiler içinde oldukları göz önüne alındığında, elbette domra, o zamanın tüm Avrupa telli çalgılarına da benzer sayılabilir.

Bu nedenle, bugüne kadar elde edilen bilgi ve araştırmalara dayanarak, domranın, devletimizin kültür ve tarihindeki pek çok şey gibi, hem Avrupa hem de Asya özelliklerini birleştiren tipik bir Rus enstrümanı olduğu sonucuna varabiliriz.

Bununla birlikte, domranın gerçek kökeni ne olursa olsun, bu isimde bir enstrümanın Rusya'da var olduğu ve 16.-17. yüzyıllarda Rus kültürünün ayrılmaz bir parçası olduğu iyi bilinmektedir. Araştırmacıların meşhur atasözünden de anlaşılacağı gibi, soytarı müzisyenleri tarafından çalınırdı, “İyi ki soytarılar domraları hakkındadır”. Dahası, kraliyet sarayında, temeli domraları, arpları, kornaları ve diğer eski Rus müzik aletleriyle soytarılardan oluşan bir tür müzik ve eğlence grubu olan bütün bir "Eğlence Odası" vardı. Ek olarak, bazı araştırmacılara göre, o zamanlar domra zaten bir topluluk çeşitleri ailesi oluşturmuştu. En küçük ve gıcırtılı olana "domrishka", en büyük ve en düşük sesli - "bas domra" adı verildi.

Domra ve domra icracılarının - soytarılar ve "domrachi" nin halk arasında oldukça popüler olduğu da biliniyor. Her devirde ve bütün halklar arasında her türlü kutlamalar, şenlikler ve halk bayramları şarkılar ve çalgılar eşliğinde yapılırdı. Orta Çağ'da Rusya'da, "domracheev", "goosemen", "skrypotchikov" ve diğer müzisyenlerin çoğu halkı eğlendiriyordu. Domrada bir arp gibi halk destanlarına, destanlara, efsanelere eşlik ederler ve türkülerde domra ezgili çizgiyi destekler. Mahkemeye ve Sibirya'ya teslimatlarının kayıtları tarihi belgelerde saklanan domra ve domra iplerinin el yapımı üretiminin kurulduğu gerçek olarak biliniyor ...

Muhtemelen domra yapma teknolojisi şu şekildeydi: tek bir tahta parçasından bir gövde oyulmuş, ona bir sopa-akbaba takılmış, ipler veya hayvan damarları çekilmiştir. Bir şerit, bir tüy, bir balık kılçığı ile oynadılar. Görünüşe göre nispeten basit bir teknoloji, aletin Rusya'da yaygın olarak kullanılmasına izin verdi.

Ancak burada domra tarihinin en dramatik anı gelir. Laik kültürün gelişmesinden endişe duyan kilise bakanları, müzisyenlere karşı silaha sarıldı ve soytarıların performanslarını "şeytani oyunlar" ilan etti. Sonuç olarak, 1648'de Çar Alexei Mihayloviç, masum enstrümanların - "şeytani oyunların" araçlarının toplu imhasına ilişkin bir kararname çıkardı. Ünlü kararname şöyledir: "Domras, surns, bip sesleri, psaltery ve hari ve her türden vızıldayan gemiler nerede olacak ... ele geçirme emri verildi ve bu şeytani oyunları bozarak yakılması emredildi." 17. yüzyıl Alman seyyahı Adam Olearius'a göre, Rusların genel olarak enstrümantal müzik yapması yasaklandı ve bir kez halktan alınan enstrümanlarla dolu birkaç araba Moskova Nehri'nden geçirilip orada yakıldı. Hem müzisyenler hem de genel olarak soytarılık zulüm gördü.

Belki de kaderin böylesine trajik bir cilvesi dünyadaki hiçbir müzik aletinin başına gelmemiştir. Yani, ister barbarca bir imha ve yasaklama sonucu, ister başka nedenlerle, ancak 17. yüzyıldan sonra, araştırmacılar eski domradan önemli bir söz bulamıyorlar. Eski Rus enstrümanının tarihi burada bitiyor ve buna bir son verilebilirdi, ama ... Domra'nın kaderi tam anlamıyla küllerden yeniden doğmaktı!

Bu, olağanüstü yetenekli ve olağanüstü bir kişi olan olağanüstü bir araştırmacı ve müzisyenin - Vasily Vasilyevich Andreev'in faaliyetleri sayesinde oldu. 1896'da Vyatka eyaletinde, yarım küre gövdeli bilinmeyen bir alet keşfetti. Görünüşünden bunun domra olduğunu varsayarak yanına gitti. ünlü usta Semyon İvanoviç Nalimov. Birlikte, bulunanın şekline ve tasarımına dayalı olarak yeni bir enstrümanın tasarımını geliştirdiler. Tarihçiler hala Andreev'in bulduğu enstrümanın gerçekten eski bir domra olup olmadığını tartışıyorlar. Yine de 1896'da yeniden yapılan enstrümana "domra" adı verildi. Yuvarlak bir gövde, orta uzunlukta bir boyun, üç telli, dördüncü bir sistem - yeniden yapılanmış domra böyle görünüyordu.

O zamana kadar Andreev'in zaten bir balalayka orkestrası vardı. Ancak parlak fikrini gerçekleştirmek için, Büyük Rus Orkestrası'nın önde gelen bir melodik enstrüman grubuna ihtiyacı vardı ve yeni yetenekleriyle restore edilmiş domra bu rol için idealdi. Büyük Rus Orkestrası'nın yaratılış tarihi ile bağlantılı olarak, bir tane daha bahsetmeye değer. seçkin kişi, bu olmadan, belki de fikir somutlaşmasını bulamazdı. Bu, Andreev'in en yakın ortağı olan piyanist ve profesyonel besteci Nikolai Petrovich Fomin. Fomin'in profesyonel yaklaşımı sayesinde Andreev'in çevresi, önce amatör olarak müzik notaları okudu, profesyonel bir temelde durdu ve ardından performanslarıyla hem Rusya'da hem de yurtdışında dinleyicileri fethetti. Ve eğer Andreev öncelikle bir fikir üreteciyse, o zaman Fomin, aslında domraların ve balalaykaların tam teşekküllü akademik araçlar olarak gelişme yoluna girdiği kişi oldu.

Ama domra'ya geri dönelim. 1896-1890 döneminde. V. Andreev ve S. Nalimov, topluluk domra çeşitleri tasarladılar. Ve yeni doğumundan sonraki ilk birkaç on yılda domra, orkestra ve topluluk performansına uygun olarak gelişti.

Bununla birlikte, neredeyse anında, Andreev domrasının yetenekleri üzerindeki bazı sınırlamalar ortaya çıktı ve bununla bağlantılı olarak, onu yapıcı bir şekilde geliştirmek için girişimlerde bulunuldu. Asıl görev, enstrümanın menzilini genişletmekti. 1908'de şef G. Lyubimov'un önerisi üzerine usta S. Burov, beşinci sistemle dört telli bir domra yarattı. "Dört telli" bir keman aralığı aldı, ancak maalesef tını ve renk açısından "üç telli" den daha düşüktü. Daha sonra, topluluk çeşitleri ve dört telli domralardan oluşan bir orkestra da ortaya çıktı.

Domraya olan ilgi her yıl arttı, müzikal ve teknik ufuklar genişledi, virtüöz müzisyenler ortaya çıktı. Son olarak, 1945'te, Rus halk enstrümanlarından oluşan bir orkestra ile domra için ilk enstrümantal konçerto yaratıldı. ünlü konser g-moll Nikolai Budashkin, orkestra şefinin isteği üzerine yazılmıştır. Osipov Aleksey Simonenkov. Bu etkinlik açıldı yeni Çağ domra tarihinde. İlk enstrümantal konserin gelişiyle domra, solo, virtüöz bir enstrüman haline gelir.

1948'de Moskova'da I.I. Devlet Müzik ve Pedagoji Enstitüsü'nde Rusya'daki ilk halk çalgıları bölümü açıldı. Gnesinler. İlk domra öğretmeni oldu olağanüstü besteci Yu Shishakov ve ardından orkestranın genç solistleri. Osipova V. Miromanov ve A. Alexandrov - üç telli domra çalmanın ilk okulunun yaratıcısı. Yüksek mesleki eğitim sayesinde, aslen halk enstrümanı domra, senfoni orkestrasının enstrümanları için yüzyıllar süren akademik sahnede kısa sürede yolu geçti (sonuçta keman bir zamanlar bir halk enstrümanıydı!).

Domra performansı dev bir hızla ilerliyor. 1974'te, halk enstrümanları üzerine I Tüm Rusya sanatçı yarışması düzenlendi, yarışmanın kazananları olağanüstü domra virtüözleriydi - Alexander Tsygankov ve Tamara Volskaya (yaratıcı faaliyetleri domra sanatının on yıllardır gelişim yönünü belirleyen bölüme bakın) gel, hem kendini icra alanında hem de domra repertuarında.

Bugün domra, gerçekten Rus köklerine sahip olan ve yine de akademik türün doruklarına yükselen, büyük, öncelikle müzikal ve ifade potansiyeline sahip, gelecek vaat eden genç bir enstrümandır. onun ne olacak ileri kader? Söz sizin sevgili domristler!

Balalayka

Tanım
Gövde ayrı (6-7) parçadan yapıştırılmıştır, uzun boyunlu baş hafifçe geriye doğru kıvrıktır. Metal teller (18. yüzyılda ikisi damarlıydı; modern balalaykaların naylon veya karbon telleri vardır). Modern bir balalaykanın klavyesinde 16-31 metal perde vardır (19. yüzyılın sonuna kadar - 5-7 zorunlu perde).

Ses yüksek ama yumuşak. Sesi çıkarmak için en yaygın teknikler: tıkırtı, pizzicato, çift pizzicato, tek pizzicato, vibrato, tremolo, kesirler, gitar hileleri.

inşa etmek

Balalayka 19. yüzyılın sonunda Vasily Andreev tarafından bir konser enstrümanına dönüştürülene kadar kalıcı, her yerde bulunan bir sisteme sahip değildi. Her icracı enstrümanı kendi icra tarzına, çalınan parçaların genel havasına ve yerel geleneklere göre akort etti.

Andreev tarafından tanıtılan sistem (birlikte iki tel - "mi" notu, bir - bir çeyrek daha yüksek - "la" notası (ve ilk oktavın "mi" ve "la") konser balalayka oyuncuları arasında yaygınlaştı ve başladı "akademik" olarak adlandırılacak. "Halk" sistemi de var - birinci dize "tuz", ikinci - "mi", üçüncü - "do". Bu sistemde triadların alınması daha kolay, dezavantajı açık tellerde çalmanın zorluğudur.Yukarıdakilere ek olarak, enstrümanı akort etmenin bölgesel gelenekleri de vardır.Nadir yerel ayarlar iki düzine ulaşır ..

Çeşitler

Modern bir Rus halk enstrümanları orkestrasında beş çeşit balalayka kullanılır: prima, saniye, viyola, bas ve kontrbas. Bunlardan yalnızca prima solo, virtüöz bir enstrümandır, geri kalanı ise tamamen orkestral işlevlere sahiptir: ikinci ve viyola akor eşliğini uygularken, bas ve kontrbas bas işlevini gerçekleştirir.

Yaygınlık

Balalayka, Rusya, Beyaz Rusya, Ukrayna ve Kazakistan'daki akademik müzik eğitim kurumlarında incelenen oldukça yaygın bir müzik aletidir.

Bir çocuk müzik okulunda balalayka eğitim süresi 5-7 yıldır (öğrencinin yaşına bağlı olarak) ve bir orta öğretim kurumunda - 4 yıl, bir yüksek öğretim kurumunda 4-5 yıldır. Repertuar: türkü aranjmanları, klasik eser aranjmanları, yazar müziği.

Hikaye
Balalayka'nın ortaya çıkma zamanı hakkında kesin bir bakış açısı yoktur. Balalayka'nın 17. yüzyılın sonlarından itibaren yayıldığı sanılıyor. Ustalar Paserbsky ve Nalimov ile birlikte V. Andreev sayesinde geliştirildi. Modernize edilmiş bir balalayka ailesi yaratıldı: pikolo, prima, saniye, viyola, bas, kontrbas. Balalayka solo konser, topluluk ve orkestra enstrümanı olarak kullanılır.

etimoloji
Enstrümanın adı zaten merak uyandırıyor, tipik olarak hecelerin sesiyle üzerinde çalma karakterini aktaran bir halk çalgısıdır. "Balalayka" kelimelerinin kökü veya aynı zamanda "balabayka" olarak da adlandırılan kök, Rusça balakat, balabonit, balabolit, joker gibi sohbet etmek, boş gibi kelimelerle akrabalığı nedeniyle uzun süredir araştırmacıların dikkatini çekmiştir. çağrılar (aynı anlama gelen yaygın Slav *bolbol'a geri dönün). Birbirini tamamlayan tüm bu kavramlar, hafif, eğlenceli, "tıngırdayan", çok ciddi olmayan bir enstrüman olan balalayka'nın özünü aktarır.

"Balalayka" kelimesi ilk kez I. Peter dönemine kadar uzanan yazılı anıtlarda bulunur.

Balalayka'nın ilk yazılı sözü, 13 Haziran 1688 tarihli bir belgede yer almaktadır - diğer şeylerin yanı sıra Streltsy düzeninin Moskova'da getirildiğini bildiren “Streltsy düzeninden Küçük Rus düzenine hatıra” (RGADA). “<...>kasabalı Savka Fedorov<...>Evet<...>köylü Ivashko Dmitriev ve onlarla birlikte bir balalayka getirildi, böylece Yausky kapılarına bir araba atına bindiler, şarkılar söylediler ve toi'de balalayka çaldılar ve Yausky kapılarında nöbet tutan bekçi okçuları azarladı<...>».

Balalayka'dan bahsedildiği bir sonraki yazılı kaynak, Peter I tarafından imzalanan ve 1715'e atıfta bulunan "Kayıt" tır: St. oyunbazlar tarafından taşınan dört balalayka seçildi.

Kelime ilk kez 18. yüzyılın başlarındaki Ukrayna dilinde (1717-1732 belgelerinde) "balabaika" biçiminde onaylandı (açıkçası bu onun daha eski biçimi, ayrıca Kursk ve Karaçev lehçelerinde de korunuyor) ). V. I. Maikov'un "Elisey" şiirinde ilk kez Rusça olarak, 1771, şarkı 1: "Bana bir düdük veya balalayka akort ediyorsun."

Çello (İtalyan viyolonsel, kısaltılmış çello, Alman Viyolonsel, Fransız viyolonsel, İngiliz çello)

16. yüzyılın ilk yarısından bilinen, keman veya viyola ile aynı yapıya sahip, ancak çok daha büyük olan, bas ve tenor kaydının yaylı telli bir müzik aleti. Çello, geniş ifade olanaklarına ve özenle geliştirilmiş performans tekniğine sahiptir, solo, topluluk ve orkestra enstrümanı olarak kullanılır.

Enstrümanın ortaya çıkışı ve gelişimi tarihi

Çellonun ortaya çıkışı 16. yüzyılın başlarına kadar uzanıyor. Başlangıçta, şarkı söylemeye veya daha yüksek bir sicile sahip bir enstrümanı çalmaya eşlik etmek için bir bas enstrümanı olarak kullanıldı. Boyut, tel sayısı ve akort bakımından birbirinden farklı olan çok sayıda çello çeşidi vardı (en yaygın akort, modern olandan bir ton daha düşüktü).
17.-18. yüzyıllarda, İtalyan okullarının önde gelen müzik ustalarının (Nicolo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari, Carlo Bergonzi, Domenico Montagnana, vb.) çabaları, sağlam bir vücut ölçüsüne sahip klasik bir çello modeli yarattı. 17. yüzyılın sonunda, çello için ilk solo eserler ortaya çıktı - Giovanni Gabrieli'nin sonatları ve pirinç arabaları. 18. yüzyılın ortalarında çello, daha parlak, daha dolgun sesi ve gelişen performans tekniği sayesinde bir konser enstrümanı olarak kullanılmaya başlandı ve sonunda viyola da gamba'yı müzik pratiğinden çıkardı. Çello ayrıca senfoni orkestrası ve oda topluluklarının bir parçasıdır. Müziğin önde gelen enstrümanlarından biri olan çellonun nihai onayı, 20. yüzyılda seçkin müzisyen Pablo Casals'ın çabalarıyla gerçekleşti. Bu enstrümanda performans okullarının gelişimi, düzenli olarak solo konserler veren çok sayıda virtüöz çellistlerin ortaya çıkmasına neden olmuştur.
Çello repertuarı çok geniştir ve çok sayıda konçerto, sonat, refakatsiz beste içerir.


]Çello çalma tekniği

Stradivari'den bir Duport çello ile Mstislav Rostropovich.
Çelloda çalma ve vuruş ilkeleri kemanla aynıdır, ancak enstrümanın daha büyük boyutu ve çalanın farklı konumu nedeniyle çello çalma tekniği biraz sınırlıdır. Flageolets, pizzicato, thumb bet ve diğer oyun teknikleri kullanılmaktadır. Çellonun sesi sulu, melodik ve gergin, üst sicilde hafifçe sıkıştırılmış.
Çello teli yapısı: C, G, d, a (do, büyük oktavın tuzu, re, la küçük oktavın tuzu), yani viyoladan bir oktav aşağıdadır. Bir tel üzerinde geliştirilmiş çalma tekniği sayesinde çello aralığı çok geniştir - C'den (büyük bir oktavaya) a4'e (dördüncü oktavın A'sı) ve daha yükseğine. Notalar, gerçek sese göre bas, tenor ve tiz nota anahtarlarında yazılır.


enstrüman bacakların baldırları tarafından tutuldu
Sanatçı çalarken, ancak 19. yüzyılın sonunda yaygınlaşan bir ırgat ile çelloyu yere yaslar (bundan önce enstrüman ayak baldırlarından tutulurdu). Modern çellolarda, Fransız çellist P. Tortelier tarafından icat edilen kavisli ırgat yaygın olarak kullanılmaktadır ve bu, enstrümana daha düz bir konum vererek çalma tekniğini bir şekilde kolaylaştırmaktadır.
Çello solo çalgı olarak yaygın olarak kullanılır, çello grubu yaylı çalgılar ve senfoni orkestralarında kullanılır, çello yaylı dörtlünün zorunlu bir üyesidir ve içinde en düşük seviyededir (bazen kullanılan kontrbas hariç) t) ses açısından çalgılardan olup, diğer oda topluluklarında da sıklıkla kullanılmaktadır. Orkestra partisyonunda viyola ve kontrbas bölümleri arasına çello bölümü yazılır.

Kemanın yaratılış tarihi

Müzik tarihi, kemanın en mükemmel şeklinin 16. yüzyılda ortaya çıktığını kabul eder. O zamana kadar, Orta Çağ boyunca aktif olan tüm yaylı çalgılar zaten biliniyordu. Bulundukları kesin emir ve o zamanın bilginleri, az ya da çok olasılıkla tüm soyağacını biliyorlardı. Sayıları çok fazlaydı ve şimdi bu konunun derinliklerine inmeye gerek yok.

En son araştırmacılar, kemanın hiçbir şekilde azaltılmış bir "viola da gamba" olmadığı sonucuna vardılar. Ayrıca, cihazlarındaki bu iki tür aletin de birbirinden keskin bir şekilde farklı özelliklere sahip olduğu yeterli doğrulukla kurulmuştur. "Viole da gamba" ile ilgili tüm enstrümanların düz bir sırtı, düz kenarları, perdelerle bölünmüş bir boynu, daha az sıklıkla yonca şeklinde bir kafası ve daha sıklıkla bir hayvan veya insan kafası görüntüsü, üzerinde kesikler vardı. Enstrümanın üst yüzeyi Latin harfi "C" nin ana hatlarında ve son olarak, dörtlü ve üçte bir tel akordu. Aksine, modern kemanın hemen öncülü olan "viola da brachio", tellerin beşinci akortuna, dışbükey bir sırtına, kenarları biraz yükseltilmiş, klavyesi perdesiz, başı şeklindeydi. birbirine bakan küçük harflerin ana hatlarında bir kaydırma ve çentikler veya "efs", italik Latin f.
Bu durum, gerçek viyol ailesinin gamba'nın art arda indirgenmesinden oluşmasına yol açtı. Böylece ortaya çıktı tam kadro yalnızca çeşitli boyutlardaki viyollerden oluşan eski bir "dörtlü" veya "beşli". Ancak, eksiksiz bir viyol ailesinin ortaya çıkmasıyla birlikte, modern kemanın tüm ayırt edici ve en karakteristik özelliklerine sahip bir enstrüman gelişti ve gelişti. Ve bu enstrüman aslında bir "manuel viyol" bile değildir. doğrudan anlam kelimeler, ancak Slav topraklarının bir halk çalgısı olarak modern keman ailesinin temelini oluşturan sözde "el liri". Büyük Raphael (1483-1520), 1503 tarihli resimlerinden birinde bu enstrümanın mükemmel bir tasvirini veriyor. Üzerinde düşünüldüğünde, "el liri"nin zamanımızın mükemmel kemanına tam olarak dönüşmesine çok az kaldığına dair en ufak bir şüphe yok. Raphael'in imajını modern kemandan ayıran tek fark, yalnızca tellerin sayısında - iki bas varlığında beş tane var - ve mandallara hala çok benzeyen mandalların ana hatlarında yatıyor. eski viyol.
O zamandan beri kanıtlar inanılmaz bir hızla çoğaldı. Eski "lir da brachio" görüntüsünde yapılabilecek önemsiz düzeltmeler, ona modern kemanın en kusursuz benzerliğini verecektir. Eski bir keman biçimindeki bu tanıklıklar, Basel'deki bir kitapçının seçtiği 1516 ve 1530 yıllarına kadar uzanıyor. eski keman ticari markanız ile. Aynı zamanda, Fransız tarzı viyolondaki "keman" kelimesi ilk olarak 16. yüzyılın başlarında Fransızca sözlüklerde yer aldı. Henri Pruneer (1886-1942), bu kelimenin 1529 gibi erken bir tarihte, zamanın bazı ticari gazetelerinde yer aldığını iddia ediyor. Bununla birlikte, "viyolon" kavramının 1490 civarında ortaya çıktığına dair göstergeler şüpheli kabul edilmelidir. İtalya'da viyolonist anlamında viyolonista kelimesi 1462'den itibaren ortaya çıkmaya başlarken, "keman" anlamında violino kelimesinin kendisi ancak yüz yıl sonra yaygınlaşarak kullanıma girdi. İngilizler, kelimenin Fransızca yazımını yalnızca 1555'te benimsedi, ancak bunun yerini üç yıl sonra tamamen İngilizce "keman" aldı.
En eski anıtların ifadesine göre, Rusya'da yaylı çalgılar çok uzun zamandır biliniyordu, ancak hiçbiri daha sonra bir senfoni orkestrasının aleti olacak kadar gelişmedi. En eski eski Rus yay enstrümanı bip sesidir. En saf haliyle, üzerine üç tel gerilmiş oval, biraz armut biçimli bir ahşap gövdeye sahipti. Modern olanla hiçbir ilgisi olmayan kemerli bir yay ile düdük çaldılar. Düdüğün ne zaman ortaya çıktığı tam olarak bilinmemekle birlikte, "bip" in Rus'ta "doğu" enstrümanlarının - domra, surna ve smyk - nüfuz etmesiyle birlikte ortaya çıktığı varsayımı var. Bu süre genellikle XIV. yüzyılın ikinci yarısı ve XV. yüzyılın başına göre belirlenir. Kelimenin tam anlamıyla "kemanların" ne zaman ortaya çıktığını söylemek zor. Kesin olarak bilinen tek şey, 16.-17. yüzyılların alfabe kitaplarında kemancıdan ilk söz edilmesinin "tercümanların bu konuda hiçbir fikri olmadığını eşit derecede gösterdiği". Her halükarda, P. F. Findeisen'e (1868-1928) göre, bu enstrüman Moskova Rus'un ev içi ve kamusal yaşamında henüz bilinmiyordu ve ilk kemanlar görünüşe göre Moskova'da tamamen tamamlanmış haliyle ortaya çıktı, ancak başlangıçta XVIII yüzyıl. Ancak bir zamanlar gerçek bir keman görmemiş olan alfabe kitaplarını derleyenler, yalnızca bu çalgının telli bir çalgı olması gerektiğini anlamışlar ve bu nedenle onu yanlışlıkla "gusli" ve "Küçük Rus lirası"na benzetmişlerdir. tabii ki kesinlikle doğru değildi.
Batı'daki yeni kemanın az çok ayrıntılı açıklamaları ancak 16. yüzyılın ortalarından itibaren ortaya çıkmaya başlar. Böylece, Philibert Jambes de Fair (1526-1572), çağdaş kemanın özelliklerini ve ayırt edici özelliklerini özetleyerek, "keman ailesinin" model ve benzerliği üzerine inşa edildiği sonucuna varılabilecek bir dizi isimden alıntı yapar. viyola. O zamandan, 1556'dan, 17. yüzyılın sonuna kadar kemanın çeşitli çeşitleri vardı. Fransız isimleri dessus, quinte, haute-contre, tailee ve bas. Bu formda, keman ailesinin kompozisyonu, Peer Maryann'ın (1588-1648) onun hakkında yazmaya başladığı zamana kadar kuruldu. "Yirmi dörtlü çete" - bir zamanlar Les vingt-quatre olarak adlandırılıyordu - aynı enstrümanlardan oluşuyordu, ancak isimleri zaten taşınmıştı. Dessus'u haute-contre izledi ve quinte, tailee ile basse arasındaydı, ancak hacimleri, az önce bahsedilen önceki verilere tam olarak karşılık geliyordu. Daha sonra kemanların bu kompozisyonunda başka bir değişiklik oldu, bu nedenle haute-contre tamamen ortadan kalktı, yerini dessus'a bıraktı ve tailee quinte ile birleşerek ikincisinin sırasını benimsedi. Böylece, dessus'un birinci ve ikinci kemanlara, tailee veya quinte - viyolalara ve bas - çellolara karşılık geldiği yeni bir dört parçalı yay kombinasyonu oluşturuldu.
Artık "keman" adı altında bilinen o enstrümanın son tamamlanmasının ne zaman gerçekleştiğini kesin olarak tespit etmek artık zor. Büyük olasılıkla, bu gelişme sürekli bir dizi halinde devam etti ve her usta kendine ait bir şey getirdi. Bununla birlikte, 17. yüzyılın keman için “altın çağ” olduğu, çalgının yapısındaki ilişkilerin nihai olarak tamamlandığı ve “geliştirilmeye” çalışılmayacak mükemmelliğe ulaştığı açıkça ifade edilebilir. çoktan adım atabilirdi. Tarih, büyük keman dönüştürücülerinin isimlerini hafızasında tutmuş ve bu enstrümanın gelişimini üç keman yapımcısı ailesinin isimleriyle ilişkilendirmiştir. Her şeyden önce, bu, Andrea Guarneri (1626?-1698) ve Antonio Stradivari'nin (1644-1736) öğretmenleri olan Cremonese ustalarından oluşan Amati ailesidir. Bununla birlikte, keman nihai olarak tamamlanmasını en çok Giuseppe-Antonio Guarneri'ye (1687-1745) ve özellikle de modern kemanın en büyük yaratıcısı olarak saygı duyulan Antonio Stradivari'ye borçludur.
Ancak kemandaki o zamana kadar büyük Cremonese tarafından kurulmuş olan her şeyi herkes beğenmedi. Birçoğu Stradivari tarafından benimsenen oranları değiştirmeye çalıştı ve elbette kimse bunu başaramadı. Ancak en ilginç olanı, en geri kalmış ustalardan bazılarının kemanı yakın geçmişe döndürme ve ona viyolanın eskimiş özelliklerini empoze etme arzusuydu. Bildiğiniz gibi kemanın perdesi yoktu. Bu, ses hacmini genişletmeyi ve keman çalma tekniğini mükemmelleştirmeyi mümkün kıldı. Ancak İngiltere'de kemanın bu nitelikleri "şüpheli" görünüyordu ve enstrümanın "tonlaması" yeterince doğru değildi. Bu nedenle, sesin çıkarılmasındaki olası "yanlışlığı" ortadan kaldırmak için kemanın klavyesindeki perdeler tanıtıldı ve John Playford (1623-1686?) liderliğindeki yayınevi, 1654'ten 1730'a kadar bir el kitabını yeniden bastı. "modal tabloya" göre derlenmiştir. Ancak adalet, genel olarak böyle olduğunu söylemeyi gerektirir. tek durum, keman çalma tarihinde ünlü. Bu enstrümanın çalınmasını iyileştirmeye ve kolaylaştırmaya yönelik diğer girişimler, tel akortuna veya sözde "scordatura" ya indirgenmiştir. Bu mantıklıydı ve Tartini (1692-1770), Lolli (1730-1802), Paganini (1784-1840) ve diğer birkaç kişi gibi önde gelen birçok kemancının her biri enstrümanlarını kendi yöntemleriyle akort etti. Bazen bu tel akort yöntemi şimdi bile özel, sanatsal hedefler doğrultusunda kullanılmaktadır.
Stradivarius kemanı. Fotoğraf gruhn.com'dan Böylece, keman en mükemmel enkarnasyonunu 17. yüzyılın sonunda aldı. Antonio Stradivari onu bugünkü haline getiren son kişiydi ve 18. yüzyıldan kalma bir usta olan François Tourt, modern yayın yaratıcısı olarak saygı görüyor. Ancak kemanın geliştirilmesinde ve gerçek hayatta uygulanmasında işler daha az başarılıydı. Keman tekniğinin bu gelişiminin ve gelişiminin uzun ve çeşitli tarihini birkaç kelimeyle anlatmak çok zordur. Kemanın görünümünün birçok rakibe neden olduğunu söylemek yeterli. Birçoğu viyolanın kaybolan güzelliklerinden pişmanlık duyarken, diğerleri davetsiz yabancıya yönelik tüm "incelemeler" ile geldi. Keman çalma tekniğini kararlılıkla ileriye taşıyan büyük kemancılar sayesinde keman hak ettiği yeri almıştır. 17. yüzyılda bu virtüöz kemancılar Giuseppe Torelli ve Arcangelo Corelli idi. Gelecekte, Antonio Vivaldi (1675-1743) kemanın yararına çok çalıştı ve nihayet, Niccolò Paganini başkanlığındaki harika kemancılardan oluşan bir galaksi. Modern kemanın beşte bir ayarlanmış dört teli vardır. En üstteki tel bazen beşinci olarak adlandırılır ve en alttaki tel bas olarak adlandırılır. Kemanın tüm telleri damarlı veya bağırsaklıdır ve sesin daha fazla dolgunluğu ve güzelliği için yalnızca "bas" ince bir gümüş iplik veya "gimp" ile dolanmıştır. Şu anda, tüm kemancılar "beşinci" için metal bir tel kullanıyor ve tamamen aynı, ancak yumuşaklık için yalnızca ince bir alüminyum iplikle sarılmış, A teli, ancak bazı müzisyenler ayrıca herhangi bir "gimp" içermeyen saf alüminyum A teli kullanıyor. Bu bağlamda, mi için metal tel ve la için alüminyum, daha sonra hala damarlı olan telin sesini güçlendirmeyi gerekli kıldı ve bu, etrafını saran bir alüminyum "gimp" yardımıyla yapıldı. "bask", bu ikincisi ve bu arada, bu ona iyi geldi. Bununla birlikte, tüm bu olaylar gerçek uzmanları çok üzüyor, çünkü diğer durumlarda metal tellerin sesinin çınlaması ve keskinliği çok belirgin ve nahoş, ancak yapacak bir şey yok ve koşullara katlanmak gerekiyor.
Enstrümanın gereklerine göre akort edilen kemanın telleri açık veya boş olarak adlandırılır ve ses, ikinci oktavın mi'sinden küçük bir tuza doğru inen saf beşte bir sırasına göredir. Tellerin sırası her zaman yukarıdan aşağıya dikkate alınır ve bu gelenek, "saplı" veya "boyunlu" tüm yaylı ve telli çalgılarla ilgili olarak eski zamanlardan beri korunmuştur. Keman için notalar sadece yazılır " üçlü nota anahtarı" veya anahtar Tuz.
"Açık" kavramı veya orkestra kullanımında - boş bir tel, telin standdan somuna kadar olan uzunluğu boyunca, yani akort sırasında gerçek yüksekliğini belirleyen bu iki nokta arasındaki sesini ifade eder. İpin uzunluğu genellikle aynı noktalarla belirlenir, çünkü orkestrada dikkate alınan telin ses kısmıdır ve boyun altı ile mandallar arasına kapatılan "mutlak değeri" değildir. Notalarda açık bir dize, notanın üstüne veya altına yerleştirilmiş küçük bir daire veya sıfır ile gösterilir.
Bazı durumlarda, eserin müzikal dokusu gerektirdiğinde, "bask" için küçük bir oktavın F diyezini veya "beşinci" için ikinci bir D diyezini elde etmek için teli yarım tona kadar akort edebilirsiniz.
Kaynak music-instrument.ru

Tarihi yapı elektro gitarı (elektro gitar)

20. yüzyılda teknolojinin gelişimi, insan varoluşunun kültürel yönünü göz ardı etmedi. Çalma ve en önemlisi ses işleme için elektronik cihazların ortaya çıkışı, sonunda müzik enstrümanlarının kendilerini etkileyemezdi. Temelde yeni müzik enstrümanları yaratma girişimlerine ek olarak, iyi bilinen eskileri “modernize etmek” için de girişimlerde bulunuldu. Böylece 1924'te Lloyd Loher, metal bir telin titreşimlerini elektrik sinyaline dönüştüren bir cihaz olan ilk manyetik alıcıyı tasarladı. Bu yetenekli mühendis o dönemde çalıştı, sizce nerede? - Gibson'da! Ama anladığınız gibi, yaratılıştan önce Les Paul hala yeterince uzak - 28 yıl kadar uzun bir süre, böylece ilk seri üretilen elektro gitarlar Gibson tarafından piyasaya sürülmedi. Ve bu, kurucularından biri Adolf Rickenbacker olan Electro String Company adlı bir şirket tarafından yapıldı ve daha sonra, muhtemelen zaten tahmin ettiğiniz gibi, John Lennon - 325JL için imzalı bir gitar yayınlayan çok ünlü Rickenbacker şirketini kurdu. Bu ilk gitarların gövdeleri alüminyumdan yapılmıştır, bu nedenle içtenlikle "kızartma tavaları" adını almıştır. Bu olay 1931'de gerçekleşti. Bir gitara manyetik takmak için başka girişimler olup olmadığını bilmiyorum, muhtemelen vardı, ancak yalnızca 1951'de bu çok klasik ve tanınabilir formları aldılar. Ve Leo Fender bunu ünlü Telecaster'ını piyasaya sürerek yaptı ve bu zaten bir atılımdı, bir uzay aracını tabii ki içinde bir adam varken yörüngeye yerleştirmek gibi bir şeydi. Tasarımda hiçbir ortak yanı olmamasına rağmen, gövde ahşaptan yapılmıştır. klasik gitar. Bazı nedenlerden dolayı, birçok insan elektro gitarların kim bilir neyden yapıldığını düşünüyor: metal, plastik ve diğer bazı ultra modern malzemeler, hiçbir gitar yapılmadı ve bugüne kadar, tıpkı bir insan gibi, çoğunlukla ahşaptan yapıldı. %70 su.
O andan itibaren elektro gitarın bir müzik aleti ve kültürel bir olgu olarak yerini aldığı söylenebilir. Gibson, elbette, gerisinde kalmadı ve 1952'de efsanevi Les Paul'lerini piyasaya sürdü. Ve test atışı 1954'te, Fender Stratocaster'ı yörüngeye fırlattığında geldi. Blues, rock ve country müzisyenleri bu model ve üreticilerin gitarlarını çalmaya başladı. Tabii ki, o zamandan beri pek çok farklı güzel ve çok popüler olmayan ve popüler olmayan gitarlar oldu, ancak ses işlemeyi hesaba katmazsanız, bugüne kadar birinin daha önemli bir şey bulması pek olası değil. Elbette, yedinci ve hatta sekizinci bir telin eklenmesi gibi çeşitli yenilikler var (kural olarak, bunlar aşırı stil ve trendlere sahip gruplar ve müzisyenler için tasarlanmış gitarlardır), ancak tüm bunlar "olmayan fenomenlerdir. önemleri bakımından yukarıda "keşifler" olarak listelenenlere yaklaşın.
Ama en ilginç şey, gitarın hala bir gitar olarak kalması. Nedense müziğe uzak olan birçok kişi elektro gitarın klasik gitarla alakası olmayan bir müzik aleti olduğunu düşünür. Elbette, görünüşten çalma tekniklerine kadar fark büyüktür, ancak yine de aynı (bazı istisnalar dışında) akort ve akor parmaklarıyla tek ve aynı enstrümandır, yani şarkıların akorlarını bilmek, onlar olabilir. hem elektrik hem de akustik gitarlarda eşit başarı ile icra edildi.

GİTARIN KISA TARİHİ VE BUGÜNE KADARKİ DURUMU

Bildiğiniz gibi gitar İspanya'nın ulusal çalgısıdır. Şimdiye kadar gitarın kökeni tam olarak belirlenememiştir. Prototipinin Asur-Babil kefarası veya Mısır citharası olduğu varsayılmalıdır. İber Yarımadası'na Romalılar (Latin gitar) veya Araplar (Mağribi gitar) tarafından getirilmiş olabilir. İlkinde "punteado" tekniğiyle yani bir tutamla, daha keskin bir sese sahip olan ikincisinde "rasgueado" tekniğiyle yani tüm telleri şakırdatarak çaldılar. sağ elin parmakları.

Modern tipte veya her halükarda ona yakın gitar, muhtemelen 16. yüzyıldan daha eski olmayan antik cithara'nın bu iki çeşidinin kaynaşmasından kaynaklanmıştır. Gitarın bu ikili kökenine dair dolaylı bir göstergeye, onu günümüze kadar farklı bir şekilde çalma biçiminde sahibiz: folk - "rasgueado", - Mağribi gitarını çalmaktan ve profesyonel - "punteado", - Latin gitarından. .

Diğer Avrupa ülkelerine girdiğinde (XVI-XVII yüzyıllar), gitarın ilgili lavta gibi çeyrek oranda akort edilmiş beş teli vardı. Altıncı dizenin Almanya'da mı yoksa İtalya'da mı eklendiği kesin değil. Bu son haliyle gitar, ciddi bir enstrümanın haklarını elde etmiş oldu. Müzikal olanaklarındaki bu artışa bağlı olarak, altı telli gitar ilk altın çağını yaşadı (18. yüzyılın sonundan 19. yüzyılın ortalarına kadar). Bu dönemde gitar gelişmiştir. bütün çizgiİspanyollar Aguado ve Sor ve İtalyanlar Giuliani, Leniani, Carcassi, Carulli, Tsani de Ferranti, Regondi, Moretti ve diğerleri gibi parlak virtüözler ve besteciler. Bu gitaristlerin Avrupa ülkelerindeki konser faaliyetleri, gitarı yüksek bir profesyonel seviyeye yükseltti ve en büyük müzisyenler, şairler ve yazarlar arasından birçok taraftar kazandı. Bazıları - besteciler Monteverdi, Rossini, Gretry, Ober, Donizetti, Verdi, Massenet - operalarında gitar kullandılar; diğerleri - besteciler Lully, Weber, Diabelli, Berlioz, Gounod - gitarı kendileri çaldılar; diğerleri - Glinka, Çaykovski - gitar dinlemeyi severdi. Ünlü kemancı Paganini'nin aynı zamanda mükemmel bir gitarist olduğunu ve gitar için bir dizi eser yazdığını özellikle belirtmek gerekir. Şairler ve yazarlar: Goethe, Kerner, Lenau, Byron, Shelley, Derzhavin, Pushkin, Lermontov, L. Tolstoy, Baudelaire ve diğerleri gitarı çok sevdiler ve eserlerinde ona birden fazla sayfa ayırdılar.

Neredeyse 19. yüzyılın sonuna kadar süren gitarın en parlak dönemi, yerini esas olarak piyanonun ortaya çıkması nedeniyle düşüşüne bıraktı. Bununla birlikte, 20. yüzyılın başından beri, görünüşe göre, eski ve en etkileyici halk enstrümanlarından biri olarak genel halkın ona karşı tutumundaki bir değişikliğin neden olduğu gitarın yeni bir parlak dönemine tanık oluyoruz. . Sonuç olarak, çoğu İspanyol olan bir dizi olağanüstü yetenekli gitar virtüözü ortaya çıktı: gitar çalma sanatını mükemmelleştiren ve gitarı diğer geleneksel solo enstrümanlarla aynı seviyeye getiren Tarrega, Llobet, Segovia, Pujol ve diğerleri. Ve yine, ilk parlak çağında olduğu gibi, gitar Turin, de Falla, Pons, Roussel ve diğerleri gibi en önde gelen bestecilerden birçok arkadaşı kendine çekiyor.

Ülkemizde de yaygın olarak dağıtılmaktadır. altı telli gitarçeşidi, esas olarak üçlü akortlu yedi telli bir gitardır.

Akordeon, düğme akordeon

Tarih ve çeşitleri kamış aletleri(akordeon, düğme akordeon vb.)

Akordeon, seslerin serbestçe kayan metal sazlar - körüklerle pompalanan bir hava akımının etkisi altında titreşen ince plakalar - tarafından yapıldığı bir müzik aletidir. İcracı sol eliyle körüğü kontrol etmekte, ayrıca sağ eliyle çaldığı melodiye eşlik etmesi için bas ve akor düğmelerine basmaktadır.

Rusya'da, Moskova'da dünyanın en iyi ve en kapsamlı Harmonik Müzesi var (dünyada bu tür 4 müze var: ayrıca Almanya'da Klingenthal'de Ulusal Harmonik Müzesi, İtalya'da Castelfidardo'da Harmonik Müzesi var. ve ABD'de .Super Ior-Delucy'deki Akordeon Müzesi).

Kamış enstrümanların gelişiminin genel tarihi

Kamış ses çıkarma ilkesine sahip bilinen ilk enstrüman, eski Doğu Sheng'dir (Burma, Tibet, Laos ve Çin'de ortaya çıkmıştır). Bu aletin yaratıldığı kesin tarih bilinmiyor, ancak 2.000 yıldan daha eski olduğuna inanılıyor. "Saf" bir enstrüman, yani kutsal müziğin icrasına uygun olarak kabul edildi. MS 700 civarında Sheng, 12 tuşta çalınabilen gelişmiş bir popüler enstrümandı ve bu enstrümanlar için bir armoni ders kitabı oluşturuldu.



Rusya'da armonikaların, düğme akordeonlarının ve akordeonların görünümü

Rusya'da harmoniklerin ortaya çıkışı, XIX yüzyılın 40'lı yıllarının başlarına kadar uzanıyor. belirtildiği gibi, nüfusun ayrıcalıklı kesimleri edebi kaynaklar, yurtdışından el mızıkaları satın aldı ve serf hizmetkarları aracılığıyla mızıkalar ortaya çıktı ve köylerde popüler oldu. Mızıkaların Tula silah fabrikalarına sipariş edilen yabancı zanaatkarlar tarafından ithal edilebileceği varsayımı var.
Tula zanaatkarları arasında, silah ustaları Sizov ve Shkunaev'in mızıka icat ettiği görüşü vardı. Bazı haberlere göre, XIX yüzyılın 30'larında üretildiler. Ancak Tula vilayetinde ne tür harmoniklerden bahsettikleri bilinmiyor - ağızlıklar veya manuel olanlar hakkında.



Harmonik cihazı hakkında genel bilgiler

Mızıka, sesin, bir hava akımının etkisi altında titreşen, serbestçe kayan metal bir dil (ses) tarafından yeniden üretildiği tüm müzik aletleri olarak adlandırılabilir. Armonikalardaki hava, bir el veya ayak körüğü (el armonikaları, armonyumlar), bir fan (organolalar, organetler) veya icracının akciğerleri (ağız armonikaları) ile nefes alıp verme yoluyla sağlanır. Tüm modern armonikalarda, kamış bir ucunda perçinleme ile çerçeve (şasi) adı verilen metal bir taban üzerine sabitlenir. Perçinli dil ile birlikte çerçeveye çubuk denir.



Sheng (gonofui, ken, lusheng)

Sheng, Burma, Tibet, Laos ve Çin menşeli mızıka ailesinin en eski enstrümanlarından biridir. Eski Çin el yazmalarına göre (MÖ 2-3 bin yıl), bilim adamları enstrümanın en eski adını belirlediler - Yu. Daha sonra şekline ve üretimi için kullanılan malzemeye bağlı olarak chao, ho, sheng olarak adlandırılmaya başlandı. Diğer sheng çeşitleri de bilinmektedir - chonofui veya gonofui (Japonya), ken (Laos), lusheng ve hulusheng (Güneybatı Çin). Rusya'da ve diğer Avrupa ülkelerinde, sheng'lere bazen Çin ağız organları deniyordu.



Bibelharmonica, orchestrion, elodicon

Avrupa'da yeni ses üretimi ilkesi (kayan metal dil) üzerine inşa edilen ilk müzik aletleri ortaya çıktığında, org yapımcıları eski müzik aletleri biçimlerini kullandılar: taşınabilir org, regalia, pozitif (taşınabilir) org, vb. Bu açıkça görülüyor. bu türden ilk enstrümanlar örneğinde.

Sentezleyici

Bir veya daha fazla ses dalgası üreteci kullanarak sesi sentezleyen elektronik bir müzik aleti. İstenen ses, elektrik sinyalinin özelliklerini değiştirerek (analog sentezleyicilerde) veya merkezi işlemcinin parametrelerini ayarlayarak (dijital sentezleyicilerde) elde edilir.

Klavyeli kasa şeklinde yapılmış bir sentezleyiciye klavye sentezleyici denir.
Klavyesiz kasa şeklinde yapılmış bir sentezleyici, sentezleyici modülü olarak adlandırılır ve bir MIDI klavyesinden kontrol edilir.
Bir klavye sentezleyici yerleşik bir sıralayıcı ile donatılmışsa buna iş istasyonu denir.
Sentezleyici türleri:

Kullanılan teknolojiye bağlı olarak, sentezleyiciler birkaç türe ayrılır:

Analog sentezleyiciler, eklemeli ve çıkarmalı sentez türlerini uygular. Analog sentezleyicilerin ana özelliği, sesin gerçek elektrik devreleri kullanılarak üretilmesi ve işlenmesidir. Genellikle çeşitli sentez modüllerinin bağlantısı, özel kablolar - yama telleri kullanılarak yapılır, bu nedenle "yama", müzisyenler arasında bir sentezleyicinin belirli bir tınısının ortak adıdır.

Analog sentezleyicilerin ana avantajı, filtre kesme frekansının hareketi gibi sesin doğasında zaman içinde meydana gelen tüm değişikliklerin son derece düzgün (sürekli olarak) gerçekleşmesidir. Dezavantajlar şunları içerir: yüksek seviye gürültü, ayar kararsızlığı sorunu artık aşılmıştır. Günümüzde kullanılan en ünlü analog sentezleyiciler şunları içerir: Mimimoog Voyager, LittlePhatty, Prophet '08, Andromeda A6.

Sanal analog sentezleyiciler, vücutlarında bir yazılım bileşeni taşıyan, analog sentezleyici ile dijital arasındaki bir melezdir. Bunların en ünlüleri şunlardır: Access Virus TI, Nord Lead 2x, Nord Modular, DSI Poly Evolver.

Dijital sentezleyiciler, dijital sentezleyicilerin yanı sıra varyasyonlarını içerir: sanal sentezleyiciler-eklentiler / bağımsız ve etkileşimli sentezleyiciler. Çeşitli sentez türlerini uygularlar. Orijinal dalga biçimleri oluşturmak ve oynatmak, sesi filtreler, zarflar vb. ile değiştirmek için. bir merkezi işlemciye ve birkaç yardımcı işlemciye dayalı dijital cihazlar kullanılır.

Aslında, bir dijital sentezleyici oldukça özel bir bilgisayardır. Kişisel bilgisayarlar gibi modern dijital sentezleyicilerin (Korg OASYS, Roland Fantom, Yamaha Tyros) en gelişmiş modelleri, işletim sistemini güncellemenize, sayfa menüleri, yerleşik yardım dosyaları, ekran koruyucular vb. içermenize olanak tanır.

Sanal sentezleyiciler, dijital sentezleyicilerin bir alt kümesidir, ancak özel bir yazılım türüdür. Ses oluşturmak için kişisel bir bilgisayarın merkezi işlemcisi ve RAM'i kullanılır ve sesi bir oynatma aygıtına göndermek için bir PC ses kartı kullanılır.

Sanal sentezleyiciler, hem bağımsız yazılım ürünleri hem de genellikle çok kanallı bir kayıt cihazı (Cubase VST, Cakewalk Sonar, Logic Pro, Pro Tools, Ardour, vb.). Yüksek kullanılabilirlik, gerçek hayattaki enstrümanların modelleri (örneğin, Native Pro53 - Prophet sentezleyici emülatörü, Novation V-Station - Novation K-Station sentezleyici emülatörü, Korg Legacy - Korg M1 sentezleyici emülatörleri, Wavestation) dahil olmak üzere sanal sentezleyicilerin artan popülaritesine yol açar , PolySix, MS20 vb.).

>Etkileşimli veya ev sentezleyicileri, özellikle ev ve salon amatör müzik yapımının yanı sıra etkileşimli müzik eğitimi için tasarlanmış çeşitli dijital sentezleyicilerdir. Tipik olarak, bu sentezleyiciler, gerçek zamanlı kontroller dahil olmak üzere gelişmiş ses düzenleme araçlarına sahip değildir. Çeşitli orkestra enstrümanlarının gerçekçi taklidi ve otomatik eşlik işlevinin kullanımına vurgu yapılır. Bu durumda, herhangi bir müzik parçasını çalmak için icracının sıralayıcıya sesleri programlaması veya bölümleri kaydetmesi gerekmez - sadece bir melodi için hazır bir ses ve otomatik eşlik için bir tarz seçin.

Tabii ki, bu tür sentezleyicilerin kontrolü, profesyonel performans gösteren modellerden çok daha basittir ve genellikle bir çocuk tarafından bile erişilebilir. Bu türden birçok sentezleyici, "notayı tahmin et" veya "akoru tahmin et" gibi eğitici oyunları, dinleme ve öğrenme için hazır müzik koleksiyonlarını, ekranda şarkı sözlerini gösteren bir karaoke işlevini vb. içerir. Bu sentezleyici kategorisi Yamaha PSR, Casio CTK / WK, Roland E / VA / EXR ailelerini vb. içerir.

Ses sentezi türleri:

Ses dalgalarını üretme yöntemine ve bunların dönüşümüne bağlı olarak, ses sentezi aşağıdaki gibi sınıflandırılabilir:

Farklı frekanslara ve genliklere sahip basit (genellikle sinüzoidal) bir şekle sahip birkaç dalganın üst üste binme (üst üste binme) ilkesini kullanan toplama (toplama) sentezi. Elektrik organlarına benzetilerek, bu dalgalara kayıt adı verilir ve 16' (alınan sesten bir oktav daha düşük ton), 8' (ilk ton), 4' (alınan sesten bir oktav daha yüksek ton) vb. olarak gösterilir. (şekil, ilgili organ kaydının fit cinsinden boru uzunluğudur). Saf haliyle elektrik organlarında (Hammond, Farfisa) ve bunların dijital öykünücülerinde (Korg CX-3, Roland VK-8, vb.) bulunur. Enstrümanın sesi daha zengindir, yapımında daha fazla kayıt kullanılır.

Orijinal keyfi dalga formunun çeşitli filtrelerden, zarf üreteçlerinden, efekt işlemcilerinden vb. geçerken tını değiştirdiği eksiltici (eksiltici) sentez. Bir alt küme olarak, bu tür sentez, neredeyse tüm modern sentezleyici modellerinde yaygın olarak kullanılmaktadır.

Basit bir formdaki birkaç dalganın etkileşiminin (frekans modülasyonu ve toplamı) gerçekleştiği operatör (FM, İngiliz Frekans Modülasyonundan) sentezi. Her dalga, özellikleriyle birlikte bir operatör olarak adlandırılır, operatörlerin belirli bir konfigürasyonu bir algoritma oluşturur. Sentezleyicinin tasarımında ne kadar çok operatör kullanılırsa, enstrümanın sesi o kadar zengin olur. Örneğin, bugüne kadar hala popüler olan Yamaha DX-7 sentezleyici (1984), 36 farklı algoritma tarafından yapılandırılan 6 operatöre sahiptir.

Güçlü işlemcilerin kullanılması nedeniyle, gerçek fiziksel süreçlerin şu veya bu tür müzik enstrümanlarında simüle edildiği fiziksel sentez. Örneğin flüt gibi üflemeli çalgılar için parametreler borunun uzunluğu, profili ve çapı, hava akış hızı, gövde malzemesi olacaktır; telli çalgılar için - gövde boyutu, malzeme, tel uzunluğu ve gerginliği, vb. Fiziksel sentez, Yamaha VL-1, Korg OASYS, Alesis Fusion, vb. enstrümanlar tarafından kullanılır.

Sesin, enstrümanın hafızasında önceden kaydedilmiş gerçek müzik enstrümanlarının (örnekler ve çoklu örnekler) ses parçalarının çalınmasıyla oluşturulduğu dalga tablosu (PCM) sentezi. Bu gruptaki en ünlü sentezleyici, dünyanın en pahalı sentezleyicisi olarak da bilinen Waldorf Wave'dir.

Farklı ses sentezi yöntemlerinin bir veya daha fazlasının kullanıldığı hibrit sentez, örneğin "toplama + çıkarma", "dalga + çıkarma", "operatör + çıkarma" vb. Modern enstrümanların çoğu, tınıyı en geniş aralıkta değiştirmek için çok güçlü araçlara sahip olduğundan, hibrit sentez temelinde oluşturulur.

Modern bir sentezleyicinin kontrolü:

Modern bir profesyonel sentezleyicinin kontrolü, sesin belirli yönlerinden sorumlu olan yüzlerce hatta binlerce çeşitli parametrenin kontrolü ile ilişkili karmaşık bir süreçtir. Bazı parametreler döner düğmeler, tekerlekler, pedallar, düğmeler kullanılarak gerçek zamanlı olarak kontrol edilebilir; diğer parametreler, belirli özelliklerin zamanında önceden programlanmış değişiklikleri için kullanılır. Bu bağlamda, dijital sentezleyicilerin tınılarına (yamalarına) da genellikle programlar denir.

Klavye ve dinamik izleme, bir tuş vuruşunun konumunu ve hızını izlemek için kullanılır. Örneğin, alt tuşlardan üst tuşlara geçerken, tını çellodan flüte sorunsuz bir şekilde değişebilir ve tuşa daha kuvvetli bir şekilde basıldığında, genel sese timpani eklenir.

Bir sesin belirli bir parametresini periyodik olmayan bir şekilde değiştirmek için bir zarf kullanılır. Tipik olarak, zarf grafiği, saldırı (Saldırı), bozulma (Çürüme), destek (Sürdürme) ve bozulmadan (Serbest bırakma) oluşan kesikli bir çizgidir (ayrıca ADSR zarfına bakın), ancak çeşitli sentezleyici modellerinde daha basit bulunurlar ( ADR ) ve daha karmaşık çok aşamalı zarflar. Zarfların toplam sayısı, bir sentezleyicinin önemli bir özelliğidir.

Filtre, toplam sinyal spektrumundan belirli bir frekans bandını kesmek için kullanılır. Çoğu zaman, filtre ayrıca frekans bandını kesme sınırında keskin bir şekilde artırmayı mümkün kılan rezonans ile donatılmıştır. Filtre özelliklerini gerçek zamanlı kontroller, klavye takibi ve/veya zarflarla değiştirmek, son derece çeşitli ses seçenekleri elde etmenizi sağlar. Toplam filtre sayısı, bir sentezleyicinin önemli bir özelliğidir.

Halka modülatör, orijinal sinyali, harmoniklerle önemli bir zenginleşme olduğu için belirli bir (sabit veya değişken) frekansa sahip başka bir sinyalle modüle etmenize olanak tanır. "Zil" (eng. "çağrı") adı, bu düğümün genellikle enstrümanın "zil benzeri" bir sesini elde etmeye hizmet etmesinden kaynaklanmaktadır.

Düşük Frekanslı Osilatör, perde, ses seviyesi, filtre kesme frekansı vb. gibi sesin belirli parametrelerini periyodik olarak değiştirmek için kullanılır. Hacimdeki döngüsel değişiklik durumunda tremolo etkisi, perdedeki değişiklik vibrato etkisi yaratır, filtre kesme frekansındaki periyodik değişiklik “wah-wah” etkisi olarak adlandırılır.

Efekt işleme, sesi sonlandırmak için kullanılır. Modern sentezleyiciler genellikle oldukça fazla sayıda efekt işlemcisi ile donatılmıştır (örneğin, Korg Karma - 8 işlemci, Roland Fantom - 6 işlemci, vb.). İşlemciler, istenirse seri devreler halinde birleştirilebilmelerine rağmen, birbirlerinden bağımsız olarak çalışırlar. Modern efekt işlemcileri, çok sayıda uzamsal (yankı, gecikme, yankı), modülasyon (flanş, koro, fazer) ve diğer (overamp, frekans kayması, harmonik zenginleştirme) efekt algoritmalarını uygular.

En gelişmiş modeller, gerçek zamanlı kontroller, zarflar, LFO'lar ve daha fazlasından gelen efekt parametrelerini kontrol etme araçlarına sahiptir.

Modern piyanonun mekaniği, 17. yüzyılın sonunda İtalyan usta Cristofori tarafından icat edildi (resmi tarih yaklaşık 1709), tasarımında çekiçler tellerin altındaydı. Enstrümanın adı gravicembalo col piano e forte, - pianoforte - ve daha sonra piyanonun adı sabitlendi.

Cristofori'nin icadı, İngiliz sisteminin mekaniğinin gelişiminin başlangıcı oldu. Diğer mekanik türleri Fransa'da Marius (1716) ve Almanya'da Schroeter (1717-21) tarafından geliştirildi. Sebastian Erard, tuşa yarıdan hızlıca tekrar basarak ses çıkarmayı mümkün kılan çift prova mekaniğini icat etti. İngiliz sisteminin mekaniğinde, böyle bir tekrar ancak anahtar tamamen kaldırıldığında mümkündü.

Rusya'da piyano işi öncelikle St. Petersburg ile ilişkilendirildi. Sadece 18. yüzyılda 50'den fazla piyano ustası burada çalıştı. 19. yüzyılın ilk yarısında fabrika piyano üretiminin gelişimi, ilk Rus piyano üreticisi, İmparatorluk Mahkemesi tedarikçisi, İngiliz usta G. Faverier, Alman ustalar I.-A. Tischner'in faaliyetlerinden etkilenmiştir. K.-I. Wirth, A.-H. Schroeder, I.-F. Schroeder ve 1840'tan beri Belçikalı G.-G. Lichtental. Bugüne kadar, 1917 devriminden önce Rusya'da çalışan 600'den fazla piyano ustasının adı biliniyor, bu çalışmalarla St.Petersburg Konservatuarı'nın piyano ustası, filoloji bilimleri adayı Sergeev M.V.
19. yüzyılın ortalarında Almanya'da, ABD'de J. Blutner, K. Bechstein'ın fabrikaları açıldı - uzun yıllardır eşi benzeri olmayan Steinway and Sons.
20. yüzyılda, temelde yeni enstrümanlar ortaya çıktı - elektronik piyanolar ve sentezleyicilerin yanı sıra özel bir ses üretimi biçimi - hazırlanmış bir piyano.

Piyano için özel olarak yazılmış ilk müzik parçası 1732'de çıktı (Lodovico Giustini'nin sonatı). Bununla birlikte, besteciler kırk ya da elli yıl sonra, Haydn ve Mozart günlerinde toplu halde klavsen yerine piyanoya odaklanmaya başladılar.

Piyanolar kuyruklu piyanolar - yatay telli enstrümanlar - ve dik piyanolar olarak ikiye ayrılır. Bilinen ilk dikey piyano, onu 1745 yılında yaratan K.-E. 1748'de böyle G. Silbermann da aynı enstrümanları yaptı. Dikey piyano çeşitleri - piramit, piyano-lir, piyano-büro, piyano-arp vb. 19. yüzyılın ortalarından beri sadece piyanolar ve kuyruklu piyanolar üretilmiştir.

Piyanoda ses, tellere çekiçle vurularak üretilir. Teller, rezonans güvertesine yapıştırılmış tiz ve bas mandallarından geçerek pimler (mandallar) yardımıyla bir dökme demir çerçeve üzerine gerilir (piyanoda, güverte dikey konumdadır, kuyruklu piyanolarda - bir yatay pozisyon). Her ses için bir yaylı korosu vardır: orta ve yüksek aralıklar için üç, alçak aralıklar için iki veya bir. Çoğu piyanonun aralığı, A alt kontroktavından 5. oktav'a kadar 88 yarım tondur (eski enstrümanlar yukarıdan 4. oktavın A notası ile sınırlı olabilir; daha geniş bir aralığa sahip enstrümanlar bulabilirsiniz). Nötr konumda, teller, son bir buçuk ila iki oktav hariç, sönümleyiciler (susturucular) ile temas halindedir. Tuşlara basıldığında, piyano mekaniği adı verilen kaldıraçlar, kayışlar ve çekiçlerden oluşan bir cihaz etkinleştirilir. Bastıktan sonra, amortisör, telin serbestçe ses çıkarabilmesi için karşılık gelen tel korosunu terk eder ve keçe (keçe) ile kaplanmış bir çekiç ona vurur.
Piyano pedalları
Modern piyanoların iki veya üç pedalı vardır (en yeni modellerde dört pedal bulunur). Daha önceki enstrümanlarda, aynı amaç için piyanistin dizleriyle bastırmak zorunda kaldığı geri çekilebilir kollar kullanılıyordu.
Sağ pedal (en sık kullanıldığı için bazen kısaca "pedal" olarak anılır) tüm sönümleyicileri aynı anda yükseltir, böylece tuş bırakıldığında karşılık gelen teller çalmaya devam eder. Ek olarak, enstrümanın diğer tüm telleri de titreşmeye başlayarak ikincil bir ses kaynağı haline gelir. Sağ pedal iki amaç için kullanılır: teknik zorluklar nedeniyle parmakla yapmanın imkansız olduğu durumlarda çıkarılan seslerin sırasını ayrılmaz hale getirmek (legato çalma) ve sesi yeni tonlarla zenginleştirmek. Pedalı kullanmanın iki yolu vardır: doğrudan pedal - tutulacak tuşlara basmadan önce pedala basma ve tuşa basıldıktan hemen sonra ve bırakmadan önce pedala basıldığında gecikmeli pedal. Notalarda, bu pedal P harfiyle (veya Ped kısaltmasıyla) gösterilir ve çıkarılması bir yıldız işaretiyle gösterilir. Romantizm ve izlenimcilik dönemlerinin bestecilerinin müziğinde, genellikle sese özel bir tat vermek için bu tanımlamalara sıklıkla rastlanır.
Sol pedal sesi kısmak için kullanılır. Kuyruklu piyanolarda bu, çekiçlerin sağa kaydırılmasıyla elde edilir, böylece koronun üç teli yerine yalnızca ikisini vururlar (eskiden, bazen yalnızca bir). Bir piyanoda, çekiçler tellere daha yakın hareket eder. Bu pedal çok daha az kullanılır. Notalarda una corda olarak işaretlenir, çıkarılması tre corde veya tutte le corde olarak işaretlenir. Piyano çalarken sol pedalı kullanmak, sesi zayıflatmanın yanı sıra, serbest bırakılan koro tellerinin titreşimi nedeniyle sesi yumuşatmanıza, daha sıcak ve güzel hale getirmenize olanak tanır.
Orta (veya tarihsel olarak en son eklendiğinden üçüncü) pedal veya sostenuto pedalı, amortisörleri seçici olarak yükseltmeye yarar. Orta pedala basıldığında, tuşlara basıldığında yükselen damperler, pedal bırakılana kadar yüksekte kalır. Sağ pedal gibi legato çalmak için kullanılabilir, ancak sesi diğer tellerin titreşimiyle zenginleştirmez. Bu pedal bugün çoğu piyanoda yoktur ve çoğu kuyruklu piyanoda bulunur. Orta pedalın sola "kaydığı" ve böylece sabitlendiği piyanolar varken, çekiçler ve teller arasına sesin çok sessiz hale gelmesi nedeniyle müzisyenin çalmasına izin veren özel bir kumaş yerleştirilir. geceleyin.
Piyano hem solo enstrüman olarak hem de orkestra ile birlikte kullanılabilir (örneğin, orkestra ile piyano konçertolarında). Piyano çalmak iyi teknik, dikkat ve özveri gerektiren bir aktivitedir. Eğitime başlamanız önerilir. çocukluk. Rusya'daki çocuk müzik okullarında (DMSH), eğitim programa bağlı olarak 5 veya 7 yıl sürer, bazı öğrenciler bir müzik okuluna girmeden önce mezun olduktan sonra bir veya iki yıl daha kalırlar. Bir müzik okulu veya eşdeğeri bir eğitimden sonra, eğitiminize bir müzik okulu veya kolejinde devam edebilir ve ardından bir konservatuarda, üniversitede profesyonel bir piyanist olabilirsiniz. Müzik okulunda, genel piyano da neredeyse tüm ana dallar için zorunlu bir derstir. 20. yüzyılın seçkin piyanistleri - Sergei Rachmaninov, Emil Gilels, Svyatoslav Richter, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Glenn Gould ve diğerleri.
Piyano, zamanla enstrümanın tellerinin gerginliği zayıfladığından, doğru bakım koşullarının yanı sıra düzenli akort gerektirir. Akortlama sıklığı aletin sınıfına, üretim kalitesine, yaşına, bakım ve çalıştırma koşullarına bağlıdır. Akort, kural olarak, icracının kendisi tarafından değil, bir uzman - usta bir piyano akortçusu tarafından yapılır, ancak teorik olarak, elinizde bir elektronik akort aleti olması ve her bir telin tam frekans özelliklerini bilmesi durumunda, herkes yapabilir. akort, müzik kulağı olmasa bile.
Delphic Games adaylarından biridir.