Rönesans sanatı. Rönesans kültürü ve sanatı - soyut Rönesans denemesinde sanat eseri
Rönesans dönemi, bazı kaynaklara göre XIV-XVII. diğerlerine göre - XV - XVIII yüzyıllara kadar. Dirilişi bir dönem olarak ayırmamak, onu Orta Çağ'ın sonları olarak değerlendirmek için bir bakış açısı da var. Bu, feodalizmin krizi ve ekonomi ve ideolojide burjuva ilişkilerinin gelişmesi dönemidir. Rönesans (Rönesans) terimi, bu çağda barbarlar tarafından yok edilen antik çağın en iyi değerlerinin ve ideallerinin (mimari, heykel, resim, felsefe, edebiyat) yeniden canlandırıldığını göstermek için ortaya atılmış, ancak bu terim yorumlanmıştır. çok şartlı, çünkü. Tüm geçmişi geri getiremezsin. Bu, geçmişin saf haliyle yeniden canlandırılması değil - antik çağın birçok manevi ve maddi değeri kullanılarak yenisinin yaratılmasıdır. Ayrıca Orta Çağ'ın dokuz asırlık değerlerinin, özellikle Hıristiyanlıkla ilişkilendirilen manevi değerlerin üzerini çizmek imkansızdı. Rönesans, antik ve ortaçağ geleneklerinin bir sentezidir, ancak daha yüksek bir seviyededir. Bu dönemin her aşamasında belli bir yön hakim olmuştur. İlk başta "Prometeizm" olsaydı, yani. tüm insanların doğası gereği eşitliğini ve özel çıkar ve bireyciliği kabul ettiğini varsayan bir ideoloji. Ayrıca, zamanın ruhunu yansıtan yeni sosyal teoriler ortaya çıkıyor ve hümanizm teorisi başrolü işgal ediyor. Rönesans döneminin hümanizmi, özgür düşünceye ve buna bağlı olarak adil bir sosyal ve kamusal yaşam, çoğunlukla cumhuriyetçi bir sistem çerçevesinde demokratik bir temelde elde edilmesi gereken. Dine ilişkin görüşler de değişime uğruyor. Doğa felsefesi yeniden popüler hale geliyor ve "panthemizm" (Tanrı'yı bir kişi olarak inkar eden ve onu doğaya yaklaştıran bir doktrin) yaygınlaşıyor. Rönesans'ın son dönemi, Avrupa kültürünün gelişimindeki bu en büyük ilerici karışıklığı tamamlayan Reformasyon dönemidir. Genellikle, Rönesans'ın tarihsel önemi, ortaçağ Hıristiyan çileciliğinin aksine, insanın büyüklüğünü ve haysiyetini ilan eden hümanizmin fikirleri ve sanatsal başarılarıyla ilişkilendirilir. Rasyonel faaliyet, dünyevi yaşamda zevk ve mutluluk hakkı. Hümanistler, insanda Tanrı'nın en güzel ve mükemmel yaratılışını gördüler. Tanrı'nın doğasında var olan yaratılışı, yaratıcı yetenekleri insana genişlettiler, kaderini bilimlerin ve zanaatların gelişiminde emeğiyle süslenmiş dünyanın bilgisinde ve dönüşümünde gördüler. Almanya'da başlayan Reformasyon, bir dizi Avrupa ülkesini kasıp kavurdu ve İngiltere, İskoçya, Danimarka, İsveç, Norveç, Hollanda, Finlandiya, İsviçre, Çek Cumhuriyeti, Macaristan ve kısmen Almanya'nın Katolik Kilisesi'nden uzaklaşmasına yol açtı. Bu, 16. yüzyılın başında Almanya'da başlayan ve Hıristiyan dinini dönüştürmeyi amaçlayan geniş bir dini ve sosyo-politik harekettir.Rönesans dönemi, bazı kaynaklara göre XIV-XVII. diğerlerine göre - XV - XVIII yüzyıllara kadar. Dirilişi bir dönem olarak ayırmamak, onu Orta Çağ'ın sonları olarak değerlendirmek için bir bakış açısı da var. Bu, feodalizmin krizi ve ekonomi ve ideolojide burjuva ilişkilerinin gelişmesi dönemidir. Rönesans (Rönesans) terimi, bu çağda barbarlar tarafından yok edilen antik çağın en iyi değerlerinin ve ideallerinin (mimari, heykel, resim, felsefe, edebiyat) yeniden canlandırıldığını göstermek için ortaya atılmış, ancak bu terim yorumlanmıştır. çok şartlı, çünkü. Tüm geçmişi geri getiremezsin. Bu, geçmişin saf haliyle yeniden canlandırılması değil - antik çağın birçok manevi ve maddi değeri kullanılarak yenisinin yaratılmasıdır. Ayrıca, Orta Çağ'ın dokuz asırlık değerlerinin, özellikle Hristiyanlıkla ilişkilendirilen manevi değerlerin üstünü çizmek imkansızdı.Rönesans, eski ve ortaçağ geleneklerinin bir sentezidir, ancak daha yüksek bir seviyededir. Bu dönemin her aşamasında belli bir yön hakim olmuştur. İlk başta "Prometeizm" olsaydı, yani. tüm insanların doğası gereği eşitliğini ve özel çıkar ve bireyciliği kabul ettiğini varsayan bir ideoloji. Ayrıca, zamanın ruhunu yansıtan yeni sosyal teoriler ortaya çıkıyor ve hümanizm teorisi başrolü işgal ediyor. Rönesans hümanizmi, özgür düşünceye ve buna bağlı olarak, çoğu zaman cumhuriyetçi bir sistem çerçevesinde demokratik bir temelde elde edilmesi gereken kamu ve devlet yaşamının adil bir şekilde düzenlenmesine odaklanır.Dine ilişkin görüşler de değişiyor. Doğa felsefesi yeniden popüler hale geliyor ve "panthemizm" (Tanrı'yı bir kişi olarak inkar eden ve onu doğaya yaklaştıran bir doktrin) yaygınlaşıyor.Rönesans'ın son dönemi, Avrupa'nın gelişimindeki bu en büyük ilerici devrimi tamamlayan Reform'dur. kültür. Genellikle, Rönesans'ın tarihsel önemi, ortaçağ Hıristiyan çileciliğinin aksine, insanın büyüklüğünü ve haysiyetini ilan eden hümanizmin fikirleri ve sanatsal başarılarıyla ilişkilendirilir. Rasyonel faaliyet, dünyevi yaşamda zevk ve mutluluk hakkı. Hümanistler, insanda Tanrı'nın en güzel ve mükemmel yaratılışını gördüler. Tanrı'nın doğasında var olan yaratılışı, yaratıcı yetenekleri insana genişlettiler, kaderini bilimlerin ve zanaatların gelişiminde emeğiyle süslenmiş dünyanın bilgisinde ve dönüşümünde gördüler. Almanya'da başlayan Reformasyon, bir dizi Avrupa ülkesini kasıp kavurdu ve İngiltere, İskoçya, Danimarka, İsveç, Norveç, Hollanda, Finlandiya, İsviçre, Çek Cumhuriyeti, Macaristan ve kısmen Almanya'nın Katolik Kilisesi'nden uzaklaşmasına yol açtı. Bu, 16. yüzyılın başında Almanya'da başlayan ve Hıristiyan dinini dönüştürmeyi amaçlayan geniş bir dini ve sosyo-politik harekettir.
Disiplinde kontrol çalışması: "Kültüroloji"
konu hakkında: "Rönesans Kültürü (Rönesans)"
Tamamlanmış:
Öğrenci
Sankt Petersburg 2008
giriiş
1. Rönesans Kültürü
2. Rönesans sanatı
3. Rönesans Şiiri
4. Rönesans Tiyatrosu
Çözüm
giriiş
Rönesans, Avrupa kültürünün gelişiminde çok önemli bir aşamadır. Kronolojik olarak dahil ortaçağ tarihi Avrupa ülkeleri feodal kültürün derinliklerinde ortaya çıkan Rönesans, temelde yeni bir kültürel çağ, burjuvazinin toplumda egemenlik mücadelesinin başlangıcını işaret ediyor.
Gelişimin bu erken aşamasında, burjuva ideolojisi ilerici bir ideolojiydi ve yalnızca bizzat burjuvazinin değil, aynı zamanda modası geçmeye başlayan ilişkilerin feodal yapısına tabi olan tüm diğer sınıfların ve zümrelerin çıkarlarını yansıtıyordu.
Rönesans, burjuva bireyciliğinin oluşumunun zemininde meydana gelen, yaygın bir Engizisyon, Katolik Kilisesi'nde bir bölünme, acımasız savaşlar ve halk ayaklanmaları dönemidir.
Rönesans kültürü, 14. yüzyılın ikinci yarısında ortaya çıktı. Ve 15. ve 16. yüzyıllar boyunca yavaş yavaş tüm Avrupa ülkelerini birbiri ardına kapsayacak şekilde gelişmeye devam etti. Rönesans kültürünün ortaya çıkışı, bir dizi pan-Avrupa ve yerel tarihsel koşullar tarafından hazırlandı.
XIV - XV yüzyıllarda. erken kapitalist, meta-para ilişkileri doğdu. İtalya, büyük ölçüde kolaylaştırılan bu yola ilk girenlerden biriydi: yüksek düzeyde kentleşme, kırsal kesimin şehre tabi kılınması, geniş kapsamlı el sanatları üretimi, yalnızca iç pazara yönelik değil, mali işler, ama aynı zamanda dış pazara da.
Yeni bir kültürün oluşumu, aynı zamanda, erken burjuvazinin çeşitli toplumsal katmanlarının ruh hallerindeki değişikliklerle, kamu bilinci tarafından hazırlandı. Aktif ticari, sınai ve finansal girişimcilik çağında kilise ahlakının çileciliği, dünyevi mallara, istifçiliğe, zenginlik hırsına sahip bu toplumsal tabakaların gerçek hayattaki uygulamalarıyla ciddi şekilde çelişiyordu. Tüccarların, zanaat seçkinlerinin psikolojisinde, akılcılığın özellikleri, sağduyu, ticari çabalarda cesaret, kişisel yeteneklerin farkındalığı ve geniş fırsatlar açıkça ortaya çıktı. Başarı tacı ailenin prestiji, yurttaşlara saygı, torunların anısına şan olarak kabul edilen dünyevi yaşamın sevinçleri olan "dürüst zenginleşmeyi" haklı çıkaran bir ahlak vardı.
"Rönesans" (Rönesans) terimi 16. yüzyılda ortaya çıktı. "Rönesans" terimi aslında tüm dönemin adı değil, genellikle 16. yüzyılın başına denk gelecek şekilde zamanlanan yeni bir sanatın ortaya çıktığı an anlamına geliyordu. Ancak daha sonra kavram daha geniş bir anlam kazandı ve İtalya'da ve ardından diğer ülkelerde feodalizme karşı bir kültürün oluştuğu ve geliştiği dönemi belirlemeye başladı. Engels, Rönesans'ı "insanlığın o zamana kadar yaşadığı en büyük ilerici ayaklanma" olarak tanımladı.
1. Rönesans Kültürü
XIII - XVI yüzyıllar, Avrupa ülkelerinin ekonomik, siyasi ve kültürel yaşamında büyük değişikliklerin olduğu bir dönemdi. Şehirlerin hızlı büyümesi ve zanaatların gelişmesi ve daha sonra fabrika üretiminin ortaya çıkışı, dünya ticaretinin giderek daha uzak bölgeleri yörüngesine dahil eden yükselişi, Akdeniz'den kuzeye ana ticaret yollarının kademeli olarak açılması, Bizans'ın düşüşünden sonra sona eren ve 15. yüzyılın sonları ile 16. yüzyılın başlarındaki büyük coğrafi keşifler, ortaçağ Avrupa'sının çehresini değiştirdi. Hemen hemen her yerde şehirler artık ön plana çıkıyor. Bir zamanlar ortaçağ dünyasının en güçlü güçleri - imparatorluk ve papalık - derin bir kriz içindeydi. 16. yüzyılda, Alman ulusunun çürüyen Kutsal Roma İmparatorluğu, ilk iki anti-feodal devrime - Almanya'daki Büyük Köylü Savaşı ve Hollanda Ayaklanması - sahne oldu. Dönemin geçiş niteliği, hayatın her alanında yer alan ortaçağ prangalarından kurtulma süreci ve aynı zamanda ortaya çıkan kapitalist ilişkilerin hala az gelişmiş olması, o dönemin sanatsal kültürünün ve estetik düşüncesinin özelliklerini etkileyemezdi. .
Toplum yaşamındaki tüm değişikliklere, geniş bir kültür yenilenmesi eşlik etti - doğal ve kesin bilimlerin gelişmesi, ulusal dillerde edebiyat ve özellikle güzel sanatlar. İtalya şehirlerinden başlayan bu yenilenme daha sonra diğer Avrupa ülkelerini de etkisi altına aldı. Matbaanın icadı, edebi ve edebi eserlerin yayılması için benzeri görülmemiş fırsatlar yarattı. bilimsel çalışmalar ve ülkeler arasında daha düzenli ve daha yakın iletişim, yeni sanatsal hareketlerin yaygınlaşmasına katkıda bulundu.
Bu, Orta Çağ'ın yeni eğilimler karşısında geri çekildiği anlamına gelmez: kitle bilincinde geleneksel fikirler korunmuştur. Kilise, bir ortaçağ aracı olan Engizisyon kullanarak yeni fikirlere direndi. özgürlük fikri insan kişiliği sınıflara bölünmüş bir toplumda varlığını sürdürmüştür. Köylülerin feodal bağımlılık biçimi tamamen ortadan kalkmadı ve bazı ülkelerde (Almanya, Orta Avrupa) serfliğe dönüş oldu. Feodal sistem oldukça fazla canlılık gösterdi. Her Avrupa ülkesi bunu kendi tarzında ve kendi kronolojik çerçevesi içinde yaşadı. kapitalizm uzun zamandır hem kentte hem de kırsalda üretimin sadece bir bölümünü kapsayan bir yaşam biçimi olarak var olmuştur. Bununla birlikte, ataerkil ortaçağ yavaşlığı geçmişe doğru çekilmeye başladı.
Büyük coğrafi keşifler bu atılımda büyük rol oynadı. 1456'da Portekiz gemileri Cape Verde'ye ulaştı ve 1486'da B. Diaz'ın seferi Afrika kıtasını güneyden Ümit Burnu'nu geçerek çevreledi. Afrika kıyılarında ustalaşan Portekizliler, aynı anda gemileri açık okyanusa, batıya ve güneybatıya gönderdiler. Sonuç olarak, daha önce bilinmeyen Azorlar ve Madeira Adaları haritalarda göründü. 1492'de harika bir olay oldu - İspanya'ya taşınan bir İtalyan olan H. Columbus, Hindistan'a giden bir yol bulmak için Atlantik Okyanusu'nu geçti ve yeni bir kıta olan Amerika'yı keşfederek Bahamalar yakınlarına indi. 1498'de Afrika'yı dolaşan İspanyol gezgin Vasco da Gama, gemilerini başarıyla Hindistan kıyılarına getirdi. 16. yüzyıldan itibaren Avrupalılar, daha önce hakkında çok belirsiz bir fikre sahip oldukları Çin ve Japonya'ya sızıyorlar. 1510'dan itibaren Amerika'nın fethi başlar. 17. yüzyılda Avustralya keşfedildi. Dünyanın şekli fikri değişti: Portekizli F. Magellan'ın (1519-1522) dünya turu, top şeklinde olduğu varsayımını doğruladı.
2. Rönesans sanatı
Antik çağ sanatı, Rönesans sanat kültürünün temellerinden biridir. Rönesans temsilcileri, eski kültürde kendi özlemleriyle uyumlu olanı bulurlar - gerçekliğe bağlılık, neşe, güzelliğe hayranlık. dünyevi dünya kahramanca başarının büyüklüğünden önce. Aynı zamanda, farklı tarihsel koşullarda şekillenen, Romanesk ve Gotik üslup geleneklerini özümsemiş olan Rönesans sanatı, zamanının damgasını taşır. Klasik antik çağın sanatıyla karşılaştırıldığında, insanın manevi dünyası daha karmaşık ve çok yönlü hale geliyor.
Bu sırada İtalyan toplumu Antik Yunan ve Roma kültürüne aktif bir ilgi duymaya başlar, eski yazarların el yazmaları aranır, böylece Cicero ve Titus Livius'un yazıları bulunur.
İnsan kişiliğinin idealini çizen Rönesans figürleri, onun nezaketini, gücünü, kahramanlığını, kendi etrafında yeni bir dünya yaratma ve yaratma yeteneğini vurguladı. Bir kişinin yüksek fikri, özgür iradesi fikriyle ayrılmaz bir şekilde bağlantılıydı: bir kişi kendi yaşam yolunu seçer ve kendi kaderinden sorumludur. Bir kişinin değeri, toplumdaki konumuna göre değil, kişisel erdemlerine göre belirlenmeye başlandı: "Asalet, erdemden yayılan ve hangi kökenden olursa olsun sahiplerini aydınlatan bir tür ışıltı gibidir." (15. yüzyıl İtalyan hümanisti Poggio Bracciolini'nin yazdığı The Book of Nobility'den).
Rönesans, büyük keşiflerin, büyük ustaların ve onların olağanüstü eserlerinin zamanıdır. Aralarında ilk yerin Leonardo da Vinci'ye ait olduğu bütün bir sanatçı-bilim insanı galaksisinin ortaya çıkmasıyla dikkat çekiyor. Hem sanatta hem de yaşamda kendini gösteren titanizm zamanıydı. Michelangelo ve yaratıcıları (şair, sanatçı, heykeltıraş) tarafından yaratılan kahramanca görüntüleri hatırlamak yeterlidir. Michelangelo ya da Leonardo da Vinci gibi insanlar gerçek örnekleriydi. sınırsız olanaklar kişi.
Rönesans'taki güzel sanatlar, benzeri görülmemiş bir çiçeklenmeye ulaşır. Bunun nedeni, dünyevi yaşam ve güzellik kültüne dönen insanların zihinlerinde meydana gelen büyük bir değişimle birlikte ekonomik yükseliştir. Rönesans'ta dünyanın nesnel imgesi bir kişinin gözünden görülüyordu, bu nedenle sanatçıların karşılaştığı önemli sorunlardan biri de mekan sorunuydu.
Sanatçılar dünyayı farklı bir şekilde görmeye başladılar: sanki ortaçağ sanatının cisimsiz görüntüleri yerini üç boyutlu, kabartma, dışbükey uzaya bırakmış gibi düz. Rafael Santi (1483-1520), Leonardo da Vinci (1452-1519), Michelangelo Buonarroti (1475-1564), eski estetiğin gerekliliklerine uygun olarak fiziksel ve ruhsal güzelliğin birleştiği mükemmel kişiliği yaratıcılıklarıyla seslendirdiler. Rönesans sanatçıları, inşaatta doğayı taklit etme, perspektif kullanma, "altın bölüm" kuralı ilkelerine güvenirler. insan vücudu. Leonardo da Vinci, resmi "bilimlerin en büyüğü" olarak nitelendiriyor. "Doğaya uygunluk" ilkesi, tasvir edilen nesneyi olabildiğince doğru bir şekilde yeniden üretme arzusu ve bu dönemin doğasında var olan bireyselliğe olan ilgi, Rönesans ustalarının eserlerine ince bir psikoloji kazandırır.
Sanatçıların eserleri imza oluyor, yani. yazar tarafından altı çizilmiştir. Giderek daha fazla otoportre ortaya çıkıyor. Yeni bir öz-farkındalığın şüphesiz bir işareti, sanatçıların doğrudan emirlerden giderek daha fazla kaçınmaları, kendilerini içsel bir dürtüyle çalışmaya vermeleridir. 14. yüzyılın sonunda sanatçının toplumdaki dış konumu da önemli ölçüde değişti. Sanatçılar her türlü kamu takdirini, makamını, fahri ve parasal maaşı almaya başlıyor. Ve örneğin Michelangelo o kadar yükseğe çıkarılmıştır ki, taçlı taşıyıcıları gücendirme korkusu olmadan kendisine sunulan yüksek onurları reddeder. "İlahi" unvanı ona yeter. Kendisine yazılan mektuplarda tüm başlıkların çıkarılmasında ısrar ediyor ve mektuplarda sadece "Michelangelo Buonarotti" yazıyor. Dahinin bir adı var. Başlık onun için bir yüktür, çünkü kaçınılmaz koşullarla ilişkilidir ve bu nedenle, yaratıcılığını engelleyen her şeyden en azından bu özgürlüğün kısmen kaybıyla ilişkilidir. Ancak Rönesans sanatçısının yöneldiği mantıksal sınır, elbette öncelikle yaratıcı özgürlüğü varsayarak, tam bir kişisel bağımsızlığın kazanılmasıydı.
Michelangelo, en parlak Rönesans sanatçısı olarak adlandırılabilirse, o zaman Leonardo, Rönesans sanatçısının en büyük fikridir. Michelangelo ruhu somutlaştırdı ve Leonardo doğayı ruhsallaştırdı. Leonardo ve Michelangelo, Rönesans'ın 2 kutbu olarak hayal edilebilirse, o zaman Raphael ortası olarak adlandırılabilir. Rönesans'ın tüm ilkelerini en eksiksiz şekilde ifade eden eseriydi, Rönesans'a uyuyordu. Raphael'in sanatı her zaman bir uyum sembolü haline geldi, onu kendi içinde somutlaştırdı.
Rönesans sanatında insan gerçek ve bağımsız bir değer haline geldi. Mimaride bu, yalnızca binaların oranlarının insanlaştırılmasında değil, aynı zamanda zemin fikirlerinin yaratılmasında da kendini gösterir. Mimaride, klasik geleneğe başvurma özellikle önemli bir rol oynadı. Kendini yalnızca Gotik formların reddedilmesinde ve eski düzen sisteminin yeniden canlanmasında değil, aynı zamanda oranların klasik orantılılığında, tapınak mimarisinde kolayca görülebilen bir iç alana sahip merkezi bir bina tipinin geliştirilmesinde de gösterdi. Özellikle sivil mimarlık alanında birçok yenilik yaratıldı. Rönesans'ta çok katlı şehir binaları (belediye binaları, ticaret loncalarının evleri, üniversiteler, depolar, pazarlar vb.) yanı sıra bir tür kır villası. Şehirlerin planlanması ile ilgili sorunlar yeni bir şekilde çözülüyor, şehir merkezleri yeniden inşa ediliyor. Bireysel becerinin bir tezahürü olarak mimariye yönelik tutum şekilleniyor.
Müzikte vokal ve enstrümantal polifoni gelişimi devam etmektedir. 15. yüzyılda gelişen ve profesyonel Avrupa müziğinde operanın ortaya çıkışına kadar iki yüzyıl boyunca önemli bir rol oynayan Hollanda polifonik okulu özellikle dikkat çekicidir (besteciler J. Despres, O. Lasso). Laik müzikte yeni türler ortaya çıkıyor: frottole - İtalya'da halk kökenli bir şarkı; villanisco - İspanya'da lirik ve pastoralden tarihsel ve ahlaki değerlere kadar her konuda bir şarkı; madrigal - ana dilde icra edilen bir tür şarkı sözü. Aynı zamanda, bazı müzikal figürler, çok seslilik tutkusunun aksine monadik müziğin avantajlarını haklı çıkarır. Homofoni (tek seslilik) - solo şarkı, kantat, oratoryo kurulmasına katkıda bulunan türler ortaya çıkıyor. Müzik teorisi de gelişiyor.
3. Rönesans Şiiri
Doğanın Diyalektiği'nin önsözünde Rönesans'tan büyük bir tarihsel alt üst oluş olarak söz eden F. Engels, bu alt üst oluş sırasında Avrupa'da ulusların oluştuğunu, ulusal edebiyatların doğduğunu, biçimlendirildiğini vurgulamıştır. yeni tip kişi. Bu çağın "titanlara ihtiyacı vardı" - ve "düşünce, tutku ve karakter gücü, ancak çok yönlülük ve öğrenme açısından titanları doğurdu."
Şiir yazmayan Rönesans'ın önemli bir kültürel figürünü bulmak zordur. Yetenekli şairler Raphael, Michelangelo ve Leonardo da Vinci idi; şiirler Giordano Bruno, Thomas More, Ulrich von Hutten, Erasmus of Rotterdam tarafından yazılmıştır. Şiir yazma sanatı, Ronsard tarafından Fransa prenslerine öğretildi. Şiirler papalar ve İtalyan prensleri tarafından bestelendi. Abartılı maceracı Mary Stuart bile, neşeli gençliğinin akıp gittiği Fransa'ya veda ederek zarif şiirsel dizeler bıraktı. Lirik şairler, önde gelen nesir yazarları ve oyun yazarlarıydı. Açıkçası, büyük ayaklanmanın yetenekli insanlar tarafından açıkça yakalanan kendi ritmi ve nabzı vardı. Görünür bir kaos içinde tarihi olaylar Avrupa'nın üzerine düşen - savaşlarda, ayaklanmalarda, uzak diyarlara yapılan büyük seferlerde, yeni ve yeni keşiflerde - "kürelerin müziği"nin çınladığı, devrimci çağlarda onu duyabilen insanlar için her zaman anlaşılır olan tarihin o sesi . Hayatın bu yeni ritimleri, yeni doğan şiirlerde büyük bir güçle yankılandı. Avrupa dilleri, birçok durumda tam olarak şairlerin faaliyetleriyle bağlantılı olarak takas yasaları aldı.
önemli ve ortak ançünkü Rönesans'ın tüm Avrupa şiiri, şarkı söyleme sanatından ve kısa süre sonra müzik eşliğinden kopmasıydı; Cesur reformcuların çabaları pahasına şiir, Rönesans fırtınalarında doğan yeni bir kişiliğin diğer insanlarla, toplumla ve doğayla olan ilişkisini ortaya koyduğu, kesinlikle bireysel bir yaratıcılık alanı haline geldi. XIV-XV yüzyılların İtalyan şairlerinin koleksiyonları hala eski şekilde adlandırılıyor: "Şarkı kitapları" - "Canzoniere", ancak şiirler, artan bir şiir kabilesi uğruna yüksek sesle söylenmek veya kendi kendine okunmak üzere zaten basılıyor. genç kahramanlar gibi bir şiir kitabı için tüm dünyayı unutan aşıklar" ilahi komedi» Paolo ve Francesca.
Bununla birlikte, modern zamanların şiiri, şarkıyla, özellikle halkla olan bağın tamamen kopmasına yardımcı oldu. Dahası, özellikle şarkı şiiri olmak üzere güçlü bir halk şiiri dalgasının tüm Avrupa ülkelerini kasıp kavurması tam da erken Rönesans dönemindeydi. O dönemde lirik şiirin çiçeklenmesinin tam olarak, Avrupa'nın her yerinde güçlerinin nasıl arttığını, toplum yaşamı üzerindeki etkilerini hisseden köylü ve şehirli halk kitlelerinin şiiriyle başladığı söylenebilir. Rönesans, yeni bir zamanın gelişini müjdeleyen, Orta Çağ'ın temellerini sarsan büyük halk hareketlerinin çağıydı.
Halk isyanı ile feodal ideoloji eleştirisi arasındaki derin bağlantılar, 1470'lerde tanınmayan kaybeden William Langland'a atfedilen ve folklorun yankılarıyla dolu bir şiir olan The Vision of Peter the Plowman'da ortaya çıkar. Buradaki ahlaki gerçeğin taşıyıcısı bir işçi, bir çiftçidir. XIV.Yüzyılda, belli ki, asi ve halkın koruyucusu Robin Hood hakkındaki baladların ana omurgasının konusu oluşturuldu ve bu, İngiltere'de matbaalar çalışmaya başlar başlamaz en sevilen halk okuması haline geldi.
Baladın, yaşayan bir şiirsel tür olarak hala var olduğu orijinal koruma alanı, ağırlıklı olarak Danimarka kökenli karışık nüfuslarıyla Kuzey Atlantik'in çok sayıda takımadası haline geldi. Örnekleri bu ciltte yer alan Danimarka rönesans baladı, kuzey Avrupa halk şiirinin klasik bir türü haline geldi.
15. yüzyılın ortalarından beri matbaalar, çok çeşitli okuyucular için tasarlanmış birçok yayını, halk şiiri örneklerini - şarkılar, aşk hikayeleri, bilmeceler ve "halk kitapları" (bunların arasında - Til hakkında bir kitap) çöpe atıyor. Ulenspiegel ve Dr. Faust hakkında bir kitap). Hümanist yazarlar tarafından, hatta kitlelerin hareketinden çok uzak olan, ancak popüler kaynaklara susamış olanlar tarafından işlenir ve kullanılır. Shakespeare'in, çağdaşlarının ve seleflerinin oyunlarına bir göz atalım. Tasarımlarının tam kalbinde ne çok halk türküsü bulacağız; Desdemona'nın söğüt-söğüt hakkındaki şarkısında, Ophelia'nın Sevgililer Günü hakkındaki şarkısında, Jacques'in başka bir ormanı çok anımsatan Ardennes ormanının atmosferinde ("Much Ado About Nothing"), Robin Hood'un tetikçisi Sherwood ve onun neşeli yeşil kardeşler Ancak, yazarların hokkasına girmeden önce, bu motifler İngiliz şehirlerinin meydanlarında, kırsal panayırlarda ve yol kenarındaki tavernalarda dolaşıyordu, gezgin şarkıcılar tarafından icra ediliyor ve dindar Püritenleri korkutuyordu.
O dönemin şairinin başka bir ilham kaynağı daha vardı: klasik antik çağ. Tutkulu bilgi sevgisi, şairi anatomik tiyatrolara, demirhanelere ve laboratuvarlara ve aynı zamanda kütüphanelere uzun yolculuklara çıkardı. 15. yüzyıla kadar, eğitimli Avrupalı, Latin edebiyatının bazı eserlerini biliyordu. Antik Roma, karşılığında antik Yunan kültüründen çok şey öğrendi. Ancak Yunan kültürünün kendisi daha sonra, özellikle 15. yüzyıldan sonra, Orta Doğu'daki Orta Çağ Yunan medeniyetinin son sütunu olan Bizans, Türklere karşı mücadelede çöktüğünde yaygın olarak bilinmeye başlandı. Türklerin fethettikleri topraklardan Avrupa'nın Hıristiyan ülkelerine akın eden binlerce Rum mülteci yanlarında ana dil ve sanat bilgilerini taşıdılar, birçoğu Avrupa mahkemelerinde tercüman, öğretmen oldu. Yunan Avrupa üniversitelerinde, eski klasikleri orijinal ve çeviri olarak yayınlayan büyük matbaalarda danışman olarak.
Antik çağ, adeta Rönesans şairlerinin içinde yaşadığı ikinci dünya haline geldi. Antik çağın kültürünün kölelerin teri ve kanı üzerine inşa edildiğini nadiren tahmin ettiler; eski çağ insanlarını kendi zamanlarının insanlarına benzetmişler ve öyle tasvir etmişlerdir. Bunun bir örneği, Shakespeare'in trajedilerindeki asi güruh, Rönesans sanatçılarının tuvallerindeki "antik" köylüler ve zanaatkarlar veya şiirlerinde ve şiirlerindeki çobanlar ve çoban kadınlarıdır.
Yavaş yavaş, o dönemin edebi gelişim akışında iki eğilim ortaya çıktı: biri, yeni bir ulusal edebiyat oluşturma mücadelesinde, eski örnekler tarafından yönlendirildi, halk geleneği deneyimlerini tercih etti, gençlere "göre" yazmayı öğretti. Horace” veya “Aristoteles'e göre”. Bazen, antik modellere daha yakın olma arzusuyla, bu "bilgili" şairler, Avrupa ortaçağ şiirinin tartışılmaz bir fethi olan kafiyeyi bile bir kenara attılar. Başka bir yönün temsilcileri - aralarında Shakespeare ve Lone de Vega - eski edebiyatı çok takdir ediyor ve eserleri için hazinelerinden sık sık olay örgüsü ve imgeler çıkarıyor, yine de yazar için yalnızca hakkı değil, aynı zamanda her şeyden önce görevi de savundu. hayatı yaşayarak şiir okumak ve yeniden üretmek. Hamlet, sahne becerileriyle ilgili olarak oyuncularla bundan bahsediyor, Lone de Vega aynı şeyi “Yeni Komedi Yazma Sanatı Üzerine” adlı incelemesinde tekrarlıyor. Halk geleneğini sanatta hesaba katmak gerektiği fikrini doğrudan ifade eden Lipe'dir. Ancak Shakespeare, sonelerinde şiirsel şöhretine meydan okuyan bir yazar arkadaşından bahsederken, onun "öğrenilmiş", "süslü" tavrına kendi "basit" ve "mütevazi" üslubuyla karşı çıkar. Her iki akım da bir bütün olarak hümanist şiirin tek bir akımını oluşturuyordu ve farklı ülkelerdeki farklı sosyal sebeplerden dolayı kendi iç çelişkileri olmasına rağmen hümanist şairler, çağlarının eski feodal dünyasını savunmaya çalışan, modası geçmiş yazarlarına karşı çıktılar. estetik normlar ve eski şiirsel teknikler.
On beşinci yüzyıl, İtalyan şiirine pek çok yeni şey getirdi. Bu zamana kadar, aristokrat aileler, tüccar devlet-komünlerinden düklüklere ve beyliklere dönüştürülen şehirlerde yavaş yavaş iktidarı ele geçirmeye başladı. Floransalı zenginlerin oğulları, örneğin Medici'nin ünlü bankacılık evi, hümanist eğitimle hava attılar, sanatı korudular ve kendileri de onlara yabancı değildiler. Hümanist şairler, eğitimli okuyucuları düşünerek Latince şiirler yazdılar. Angelo Poliziano gibi yeteneklerin kaleminde, şehrin soylularının ihtiyaçları için cesur şövalyeler ve güzel hanımlar kültü yeniden canlandırıldı. Medici evinin ağır pençesinden haklarını savunan şehir komünü, yeni bir aristokratik kültürün ortaya çıkışına halk hicvinin ve gündelik şarkıların hızla gelişmesiyle yanıt verdi; Pulci, kahramanca şiiri "Big Morgant" da feodal geçmişe duyulan romantik tutkuyla alay etti. Bununla birlikte, Floransa'da ve özellikle, Dukes d "Este'nin başkenti Ferrara'da, aşk-macera şövalye şiiri güncellenmiş bir versiyonda yeniden canlandırıldı. Kont Matteo Boiardo ve daha sonra, zaten 16. yüzyılda, Ferrara şairi Ludovico Ariosto, bir ortaçağ destanının sert bir kahramanından kıskançlıktan deliye dönmüş ateşli bir aşıka dönüşen şövalye Roland'ın (Orlando) duyulmamış maceralarını ve maceralarını zarif oktavlarla anlatıyor. halklar, Ariosto, Don Kişot'un çok şey anlattığı bir eser yarattı.
Rönesans'ın Avrupa şiirine en son katkı, İber Yarımadası'nın şairlerine aittir; yeni bir dünya görüşüne doğru kararlı bir dönüş ve yeni kültür burada sadece nedenleri olan 15. ve 16. yüzyılların başında meydana geldi. Her şeyden önce, yarımadada yaşayan bölünmüş ve çoğu zaman düşman kardeş halkların tüm güçlerinin çaba göstermesini gerektiren uzun süreli keşif. İspanya'nın tarihsel gelişimi tuhaf bir şekilde ilerledi. Kraliyet gücü, İspanyol şehirlerinde güçlü bir dayanağa sahip değildi ve karşılığında inatçı aristokrasiyi ve şehir komünlerini kırsa da, gerçek bir devlet ve ulusal birlik yoktu: İspanyol kralları, yalnızca silahların ve kilisenin gücüne güvenerek hükmediyordu. Engizisyon mahkemesi. 15. yüzyılın sonunda Amerika'nın keşfi ve geniş topraklarının altın ve gümüş madenleriyle kısa bir süre için ele geçirilmesi, İspanya'nın eşi görülmemiş bir zenginleşmesine, ardından altının fiyatının düşmesine ve İspanya'nın feci bir şekilde fakirleşmesine yol açtı. kolay para peşinde koşmanın yerini zanaatkarlığın ve tarıma elverişli tarımın geliştirilmesine bırakan ülke. İspanyol devleti siyasi gücünü kaybetmeye başladı, 16. yüzyılın sonunda Hollanda ondan uzaklaştı, 1588'de İngiltere'yi fethetmek için gönderilen İspanyol filosu Invincible Armada yenildi. Bir tepki oluştu. Maceracıların ve yağmacıların krallığı haline gelen ve büyük ölçüde feodal bir ülke olarak kalan ülkenin güneşten kavrulmuş tarlaları ve yolları boyunca dilenci ve serseri kalabalıkları uzanıyordu.
Yine de İspanya'da parlak bir Rönesans kültürü gelişti. Geç Orta Çağ edebiyatı burada zaten zengin ve çeşitliydi. Aragon, Kastilya, Endülüs gelenekleri, ozanlar okuluyla Galiçya'nın ve Katalonya'nın ve özellikle 15. yüzyılda yeni deniz yolları için savaşmaya başlayan ve genellikle İspanya'yı bu alanda geride bırakan Portekiz'in etkilerini emerek yeni bir şeyde birleşti. kültürel gelişme. İspanya ile yakın kültürel bağlar, Portekiz'in İspanyol tahtına boyun eğdirilmesinin yarım yüzyılı (1580 - 1640) ile güçlendirildi. İber Yarımadası edebiyatları için çok önemli olan, Arap dünyasının edebiyatlarına asırlık yakınlıklarıydı. Bu mahalle aracılığıyla, İspanyol şairler, özellikle 15-16. Öte yandan, o dönemde İspanya, Venedik ile Sicilya krallığı ile yakından bağlantılıydı, İtalya'nın birçok şehrinde ve limanında garnizonlar ve filolar bulunduruyordu. İspanyol Rönesans şiiri, oluşumu sırasında İtalyan şiirinin en güçlü ve kalıcı etkisini yaşadı. (Aynı şey Portekiz edebiyatı için de geçerlidir)
Batı Avrupa'nın herhangi bir edebiyatındaki romantikler, Rönesans ustalarının halefleri ve öğrencileriydi. Safkan, insancıl sanatı, 20. yüzyılın çok sayıda ilerici şairi için bir model görevi gördü. Sosyalist gerçekçilik sanatçısı Johannes R. Becher, modern edebiyat üzerine yaptığı araştırmalara "A Small Doctrine of the Sone" - sonenin altı dilbilimsel yönünün dikkatli bir analizini içeren bir çalışma - Fransızca, Almanca, İngilizce, İtalyanca, Portekizce ve İspanyolca.
SSCB halklarının birçok dilinde yayınlanan Dante, Shakespeare, Lope de Vega, Cervantes sadece çağdaşlarımız değil, aynı zamanda silah arkadaşlarımız oldu. Rönesans sanatçılarının resimleri gibi, Rönesans şairlerinin dramaturjisi, şarkıları ve şiirleri de Sovyet halkının kültürel yaşamına girdi.
Rönesans devlerinden biri olan Giordano Bruno kitabına "Kahramanca Coşku Üzerine Diyalog" adını verdi. Bu isim, XIV - XVI yüzyılların şiirinde yakalanan Rönesans'ın ruhani atmosferini çok doğru bir şekilde tanımlar. Bu şiir, insanın güzelliğini, iç yaşamının zenginliğini ve duyumlarının sayısız çeşitliliğini ortaya çıkardı, dünyevi dünyanın ihtişamını gösterdi, insanın dünyevi mutluluk hakkını ilan etti. Rönesans edebiyatı, şairin çağrısını insanlığa hizmet etmenin yüce misyonuna yükseltti.
4. Rönesans Tiyatrosu
Tiyatro, dramatik eserleri sahnede sunma sanatıdır. Bu kavramın böyle bir tanımı verir SözlükÖzhegov.
Rönesans tiyatrosu, tüm dünya kültürü tarihindeki en parlak ve en önemli olaylardan biridir; Avrupa tiyatro sanatının güçlü bir kaynağıdır - her zaman için. Yeni tiyatro, genç enerjiyi eyleme dökme ihtiyacından doğdu. Ve kendinize şu soruyu sorarsanız, bu eylem sanatın hangi alanına dökülmüş olmalı, bu bir eğlence denizi, o zaman cevap açık: tabii ki tiyatro alanında. Karnaval oyunu artık eski spontane amatör performans aşamasında kalamadı ve sanatın kıyılarına girerek eski ve yeni edebiyatların deneyimiyle zenginleşen yaratıcılığa dönüştü.
İtalya'da - Avrupa'da ilk kez - profesyonel oyuncular sahneye çıktı ve orada, izleyicinin önünde doğan ve özgürlükleri, heyecanları, dehaları ve zekalarıyla büyüleyici, parlak, güçlü bir oyunla dünyayı hayrete düşürdü.
Böylece İtalya'da yeni zamanın tiyatro sanatının başlangıcı atıldı. XVI yüzyılın ortalarında oldu.
Rönesans tiyatrosu İngiltere'de zirveye ulaştı. Şimdi hayatın tüm alanlarını gerçekten özümsedi, varlığın derinliklerine nüfuz etti. Muazzam bir yetenek grubu sanki yerden yükseliyormuş gibi yükseldi. Ve yüzyılın en büyük mucizesi Stratford'lu bir adamın Globe Theatre için oyunlar yazmak üzere Londra'ya gelmesiydi. Tiyatronun gürültülü adı haklıydı - dünya gerçekten Shakespeare'in eserlerinde açıldı: geçmişin tarihsel mesafeleri görünürdü, bu yüzyılın ana gerçekleri açıklığa kavuşturuldu ve mucizevi bir şekilde, zamanın perdesinden, dış hatlar gelecek görülüyordu.
Rönesans'ın görkemli çağında, Dante, Leonardo ve Michelangelo döneminde, Küre'nin üzerinde dalgalanan küçük bir bayrak görkemli bir başarının habercisiydi. Shakespeare'in dehası, dramada ve sahnede daha önce elde edilen her şeyi bir araya getirdi. Şimdi iki-üç saat içinde, altı-sekiz metrekarede dünyalar ve çağlar görülebiliyordu.
Gerçekten harika bir tiyatro. Yeni tiyatro İtalya'da doğdu. Bu doğum kesin olarak tanımlanmış bir tarihe, isme veya işe atfedilemez. Toplumun hem "en tepesinde" hem de "en altında" uzun, çok taraflı bir süreç vardı. Sadece gerekli işlemlerden sonra tarihsel olarak eksiksiz bir sonuç verdi. drama, sahne ve geniş izleyici üçlüsü.
Rönesans dramaturjisinin ilk deneyleri hakkında, bunların kesinlikle sahnenin değil, kalemin yaratımları olduğu söylenebilir. Edebiyatın ana rahminden çıkan hümanist drama, kitap raflarından çıktıysa, o zaman sadece ara sıra ve sahne başarısı için fazla umut olmadan. Ve karmaşık olmayan halk saçmalıkları ve karnaval maskelerinin doğaçlamaları, yazılı oyunların edebi değerlerinin onda birine bile sahip olmasalar da, seyirci kalabalığının ilgisini çekti. Yeni Avrupa tiyatrosunun gerçek atası olan commedia dell'arte'nin kaynağının gol attığı yer karnavaldaydı. söylenmeli ki yeni tiyatronun gelişiminin erken bir aşamasında, sahne ve dramanın karşılıklı yabancılaşması her iki tarafa da gitti.. Dramanın, fars sahnesinin ilkellerinden arınmış olduğu ortaya çıktı ve sahne, yani dramadan yoksun ve kendi haline bırakılan performans sanatları, kendi yaratıcı kaynaklarını yoğun bir şekilde geliştirme fırsatı buldu.
Pomponio'nun bilgili stüdyosu, Plautus'un komedilerini oynayan amatörlerin ilk buluşması oldu. Yüzyıllardır bir pozisyonda olan karakterler edebi kahramanlar, yine sahne boyunca yürüdü (muhtemelen henüz kendinden pek emin olmasa da).
Romalı bilim adamının keşfinin haberi kısa sürede tüm İtalya'ya yayıldı. Mahkemelerdeki diğer gösteriler arasında Plautus'un komedilerini göstermek moda oldu. Moda o kadar harikaydı ki Plautus, Vatikan'da Latince oynanıyordu. Ancak herkes Latince anlamadı, bu nedenle 70'lerin sonlarında hümanist Batista Guarini, Plautus ve Terentius'un eserlerini İtalyancaya çevirdi.
Başarılı geliştirme komedi, geleneksel antik planın - genç bir adamın katı ebeveynler tarafından korunan sevgilisine sahip olma mücadelesi ve kaçamak ve enerjik hizmetkarların hileleri - modern hayatın canlı eskizleri için uygun olduğu gerçeğiyle belirlendi. .
Ferrara sarayındaki 1508 karnavalında şair Ludovico Ariosto Sandık Komedyası'nı gösterdi.
Ve sanki bent kapakları kırılmış, hayat veren akışı uzun süre durdurmuş gibiydi. Ertesi yıl, Ariosto'nun ikinci komedisi The Changelings ortaya çıkar ve 1513'te Kardinal Bibbiena, Urbino'da Calandria'sını gösterir. 1514'te, Floransa Cumhuriyeti'nin eski sekreteri olan en zeki Niccolo Machiavelli, dönemin en iyi oyunu olan Mandrake'i yazdı.
italyan komedisi 16. yüzyıl dinamik olay örgüsü için belirli bir standart geliştirdi: Aynı durumlar burada yedek çocuklarla, kılık değiştirmiş kızlarla, hizmetçilerin hileleriyle, aşık yaşlıların komik fiyaskolarıyla sürekli tekrarlandı.
İtalyan hümanistler, Seneca'nın mirasını yoğun bir şekilde inceliyorlardı; sonra Yunan trajedi yazarları - Sofokles ve Euripides - çıkarlarının yörüngesine düştüler. Bu eski yazarların etkisi altında, ilk örneği Giangiorgio Trissino'nun (1515) Sofonisba'sı olan Rönesans İtalyan trajedisi doğdu.
Trissino, antik Yunan tiyatrosunun derin bir uzmanıydı. Kendi trajedisini besteleyerek, ona Sofokles ve Euripides'in eserleri rehberlik etti. "Sofonisba" da eski trajedinin tüm bileşenleri kullanıldı - koro, sırdaşlar, haberciler, eylemlere bölünme yoktu, üç birlik ve üç aktörün kanunları gözetildi. Ancak trajedide önemli bir şey yoktu - önemli bir sosyal tema, tutkuların dinamikleri, bütünsel bir eylem.
Modern izleyici, trajik türle ya tamamen akademik açıdan ya da burada "şoklara" yiyecek bulma beklentisiyle ilgileniyordu.
Bu tür yiyecekler, İtalyan trajedisi bolca verdi.
Yeni trajedi, seyircinin "ruhunu yakalamaya" çalıştı. Baba, kızının gizli bir evlilikten doğan çocuklarını öldürdü ve başlarını ve ellerini bir tepside ona teklif etti, şok içindeki kız babasını öldürdü ve kendini bıçakladı (G. Cinthio'nun “Orbecca”, 1541). Kocası tarafından terk edilen kadın, rakibini ondan evlat edindiği çocukları öldürmeye zorladı, ardından onu öldürerek ölü kafaları kocasına gönderdi; koca da karısının sevgilisinin kafasını kesti. Sonunda, katı kalpli eşler birbirlerini zehirliyorlardı (L. Groto'nun "Dalida", 1572).
"Dehşet Trajedileri" kanlı sahneleriyle, düşünceleri uyandırmadan, hayatın anlamı ve bir kişinin görevleri hakkında sorular sormadan hayrete düşürdü.
Komedinin düşüşe geçtiği, trajedinin sanatın ana yoluna girmediği bir çağda kazanan, dramatik arenada pastoral ortaya çıktı.
İlk başta pastoral yön, Boccaccio'nun ("Ameto", "Fiesolan Perileri") eserlerinde ve Petrarchistlerin sözlerinde şiirdeki en canlı ifadeyi aldı. Ama yakında yeni bir tane doğdu dramatik tür.
Trajedide ölümcül tutku hakimse ve komedide şehvetli çekicilik hakimse, pastoralde "saf aşk" hüküm sürüyordu ve belirli yaşam bağlantılarının dışında bir tür şiirsel ideal olarak ortaya çıkıyordu.
İngiliz Rönesansının tiyatrosu Shakespeare ve onun parlak çevresidir: Marlowe, Greene, Beaumont, Fletcher, Chapman, Nash, Ben Jonson. Ama bütün bu soyadları kendi yaşlarına ve milletlerine aittir; Zamanının ruhunu ve halkının yaşamını en derinden ifade eden Shakespeare, tüm çağlara ve tüm insanlara aittir.
Shakespeare Tiyatrosu - Rönesans kültürünün bir tür sentezidir. Bu kültürün en olgun aşamasını belirleyen Shakespeare, sanki tüm "en büyük ilerici ayaklanma" dönemi adına çağıyla ve sonraki yüzyıllarla konuştu.
Shakespeare'in Yaratıcılığı ulusal İngiliz tiyatrosunun gelişiminin sonucuydu. Aynı zamanda, bir dereceye kadar, eski ve modern zamanların önceki tüm şiirsel, dramatik ve sahne kültürünün başarılarını özetledi. Bu nedenle, Shakespeare'in dramalarında, Homeros olay örgüsünün destansı kapsamı ve eski Yunanlıların monotrajedilerinin devasa modellemesi ve Roma komedi olay örgüsünün kasırga oyunu hissedilebilir. Shakespeare'in tiyatrosu, Petrarşist şairlerin yüksek lirizmi açısından zengindir. Shakespeare'in eserlerinde, Erasmus of Rotterdam'dan başlayıp Montaigne ile biten modern hümanistlerin sesleri açıkça duyulmaktadır.
Mirasın derinlemesine gelişimi - bu, yeni ve en mükemmel Rönesans draması türünün, Shakespeare'in dramasının doğuşu için en önemli ön koşuldu.
Çözüm
Hümanizm fikirleri, Rönesans sanatının gelişmesinin manevi temelidir. Rönesans sanatı hümanizm idealleriyle doludur, güzel, uyumlu bir şekilde gelişmiş bir insanın imajını yaratmıştır. İtalyan hümanistleri insan için özgürlük talep ettiler. A.K., "Ama özgürlük, İtalyan Rönesansı anlayışındadır" diye yazmıştı. Dzhivelegov, - ayrı bir kişi anlamına geliyordu. Hümanizm, insanın duygularında, düşüncelerinde, inançlarında herhangi bir vesayet altında olmadığını, onun üzerinde irade olmaması gerektiğini, istediği gibi hissetmesini ve düşünmesini engellediğini kanıtladı. Modern bilimde, Rönesans hümanizminin doğası, yapısı ve kronolojik çerçevesi hakkında kesin bir anlayış yoktur. Ancak, elbette hümanizm, feodal parçalanmanın başlangıcında ve kapitalist ilişkilerin ortaya çıkışı döneminde İtalya'nın tüm tarihsel gelişiminin tüm seyrinden ayrılamaz olan Rönesans kültürünün ana ideolojik içeriği olarak görülmelidir. Hümanizm, öncelikle eski mirasa dayanan bir kültür aracının kurulmasına katkıda bulunan ilerici bir ideolojik hareketti. İtalyan hümanizmi bir dizi aşamadan geçti: 14. yüzyılda oluşum, sonraki yüzyılın parlak bir parlak dönemi, 16. yüzyılda içsel yeniden yapılanma ve kademeli düşüş. İtalyan Rönesansının evrimi, felsefenin, politik ideolojinin, bilimin ve diğer toplumsal bilinç biçimlerinin gelişimi ile yakından bağlantılıydı ve dolayısıyla Rönesans'ın sanatsal kültürü üzerinde güçlü bir etkisi oldu.
Eski bir temelde yeniden canlanan, etik, retorik, filoloji, tarih dahil olmak üzere insani bilgi, ideolojik çekirdeği insanın doktrini, doğadaki yeri ve rolü olan hümanizmin oluşumunda ve gelişmesinde ana alan haline geldi. ve toplum. Bu doktrin esas olarak etik alanında gelişti ve Rönesans kültürünün çeşitli alanlarında zenginleşti. Hümanist etik, insanın dünyevi kaderi sorununu, kendi çabalarıyla mutluluğu elde etmesini ön plana çıkardı. Hümanistler, çözümünde insanın yaratıcı yeteneklerinin ve iradesinin gücü, yeryüzünde mutluluk inşa etmek için geniş olasılıkları hakkındaki fikirlere güvendikleri sosyal etik konularına yeni bir şekilde yaklaştılar. Bireyin ve toplumun çıkarlarının uyumunu başarı için önemli bir ön koşul olarak gördüler, bireyin özgür gelişimi ve onunla ayrılmaz bir şekilde bağlantılı olan sosyal organizmanın ve siyasi düzenlerin iyileştirilmesi idealini ortaya koydular. Bu, İtalyan hümanistlerinin birçok etik fikrine ve öğretisine belirgin bir karakter kazandırdı.
Hümanist etikte geliştirilen birçok sorun, insan faaliyetinin ahlaki uyaranlarının giderek daha önemli bir sosyal işlev yerine getirdiği çağımızda yeni bir anlam ve özel bir ilgi kazanıyor.
Hümanist dünya görüşü, Avrupa kültürünün sonraki tüm gelişimi üzerinde güçlü bir etkiye sahip olan Rönesans'ın en büyük ilerici fetihlerinden biri haline geldi.
Reform, dünya medeniyetinin oluşumunda önemli bir rol oynadı. Reformasyon, belirli bir sosyo-politik ideal ilan etmeden, toplumu şu ya da bu yönde yeniden şekillendirmeyi gerektirmeden, sanatsal ve estetik alanda herhangi bir bilimsel keşif veya başarı yapmadan, insanın bilincini değiştirdi, ona yeni manevi ufuklar açtı. . Bir kişi bağımsız düşünme özgürlüğüne kavuştu, kendisini kilisenin vesayetinden kurtardı, onun için en yüksek yaptırımı aldı - ona nasıl yaşayacağını yalnızca kendi aklının ve vicdanının dikte ettiği dini bir yaptırım. Reform, ahlaki seçim özgürlüğüne sahip, yargılarında ve eylemlerinde bağımsız ve sorumlu olan bağımsız, özerk bir birey olan burjuva toplumundan bir adamın ortaya çıkmasına katkıda bulundu.
Kullanılan literatür listesi
1. LM Bragina "İtalyan hümanistlerinin sosyal ve etik görüşleri" (15. yüzyılın ikinci yarısı) MGU Yayınevi, 1983
2. Orta Çağ ve Rönesans kültür tarihinden. "Bilim" yayınevi, M 1976
3. 5 0 Batı Avrupa sanatının ustalarının biyografileri. "Sovyet sanatçı" yayınevi, Leningrad 1965
4. Garay E. İtalyan Rönesansının Sorunları. - M., 1996.
5. Yabancı ülkelerin sanat tarihi. - M., 1998.
6. Kültüroloji. Dünya Kültürü Tarihi: Liseler İçin Ders Kitabı / Ed. prof. BİR. Markova. - E, 1995.
7. Kültüroloji. Kültür Teorisi ve Tarihi: Ders Kitabı. - M.: Rusya "Bilgi" derneği, CINO, 1996.
8. Losev L.F. Rönesans Estetiği. - M., 1993.
9. Polikarpov V.S. Kültürel çalışmalar üzerine dersler. - M .: "Gardarika", "Uzmanlık Bürosu", 1997.
Rönesans sanatı
Mezuniyet çalışması
Öğrenci 4 "E" sınıfı
2 Nolu Sanat Okulu
Galady Yury
Giriş ................................................ . ................. 3
1. İtalyan Rönesansı................................................3
2. Kuzey Rönesansı................................................. .5
3. Hollanda................................................... ..........9
Çözüm................................................. .......... 13
Sanatçılar hakkında detaylar:
1.Leonardo da Vinci …………………………………14
2.Rafael Santi…………………………………….19
3. Michelangelo Buonarroti……………………..24
Giriiş.
Avrupa'da Orta Çağ'da, yaşamın ekonomik, sosyal ve dini alanlarında, sanatta değişikliklere yol açamayan hızlı değişiklikler meydana geldi. Herhangi bir değişim anında, kişi etrafındaki dünyayı yeniden düşünmeye çalışır, F. Nietzsche'nin ünlü ifadesini kullanarak sancılı bir "tüm değerlerin yeniden değerlendirilmesi" süreci vardır.
Bu arayışlar, her şeyden önce ve en anlamlı şekilde, en ince diyapazonlar gibi, kararsız çevre dünyayla rezonansa giren ve eserlerine bir duygu senfonisi dokuyan sanat insanlarının eserlerinde kendini gösterir.
Böylece Orta Çağ'da İtalya, Almanya, Hollanda ve Fransa bu tür değişikliklerin odak noktası oldu. Bizden o uzak zamanda bu ülkelerde gerçekte neler olduğunu, geçmiş günlerin düşünürlerinin zihinlerinde hangi düşüncelerin meşgul olduğunu anlamaya çalışalım, zamanın meydana gelen fenomenlerinin özünü sanat eserleri aracılığıyla keşfetmeye çalışalım, "Rönesans" denir.
1. İtalyan Rönesansı.
Rönesans'ın geçiş niteliğindeki doğası nedeniyle, bu tarihsel dönemin kronolojik çerçevesini oluşturmak oldukça zordur. Daha sonra belirtilecek olan işaretlere dayanarak (hümanizm, insanmerkezcilik, Hıristiyan geleneğinin değiştirilmesi, antik çağın canlanması), o zaman kronoloji şöyle görünecektir: Protorenissance (ducento ve trecento - XII-XIII - XIII-XIV yüzyıllar), Erken Rönesans (quattrocento XIV-XV yüzyıllar), Yüksek Rönesans (cento XV-XVI yüzyıllar).
İtalyan Rönesansı, tek bir pan-İtalyan hareketi değil, İtalya'nın farklı merkezlerinde eşzamanlı veya birbirini izleyen bir dizi harekettir. İtalya'nın parçalanması buradaki son sebep değildi. Rönesans'ın en eksiksiz özellikleri kendini Floransa'da, Roma'da gösterdi. Milano, Napoli ve Venedik de bu dönemi yaşadı ama Floransa kadar yoğun değil.
"Rönesans" (Rönesans) terimi, dönemin düşünürü ve sanatçısı Giorgio Vasari ("Ünlü ressamların, heykeltraşların ve mimarların biyografisi") tarafından tanıtıldı. Bu yüzden zamanı 1250'den 1550'ye çağırdı. Onun bakış açısından zamanı gelmişti. antik çağın canlanması. Vasari için antik çağ ideal olarak görünür.
Gelecekte, terimin içeriği gelişti. Canlanma, bilim ve sanatın teolojiden özgürleşmesi, Hıristiyan etiğine karşı bir soğuma, ulusal edebiyatların doğuşu, insanın Katolik Kilisesi'nin kısıtlamalarından kurtulma arzusu anlamına gelmeye başladı. Yani Rönesans özünde hümanizm anlamına gelmeye başladı.
Rönesans kültürü ve estetiğinde insana neden bu kadar net bir odaklanma vardı? Sosyolojik bir bakış açısından, kentsel kültür, insanın bağımsızlığının, artan kendini onaylamasının nedeni haline geldi. Şehirde, her yerden daha fazla insan normal, sıradan bir hayatın erdemlerini keşfetti.
Bunun nedeni, kasaba halkının köylülerden daha bağımsız insanlar olmasıydı. Başlangıçta, şehirlerde gerçek zanaatkarlar, zanaatkarlar yaşıyordu, çünkü köylü ekonomisini terk ettikten sonra, yalnızca el sanatları becerileriyle yaşamaları bekleniyordu. Kent sakinlerinin ve girişimci insanların sayısını yeniledi. Gerçek koşullar onları yalnızca kendilerine güvenmeye zorladı, hayata karşı yeni bir tutum oluşturdu.
Basit meta üretimi de özel bir zihniyetin oluşmasında önemli bir rol oynadı. Geliri hem kendisi üreten hem de elden çıkaran mal sahibi duygusu, şüphesiz, şehirlerin ilk sakinlerinin özel bir bağımsız ruhunun oluşmasına da katkıda bulunmuştur.
İtalyan şehirleri yalnızca belirtilen nedenlerle değil, aynı zamanda transit ticarete aktif katılımları nedeniyle de gelişti. (Dış pazarda rekabet eden şehirlerin rekabeti İtalya'nın parçalanmasının nedenlerinden biri bile olmuştur). VIII-IX yüzyıllarda Akdeniz yeniden ticaret yollarının yoğunlaştığı bir yer haline gelir. Fransız tarihçi F. Braudel'e göre tüm kıyı sakinleri bundan faydalandı. Bu, büyük ölçüde, yeterli sahip olmayan şehirlerin doğal Kaynaklar, yıldızı parladı. Kıyı ülkelerini birbirine bağladılar. Haçlı seferleri, şehirlerin zenginleşmesinde özel bir rol oynadı.
Böylece kent kültürü yeni insanlar yarattı, hayata karşı yeni bir tavır oluşturdu, büyük fikirlerin ve büyük eserlerin doğduğu bir atmosfer yarattı. Ancak ideolojik olarak, tüm bunlar seçkinler düzeyinde resmileştirildi. Sıradan sakinler, dünya görüşünün ideolojik formülasyonundan uzaktı.
Bir kişinin yeni ortaya çıkan dünya görüşünün ideolojik bir desteğe ihtiyacı vardı. Antik çağ böyle bir destek sağladı. Tabii ki, İtalya sakinlerinin ona dönmesi tesadüf değildi, çünkü Akdeniz'de öne çıkan bu yarımada, bin yıldan daha uzun bir süre önce geçmiş antik (Roma) uygarlığının temsilcileri tarafından iskan edilmişti. " Klasiklere en çok hitap eden antik çağ, zihnin yeni ihtiyaçları ve yeni yaşam özlemleri için destek bulma ihtiyacından başka bir şeyle açıklanamaz,- yüzyılın başında Rus tarihçi N. Kareev yazdı.
Yani, Rönesans antik çağa bir çağrıdır. Ancak bu dönemin tüm kültürü, Rönesans'ın saf haliyle, Rönesans'ın gerçekte var olmadığını bir kez daha kanıtlıyor. Rönesans düşünürleri, antik çağda ne istediklerini gördüler. Bu nedenle, Neoplatonizmin bu dönemde özel bir entelektüel gelişim geçirmesi tesadüf değildir. A.F. Losev, "Rönesans Estetiği" adlı kitabında, bu felsefi kavramın İtalyan Rönesansı döneminde özel olarak yaygın olmasının nedenlerini zekice gösteriyor. Eski (aslında kozmolojik) Neoplatonizm, ilahi anlamın ortaya çıkması (kökeni), dünyanın (kozmos) ilahi anlamıyla doygunluğu fikri ve son olarak, dirilişçilerin dikkatini çekemezdi. hayatın ve varlığın en somut tasarımı olarak Bir'in.
Tanrı insana yaklaşıyor. Panteist olarak tasavvur edilir (Tanrı dünyayla birleşir, dünyayı ruhsallaştırır). Bu yüzden dünya insanı cezbeder. İnsanın ilahi güzellikle dolu bir dünyayı kavrayışı, Rönesans'ın ana ideolojik görevlerinden biri haline gelir.
Karakter kurgu Rönesans.
Dünyada çözülen İlahi güzelliği anlamanın en iyi yolu, haklı olarak insan duygularının eseri olarak kabul edilir. Bu nedenle, görsel algıya bu kadar yoğun bir ilgi var ve bu nedenle mekansal sanatlar (resim, heykel, mimari) çiçek açıyor. Sonuçta, Rönesans liderlerine göre İlahi güzelliği daha doğru bir şekilde yakalamayı mümkün kılan bu sanatlardır. Bu nedenle, Rönesans kültürü ayrı bir sanatsal karaktere sahiptir.
Antik çağa olan ilgi, uyanışçılar arasında Hıristiyan (Katolik) geleneğin değiştirilmesiyle ilişkilendirilir. Neoplatonizmin etkisiyle panteist eğilim güçlenir. Bu, XIV-XVI yüzyılların İtalya kültürüne benzersizlik ve benzersizlik verir. Dirilişçiler kendilerine yeni bir bakış attılar ama aynı zamanda Tanrı'ya olan inançlarını da kaybetmediler. Kaderlerinden önemli, sorumlu olduklarını fark etmeye başladılar, ancak aynı zamanda Orta Çağ insanı olmayı da bırakmadılar.
Rönesans kültürünün çelişkili doğası: kendini onaylamanın sevinci ve dünya görüşünün trajedisi. Bu iki kesişen eğilimin varlığı (antik çağ ve Katolikliğin değişmesi), Rönesans kültürü ve estetiğinin tutarsızlığını belirledi. Rönesans insanı bir yandan kendini olumlamanın sevincini bilirken, öte yandan varoluşunun tüm trajedisini kavradı. Hem biri hem de diğeri, Rönesans insanının Tanrı ile tutumunda bağlantılıdır.
Rönesans sanatçılarının çalışmalarındaki trajedinin kökenleri, Rus filozof N. Berdyaev tarafından ikna edici bir şekilde gösteriliyor. Antik ve Hıristiyan ilkelerinin çatışması, insanın derin bir şekilde ikiye ayrılmasının nedeni olduğunu vurguladı. Rönesans'ın büyük sanatçıları, başka bir aşkın dünyaya bir atılımla takıntılıydılar. Onun rüyası zaten insana Mesih tarafından verildi. Sanatçılar farklı bir varlık yaratmaya odaklandılar, kendi içlerinde Yaratıcı'nın güçlerine benzer güçler hissettiler; kendilerini temelde ontolojik problemler haline getirirler. Ancak bu görevler, dünya hayatında, kültür dünyasında açıkça imkansızdı. Artistik yaratıcılık ontolojik değil, psikolojik doğası ile ayırt edilen , bu tür sorunları çözmez ve çözemez. Sanatçıların antik çağın başarılarına güvenmeleri ve Mesih tarafından keşfedilen daha yüksek dünyaya özlemleri örtüşmüyor. Bu trajik bir dünya görüşüne, diriliş özlemine yol açar. Berdyaev şöyle yazıyor: “Rönesansın sırrı başarısız olmasıdır. Daha önce hiç bu kadar yaratıcı güçler dünyaya gönderilmemişti ve toplumun trajedisi daha önce hiç bu kadar açığa çıkmamıştı.
İtalyan Rönesansının kültürü, dünyaya, dünya kültür hazinesini ölçülemez bir şekilde zenginleştiren parlak figürlerden oluşan bir galaksi verdi. Bunlar arasında Dante Alighieri (1265-1321), ressam Giotto di Bondone (1266-1337), hümanist şair Francesco Petrarca (1304-1374), şair, hümanist yazar Giovanni Boccaccio'nun (1313) isimlerini anmak gerekir. -1375), mimar Filippo Brunelleschi, heykeltıraş Donatello Donato di Nicollo di Betto Bardi (1386-1466), ressam Masaccio Tommaso di Giovanni di Simone Guidi (1401-1428), hümanist yazar Lorenzo Vallu (1407-1457), hümanist yazar Pico della Mirandola (1463-1494), hümanist filozof Marsilio Ficino (1433-1499), ressam Sandro Botticelli (1445-1510), ressam, bilim adamı Leonardo da Vinci (1452-1519), ressam, heykeltıraş, mimar Michelangelo Buonaroti (1475- 1564), ressam Giorgione (1477-1510), ressam Tiziano Vecellio li Cadore (1477-1566), ressam Rafael Santi (1484-1520), ressam Jacopo Tintoretto (1518-1594) ve diğerleri.
2. Kuzey Rönesansı.
"Kuzey Rönesansı" altında, İtalya'nın kuzeyinde yer alan Avrupa ülkelerinde XV-XVI.
Bu terim oldukça keyfidir. İtalyan Rönesansına benzetilerek kullanılır, ancak İtalya'da doğrudan orijinal bir anlamı varsa - geleneklerin canlanması Antik kültür, sonra diğer ülkelerde, özünde hiçbir şey "yeniden doğmadı": antik çağın çok az anıtı ve hatırası vardı 15. yüzyılda Hollanda, Almanya ve Fransa'nın (kuzey Rönesans'ın ana merkezleri) sanatı şu şekilde gelişti: 15. ve 16. yüzyılların sonları, Avrupa ülkeleri için büyük bir çalkantı dönemi, tarihinin en dinamik ve fırtınalı dönemiydi.Yaygın din savaşları, Katolik Kilisesi'nin hakimiyeti - Almanya'da büyük bir Köylü Savaşı'na, Hollanda'da bir devrime, Fransa ile İngiltere arasındaki Yüz Yıl Savaşları'nın sonunda dramatik bir yoğunluğa, Fransa'da Katolikler ve Huguenotlar arasında kanlı düşmanlıklara dönüşen Reformasyon. Görünüşe göre dönemin iklimi, sanatta Yüksek Rönesans'ın açık ve görkemli biçimlerinin oluşumuna elverişli değildi ve aslında: Kuzey Rönesans'taki Gotik gerginlik ve ateşlilik ortadan kalkmıyor. hümanist eğitim yaygınlaşıyor ve İtalyan sanatının çekiciliği artıyor. İtalyan etkilerinin orijinal Gotik geleneklerle kaynaşması, Kuzey Rönesans tarzının özgünlüğünü oluşturur.
"Rönesans" teriminin bu dönemin tüm Avrupa kültürü için geçerli olmasının ana nedeni, kültürel sürecin içsel eğilimlerinin ortaklığında yatmaktadır. Yani, burjuva hümanizminin yaygın büyüme ve gelişmesinde, feodal dünya görüşünün gevşemesinde, bireyin artan öz-farkındalığında.
Alman Rönesansının oluşumunda ekonomik faktör önemli bir rol oynadı: madencilik, matbaacılık ve tekstil endüstrisinin gelişimi. Emtia-para ilişkilerinin ekonomiye giderek daha fazla nüfuz etmesi, pan-Avrupa pazar süreçlerine dahil olması, geniş insan kitlelerini etkiledi ve bilinçlerini değiştirdi.
Avrupa'nın güneyindeki Romanesk ülkelerde Rönesans dünya görüşünün oluşumu için antik mirasın etkisi büyük önem taşıyordu. Parlak, yaşamı onaylayan bir karakterin ideallerini ve modellerini belirledi. Antik kültürün Kuzey Rönesans üzerindeki etkisi önemsizdir, dolaylı olarak algılanmıştır. Bu nedenle, temsilcilerinin çoğunda, tamamen modası geçmiş olmayan Gotik izlerini tespit etmek, antik motifler bulmaktan daha kolaydır. Yüzlerce küçük feodal devlete bölünmüş Almanya'da birleştirici bir ilke vardı: ülkenin ruhani yaşamına vergiler ve külfetli düzenlemeler getiren Katolik Kilisesi'ne duyulan nefret. Bu nedenle, "Tanrı'nın yeryüzündeki krallığı" mücadelesinin ana yönlerinden biri, kilisenin reformu için papalıkla verilen mücadeledir. Avrupa'nın güneyi reform süreçlerinden çok daha az etkilenecektir.
Martin Luther'in İncil'i Almancaya tercümesi, Kuzey Rönesansının gerçek başlangıcı olarak kabul edilebilir. Bu çalışma yirmi yıl sürdü, ancak bireysel parçalar daha önce biliniyordu. Lutherci İncil, öncelikle Alman dilinde bir çağ açar: birleşik bir Alman dilinin temeli olur; ikinci olarak, Mukaddes Kitabın modern bir edebiyat diline çevirisi için emsal teşkil ediyor ve yakında İngilizce, Fransızca ve diğer dillere çeviriler yapılacak.
Lutheranizm fikirleri Almanya'daki en ilerici çevreleri birleştiriyor: Philipp Melanchthon gibi hümanist düşünürler, sanatçılar Dürer ve Holbein, popüler hareketin rahibi ve lideri Thomas Münter de buna dahil.
Almanya'daki Rönesans edebiyatı, Meistersingers'ın çalışmalarına dayanıyordu. O dönemin şiirinin en mükemmel örneklerini bu halk geleneklerinin varisi Hans Sachs vermiştir. Rotterdamlı Erasmus, Kuzey Rönesansının seçkin bir nesir yazarı oldu. Onun en iyi kitap Deliliğe Övgü 1509'da yayınlandı.
Sanatsal faaliyet türleri arasında resim, İtalyan Rönesansında olduğu gibi başı çekiyordu. Bu dönemin büyük ustalarından ilki Hieronymus Bosch olarak adlandırılmalıdır. Çalışmaları, ortaçağ resminin başarılarını özetler ve Rönesans'a bir önsöz görevi görür. Bosch'un ağırlıklı olarak dini konularda yazdığı resimlerinde, karanlık ortaçağ fantezileri ve sembollerinin folklor unsurları ve doğru gerçekçi detaylarla birleşimi dikkat çekicidir. Ve en korkunç alegoriler bile o kadar şaşırtıcı bir şekilde halk havasıyla yazılır ki, yaşamı onaylayan bir izlenim bırakırlar. Dünyanın dört bir yanındaki sonraki resim ustalarından hiçbiri deliliğe varan bu kadar fantastik görüntüler çizmeyecek, ancak 20. yüzyılda H. Bosch'un etkisi sürrealistlerin eserlerinde hissedilecek.
Kuzey Rönesansının en büyük ustası güzel Sanatlar Albrecht Dürer'di. Devasa bir miras bıraktı: resimler, grafik eserler, makaleler, yazışmalar.
Dürer'in çalışmaları İtalyan ustalardan etkilenmiştir: İtalya'yı, özellikle Venedik'i ziyaret etmeyi severdi. Bununla birlikte, Albrecht Dürer'in dünya vizyonunun özgüllüğü, dünyanın en nesnel yansıması arayışındadır, İtalyan idealleştirici gerçekçiliği ona yabancıydı, resim ve çizimden tam bir özgünlük elde etmeye çalıştı. Bu acıklılık, otoportreleriyle, özellikle erkek kardeşine yazdığı kurşun kalem mektuplarıyla doludur ve annesinin ölümünden önceki portresi de buraya atfedilebilir.
Dürer'in grafiklerinin derinliğini, gerçekten sahip olduğu ortaçağ sembollerinin şifresini çözerek anlamaya çalışabilirsiniz. Ancak bu büyüleyici görüntülerin ipuçlarını Reformasyon döneminde aramak gerekir. Belki de gravürlerinin sayfaları, o zamanın halkının ruhunun dayanıklılığını, her türlü ayartmayı reddetmeye hazır olmalarını, savaşın acıklı sonucu hakkındaki acıklı uydurmalarını en açık şekilde yansıtıyordu. Mahşerin Atlısı Melancholia'ya baktığınızda düşündüğünüz şey bu.
Dürer'in eserinde lirik bir başlangıç vardır. Bunlar, 19. yüzyılda Rilke'nin şiir döngüsüne ilham veren en hassas renkli resim “Pembe Çelenkler Ziyafeti”, “Meryem'in Hayatı” gravür döngüsü içerir. 20. yüzyılda besteci Hindemith, bu dizelere dayanarak bir aşk romanı döngüsü yarattı.
Albrecht Dürer'in çalışmalarının zirvesi, Rönesans hümanizminin en çarpıcı ifadelerinden biri olan, insana gerçek bir ilahi olan dört havarinin görkemli imgesiydi.
Bu dönemin ve Yaşlı Lucas Cranach'ın çalışmalarının doğasında var. Madonna'ları ve diğer İncil kadın kahramanları, bariz kasaba halkı ve sanatçının çağdaşlarıdır. En iyi eserlerinden biri, yenilikçi bir şekilde yazılmış "Çarmıha Gerilme" dir. Keskin bir asimetrik kompozisyon, geleneksel figürlerin alışılmadık açıları, zengin renkler, sosyal ayaklanmaların önsezisi olan bir kafa karışıklığı izlenimi veriyor. Grunewald (1470-75 - 1528) olarak da bilinen Mathis Niethard, dinsel fantazilerin, coşkunluğun ve yaratıcı kompozisyonun zenginliği ve parlaklığıyla hayrete düşürür. Grunewald'ın ana eseri Isenheim Sunağı'dır. Meryem'in bebekle görüntüsü, meleklerin onlar için müzik aletleri çaldığı çok figürlü bir şenlikli kompozisyona yazılmıştır. Bu aydınlık sahnenin aksine, Çarmıha Gerilme kasvetli ve natüralist bir şekilde yazılmıştır. Çok fazla çıplak ayakla yürüyen, bir deri bir kemik kalmış, ıstıraba yakın olan sıradan İsa'nın görüntüsü, köylü savaşına katılanlarla ilişkilendirilir.
Genç Gais Holbein (1497-1543) bu dönemin en iyi portre ressamlarından biri olarak kabul edilebilir. Rotterdam Erasmus ve astronom Nicholas Kratzer, Thomas More ve Jane Seymour'un portrelerine sahip, çağdaşlarının görüntülerini haysiyet, bilgelik ve ölçülü manevi güçle dolu insanlar olarak yorumluyor. Ayrıca İncil ve "Aptallığa Övgü" için harika çizimler, "Ölüm Dansı" adlı bir dizi gravür yarattı.
Tuna resim okulu başkanı Albrecht Altdorfer'in (1480-1538) çalışmalarında da tuhaf bir bireysellik kaydedildi. Peyzaj türünün oluşumunda önceliğe aittir. Ancak en ilginç tablosu, Darius ile İskender Savaşı (1529) olmaya devam ediyor. Dünya'daki savaş sahnesi, Güneş, Ay ve gökyüzünde yarışan bulutlar tarafından yankılanıyor. Resim, resimsel becerisiyle keyifli, rengi enfes olan birçok dekoratif ayrıntıyla dolu. Ayrıca bu, yağlı boya ile boyanmış ilk savaş sahnelerinden biridir, bu nedenle Altdorfer başka bir resim türünün kurucusu olarak kabul edilebilir.
Kuzey Rönesansı çağı kısa sürdü. Otuz Yıl Savaşları bu sürece müdahale etti ve Alman kültürünün gelişimini geciktirdi. Ancak tarihte, birbirleriyle iletişim kuran, ortak bir mücadeleye katılan, seyahat eden, birbirlerinin harika portrelerini çizen ve karşılıklı olarak ilham alan dahilerin, söz ve resim ustalarının bir kulübü olarak, inanılmaz derecede bütünleşik bir dönem olarak kaldı. fikirlere göre. Kuzey ülkeleri halklarının pan-Avrupa kültürel sürecine katılımı Kuzey Rönesansı sırasında başladı.
3. Hollanda.
Günümüz Belçika ve Hollanda toprakları da dahil olmak üzere küçük bir ülke, 15. yüzyılda İtalya'daki Avrupa sanatının en parlak merkezi olmaya mahkumdu. Hollanda şehirleri, siyasi olarak bağımsız olmamalarına rağmen, uzun süredir zenginleşiyor ve güçleniyor, yoğun ticaret yürütüyor ve ardından kumaş, halı ve cam imalat üretimini geliştiriyordu. ana merkez uluslararası ticaret, kanalların şiirsel şehri antik Bruges'tü; 15. yüzyılın sonunda, yerini canlı Antwerp'e bırakarak öldü.
Hollanda'nın Gotik mimarisi sadece tapınaklar değil, daha çok belediye binaları, surlar ve kuleler, tüccar evleridir.
Ve zanaat loncaları, alışveriş pasajları, depolar ve son olarak, karakteristik, köklü tipte konut binaları: dar cepheler ve yüksek üçgen veya basamaklı duvarlar.
Kiliseler taştan çok tuğladan inşa edildiğinden, kilise heykeli fazla gelişme görmedi. Klaus Sluter ve öğrencileri, Hollanda kültüründe parlak bir istisna olarak kaldılar. Orta Çağ'daki ana sanatsal gücü, minyatür resimde başka bir şeyde kendini gösterdi. 15. yüzyılda, Limburg kardeşlerin resmettiği Berry Dükü'nün ünlü Saat Kitabı'ndan da görülebileceği gibi, minyatür yüksek bir mükemmellik derecesine ulaştı.
Dünyaya sevgi dolu, çalışkan, şiirsel bakış, Jan van Eyck'in başladığı 15. yüzyılın büyük tablosuna minyatürden miras kaldı. El yazmalarını süsleyen küçük resimler, sunakların kapılarını süsleyen büyük resimlere dönüşmüştür. Aynı zamanda yeni sanatsal nitelikler ortaya çıktı. Minyatür olamayacak bir şey ortaya çıktı: Bir kişiye, yüzüne, gözlerinin derinliklerine aynı kasıtlı, konsantre bakış.
Hermitage, önde gelen Hollandalı usta Rogier van der Weyden'in “St. Luke, Madonna'yı boyar" (müjdeci Luke, ressam atölyesinin bir sanatçısı ve hamisi olarak kabul edildi). Hollandalıların favorisine özgü pek çok kompozisyon içerir: köprüde iki dalgın insan figürü ile çok küçük, şefkatle ve dikkatlice boyanmış bir şehir ve kanal panoraması. Ama en dikkat çekici şey, Madonna'yı "doğadan" boyayan Luke'un yüzü ve elleridir. Özel bir ifadesi var - tamamen tefekküre dalmış bir adamın dikkatle ve titreyerek dinleyen ifadesi. Eski Hollandalı ustalar doğaya böyle bakıyorlardı.
Jan van Eyck'e geri dönelim. Ağabeyi Hubert ile birlikte çalışarak minyatürcü olarak başladı. Van Eyck kardeşler geleneksel olarak teknolojinin icadıyla anılırdı. yağlı boya; bu yanlış - bitkisel yağları bağlayıcı olarak kullanma yöntemi daha önce biliniyordu, ancak van Eycks onu geliştirdi ve dağıtımına ivme kazandırdı. Yağ kısa sürede temperanın yerini aldı.
Yağlı boyalar yaşlandıkça koyulaşır. Müzelerde gördüğümüz eski tablolar ortaya çıktıklarında farklı, çok daha parlak ve parlak görünüyorlardı. Ancak van Eycks'in tablosu gerçekten alışılmadık teknik niteliklere sahip: boyalar kurumaz ve tazeliğini yüzyıllarca korur. Vitray pencerelerin parlaklığını anımsatan neredeyse parlıyorlar.
Van Eycks'in en ünlü eseri, büyük Ghent Altarpiece, Hubert tarafından başlatıldı ve ölümünden sonra devam ettirildi ve 1432'de Ocak 1432'de tamamlandı. Görkemli sunağın kanatları içte ve dışta iki sıra halinde boyanmıştır. Dış taraflarda bir duyuru ve bağışçıların (müşterilerin) diz çökmüş figürleri var: hafta içi sunak bu şekilde kapalı görünüyordu. Tatillerde kapılar ardına kadar açıldı, açıldığında sunak altı kat büyüdü ve cemaatçilerin önünde Van Eyck renklerinin tüm parlaklığında, sahnelerinin bütününde somutlaştırması gereken bir gösteri ortaya çıktı. insan günahlarının kefareti ve yaklaşan aydınlanma fikri. Merkezde üstte deesis var - yanlarda Meryem ve Vaftizci Yahya ile tahtta Baba Tanrı. Bu rakamlar insan boyundan daha büyüktür. Sonra Adem ve Havva insan büyümesinde ve müzikal ve şarkı söyleyen meleklerden oluşan gruplar halinde çıplak. Alt katta, geniş çiçekli bir manzara arasında çok daha küçük ölçekte, çok mekansal olarak çözülmüş Kuzu'ya tapınmanın kalabalık bir sahnesi var ve yan kanatlarda hacı alayları var. Kuzu'ya tapınmanın konusu, günahkâr dünyanın sona ermesinden sonra, içinde gecenin olmayacağı, sonsuz ışığın olacağı Tanrı şehrinin yeryüzüne ineceğini söyleyen “Yuhanna'nın Vahiyinden” alınmıştır. ve hayat nehri "kristal kadar parlak" ve hayat ağacı her ay verimli ve şehir "şeffaf cam gibi saf altın". Kuzu, doğruları bekleyen apotheosis'in mistik bir sembolüdür. Ve görünüşe göre sanatçılar, sonsuzluklarının ve bozulmazlığının altın rüyasını somutlaştırmak için dünyanın cazibesine, insan yüzlerine, bitkilere, ağaçlara, sulara olan tüm sevgilerini Gent Sunağı resimlerine koymaya çalıştılar.
Jan van Eyck aynı zamanda olağanüstü bir portre ressamıydı. Kendisine ait olan Arnolfini eşlerinin eşleştirilmiş portresinde, görüntü sıradan insanlar, avize, gölgelik, ayna ve kucak köpeği olan sıradan bir odada, o zamanlar oldukça iddialı bir şekilde giyinmiş, bir tür harika ayin gibi görünüyor. Sanki bir mumun alevine, elmanın allığına ve tümsek bir aynaya tapar gibi; uysal karısının elinden gizli bir tören yapar gibi tutan Arnolfini'nin uzun solgun yüzünün her noktasına aşıktır. Hem insanlar hem de nesneler - her şey ciddi bir beklenti içinde, saygılı bir ciddiyetle dondu; her şeyin gizli bir anlamı vardır, evlilik yemininin ve ocağın kutsallığına işaret eder.
Böylece kasabalıların günlük resmi başladı. Bu ince titizlik, rahatlık sevgisi, neredeyse şeylerin dünyasına dinsel bağlılık. Ancak ne kadar ileri giderse, o kadar çok düzyazı ortaya çıktı ve şiir geriledi. Kasabalıların hayatı daha sonra hiç bu kadar kutsallık ve haysiyetin bu kadar şiirsel tonlarında tasvir edilmedi.
İskandinav ülkelerinin ilk şehirlileri de sonraki torunları kadar "burjuva sınırlı" değildi. Doğru, İtalyanların kapsamı ve çok yönlülüğü onun özelliği değil, ancak daha dar bir dünya görüşü ölçeğinde bile, şehirli özel bir tür mütevazı ihtişama yabancı değil. Ne de olsa, şehirleri yaratan kasabalı oydu, özgürlüklerini feodal beylerden savundu ve yine de onu yabancı hükümdarlardan ve açgözlü Katolik Kilisesi'nden korumak zorunda kaldı. Kentlilerin omuzlarında, maddi değerlere artan saygının yanı sıra dayanıklılık, kurumsal uyum, göreve ve söze bağlılık ve özgüven geliştiren olağanüstü karakterler oluşturan büyük tarihi işler yatıyordu. Thomas Mann'ın dediği gibi, kasabalı "terimin en yüksek anlamıyla ortalama bir insandı."
Bu tanım Rönesans İtalyanlarına uymuyor: yüksek anlamda bile ortalama insanlar gibi hissetmiyorlardı. Jan van Eyck tarafından canlandırılan Arnolfini, Hollanda'da yaşayan bir İtalyan'dı; bir yurttaş onu çizmiş olsaydı, portre muhtemelen ruhen farklı olurdu. Bireye, görünüşüne ve karakterine duyulan derin ilgi - bu, İtalyan ve kuzey Rönesans sanatçılarını bir araya getiriyor. Ama onunla farklı şekillerde ilgileniyorlar ve onda farklı şeyler görüyorlar. Hollandalılar, insan kişiliğinin titanizm ve her şeye gücü yetme duygusuna sahip değiller: değerini, şehirli bütünlüğünde, niteliklerde görüyorlar; bunlar arasında alçakgönüllülük ve dindarlık, kişinin evren karşısında küçüklüğünün bilinci sonuncusu olmasa da sonuncusu değil. bu tevazuda bile bireyin haysiyeti kaybolmaz, hatta altı çizilir gibi olur.
15. yüzyılın ortalarında ve ikinci yarısında Hollanda'da birçok mükemmel ressam çalıştı: daha önce bahsedilen Rogier van der Weyden, Dirk Boats, Hugo van der Goes, Memling, Geertgen Toth Sint Jans. Sanatsal bireysellikleri, İtalyan Quattrocentistlerinkiyle aynı derecede bireysel üslupta olmasa da, oldukça belirgin bir şekilde ayırt edilebilir. Esas olarak sunakları boyadılar, portreler çizdiler ve varlıklı vatandaşlar tarafından yaptırılan şövale resimlerini boyadılar. Uysal, düşünceli bir ruh hali ile aşılanmış kompozisyonlarının özel bir çekiciliği var. Noel olaylarını ve bebeğe tapınmayı sevdiler, bu komplolar onlar tarafından ustaca ve ustaca çözüldü. Hugo van der Goes'in "Çobanların Hayranlığı" nda bebek, yeni doğmuş herhangi bir çocuk gibi sıska ve sefil, etrafındakiler ona çaresiz ve çarpık, derin bir ruhsal şefkatle bakıyor, Madonna bir rahibe gibi sessiz , gözlerini kaldırmıyor ama anneliğin mütevazı gururuyla dolu olduğunu hissediyor insan. Ve kreşin dışında, geniş, engebeli, dolambaçlı yollar, nadir ağaçlar, kuleler, köprüler ile Hollanda manzarasını görebilirsiniz.
Burada çok fazla dokunuş var ama tatlılık yok: Formların Gotik köşeliliği, bazılarının katılığı dikkat çekiyor. Van der Goes'daki çobanların yüzleri, Gotik eserlerinde olduğu gibi karakteristik ve çirkindir. Melekler bile çirkindir.
Hollandalı sanatçılar, insanları nadiren güzel, düzenli yüzler ve figürlerle tasvir ederler ve bu da İtalyanlardan farklıdır. Romalıların doğrudan torunları olan İtalyanların genellikle kuzeyin solgun ve sarkık oğullarından daha güzel olduğu şeklindeki basit düşünce elbette dikkate alınabilir, ancak asıl sebep yine de bu değil, farklılıktır. genel sanat anlayışı. İtalyan hümanizmi, insandaki yüceliğin acısı ve klasik biçimlere duyulan tutkuyla doludur, Hollandalılar "ortalama insanı" şairleştirir, onların klasik güzellik ve uyumlu oranlarla çok az ilgisi vardır.
Hollandalıların ayrıntılara tutkusu vardır. Onlar onlar için gizli bir anlamın taşıyıcılarıdır. Vazoda zambak, havlu, çaydanlık, kitap - doğrudan olanlar dışındaki tüm detaylar da gizli bir anlam taşır. Şeyler sevgi ile tasvir edilir ve ilham verici görünür.
Kendine, kişinin günlük yaşamına, eşya dünyasına duyduğu saygı, dinsel bir dünya görüşü aracılığıyla kırılmıştı. Hollanda Rönesansının gerçekleştiği Protestan reformlarının ruhu buydu.
İtalyanlara kıyasla daha az antropomorfik algı, panteistik ilkenin baskınlığı ve Gotik'ten doğrudan devamlılık, Hollanda resim stilinin tüm bileşenlerini etkiler. İtalyan Quattrocentists arasında, herhangi bir kompozisyon, ne kadar ayrıntılarla dolu olursa olsun, az ya da çok katı tektoniğe yönelir. Gruplar bir kısma gibi inşa edilmiştir, yani sanatçı genellikle ana figürleri nispeten dar bir ön alana, açıkça tanımlanmış kapalı bir alana yerleştirmeye çalışır; onları mimari olarak dengeler, sağlam bir şekilde ayakları üzerinde dururlar: tüm bu özellikleri Giotto'da zaten bulabiliriz. Hollandalıların kompozisyonları daha az kapalı ve daha az tektoniktir. Derinlik ve mesafe onları cezbeder, boşluk hisleri İtalyan resminden daha canlı, daha havadardır. Figürler daha tuhaf ve kararsız, tektoniği fan şeklindeki aşağı doğru farklılaşan, cüppelerin kırık kıvrımlarıyla bozuluyor. Hollandalılar çizgilerin oyununu severler, ancak hacim oluşturmak gibi heykelsi görevlere hizmet etmezler, daha çok dekoratiftirler.
Hollandalılar, kompozisyonun merkezinde belirgin bir vurguya sahip değiller, ana figürlere artan bir vurgu. Sanatçının dikkati çeşitli nedenlerle dağılmıştır, her şey ona cazip gelir ve dünya çeşitli ve ilginçtir. Arka plandaki bazı sahneler, ayrı bir olay örgüsü kompozisyonu olduğunu iddia ediyor.
Son olarak, hiç merkezin olmadığı ve boşluğun birçok eşit grup ve sahneyle doldurulduğu bir kompozisyon türü de vardır. Aynı zamanda, ana karakterler bazen köşede bir yerde biterler.
15. yüzyılın sonunda Hieronymus Bosch ile benzer kompozisyonlar bulunur. Bosch, son derece kendine özgü bir sanatçıdır. Tamamen Hollandalı niyeti ve gözlemi, alışılmadık derecede üretken bir fantezi ve çok kara mizahla birleşiyor. En sevdiği hikayelerden biri, münzevinin şeytanlar tarafından kuşatıldığı The Temptation of Saint Anthony'dir. Bosch, resimlerini sürünen küçük, korku dolu yaratıklardan oluşan lejyonlarla doldurdu. Bu canavarlarda insan vücudunun parçalarını fark ettiğinizde kesinlikle tüyler ürpertici oluyor. Tuhaf iblislerden oluşan tüm bu Kunstkamera, ortaçağ kimeralarından önemli ölçüde farklıdır: daha görkemliydiler ve o kadar uğursuz olmaktan uzaklardı. Bosch'un şeytan biliminin apotheosis'i, bir işkence bahçesine benzeyen "Müzikal Cehennemi" dir: çıplak insanlar, her taraftan üzerlerine tırmanan canavarlarla karışmış, eziyet edici şehvet içinde kıvranıyorlar, bazı dev müzik aletlerinin tellerinde çarmıha geriliyorlar, sıkılıyorlar ve gizemli aletlerle kesilmiş, çukurlara itilmiş, yutulmuş.
Bosch'un tuhaf fantazmagorisi, zihnin felsefi çabalarından doğar. 16. yüzyılın eşiğinde duruyordu ve bu, insanı acıyla düşündüren bir dönemdi. Görünüşe göre Bosch, bir sülük gibi tüm canlılara yapışan dünya kötülüğünün canlılığı ve her yerde bulunması, yaşam ve ölümün ebedi döngüsü, larva ve mikrop eken doğanın anlaşılmaz savurganlığı hakkındaki düşüncelerle aşılmıştı. her yerde - hem yeryüzünde hem de yeraltında ve çürümüş, durgun bir bataklıkta. Bosch, doğayı belki de diğerlerinden daha keskin ve daha ihtiyatlı bir şekilde gözlemledi, ancak onda ne uyum ne de mükemmellik buldu. Doğanın tacı olan insan neden ölüme ve çürümeye mahkumdur, neden zayıf ve sefildir, neden kendine ve başkalarına eziyet eder, sürekli eziyete maruz kalır?
Bosch'un bu tür sorular sorması, hümanizme eşlik eden bir fenomen olan uyanmış meraktan bahsediyor. Hümanizm, yalnızca insan olan her şeyin yüceltilmesi anlamına gelmez. Aynı zamanda eşyanın özüne nüfuz etme, evrenin sırlarını çözme arzusu anlamına da gelir. Bosch'ta bu arzu kasvetli tonlarda resmedildi, ancak Leonardo da Vinci'yi güzel ve çirkin her şeyi keşfetmeye sevk eden zihinsel susuzluğun bir belirtisiydi. Leonardo'nun güçlü zekası dünyayı bir bütün olarak algıladı, içinde birlik hissetti. Bosch'un zihninde dünya, anlaşılmaz birleşimlere giren binlerce parçaya bölünmüş, parçalanmış olarak yansıtılıyordu.
Ancak romantik akımlardan bahsetmeye değer, yani İtalyan Cinquecento'nun etkisiyle 16. yüzyılda Hollanda'da yayılmaya başladılar. Özgünlük eksikliği çok belirgindir. İtalyanlar arasında güzel olan "klasik çıplaklık" imajı kesinlikle Hollanda'ya verilmemişti ve hatta muhteşem şişmiş vücutlarıyla Jan Gossaert'in "Neptün ve Amphitrite" tablosu gibi biraz komik görünüyordu. Hollandalıların da kendi taşra "tavırları" vardı.
16. yüzyılda Hollandalı sanatçılar tarafından yapılan yerli ve manzara şövale resimleri türlerinin gelişimini not edelim. Gelişimleri, papalıktan ve Katolik din adamlarından nefret eden en geniş çevrelerin Katoliklikten giderek daha fazla uzaklaşması ve kilise reformları talep etmesiyle kolaylaştırıldı. Ve Luther ve Calvin'in reformları, bir ikonoklazm unsuru içeriyordu; Protestan kiliselerinin iç mekanlarının tamamen basit olması gerekiyordu - Katolik kiliselerindeki zengin ve gösterişli dekorasyon gibisi yoktu. dini sanat hacmi büyük ölçüde azaldı, bir kült olmaktan çıktı.
temiz görünmeye başladı tür resimleri dükkânlardaki tüccarların, bürolardaki sarrafların, pazardaki köylülerin, iskambil oynayanların imajıyla. ev tipi portreden ve manzaradan - Hollandalı ustaların çok sevdiği manzara arka planlarından büyüdü. Arka planlar büyüdü ve saf bir manzaraya yalnızca bir adım kaldı.
Bununla birlikte, her şey Pieter Brueghel'in muazzam yeteneğini kendi içinde kullanır ve yoğunlaştırır. O içeride en yüksek derece ulusal kimlik denen şeye sahipti: sanatının tüm dikkat çekici özellikleri, orijinal Hollanda geleneklerine kadar uzanıyor. Hiç kimse gibi Brueghel, zamanının ruhunu ve halk lezzetini ifade etti. Her şeyde popüler: şüphesiz bir sanatçı-düşünür olarak, aforizma ve mecazi olarak düşünüyor. Alegorilerinde yer alan yaşam felsefesi acı, ironik ama aynı zamanda cesurdur. Bregel'in en sevdiği kompozisyon türü, sanki tepeden görünüyormuş gibi geniş bir alandır, böylece insanlar küçük görünür ve vadilerde koşuşturur, yine de her şey ayrıntılı ve net bir şekilde yazılır. Anlatı genellikle folklorla ilişkilendirilir, Brueghel benzetme tabloları çizmiştir.
Bruegel, Hollanda'da yaygın olan mekansal-peyzaj kompozisyon tipini, içinde bütün bir yaşam felsefesini ortaya çıkaracak şekilde, ana kişileri ve olayları vurgulamadan kullanır. Icarus'un Düşüşü burada özellikle ilginçtir. Brueghel'in resmi, deniz kıyısındaki huzurlu bir manzarayı tasvir ediyor: saban süren bir çiftçi, koyun güden bir çoban, oltayla oturan bir balıkçı ve denizde seyreden gemiler. Icarus nerede ve düşüşünün bununla ne ilgisi var? Sağ köşede sudan çıkmış acınası çıplak bacakları görmek için yakından bakmanız gerekiyor. Icarus gökten düştü ama kimse bunu fark etmedi bile. Sıradan hayat her zamanki gibi akıp gidiyor. Bir köylü için ekilebilir arazisi, bir çoban için sürüsü, birinin iniş çıkışlarından çok daha önemlidir. Olağanüstü olayların anlamı kısa sürede ortaya çıkmaz, çağdaşlar bunu fark etmez, günlük endişelere kapılırlar.
Pieter Bregeil'in yaratıcı faaliyeti uzun sürmedi, 1569'da kırklı yaşlarında öldü ve Hollanda devriminin olaylarını görecek kadar yaşamadı. Ölümünden kısa bir süre önce "Körler" tablosunu yaptı. Bu, tek bir temanın nüfuz ettiği bir senfoni olarak hayal edilebilecek Bregueil'in sanatının en güçlü, son akorudur. Uzun süredir acı çeken vatanını seven sanatçı, yurttaşlarını bir şey için affedemedi: pasiflik, sağırlık, körlük, kendini beğenmişliğe dalma Bugün ve bütüne, teke, ortak olana dair fikir veren o dağ zirvelerine tırmanamama.
Çözüm.
Rönesans teması zengin ve tükenmezdir. Böylesine güçlü bir hareket, tüm dünyanın gelişimini belirledi. Avrupa uygarlığı yıllarca. Biz sadece devam eden süreçlerin özüne nüfuz etme girişiminde bulunduk. Daha fazla çalışma için, Rönesans insanının psikolojik ruh halini daha ayrıntılı olarak düzeltmemiz, o dönemin kitaplarını okumamız, sanat galerilerine gitmemiz gerekiyor.
Şimdi, 20. yüzyılın sonunda, tüm bunlar geçmiş günlerin meselesi gibi görünebilir, kalın bir toz tabakasıyla kaplı antik çağ, çalkantılı çağımızda araştırma konusu değil, ama kökleri incelemeden nasıl yapacağız? gövdeyi neyin beslediğini anlayın, tacı değişim rüzgarında tutan nedir?
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci (15 Nisan 1452, Floransa yakınlarındaki Vinci - 2 Mayıs 1519, Cloux Kalesi, Amboise yakınları, Touraine, Fransa), İtalyan ressam, heykeltıraş, mimar, bilim adamı, mühendis.
Yeni sanatsal dil araçlarının gelişimini teorik genellemelerle birleştiren Leonardo da Vinci, Yüksek Rönesans'ın hümanist ideallerini karşılayan bir insan imajı yarattı. "Son Akşam Yemeği" resminde (1495-1497, Milano'daki Santa Maria delle Grazie manastırının yemekhanesinde), katı kompozisyon kalıplarında, net bir jest sisteminde ve karakterlerin yüz ifadelerinde yüksek bir etik içerik ifade edilir. . Kadın güzelliğinin hümanist ideali, Mona Lisa'nın (La Gioconda, yaklaşık 1503) portresinde somutlaştırılmıştır. Matematik, doğa bilimleri, mekanik alanında çok sayıda keşif, proje, deneysel araştırma. Doğa bilgisinde deneyimin belirleyici önemini savundu ( defterler ve el yazmaları, yaklaşık 7 bin sayfa).
Leonardo, zengin bir noterin ailesinde doğdu. 1467-1472'de Andrea del Verrocchio ile çalışarak bir usta olarak gelişti. Sanatçının çalışmalarının teknik deneylerle yakından ilişkili olduğu o dönemin Floransa atölyesindeki çalışma yöntemleri ve astronom P. Toscanelli ile tanışma, genç Leonardo'nun bilimsel çıkarlarının ortaya çıkmasına katkıda bulundu. İlk çalışmalarında (Verrocchio's Baptism'de bir meleğin başı, 1470'den sonra, Müjde, 1474 dolaylarında, her ikisi de Uffizi'de, Benois Madonna, 1478 dolaylarında, Hermitage'de), Quattrocento resminin geleneklerini zenginleştirir, pürüzsüz hacmini vurgular. yumuşak ışık gölgeli formlar, canlandırıcı yüzler, ince, zar zor algılanan gülümseme. The Adoration of the Magi'de (1481-82, bitmemiş; Uffizi'de alt boyama), yenilikçi çizim yöntemleri geliştirerek dini bir imgeyi çeşitli insan duygularının aynasına dönüştürüyor. Eskizlerde, eskizlerde ve saha çalışmalarında (İtalyan kalemi, gümüş kalem, sanguine, kalem ve diğer teknikler) sayısız gözlemin sonuçlarını kaydeden Leonardo, yüz ifadelerinin aktarımında (bazen grotesk ve karikatüre başvurarak) ve yapıda nadir bir netlik elde ediyor. ve insan vücudunun hareketleri, kompozisyonun dramaturjisi ile mükemmel bir uyum içinde ilerliyor.
Milano hükümdarı Lodovico Moro'nun (1481'den beri) hizmetinde olan Leonardo, askeri mühendis, hidrolik mühendisi ve saray şenliklerinin organizatörü olarak hareket ediyor. 10 yıldan fazla bir süredir Lodovico Moro'nun babası Francesco Sforza'nın anıtı üzerinde çalışıyor; Anıtın plastik güçle dolu gerçek boyutlu kil modeli korunmadı (1500'de Milano Fransızlar tarafından alındığında yok edildi) ve yalnızca hazırlık eskizlerinden biliniyor.
Bu dönem, ressam Leonardo'nun yaratıcı çiçek açmasını açıklar. Madonna in the Rocks'ta (1483-94, Louvre; ikinci versiyon - 1487-1511, Ulusal Galeri, Londra), ustanın sevdiği en iyi chiaroscuro (“sfumato”), ortaçağ halelerinin yerini alan yeni bir hale olarak görünür: bu Leonardo'nun jeolojik gözlemlerini yansıtan kayalık mağaranın ön plandaki aziz figürlerinden daha az dramatik bir rol oynamadığı eşit derecede ilahi-insan ve doğal gizemdir.
"Son Akşam Yemeği"
Leonardo, Santa Maria delle Grazie manastırının yemekhanesinde "Son Akşam Yemeği" tablosunu yaratır (1495-97; ustanın fresk için tempera ile karıştırılmış yağ kullanarak gittiği riskli deney nedeniyle, eser geldi. çok hasarlı bir şekilde bize kadar). Mesih'in müritlerinin yaklaşan ihanetle ilgili sözlerine fırtınalı, çelişkili tepkisini temsil eden görüntünün yüksek dini ve etik içeriği, yalnızca boyalı olanı değil, aynı zamanda gerçek mimariyi de buyurgan bir şekilde boyun eğdiren, kompozisyonun açık matematiksel modellerinde ifade ediliyor. uzay. Yüz ifadeleri ve jestlerin net sahne mantığı ve aynı zamanda Leonardo'da her zaman olduğu gibi heyecan verici derecede paradoksal, katı rasyonalite ile açıklanamaz bir gizemin birleşimi " Geçen akşam yemeği"dünya sanat tarihinin en önemli eserlerinden biri.
Aynı zamanda mimarlıkla da uğraşan Leonardo, "ideal şehir" ve merkezi kubbeli tapınağın çeşitli versiyonlarını geliştirir. Sonraki yıllarda usta sürekli seyahat halinde geçirir (Floransa - 1500-02, 1503-06, 1507; Mantua ve Venedik - 1500; Milano - 1506, 1507-13; Roma - 1513-16). 1517'den itibaren Fransa'da yaşadı ve burada Kral I. Francis tarafından davet edildi.
"Angyari Savaşı". Gioconda (Mona Lisa'nın Portresi)
Floransa'da Leonardo, Palazzo Vecchio'da ("Anghiari Savaşı", 1503-1506; bitmemiş ve korunmamış, karton kopyalardan ve yakın zamanda keşfedilen bir eskizden - özel bir koleksiyon, Japonya) bilinen bir tablo üzerinde çalışıyor. ), modern zaman sanatında savaş türünün kökeninde duran; savaşın ölümcül öfkesi burada, atlıların çılgınca savaşında somutlaşıyor.
Leonardo'nun en ünlü tablosu Mona Lisa'nın portresi (sözde "La Gioconda", yaklaşık 1503, Louvre), zengin bir kasabalı kadının görüntüsü, tamamen kaybetmeden doğanın gizemli bir kişileştirmesi olarak görünür. kadın kurnazlığı; Kompozisyonun içsel önemi, kozmik olarak görkemli ve aynı zamanda rahatsız edici derecede yabancılaşmış, soğuk bir pus içinde eriyen manzara tarafından verilir.
Daha sonra resimler
Leonardo'nun sonraki çalışmaları şunları içerir: Mareşal Trivulzio'ya (1508-1512) bir anıt için projeler, "Meryem ve Çocuk İsa ile Aziz Anna" tablosu (yaklaşık 1500-1507, Louvre). İkincisi, hafif hava perspektifi, ton rengi (soğuk, yeşilimsi tonların baskın olduğu) ve armonik piramidal kompozisyon alanındaki araştırmalarını bir bakıma özetliyor; aynı zamanda, uçurumun kenarında aile yakınlığıyla lehimlenmiş bir grup kutsal karakter temsil edildiğinden, bu uçurum üzerindeki uyumdur. Leonardo'nun son tablosu "Vaftizci Aziz Yahya" (1515-1517 dolaylarında, aynı eser), erotik belirsizlikle doludur: Buradaki genç Öncü kutsal bir münzevi gibi değil, şehvetli çekicilikle dolu bir baştan çıkarıcı gibi görünüyor. Evrensel bir felaketi tasvir eden bir dizi çizimde ("Tufan" döngüsü, İtalyan kurşun kalem, kalem, yaklaşık 1514-1516, Kraliyet Kütüphanesi, Windsor), elementlerin gücü önünde insanın kırılganlığı ve önemsizliği üzerine düşünceler R. Descartes'ın doğal süreçlerin döngüsel doğası hakkındaki fikirlerinin "girdap" kozmolojisini öngören rasyonalistlerle birleştirilir.
"Resim Üzerine İnceleme"
Leonardo da Vinci'nin görüşlerini incelemek için en önemli kaynak, günlük İtalyanca yazılmış defterleri ve el yazmalarıdır (yaklaşık 7 bin sayfa). Ustanın kendisi, düşüncelerinin sistematik bir sunumunu bırakmadı. Leonardo'nun ölümünden sonra öğrencisi F. Melzi tarafından hazırlanan ve sanat teorisi üzerinde büyük etkisi olan “Resim Üzerine İnceleme”, büyük ölçüde onun notlarının bağlamından keyfi olarak çıkarılmış pasajlardan oluşuyor. Leonardo'nun kendisi için sanat ve bilim ayrılmaz bir şekilde bağlantılıydı. Avucunu resme en entelektüel, "sanat tartışmasında" yaratıcılık türü olarak veren usta, onu tüm çeşitliliği bünyesinde barındıran evrensel bir dil (bilimler alanındaki matematiğe benzer) olarak anladı. orantı, perspektif ve ışık-gölge aracılığıyla evrenin görüntüsü. "Resim," diye yazıyor Leonardo, "bir bilimdir ve doğanın meşru kızıdır ..., Tanrı'nın bir akrabasıdır." Kusursuz doğa bilimci, doğayı inceleyerek, altında saklı olan "ilahi aklı" tanır. dış görünüş doğa. Bu ilahi-akıllı ilkeyle yaratıcı rekabete giren sanatçı, böylelikle yüce Yaratıcı'ya benzerliğini onaylar. Evrende var olan her şeyin "önce ruhunda, sonra elinde" "olduğu" için, o da "bir tür tanrı"dır.
Leonardo bir bilim adamıdır. teknik projeler
Bir bilim adamı ve mühendis olarak Leonardo da Vinci, notlarını ve çizimlerini dev bir doğal-felsefi ansiklopedinin eskizleri olarak değerlendirerek, o zamanın neredeyse tüm bilgi alanlarını anlayışlı gözlemler ve varsayımlarla zenginleştirdi. o öyleydi önde gelen temsilci yeni, doğa bilimi deneyine dayalı. Leonardo, mekaniği "matematiksel bilimlerin cenneti" olarak adlandırarak ve onda evrenin sırlarının anahtarını görerek özel bir ilgi gösterdi; kayma sürtünme katsayılarını belirlemeye çalıştı, malzemelerin direncini inceledi ve coşkuyla hidrolikle uğraştı. Kanallar ve sulama sistemleri için yenilikçi tasarımlarda çok sayıda hidroteknik deney ifade edildi. Modelleme tutkusu, Leonardo'yu zamanının çok ilerisinde olan inanılmaz teknik öngörülere yöneltti: metalurji fırınları ve haddehaneler, dokuma tezgahları, matbaa, ağaç işleri ve diğer makineler, bir denizaltı ve bir tank için projelerin eskizleri ve ayrıca tasarımlar kuş uçuşu üzerine kapsamlı bir çalışmadan sonra geliştirilen uçak ve uçak.paraşüt.
Optik
Leonardo'nun şeffaf ve yarı saydam cisimlerin, resmine yansıyan nesnelerin rengi üzerindeki etkisine ilişkin topladığı gözlemler, sanatta hava perspektifi ilkelerinin oluşturulmasına yol açtı. Optik yasaların evrenselliği, onun için evrenin tekdüzeliği fikriyle ilişkilendirildi. Dünya'yı "evrendeki bir nokta" olarak düşünerek, güneş merkezli bir sistem yaratmaya yakındı. Binoküler görmenin doğası hakkında spekülasyon yaparak insan gözünün yapısını inceledi.
Anatomi, botanik, paleontoloji
Anatomik çalışmalarda, ceset otopsilerinin sonuçlarının özetlenmesi, ayrıntılı çizimlerde modern bilimsel illüstrasyonun temellerini attı. Organların işlevlerini inceleyerek bedeni bir "doğal mekanik" modeli olarak görüyordu. İlk kez bir dizi kemik ve siniri tanımladı, embriyoloji ve karşılaştırmalı anatomi sorunlarına özel ilgi gösterdi, deneysel yöntemi biyolojiye sokmaya çalıştı. Botaniği bağımsız bir disiplin olarak onaylayarak, klasik açıklamalar yaprak düzeni, helio- ve jeotropizm, kök basıncı ve bitki özsuyunun hareketi. Dağların doruklarında bulunan fosillerin "küresel sel" iddiasını çürüttüğüne inanan paleontolojinin kurucularındandır.
Rönesans "evrensel insan" idealini ortaya çıkaran Leonardo da Vinci, sonraki gelenekte, dönemin yaratıcı arayışlarını en açık şekilde özetleyen bir kişi olarak anlaşıldı. Rus edebiyatında Leonardo'nun portresi, D. S. Merezhkovsky tarafından "Diriliş Tanrıları" (1899-1900) romanında yaratılmıştır.
Leonardo da Vinci'nin Tabloları:
“Bakire ve bebekli John “Mona Lisa” 1503, Baptist ve St. Anna “
“ genç bir kadının başkanı "Madonna ve Çocuk"
“ Son Akşam Yemeği ” 1495-1497
rafael santi
Raffaello Santi (1483-1520), İtalyan ressam ve mimar. Yüksek Rönesans'ın temsilcisi. Klasik netlik ve yüce maneviyatla, Rönesans'ın yaşamı onaylayan ideallerini somutlaştırdı. İlk eserler ("Madonna Conestabile", yaklaşık 1502-03) zarafet ve yumuşak lirizmle doludur. Vatikan'ın (1509-17) dörtlüklerinin (odalarının) resimlerinde insanın dünyevi varlığını, ruhsal ve fiziksel güçlerin uyumunu yücelterek kusursuz bir orantı, ritim, orantı, renk uyumu, birlik duygusu elde etti. figürler ve görkemli mimari arka planlar. Tanrı'nın Annesinin ("Sistine Madonna", c. 1513) çok sayıda görüntüsü, Villa Farnesina'nın (1514-18) duvar resimlerinde ve Vatikan'ın sundurmalarında (1519, öğrencilerle birlikte) sanatsal topluluklar. Portreler, bir Rönesans insanının ideal bir görüntüsünü yarattı (B. Castiglione, 1514-15). Aziz Katedrali'ni tasarladı. Peter, Roma'daki Santa Maria del Popolo Kilisesi'nin (1512-20) Chigi Şapeli'ni inşa etti.
RAFAEL (gerçek adı Raffaello Santi) (Raffaello Santi) (26 veya 28 Mart 1483, Urbino - 6 Nisan 1520, Roma), İtalyan sanatçı ve mimar. Ressam Giovanni Santi'nin oğlu. Vasari'ye göre Perugino ile çalıştı. İlk olarak 1500'de bağımsız bir usta olarak anıldı. 1504-08'de Floransa'da çalıştı. 1508'in sonunda Papa II. Julius'un daveti üzerine Roma'ya taşındı ve burada Michelangelo ile birlikte II.
Zaten Floransa'ya taşınmadan önce yazılan ilk resimlerde, Raphael'in doğasında var olan ahenkli yetenek deposu, formlar, ritimler, renkler, hareketler, jestler arasında kusursuz bir uyum bulma yeteneği etkilendi - ve bu tür küçük formatlı çalışmalarda, Conestabile Madonna (c. 1502-03, Hermitage), The Dream of a Knight (c. 1504, National Gallery, Londra), The Three Graces (Condé Museum, Chantilly), Saint George (c. 1504, National Gallery, Washington) ve daha geniş formatta "Betrothal of Mary" (1504, Brera, Milan).
Floransa dönemi (1504-08)
Hareket, Raphael'in yaratıcı gelişiminde büyük rol oynadı. Onun için çok önemli olan, Leonardo da Vinci'nin yöntemine aşinalıktı. Leonardo'nun ardından, anatomi, hareketlerin mekaniği, karmaşık duruşlar ve açılar üzerinde çalışarak, kompakt, ritmik olarak dengeli kompozisyon formülleri arayarak doğadan çok çalışmaya başladı. Raphael'in son Floransa eserlerinde (The Entombment, 1507, Borghese Galerisi, Roma; St. Catherine of Alexandria, c. 1507-08, National Gallery, Londra), tarafından geliştirilen karmaşık dramatik ajite hareket formüllerine ilgi vardır. Michelangelo.
Floransa dönemi resminin ana teması, en az 10 esere ithaf edilen Madonna ve Çocuk'tur. Bunların arasında, kompozisyon çözümüne yakın üç tablo öne çıkıyor: “Saka Kuşlu Madonna” (c. 1506-07, Uffizi), “Yeşil Madonna” (1506, Sanat Tarihi Müzesi, Viyana), “Güzel Bahçıvan” (1507, Louvre) ). İçlerinde aynı motifi değiştirerek, pastoral bir manzara fonunda genç bir anneyi ve ayaklarının dibinde oynayan küçük çocukları - İsa ve Vaftizci Yahya'yı tasvir ederek, figürleri, sevilen Kompozit Piramidin istikrarlı, uyumlu bir şekilde dengelenmiş ritmiyle birleştiriyor. Rönesans'ın ustaları.
Roma dönemi (1509-20)
Roma'ya taşınan 26 yaşındaki usta, "Apostolic See sanatçısı" pozisyonunu ve Vatikan Sarayı'nın ön odalarını boyama komisyonunu aldı, 1514'ten itibaren St. Kilise ve saray mimarisi alanında çalışan Peter, 1515'te eski anıtların, arkeolojik kazıların incelenmesi ve korunmasından sorumlu Eski Eserler Komiseri olarak atandı.
Vatikan Sarayı'ndaki freskler
Bu dönemin çalışmalarında merkezi yer, Vatikan Sarayı'nın tören odalarının resimleri tarafından işgal edilmiştir. Stanza della Senyatura'nın (1509-11) duvar resimleri, Raphael'in en mükemmel eserlerinden biridir. "Tartışma" ("Ayinle ilgili Anlaşmazlık"), "Atina okulu", "Parnassus", "Kanonik ve sivil yasa”ve bunlara karşılık gelen dört alegorik kadın figürleri tonozlarda teoloji, felsefe, şiir ve içtihat kişileştirir.
Raphael, tek bir figürü ve pozu, tek bir hareketi tekrarlamadan, figürden figüre, bir gruptan diğerine akan esnek, özgür, doğal bir ritimle bunları birbirine dokuyor.
Yakındaki Elidor İstasyonu'nda (1512-14), duvar resimlerinde (“Elidor'un Tapınaktan Kovulması”, “Havari Peter'in Zindandan Mucizevi Kovulması”, “Bolsena'da Ayin”, “Papa'nın Toplantısı) Leo I ve Attila") ve tonozlardaki İncil sahneleri, olay örgüsü-anlatı ve dramatik başlangıç hakimdir, hareketlerin, jestlerin, karmaşık karşı noktaların acıklı heyecanı artar, ışık ve gölge kontrastları yoğunlaşır. Zindandan Havari Peter'in Mucizevi Sergisi Raphael'de, Orta İtalya sanatçısı için alışılmadık bir resimsel incelik, gece aydınlatmasının karmaşık etkilerini aktarır - bir meleği çevreleyen göz kamaştırıcı bir parlaklık, ayın soğuk ışığı, kırmızımsı meşale alevi ve muhafızların zırhına yansımaları.
Raphael'in en iyi eserleri arasında, nakkaş aynı zamanda bankacı ve hayırsever Agostino Chigi tarafından yaptırılmıştır, Chigi şapelinin tonozlarındaki duvar resimleri (c. 1513-14, Santa Maria della Pace, Roma) ve “The Triumph of Galatea” freski ” pagan neşesiyle dolu (c. 1514-15 , Villa Farnesina, Roma).
1515-16'da yapılmış, havariler Peter ve Paul'un (Victoria ve Albert Müzesi, Londra) tarihinden bölümlerin yer aldığı karton duvar halıları, stil açısından Stanz'ın duvar resimlerine yakındır, ancak daha şimdiden Raphael'in klasik tarzının tükenmesinin ilk işaretlerini göstermektedirler. - soğuk mükemmelliğin özellikleri, muhteşem başlangıç tutkusu, pozların gösterişliliği, aşırı jestler. Daha da büyük ölçüde, bu, yardımcıları Giulio Romano ve JF Penny tarafından Raphael'in çizimlerine göre yapılan Vatikan Stanza del Incendio'nun (1514-17) fresklerinin karakteristiğidir. Kolaylık, zarafet, hayal gücünün zenginliği, Raphael'in yardımcıları tarafından Villa Farnesina'nın Psyche Salonu'ndaki (c. 1515-16) ve sözde çizimlerine göre yapılan tamamen dekoratif resimlerle ayırt edilir. Vatikan Sarayı Raphael Loggias'ı (1518-19).
Roma Madonnaları
Roma döneminde Raphael, Madonna imajına çok daha az döner ve ona yeni, daha derin bir çözüm bulur. Romalı bir halk gibi giyinmiş genç bir anne olan Madonna della Sedia'da (c. 1513, Pitti, Floransa), küçük Vaftizci Yahya ve İsa dairesel bir çerçeveyle (tondo) birbirine bağlanmıştır; Madonna, oğlunu kollarında saklamaya çalışıyor gibi görünüyor - çocukça olmayan ciddi bir görünüme sahip küçük bir Titan. Madonna imgesinin yeni, polifonik olarak karmaşık bir yorumu, en eksiksiz ifadesini Raphael'in en mükemmel kreasyonlarından birinde buldu - sunak "Sistine Madonna" (c. 1513, Sanat Galerisi, Dresden).
portreler
İlk portreler Floransa dönemine aittir (Agnolo Doni, c. 1505, Pitti, Florence; Maddalena Strozzi, c. 1505, age; Donna Gravida, c. 1505, age). Bununla birlikte, Raphael yalnızca Roma'da ilk portrelerinin kuruluğunun ve biraz sertliğinin üstesinden geldi. Roma eserleri arasında hümanist Baldassare Castiglione'nin (c. 1514-15, Louvre) portresi ve sözde. Asil ve uyumlu görüntü yapısı, kompozisyon dengesi, incelik ve renk şemasının zenginliği ile muhtemelen “Sistine Madonna” nın (c. 1516, Pitti, Floransa) bir modeli olan “Donna Velata”.
mimari işler
Raphael, İtalyan mimarisinde gözle görülür bir iz bıraktı. Binaları arasında, sade iç mekanı ile küçük San Eligio degli Orefici kilisesi (yaklaşık 1509'da atılmıştır), içi bir birlik örneği olan Santa Maria del Popolo Kilisesi'ndeki (yaklaşık 1512'de inşa edilmiş) Chigi şapeli vardır. Rönesans için bile ender bulunan, Raphael tarafından tasarlanan mimari tasarım ve dekor - duvar resimleri, mozaikler, heykeller ve tamamlanmamış Villa Madama.
Raphael, İtalyan ve Avrupa resminin müteakip gelişimi üzerinde büyük bir etkiye sahipti ve antik çağın ustalarıyla birlikte sanatsal mükemmelliğin en yüksek örneği haline geldi.
Rafael Santi'nin Tabloları:
"Perisi Galatea"
"Madonna ve Çocuk"
“Aziz George ejderhayla savaşır”
“Peygamber Ezerkiel'in Vizyonu” “Adem ve Havva”
Michelangelo Buonarroti
Michelangelo Buonarroti (1475-1564), İtalyan heykeltıraş, ressam, mimar ve şair. En büyük güçle, Yüksek Rönesans'ın derin insani ideallerini, kahramanca dokunuşlarla dolu ve ayrıca Geç Rönesans döneminde hümanist dünya görüşünün krizinin trajik duygusunu ifade etti. İmgelerin anıtsallığı, plastisitesi ve draması, hayranlık insan güzelliği erken çalışmalarda ortaya çıktı ("Mesih'in Ağıtı", c. 1497-98; "David", 1501-04; karton "Kashin Savaşı", 1504-06). Vatikan'daki Sistine Şapeli'nin kubbesinin resmi (1508-12), "Musa" heykeli (1515-16), insanın fiziksel ve ruhsal güzelliğini, sınırsız yaratıcı olanaklarını doğrular. Rönesans ideallerinin krizinin neden olduğu trajik notlar, Floransa'daki San Lorenzo Kilisesi'nin Yeni Kutsallığı topluluğunda (1520-34), sunak duvarındaki "Son Yargı" (1536-41) freskinde ses çıkarıyor Sistine Şapeli, "Mesih'in Ağıtı"nın sonraki versiyonlarında ( c. 1550-55), vb. Michelangelo'nun mimarisinde (Floransa'daki Laurentian kütüphanesi, 1523-) plastik ilke, kütlelerin dinamik kontrastı hakimdir. 34). 1546'dan itibaren St.Petersburg Katedrali'nin inşaatına nezaret etti. Peter, Roma'daki Capitol topluluğunun yaratılması. Michelangelo'nun şiiri, düşünce derinliği ve yüksek trajedi ile ayırt edilir.
Michelangelo Buonarroti (1475, Caprese - 1564, Roma), İtalyan heykeltıraş, ressam, mimar, şair, Yüksek Rönesans'ın önde gelen ustalarından biri.
Gençlik. Yıllar süren çalışma
Erken eğitimini Floransa'daki bir Latin okulunda aldı. Lorenzo Medici'nin Medici Bahçeleri'nde kurduğu sanat okulunda Ghirlandaio ile resim, Bertoldo di Giovanni ile heykel çalıştı. Giotto ve Masaccio'nun fresklerini kopyaladı, Donatello'nun heykelini inceledi ve 1494'te Bologna'da Jacopo della Quercia'nın eserleriyle tanıştı. Michelangelo'nun iki yıl yaşadığı Lorenzo'nun evinde, daha sonra dünya görüşü ve yaratıcılığı üzerinde güçlü bir etkisi olan Neoplatonizm felsefesiyle tanıştı. Formların anıtsal genişlemesinin cazibesi, ilk çalışmalarında - "Merdivenlerde Madonna" (c. 1491, Casa Buonarroti, Floransa) ve "Sentorların Savaşı" (c. 1492, age) kabartmalarında zaten belliydi.
Birinci Roma dönemi (1496-1501)
Roma'da Michelangelo, Medici Bahçeleri üzerine çalışmasına devam etti. antik heykel zengin plastisitesinin kaynaklarından biri haline gelen. Ustanın yaratıcı olgunluğunun başlangıcına tanıklık eden antik Bacchus heykeli (c. 1496, Ulusal Müze, Floransa) ve heykel grubu "Pieta" (c. 1498-99), ilk Roma dönemine aittir.
Floransa dönemi (1501-06). davut heykeli
1501'de Floransa'ya dönen Michelangelo, cumhuriyet hükümetinden 5,5 metrelik bir Davut heykeli (1501-04, Akademi, Floransa) yaratma emri aldı. Palazzo Vecchio'nun belediye binasının yanındaki Floransa'nın ana meydanına kuruldu (şimdi bir kopyasıyla değiştirildi), cumhuriyetin özgürlüğünün bir sembolü olması gerekiyordu. Michelangelo, David'i 15. yüzyılın ustalarının yaptığı gibi Goliath'ın kopmuş kafasını ayaklar altına alan kırılgan bir genç olarak değil, savaştan önceki anda kendine güven ve müthiş bir güçle dolu güzel, atletik yapılı bir dev olarak tasvir etti (çağdaşları onu çağırdı) terribilita - harika).
Aynı zamanda, 1501-05'te Michelangelo, hükümetten başka bir sipariş üzerinde çalıştı - Leonardo da Vinci'nin "Anghiari Savaşı" tablosuyla birlikte süslemesi gereken "Cascine Savaşı" freski için karton Palazzo Vecchio'nun salonu. Duvar resimleri yapılmadı, ancak Michelangelo'nun Sistine tavan resminin pozlarının ve jestlerinin dinamiklerinin habercisi olan karton taslağı korundu.
İkinci Roma dönemi (1505-16)
1505'te Papa II. Julius, Michelangelo'yu mezar taşı üzerindeki çalışmaları ona emanet ederek Roma'ya çağırdı. Michelangelo'nun projesi, o zamanın İtalya'sı için geleneksel olan duvar mezar taşlarının aksine, bir insandan daha büyük 40 heykelle süslenmiş görkemli, bağımsız bir türbe yaratılmasını sağladı. II. Sistine Şapeli'ni boyamak için II.
Sistine Şapeli'ndeki freskler
Sistine Tavanı'nın (1508-12) freskleri, Michelangelo'nun gerçekleştirdiği planların en görkemlisidir. Tonozun yan kısımlarında 12 havari figürü ve ana kısmının süsleme dolgusu ile kendisine önerilen projeyi reddeden Michelangelo, hala çeşitli yorumlara neden olan kendi duvar resimleri programını geliştirdi. Geniş (40.93 x 13.41 m) papalık şapelini kaplayan devasa mahzen resmi, mahzenin aynasında Tekvin kitabının temaları üzerine 9 büyük kompozisyon içerir - Dünyanın Yaratılışından Tufan'a, 12 devasa figür tonozun yan bantlarında sibiller ve peygamberler, kalıp ve aylarda "Mesih'in Ataları" döngüsü, köşe yelkenlerinde Yahudi halkının mucizevi kurtuluşu konulu 4 kompozisyon. Devasa bir görünüme ve devasa ruhsal enerjiye sahip bu görkemli evrende yaşayan düzinelerce görkemli karakter, güçlü hareketle dolu en karmaşık jestler, pozlar, karşı direkler ve açılardan oluşan olağanüstü bir zenginlik sergiliyor.
Papa Julius II'nin mezar taşı
Julius II'nin (1513) ölümünden sonra, Michelangelo mezar taşı üzerinde yeniden çalışmaya başlar, 1513-16'da üç heykel yaratır - "Ölen Köle", "Yükselen Köle" (her ikisi de Louvre'da) ve "Musa". Julius II'nin varisleri tarafından defalarca revize edilen orijinal proje uygulanmadı. Onlarla imzalanan altıncı sözleşmeye göre, 1545'te Vincoli'deki San Pietro Roma kilisesine, 1540'ların başında yapılmış "Musa" ve 6 heykel içeren iki katmanlı bir duvar mezar taşı yerleştirildi. Michelangelo'nun stüdyosunda.
Başlangıçta bir mezar taşı olarak tasarlanan dört bitmemiş "Köleler" heykeli (c. 1520-36, Accademia, Floransa), Michelangelo'nun yaratıcı yöntemi hakkında bir fikir veriyor. Çağdaş heykeltıraşların aksine, bir mermer bloğunu her yönden değil, yalnızca bir yandan, sanki taşın kalınlığından figürler çıkarır gibi işledi; şiirlerinde, heykeltıraşın yalnızca orijinal olarak taşa gizlenmiş görüntüyü serbest bıraktığını defalarca söyler. Gergin dramatik pozlarda sunulan "Köleler", kendilerini bağlayan taş kütlesinden kaçmaya çalışıyor gibi görünüyor.
Medici Şapeli
1516'da Medici'den Papa X. Leo, Michelangelo'yu Floransa'daki 15. yüzyılda inşa edilen San Lorenzo Kilisesi'nin cephesi için bir proje geliştirmesi için görevlendirdi. Brunelleschi. Michelangelo, bu Medici bölge kilisesinin ön cephesini "tüm İtalya'nın bir aynası" yapmak istedi, ancak kaynak yetersizliği nedeniyle çalışma durduruldu. 1520'de Kardinal Giulio Medici, geleceğin Papa VII. 1527-30'da Medici'ye karşı çıkan ayaklanmayla kesintiye uğrayan bu proje üzerindeki çalışmalar (Michelangelo, kuşatma altındaki Floransa'nın üç yıllık savunmasının liderlerinden biriydi), Michelangelo 1534'te Roma'ya gitmek üzere ayrıldığında tamamlanmamıştı; yaptığı heykeller sadece 1546'da kuruldu.
Medici Şapeli, figüratif içeriği çeşitli yorumlara yol açan karmaşık bir mimari ve heykel topluluğudur. Lorenzo Dükleri ve Giuliano Medici'nin antik bir mimari dekorasyonun zemininde sığ nişlerde oturan ve Roma imparatorlarının zırhlarını giymiş heykelleri, portre benzerliğinden yoksundur ve belki de Aktif Yaşamı ve Düşünceli Yaşamı sembolize eder. Lahitin grafik olarak hafif ana hatları, lahitin eğimli kapaklarının üzerinde acı verici derecede rahatsız pozlarda, sanki onlardan kaymaya hazır gibi yatan devasa Gündüz ve Gece, Sabah ve Akşam heykellerinin plastik gücüyle tezat oluşturuyor. Michelangelo, bu görüntülerin dramatik dokunaklılığını, sanki Gece adına yazdığı bir dörtlükte ifade etti:
Uyumak benim için tatlı ve daha fazlası - bir taş olmak,
Utanç ve suç her yerdeyken:
Hissetmemek, görmemek - rahatlama.
Sus dostum, beni neden uyandırıyorsun? (Çeviren A. Efros).
Laurenzian Kütüphanesi
1520-34'te Floransa'da çalışma yıllarında, artan plastisite ve pitoresk zenginlik ile ayırt edilen mimar Michelangelo'nun tarzı oluşturuldu. Laurentian kütüphanesinin merdiveni cesurca ve beklenmedik bir şekilde çözüldü (proje c. 1523-34, Michelangelo'nun Roma'ya gitmesinden sonra gerçekleştirildi). İkinci katta yer alan okuma odasının hemen eşiğinde başlayan geniş antreyi neredeyse tamamen dolduran anıtsal mermer merdiven, dar bir dik basamakla kapı aralığından dışarı çıkar ve hızla genişleyerek üç kol oluşturarak hemen aşağı iner. dik olarak; salona çıkanlara doğru yönlendirilen büyük mermer basamakların dinamik ritmi, aşılması gereken bir tür güç olarak algılanıyor.
Üçüncü Roma dönemi. "Son Yargı"
Michelangelo'nun 1534'te Roma'ya taşınması, eserinin Floransa-Roma Rönesansı'nın genel krizine denk gelen son dramatik dönemini başlatır. Michelangelo, şair Vittoria Colonna'nın çevresine yaklaşır, bu çevrenin üyelerini harekete geçiren dini yenilenme fikirleri, o yıllardaki dünya görüşü üzerinde derin bir iz bırakır. Sistine Şapeli'nin sunak duvarındaki devasa (17 x 13,3 m) fresk Son Yargı'da (1536-41), Michelangelo geleneksel ikonografiden saparak, doğruların zaten günahkarlardan ayrıldığı Kıyamet anını tasvir etmiyor. , ama başlangıcı: İsa'nın elini kaldırmış bir hareketiyle cezalandırması, yok olan Evreni gözlerimizin önüne düşürür. Sistine tavanındaki devasa insan figürleri hareketin kaynağıysa, şimdi onları aşan bir dış güç tarafından bir kasırga gibi sürükleniyorlar; karakterler güzelliklerini kaybederler, devasa vücutları, çizgilerin uyumunu bozan kas tüberkülleriyle şişer gibi görünür; çaresizlik dolu hareketler ve jestler keskin, uyumsuz; genel hareket tarafından kapılmış, doğrular günahkarlardan ayırt edilemez.
Vasari'ye göre, 1550'lerde Papa IV. freski yıkacaktı, ancak bunun yerine sanatçı Daniele da Volterra azizleri "giydirmek" veya çıplaklıklarını peştamallarla örtmekle görevlendirildi (bu girişler, 1993'te sona eren restorasyon sırasında kısmen kaldırıldı).
Trajik acılar, Michelangelo'nun son resimlerinde de - "Havari Peter'in Çarmıha Gerilmesi" ve "Saul'un Düşüşü" (1542-50, Paolina Şapeli, Vatikan) freskleri ile doludur. Genel olarak, Michelangelo'nun geç resmi, tavırcılığın oluşumunda belirleyici bir etkiye sahipti.
Geç heykeller. Şiir
Figüratif çözümlerin ve plastik dilin dramatik karmaşıklığı, Michelangelo'nun geç dönem heykel eserlerini ayırt eder: "Pieta with Nicodemus" (c. 1547-55, Floransa Katedrali) ve "Pieta Rondanini" (tamamlanmamış grup, c. 1555-64, Castello Sforzesco) .
Michelangelo'nun günümüze ulaşan 200'e yakın şiirinin çoğu son Roma döneminde yazılmıştır. felsefi derinlik düşünceler ve dilin gergin ifadesi.
Aziz Katedrali Petra
1546'da Michelangelo, St.Petersburg'un baş mimarı olarak atandı. İnşaatına, ölümü sırasında (1514) dört dev sütun ve orta haç kemeri ile kısmen neflerden birini inşa etmeyi başaran Bramante tarafından başlanan Peter. Bramante'nin planından kısmen ayrılan halefleri Peruzzi, Rafael, Sangallo altında, inşaat neredeyse hiç ilerlemedi. Michelangelo, Bramante'nin merkez planına geri döndü, aynı zamanda tüm formları ve eklemleri genişleterek onlara plastik güç verdi. Michelangelo yaşamı boyunca bitirmeyi başardı Dogu kısmı katedral ve Giacomo della Porta tarafından ölümünden sonra dikilen devasa (42 m çapında) bir kubbenin giriş holü.
Capitol Topluluğu
Michelangelo'nun ikinci görkemli mimari projesi ancak 17. yüzyılda tamamlandı. Capitol Topluluğu. Bir taretle taçlandırılmış Michelangelo'nun projesine göre yeniden inşa edilen Senatörlerin ortaçağ sarayını (belediye binası) ve pilasterlerin güçlü ritmiyle birleşen, aynı cephelere sahip Muhafazakarların iki görkemli sarayını içerir. Meydanın ortasına yerleştirilmiş eski atlı Marcus Aurelius heykeli ve şehrin yerleşim bölgelerine inen geniş bir merdiven, yeni Roma'yı antik Roma Forumu'nun görkemli kalıntılarına bağlayan bu topluluğu tamamladı. Capitoline Tepesi'nin diğer tarafında.
Floransa'da cenaze
Duke Cosimo de' Medici'nin tekrarlanan davetlerine rağmen Michelangelo, Floransa'ya dönmeyi reddetti. Ölümünden sonra, cesedi gizlice Roma'dan çıkarıldı ve ünlü Floransalıların mezarı olan Santa Croce kilisesine ciddiyetle gömüldü.
İşler Michelangelo Buonaroti:
“ Davut ”
“ Işığın karanlıktan ayrılması ”
"Güneş ve Ay'ın Yaratılışı"
Rönesans, dünya sanat tarihinin en etkileyici sayfalarından biridir. Yaklaşık üç yüzyılı (XIV - XVI yüzyıllar) kapsar. Antik Dünya (yaklaşık 5000 bin yıl), Orta Çağ (yaklaşık 1000 yıl) dönemleriyle karşılaştırıldığında, Rönesans çok kısa bir süre gibi görünüyor. Ancak parlak sanat eserlerinin sayısı, yenilik ve o dönemin ustalarını arama cesareti sanatsal miras Rönesans, dünya sanatının gelişimindeki önceki aşamalardan daha aşağı değildir.
İtalya, Rönesans'ın doğum yeriydi. Zaten XIV.Yüzyılda, büyük İtalyan hümanist şair Francesco Petrarca'nın (1304-1374) eserlerinde, Rinascimento - Rönesans (Fransızca "Rönesans") kavramı ortaya çıktı.
Bu süre zarfında modern bilimin temelleri atıldı. yüksek seviye Alman Johannes Gutenberg'in matbaanın icadıyla daha önce görülmemiş dağıtım fırsatları elde eden literatüre ulaşır. Bu sırada Kristof Kolomb, Kopernik keşiflerini yapıyor, büyük İtalyanlar Dante, Petrarch, Fransız François Rabelais, "Gargantua ve Pantagruel" romanının yazarı, ünlü "Deneyler" in yaratıcısı Michel Montaigne ölümsüz eserlerini yazıyor. . Shakespeare'in trajedileri, Cervantes'in insan psikolojisine derinlemesine nüfuz etmesi, tutkularının ve özlemlerinin bilgisiyle dikkat çeken "Don Kişot" Rönesans'ta yazılmıştır.
Hümanizmin felsefi yönü (Latince "humanus" - bir kişi) Rönesans kültürünün ideolojik temeli haline gelir. İnsan yeniden "her şeyin ölçüsü" olur. Rönesans sanatının sloganı, 15. yüzyıl İtalyan hümanistinin içine yerleştirdiği sözlerden alınabilir. Kont Pico della Mirandola methiyesinde, Yaratıcı Tanrı'nın ağzından insana sesleniyor: "Seni dünyanın merkezine koydum..."
Romanesk ve Gotik kültürden farklı olarak, Rönesans'ın ortaçağ kültürü doğası gereği sekülerdi, ancak ana konu çemberi mitolojik ve İncil temalarıyla bağlantılı kaldı. Rönesans dönemi, insanın değerini onaylayan hümanistlerin dünya görüşüne kilise dogmalarına karşı çıktı.
Rönesans sanatının temellerinden biri antik mirasın yeni anlayışıdır.
Hümanizmin idealleri mimariye de yansır: binalar net, uyumlu bir görünüm kazanır, oranları ve ölçekleri bir kişiyle ilişkilidir.
Yüksek Rönesans'ın güzel sanatlarının gerçek kurucusu parlak Floransalı Leonardo da Vinci'ydi (1452-1519)
Leonardo'nun el yazmaları, onun yalnızca büyük bir ressam ve heykeltıraş değil, aynı zamanda bir mimar, tamirci, mühendis, botanikçi ve anatomist olduğuna da tanıklık ediyor.
Çok yetenekli bir kişi olan Leonardo da Vinci, etrafındaki her şeyle ilgileniyor, izlenimlerini her zaman yanında taşıdığı bir deftere yazıyordu. Kendisi hakkında "Döndürülemez bir bilgi susuzluğuna teslim olarak, sayısız doğa yaratığının kökenini anlamayı hayal ediyorum" dedi. Sanatçı, yaşamı boyunca tüm form çeşitliliğiyle dünyayı, doğanın kendi "aklına" sahip bir yaratımı olarak ele alır ve ressamları doğa ile sanat arasında aracı olmaya çağırır.
