Ana besteciler ve icracılar tercümanlardır. Ünlü müzisyenler

Bir bestecinin mesleği, müzik yeteneği ve derin müzik kompozisyonu bilgisi gerektirir. Bestecinin müzik dünyasının en önemli figürü olduğunu rahatlıkla söyleyebiliriz. Bu nedenle müzik tarihindeki her ünlü bestecinin, müziğin gelişimi üzerinde her aşamada önemli bir etkisi olmuştur. 18. yüzyılın bestecileri 18. yüzyılın ikinci yarısında, müzik sanatının sonraki tüm gelişimini etkileyen iki büyük besteci - Bach ve Mozart - yaşadı ve çalıştı. Johann Sebastian Bach (1685-1750), tarihçilerin Barok dönem olarak sınıflandırdığı 17. ve 18. yüzyıl müzik geleneğinin en önemli temsilcisidir. Bach, 65 yıllık yaşamı boyunca farklı türlerde binin üzerinde müzik eseri yazmış, müzik tarihinin en önemli bestecilerinden biridir. Johann Sebastian Bach, müzik dünyasının en ünlü hanedanlarından birinin kurucusudur. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) – parlak temsilci Viyana okulu, birçok enstrümanda ustaca ustalaştı: keman, klavsen, org. Tüm bu türlerde sadece icracı olarak değil, öncelikle müzik bestecisi olarak da başarılı oldu. Mozart, muhteşem müzik kulağı ve doğaçlama yeteneği sayesinde ünlendi.Müzik tarihinin üçüncü en önemli ismi Ludwig Van Beethoven'dır. 18. ve 19. yüzyılların başında o dönemde var olan tüm müzik türlerinde yarattı. Müzik mirası son derece çeşitlidir: sonatlar ve senfoniler, uvertürler ve dörtlüler, en sevdiği iki enstrüman olan keman ve piyano için konserler. Beethoven klasik müzikte romantizmin ilk temsilcisi olarak kabul edilir. Bu eserler Ludwig van Beethoven tarafından yazılmıştır. 01-Für Elise 02-Sonata No.14 Lunar 03-Symphony No.5 04-Sonata Appasionata No.23 05-Sonata No.13 Pathétique 06-Egmont Uvertürü 07-Sonata No.17 Tempest 08-Senfoni No.9 09- Sonat No. 21 Mozart yazdı “Hayali Aptallık” “Scipio'nun Rüyası” “Misericordias Domini” Mocarta 40. simfonija, 4. temps Don Giovanni Uvertürü “Figaro kāzu” uvertīra Re Konçertosu Flüt I.T 1 Vokal eserler 2 Org eserleri 3 Klavse için eserler 4 Klavye dışı solo çalgılar için eserler 5 Klavsenin başka bir enstrümanla düeti için eserler 90 operanın yazarıdır 500'den fazla konserin yazarı Çeşitli enstrümanlar için 100'den fazla sonatın yazarı sürekli bas eşliğinde; laik kantatlar, serenatlar, senfoniler, Stabat Mater ve diğer kilise eserleri. Operalar, pasticcios, terpsichore baleleri (The Faithful Shepherd operasının 3. basımının önsözü, 1734, Covent Garden Tiyatrosu); koro ve orkestralı sesler için oratoryolar, odeler ve diğer eserler, orkestra için konçertolar, süitler, enstrümanlar için konçertolar ve bir enstrüman topluluğu için orkestra - 2 el piyano için, 2 el piyano için 4 el piyano için, bir eşlikli ses için piyano veya başka biriyle birlikte refakatsiz korolar için bir enstrüman, dramatik performanslar için müzik - Müzik sanatı tarihinde 18. yüzyıl büyük önem kazandı ve hala büyük ilgi görüyor. Bu, müzik klasiklerinin yaratıldığı, esasen dünyevi figüratif içeriğe sahip büyük müzik kavramlarının doğuşu dönemidir. Müzik yalnızca Rönesans'tan bu yana gelişen diğer sanatların seviyesine, en iyi başarılarıyla edebiyat seviyesine yükselmekle kalmadı, aynı zamanda genel olarak diğer bazı sanatların (özellikle görsel sanatların) ve yüzyılın sonu, Viyana senfonisi gibi yüksek ve kalıcı değere sahip geniş bir sentezleme stili yaratma kapasitesine sahipti. klasik okul. Bach, Handel, Gluck, Haydn ve Mozart, yüzyılın başından sonuna kadar müzik sanatının bu yolundaki tanınmış zirvelerdir. Bununla birlikte, Fransa'da Jean Philippe Rameau, İtalya'da Domenico Scarlatti, Almanya'da Philip Emanuel Bach gibi özgün ve araştırmacı sanatçıların ve genel yaratıcı harekette onlara eşlik eden diğer birçok ustanın rolü de önemlidir.

İşte bilmeniz gereken 10 bestecinin listesi. Her biri hakkında güvenle söyleyebiliriz ki o en çok büyük besteci Birkaç yüzyıl boyunca yazılan müzikleri karşılaştırmak aslında ne mümkün ne de mümkün olsa da şimdiye kadar olmuştur. Ancak bu bestecilerin tamamı çağdaşları arasında müzik besteleyen besteciler olarak öne çıkmaktadır. en yüksek seviye klasik müziğin sınırlarını yeni sınırlara taşımaya çalıştı. Listede önem veya kişisel tercih gibi herhangi bir sıralama yer almamaktadır. Bilmeniz gereken sadece 10 harika besteci.

Her besteciye, bir uzman gibi görüneceğinizi hatırlatan, hayatından alıntı yapılabilir bir gerçek eşlik eder. Ve soyadının bağlantısına tıklayarak onu tanıyacaksınız tam biyografi. Ve elbette her ustanın önemli eserlerinden birini dinleyebilirsiniz.

Dünya klasik müziğinin en önemli figürü. Dünyanın en çok icra edilen ve saygı duyulan bestecilerinden biri. Opera, bale, dramatik performanslar için müzik dahil olmak üzere kendi zamanında var olan tüm türlerde yarattı. koro çalışmaları. Mirasının en önemlileri enstrümantal eserler olarak kabul edilir: piyano, keman ve çello sonatları, piyano konçertoları, keman, dörtlüler, uvertürler, senfoniler. Klasik müzikte romantik dönemin kurucusu.

İlginç gerçek.

Beethoven ilk olarak üçüncü senfonisini (1804) Napolyon'a ithaf etmek istedi; besteci, saltanatının başlangıcında birçok kişiye gerçek bir kahraman gibi görünen bu adamın kişiliğinden büyülenmişti. Ancak Napolyon kendisini imparator ilan ettiğinde Beethoven bu bağlılığın üzerini çizdi. Giriş sayfası ve yalnızca tek bir kelime yazdı: “Kahramanca”.

L. Beethoven'ın "Ayışığı Sonatı", Dinlemek:

2. (1685-1750)

Alman besteci ve orgcu, Barok döneminin temsilcisi. Müzik tarihinin en büyük bestecilerinden biri. Bach hayatı boyunca 1000'den fazla eser yazdı. Eserleri opera dışında o zamanın tüm önemli türlerini temsil ediyor; Barok dönem müzik sanatının başarılarını özetledi. En ünlü müzik hanedanının kurucusu.

İlginç gerçek.

Bach yaşamı boyunca o kadar az önemsendi ki, bir düzineden az eseri yayımlandı.

J. S. Bach'ın Re minör Toccata ve Füg'ü, Dinlemek:

3. (1756-1791)

Harika Avusturyalı besteci, enstrümantalist ve orkestra şefi, Viyana Klasik Okulu'nun temsilcisi, virtüöz kemancı, klavsenci, orgcu, orkestra şefi, olağanüstü bir yeteneği vardı. müzik kulağı, hafıza ve doğaçlama yeteneği. Her türde başarılı olan bir besteci olarak, haklı olarak klasik müzik tarihinin en büyük bestecilerinden biri olarak kabul edilmektedir.

İlginç gerçek.

Henüz çocukken Mozart, İtalyan Gregorio Allegri'nin Miserere'sini (Davut'un 50. Mezmurunun metnindeki kat. ilahisi) ezberledi ve kaydetti ve onu yalnızca bir kez dinledi.

W.A. Mozart'ın "Küçük Gece Serenadı", Dinlemek:

4. (1813-1883)

Alman besteci, orkestra şefi, oyun yazarı, filozof. Üzerinde önemli bir etkisi oldu Avrupa kültürü XIX-XX yüzyılların başlangıcı, özellikle modernizm. Wagner'in operaları görkemli ölçekleri ve ebedi insani değerleri açısından baş döndürücüdür.

İlginç gerçek.

Wagner, Almanya'daki başarısız 1848-1849 devrimine katıldı ve Franz Liszt tarafından tutuklanmaktan kaçmak zorunda kaldı.

R. Wagner'in "Walkyrie" operasından "Valkyrielerin Yolculuğu", Dinlemek

5. (1840-1893)

İtalyan besteci, İtalyan opera okulunun merkezi figürü. Verdi'nin sahne duygusu, mizacı ve kusursuz yeteneği vardı. Opera geleneklerini (Wagner'in aksine) inkar etmedi, aksine onları geliştirdi (İtalyan operasının geleneklerini), İtalyan operası, onu gerçekçilikle doldurdu, ona bütünün birliğini verdi.

İlginç gerçek.

Verdi bir İtalyan milliyetçisiydi ve İtalya'nın Avusturya'dan bağımsızlığını ilan etmesinin ardından 1860 yılında ilk İtalyan parlamentosuna seçildi.

D. Verdi'nin "La Traviata" operasına uvertürü, Dinlemek:

7. Igor Fedorovich Stravinsky (1882-1971)

Rus (Amerikalı - göçten sonra) besteci, orkestra şefi, piyanist. Yirminci yüzyılın en önemli bestecilerinden biri. Stravinsky'nin yaratıcılığı tüm kariyeri boyunca tutarlıdır, ancak eserlerinin tarzı farklı dönemlerde farklı olmuştur, ancak tüm eserlerinde açıkça görülen çekirdek ve Rus kökleri kalmıştır; yirminci yüzyılın önde gelen yenilikçilerinden biri olarak kabul edilir. Onun yenilikçi kullanım Ritim ve uyum, yalnızca klasik müzikte değil, pek çok müzisyene de ilham kaynağı olmuştur.

İlginç gerçek.

Birinci Dünya Savaşı sırasında Romalı gümrük memurları, besteci İtalya'dan ayrılırken Pablo Picasso'nun Stravinsky portresine el koydu. Portre fütüristik bir şekilde boyanmıştı ve gümrük memurları bu daireleri ve çizgileri bir tür şifreli gizli materyal zannetti.

I.F. Stravinsky'nin "Firebird" balesinden süit, Dinlemek:

8. Johann Strauss (1825-1899)

Avusturyalı hafif müzik bestecisi, orkestra şefi ve kemancı. Dans müziği ve operet türünde "Valsların Kralı" yarattı. Müzik mirası 500'den fazla vals, polka, kadril ve diğer dans müziği türlerinin yanı sıra çeşitli operet ve baleleri içermektedir. Onun sayesinde vals 19. yüzyılda Viyana'da son derece popüler hale geldi.

İlginç gerçek.

Johann Strauss'un babası da Johann'dır ve aynı zamanda ünlü müzisyen Bu nedenle “Vals Kralı” en genç veya oğul olarak anılır; kardeşleri Joseph ve Eduard da ünlü bestecilerdi.

J. Strauss'un Valsi "Güzel Mavi Tuna Üzerinde", Dinlemek:

9. Sergey Vasilyeviç Rahmaninov (1873-1943)

Avusturyalı besteci, Viyana klasik müzik ekolünün seçkin temsilcilerinden ve müzikte romantizmin kurucularından biridir. benim için kısa hayat Schubert, orkestra, oda ve piyano müziğine tüm bir besteci neslini etkileyen önemli katkılarda bulundu. Ancak onun en çarpıcı katkısı, 600'den fazlasını yarattığı Alman aşk romanlarının gelişimine olmuştur.

İlginç gerçek.

Schubert'in arkadaşları ve müzisyen arkadaşları bir araya gelip Schubert'in müziğini icra edeceklerdi. Bu toplantılara "Schubertiads" adı verildi. İlk hayran kulübü!

F.P.Schubert'in "Ave Maria" adlı eseri, Dinlemek:

Bilmeniz gereken büyük bestecilerin temasına devam ediliyor, yeni materyal.

Müzik notalarının, icra geleneklerinin ve icracının yaratıcı iradesinin etkileşimi sonucu ortaya çıkan müzikal yorum.

Yazarın bilgileri, sanatçıyı düşünmeye, hayal etmeye, çağrışımlar bulmaya teşvik eder ve duyguların ortaya çıkmasına neden olur. İcracının bilgisi yazarın bilgisini etkiler, onu daraltır veya genişletir, tamamlar, dönüştürür, yani yeniden düşünme meydana gelir müzikten bir parça Sonuç olarak sanatsal bir imaj yaratılır. Yazarın bilgilerinin yeniden yorumlanması hiçbir durumda yazarın niyetinin çarpıtılmasına yol açmamalıdır. Gerçek bir ortak yaratım ancak yazarın bilgilerinin icracıda karşılıklı duygular bulması durumunda mümkündür.

Bir müzik parçası üzerinde çalışmak, çeşitliliğin her ikisiyle de ilişkili olduğu yaratıcı bir süreçtir. sanatsal özellikler eserler ve icracının çeşitli bireysel özellikleri ile. Hangi görevlerle karşı karşıyadır? Ve gelişmeyi teşvik eden şey yaratıcılık sanatçı, müzik zevkinin ve mesleki becerilerinin oluşumunu teşvik ediyor mu?

Gerçekleştirmek, işin ve düzenlemenin içeriğine derinlemesine nüfuz ederek yaratma anlamına gelir müzikal içerik sanatsal bir imaja dayanmaktadır. Bir eserin içeriğini yeniden yaratmak, yazarın metnine sadakati, eserin ideolojik yöneliminin anlaşılmasını ve duygusal zenginliği gerektirir (müzik sanatı, insan algısının duygusal alanını etkiler).

Özgünlük dikkate alınmadan sanatsal bir imaj yaratmak imkansızdır tarihsel dönem eserin yaratıldığı yer; onun tür özellikleri, ulusal özellikler bestecinin dünya görüşü, müziğin ifade edici araçlarının kullanımının doğası, yani stilistik özellikler veya özellikler dediğimiz her şey.

Tercüme -(Latince yorumlamadan - açıklama, yorumlama) - bir müzik metninin ses gerçekleştirme süreci. Yorum, sanatçının ait olduğu okul veya hareketin estetik ilkelerine, bireysel özelliklerine ve ideolojik ve sanatsal niyetine bağlıdır. Yorumlama bireysel bir yaklaşımı içerir. icra edilen müzik, aktif bir tutum, yazarın planının somutlaştırılması için sanatçının kendi yaratıcı konseptinin varlığı. 19. yüzyılın başlarına kadar yorumlama sanatı bestecilerin çalışmalarıyla yakından bağlantılıydı: Kural olarak besteciler eserlerini kendileri icra ediyorlardı. Yorumlamanın gelişmesi konser faaliyetinin yoğunlaşmasından kaynaklanmaktadır.

Bağımsız bir sanat olarak yorum, 19. yüzyılın 20-30'lu yıllarında özel bir önem kazandı. Pratik yaparken onaylanır yeni tip müzisyen-tercüman - diğer bestecilerin eserlerinin icracısı. Buna paralel olarak orijinal performans gelenekleri de var. Diğer yazarların eserlerinin ince tercümanları F. Liszt, A.G. Rubinstein, S.V. Rachmaninov'du. 19. yüzyılın ikinci yarısından bu yana, müzikal yorumlama teorisi gelişiyor (performans okullarının çeşitliliği, yorumun estetik ilkeleri, performansın teknolojik sorunları inceleniyor), 20. yüzyılın başlarında alanlardan biri haline geldi. müzikoloji. Rus yorum teorisinin gelişimine önemli katkılar G.M. Kogan, G.G. Neuhaus, S.Ya. Feinberg ve diğerleri tarafından yapılmıştır.

Müzik performansında nesnel ve öznel, sezgisel ve rasyonel. Performansın yaratıcı doğası.

Ünlü piyanist I. Hoffman şöyle yazdı: "Bir müzik eserinin doğru yorumlanması, onun doğru anlaşılmasından kaynaklanır ve bu da titizlikle doğru okumaya bağlıdır." Bu, performansın doğru doğasının, her şeyden önce, yazarın metnine tam olarak karşılık gelen anlamlı bir yorumla kanıtlandığı anlamına gelir: “Müzik metni, bestecinin miras bıraktığı zenginliktir ve onun icra talimatları, vasiyete eşlik eden bir mektuptur, ” dedi besteci ve piyanist S. Feinberg. Ancak eserin sadece metni değil, alt metni de bulunmaktadır. Dikkat çekici piyanist K. Igumnov, icracının metne kendisinden de "iyi bir yarı" getirmesi gerektiğine, yani eserin iç karakterine yaklaşması, alt metnini ortaya çıkarması gerektiğine inanıyordu. Efsanevi G. Neuhaus bize sürekli olarak yapılan işin ruh halini araştırmamız gerektiğini hatırlattı, çünkü sanatsal görüntünün tüm özü tam da müzik notasyonuna tamamen uygun olmayan bu ruh halinde yatıyor. Yukarıdakilerin hepsinden, bestecinin metninin tam olarak icra edilmesinin, onun resmi olarak çoğaltılması anlamına gelmemesi, ancak kayıt şemasının gerçek ses görüntülerine anlamlı ve yaratıcı bir "çevirisi" anlamına gelmesi gerektiği sonucu çıkmaktadır.

Yorumun diyalektik olarak birbirine bağlı yönleri olarak anlama ve yorumlama. Yorumlama sonucunda yeni anlamların üretilmesi. Sanatsal yorumun özgüllüğü, yorumlanan nesnenin sezgisel anlaşılması (deneyim, sinerji).

Bir eserin anlamsal ve estetik analizinin yorumlamanın gerçekleştirilmesindeki rolü

Müzikal yorumda kasıtlılık ve kasıtsızlık

Müzikal performansın her şeyden önce prosedürel ve dinamik bir an olduğunu belirtelim. Bu, dönüşümün doğal olduğu anlamına gelir müzikal görüntü Müzikal görüntünün yorumlanmasında bazı özel değişikliklerin meydana geldiği sahnede. Araştırmacılar, bir icracı tarafından müzik üretiminin değişkenliğinden veya değişken ve değişmez unsurların birleşiminden bahsediyor.

Yorumlama süreci iki çelişkili ilkenin etkileşimi olarak sunulabilir: Kasıtlı (süreçteki sabitin odağı olarak) ve kasıtsız (süreçteki değişkenin odağı olarak). Bu iki büyük ve karmaşık katman sürecin yapısını oluşturur. Bu yapının zaman içinde ortaya çıkışı, unsurlarının bütünlüğü ve bağlantısı, aslında bir yorumlama süreci olan, hareketli bir ses bütünlüğü oluşturur.

Kasıtlı Başlatma sürecin verili doğasının genelleştirilmiş bir ifadesidir. Kasıtlı unsurlar, kalite parametreleri müzisyenin eylemleri gerçekleştirmeye başlamadan önce programladığı ve sonraki süreçte uygulamayı planladığı unsurları içerir. Bu unsurlar hep birlikte yorumlamanın bilinçli olarak planlanmış bir parçasını oluşturur ve sürecin niceliksel baskınını oluşturur. Ayırt edici özellikleri şunlardır: içsel motivasyon, kesinlik ve anlamsal önem. Kasıtlılık, bir dereceye kadar tasarım yapısının tüm düzeylerini kapsar. Kasıtlı başlangıç, sanatçının bireysel sanatsal bilincinin damgasını taşır ve onun yaratıcı benzersizliğinin bir işaretidir.

Yorumlama süreci ardışık olarak uygulanan niyetliliğe indirgenemez. Kendine gelir istemeden başlama nesneleştirme eylemlerinde kaçınılmaz olarak mevcut olan ve temelde farklı bir yapıya sahip olan. Kasıtsız bir başlangıç, unsurları kendiliğinden ortaya çıkan, orijinal planın çizdiği rotadan sapmalar şeklinde ortaya çıkan ve “varoluşsal bir belirsizlik alanı” oluşturan sürecin dinamik bir bileşenidir. Yaratıcılık gerçekleştirmenin irrasyonel yönünü yansıtan bu bileşen, imaj planında öngörülemeyen, kendi kendini üreten bir değişim olasılığının taşıyıcısı haline gelir. Kasıtsız bir başlangıç, unsurları içerir farklı nitelikte. Bunları içerik-anlamsal düzlemde ele alırsak, kasıtsız unsurları iki alt türe ayırma ihtiyacı ortaya çıkar: anlamsal ve asemantik.

Anlamsal (doğaçlama) Bir tip, sanatsal ve ifade edici anlamla donatılmış bir grup tesadüfi unsuru birleştirir. Bilinçdışının "özgür" (belirtilmemiş) faaliyetinin yaratıcı bir ürünü olarak, genellikle sanatsal deneyim olarak adlandırılan sezgi, hayal gücü, fantazi ve duyguların iç hareketlerinin anlık "faaliyetinin" sonucu olarak, sanatsal-üretken bir katman oluştururlar. istemsiz bir başlangıç. Özellikleri şunlardır: kasıtsızlık, yenilik ve anlamsal önem; ikincisi, doğaçlama ve kasıtlı unsurların birliğinin ve akrabalığının temelini oluşturur ve tek bir kaynağa - ses görüntüsüne - gider. Kasıtsız başlangıç ​​doğaçlamayı da içerir ancak bununla sınırlı değildir.

Asemantik (kaotik) görüş, ortaya çıkışı sanatsal faktörlerden değil, faaliyetteki "başarısızlıktan" kaynaklanan bir grup kasıtsız unsuru birleştirir. Bu unsurların kökeni, teknolojik ve düzenleyici uygulama alanlarındaki ihlallerle ilişkilidir. Performans hataları, kusurlar ve sürecin düzensizlik anları şeklinde ortaya çıkarlar. Anlamsal öğeler amaçlanan şeye zarar verir, “nesnel” bir anlamsal sonuç vermez, yalnızca sürece az çok önemli bir yıkım getirir ve bu nedenle kasıtsız bir başlangıcın sanatsal açıdan verimsiz bir katmanını oluşturur. Bu bileşenin son derece uygunsuz, açıkça yıkıcı işleyiş düzeyi dikkate alındığında buna “kaotik” denilebilir.

Bir müzik eserinin yorumlanmasının yeterliliği sorunu.

Bir müzisyen sadece metne hakim olmamalı, asıl görevi bestecinin niyetini anlamak, bir müzik eserinde yer alan müzikal imgelerini yeniden yaratmak ve onu seçmektir. ifade araçları En doğru iletim için.

A. France şunları yazdı: “Mükemmel bir sanat eserini anlamak, genel olarak onu kendi başınıza yeniden yaratmak anlamına gelir. iç dünya" K.S. Stanislavsky, ancak "oyuncunun yazarın fikrine derinlemesine nüfuz etmesi, sahnede somutlaşan görüntüye alışması, oyuncu rolle aynı şekilde yaşadığında, hissettiğinde ve düşündüğünde, ancak o zaman eylemleri sahne başarısına yol açabilir" dedi. ”

İtalyan piyanist F. Busoni bu konuyla ilgili şöyle konuştu: “Geriye dönüp bakmak neredeyse insanüstü bir iştir. kendi duygularıçok çeşitli bireylerin duygularına dönüştürülmek ve buradan onların yaratımlarını incelemek için. Rus eleştirmen V.G., performans sanatının yaratıcı özünü çok ince bir şekilde fark etti. Belinsky: “Oyuncu, yazarın fikrini oyunculuğuyla tamamlar ve bu ekleme onun yaratıcılığından oluşur.” Müzikal gösteri sanatlarında da aynı mantık işliyor.

BİR. Ünlü Rus besteci ve müzik eleştirmeni Serov şunları yazdı:“Rol - en azından bir Shakespeare oyunundan, müzikten - en azından Beethoven'ın kendisinden, muhteşem performansla ilgili olarak, sadece bir eskiz, bir deneme; boyalar, tüm hayat eserler ancak icracının büyüleyici gücü altında doğar.”

Örneğin, P.I.'nin piyano ve orkestra için en popüler ilk konseri. Çaykovski, ilk performansından sadece 4 yıl sonra, N. Rubinstein tarafından zekice icra edildiğinde geniş bir popülerlik kazandı. Aynı hikaye, ancak L. Auer'in performansından sonra kemancıların konser repertuarında hak ettiği yeri alan P. Çaykovski'nin keman konçertosunda da yaşandı.

Bu örnekler, yazarın metninin basit, resmi bir şekilde sese çevrilmesi değil, yaratıcı bir şekilde uygulanması olan etkinliği gerçekleştirmenin yaratıcı doğasını göstermektedir. Yorumun psikolojik özü A.N. tarafından çok doğru bir şekilde ifade edildi. Serov: “ Büyük gizem Büyük sanatçıların özelliği, yaptıkları işi içeriden yeteneklerinin gücüyle aydınlatmaları, parlaklaştırmaları ve içine kendi ruhlarından gelen bütün bir duygu dünyasını katmalarıdır.”

Yorum, icracının mesleki meziyetleri ve becerisiyle sınırlı değildir. Kişiliğin tüm yönlerinin bir ifadesidir ve dünya görüşüyle ​​ilişkilidir. ideolojik yönelim, ortak kültür Bireyin içsel içeriğini oluşturan çok yönlü bilgi ve düşünme biçimi.

İcra sanatının kompozisyon sanatından ayrıldığı 18. yüzyılın sonlarından 19. yüzyılın ortalarına kadar icracının toplumsal, ahlaki ve mesleki sorumluluğu artmıştır. İşin kaderi büyük ölçüde sanatçıya bağlıydı.

A. Rubinstein: “Genel olarak nesnel performanstan ne kastedildiği benim için tamamen anlaşılmaz. Bir makine tarafından değil de bir kişi tarafından üretilen herhangi bir performans, başlı başına özneldir. Bir nesnenin (kompozisyonun) anlamını doğru bir şekilde aktarmak icracı için kanundur, ancak herkes bunu kendi yöntemiyle, yani öznel olarak yapar; Peki başka türlüsü düşünülebilir mi? Eğer bir kompozisyonun sunumunun objektif olması gerekiyorsa, o zaman tek bir tarz doğru olacaktır ve tüm icracıların onu taklit etmesi gerekecektir; Sanatçılar ne olacaktı? Maymunlar mı? Hamlet veya Kral Lear vb. rolünün tek bir performansı mı var? Yani müzikte sadece subjektif performansı anlıyorum.”

Sanatsal ve performans fikirlerinin oluşumu ve uygulanması

Yorumlama konularında, hayal gücüne olağanüstü önem verilir - gelecekteki faaliyetin imajını oluşturmanın veya formda yeni bir imaj yaratmanın zihinsel süreci Genel fikir veya faaliyetin nihai ürününün daha spesifik bir temsili. Hayal gücü her zaman, maddi olarak somutlaşmış biçiminin ötesinde, daha sonraki faaliyetler için bir programın zihinsel olarak yapılandırılmasıdır. Eğlence yerleri var ve yaratıcı hayal gücü. Yaratıcılık, yeni fikirlerin ve görüntülerin yaratılmasıdır. Yeniden yaratma, müzikal metin vb. temel alınarak görüntülerin oluşturulmasıdır. Hayal gücünü yeniden yaratmak - psikolojik temel müzikal performans yorumu yaratmak.

İki tür sanatçı - duygusal tip (“deneyim sanatının” taraftarları) ve entelektüel tip sanatçılar ( Performans sanatları, Stanislavsky).

Sentetik tipte sanatçılar var. Bu iki ilkenin dikkate değer bir birleşimi S.V.'nin faaliyetlerinde bulunur. Rachmaninov ve P. Casals, A. Toscanini ve J. Heifitz, D. Oistrakh ve S. Richter, L. Kogan ve E. Gilels, E. Svetlanov ve V. Fedoseev. Bir müzik eserinin içeriğine derinlemesine nüfuz etme, içerik ve biçimin mükemmel birliği, ilginç, özgün yorum ve mükemmel teknik beceri ile ayırt edilirler. Bu tip, bilinçli olarak düzenlenen duygusal ve entelektüel ilkeler arasındaki denge ile karakterize edilir.

Yorumun çeşitli yönleri: 1. Yazarın niyetinin icracı tarafından yorumlanması; 2. tarihi miras; 3. kültürlerarası ve kültür içi ilişkiler. Otantik performans, tarihi ve kültürel bağlama dalma.

Bir müzik parçası üzerinde çalışmak, onun kapsamlı bir çalışmasına dayanmalıdır. Bu, figüratif alana daha derinlemesine dalmanıza, sanatçının esere olan ilgisini sürdürmenize ve son olarak yazarın niyetini anlamanıza olanak sağlayacaktır.

Bu uzun ve karmaşık yolun en önemli başlangıç ​​noktası şu veya bu eserin yaratıldığı dönemdir. Besteciler farklı zamanlarda farklı diller konuşuyor, farklı idealleri somutlaştırıyor, yaşamın yönlerini, felsefi ve estetik görüşlerini ve belirli bir zamanın karakteristik kavramlarını yansıtıyor gibi görünüyor. Buna göre ifade araçları kullanılır. Bu üslubun neden belirli bir dönemde ortaya çıktığını anlamak, onu dönemin bir “ürün”ü olan bestecinin belli bir döneme ait kişiliğiyle ilişkilendirmek gerekir. sosyal grup milliyet, bir müzik eserini bu şartlara sokar ve onun yaratıcısı ve zamanla ilişkisini kurar.

Çağ ile hareketin belirlenmesi (tempo) arasındaki ilişkiyi ele alalım. Farklı dönemlerde tempo tanımlamaları farklı yorumlandı. Klasik öncesi dönemde örneğin “Allegro”, “Andante”, “Adagio” tempoları hareketin hızını değil, müziğin doğasını gösteriyordu. Scarlatti'nin Allegro'su klasiklerin Allegro'sundan daha yavaştır (veya daha ölçülüdür), Mozart'ın Allegro'su ise modern anlamda Allegro'dan daha yavaştır (daha ölçülüdür). Mozart'ın Andante'si daha hareketlidir. Şimdi anladığımıza göre. Aynı şey ilişki için de söylenebilir müzik dönemi dinamikleri ve artikülasyonu ile. Elbette mevcut otorite, dinamik talimatlarla bir yerde tartışmanıza, piyanoyu, pianissimo, forte, fortissimo'yu yeni bir şekilde algılamanıza olanak tanır.

Ses kaydı

Sesi kaydeden ve yeniden üreten ilk cihazlar mekanik müzik aletleriydi. Melodi çalabiliyorlardı ama insan sesi gibi rastgele sesleri kaydedemiyorlardı. Otomatik müzik çalma, Banu Musa kardeşlerin (875 civarında) bilinen en eski mekanik enstrümanı, otomatik olarak değiştirilebilir silindirleri çalan bir hidrolik veya "su orgunu" icat ettiği 9. yüzyıldan beri bilinmektedir. Yüzeyinde çıkıntılı "kamlar" bulunan silindir, 19. yüzyılın ikinci yarısına kadar müziğin mekanik olarak yeniden üretilmesinin ana aracı olarak kaldı. Rönesans döneminde yaratıldı bütün çizgi belirli bir melodiyi doğru anda yeniden üreten çeşitli mekanik müzik aletleri: varil orgları, müzik kutuları, kutular, enfiye kutuları.

1857'de de Martinville icat etti fonotograf. Cihaz, bir akustik koni ve bir iğneye bağlı titreşimli bir membrandan oluşuyordu. İğne, kurumla kaplı, elle döndürülen bir cam silindirin yüzeyiyle temas etti. Koniden geçen ses titreşimleri, zarın titreşmesine neden oldu ve titreşimleri, kurum tabakasındaki ses titreşimlerinin şeklini izleyen iğneye iletti. Ancak bu cihazın amacı tamamen deneyseldi; yapılan kaydı yeniden üretemiyordu.

1877'de Thomas Edison kendi kaydını çalabilen fonografı icat etti. Ses, derinliği sesin şiddetiyle orantılı olan bir iz şeklinde ortama kaydedilir. Fonograf müziği, değiştirilebilir bir döner tambur üzerinde silindirik bir spiral içine yerleştirilir. Çalma sırasında, bir oluk boyunca hareket eden bir iğne, titreşimleri ses yayan elastik bir zara iletir.

Edison Thomas Alva (1847-1931), Amerikalı mucit ve girişimci. Elektrik mühendisliği ve iletişim alanında 1000'den fazla buluşun yazarı. Dünyanın ilk ses kayıt cihazı olan fonografı icat etti, akkor lambayı, telgrafı ve telefonu geliştirdi ve 1882'de dünyanın ilk elektrik santralini kurdu.

İlk fonografta, tahrik milindeki vida dişleri nedeniyle her devirde eksenel olarak hareket eden bir krank kullanılarak metal bir silindir döndürülüyordu. Silindirin üzerine kalay folyo (staniol) yerleştirildi. Parşömen zarına bağlı çelik bir iğne ona dokundu. Membrana metal bir koni boynuzu takıldı. Sesi kaydederken ve oynatırken, silindirin dakikada 1 devir hızında manuel olarak döndürülmesi gerekiyordu. Silindir ses olmadığında döndüğünde, iğne folyoya sabit derinlikte spiral bir oluk (veya oluk) ekstrüde etti. Membran titreştiğinde, algılanan sese göre iğne kalay içine bastırılarak değişken derinlikte bir oluk oluşturuldu. “Derin kayıt” yöntemi bu şekilde icat edildi.

Aparatının ilk testi sırasında Edison, folyoyu sıkıca silindirin üzerine çekti, iğneyi silindirin yüzeyine getirdi, dikkatlice sapı döndürmeye başladı ve "Mary Had a Little Lamb" adlı çocuk şarkısının ilk kıtasını seslendirdi. bir megafon. Daha sonra iğneyi geri çekti, silindiri sapla birlikte orijinal konumuna getirdi, iğneyi çizilen oluğa soktu ve silindiri tekrar döndürmeye başladı. Ve megafondan bir çocuk şarkısı sessiz ama net bir şekilde geliyordu.

1885 yılında Amerikalı mucit Charles Tainter (1854-1940), ayakla çalıştırılan bir fonograf (ayakla çalıştırılan bir dikiş makinesi gibi) olan grafofonu geliştirdi ve silindirlerin teneke levhalarını balmumu macunuyla değiştirdi. Edison, Tainter'in patentini satın aldı ve kayıt için folyo rulolar yerine çıkarılabilir balmumu ruloları kullanılmaya başlandı. Ses oluğunun perdesi yaklaşık 3 mm'ydi, dolayısıyla silindir başına kayıt süresi çok kısaydı.

Fonograf onlarca yıldır neredeyse hiç değişmeden varlığını sürdürdü. 20. yüzyılın ilk on yılının sonunda müzik eserlerini kaydetmeye yönelik bir cihaz olarak üretimi durduruldu, ancak neredeyse 15 yıl boyunca ses kayıt cihazı olarak kullanıldı. Bunun için silindirler 1929'a kadar üretildi.

On yıl sonra, 1887'de gramofonun mucidi E. Berliner, silindirleri kopyaların alınabileceği metal matrisler olan disklerle değiştirdi. Onların yardımıyla tanıdık gramofon plakları basıldı (Şekil 4 a.). Bir matris, bir baskının tamamını (en az 500 kayıt) yazdırmayı mümkün kıldı. Bu, Berliner'in plaklarının, Edison'un kopyalanamayan balmumu silindirleriyle karşılaştırıldığında ana avantajıydı. Edison'un fonografından farklı olarak Berliner, ses kaydetmek için bir cihaz - bir kaydedici ve sesi yeniden üretmek için başka bir cihaz - bir gramofon geliştirdi.

Derin kayıt yerine çapraz kayıt kullanıldı, yani. iğne sabit derinlikte kıvrımlı bir iz bıraktı. Daha sonra membranın yerini, ses titreşimlerini elektriksel titreşimlere dönüştüren son derece hassas mikrofonlar ve elektronik amplifikatörler aldı. 1888, Berlinger'in gramofon plağı ve kaydını icat ettiği yıldır.

1896 yılına kadar diskin manuel olarak döndürülmesi gerekiyordu ve bu, gramofonların yaygın kullanımının önündeki en büyük engeldi. Emil Berliner, ucuz, teknolojik açıdan gelişmiş, güvenilir ve güçlü bir yaylı motor için bir yarışma duyurdu. Ve böyle bir motor, Berliner'in şirketine gelen tamirci Eldridge Johnson tarafından tasarlandı. 1896'dan 1900'e Bu motorlardan yaklaşık 25.000 adet üretildi. Ancak o zaman Berliner'in gramofonu yaygınlaştı.

İlk kayıtlar tek taraflıydı. 1903'te ilk kez iki tarafı kayıtlı 12 inçlik bir disk piyasaya sürüldü.

1898'de Danimarkalı mühendis Woldemar Paulsen (1869-1942), sesi çelik tel üzerine manyetik olarak kaydetmek için bir aparat icat etti. Daha sonra Paulsen, bilgilerin hareketli bir manyetik kafa tarafından spiral şeklinde kaydedildiği, dönen bir çelik disk üzerine manyetik kayıt yöntemini icat etti. 1927'de F. Pfleimer, manyetik olmayan bir temelde manyetik bant üretmek için bir teknoloji geliştirdi. Bu gelişmeye dayanarak, 1935 yılında Alman elektrik mühendisliği şirketi AEG ve kimya şirketi IG Farbenindustri, Alman Radyo Sergisinde demir tozuyla kaplanmış plastik bir taban üzerinde manyetik bir bant sergiledi. Uzmanlık alanı endüstriyel üretim Maliyeti çelikten 5 kat daha ucuzdu, çok daha hafifti ve en önemlisi parçaların basit yapıştırmayla birbirine bağlanmasına olanak sağlıyordu. Yeni manyetik bandı kullanmak için "Magnetofon" markasını alan yeni bir ses kayıt cihazı geliştirildi. Manyetik bant tekrarlanan ses kaydı için uygundur. Bu tür kayıtların sayısı neredeyse sınırsızdır. Yalnızca yeni bilgi taşıyıcısının - manyetik bandın mekanik gücü ile belirlenir. İlk iki kanallı kayıt cihazı 1957'de Alman AEG şirketi tarafından piyasaya sürüldü ve 1959'da bu şirket ilk dört kanallı kayıt cihazını piyasaya sürdü.

“En emin ve en yüksek çare

büyük bestecilere hizmet

onları tamamlamaktan ibarettir

sanatçının samimiyeti"

(Alfred Cortot).

Belirli bir notasyon sisteminde kaydedilen bir müzik eserinin ortaya çıkışından bu yana, müziğin ana taşıyıcıları (besteciler ve icracılar) arasındaki yaratıcı ilişkiler sürekli bir değişim süreci içinde olmuştur. Bu toplulukta iki eğilim savaşıyor: birleşme arzusu ile kendini ifade etme arzusu. 19. yüzyılın ortalarından bu yana Rus piyanisti, dünyada sanat icra eden en ilerici gruplardan biri haline geldi. Rusya'da, başka herhangi bir yerden daha önce, yazarın metninin dikkatli bir şekilde incelenmesi ve ona yönelik yaratıcı bir tutuma duyulan ihtiyaç anlaşıldı. 20. yüzyılın ilk kırk yılı, yazarın metnine yönelik tutum sorununun en uyumlu şekilde çözüldüğü zamandır; piyanistler eserin özünü ve yaratıcısının tarzını çok daha derinlemesine kavramaya başladılar. Sovyet müzisyenleri Bahian'ı icra ederek dünyaya değerli bir katkı yaptı. M.V. Yudina hayatı boyunca Bach'a taptı yaratıcı yaşam. Bu, piyanistin çaldığı eserlerin sayısıyla (yaklaşık seksen) kanıtlanıyor - neredeyse kendi kuşağının sanatçıları için benzersiz. Bach'ın repertuarında, özellikle piyano olanlar da dahil olmak üzere birçok etkileyici romantik aracı terk etti; romantiklerin yorumlarına kıyasla daha tarihsel bir Bach okumasıyla karakterize edildi. Yudina, Bach'ın eserlerinin ve modern piyanonun kendisine ait olduğunu ilk fark edenlerden biriydi. farklı dönemler canlıymış gibi sanatsal gerçeklik tercümana zorluk çıkaran bir durumdur. HAKKINDA yenilikçi özellikler Yudina'nın tarzı, doğrusal figürasyonlar, münzevi renklendirme ve enerjik klavsen benzeri artikülasyon parçalanmasıyla karakterize edilen Kromatik Fantezi ve Füg performansıyla değerlendirilebilir. Dikkate değer olan, eski klavye ruhundaki, org dokunuşlu "kayıt"ın yanı sıra yavaş, "egemen" tempo ve katı agojidir. Piyanistin stil arzusu asla müze benzeri bir performans “kuruluğuna” dönüşmedi. Yudina'nın yorumlarında, romantik okumalarda kaybolan, tek bir duygusal duruma uzun süreli dalmayı ifade etme yeteneği, Bach'ın eserlerine geri dönmeye başladı: klavye-org kaydı ilkelerinin yeniden canlandırılması; son ölçülerde diminuendo'nun ortadan kaybolması; füglerde sesin gücünü başından sonuna kadar kademeli olarak artırma geleneğinin reddedilmesi, dürtüsel rubatonun olmaması. Yudina'nın karar vermesinde bir "klavye" özelliğine daha dikkat çekmekte fayda var: artikülasyonun artan önemi.

Sovyet müzisyenleri arasında, piyanizm tarihinin romantik sonrası aşamasının bir klasiği haline gelen Svyatoslav Teofilovich Richter, çalışmaları yeni performans döneminin önde gelen eğilimlerini yoğunlaştıran bir sanatçıydı. Bach'ın müziğinin icra tarihinin düşünülemeyeceği yorumlar yarattı. Bu bestecinin eserinin romantikleştirici yorumlanmasından kararlı bir şekilde vazgeçen Richter, transkripsiyonları programlarından sildi. Richter'in Bach diskografisinde ana yeri işgal eden HTC'nin Prelüdleri ve Füglerinde, romantik özgürlüğü ve yorumların öznelliğini maksimum nesnellik arzusuyla karşılaştırıyor ve olduğu gibi "gölgelere gidiyor", izin vermek istiyor " müziğin kendisi” sesi. Bu yorumlar yazara karşı dikkatli ve iffetli bir tavırla doludur. Burada bencillik, duyguların dışsal tezahürlerine tamamen hakimdir; duygusal yoğunluk yalnızca muazzam entelektüel gerilimde fark edilebilir. Eşsiz yeteneği, görünmezliğinde, piyanist araçlarının özlü ve çileciliğinde yansıyor. Richter'de org, vokal, orkestra, orkestra-koro ve klavsen sesi ve zil sesinin olasılığını duyuyoruz. “Bach'ın farklı şekillerde, farklı ifadelerle ve farklı dinamiklerle iyi çalınabileceğine inanıyorum. Bütünlük korunduğu sürece, üslubun katı hatları bozulmadığı sürece, uygulama yeterince ikna edici olduğu sürece” (S.T. Richter).

HTC döngüsüne derin, kapsamlı ve gerçekten sanatsal bir yaklaşım Richter'in karakteristik özelliğidir. Richter'in performansını dinlerken onda bazen birbiriyle çatışan iki ana eğilimi tespit etmek hiç de zor değil. Bir yandan performansı, Bach'ın zamanının klavye sanatının özellikleri tarafından önceden belirlenen sınırlar dahilinde görünüyor. Öte yandan her zaman bu sınırların ötesine geçen olgularla ilgilenir. "Bach'ın klavsen, klavikord ve organ sempatileri ve geleceğe dair parlak içgörüleri olduğu gibi" bir araya getirilmiş "(Ya. Milshtein). Etkileyici, yapıcı ve doğrusal unsurları tek bir bütün halinde birleştirir. Bu nedenle Richter diğer prelüd ve füglerde entelektüel, yapıcı-çok seslilik ilkesini ön plana çıkarıyor ve figüratif yapısını buna bağlıyor; diğerlerinde Bach'ın müziğinin felsefi derinliğini ve bununla bağlantılı olarak tüm ifade araçlarının organik dengesini vurgular. Bazen yumuşak bir şekilde akan melodik çizgilerin ifadesinden (tutarlı legato artikülasyon) etkilenir, bazen de tam tersine ritmin keskinliği ve netliğinden, eklemlenmenin parçalanmasından etkilenir. Bazen oyunun romantik yumuşaklığı ve esnekliği için, bazen de keskin bir şekilde vurgulanan dinamik kontrastlar için çabalıyor. Ancak elbette, cümlelerin "hassas" yuvarlamaları, küçük dinamik nüanslar veya ana tempodan haksız sapmalarla karakterize edilmez. Aynı zamanda Bach'ın son derece etkileyici, dürtüsel yorumuna, asimetrik vurgulara, bireysel notalara ve motiflere keskin vurguya, temponun ani "spazmodik" hızlanmasına vb. son derece yabancıdır. HTC'yi yürütmesi istikrarlı, planlı, organik ve kusursuz. "Onun en büyük mutluluğu, seçtiği bestecinin iradesinde çözülmektir" (Ya. Milshtein).

Glen Gould'un dünyayı fetheden olağanüstü yorumlarının ardındaki temel dürtü, içinde yaşayan müzikal duyguların şaşırtıcı sezgisi, karşı konulamaz gücüdür. Gould'un Bach'ı, 20. yüzyılın ikinci yarısının performans sanatının en büyük zirvesidir. Gould'un piyanizminin klavsen paleti, melizmatiği ve çok daha fazlası, Bach'ın zamanının kültürüne olan zekaya ve en derin nüfuza tanıklık ediyor. Gould'un Bach'ın icatları, partitaları, Goldberg varyasyonları ve diğer eserleri hakkındaki yorumları, çağdaşlarımız tarafından performans sanatının başyapıtları, birikmiş tüm katmanlardan arındırılmış bir stil standardı olarak algılanan sanatsal bir hazine haline geldi. Ancak ustanın yaratıcı hakimiyeti hiçbir zaman Bach'ın taklidi olmadı. Sezgilerine itaat ediyor ancak Bach'ın "beyaz" metninin doğrudan verilerini değiştirmekten çekinmiyor. Gould, Bach'ın eserlerini farklı derecelerde sanatsal inançla icra ediyor. HTC'nin I. Cildindeki füglerin tümü Gould'un olağan sanatsal düzeyinde icra edilmiyor. Ustanın icrasında genellikle metinden doğrudan sapmalar, ritmik ve perde değişimleri vardır.

Gould'un çalımı çarpıcı biçimde orijinaldir ve en yüksek derece, etkileyici melizmatik. Konumları da orijinaldir - çoğu eklenmiştir, diğerleri idam edilmemiştir. Onlar olmasaydı sanatçının Bach yorumları çok şey kaybederdi. Sanatçı sıklıkla metnin ritmik çeşitlemelerine başvuruyor. Ancak ustanın çalımının yukarıda belirtilen özellikleri yapıtların karakterinde ve anlamında geniş kapsamlı değişikliklere yol açmıyorsa, o zaman Gould'un diğer dönüşümleri yapıtların özünü istila eder. Kanadalı ustanın yorumları zengin bir figüratif yelpazeyi kapsıyor. Pek çok şeyi derin lirizmle, Bach'a özgü olmayan ritmik özgürlükle ve kısa cümlelerle çalıyor. Çalışı, sesinin mükemmelliği ve belirginliğiyle hayranlık uyandırıyor. Müziğin tüm yapısı "bir bakışta" nettir. Müzik, tüm seslerin etkileyici tonlamalarıyla zenginleştirilmiş gibi görünüyor.

Ustanın oyunun çizgi resmi çok gelişmiş, çeşitli ve rafine edilmiştir. Dokunuşları Bach'ın melodilerinin motifsel yapısına çok çeşitli bir görünüm kazandırır. Füg temaları, icatlar ve diğer eserler de dahil olmak üzere aynı melodilerde değişen vuruşların alışılmadık tekniği özellikle ilgi çekicidir ve yeni performans sorunlarına yol açar. Belirli sayıda yazarın liginin - vuruşlarının bulunduğu Bach'ın orkestra eserlerinin incelenmesi, böyle bir örneğin olasılığını göstermektedir. Büyük bestecinin kendisi de vuruşlarını çeşitlendiriyordu ve çok da nadir değildi. Kanadalı özgür düşünür, zamanımızın en etkileyici Bach'ını yarattı. O farklı bir Bach: Yaşamı boyunca var olan ya da farklı kuşaklara değişen bir şekilde görünen biri değil, ama Gould'un çağdaşlarına en özgün Bach gibi görünüyor.

Enstrümantal müzik alanında J. S. Bach'ın çalışmaları bir bütünün önünü açtı. yeni Çağ Verimli etkisi bugüne kadar uzanan ve hiçbir zaman kurumayacak. Dini bir metnin kemikleşmiş dogmasından bağımsız olan müzik, genel olarak geleceğe yöneliktir, doğrudan geleceğe yöneliktir. gerçek hayat. Seküler sanat ve müzik yapımının gelenek ve teknikleriyle yakından bağlantılıdır.

Bach'ın enstrümantal müziğinin ses dünyası, benzersiz özgünlüğüyle dikkat çekiyor. Bach'ın eserleri, o zamankilerden farklı enstrümanlarla çalınmasına rağmen bilincimizde sağlam bir yer edinmiş ve ayrılmaz bir estetik ihtiyaç haline gelmiştir.

Enstrümantal müzik, özellikle Köthen, Bach'ın kapsamlı kompozisyon tekniğini geliştirmesi ve keskinleştirmesi için bir "deneysel alan" olarak hizmet etti. Bu eserlerin kalıcı bir sanatsal değeri vardır; bunlar Bach'ın genel yaratıcı evriminde gerekli bir halkadır. Klavye, Bach için yapı, uyum ve form oluşturma alanındaki müzikal deneylerin günlük temeli haline geldi ve Bach'ın çalışmalarının çeşitli tür alanlarını daha geniş anlamda birbirine bağladı. Bach, klaviyerin figüratif ve ifade alanını genişletti ve onun için org, orkestra ve vokal literatüründen (Almanca, İtalyanca, Fransızca) öğrenilen ifade araçlarını, teknikleri ve temaları içeren çok daha geniş, sentetik bir stil geliştirdi. Farklı bir performans tarzı gerektiren figüratif içeriğin tüm çok yönlülüğüne rağmen, Bach'ın klavye stili bazı yönlerden ayırt edilir. Genel Özellikler: Enerjik ve görkemli, içerikli ve dengeli duygusal yapı, doku zenginliği ve çeşitliliği. Klavye melodisinin ana hatları anlamlı derecede melodiktir ve anlaşılır bir çalma tarzı gerektirir. Bu prensip büyük ölçüde Bach'ın parmaklarıyla ve elin yerleştirilmesiyle ilişkilidir. Üslubun karakteristik özelliklerinden biri de armonik figürasyonlarla sunumun zenginliğidir. Besteci, bu teknik aracılığıyla, o zamanın klavyesindeki kaynaşmış dokuda, içlerinde bulunan renk ve ifade hazinelerini tam olarak ortaya çıkaramayan bu görkemli armonilerin derin katmanlarını "ses yüzeyine yükseltmeye" çalıştı.

Bach'ın eserleri sadece şaşırtmak ve karşı konulamaz bir şekilde cezbetmekle kalmıyor: onları ne kadar sık ​​duyarsak, ne kadar çok tanırsak etkileri o kadar güçleniyor. Fikirlerin muazzam zenginliği sayesinde, her zaman hayranlık uyandıran yeni bir şeyler keşfederiz. Bach, görkemli ve yüce bir üslupla en iyi bitirmeyi ve kompozisyon bütününün ayrıntılarını seçerken büyük bir özeni birleştirdi; ” (I. Forkel).

Teknolojiler, gelişmeler" www.metodkabinet.rf

Piyanist - tercüman. Çağdaş piyanizm.

Iovenko Yulia Evgenievna, piyano öğretmeni MAOUK DOD Komsomolsk-on-Amur Çocuk Müzik Okulu, Habarovsk Bölgesi

Benimprojeyorumlama sorunlarıyla ilgilidir Piyano müziği.

İçinde biraz dokunacağım Piyano icra sanatının tarihi konusuna değinirken, aynı zamanda modern performans piyanizmindeki eğilimler konusuna da değinerek, bana göre şu veya bu bestecinin en iyi yorumlayıcıları olan zamanımızın bazı piyanistlerinden bahsedeceğim.

Müzik, kendine has özelliğinden dolayı sanatlar arasında özel bir yere sahiptir. Nesnel olarak müzik notaları biçiminde var olan müzik, icracı tarafından yeniden yapılanma eylemine, sanatsal yorumuna ihtiyaç duyar. Müziğin doğasında müzikal kompozisyon ve performans arasında diyalektik bir birlik vardır.

Müzikal performans her zaman çağdaş yaratıcılıktır, belirli bir çağın yaratıcılığıdır, hatta işin kendisi ondan uzun bir zaman dilimiyle ayrılmış olsa bile.

Piyano müziğinin gelişim dönemine bağlı olarak piyanistler belirli bir performans tarzı, belirli bir çalma tarzı geliştirdiler.

Klavye dönemi piyano performansı için bir tarih öncesidir. Şu anda, pratik yapan müzisyen türü, "besteci çalan" şekilleniyor. Performans becerilerinin temeli yaratıcı doğaçlamadır. Böyle bir müzisyenin ustalığı teknik mükemmelliğe değil, enstrümanı kullanarak seyirciyle "konuşma" yeteneğine bağlıydı.

Yeni önemli aşama müzikal performans gelir 18. yüzyılın sonuna doğru yeni bir solo enstrüman olan çekiç piyanonun tanıtımıyla. Müzik içeriğinin artan karmaşıklığı, özel performans talimatlarının kaydedilmesinin yanı sıra, hassas müzik notasyonuna olan ihtiyacı da zorunlu kılmıştır.

Piyano performansı duygusal zenginlik ve dinamizm kazanır.

18. yüzyılın sonlarında ortaya çıktı yeni form müzik çalmak - halka açık, ücretli bir konser. Besteci ile icracı arasında iş bölümü vardır.

19. yüzyılın başları Yeni bir müzisyen türü oluşuyor: “besteci virtüözü”. Yeni mekansal-akustik koşullar (büyük konser salonları) sanatçılardan daha fazla ses gücü talep etti. Psikolojik etkiyi arttırmak için eğlence unsurları tanıtılır. Yüzün ve ellerin "oynaması", müzikal görüntünün mekansal "heykellendirilmesinin" bir aracı haline gelir. Seyirci, oyunun ustaca kapsamından, fantezinin cesur uçuşundan ve renkli duygusal tonlardan etkileniyor.

Ve sonunda 19. yüzyılın ortalarına doğru ve bir başkasının bestecisinin eserinin tercümanı olan bir müzisyen-tercüman oluşuyor. Yorumcu için, performansın tamamıyla öznel doğası yerini yoruma bırakıyor ve yorumlayıcının önüne nesnel sanatsal görevler (açıklama, yorumlama ve aktarım) koyuyor. figüratif yapı Bir müzik eseri ve yazarının amacı.

Neredeyse her şey 19. yüzyıl piyano performansının güçlü bir şekilde gelişmesiyle karakterize edilir. Performans, yorumcunun kendisini besteciyle eşit düzeyde bulduğu ikinci bir yaratıma dönüşüyor. Performans alanındaki ana figür, piyano "akrobatlarından" propaganda sanatçılarına kadar tüm çeşitleriyle gezgin virtüözdür. Chopin, Liszt ve Rubinstein kardeşlerin çalışmalarında sanatsal ve teknik ilkelerin birliği düşüncesi hakimken, Kalkbrenner ve Laugier virtüöz bir öğrenci yetiştirmeyi ana hedef olarak belirlediler. 19. yüzyılın pek çok ustasının tarzı o kadar sanatsal bir kararlılıkla doluydu ki, onu tamamen tatsız ve kabul edilemez olarak görürdük.

XX yüzyıl Büyük piyanistlerin yüzyılı olarak rahatlıkla adlandırılabilir: Bir dönemde o kadar çok piyanist var ki, sanki daha önce hiç olmamışlar gibi. Paderewski, Hoffmann, Rachmaninov, Schnabel - yüzyılın başında, Richter, Gilels, Kempff - ikinci yarıda. Liste sonsuza kadar genişletilebilir...

XX-X dönüşünde BEN yüzyıllar Yorumların çeşitliliği o kadar fazladır ki bazen bunları anlamak hiç de kolay değildir. Zamanımız performans tarzlarının çeşitliliğidir.

Modern piyano çalma sanatı. Ne olduğunu? İçinde ne oluyor, ne ölüyor ve ne doğuyor?

Genel olarak, bugün piyano performans sanatındaki trend, örneğin 50 yıl öncesinden farklı olarak, detayların genel konseptten önce gelmesidir. Modern sanatçıların bireyselliklerini bulmak istediği şey mikro detayların farklı yorumlarındadır.

Ayrıca söylenmemiş bir uygulama kuralının da varlığı vardır: “Hofoni yoktur. Piyano dokusunun tamamı her zaman tamamen polifonik ve hatta stereofoniktir. Bununla bağlantılı temel bir prensip vardır: her parmak, sesin süresinden ve kalitesinden sorumlu, ayrı, canlı ve özel bir enstrümandır” (bir dersten alıntı - Mikhail Arkadyev'in dersi).